Crítica de Heroes Reborn 4, de Jason Aaron Erica D’Urso, Aaron Kuder y Ed McGuinness (Marvel Comics – Panini)

La miniserie Heroes Reborn se acerca al final con este cuarto número, y en esta reseña quiero compartir mis impresiones del comic principal de Jason Aaron con varios artistas, y del segundo Compendio con historias diferentes ambientadas en este mundo en el que Los Vengadores no llegaron a reunirse jamás.

HEROES REBORN 4 de Jason Aaron, Erica D’Urso, Aaron Kuder y Ed McGuinness

Las aventuras de la Princesa Poder y de la guerra civil en el seno del Escudrón Supremo de América. Mientras tanto, el grupo afronta su mayor desafío hasta la fecha. Ha llegado la hora de luchar contra ese puñado de tipos a la búsqueda de problemas que se hacen llamar Los Vengadores.

Contiene Heroes Reborn 6 y 7 USA

Comentaba en mi reseña de Patrulla X: Escala planetaria la importancia del dibujo para el disfrute de cualquier comic (algo obvio por otra parte). Y esto se hace claramente visible en esta cuarta grapa de Heroes Reborn publicada por Panini, en el que se agrupan los números 6 y 7 USA. En el primer número tenemos una historia protagonizada por la Princesa Poder, una versión oscura y asesina de Wonder Woman, y el dibujo de Erica D Urso con colores de Jason Keith no podía ser más montonero y decepcionante, no consiguiendo recrear la espectacularidad de la historia de Aaron, que puso a su disposición numerosos momentazos para lucirse que D Urso desaprovecha una y otra vez, convirtiéndose en el dibujo más flojo de todo el evento.

Tras los diferentes números en los que fuimos conociendo a los miembros del Escuadrón Supremo de América, en el número 7 USA tenemos la esperada reunión del grupo para prepararse para el inevitable enfrentamiento con los Vengadores que tendrá lugar en el último número del evento. El comic está dibujado por el siempre interesante Aaron Kuder con colores de Dead White, y la diferencia es como de la noche y el día. Además de su perfecta narrativa y su lápiz fino, Kuder plantea unas composiciones de viñetas super dinámicas con unos planos alucinantes. a diferencia de D Urso, Kuder saca todo el partido a las locuras de Aaron y consiguen que la lectura sea un placer.

Y hablando de Aarón, comenté en mi reseña del segundo número de la miniserie que en lo referido a la historia parecía que todo está escrito con plantilla, planteando una historia en la que la trama general era más que evidente con unos números individuales centrados en los 5 miembros del Escuadrón Supremo mientras los Vengadores se reunían, con un séptimo número en el que ya ambos grupos están completos. Esto se ha cumplido como estaba previsto, con un final que nos deja en la previa al climax con el combate final de ambos grupos y la obligada vuelta a la normalidad en el próximo número, titulado Heroes Return (continuando con los homenajes a etapas pasadas).

Sin embargo, una vez leído este cuarto número, hay que reconocer también que el comic transmite lo bien que se lo ha pasado Aaron planteando las situaciones más locas posibles, mientras vemos los principales eventos de Marvel mostrados como si hubieran pasado en este mundo y hubieran estado protagonizados por el Escuadrón Supremo en lugar de los Vengadores. Civil War, Alpha Flight, Knull o Gnorr el Asesino de Dioses van a pasar por estas páginas para alegría del público, creando momentazos casi en cada página que casi querría que pudieran ser ampliados en comics propios (algo que claramente no va a pasar).

A veces se nos olvida que el comic de super héroes es ante todo entretenimiento ligero, y este Heroes reborn sin duda lo es. Puede que NO sea una historia «importante», que parece ser el criterio actual para saber si merece la pena leer un comic, pero el nivel de disfrute que me ha proporcionado a mi me vale.

PUNTUACIÓN: 7/10

HEROES REBORN COMPENDIO 2

¡Relatos del mundo del Escuadrón Supremo de América! Hace años, Halcón Oscuro y su compañero, El Halcón, patrullaban las calles de Washington, D.C. Pero todo cambió en una terrible noche. ¡La noche en que San Wilson murió! Y también: el grupo de héroes y villanos liderados por Elektra, la identidad de Gwen Stacy en este mundo y el destino de Lobezno.

Contiene Heroes Reborn: Squadron Savage, Marvel Double Action, American Knights, Night-Gwen y Weapon X & Final Flight USA, obra de Dan Jurgens, Farid Karami, Ethan Sacks, Ed Brisson, Tim Seeley, Roland Boschi, Vita Ayala, Luca Pizzari

Comentaba en mi reseña del tercer número de Heroes Reborn lo mucho que había disfrutado del primer compendio de historias ambientadas en este mundo con las horas contadas. Y la verdad es que también me han gustado las historias contenidas en este segundo. Me gusta especialmente que de estas 5 historias sólo una esté protagonizada por un miembro del Escuadrón Supremo, dando el protagonismo a otros personajes del universo Marvel. En primer lugar, la historia de varios antihéroes como Elektra, Punisher, Crossbones o Capa y Puñal convertidos en una suerte de Escuadrón Suicida tiene un montón de sorpresas y cameos, consiguiendo que la lectura sea super chula, con un dibujo de Luca Pizzari con color de Carlos López que me parece funcional y correcto, pero que no desentona.

El segundo especial protagonizado por Halcón Nocturno es un maravilloso easter-egg de principio a fin, al contarnos un momento decisivo de la historia del personaje inspirado directamente de la muerte de Gwen Stacy narrada en los ya míticos The Amazing Spiderman 121-122 de 1973. Esta historia de Tim Seeley encuentra en un perfecto Dan Jurgens, con entintado de Scott Hanna y color de Chris Sotomayor, para darle el tono retro perfecto al comic, que encaja al ser una historia del pasado. Jurgens es super profesional y sabes que allá donde trabaje, el comic va a estar bien, o al menos va a ser leíble, lo cual no siempre sucede.

La mejor historia de este compendio es la protagonizada por Luke Cage escrita por el veterano escritor noir Paul Grist con dibujo de Christopher Allen, Marc Deering en el entintado y Guru-eFX en el color. La historia tiene un perfecto tono noir, los cameos están super chulos y tienen todo el sentido del mundo, y el dibujo me parece una chulada. No se le puede pedir más a una historia autoconclusiva de 30 páginas, la verdad.

El cuarto especial es una de esas ideas locas que se convierten en realidad gracias a estar en un universo alternativo, ya que tenemos a Gwen Stacy como gran protagonista, convertida en Pájaro Nocturno, una combinación de Batgirl con Harley Quinn (por su profesión más que por su actitud y locura), tomando a su vez elementos de la historia de Spiderman. El comic está escrito por Vita Ayala y tiene dibujos de Farid Karami y color de Erick Arciniega, y me parece que están todos bien y ofrecen una historia super entretenida. Como en todos estos especiales, hay cameos a montones, y por ejemplo me gusta que Misty Knight que fue presentada en la historia previa de Luke Cage tenga aquí una aparición destacada.

Por último, ¿os acordáis que antes comentaba lo mucho que molaría ver algunas de las historias que aparecían en el Heroes Reborn 4 ampliadas? Pues en parte eso es justo lo que tenemos en el último especial de este tomo, protagonizado por Logan y Alpha Flight, con una historia continuando lo mostrado en el Heroes Reborn 7 USA, con el grupo canadiense huyendo de un Escuadrón Supremo buscando venganza tras ¿matar Logan a Hyperion? Me gusta la historia de Ed Brisson, sin embargo, el dibujo de Roland Boschi me parece el más flojo de todo el volumen, una sensación amplificada por una poco acertada elección de color a cargo de Chris O Halloran, que parece casi como si aplicara un filtro que tapara y apagara el dibujo, haciéndolo aún menos atractivo de lo que ya es. Una pena este fallo en el apartado artístico, porque la historia prometía bastante.

En resumen, me ha parecido otro buen puñado de historias que sin ser ninguna una maravilla que recodaré toda la vida, si han sabido transmitir el carisma de los personajes ofreciendo unas más que correctas historias más que disfrutables. En mi opinión, y a falta de la resolución que llegará a las librerías la semana que viene, este Heroes Reborn me parece un evento genial, por favor más como este.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

En resumen estamos a punto de alcanzar el final y este Heroes Reborn me está ofreciendo un estupendo entretenimiento. Espero que acierten con el final, la verdad.

Espero vuestras opiniones en la zona de comentarios. Y si te gustó el artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales, y que te suscribas al blog para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.

¡Saludos a todos!

Crítica de Wonder Woman: Tierra Uno de Grant Morrison y Yanick Paquette (DC Comics – ECC Ediciones)

Con algo de retraso he podido leer los tres volúmenes de Wonder Woman: Tierra Uno de Grant Morrison y Yanick Paquette, con colores de Nathan Fairbairn, la maravillosa reimaginación de los mitos de las Amazonas, en el que es uno de los comics mejor dibujados que podemos encontrar hoy en día en las librerías.

PUNTUACIÓN: 7,5/10

De las mentes magistrales de Grant Morrison (Crisis Final, El Multiverso) y Yanick Paquette (La Cosa del Pantano, Batman Inc.) llega el origen más provocador de Wonder Woman que hayas leído. Un relato único que rinde homenaje a su rica trayectoria.

Tras Batman, Superman y los Jóvenes Titanes, llega el momento de que los mejores autores aborden el mito de Wonder Woman desde una nueva óptica. Provocadora pero respetuosa, completamente moderna pero atemporal, esta nueva incorporación a la serie de novelas gráficas Tierra Uno de DC nos presenta el poder y el valor de Wonder Woman, la campeona de Isla Paraíso.

Wonder Woman: Tierra Uno ha sido una serie de 3 novelas gráficas, publicadas en España por ECC Ediciones en 2016, 2019 y julio de 2021. La primera novela gráfica contó con 144 páginas, con 136 las dos siguientes.

Grant Morrison (Glasgow, 1960) es uno de los principales guionista del mundo del cómic americano mainstream. Ha trabajado y revitalizado demasiados conceptos como para mencionarlos todos, pero habría que destacar entre sus comics más destacados y celebrados Animal Man, Doom Patrol, la novela gráfica Arkham Asylum, The Invisibles, Justice League, Batman, All-Star Superman, We3, Flex Mentallo, 52, Final Crisis o su relanzamiento de los X-Men, que forman ya parte de la historia del medio. En prosa escribió la novela Super Gods, análisis de la historia del comic book americano en la que Morrison conectó con sus propias vivencias personales.

Yanick Paquette es un artista canadiense que ha realizado al igual que Morrison la mayoría de su obra en DC Comics. Tras realizar varios cómics independientes, llegó a DC en 1997 gracias al especial JLA: Tomorrow Woman. Realizó muchos más encargos para la misma editorial antes de iniciar una prolífica colaboración con Marvel en títulos como Ultimate X-Men. En 2006, dibujó la miniserie Secret Soldiers: Bulleteer escrita por Grant Morrison, con quien repetiría más adelante en The Return of Bruce Wayne y Batman Inc. Tras su etapa en La Cosa del Pantano del Nuevo Universo DC junto a Scott Snyder, puede decirse sin generar polémica que este Wonder Woman: Tierra Uno es su mejor trabajo como profesional.

La reimaginación de los mitos de Wonder Woman a manos de Morrison me ha parecido super curiosa porque me alucina ver en 2021 que Morrison haga un elogio tan poco sutil del ideario del creador de Wonder Woman William Moulton Marston, que creó al personaje en 1941.

Wonder Woman fue un banco de pruebas empleado por el psicólogo Marston, creador del polígrafo, para exponer sus puntos de vista sobre el feminismo, con “un nuevo tipo de superhéroe que triunfaría no con puños o potencia de fuego, sino con amor”, lo que obligatoriamente hizo que debiera ser una mujer. Marston creó Wonder Woman para ser una alegoría del líder amoroso ideal; el tipo de mujer que él creía que debería dirigir la sociedad. «Francamente, Wonder Woman es propaganda psicológica para el nuevo tipo de mujer que, creo, debería gobernar el mundo», escribió.

Marston era un feminista convencido, practicante del poliamor y firme creyente en la superioridad de las mujeres. Describió la servidumbre y la sumisión como una «práctica noble y respetable». La Wonder Woman de Marston a menudo terminaba encadenada antes de liberarse inevitablemente. Esto no solo representaba la afinidad de Marston por el bondage, sino también el rechazo frontal que mostraba frente a la subyugación de las mujeres y la esclavitud.

Grant Morrison toma todos estos elementos unidos a la propia mitología griega de la Amazonas para crear un mundo de Wonder Woman que se siente moderno y atemporal a la vez, respetuoso del pasado del personaje pero sin miedo de llevarlo a caminos hasta ahora nunca explorados cuando se lleva la ideología de Wonder Woman y las Amazonas hasta sus últimas consecuencias. Frente a la versión guerrera espada en mano que se ha impuesto en los últimos años en los comics de DC, me gusta que Morrison nos devuelva a la Diana más utópica y optimista que busca convencer con el poder del amor y que tiene como principal arma su lazo de la verdad. Que este concepto que parece tener una connotación silver-age un poco ñoña tenga tanta importante en la historia realmente me parece un acierto.

Morrison es también un feminista convencido y no tiene problema en mostrar que el ideal de sociedad de esta historia, tal y como imaginó Marston, es una que esté dominada por las mujeres en la que el hombre de un paso al lado, y no tuvo miedo a la polémica que entiendo que sabía que estas ideas podrían provocar en el público americano.

Los lectores veteranos de comics ya sabemos que los comics siempre han sido políticos, y este Wonder Woman: Tierra Uno es una historia 100% feminista de principio a fin, con una presentación de Diana en el mundo “real” de los Estados Unidos que pone en contraste su mundo ideal idílico con los problemas de nuestra sociedad, con unos poderes económicos y militares que se oponen a toda posibilidad de alterar el statu-quo. Una sociedad con graves problemas y desigualdades al que le falta mucho para llegar al ideal al que aspiran las mujeres de la historia.

Pero no nos vamos a engañar, la historia de Morrison está bien, pero el plus de calidad que hará que este comic se recuerde durante años es el suntuoso y maravilloso dibujo de Yanick Paquette con colores de Nathan Fairbairn. Hace mucho tiempo que no he visto a una Diana tan bella, poderosa y segura de si misma, a la vez transmitiendo la ingenuidad, positivismo y esperanza de un mundo mejor que supone la juventud. A una perfecta anatomía (literalmente), no sólo de Diana, sino de todas las Amazonas, hay que añadir una fuerte personalidad de cada personaje, que transmiten perfectamente el ideal de belleza imposible que forma parte del ADN de esta sociedad utópica perfecta formada únicamente por mujeres. Este Wonder Woman: Tierra Uno es sin duda una celebración del cuerpo femenino en todas sus formas.

Los dibujos de Paquette quitan el hipo y son increíbles. Hay que agradecer la oportunidad que este formato de novelas gráficas le ha proporcionado para poder crear su mejor trabajo sin tener que preocuparse de los plazos de entrega mensuales habituales del mundo del comic-book, que son el gran problema para la creatividad artística del medio. Paquette crea una arquitectura maravillosa con una Temyscira que cobra vida de forma mágica. El increíble trabajo de fondos es otro elemento que hace que estas novelas gráficas sobresalgan respecto a la gran mayoría de comics que se publican en la actualidad, y quiero destacar además las estupendas portadas, como la del número 3 inspirada en «La libertad guiando al pueblo» de Delacroix.

A esto hay que sumar un gran dominio de la narrativa, consiguiendo la cuadratura del círculo de hacer que su Wonder Woman sea una belleza que admirar en cada página y que además la historia se lea de forma super fluida casi de una sentada gracias a una composición de páginas que son un escándalo, llena de suntuosidad, respeto por sus orígenes mitológicos y frescura a la hora de contar la historia. Y si a todo esto le sumamos un indudable elemento erótico en la historia con numerosas viñetas planteadas como puro bondage con Diana apresada o arrodillada delante nuestro, mirándonos a los lectores con la boca abierta y ojos solícitos, ¡buff!! La lectura aumentó varios grados de temperatura a mi alrededor mientras lo leía. Y creo que este elemento es un claro homenaje a la figura de Marston y los valores que defendía.

Si tengo que ponerle un pero, es que Morrison construye a unas Amazonas tan superiores en todo, belleza pero sobre todo fortaleza e inteligencia, que realmente no llega a haber nunca una amenaza creíble que tenga capacidad real para oponerse a ellas. Si a eso sumamos a unos hombres machistas presentados como personas pequeñas y ridículas, la sensación de inocuidad está presente de principio a fin. Esto además viene aumentado por la propia existencia de las tres oráculos que indican que el destino ya está marcado de antemano, así para ¿para qué preocuparse por nada si todo va a suceder como estaba previsto?

Luego hay otro elemento que es mucho más cuestionable, y es la propia ideología de Marston y su «feminismo sumiso». En los últimos años estamos acostumbrados que a la hora de actualizar historias y personajes clásicos para las nuevas generaciones de lectores, en las versiones modernas se modifican aquellos elementos que han envejecido mal y puedan resultar ofensivos por transmitir elementos que con ojos del siglo XXI puedan ser vistos como machistas, racistas, etc… Algo que no me parece mal, la verdad. Que sin embargo se haya considerado conveniente publicar un comic que presenta la superioridad de las mujeres frente a los hombres, y que los hombres deben aceptar sumisamente esta posición de superioridad femenina me deja flipado. Soy una persona convencida de los valores del feminismo clásico y creo que hombres y mujeres somos iguales en derechos y obligaciones, y que nuestra sociedad debe derribar las barreras y toda discriminación que impidan el crecimiento y la felicidad de la mujer, de cara ha conseguir una democracia de ciudadanos iguales. Y no tengo la piel fina, entiendo que Morrison plantea este elemento a sabiendas de ser polémico, y me gusta leer contenidos que planteen un desafío intelectual. Pero pensaba que el objetivo a conseguir era este, una sociedad de hombre y mujeres con las mismas oportunidades y derechos. Igual resulta que estaba equivocado.

Creo que en 40 años leyendo comics mainstream americanos es la primera vez que un héroe afirma la superioridad de un género frente al otro como un ideal al que aspirar. Es algo que se sobreentiende en el discurso de un villano, que para eso es el malo que busca provocar desigualdades, pero que nunca esperé leer de alguien como Wonder Woman. Ni de ningún otro héroe, ojo. Y para que entendamos lo problemático de todo, imaginemos que DC hubiera querido publicar un comic de Superman (por ejemplo) en el que promoviera una sociedad utópica en la que el hombre es más importante que la mujer, y en la que el género femenino debe acostumbrarse a vivir una vida servil hacia el hombre, y que esta sociedad se mostrara como un paraíso de paz y felicidad. Obviamente este comic no se hubiera publicado porque DC sabe con razón que se le hubieran tirado encima todo tipo de activistas por ser discriminatorio, ofensivo para la mujer, etc, etc. Y sin embargo, aquí tenemos un comic que propugna eso mismo al revés para aplauso generalizado. En este sentido, esta historia de Morrison muestra una visión de un feminismo radical reaccionario que intenta controlar todos los discursos que se realizan en obras de entretenimiento, que no busca igualar los derechos y las obligaciones de hombres y mujeres sino crear privilegios de unas frente a otros.

Y si a esto le sumamos que el propio ideal de feminismo sumiso de Marston copiado por Morrison podía ser genial en el entorno universitario de los años 40 en el que vivía Marston, pero resulta bastante ridículo si se piensa que alguien lo toma en serio como ejemplo en pleno siglo XXI a la hora de plantear una revolución feminista en nuestra sociedad. Esto hace que el final del comic en mi opinión acabe siendo un tanto descafeinado y problemático si pensamos en el mensaje que nos está contando. El problema de los ideales es que en los comics son mostrados y ejecutados por seres puros y perfectos como en este caso las inmortales amazonas, mientras que en la vida real las personas, también las mujeres, estás llenas de prejuicios y envidias, y son capaces de lo mejor y de lo peor.

A pesar de estos elementos con los que no comulgo, tampoco es que me rasgue las vestiduras ni nada, como comic de entretenimiento ligero creo que cumple perfectamente su función, sobre todo gracias al sublime dibujo de Paquette. Y en estas novelas gráficas he encontrado también elementos positivos que contrarrestan los menos buenos que hacen que me haya gustado la lectura.

Wonder Woman: Tierra Uno es una de las mejores lecturas de Wonder Woman que puede encontrarse: provocadora, respetuosa de su pasado, moderna y atemporal al mismo tiempo. Si eres fan de Diana, no te lo puedes perder.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Gracias por leer este post. Y tu, ¿has leído este comic? Espero tus comentarios. Y si te gustó el artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales y que te suscribas para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.

¡Saludos a todos!

Crítica de Mr. Robot temporada 4 de Sam Esmail

Llego muy tarde a la fiesta, pero aprovechando que Prime Video y Netflix han estrenado la cuarta temporada de Mr. Robot, la serie de Sam Esmail que lanzó a la fama a Rami Malek, he podido ver el final de la historia de Elliot Alderson, y me alegra poder decir que ha estado a la altura del viaje recorrido.

PUNTUACIÓN: 8/10

Llegó el final. El enfrentamiento final entre Elliot Alderson y Whiterose, la misteriosa líder de E Corp, la Dark Army y el Grupo Deus que ha controlado los principales sucesos del mundo desde la sombra. Pero más importante que salvar el mundo, ¿podrá Elliot salvarse a si mismo?

Sam Esmail (New Jersey, 1977) es un productor, director y guionista de cine y televisión estadounidense que dirige la productora Esmail Corp. Es conocido como el creador, escritor y director de la serie de televisión Mr. Robot (2015-2019), la serie que le lanzó a la fama y con la que ha conseguido numerosos premios durante las 4 temporadas en que estuvo en emisión. También dirigió y produjo el thriller psicológico Homecoming (2018-2020) de Prime Video, protagonizado por Julia Roberts y Janelle Monáe, y la estadounidense Briarpatch (2020). El trabajo de Esmail a menudo se centra en los temas de la alienación, la tecnología y la sociedad estadounidense, y trabaja habitualmente con el director de fotografía Tod Campbell y el productor Chad Hamilton de Anonymous Content.

Esta cuarta temporada de Mr. Robot se emitió en 2019, pero debido al cambio de suscripciones y en la cadena en la que se emitía en España no pude ver el final hasta ahora, cuando por fin pude verla legalmente, gracias a estar disponible en Prime Video y en Netflix.

Rami Malek es ya historia de la televisión gracias a su interpretación de Elliot Alderson, ingeniero senior de ciberseguridad en Allsafe Cybersecurity de día y hacker vigilante de noche. Tiene un trastorno de identidad disociativo y se enfrenta a otras enfermedades mentales como la depresión clínica y la ansiedad severa, que son en parte responsables de su comportamiento antisocial y el uso de drogas.

Carly Chaikin interpreta a Darlene Alderson, la hermana menor de Elliot, una codificadora de malware y uno de los piratas informáticos de fsociety. Christian Slater es Mr. Robot, un anarquista insurreccional que recluta a Elliot en un grupo clandestino de hackers llamado fsociety. Martin Wallström es Tyrell Wellick, el ambicioso vicepresidente senior de tecnología de E Corp, cuyo CEO Phillip Price está interpretado por Michael Cristofer. Grace Gummer el la agente del FBI Dominique «Dom» DiPierro que investiga el hack de E Corp. Finalmente, BD Wong es Whiterose, una mujer trans, ciber-terrorista y jefa del Ejército Oscuro. Whiterose también opera como Zhi Zhang, Ministro de Seguridad del Estado de China.

Es complicado hablar de esta cuarta temporada de Mr. Robot. Por un lado, hablamos de una serie que fue emitida en 2019, por lo que quien quiso verla en su momento tuvo ocasión para hacerlo. Pero al mismo tiempo, esta cuarta temporada se estrenó hace apenas un par de semanas en Prime, donde estaban disponibles las tres primeras pero faltaba esta última, y en Netflix, donde estrenaron simultáneamente las cuatro temporadas. Por tanto, entiendo que debe haber mucha gente que como yo aún no vio el final, y a ellos me voy a dirigir al escribir este post SIN spoilers. A todo esto, aprovecho para compartir para quien si vio la serie mis reseñas de las temporadas uno, dos y tres.

Mr. Robot ha sido una de las historias más potentes que recuerdo a la hora de mostrar los estragos que causan las enfermedades mentales en una persona. Más si muchos de los problemas vienen provocados o acentuados por un trauma que saldrá por fin a la luz esta temporada. Elliot Alderson es un personaje super complejo y tridimensional, y si algo pone de relieve el final de la historia es que Mr. Robot nunca fue de hackeos o complots económicos internacionales, sino de cómo dejar atrás el pasado e intentar superar los problemas como único camino para poder seguir adelante.

Mr. Robot llegó en 2015 y conectó inmediatamente con los problemas sociales que llevaban años latentes en la sociedad americana a partir de la crisis económica de 2008 y las quiebras bancarias, que provocaron el nacimiento de movimientos sociales como Occupy Wall St. La idea general de la existencia de unos poderes económicos en la sombra que controlan en secreto la sociedad no son nuevos, pero en la historia de Esmail cobraban una fuerza inusitada gracias al extraño protagonista que nos mostraba su punto de vista «a pie de calle». Que en medio de una sociedad cada vez más compleja y rota que no duda en abandonar a su suerte a miles de personas, el protagonista de Mr. Robot fuera alguien con trastorno de personalidad creo que fue algo perfectamente buscado para resaltar la locura de sociedad en la que vivimos y cómo era el momento de volver a recordar los valores que realmente son importantes como la solidaridad.

Pero dentro de ese escenario, lo fundamental siempre fue Elliot y la complejidad de su mundo interior. Eso no quiere decir que acabar con la amenaza de Whiterose no sea un elemento central de esta temporada, pero el climax narrativo y emocional no es ese, sino resolver los enigmas que aún se esconden en la cabeza de Elliot, que nos van a regalar algunos de los mejores momentos televisivos del año como fueron los episodios 7 y el climax final del 13 que cierra la historia. Los giros y las sorpresas que conoceremos en esta última temporada hacen que veamos con nuevos ojos situaciones que conocimos en las anteriores temporadas y que ahora adquieren un nuevo significado, lo que hizo que mi cabeza estallara en mil pedazos.

La historia de Elliot ha resultado ser super satisfactoria, dejándome el mismo gran sabor de boca que Legion, la otra gran serie reciente en el que los problemas mentales eran los protagonistas. Me quito el sombrero ante la habilidad literaria de Esmail y la brillantez de su historia. Pero también ante su ojo visual de director, ya que la serie está llena de recursos visuales brillantes con una puesta en escena sobria pero llena de personalidad. A lo que habría que sumar un estupendo montaje y una música perfecta en su elemento desasosegante.

Me ha gustado mucho esta cuarta temporada. Si tengo que ponerle un pero, quizá la resolución del argumento de Whiterose y el Grupo Deus es un pelín apresurada, pero es que como decía antes realmente la historia no iba de ellos sino de los problemas mentales de Elliot y saber si estos tiene solución. En este sentido, diría que el climax tal y como lo pensó Esmail es más potente que todo lo que tiene que ver con el hackeo.

Me sabe mal el bajón que Mr. Robot tuvo en la segunda temporada, provocado por un artificio narrativo un tanto tramposo que yo mismo vi en su momento como una tomadura de pelo para el espectador. Visto ahora en perspectiva creo que tuvo mucho valor lo que Esmail intentó en esa segunda temporada y que había que tener muchas narices para atreverse a hacerlo en una serie mainstream que había recibido la aclamación de crítica y público en su primera temporada. Dicho esto, el resultado de esta ocurrencia fue que muchísimos espectadores abandonaran la serie y se perdieran la estupenda 3ª temporada, que para mi mejoró a la anterior. No me atrevería a decir qué temporada fue mejor, pero sí que el final de la historia que Esmail nos ofrece en esta 4ª temporada para mi fue perfecto.

Comparto el trailer de Mr. Robot, aunque si no viste las tres temporadas previas, casi prefiero que evites verlo porque obviamente muestra elementos claves vistos hasta este momento:

Mr. Robot es historia de la televisión y ¡menudo viaje!! Con su final increíblemente emocionante y satisfactorio ha conseguido que Elliot Alderson ya forme parte de mi vida, no creo que pueda olvidarlo.

PUNTUACIÓN: 8/10

Espero vuestras opiniones en la zona de comentarios. Y si te gustó el artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales, y que te suscribas al blog para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.

¡Un saludo a todos!

Crítica de Un cesto lleno de cabezas de Joe Hill y Leomacs (ECC Ediciones)

He tardado en leer Un cesto lleno de cabezas de Joe Hill, el comic que inauguró el sello Hill House de DC Comics junto al artista Leomacs, color de Dave Stewart y maravillosas portadas de Reiko Murakami. Gracias ECC Ediciones pude leerlo y me ha parecido un comic super entretenido y recomendable, sobre todo en estos días previos a Halloween.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

June Branch está en apuros. Está atrapada sin escapatoria en Brody Island. Han secuestrado a su novio Liam. Y cuatro convictos fugados y sedientos de sangre no se detendrán ante nada hasta encontrarla.

Lo único que la pobre June puede usar para defenderse es un hacha vikinga con el aterrador poder de decapitar a una persona y que su cabeza siga hablando. Si quiere salvarse y salvar a Liam, June tendrá que mantener la cabeza fría… ¡o un cesto lleno de ellas!

Del aclamado guionista Joe Hill (NOS4A2, Locke & Key), llega Un cesto lleno de cabezas, la primera serie de la línea Hill House Comics. Con el increíble dibujo de Leomacs (Lucifer), este escalofriante cómic recopila toda la miniserie de siete números, e incluye también algunos bocetos y entrevistas con los autores.

Cuando DC Comics anunció la creación del sello Hill House con Joe Hill a la cabeza, la verdad es que sólo Plunge junto al increíble Stuart Immonem me llamó la atención. Sin embargo, ahora que pude leer Un cesto lleno de cabezas, su comic dibujado por Leomacs con color de Dave Stewart, me he encontrado una lectura super entretenida que me ha recordado en el mejor sentido posible el cine y las historias que disfrutaba en los años 80. Un comic estupendo, vaya. Con el feeling que a priori se supone que tienen que tener las historias de un sello de terror.

Joe Hill empieza con lo que sería a priori una historia de terror bastante típica con una chica atrapada en una isla de la que no puede escapar mientras huye de unos asesinos, para irla convirtiendo en un thriller fantástico super original en el que la verdad está oculta y no te puedes fiar de nadie. Todo eso unido a un hacha mágica que mantiene con vida las cabezas después de haberlas separado del cuerpo. Que Hill sitúe la historia en los años 80 no es casual, ya que el toque de locura tiene un feeling a muchas obras de entretenimiento de la época que hacen que la experiencia sea super chula.

El comic es super adictivo y me lo he leído en una sentada. La historia se va construyendo a fuego lento y nos ofrece momentazos gores junto a detalles realmente divertidos y freaks, jugando con numerosos elementos que podrían no funcionar pero que convierten a esta historia en un triunfo. Hill está genial mostrando diferentes puntos de vista que añaden nuevos matices al misterio existente en Brody Island, jugando con la figura del narrador mentiroso que añade unos toques de paranoia que le van perfectos a la historia.

Si Una cesta llena de cabezas triunfa es también gracias al estupendo apartado artístico con Leomacs en el dibujo y Dave Stewart al color. Leomacs ha sido para mi un auténtico descubrimiento. Su dibujo se caracteriza por una línea fina y una perfecta narrativa, creando unos personajes totalmente reconocibles en todo momento que además no se arruga ante los momentos gores. Dave Stewart por su parte se encarga del color de forma modélica, ayudando a que la lectura sea fluida en todo momento y aportando el shock del rojo sangre en los momentos justos para conseguir un mayor impacto. La verdad es que este comic está maravillosamente bien dibujado, tengo que fijarme en qué otros comics ha trabajado Leomacs porque al menos en el apartado gráfico tendremos un éxito seguro.

Comparto algunas páginas del comic:

Un cesto lleno de cabezas ha sido una lectura estupenda con su mezcla del terror, triller y humor. Un comic super recomendable que deberías leer si tienes la ocasión.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Espero vuestras opiniones en la zona de comentarios. Y si te gustó el artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales, y que te suscribas al blog para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.

¡Saludos a todos!

Crítica de Sólo asesinatos en el edificio (Disney+)

Estoy tan acostumbrado a usar Disney+ para ver los contenidos de Marvel, Star Wars o Pixar que el estreno en Star de Sólo asesinatos en el edificio me ha resultado una sorpresa total.

PUNTUACIÓN: 7,5/10

Tres extraños que comparten la obsesión por el «true crime», de repente se ven atrapados en uno.

Sólo asesinatos en el edificio es una serie creada por Steve Martin con John Hoffman planteada como un whodunit con una sensibilidad casi teatral, al ambientar casi toda la acción dentro del edificio. La serie de 10 episodios de media hora cada uno ha contado con dirección de Jamie Babbit (4 episodios), Gillian Robespierre (2), Don Scardino (2) y Cherien Dabis (2) con Chris Teague en la dirección de fotografía, guiones de John Robert Hoffman, Steve Martin, Kirker Butler, Kristin Newman y Ben Smith, y música de Siddhartha Khosla.

La serie fue producida en su momento por 20th televisión y estrenada en Hulu en Estados Unidos, mientras que Disney+ se ha encargado de la distribución en España. A destacar además que ya ha sido confirmada una segunda temporada para alegría y alivio de sus múltiples fans.

El principal reclamo de la serie son el estupendo trío protagonista formado por Steve Martin es Charles, un actor que se convirtió en la década de los 80 en una estrella televisiva de las series policiacas y de detectives que vive en el edificio Arconia de Nueva York. Otros vecinos son Martin Short como Oliver, un director de Broadway arruinado que crea la idea del podcast y se convierte en su director y Selena Gomez como Mabel Mora, una joven que vive en un piso heredado de su tía.

Sólo asesinatos en el edificio me ha parecido una serie estupenda que ha sabido sacar todo el partido posible al carisma de los protagonistas y al concepto del whodunit producido en un espacio limitado pero amplio a la vez, al tener un edificio lleno de inquilinos con sus rarezas y excentricidades. Otro acierto de la serie es el plantear los episodios de 30 minutos que siempre han ido al grano ya sea en trama o caracterización, evitando los “minutos de la basura” que tan habitualmente nos molestan en series de otras cadenas.

Dentro de una estructura trillada de buddy-movie de compañeros que no se soportan pero se ven obligados a trabajar juntos con un dúo convertido en trío, los guionistas han brillado a la hora de espaciar los giros y las sorpresas a lo largo de toda la serie, pero haciendo que cada episodio fuera satisfactorio en si mismo y te dejara con ganas de ver el siguiente. Me ha gustado mucho la química que tienen los protagonistas juntos, Steve Martin, Selena Gomez y Martin Short, tanto cuando están los tres juntos como los diferentes diálogos cuando sólo son dos. Quizá Martin Short es el más cargante de los tres, pero creo que eso también cuenta dentro de su caracterización. La forma en que presentan sus sorpresas y cómo los van caracterizando es otro de los elementos más positivos de esta primera temporada.

Quizá el único problema que hay es que dentro que todo está bien y me ha gustado, es todo tan académico dentro del género que pensando en Agatha Christie y sus obras, sabes que algún posible sospechoso no puede ser el asesino porque siempre es alguien que menos te lo esperas. En este sentido, a partir del final del octavo episodio, o más concretamente el principio del noveno, quedó claro quién era el sorprendente asesino de esta primera temporada.

Pero que esto no te engañe, Sólo asesinatos en el edificio me ha gustado mucho y cumple de sobra el objetivo de entretenimiento con una historia ambientada en Nueva York que recuerda en cierta manera al cine de Woody Allen y en general las historias con vocación atemporal que seguiremos viendo durante muchos años.

Comparto el trailer de esta serie:

Si te gusta las historias de misterio tipo Se ha escrito un crimen, Sólo asesinatos en el edificio te va a encantar y no puedo más que recomendártela.

PUNTUACIÓN: 7,5/10

Espero vuestras opiniones en la zona de comentarios. Y si te gustó el artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales, y que te suscribas al blog para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.

¡Saludos a todos!