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Crítica de Posesión infernal: En llamas, de Sébastien Vaniček

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La franquicia de terror de Posesión infernal ha cobrado nueva vida gracias a la serie de televisión Ash vs Evil Dead y la película Posesión Infernal: El despertar. Nos llega ahora su continuación Posesión infernal: En llamas, dirigida por el director francés Sébastien Vaniček.

PUNTUACIÓN: 6/10

Tras la muerte de su marido, una mujer busca consuelo junto a la familia de él en su aislada casa familiar. Pero cuando, uno tras otro, empiezan a quedar poseídos, la reunión se convierte en un reencuentro familiar sacado directamente del infierno. Entonces descubre que los votos que hizo en vida… siguen siendo vinculantes incluso después de la muerte.

Sébastien Vaniček es un cineasta francés conocido sobre todo por haber dirigido la película de terror Infested (2023). Además de dirigir, Vanicek escribe junto a Florent Bernard el guion de esta película de 109 minutos de duración y un presupuesto de 20 millones de dólares. Sam Raimi se mantiene como productor ejecutivo de la película a través de su productora Ghost House Pictures. La película es una coproducción entre Estados Unidos y Nueva Zelanda, donde se rodó la película. La fotografía de la película corre a cargo de Philip Lozano, el montaje es de Maxime Caro y la música de Double Danger.

En el reparto tenemos a un montón de caras desconocidas. Souheila Yacoub como Alice Price es la protagonista de la película, y una de sus principales sufridoras. Tandi Wright en el papel de Susan Price, Hunter Doohan en el papel de Joseph Price, Luciane Buchanan en el papel de Thya, Erroll Shand en el papel de Edgar Price, Maude Davey en el papel de Polly Price y George Pullar en el papel de William Price.

Posesión infernal: En llamas es una directa continuación de Posesión infernal: El despertar, la brillante película de 2023 dirigida por Lee Cronin. En llamas es la sexta película de la serie Posesión infernal, que en este caso podría resumirse como una «reunión familiar infernal.»

En la casa familiar alejada del mundo, el joven Joseph Price investiga los estudios de su difunto abuelo Benjamin sobre el Necronomicón y los Deadites. Descubre la Daga de Kandarian, que podría destruir a los Deadites. Su hallazgo despierta a la Deadite Jessica, protagonista de Posesión infernal: El despertar, que se quedó en estado latente en un lago al final de la película anterior. Jessica provocará la muerte del hermano de Joseph, William, marido de Alice, en un accidente de tráfico. El velatorio de Will llevará a Joseph, Alice y Thya (novia de Joseph) a la casa familiar, que se encuentra en el campo aislada del mundo. Junto a ellos están los padres de Joseph y Will Susan y Edgar, y la abuela Polly, que sufre demencia. En este espacio aislado se liberará el infierno.

El difunto Will ha sido convertido en un deadite, y a su vez él convierte a su sufrido padre Edgar, lo que hará que la película se convierta en el escenario de las salvajadas más bestias imaginables. La segunda víctima será Thya, que sufre el ataque de Edgar en las que son una de las imágenes más bestias de la película. Parte de la cual se ve en el trailer, que casi os recomendaría que NO viérais.

En una película de Evil Dead se esperan salvajadas y mucha sangre. Sébastien Vaniček ofrece momentos super desagradables de ver, empezando con el primer ataque a Thya o el momento lavaplatos. Lo que se espera de una película de Posesión infernal, vamos. Ambos momentos están incluidos en el trailer, lo cual para mi es una pena. Porque entiendo la necesidad de mostrar cosas muy bestias que hagan que el público quiera ver la película. Pero en mi caso que ya estaba interesado, me han mostrado anticipadamente momentos claves de la película, por lo que su impacto fue menor.

Me ha gustado el trabajo de Vaniček como director. Aparte de la violencia super explícita, hay varios momentos de gran tensión con algunos shocks visuales muy bestias. Por ejemplo, hay una escena que me ha gustado mucho, en la que el plano acompaña a una aturdida Alice mientras intenta escapar arrastrándose por el suelo del comedor del ataque de una deadite que está destrozando al resto de la familia en segundo plano. En este tipo de película no es sólo el gore, también esperas ver soluciones visuales novedosas. Y Vaniček nos ofrece unas cuantas.

El apartado técnico de la película me ha gustado mucho. En especial, los encargados del maquillaje y las prótesis que se utilizan con las diferentes heridas por todo el cuerpo de toda la familia. Empezando por Thya, que tiene una de las imágenes que van a convertirse en más icónica de toda la serie. Me ha flipado como la córnea de los ojos de las personas infectadas cambia y se transforma, lo que marca quien está poseído y se ha convertido en un deadite. Es otro elemento super potente de la película. Tengo que decir que hubo menos explosión de sangre de lo que esperaba, pero la violencia es super over-the-top y hace que tenga que retirar la mirada en varios momento, como en las primeras muertes en el lago cuando el agua hierve.

Otro de los elementos que me gusta es que en el mundo real la gente no es capaz de matar así como así. Y aunque ves que tu padre está infectado por algo que no entiendes, no puedes matarle a pesar que te está pegando una paliza. A ti o a tu novia. No se si es cobardía o qué, pero es un rasgo muy muy humano. Esto me ha gustado mucho, porque como espectador estás deseando que los protagonistas de una película de zombies empiecen a machacar a los muertos vivientes. Pero esas personas son amigos y seres queridos, no es tan sencillo. Seguro no lo sería en el mundo real.

Otra de las cosas super chulas de Evil Dead es que cuando un deadite posee a una persona es algo super injusto y casi aleatorio, y te duele porque esa personaje es inocente y no se lo merece. En esta película empieza con Edgar, pero lo que Thya es de traca. Pero a partir de ese momento, es un engendro del infierno que tiene que ser aniquilado de la forma que sea.

Dentro de la naturaleza autoconclusiva de la película, me resulta llamativa la cantidad de elementos de world-building que tiene la película, empezando por la existencia de la Daga de Kandarian que puede destruir a los Deadites. O que el abuelo de Joseph Benjamin Price perteneciera a un grupo de investigadores dedicados a estudiar el Necronomicon para intentar destruirlo. De alguna manera, parece un intento evidente para plantar semillas que puedan ser utilizados en próximas películas. Porque las cintas de los investigadores del Necronomicon siempre estuvieron en el centro de todo desde la primera película, pero creo que esta es la primera vez que se nombre a este grupo de investigadores.

Posesión infernal: En llamas estaba siendo una diversión super over-the-top que me estaba gustando, dentro que El despertar tiene momentos más chungos y dramáticos que esta película, y era mejor. Pero a grandes rasgos puede decirse que la película nos da el entretenimiento que buscamos cuando vamos a ver una película de estas características.

Lamentablemente, la película pierde el rumbo en unos últimos 15 minutos que no hay por donde cogerlos. Como decía antes, una de las mejores cosas de Evil Dead es lo injusto que es todo, cualquiera puede ser infectado y convertido en un deadite. Que seas bueno o malo nunca fue determinante. Esto se rompe en los minutos finales con el retorno a la película de Will, el difunto marido de Alice que resulta que la maltrataba. Esto mata la película porque Evil Dead nunca fue de violencia doméstica ni que de Alice encuentre su venganza ante lo que había sufrido antes del inicio de la película. Que no digo que no pueda dar para una película curiosa, pero desde luego NO es Evil Dead.

Entiendo que Sam Raimi quiera que se hagan cosas diferentes para que la franquicia de Evil Dead no se estanque en «más de lo mismo». Pero este final de la película me parece super fallido e impropio de esta franquicia. Dentro que globalmente la película me ha resultado entretenida y cumple su función, me dejó con mal sabor de boca. Y es una pena.

Es una pena que la película descarrile en sus minutos finales, porque hasta ese momento estaba siendo el entretenimiento sangriento que se espera de una película de Evil Dead. A pesar de ello, si Sam Raimi consiguiera mover una nueva entrega, lo normal es que yo la vea en el cine.

Comparto el trailer de la película:

Ha sido una pena que el final de Posesión infernal: En llamas haya empañado la que estaba siendo una película super entretenida con un montón de puntazos desagradables de ver. Lo que se espera, vamos.

PUNTUACIÓN: 6/10

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Crítica de Akira de Katsuhiro Otomo

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Tenía muchísimas ganas de volver a ver  enpantalla grande Akira, la obra maestra de Katsuhiro Otomo estrenada originalmente japón en 1988. Y la experiencia ha sido una pasada.

PUNTUACIÓN: OBRA MAESTRA

Año 2019. Neo-Tokyo es una ciudad construida sobre las ruinas de la antigua capital japonesa destruida tras la Tercera Guerra Mundial. Japón es un país al borde del colapso que sufre continuas crisis políticas. En secreto, un equipo de científicos ha reanudado por orden del ejército un experimento para encontrar a individuos que puedan controlar el arma definitiva: una fuerza denominada ‘la energía absoluta’. Pero los habitantes de Neo-Tokyo tienen otras cosas de las que preocuparse. Uno de ellos es Kaneda, un joven pandillero líder de una banda de motoristas. Durante una pelea, su mejor amigo, Tetsuo, sufre un extraño accidente y termina ingresado en unas instalaciones militares. Allí los científicos descubrirán que es el poseedor de la energía absoluta. Pero Tetsuo, que no se resigna a convertirse en un conejillo de indias, muy pronto se convertirá en la amenaza más grande que el mundo ha conocido. (FILMAFFINITY)

Katsuhiro Ōtomo (Hasama, 1954), es un dibujante de manga, director de anime, y guionista tanto de manga como anime. Se le conoce principalmente por ser el director de Akira (1988), una de las películas más influyentes del anime, así como por ser el artista/guionista del manga homónimo (1982-1990). Más allá de Akira, Otomo dirigió, codirigió, produjo, escribió y guionizó películas reconocidas como Roujin Z (1991), Memories (1995), Metrópolis (2001) y Steamboy (2004).

Otomo escribió el guion de esta adaptación de su manga junto a Izō Hashimoto. La música es de Shoji Yamashiro, el sonido de Tokuya Shimada, la fotografía de Katsuji Misawa y el montaje de Takeshi Seyama. La película tiene 124 minutos de duración, muchísimo para la época. En su momento fue la producción más cara de la historia de Japón, teniendo que juntarse las empresas más importantes del entretenimiento japonés para juntas los casi 1000 millones de yenes que costó su creación. Un importa que fue recuperado debido al enorme éxito de crítica y público sobre todo en Japón.

La película de Akira se estrenó en Japón en 1988, aunque tardó años en llegar a Europa y en concreto a España. Es importante tener en cuenta que esta película se estrenó casi dos años antes que Otomo cuncluyera el manga, por lo que la historia tomó un camino separado. Dentro que muchos elementos parecen elementos resumidos de tramas vistas en la primera mitad del manga.

Vi Akira en 1992 en Barcelona aprovechando un viaje al Salón del Comic. La película de Katsuhiro Otomo me voló la cabeza y puede decirse que fue la puerta de entrada hacia las posibilidades narrativas y expresivas de las obras hechas en Japón. Si, por supuesto unos años antes se uní la la fiebre por Bola de Drac gracias a la emisión de TV3, pero Akira estaba a otro nivel. A lo largo de los años he leído un par de veces el manga y he visto varias veces la película, pero tenía muchas ganas de poder volver a ver la película gracias al reestreno de esta nueva versión remasterizada en 4K. Y la experiencia ha sido increíble.

La película en su momento fue un hito para el mundo de la animación. Es impresionante pensar en que cada fotograma de la película es una imagen dibujada a mano por una persona. El nivel de detalle de cada fotograma es mayor a cualquier cosa que pueda ser expresado. Las imágenes de Neo-Tokio, las manifestaciones y la represión policial, Los peleas de motos entre bandas rivales. Y por supuesto, la transformación de Tetsuo en un ser superpoderoso gigante. No hay palabras.

Comentaba que en su momento Akira fue la producción más cara de una película de anime estrenada en el cine. Y lo cierto es que todo eso lucía en pantalla. Desde luego yo nunca había visto algo así. Por supuesto, resulta super llamativa la hiper violencia de la película. De nuevo, algo poco habitual de ver en una película de animación. El nivel de muertes de la película es acojonante, impactando sobre todo las muertes causadas por Tetsu en el cuarto final de película, cuando su poder se desencadena. Pero las muertes causadas por la policía también son momentos super chungos.

La animación sigue siendo revolucionaria, y me ha volado la cabeza. Pero ha sido también una pasada volver a ver una película con una historia con múltiples jugadores en la que en realidad no puedes decir nunca que uno es el «bueno» y otro el «malo». Como en la vida real, tenemos a gente egoísta haciendo cosas por su propio interés que chocan con los deseos de otras personas.

Al acabar la película, un chaval sentado detrás mío comentaba a su grupo que no se había enterado de nada. Está claro que yo he visto la película varias veces, aparte de leído el manga. Pero diría que la película SI ofrece los detalles justos para que el espectador se haga con una idea general lo compleja de la situación política de Japón en 2019, cuando Tetsuo adquirirá sus poderes tras un accidente de moto y un encuentro con Takashi, un niño esper huido del laboratorio del gobierno donde vive.

Tras ser destruida Tokio en 1988 por el despertar de Akira, 2019 es un momento convulso en el que el país está a punto de caer en una dictadura militar debido a parálisis del gobierno. Al mismo tiempo, grupos extremistas quieren provocar una revolución que ni siquiera ellos saben cual es, mientras que políticos ambiciosos buscan aprovechar ese descontento en su propio beneficio. Al mismo tiempo, las sectas religiosas piden también una revolución. Y por si fuera poco, científicos embobados por el «sueño del descubrimiento» van a provocar una matanza al tratar con fuerzas que no pueden controlar, demostrando que no escarmentados con la primera masacre de 1988 que destruyó Tokyo por primera vez. De una manera u otra, todos van a conseguir lo que deseaban, pero los resultados no van a ser como ellos esperaban, al provocarse una nueva masacre que casi aniquila todo Tokio por segunda vez.

Otra de las cosas más llamativas para mi de Akira es ver una película en la que tenemos protagonistas, Kaneda y Tetsuo, pero desde luego no tenemos «héroes» ni «villanos». De hecho, Kaneda es un gilipollas macho alpha que trata mal a sus amigos. Y aunque intenta rescatar a Tetsuo tras ser detenido por el ejército, luego se enfada como lo haría un niño orgulloso de 10 años cuando Tetsuo rechaza su ayuda porque sus poderes le han convertido en más poderoso que él. Que Kaneda esté acostumbrado a mandar y no pueda mandarle a Tetsuo y por eso se enfade con él y busque matarle, me parece uno de los muchísimos detalles super complejos de la película que justifica su calificación para adultos. Calificación que una parte es por la violencia extrema y los momentos sexuales. Pero también por una historia super compleja, mucho más compleja que la media de películas occidentales de la época.

También Tetsuo merece un comentario, al ser un chaval con una infancia dramática al ser abandonado por su padre. Tetsuo vivió a la sombra de Kaneda odiándole y odiándose a si mismo por no poder defenderse por si mismo. Cuando reciba los poderes, vas a significar un chute de autoestima que va a provocar una masacre brutal. Kaneda puede ser una víctima de la sociedad brutal, pero al final eso por si sólo tampoco justifica sus acciones a lo largo de la película.

Dentro de los temas de la película, una parte por supuesto es el miedo nuclear, que sigue super presente en la sociedad japonesa. El miedo hacia los poderes de un estado onmipotente también está muy presente en la obra, como los problemas credos por científicos que juegan a ser Dios intentando controlar poderes que son incontrolables y que van a provocar la tragedia. Experimentando en niños inocentes, no nos olvidemos. Los problemas de la sociedad moderna en la que los jóvenes no encuentran su lugar dentro de la sociedad es otra idea muy potente de esta película.

Por todo esto y más cosas que podrían decirse de AKIRA, no tengo duda que estamos ante una OBRA MAESTRA ABSOLUTA del cine que ha aguantado de forma increíble el paso del tiempo.

Comparto el trailer de la película:

Volver a ver Akira en pantalla grande ha sido una maravilla. OBRA MAESTRA con todas las de la ley.

PUNTUACIÓN: OBRA MAESTRA

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Crítica de Minions & Monsters de Pierre Coffin

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Minions & Monsters es la séptima película de la franquicia de Gru / Minions. Y la película de Pierre Coffin me ha sorprendido con su chulísima carta de amor a la industria del cine y su historia.

PUNTUACIÓN: 8/10

La historia de cómo los Minions conquistaron Hollywood, se convirtieron en estrellas de cine, lo perdieron todo, desataron monstruos en el mundo y luego se unieron para intentar salvar al planeta del caos que acababan de crear.

Pierre-Louis Padang Coffin (Francia, 1967) es un animador, director, productor, guionista y actor de doblaje francés. Es conocido sobre todo por haber codirigido las cuatro primeras entregas de la saga «Gru, mi villano favorito» y por ser el cocreador y la voz principal de todos los Minions.

Minions & Monsters está dirigida por Pierre Coffin, con guion de Coffin y Brian Lynch. Como las anteriores películas de la seria, está producida por Illumination, y es la tercera entrega de la serie de precuelas de Minions y la séptima entrega en total de la franquicia Gru, mi villano favorito.

La película de apenas 85 minutos de duración cuenta con un montaje de Gregory Perler y música de John Powell. Contando que tiene un presupuesto de 85 millones de dólares, muy alejado de los costes de las películas de Disney o Pixar, la película tiene asegurada su rentabilidad, lo que asegura que la franquicia de Gru va a tener continuación en cuanto piensen la siguiente historia de estos alocados personajes.

En las voces originales tenemos de nuevo al director Pierre Coffin haciendo las voces de todos los Minion. Trey Parker es Goomi, un monstruo parecido a Cthulhu cuyo nombre completo es Gary Orcam Oliver Magma Ichabod el Engañador; Allison Janney pone la voz a Olivia, una guía turística; Christoph Waltz es Max, un director de cine que contrata a los Minions para que protagonicen sus películas; y Jesse Eisenberg interpreta a Dort, un robot extraterrestre al que los Minions ven como su posible jefe, y Jeff Bridges en el papel de Frank y Elwood Bright, hermanos gemelos y jefes de un estudio de cine.

Una de las cosas más interesantes de inicio de esta Minions & Monsters es que presenta nuevos protagonistas que sustituyen a los habituales Kevin, Stuart y Bob. Dentro de ser una película de Minions con las habituales locuras y gags visuales de los bichos amarillos, los nuevos protagonistas resultan un acierto total.  James, es un Minion de ojos azules al que le encanta crear arte y que descubre su pasión por el cine. Luego tenemos a Henry, el mejor amigo de James, Ed, un Minion sordo que se comunica mediante el lenguaje de signos; y Dick, un Minion alto que es el teórico líder de esta tribu de Minions.

El propio concepto de la existencia de diferentes tribus de minions por el mundo (y por el tiempo) buscando a su jefe malvado, abre la posibilidad para poder ampliar las posibilidades de esta exitosa franquicia de animación. En este sentido, el comienzo de la película se siente como una repetición de la primera película de Minions, al ver cómo los minions se van cargando a todos los jefes malvados que van encontrando a lo largo de la historia. Aunque todo lo que tiene de repetición lo tiene de divertido, con unos gags visuales super graciosos.

A partir de este prólogo, Minions & Monsters se eleva por encima de lo esperado gracias a la parte principal de la historia. Los Minions llegan por accidente a un Hollywood idealizado de los años 20 o primeros 30, y allí James se enamora del mundo del cine. Aquí es cuando llega la genialidad de la película, dado que Pierre Coffin plantea una carta de amor hacia la historia del cine. Los Minions se inspiran muchísimo en los gags visuales del cine mudo, de maestros como Harold Lloyd o Charles Chaplin. Que la película les homenajee resulta emocionante a la vez que super divertido.

Los homenajes al cine clásico son muchos y muy diversos. Y esto me parece super llamativo, porque a la larga creo que es lo que hizo que Minions & Monsters me gustara a mi mucho más que a mi hijo. Porque yo reconocía los homenajes pero él no. Esta idea de película de cine familiar que gusta a los niños y también a los padres conecta con los clásicos de Disney y Pixar, y es la estrategia perfecta para conseguir que los padres sigamos llevando a nuestros hijos al cine a ver las siguientes.

La carta de amor al Hollywood clásico da un paso a un lado para poner en marcha la historia principal. James quiere hacer una película, y para ello seguirá el consejo de su nuevo amigo Goomi, un monstruo de inspiración lovecraftiana que le sugiere a James que invoque a más monstruos amigos suyos para que protagonicen la película. Por supuesto, como buen monstruo que es, la intención de Goomi es despertar a unos hermanos que conectan con los mitos de Cthulhu para que le ayuden a destruir el mundo. Lo que nos llevará al brillante climax final.

Si hablaba del homenaje a la historia del cine es también porque Minions & Monsters no se queda en los años 20/30, sino que amplía su ámbito de influencia al irse a los 50 para ver su versión de Ultimatum a la Tierra o las películas de monstruos que culminaron en las películas de Godzilla y de kaijus. La combinación es una locura, pero una locura que funciona. Y que es super divertida.

Otra de las virtudes de Minions & Monsters es su duración. Pierre Coffin nos sobrecarga con gags visuales que hacen que siempre estén pasando varias cosas en pantalla al mismo tiempo. Por ejemplo, en los primeros rodajes de películas con minions, donde te das cuenta que te estas perdiendo algo. Y que sirven de contrapunto de una historia muy sencilla que va directa al grano. Me gusta mucho la forma en que la película no busca alargar una historia no que da más de si. Y que en realidad son varias historias conectadas un poco por los pelos. Con todo, el giro final con la idea de «cine dentro de cine» me parece brillante y consiguió dejarme super satisfecho.

Me parece digno de elogio que la séptima película de una franquicia haya conseguido plantear nuevos temas de forma tan divertida para toda la familia. Algo que asegura el futuro de los minions en la gran pantalla. No esperaba pasármelo tan bien como lo he hecho, y me parece una maravilla.

Comparto el trailer de la película:

Minions & Monsters es un triunfo absoluto y super sorprendente. Manteniendo este nivel, confirmo que veré seguro la siguiente película del estudio Illumination.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Reflexiones de domingo 13/2026: Sobre el fracaso de taquilla de Supergirl

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¡Feliz domingo! Hoy quiero comentar el desastre de taquilla de Supergirl, que pone en riesgo todo el plan de James Gunn y Peter Safran para el universo DC en el audiovisual. Ampliado con la enorme exclusiva de The Hollywood Reporter que muestra el doble juego que han estado jugando Gunn y Safran desde hace casi un año.

Los datos no dejan lugar a la duda.

Supergirl de Craig Gillespie ha costado entre 170-180 millones de dólares, a lo que hay que sumar al menos 120 millones adicionales para gastos de promoción y publicidad.

En el momento en que escribo estas líneas, viernes 3 de julio, Supergirl ha recaudado tras su primera semana en pantalla unos míseros 79 millones de dólares en todo el mundo: 46 millones en USA y apenas 32 millones en el resto del mundo. Tras el desastre del primer fin de semana, varios medios americanos informaron que la película se enfrenta a unas pérdidas de entre 100-150 millones de dólares, lo que supone un desastre importante para las cuentas de Warner Bros.

¿Qué ha fallado?

En primer lugar, este desastre deja claro algo que muchos fans y profesionales «serios» intentaron negar el año pasado. Y es que Superman de James Gunn NO fue ni mucho menos el éxito que se nos intentó vender, con apenas 618 millones de recaudación a partir de un presupuesto de 225 millones. La película de Gunn cubrió justo el multiplicador de x2.5 sobre el presupuesto, lo que indica que no perdió dinero, pero no tuvo apenas ganancia tras su paso por los cines. Cuando el negocio de los estudio de cine es ganar dinero con sus producciones. Aunque luego ingresaran con el streaming, la película no fue el éxito que debería haber sido para ser la plataforma de lanzamiento de un nuevo universo cinematográfico.

Algunas personas han intentado relativizar este fracaso afirmando que en realidad estaba claro que Supergirl es un personaje mucho menos popular que Superman y por tanto es normal que fuera a recaudar menos que su primo. Y siendo cierta la primera parte, hay que negar la mayor, porque nadie invierte 300 millones de dólares si piensa que la película va a perder dinero. Pero es más, si era posible que la película fuera a sufrir ante la comparación contra su primo, era responsabilidad de Gunn no estrenarla justo a continuación de la suya, para crear espacio entre ambas que consiguiera que los espectadores se animaran a verla. Gunn no lo hizo, y esto también ha perjudicado a la película. Y esto es responsabilidad del jefe de DC Studios, no de los espectadores.

Aparte de que muchas menos gente de la que hubieran deseado en Warner vieron Superman, la película sufrió otro problema adicional, porque en realidad tampoco gustó todo lo que debería haberlo hecho. Y esto es importante cuando pensamos que los espectadores repetimos cuando una película nos gusta, y evitamos volver a ir al cine si la película previa no nos ha gustado. Acabamos de verlo con el éxito de taquilla de Toy Story 5, que ha superado los 600 millones de recaudación tras dos semanas en los cines, cuando la narrativa del mainstream USA antes de su estreno era que Pixar había creado una película innecesaria que no llegaría a los niveles de brillantez de las tres primeras. Sin embargo, estos intentos de desanimar al público no han funcionado y la película de Pixar se dirige a una taquilla superior a los 900 millones de dólares, con la posibilidad de superar los 1000. Los espectadores a los que nos encantó Toy Story 4 hemos ido a ver la quinta. Y casi nadie fue a ver Supergirl.

James Gunn convirtió a Supergirl en una borracha maleducada en su película, una idea terrible para presentar al personaje que fue rechazado por muchos espectadores. Empezando por los fans de la serie de televisión, que mostraba a una heroína positiva que vivía aventuras ligeras en las que las peripecias románticas eran una parte muy importante de las tramas. En lo que es un tremendo error que puede verse que lo ha pagado en la taquilla, durante la promoción de la película el estudio hizo muy visible que la parte de romance juvenil había sido abandonada completamente, con una Millie Alcock haciendo bandera de consignas del feminismo mainstream y de los movimientos queer. Cuando sumas el elemento de panfleto ideológico con un personaje mal presentado que provocó rechazo entre los espectadores, el resultado fue una tormenta perfecta que ha provocado que el público haya rechazado ir a verla.

En todos los análisis mainstream «serios» que se han publicado en USA y en España, aún nadie ha llegado a explicar cómo una película promocionada como super feminista y empoderada ha fracasado especialmente entre el público femenino, que es el que más ha rechazado la película. El mismo público que hizo de Wonder Woman (Patty Jenkins, 20217) o Barbie (2023) fenómenos de taquilla han rechazado pagar por ver Supergirl.

Cuando una película fracasa en taquilla, los espectadores que deciden NO verla en realidad no saben si la película es buena o mala. Sólo saben lo que la promoción les ha vendido, y en el caso de Supergirl queda claro que ha sido deficiente y no ha sabido llamar la atención de los espectadores. Al contrario, se transmitía que estábamos ante una versión de Hacendado que copiaba la estética que James Gunn creó en Los Guardianes de la Galaxia. Si la cosa pintaba cutre y el personaje provocó más rechazo que otra cosa, es normal que el público haya elegido como lo haya hecho.

En lugar de analizar todos estos aspectos, los medios interesados sólo se centran en un aspecto para justificar el fracaso. El odio online y el review bombing de entre otros, los haters del snyderverse. Y siendo cierto que este odio es real y es asqueroso, esto por si sólo no justifica el fracaso tan tremendo que ha tenido la película. Porque las redes sociales no son el mundo real. Y los mismos que hace unos meses intentaban convencernos que los Snyderzombies son cuatro incels que escriben desde los sótanos de casa de sus padres ahora resulta que son capaces de generar una campaña a una escala suficiente para hacer fracasar un blockbuster de gran presupuesto de un gran estudio de Hollywood. Es o una cosa o la otra, las dos es imposible. Y lo que nos intentan colar.

Que un Snyderzombie no vaya a ver Supergirl no explica como decía por qué una niña/adolescente de Arkansas que vio la serie de televisión y le gustaba Supergirl no ha querido ver la película. De hecho, que 4 haters no vean Supergirl no explica por qué más de dos tercios de los espectadores de Superman a los que supuestamente les gustó la película de James Gunn han decidido no ver la siguiente película de su estudio.

Es más, ha llamado muchísimo la atención que la puntuación que ha recibido Supergirl entre el público que SI vio la película en su estreno haya sido de apenas un B-, una puntuación malísima porque viene de gente que se supone que son fans del personaje y del universo DC. Si la película pintaba cutre, la opinión de los que la vieron ha sido la puntilla que asegura que el boca a boca no va a ser bueno entre el público. De forma que es seguro que no va a recaudar ni siquiera 100 millones en USA. Que vaya a hacer 200 millones en todo el mundo es casi imposible.

Este fracaso resulta super problemático para la hoja de ruta que James Gunn y Peter Safran han planteado para el nuevo universo cinematográfico de DC. La primera película no recaudó lo que debería y la segunda ha sido un fracaso. Pensando además que en 2027 se estrena The Batman 2 de Matt Reeves, que no pertenece al universo de James Gunn, y es muy probable que tenga mejor acogida que las películas de Gunn, puede empezar a surgir voces que empiecen a poner en cuestión las decisiones de Gunn. Sobre todo porque su próxima película es Clayface (octubre 2026), lo que sugiere que Gunn está más a gusto entre villanos y antihéroes que entre héroes que se supone tienen que inspirarnos a ser mejores. Algo que prometió para la primera película y que no llegamos a ver nunca.

Por cierto, este fracaso ha servido para que los de siempre hayan salido voceando las consignas sobre el «agotamiento del cine de superhéroes». Y yo creo que el público lo que rechaza son las malas películas o las que pintan que son cutres y más de lo mismo. Como Supergirl. Volviendo a lo que comentaba sobre Toy Story 5, en menos de un mes va a estrenarse Spider-Man Brand New Day. Y a pesar de los trolls online que han intentado vender que las películas de Tom Holland son muy malas que no han gustado, la realidad es todo lo contrario. De hecho, creo que es todo lo contrario, el público generalista está encantado con su trilogía de películas y va a acudir en masa a ver la película. No tengo datos pero tampoco dudas que Bran New Day va a superar de nuevo los 1000 millones de recaudación. Precisamente porque No way home gustó muchísimo. No como Superman. Y desde luego, no como Supergirl.

Ampliación sábado 04 de julio

Todo lo anterior es correcto. Pero el sábado 04 de julio leí el artículo de The Hollywood Reporter que explica los problemas que tuvo la post-producción de Supergirl y que provoca que la imagen pública de James Gunn ha saltado completamente por los aires.

¿Qué exactamente dice el artículo?

Que tras finalizar el rodaje de Supergirl en mayo de Mayo 2025, empezaron los roces entre el director Craig Gillespie y James Gunn, dado que la película no acababa de funcionar en los pases de prueba. Hasta el punto llegó el desencuentro que Warner realizó una semana de reshoots, algo normal en la industria, para a continuación realizar dos montajes de la película. El de Gillespie y del estudio capitaneado por Gunn. Para ello, se contrató a un segundo editor. Tras un segundo pase con público, aunque los dos montajes tuvieron puntuaciones muy igualadas, y ninguna especialmente buena, el montaje de Gunn obtuvo una nota ligeramente superior. Y es la versión que finalmente llegó a los cines.

Una cosa que no dice el artículo pero que ya indicaba que la producción tenía problemas fue el hecho que Warner contrató a 3 músicos diferentes para que hiciera la música de la película. Eso claramente indica que la versión no acababa de estar al gusto de los productores.

Y que el montaje de James Gunn de Supergirl estrenado en los cines no funcione, no significa que el de Craig Gillespie fuera «bueno». Ya lo hemos visto antes con Escuadrón Suicida o Justice League. Probablemente ni el guion ni la dirección eran las más adecuadas. Pero que Gunn tomara las riendas y quitara la película a su director rompe la idea de «creator-friendly» que Warner intentó vender a los fans. Y esto es para mí lo más grave. James Gunn como director no admitiría que alguien de Marvel le hubiera intentado cambiar una película de Guardianes de la Galaxia. Y sin embargo, es justo lo que le ha hecho a Craig Gillespie. Su imagen pública está destruida después de esto.

Lo que ha hecho James Gunn como jefe de DC Studios es lo que todos los productores ejecutivos con poder han hecho desde que el cine es cine. Intentar arreglar una película que entendían que no funcionaba. No se si está bien, pero así funciona el negocio. Y mientras actuaba así en Supergirl, James Gunn puso en marcha una bochornosa maniobra de publicitaria para vender que él no hacía esas cosas, porque ellos lo hacían mejor que los jefes anteriores de DC/ Warner. Su falta de moral y de escrúpulos es lo peor de todo. De largo.

Al mismo tiempo que lanzaron la idea de que cualquier crítica a Supergirl era un ataque de haters. Cuando ellos sabían que las puntuaciones de prueba habían sido muy bajas y la película tenía problemas estructurales. Planearon el cortafuegos para cubrirse.

¿Ha recibido Supergirl review-bombing y odio online? SI. Pero, ¿Eso por si mismo explicaba el fracaso de la pelicula? Claro que no. Y es la mentira que también se ha intentado vender, y que algunos fanboys sin criterio compraron desde el minuto uno defendiendo lo indefendible.

La imagen de James Gunn ha quedado dañada para siempre, porque ha quedado como un ejecutivo manipulador que ha intentado ocultar la realidad y cubrir sus actuaciones y sus manejos. Todo ello mientras intentaba construirse una imagen pública de director guay que haría las cosas mejor que los anteriores. Y lo está haciendo peor.

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Películas

Crítica de Obsesión de Curry Baker

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Obsesión, la película de Curry Baker, es uno de los fenómenos cinematográficos de 2026 en Estados Unidos. Y su visionado no ha decepcionado.

PUNTUACIÓN: 8/10

El anhelo romántico desesperado de un chico por su amor platónico de toda la vida desencadena un siniestro hechizo: Niki se vuelve irracionalmente obsesiva hasta convertirse en la sombra de Bear. Una fantasía aparentemente inofensiva que se convertirá en una perturbadora pesadilla.

Curry Barker (Alabama, 1999) es un cineasta y youtuber estadounidense. Es conocido por el canal de YouTube de sketches cómicos «that’s a bad idea», que creó junto con Cooper Tomlinson. Ha dirigido y escrito las películas de terror Milk & Serial (2024) y Obsession (2025).

Baker escribe, dirige y realiza el montaje de Obsession, una película auto producida con un presupuesto inferior a un millón de dólares y una duración de 109 minutos. Obsession se estrenó el 5 de septiembre de 2025 en el Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF), donde el sello de terror Blumhouse compró los derechos para su distribución. En el momento de escribir estas líneas ha recaudado más de 350 millones en todo el mundo. La fotografía de la película es de Taylor Clemons, y la música de Rock Burwell.

En el reparto tenemos a Michael Johnston como Baron «Bear» Bailey, un empleado de una tienda de música que está colado de su amiga Nikki Freeman, interpretada por Inde Navarrette, el verdadero descubrimiento de la película. Cooper Tomlinson es Ian, amigo de Bear y Nikki y compañero de trabajo de ambos,. Megan Lawless como Sarah Harper, amiga de Bear y Nikki e hija de Carter, interpretado por Andy Richter, el dueño de la tienda de música donde trabajan todos. Haley Fitzgerald como Viola, la empleada de la tienda de cristales que le vende a Bear el objeto mágico One Wish Willow, y Curry Barker como la voz del representante de atención al cliente de One Wish Willow, completan el reparto.

Obsession es una película redonda que acierta en todo. Empezando por una historia sencilla pero con la que sobre todo los jóvenes pueden conectar, rodada de forma brillante con un montón de momentazos, un montaje, un diseño de sonido y unas interpretaciones tremendas.

Chico conoce a chica, pero es demasiado tímido para declararse. Chico compra una chorrada en una tienda que promete conceder un único deseo. Y consigue todo lo que había deseado. Pero su sueño está a punto de convertirse en pesadilla cuando la chica empiece a comportarse de forma perturbadora. El concepto de cita que va terriblemente mal llevado a un extremo super over-the-top.

Dentro de ser una película de bajo presupuesto con apenas 4 personajes principales y un par de localizaciones, Curry Baker hace un trabajo magistral a la hora de contar esta historia de la mejor forma posible con una duración perfecta. La forma en que plantea situaciones mundanas añadiendo un toque perturbador me ha parecido brillante. Con un ritmo y una tensión dramática que no deja de aumentar hasta alcanzar un climax final que me parece brillante. Como digo, Obsession es una película redonda.

Mientras veía la película no dejaba de pensar en que el protagonista Bear es un pringado que no deja de tomar las peores decisiones en todo momento. Empezando porque tiene no una sino dos oportunidades para declararse y su miedo, vergüenza o todo a la vez lo fastidian una y otra vez. Cierto que la película sugiere que Bear ha sufrido problemas mentales, dado que está medicado, pero me deja perplejo la forma en que lo fastidia todo siempre diciendo lo contrario de lo que debería. Dentro que ver como una amiga empieza a comportarse como una loca poseída por algo maligno sin duda debe ser una experiencia aterradora.

La actriz Inde Navarrette es el verdadero descubrimiento de la película junto al director. Navarrette interpreta a Nikki Freeman, la chica de la que Bear está enamorado. Nikki tiene un feeling a la típica «girl-next-door» tan habitual en las comedias románticas americanas. Pero a la que el deseo de Bear cambiará sin que ella pueda evitarlo. La interpretación de Navarrette, que vi en versión original, me parece magistral, provocando un montón de sustos y situaciones incómodas cuando cambia en un segundo de ser una chica normal a una loca desequilibrada. Pero dentro del elemento aterrador, me ha flipado que la historia nos deje claro que ella es la víctima de la historia, al ser poseída por un poder que la obliga a hacer cosas que no quiere hacer.

Dentro de la simplicidad de la historia, me gusta mucho la forma en que se plantea el mcguffin de la película, el One Wish Willow que provoca todo. Y las reglas que tiene este regalo diabólico. Los amigos de Bear y de Nikki, Ian y Sarah tienen también una importancia vital en la historia. Sarah añade un elemento de triángulo amoroso indirecto, mientras que el papel de Ian en las fortunas y desamores de Bear me parece un giro de guion brillante. No hay nada como ver algo sencillo tan bien realizado como es esta película.

Obsession va escalando de pertubador a terrorífico hasta convertirse en sangriento, alcanzando un climax alucinante que deja la película en su mejor momento. Da gusto ver una película tan acertada en todo como es Obsession. No me extraña que el público haya abrazado con entusiasmo esta película, que demuestra que el público no está cansado de las historias de género, sino de las malas historias.

Me alegra que una nueva hornada de directores esté conectando con los gustos de las nuevas generaciones. Es la forma de asegurar la supervivencia del cine como forma de entretenimiento.

Comparto el trailer de la película:

Obsesión me parece una película tremenda que acierta en todo y que plantea un futuro brillante para Curry Baker.

PUNTUACIÓN: 8/10

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