Crítica de Echolands 1 de J.H. Williams III, H. Haden Blackman y Dave Stewart (Image Comics)

Tener en mis manos un nuevo comic de J.H. Williams III tras todo el tiempo transcurrido desde Sandman: Obertura, es un auténtico acontecimiento. Echolands, su nueva serie creada junto al escritor H. Haden Blackman y Dave Stewart, el mejor colorista del mercado USA, promete un despliegue visual impresionante.

PUNTUACIÓN: 8/10

UN EVENTO IMPORTANTE DE IMAGE COMICS en 2021. La historia de la última guerra de la Tierra comienza con los dedos pegajosos de Hope …
¡El equipo ganador de múltiples premios BATWOMAN JH Williams III (Promethea, The Sandman: Overture, Batman) y W. Haden Blackman (Star Wars, Elektra) se reúnen para una nueva serie en curso! A ellos se une una vez más el colorista supremo Dave Stewart y el maestro de letras Todd Klein.

En un extraño mundo futuro que ha olvidado su historia, una ladrona imprudente, Hope Redhood, tiene la clave para excavar su oscuro y extraño pasado, pero antes ella y su tripulación deberán escapar de un mago tiránico y su imparable hija. El destino los enviará a todos en un camino que conduce a una guerra entre mundos.

ECHOLANDS es una epopeya de ficción mítica en formato horizontal donde todo es posible; una trepidante aventura mezcla de géneros que combina todo, desde vampiros de películas de terror hasta mafiosos clásicos y elfos cyborg, semidioses romanos y cohetes retro. ¡Va a ser un viaje increíble!

J.H. Williams III es un artista que me vuelve loco. Su páginas son auténticas obras de arte que hacen que me pierda en cada una de sus imágenes, siempre encontrando detalles o elementos que antes me habían pasado desapercibido. Y en Echolands tenemos el clásico “dibujar lo que me gusta” multiplicado por 1000, ya que en lugar de hacer una historia de fantasía, otra de terror, etc… Williams debió pensar ¿por qué no meto todo, absolutamente todo, en un comic?

Williams comenta en el propio comic que la idea de este Echolands surgió hace más de 15 años, pero que los diferentes proyectos en los que se embarcó hicieron que este comic no dejara de retrasarse. Que finalmente se haya visto publicado es un pequeño milagro que sus fans debemos saborear, ya que se nota el inmenso trabajo que tiene cada página dibujada. Es un motivo de alegría que Williams comente también que en el momento de llevar a imprenta este número 1 estuviera finalizando el número 6, lo que a falta del color, la rotulación, etc… garantizaría que al menos este primer arco va a salir con frecuencia mensual. Tras la frustración que produjo en su momento los muchos meses de espera entre cada número de Sandman Obertura, el tema de la periodicidad es super importante.

Echolands destaca respecto al 99% de comics de las librerías debido a su formato apaisado. Esto plantea un desafío narrativo a Williams, que siempre ha sido un maestro en el diseño y la narrativa en la página, al tener que pensar la historia en un espacio diferente al que estamos acostumbrados, más alargado de lo normal. Y cada página está resuelta con una brillantez increíble. Estoy escribiendo estas líneas y vuelvo a mirar el comic por tercera vez.

Si tener a Williams es increíble, su colaboración con Dave Stewart hace que este comic sea el más bonito de ver de todo lo que vaya a leer en este 2021. Junto a un rojo sangre que acompaña a la protagonista, la paleta de color de Stewart transmite de maravilla que no estamos en un mundo normal, y que aquí cuelquier cosa, cualquier ser, es posible que vaya a aparecer. El viejo apelativo a que algo “me ha volado la cabeza” no puede estar mejor utilizado tras leer este comic.

El único pero que le veo a Echolands tras leer este primer número es que realmente es una lectura de tomo. El dibujo es alucinante, pero a la vez la historia que nos ha contado en estas 24 impresionantes páginas son apenas dos escenas que realmente saben a muy poco. Antes incluso de leer la sinopsis o saber su nombre, vi en la protagonista Hope Redhood un claro intento de actualización del mito de Caperucita Roja usando el mismo concepto de Fábulas (el comic de Vertigo creado por Bill Willingham), mostrando cómo fue su vida ya convertida en una mujer adulta tras abandonar el bosque. Sin embargo, esto es lo que se intuye, porque hay más preguntas que respuestas en este primer número. Junto a ella, vemos a un grupo de seres mágicos y sobrenaturales sobre los que tampoco tenemos ningún contexto, casi como si se tratara únicamente de llenar la página con cuantos más personajes extravagantes que nos sugieran algo, mejor. De hecho, un elemento clave de la historia es que Hope roba un objeto mágico que resultará clave aún no se sabe muy bien para qué. Un robo que sucede fuera de plano y un objeto sobre el que queda todo por conocer. Y así todo.

Cada página realmente es una obra de arte, eso por supuesto, pero creo que no me apetece quedarme a medias (o menos) cada mes ante el lento desarrollo de la historia. Sin embargo, tengo claro que cuando salga el tomo, y a ser posible, una edición oversized, estaré el primero en la fila para comprarlo.

Comparto las primeras páginas del comic:

Solo por tener de vuelta a J.H. Willams al mundo de la narrativa serializada, Echolands es un gran triunfo, con un dibujo sobresale muy por encima del resto de comics publicados en Estados Unidos. Super recomendable.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Titane de Julia Ducournau

Tenía ganas de ver Titane, la película con la que Julia Ducournau ha ganado la Palma de Oro del Festival de Cannes de este año. Creo que está bien salirse de la zona de confort y ver con mentalidad abierta obras que a priori no encajan con mis gustos.

PUNTUACIÓN: 2.5/10

CRÍTICA CON SPOILERS

Un joven con la cara magullada es descubierto en un aeropuerto. Dice llamarse Adrien Legrand, un niño que desapareció hace 10 años. Para su padre, Vincent, esto supone el final de una larga pesadilla y lo lleva a casa. Simultáneamente, se suceden una serie de horribles asesinatos en la región.

Julia Ducournau (Paris 1983) es una directora y escritora francesa. Finalizó en 2008 sus estudios de guion en la escuela de cine de La Fémis de París. En 2011 ganó el Petit Rail d’Or en el Festival de Cine de Cannes por su cortometraje Junior. Su película de 2016, Raw (Crudo),​ fue exhibida en la semana de la crítica del Festival de Cannes, y ganó el premio Sutherland en el Festival de Cine de Londres

En 2021 ganó la Palma de Oro del Festival de Cine de Cannes por su segundo largometraje, Titane.​ Se convirtió así en la segunda mujer en ganar el premio en la historia del Festival, después de que Jane Campion lo consiguiera ex aequo en 1993 por El piano junto a Chen Kaige por Adiós a mi concubina, siendo la primera en hacerlo en solitario.

La película de 108 minutos de duración cuenta con fotografía de Ruben Impens, música de  Jim Williams, sonido de Séverin Favriau, Fabrice Osinski y Stéphane Thiébaut y montaje de Jean-Christophe Bouzy. Titane ha recibido de momento la Palma de Oro del Festival de Cannes 2021 y el Premio del Público del Festival de Toronto 2021.

SPOILERS A CCONTINUACIÓN:

La película tiene dos protagonista absolutos que monopolizan toda la historia. Por un lado tenemos, el descubrimiento de la actriz, modelo, fotógrafa y cofundadora de la revista Peach Agathe Rousselle. La francesa interpreta a Alexia, una bailarina en muestras de tuning que es una sociópata asesina en serie con una nula empatía hacia el resto de seres humanos a su alrededor. Cuando era niña, Alexia tuvo un accidente de coche que la produjo heridas y obligó a los médicos a insertarla una placa de titanio en la cabeza (de ahí el nombre de la película, Titane). Ya de joven adulta, como no se siente a gusto con su cuerpo o su sexualidad y no consigue mantener relaciones satisfactorias con mujeres, mantiene relaciones sexuales con un Chevrolet que es lo único que la ayuda a llegar al orgasmo. De alguna manera queda embarazada y nota como algo metálico crece en su interior.

La idea de la película (creo) es hacernos ver que Alexia es una persona que no se siente feliz con su cuerpo y jugar así con los estereotipos de género intentando subvertirlos, pero lo único que vemos es a alguien asocial que no empatiza con nada ni nadie. Para evitar ser detenida por la policía que la persigue tras cometer múltiples asesinatos, se hace pasar por Adrien, un niño desaparecido hace 10 años que se supone ahora tendría su edad. Su transformación física implica una escena de violencia auto infligida que pone los pelos de punta. Con la llegada al hogar de su “padre” Vicent (un Comandante de Bomberos al cargo de una base local) en su identidad de Adrien intentará vivir como un joven bombero ocultando su prominente barriga de embarazada con una venda elástica, y entrará en contacto con una “masculinidad tóxica” representada por los bomberos (¿hay algo más masculino que unos bomberos?), pero obviamente tampoco se sentirá a gusto con esta identidad. Por cierto, mirando las características del material en Google, veo que el titanio es un material altamente maleable que permite muchas configuraciones. Es un metal duro y ligero, lo que hace que posea una alta relación resistencia/peso, lo que encajaría con la idea de experimentación y de los cambios sexual y personal que vivirá Alexia durante la película.

Agathe Rousselle tiene unas facciones andróginas que diría que es lo que convenció a Ducournau que era perfecta para el papel de Alexia / Adrien, fichándola a pesar de ser una actriz novel y siendo esta su primera película. Y efectivamente con el pelo rapado y la prótesis en la nariz, realmente puede pasar por un chico cuando se pone ropa suelta que disimula sus pechos, caderas, etc. En ese sentido diría que es un buen casting que ofrece a la directora lo que necesitaba.

Sin embargo, no me atrevería a calificar a Rousselle como una buena actriz dado que aparece el 99% del tiempo en pantalla con cara de mala ostia sin relacionarse con nadie a su alrededor como si fuera medio autista. Sobre sus escenas de violencia auto infligida que hay que reconocer que sí son super fuertes, me recordó a Leonardo DiCaprio en El Renacido ¿es una buena actuación si realmente Leo vivió ese calvario, comió carne cruda, etc? Pues igual, Rousselle. Hay que tener muchas narices (guiño, guiño, broma, broma) para realizar la escena del lavabo, pero como digo no transmite verdadera emoción en ningún momento y es imposible empatizar con un personaje que reconozco que está planteado desde el guión como un super over-the-top extremo con numerosos momentos de gritos y sufrimientos extremos mostrados en pantalla casi en primer plano.

El veterano y super conocido Vicent Lindon es el gran beneficiado de Titane, ya que su personaje es el tipo de caramelito over the top que todo actor desea interpretar para poder aparecer desatado en pantalla y ser carne de premios. El actor de 62 años interpreta a Vincent Legrand, un Comandante de bomberos super musculado que se droga para intentar evitar el paso del tiempo, traumatizado por la pérdida de su hijo. La llegada de Alexia / Adrien hace que intente recuperar el tiempo perdido, buscando ser de nuevo un padre que protege a su hijo, incluso aunque sea viviendo una mentira evidente.

Hay un intento de idea interesante sobre los roles de la paternidad / maternidad, ya que Vicent (un hombre muy macho) desea sobre todo ser padre y poder estar con su hijo perdido aunque sea a costa de negar la realidad, mientras que Alexia (la mujer) rechaza ser madre y de hecho intenta provocarse un aborto en otra de las escenas más bestias de la película. Como digo, como idea para desafiar los roles sociales habituales me parece interesante, lo malo es que la ejecución de esta y en general todos los intentos de metáforas de la película me parecen penosas, porque si el rol positivo de padre sólo lo puede hacer un hombre drogado y con problemas mentales, mal vamos.

Tengo que agradecer a Ducournau que al menos se refrenó y mostró a Alexia como la sociópata peligrosa que es. Cuando mata primero a un chaval que se intenta propasar con ella, ya me temía un “Joker” en el que sólo asesinara a gente mala, por supuesto hombres, convirtiendo la película en un panfleto feminista como tantos otros que nos machacan en los últimos años. Esto se vio acentuado al intentar posteriormente quemar a su padre, que se mostró distante con ella y ¿no le dio el amor que necesitaba? Sin embargo, aparte que su madre también está en la casa cuando provoca el incendio, la masacre posterior en la casa de los estudiantes muestra a las claras a una asesina sanguinaria que mata a cualquiera, incluso a los atontados pero sin duda inocentes jóvenes chicas y chicos que allí se encuentran. En ese sentido, menos mal que ese lado panfletario me lo ahorré. Además, resaltar que no tengo problema con una historia mostrada desde el punto de vista de un asesino, con esta temática han salido grandes clásicos como Henry, retrato de un asesino, y tengo claro que la empatía con el protagonista no es un elemento obligatorio para contar una buena historia.

Con toda la intención del mundo de señalado con cursivas algunos detalles del guión que realmente suceden en la película y que son sencillamente ridículos. Si mientras lo leías no has pensado “¿Pero qué cojones es esto?” es que no he hecho bien mi trabajo. Se me ocurre como positivo que Ducournau plantea una historia no lineal, con una primera mitad que sugería una historia de serial-killers que es abandonada para contar otra cosa en la segunda mitad. No tengo problema en señalar esto como un elemento diferente que rompe con la estructura de tres actos habitual.

Pero diferente NO ES MEJOR, sobre todo si lo que ofreces es una ridiculez que además juega con una penosa y estudiada ambigüedad en todo momento (¿los padres mueren o no? ¿Y el bombero en el incendio? Obviamente da igual, todo vale). De hecho, Alexia parece que fallece en el parto, pero realmente no se muestra bien, lo que me sugiere lo tramposo de todo. Porque una cierta ambigüedad puede venirle muy bien a una historia, al sugerir una duda y múltiples opciones igualmente interesantes. Pero en Titane esta ambigüedad es el recurso del mal escritor, del no cuento nada pero espero que la gente flipe y se haga pajas mentales imaginando elementos que no están ahí. O que están igual que sus contrarios, lo cual es un ejemplo de mala escritura. ¿Cuál fue el viaje de Alexia, qué cosas aprendió siendo mujer y luego hombre, ha crecido y mejorado como persona? No hay respuesta a estas preguntas porque no hay una idea sólida detrás de todo, sólo una intención de mostrar elementos polémicos a ver si alguno impacta en el espectador, aunque sea vacío.

Sin embargo, cuando la ejecución es tan terriblemente mala, cuando todo son locuras absurdas que no se sostienen, la verdad es que da un poco de rabia que haya críticos serios profesionales que opinen que esto es un buen guión, para empezar, o una buena película en general. La idea de plantear una mujer que desafía su sexualidad y su propia fisiología femenina como concepto es interesante, pero no es ni bueno ni malo de por si, depende de la ejecución. Conectar que por recibir una placa de titanio por un accidente vas a sentirte atraído sexualmente hacia los coches es una ridiculez. Y como eso, todo lo que pasa: chorrada, tras ridiculez, más porque sís, con dos gotas de violencia que escandalice y convierta todo en más cool. Así todo.

Como digo, da rabia que una película mainstream, cualquiera, de cualquier género, tenga que ofrecer una lógica interna, plantear una historia que respete las reglas que marca previamente y no se salte a la torera elementos cuando más le interesa a su directora. Y en este caso Titane se los salta uno tras otro y le aplaudan la gracia los mismos que no admiten que se haga eso mismo en el cine comercial, justificándolo con que esto es “cine de autor”. Obviamente, un autor / director puede hacer lo que quiera, claro que si, pero debe tener lógica y no puede ser todo un porque si, porque entonces seguirá siendo cine de autor, pero con un guión muy malo. Son conceptos perfectamente compatibles, de hecho en los últimos años conviven con demasiada frecuencia.

Y también entiendo que esta no es una película lógica, sino una que busca atrapar al espectador emocionalmente con los numerosos elementos polémicos, y desde cierto sentido no debería buscarse lógica en algo que no lo tiene. Aunque en ese sentido, tampoco puede buscarse un sentido a unas imágenes que sugieren metáforas que no llevan a ningún sitio. Metáforas que sin embargo son celebradas aún no entiendo porqué.

Hay otro elemento que no puedo entender. Es normal que un adolescente o joven que ha visto poco cine vea Titane y flipe, entre otros motivos por una violencia extrema que claramente está puesta para escandalizar al público y no es para todos los espectadores. Hasta ahí bien, hay decenas de películas “de festivales” que se plantean con elementos polémicos o gore para llamar la atención del público y los productores para dar a conocer a los autores, lo cual es legítimo y lógico en este mundo del entretenimiento audiovisual saturado de contenidos. Mejor que hablen de mi, aunque sea mal. Esto lo entiendo.

Lo que no me entra en la cabeza es que críticos veteranos que además de Titane conozcan la obra de Gaspar Noé, David Cronenberg o David Lynch por nombrar solo a tres directores, puedan ver la película de Julia Ducournau y calificarla de “revolucionaria”, cuando copia tan claramente a estos autores sin mejorarles en ningún momento. Bueno, quizá si introduciendo elementos más polémicos como un intento de aborto con un palillo afilado, pero desde luego con muchísimo menos pericia y, desde luego, contando una historia con mucho menos sentido o lógica interna que dichos directores.

Como digo, si exceptuamos el repelús de las dos escenas de hiper violencia que Alexia comete contra si misma, visualmente no veo en Titane nada realmente memorable y mucho menos revolucionario. Veo claro elementos que otros autores mostraron antes mucho mejor que Ducournau, empezando por Irreversible o Enter the Void, en el que además del aspecto visual hay una intención de contar una historia de forma rompedora. Y si a eso hay que sumarle el desastre de la historia con un embarazo que aparece y desaparece, entre otros muchos elementos, el resultado final es un bluf en toda regla. Ejemplo de ello puede ser el final con el nacimiento de un hijo “cyborg” como metáfora de las nuevas identidades de género como las transgénero, etc… que queda como un elemento de nuevo vacío que no lleva a ningún lado.

Me gusta probar cosas diferentes para poder hablar con conocimiento de causa sobre todo tipo de cine. Y os aseguro que NO fui al cine predispuesto a que no me iba a gustar Titane. Pero ver el reconocimiento que está recibiendo una película para mi super mediocre, vacía y tramposa no me cabe en la cabeza. De hecho, me recordó justo la noticia de hace unas semanas cuando Carlos Boyero anunciaba que dejaba de ir a festivales porque consideraba que “era redundante poner a parir películas que son evidentemente una mierda. No tiene sentido señalar la mediocridad de la sección oficial si la sección oficial tiene ya por norma estrenar cine mediocre políticamente correcto.” Y sobre todo “Se impone, desde los propios medios, que las buenas intenciones equivalen a calidad artística.” Estas palabras no son mías, sino de Alberto Olmos, en un artículo que me parece estupendo y que suscribo punto por punto. El reconocimiento masivo que en los últimos años se está haciendo desde los medios mainstream de una película porque trata “temas importantes” olvidando que cinematográficamente es muy deficiente me parece penoso.

Sin ser ni mucho menos un experto en el cine indy, de autor o europeo, veo que en el cine de festivales que intento ver ha habido una caída brutal de la calidad en los últimos años, encontrando muchísima basura panfletaria revestida de cine de autor con la excusa de contar historias importantes. Por supuesto, si tiene una mirada feminista (no femenina), mejor que mejor. Se habla mucho de la crisis del cine y de las salas comerciales dirigiendo siempre la mirada hacia el cine comercial como la fuente de todos los males, pero la calidad media del cine de autor es lamentable en los últimos años, por lo que tampoco sorprende que cada vez menos público quiera pagar para que le asalten con un mitin político mostrado a brocha gorda.

Comparto el trailer de la película:

Titane es un bluf. No se me ocurre otra manera de calificarlo. Qué lástima.

PUNTUACIÓN: 2.5/10

Gracias por leer este post. Y tu, ¿has visto la película? Espero tus comentarios. Y si te gustó el artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales y que te suscribas para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.

¡Saludos a todos!

Crítica de El Inmortal Hulk 35 y Guardianes de la Galaxia 15 de Al Ewing (Marvel Comics – Panini)

Repaso los comics de Octubre de Al Ewing en Marvel Comics, El Inmortal Hulk y Guardianes de la Galaxia, mientras espero la publicación en un par de semanas de SWORD, que este mes sale un pelín más tarde.

EL INMORTAL HULK 35 de Al Ewing y Joe Bennet

Creíamos que habían muerto. Creíamos que se habían desvanecido, que estaban siendo controlados, que ya no podían hacer daño. Nos equivocábamos. Los Monstruos Gamma han vuelto. Se están reuniendo, uno a uno, en Nueva York. ¿Quién podrá detenerlos?

Esta grapa doble contiene The Immortal Hulk 46 USA de Ewing y Bennett y The Immortal Hulk: Time of Monsters USA de David Vaughan, Juan Ferreyra y Alex Paknadel.

Nos acercamos al final de El Inmortal Hulk, y se nota que Ewing está ya dirigiéndolo todo hacia el cierre de todos los flecos sueltos. En este comic tenemos el contraataque de Hulk contra los U-Foes, que son la excusa perfecta para que Joe Bennet nos regale algunas viñetas super pertubadoras marca de la casa. Por otro lago, los chicos de Gamma Flight de deciden a ir en ayuda de Bruce a Nueva York. Y la va a necesitar, porque la derrota de los U-Foes obliga a Gyrich a llamar a otro grupo de héroes que ya se enfrentaron a Hulk al comienzo de la serie, lo que sugiere que Ewing plantea una repetición de dicho combate, pero en este caso las cosas probablemente vayan a irle mejor al Gigante Esmeralda.

El Inmortal Hulk es un comic que merece leerse mes a mes y que ofrece siempre una lectura satisfactoria que te deja con ganas de más, con un dibujo fuera de serie. Quedan 4 números para el final, y aunque me quedan aún muchos momentos gloriosos por disfrutar, casi estoy empezando a lamentar cuando llegue el día de ir a la librería a por mis comics y no tener mi ración de Al Ewing en Hulk.

Este número la edición de Panini viene acompañada por el especial The Immortal Hulk: Time of Monsters de Ewing, Alex Paknadel y Juan Ferreyra, que contiene además la historia corta “Un poco de fuego” de David Baughan y Kevin Nowlan. En la historia Tiempo de Monstruos tenemos una historia de uno de los primeros Hulks de la historia. Aunque la historia en si probablemente no tenga influencia en el final de Inmortal Hulk, sí muestra la Puerta Verde y su influencia en el mundo antiguo, lo que conecta con la etapa de Ewing. Tener al estupendo dibujante argentino Juan Ferreyra dibujando este comic es un pasada, y crea momentos realmente terroríficos que hacen que merezca la pena leer esta historia. En lo referido a la historia corta, poder disfrutar de Kevin Nowlan es un placer maravilloso, ya que era un dibujante que me gustaba mucho y hace un montón de años que le tenía totalmente desubicado.

Comentaba hace unos días sobre la actual etapa de Daredevil de Chip Zdarsky y Marco Checchetto que aparte de alguna cosita en la historia, el mejor comic de Marvel no podía tener comics con dibujos montoneros. Este comic de Hulk refleja a la perfección porqué es el mejor comic de Marvel actual. Y es que la historia es brutal, pero ¡incluso los fill-ins y los especiales son maravillosos! Va a pasar tiempo para que tengamos otro comic de Hulk tan satisfactorio como este.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

GUARDIANES DE LA GALAXIA 15, de Al Ewing y Juan Frigeri

¡Los Guardianes contra SWORD! La Guerra Snark apenas ha terminado y, mientras afrontan sus propios problemas, nuestros héroes se encuentran cara a cara con el personal de SWORD, incluido su enlace con Krakoa. Es un choque entre Magneto y Nova. ¡El ganador se lo lleva todo!

Contiene Guardians of the Galaxy 15 USA

Creo que lo digo todos los meses, pero me gusta mucho lo que está planteando Al Ewing en los Guardianes de la Galaxia. Estamos en el tercer número de lo que podriamos llamar “segunda temporada”, y tenemos otro comic maravilloso. Por un lado, hace avanzar la historia de forma modélica, mostrando al sorprendente villano al que tendrán que enfrentarse en los próximos números. Además, en las 20 páginas de historia aprovecha para ahondar en la relación de Nova y Starlord, que nos devuelve a los tiempos de Aniquilación, lo que es otro detalle super chulo.

Tampoco se olvida de la acción y de asentar las relaciones de este comic con su serie hermana SWORD, también guionizada por él. Tener a Magneto y a Abigail Brand en estas páginas es una chulada, lo que sirve de excusa para una estupenda escena de acción, y una historia que continuará en el comic de SWORD de este mes. Por cierto, un detalle muy guay de Ewing es que ambos comics hacen mención a sucesos que han pasado en la otra serie, pero lo hacen de forma elegante para invitarte a leerlo pero sin entorpecer la historia principal que te está contando ese comic concreto, lo cual es otro detalle muy chulo de Ewing.

El dibujo de Juan Frigeri con color de Federico Blee lo encuentro cada vez mejor. Quizá el primer comic me supo a poco por el contraste con Juann Cabal, pero no cabe duda que ha hecho suya la serie y consigue que todos los personajes luzcan de maravilla y que las escenas de acción sean super espectaculares. De hecho, el único pero que tiene el comic no es la historia ni el dibujo, muy bueno, en serio, sino la portada de Brett Booth que me parece super montonera.

En serio, si no te has animado, prueba a leer Guardianes de la Galaxia, estoy seguro que te van a enganchar, una lectura de primerísimo nivel dentro del extenso catálogo de Marvel.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

En resumen,

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Crítica de The Spirit de Darwyn Cooke

Tras comprar las novelas gráficas de Parker de Darwyn Cooke, gracias a mi hermano Fernando hemos cumplido con otro de nuestros debes comiqueros, al comprar la etapa que el recordado artista realizó en The Spirit entre 2006 y 2008.

PUNTUACIÓN: 8/10

En 1940, el legendario creador Will Eisner (“Un contrato con Dios”) comenzó una nueva y sorprendente tira cómica de periódico, “The Spirit”, que cambió la faz de los cómics para siempre. El criminólogo Denny Colt deja que el mundo crea que está muerto para continuar su guerra contra el crimen como el aventurero enmascarado The Spirit. Ahora se enfrenta a un elenco asombroso de criminales y femmes fatales armados solo con su ingenio, y con la ayuda del inteligente adolescente Ebony White, la ingeniosa novia Ellen Dolan y su padre, el comisionado de policía Dolan. El aclamado escritor y artista Darwyn Cooke (“DC: The New Frontier “) lleva la mayor creación de Will Eisner a un nuevo milenio con un entusiasmo incomparable.

La etapa de Darwyn Cooke en The Spirit fue inaugurada en 2006 con el especial Batman / The Spirit, escrito por Jeph Loeb, tintas de J. Bone y colores de Dave Stewart, que formaron el equipo creativo de la serie regular. Darwyn Cooke realizó los números 1 al 6 y 8 al 12, publicados entre 2006 y 2008, siendo un fantástico punto de entrada para que los nuevos lectores conozcamos la más famosa creación de Will Eisner.

En España, Norma Editorial publicó estos comics, que DC Comics posteriormente ha recopilado en dos estupendos Hardcover que ya forman parte de mi comiteca, y que incluyen además los números 7 y 13 realizados por varios equipos creativos.

Batman / The Spirit ganó el premio Eisner 2007 a la mejor número individual. El colorista Dave Stewart ganó el premio Eisner a la mejor coloristan en parte por su trabajo en Batman / The Spirit. Darwyn Cooke ganó el premio Joe Shuster 2007 al Artista Destacado por Batman / The Spirit y su serie en curso The Spirit.

Darwyn Cooke plantea estos comics como historias autoconclusivas en cada número, que condensan los principales mitos de The Spirit. Además de poder disfrutar de la enorme habilidad de Cooke como narrador y como dibujante para un desconocedor del personaje de Will Eisner com yo es una delicia descubrir en estas páginas al Comisario Dolan, a su hija Ellen, novia de Denny Colt el alter-ego de Spirit. También al taxista adolescente Ebony White que le ayuda en sus investigaciones, así como la enorme variedad de bellas mujeres y femmes-fatales que Spirit se irá encontrando en sus aventuras. Desde Madam P Gell, Silk Satin, Ginger Coffee y sobre todo, el primer amor de Denny, Sand Saref.

Por el lado de los villanos, hay un curioso grupo de criminales entre los que tenemos a Mr. Octopus y su organización the Octagon, Mr. Carrion, Cossack y, sobre todo, el gran archivillano Alvaro Mortez y su legión de muertos vivientes.

Las aventuras de Spirit son, como siempre estando Darwyn Cooke, una delicia de leer y super entretenidas. Cooke despliega su extraordinaria habilidad como narrador para construir historias sencillas pero efectivas que aunque autónomas, construyen los mitos del personaje y van completando un tapiz super completo que adquiere un sentido completo al final. El estilo cartoon de Cooke dota al comic de un aura atemporal que le viene de maravilla a un comic nacido con unas claras raíces pulp.

Cooke plantea las historias en un mundo atemporal que podría ser el actual o uno de hace 60 años. Esto queda sobre todo puesto de manifiesto en el crossover de Batman – The Spirit, que cronológicamente se publicó antes que la serie regular para generar interés en el personaje, en el que vemos una versión de Batman y su galería de villanos más cercana al camp de la serie de televisión de los años 60 que al grim-n-gritty creado por Frank Miller en 1986. Un comic, todo sea dicho, sencillo y sin pretensiones que resulta una delicia de lectura.

Quizá el único problema que tuve con este comic es la propia figura de Spirit, el héroe bonachón e inocente que podría encajar en los años 40 y 50 en los que Eisner realizó la mayoría de sus aventuras, pero que para el standard actual se me queda casi en una caricatura demasiado plana. Y no dudo que esto está claramente buscado por Cooke a la hora de escribir sus historias, buscando un acercamiento lo más fiel posible a la obra y al espíritu de Eisner, pero el resultado final hizo que aprecie muchísimo el trabajo de Cooke, pero no haya conectado nada con el protagonista.

Cooke colaboró con J. Bone, que además de entintar realizó los acabados de algunos números, y con el maravilloso Dave Stewart en el color, que ayudó a crear la estética atemporal que necesitaba este comic consiguiendo que sea uno de los comic mejor dibujados que he leído este año.

Aunque el comic de Spirit se vendió muy bien en USA y Cooke a priori tenía historias para al menos dos años, finalmente la etapa terminó antes de tiempo al realizar DC una reestructuración editorial, despidiendo al editor de la serie y a J. Bone, lo que hizo que Cooke se marchara también. El comics, con otros artistas, continuó siendo publicado hasta su cierre en el número 32, publicado en 2009.

Ejemplo de estos cambios tenemos los números 7 y 13, publicados en el segundo volumen en los que tenemos un grupo de historias cortas realizados por autores de primer nivel como Walter Simonson y Chris Sprouse, Kyle Bake, Gail Simone y Phil Hester, Jordi Bernet o Eduado Risso. Unas historias que están correctas, al tratarse de historias de 8 páginas en las que poco se puede hacer.

Para un fan de Darwyn Cooke como yo, era un pecado no tener su etapa en The Spirit, y una vez leídos me parecen una maravilla de narrativa y estilo. 100% recomendable!!

PUNTUACIÓN: 8/10

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Oats Studios de Neill Blomkamp (Netflix)

Netflix ha estrenado casi por sorpresa unos interesantes cortometrajes dirigidos por el director sudafricano Neill Blomkamp en su estudio Oats Studios.

PUNTUACIÓN: 7/10

El director Neill Blomkamp produce una serie de cortometrajes experimentales que imaginan mundos postapocalípticos y escenarios aterradores.

Neill Blomkamp (Johannesburgo, Sudáfrica, 1979) es un director de cine y guionista sudafricano. Su cine se caracteriza por un estilo documental, cámara en mano, que utiliza efectos naturalistas y realistas generados por ordenador y una temática social. Actualmente reside en Vancouver.

El director se hizo famoso en 2009 gracias a District 9, su primera y mejor película que se convirtió en una realidad gracias a que Peter Jackson vio su cortometraje “Alive in Joburg” y se decidió a producir el largometraje. District 9 y Alive in Joburg cuentan la historia en formato de falso documental de un grupo de extraterrestres que tienen que sobrevivir en un ghetto de Johannesburgo años después del primer contacto. En esta película, Blomkamp ya muestra lo que se van a convertir en sus señas de identidad. Unas historias de ciencia ficción planteadas con una gran crítica social rodadas con cámara en mano al estilo documental que combinan de manera brillante numerosos efectos mecánicos reales con otros generados por ordenador. La película fue un éxito de crítica y público, siendo nominada a los Oscars de 2010 en las categorías de Mejor Película, Mejores Efectos Visuales, Edición y Guión Adaptado.

Tras ella, Elysium (2013) fue una pequeña decepción. A pesar de un increíble diseño de producción, otro de sus puntos fuertes, y de una historia planteada a partir de la lucha de clases sociales en un mundo futuro en el que los pobres malviven en la basura de un mundo contaminado mientras los ricos viven es oasis en las nubes, la historia no acabó de cuajar. Contar con Matt Damon de estrella hizo que la película tuviera una buena recaudación pero sin ser el taquillazo que fue District 9. Chappie (2015) fue un intento de volver a los orígenes, en este caso con un robot que intenta sobrevivir en una Johannesburgo con muchas similitudes a la vista en District 9, y pasó bastante desapercibida.

Tras varios años en los que su nombre ha estado asociado a numerosas películas, entre otras el reinicio e Aliens o de Robocop, que han acabado en nada, Blomkamp fundó en 2017 Oats Studios, un estudio en el que poder plasmar sus inquietudes respecto a la ciencia ficción, creando unos cortos que muestren la potencia de su imaginación a los estudios de cine (y a los espectadores), a ver si volvía a sonar la flauta y alguno de estos conceptos conseguían convertirse en una película como pasó con Alive in Joburg. Son estos cortos, creados entre 2017 y 2020, los que ha estrenado Netflix este mes. Y como digo, más que “cortos experimentales” como nos vende la publicidad, lo que tenemos aquí son prácticamente unos storyboards ampliados para vender su siguiente película.

A destacar que Blomkamp ha estrenado este 2021 Demonic, película en la que combina el cine de terror con la ciencia ficción que aún no he podido ver.

Entrando al visionado de estos 10 cortometrajes, hay dos que me han parecido realmente buenos y que si parecen estar pensados para convertirse en película. De hecho, no sorprende que sean los dos primeros de esta serie mostrada por Netflix, ya que son los más potentes visualmente y desde el punto de vista de sus valores de producción, así como en lo referido a la construcción de los mundos que nos presentan:

Rakka, cortometraje de 2017 de 21 minutos escrito y dirigido por Blomkamp que cuenta con el gran de reclamo de Sigourney Weaver como protagonista. La historia está ambientada en un futuro postapocalíptico en el que la humanidad se prepara para la batalla final contra una invasión alienígena de seres reptiloides que está terraformando el planeta.

El corto muestra lo mejor del estilo de Blomkamp, con escenas super potentes visualmente, una perfecta integración de CGI con efectos prácticos como prótesis y maquillajes, y una historia que si bien no es original, al menos tiene conceptos que merecerían la oportunidad de ser desarrollados en largo metraje.

Firebase (La base militar), el segundo corto de Oats Studios también de 2017, es una locura ambientada en la guerra de Vietnam que muestra género bélico con terror y altas dosis de body-horror, cuando un soldado americano descubre que hay algo en la jungla aún más aterrador que el Vietcong. No, no es un predator.

Como si Blompkamp fuera un alumno aventajado de Cronemberg, en este corto tenemos mutaciones terroríficas en las que soldados son transformados desde el interior de su cuerpo en seres extraños con extremidades afiladas como si de insectos se tratara. En cuanto a historia, este corto es el más interesante y el que cuenta con elementos que resultan más novedosos.

Cigoto, el quinto episodio, es una historia de terror con conexiones a La Cosa de Carpenter, rodado en un ambiente claustrofóbico en el que asistimos a la huida de dos personas de una criatura alienígena mutada con adn humano que les persigue. El cortometraje está protagonizado por Dakota Fanning y en él que volvemos a ver el gusto de Blomkamp por el body-horror, al tener un monstruo gigante formado de los cuerpos de la gente que ha ido matando y asimilando, creando un gigante con 30 piernas y brazos y un aspecto general de estar sacado de nuestra peor pesadilla.

El pero de esta serie de cortometrajes estaría precisamente en que estos tres episodios están realmente bien, de hecho los dos primeros me parecen fantásticos, pero los restantes 7 son super chorras y se sienten como historias de relleno sin el impacto de estos primeros, casi creados por compromiso para recordar a la gente que el estudio seguía haciendo cosas. De hecho, que ninguno supere los 10 minutos de duración cuando estos tres primeros superaban los 20 ya indica la falta de ambición en la realización de los mismos.

Sin embargo, cuando brilla, Blomkamp brilla a un nivel altísimo, y realmente me deja con ganas de que alguna de estas dos ideas llegue a convertirse en largometraje. Si el objetivo de estos cortos era recordarnos la potencia visual de Blomkamp, está más que conseguido.

Comparto el trailer de esta serie:

Oats Studio es una irregular muestra del trabajo de Neill Blomkamp, pero sólo por los 3 mejores cortometrajes, creo que merece la pena el visionado.

PUNTUACIÓN: 7/10

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