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Reflexiones de Domingo 19/2026: Un verano de record para las taquillas de cine

¡Feliz Domingo! En la sección Reflexiones de Domingo de hoy quiero destacar las cifras record de las taquillas de cine de este 2026, con Spider-Man Brand New Day y La Odisea marcando unas cifras record.

En el momento en que escribo estas líneas, Spider-Man Brand New Day lleva recaudado 927 millones de dólares en USA más 1486 millones en el resto del mundo, para un total de 2413 millones de recaudación. Convirtiéndose en la tercera película más taquillera de la historia a nivel mundial tras Avatar (2923 millones) y Vengadores Endgame (2799).

Todo apunta a que este fin de semana Spider-Man superará los 936 millones de dólares de Star Wars Episodio VII El despertar de la fuerza, convirtiéndose en la película más taquillera de la historia en USA. Y si no lo hace este fin de semana, será uno o dos días después. La película dirigida por Destin Daniel Cretton con la cuarta aparición de Tom Holland como Peter Parker se ha convertido en un fenómeno social este 2026.

Por cierto, aclarar que aunque Spidey BND se convierta en la película más taquillera en USA, no significa que sea la película que más entradas de cina ha vendido, dado que la inflación y el aumento de precios de las entradas premium han hinchado esta cifra de forma considerable. Pero recaudar más de 900 millones en USA es una barbaridad.

Menos mal que el agotamiento del cine de superhéroes era una evidencia, según todos los medios americanos deseosos de ver caer a Marvel Studios. Eso no va a pasar este 2026. Incluso si contamos con que Spidey BND económicamente es una producción de Sony, aunque con dirección creativa de Marvel Studios, estas navidades llega Vengadores Doomsday. Y tambión lo va a petar de forma absoluta. Como lo atestiguan las informaciones que 3 meses antes de su estreno la película de los hermanos Russo ya ha facturado más de 50 millones de dólares en USA con las preventas.

Éxito mayúsculo para La Odisea de Christopher Nolan. La película de casi tres horas de duración y calificación R para adultos lleva recaudados 593 millones en USA y 1049 millones en el resto del mundo, para un total de 1642 millones, otra barbaridad. Nolan vendió muy bien las bondades del formato IMAX, y le ha funcionado extraordinariamente bien.

Pero las cifras de taquilla de record de este verano no son consecuencia únicamente de estas dos películas. El éxito de Toy Story 5 provocó que coincidieran en la cartelera tres películas que han superado los 1000 millones de recaudación. Además, los éxitos sorpresa de Obsession de Curry Baker y Backrooms de Kane Parsons ha conseguido que públicos diversos de edades y gustos diferentes hayan acudido en masa a los cines de todo el mundo.

Esto ha provocado unos ingresos record en los Estados Unidos. En el periodo que los yankis consideran «verano cinematográfico», entre el 1 de mayo y el Día del Trabajo, el 7 de septiembre, los cines en USA han recaudado 4.760 millones de dólares. Los ingresos superaron el récord que se mantenía desde 2013 con 4.755 millones de dólares, impulsado por el éxito de Iron Man 3, Gru 2: Mi villano favorito y Man of Steel. (Buff, parece que fue hace una vida). Estas cifras destacan también por ser el primer verano de la historia en el que los cuatro meses han generado más de 1.000 millones de dólares: mayo 1.070 millones, Junio 1.080 millones, julio 1.180 millones y agosto se disparó hasta los 1.270 millones.

A nivel de espectadores, estamos hablando de más de 360 millones de entradas vendidas en este periodo, lo que equivale a más de 20 millones de espectadores por semana. De hecho, la recaudación semanal no ha bajado de los 160 millones de dólares, algo que refleja la variedad de oferta disponible para los espectadores a lo largo de estos cuatro meses.

En España, y según datos de Rentrak, la taquilla entre junio y agosto se salda con más de 25 millones de entradas vendidas, equivalentes a más de 180 millones de euros. A nivel de espectadores, es el mejor dato desde 2019, pero, en términos de ingresos, supera los registros de más de una década debido al auge también en España de los formatos Premium.

En lo referido al total de la taquilla global del año, estamos camino de que 2026 sea el mejor año para las salas de cine desde 2020, cuando el COVID-19 cambió los hábitos de consumo. En USA la taquilla anual asciende a 7,410 millones de dólares, mientras que en España se han recaudado 395 millones de euros. De Enero a Agosto, 57.48 millones de espectadores fueron a un cine en España. Y aunque las cifras pueden acabar siendo las mejores desde 2020, las salas advierten que el volumen total de asistencia todavía se sitúa en torno a un 20% por debajo del récord prepandemia de 2019. Con todo, hay que quedarse con las buenas noticias cuando estas suceden.

Teniendo en cuenta que en Diciembre se estrenan dos de las películas más esperadas del año, Vengadores Doomsday y Dune Parte 3, hay muchas posibilidades que las buenas cifras de taquilla se consoliden para todo 2026. Espero que sea así.

Antes, el otoño nos va a traer lo nuevo de Alejandro González Iñárritu (Digger, protagonizada por un casi irreconocible Tom Cruise), Aaron Sorkin (El precio de la red) y David Fincher (The Further Mis-Adventures of Cliff Booth, protagonizada por Brad Pitt a partir del guion que Tarantino no quiso rodar). Además de las nuevas películas de Los Juegos del Hambre y Jumanji. Y no me puedo olvidar de Godzilla Minus Zero, que es también una de las películas más esperadas por mi hijo.

Nos espera mandanga de la buena. De momento, mi afición de ver cine en pantalla grande está más que asegurada. Esperemos que los próximos años se mantenga esta tendencia positiva.

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¡Saludos a todos!

Crítica de Mayday de John Francis Daley y Jonathan M. Goldstein (Apple TV)

Aprovechando mi suscripción a Apple TV hemos visto Mayday, la divertida comedia de acción protagonizada por Ryan Reynolds y Kenneth Branagh que han dirigido John Francis Daley y Jonathan Goldstein, directores de Dungeons & Dragons.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Cuando el impetuoso teniente de la Marina estadounidense Troy ‘el asesino’ Kelly es enviado a una misión secreta a territorio ruso en mitad de la Guerra Fría, la operación salta por los aires y lo deja atrapado tras las líneas enemigas. Nikolai Ustinov, un rudo ex agente de la KGB aficionado a la cultura de EE. UU lo encuentra, y Troy se da por muerto, pero entre ellos surge una insólita alianza que quizá permita a Troy escapar.

John Francis Daley y Jonathan Goldstein, directores de la divertidísima Dungeons & Dragons, son los directores y guionistas de esta película, calificada como comedia de acción. La película producida por Skydance y por la productora de Ryan Reynolds Maximum Effort se comenta que ha tenido un presupuesto superior a los 150 millones de dólares. Mayday cuenta con fotografía de Barry Peterson, montaje de Jamie Gross y John Lee, y música de Colin Stetson, y tiene una duración de 111 minutos.

En el reparto tenemos a Ryan Reynolds como Troy «Assassin» Kelly, piloto de la marina norteamericana derribado en territorio soviético. Kenneth Branagh es Nikolai Ustinov, un ex-agente del KGB que le encuentra y le ayuda a escapar, Marcin Dorociński interpreta a Alexander Volkov, el jefe de la KGB que persigue a Kelly, Maria Bakalova es Anna Ustinov, la hija de Nikolai que hace años que no se ven, y David Morse hace de Harold Kelly, el padre de Troy.

Lo primero que me ha llamado la atención de Mayday es que me parece increíble que NO se haya estrenado en cine. Porque si en algo destaca esta película es en su escala y sensación de super producción espectacular. Las primeras escenas con los combates aéreos remiten directamente a Top Gun, película a la que homenajean además durante la película. Y todo luce increíble. Pensar que Apple ha pagado todo esto para ampliar la biblioteca de su canal de streaming me parece loquísimo. Que no seré yo quien le diga en qué pueden gastarse su dinero. Pero no haber podido ver Mayday en pantalla grande me parece un desperdicio.

Mayday tiene una estructura de buddy-movie absoluta, haciendo que la pareja protagonista esté en pantalla el 90% del tiempo. Siendo el 10% restante el prólogo de la película donde conocemos la historia del piloto Troy Kelly (Reynolds) y cómo llegó a ser derribado en territorio soviético. Kelly quiere llegar a la embajada americana en Moscú pero no tiene ni idea de cómo conseguirlo.

Por su parte, el personaje interpretado por Branagh, Nikolai Ustinov, es un ex-KGB que se retiró cuando descubrió que su hija es lesbiana y eso provocaría su detención. Nikolai está obsesionado con la cultura americana, provocando las situaciones cómicas de la película. Pero es a la vez un letal operativo que a pesar de su edad puede matar a cualquier enemigo en segundos. El contraste de personalidades funciona a la perfección durante la película, y nos da algunas escenas super divertidas.

Por supuesto, la película juega con el contraste entre estos protagonistas con historias y formas de ser super diferentes. Y la verdad es que la química entre Reynolds y Branagh funciona. Sobre todo porque Branagh abraza la vena cómica de la historia, abrazando los aspectos más locos de su personaje, pero haciendo que Nikolai Ustinov se lo tome todo en serio.

Como toca en este tipo de historias, ambos personajes aprenderán cosas del otro. Y dentro que la Rusia comunista son los malos absolutos, también veremos que el gobierno de los Estados unidos no es tan bueno como todos pensaban. Además, Kelly aprenderá que el pueblo ruso tiene más bondad de lo que jamás tendrán los americanos, cuando unos desconocidos les ayudan siendo super pobres simplemente porque se encuentran en una situación de necesidad. «Cualquier americano haría lo mismo», le dice Ustinov a Kelly. Y Kelly responde que si, sabiendo que eso no es cierto.

Además, las coreografías de acción me parecen una locura. La primera escena de acción entre Branagh y Reynolds está muy bien, pero luego Branagh se enfrenta a tres rusos en un bar y es una escena brutal. No tengo claro si Branagh ha rodado las escenas de acción o han utilizado a un doble. Pero que no lo distinga ya indica lo bien rodado que está todo.

El inicio de la película recuerda a Top Gun por el uso de aviones de combate. Pero me ha flipado descubrir que en realidad la producción NO rodó las escenas con F18s, sino que usaron aviones de entrenamiento como los L-39, y luego los retocaron digitalmente en la postproducción para que se parecieran a los F-18. Por decirlo de alguna manera, le pusieron una skin nueva. La verdad es que dan el pego completamente. Porque son unas escenas increíbles. Por ejemplo, con el vuelo del SR71 Blackbird.

Los efectos especiales son una parte importante del éxito de Mayday. Por ejemplo, tengo claro que hay un extenso uso de fondos digitales, pero están tan bien integrados que quedan alucinantemente bien. Por ejemplo, en la escena en que los protagonistas cruzan la USSR y vamos viendo diferentes paisajes rusos. Intelectualmente sabes que deben ser fondos digitales, pero realmente la retina lo recoge como real. Como digo, la parte de los efectos me ha parecido genial.

Se me olvidaba comentar que al estar ambientada en 1987, la película usa canciones de Bruce Springsteen de un cassette que Ustinov ha conseguido en el mercado negro y que es una de sus más preciadas posesiones. Y escuchar a Bruce siempre está bien, dentro que Reynolds lo utiliza para hacer un gag bastante bueno.

La película es super divertida. Y tiene una resolución super loca que entra dentro del feeling de comedia. Aunque dicho esto, la pelea dentro del avión con el que los protagonistas escapan me parece otra flipada absoluta de la película.

Mayday es una película ligera que no busca otra cosa que entretener. Y creo que lo consigue completamente. Si le tengo que poner un pero no es a la película en si sino a la decisión de Apple de no estrenarla en los cines. Por suerte, al estar suscrito a Apple TV para ver Ted Lasso he podido verla. Y me alegro de haberla visto con mi hijo. Mayday no es una película que me vaya a cambiar la vida, ni falta que le hace. Más películas así, por favor.

Comparto el trailer de la película:

Mayday es una película super entretenida y espectacular que me parece increíble que no se haya estrenado en cines.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de La constelación del perro de Ridley Scott

Estoy un poco cansado de las moralinas que se esconden detrás de las numerosas películas ambientadas en futuros distópicos en los que la humanidad ha sido casi aniquilada como consecuencia de sus propias acciones. A pesar de ello, me fui al cine a ver la última película de Ridley Scott, La constelación del perro.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

En un mundo postapocalíptico, un virus ha aniquilado a prácticamente toda la humanidad. Los supervivientes se enfrentan a unos carroñeros errantes llamados ‘segadores’. Hig, un piloto, sobrevivió a la gripe pero perdió a su mujer. Adaptación de la aclamada novela ‘La constelación del perro’, de Peter Heller. (FILMAFFINITY)

Sir Ridley Scott (Inglaterra, 1937) va a cumplir 89 años a final de este mes de noviembre. Y ya me gustaría llegar a su edad con la vitalidad y la cabeza del director inglés, uno de los grandes directores del cine comercial de los últimos 40 años. Debutó como director de cine con Los duelistas (1977) y obtuvo un mayor reconocimiento con su siguiente película, Alien (1979). Sus películas abarcan un amplio abanico de escenarios históricos, desde la Roma del siglo II en Gladiator (2000), la Jerusalén del siglo XII en El reino de los cielos (2005), la Inglaterra medieval en Robin Hood (2010), la antigua Menfis en Éxodo: dioses y reyes (2014), la Mogadiscio contemporánea en Black Hawk derribado (2001) y los paisajes urbanos futuristas de Blade Runner (1982) y diferentes planetas en Alien, Prometheus (2012), The Martian (2015) y Alien: Covenant (2017). Varias de sus películas también son conocidas por sus fuertes personajes femeninos, como Alien, Thelma & Louise (1991) o La Teniente O´Neil (1997). Y en general ha demostrado que puede hacer lo que quiera, con películas como Black Rain (1989), Legend (1985), Hannibal (2001) o American Gangster (2007). Aunque en alguna ocasión parecía perder el rumbo como con Prometheus (2012), luego se saca de la manga peliculones como The Martian (2015) que demuestran que quien tuvo retuvo. En los últimos años y ya sobrepasando los 80 años, Scott parece que se encuentra en una madurez creativa en la que no quiere parar ni un segundo, quien sabe si por el temor de no poder rodar más adelante. El último duelo (2021), La Casa Gucci (2021), Napoleón (2023) y Gladiator 2 (2024) se han rodado una detrás de la otra sin casi un segundo de respiro.

La constelación del perro cuenta con un guion de Mark L. Smith (El renacido, Twisters) basado en el libro del mismo título de 2012 de Petter Heller. La película de 118 millones de presupuesto ha contado con un presupuesto de 70 millones de dólares, y cuenta con fotografía de Erik Messerschmidt, montaje de Sam Restivo y Claire Simpson, y música de Harry Gregson-Williams

En los papeles principales tenemos a Jacob Elordi (Saltburn, Frankenstein, Cumbres borrascosas) como Hig, un piloto civil que vive con su perro Jasper. Josh Brolin interpreta a Bangley, un exmarine armado hasta los dientes que vive con Hig en un antiguo aeródromo en Erie Colorado. Margaret Qualley interpreta a Cima, una joven médico que vive con su padre, Pops, interpretado por Guy Pearce, propietario de un rancho escondido entre las montañas. Allison Janney interpreta a Darlene, una antigua azafata que dirige un aeropuerto en Grand Junction, Colorado, y Benedict Wong, en el papel de Aaron, el líder de un grupo menonita en las montañas, completan el reparto principal.

En los últimos años, Hollywood ha manoseado de forma super exagerada los futuros distópicos en los que algo ha diezmado la población mundial y los supervivientes tienen que luchar por sobrevivir. Sin embargo, al ser Ridley Scott le di una oportunidad a La constelación del perro, su última película. Y de alguna manera entiendo que aunque el género esté manoseado, en realidad Ridley quería probar hacer su versión. Y es algo que hay que respetar.

La temática es la habitual en este tipo de historias. Una epidemia de gripe super contagiosa y letal diezmó el planeta hace pocos años. El protagonista Hig (Jacob Elordi) sigue traumatizado por la muerte de su mujer, que murió estando embarazada. Hig vive en un aeródromo con su perro Jasper y con Bentley (Josh Brolin), un ex-militar cuya filosofía es matar a cualquiera que se encuentren, antes que esas personas les maten a ellos. Hig piensa que deben poder aspirar a algo más en esta vida, y se mueve con una avioneta CESSNA buscando provisiones en Denver y otras ciudades que se encuentran abandonadas. A pesar de las reticencias de Bentley, Hig ayuda a unos vecinos, miembros de una secta menonita, que cultivan una granja y cuidan a unos niños enfermos. En sus viajes, Hig intenta evitar las tribus de saqueadores caníbales que se dice que están moviéndose por la zona arrasando por donde pasan.

En alguna ocasión durante algún vuelo Hig ha escuchado un mensaje de radio proveniente de Grand Junction, Colorado. Un viaje demasiado largo, dado que el depósito del avión no le da para llegar hasta allí y volver con seguridad. No es hasta que sufren una tragedia que Hig decide hacer una locura y abandona el aeródromo, marchando hacia Grand Junction para ver si de verdad queda una comunidad de gente viva allí. Tras tener que realizar un aterrizaje de emergencia, Hig conocerá a Cima (Margaret Qualley) y a su padre Pops (Guy Pearce), que viven en una granja escondida entre montañas aislada del mundo. Poco a poco, se hará amigo de ellos y le ayudarán a reparar la avioneta y construir una pista de despegue para poder seguir su camino.

Las principales novedades de La constelación del perro vienen del hecho que Hig se mueve con avioneta, algo poco habitual en este tipo de cine. Esto permite a Ridley Scott filmar escenas super bonitas con los viajes de Hig y su perro Jasper. En general, si algo bueno tiene esta película es que Scott la ha rodado de forma magnífica, ofreciendo momentos visuales geniales. La narrativa cinematográfica de Scott es la de un maestro. Por esto no es extraño que la película sea super entretenida y nunca aburra, a pesar de su naturaleza episódica.

Hay un montón de momentos rodados en localizaciones naturales, pero entiendo que Scott usa CGI por ejemplo cuando Hig llega a Denver a reaprovisionarse. La ciudad está desierta y la naturaleza se abre camino, y entiendo que todos los fondos de la ciudad están hechos con CGI. También durante la embestida de los búfalos, que se han reproducido libremente al no tener a los humanos cazándoles. Como digo, Scott ha usado bastante CGI, pero lo mejor es que está super bien integrado, de forma que en realidad no notas en efecto, te lo crees cuando lo estás viendo.

La música, el montaje y el diseño de producción de esta película me parece que están super bien, ayudando a que la experiencia cinematográfica esté muy bien.

El otro punto fuerte de La constelación del perro es su reparto. Jacob Elordi transmite que Hig es una buena persona que no se resigna a una vida en soledad y quiere ayudar a los que pueda. El papel de «pibón» triste por la muerte de su mujer le va como anillo al dedo a sus puntos fuertes actorales. Creo que Elordi lo hace muy bien y aguanta una película en la que la cámara en realidad le está siguiendo los pasos el 85% del tiempo. Dicho esto, tengo que decir que Elordi NO va a ser una estrella. Lo hace bien, pero su figura no resulta magnética en pantalla como con los Pitt, Clooney o Cruise. Que sí son estrellas que hacen que su mera presencia haga que quieras gastarte tu dinero en la entrada. En todo caso, no es una crítica a Elordi, que lo hace bien en la medida de sus posibilidades.

También me gusta la interpretación de Margaret Qualley como Cima. En este sentido, aunque su papel es menor al de Elordi, Qualley tiene un rango interpretativo mucho mayor, añadiendo pequeños matices a su personaje que me han gustado bastante. Cima también perdió a su marido por la pandemia y le señala a Hig que no tiene el monopolio del duelo, dado que ella también lo sufre y no se resigna a estar sola, abriéndose a la posibilidad de volver a encontrar el amor.

La mera presencia de Josh Brolin y Guy Pearce aumenta la calidad de la película, dentro que hacen papeles muy parecidos. Al ser dos veteranos duros que no permitirán que nadie les arrebate lo que es suyo. Con el añadido de Pops de querer cuidar a su hija, sobre todo de desconocidos buenorros que llegan a la puerta de su casa.

La constelación del perro es una película entretenida muy bien filmada y mejor interpretada. Pero tiene un problema nuclear insalvable. Y es que todo suena a ya visto innumerables veces. Provocando que no haya ni una sola sorpresa en toda la película, moviéndose todo el rato por situaciones esperables. Incluso en la naturaleza circular del viaje de Hig. Ver una historia tan telegrafiada ha sido bastante decepcionante. Por ejemplo, que haya una crítica hacia «los ricos», mostrándoles como unos parásitos que se aprovechan de la buena voluntad de las personas inocentes. Hasta eso se ve venir.

Estoy manteniendo la reseña lo más libre de spoilers posible, pero también hay que destacar que la película se mueve por un tono super realista para este drama post-apocalíptico. Sin embargo, este tono salta por los aires con los momentos más peliculeros que Scott añade a la película, que no están en la novela. Como el asalto de ¿50? saqueadores al aeródromo defendido por Bentley (Brolin). Un ataque con momentos visuales guapísimos, como el ataque de Bentley usando gafas de visión nocturna. Pero que se va de madre completamente. La llegada a Grand Junction se va de madre también. Algo que no digo con connotación positiva.

Este tipo de películas no hay que sobre analizarlas. Pero reconozco que tengo un problema fundamental con el género. Y es que en realidad no me creo que una gripe pueda llevar a la destrucción de la humanidad hasta el punto que todas las estructuras sociales se desmoronen. Incluso aceptando que pueda morir el 95% de la humanidad.

Digo esto porque la presencia de estos «saqueadores» no tiene sentido. Por supuesto, su existencia parte de que se espera que existan en una historia de estas características. Pero pensando que la pandemia fue hace ¿8-9? años, no me creo que hayan tribus de ese tamaño que hayan involucionado de esa manera en tan poco periodo de tiempo. Porque no hablamos de 50 años y generaciones de gente que han nacido en el apocalipsis, son gente que conoce la agricultura y la pesca y las comodidades que tenían en la sociedad anterior. Aparte, no tiene sentido que sean saqueadores que maten a todo el que se encuentran cuando hemos visto que la vida natural ha aumentado y hay numerosos animales que pueden cazar para alimentarse. Entendiendo su función en la historia, no me lo creo. Y eso afecta al disfrute de la película.

Luego hay otro aspecto que podría ser menor pero en realidad no lo es. Hace unas semanas (¿meses?) leí que un ejecutivo importante de Hollywood decía que las nuevas generaciones rechazan las escenas de sexo en las películas, lo que explica por qué cada vez vemos menos en el mainstream americano. Entiendo que el avance de algunas religiones puritanas y grupos conservadores los que hacen que se extienda esta opinión. Ante eso tengo que decir que no estoy para nada de acuerdo. Si acaso, los jóvenes pueden tener aprensión a ver escenas de sexo CON SUS PADRES, pero cuando un grupo de chicos y chicas van al cine, claro que les gusta una escena si está rodada con criterio.

A esto se une otra de las lacras del mainstream actual, y es que debido a la influencia del feminismo radical que exige mujeres fuertes e independientes, las películas mainstream han renunciado al romance en sus películas. Al romance heterosexual, claro. Si es un romance LGTBI+, entonces van directos a las ceremonias de premios. Robando a los espectadores de uno de los factores claves en el cine, la posibilidad que al final no sólo el protagonista realice su misión, sino que además «el chico consiga a la chica». Y la chica consiga al chico. Muchos «profesionales» e influencers sectarios han vendido esta mercancía averiada que los estudios se han tragado sin cuestionar. Y es algo evidente en el cine comercial de los últimos 10 años o así. Un error garrafal, claro. Que películas como Spider-Man Brand New Day se encarga de desmentir, viendo como una de las partes que más gusta de la película es la relación entre Peter y MJ.

Comento estas dos situaciones porque está telegrafiado que Cima y Hig tienen que terminar juntos. De hecho, diría que (perdón por la expresión), tras 9 años sola con su padre, Cima está entendiblemente cachonda ante la aparición de un hombretón de 2 metros de altura que además resulta ser una buena persona. Y aunque es spoiler, resulta super imposible que no tengan un revolcón. No sólo imposible, si no hasta tonto que nos muestren que no sucede. Porque en la novela Cima y Hig SI se lían cuando están en la granja. En la película, hasta el final final de la película no vemos que los protagonistas se den un par de besos castos de buenos cristianos. ¿A qué viene este cambio? Pues a lo que comentaba.

Otro aspecto que me resulta llamativo de mi valoración es que esta película me ha decepcionado, aunque no diré que es mala película. Y lo ha hecho por su nula sorpresa y por telegrafiar todo lo que vemos. Sin embargo, vi con dos días de diferencia El motín de Jason Statham. Y el argumento está tan telegrafiado como el de esta película, y sin embargo no me dejó mal sabor de boca. Con el género de acción de alguna manera no me supone un problema ver una película en la que sabes lo que hay, pero que lo haga Ridley Scott si lo es.

Creo que puede ser debido a a una película de Ridley Scott le supongo una mayor calidad que al último vehículo para el lucimiento de Statham. Pero al final todo son historias planteadas para entretener a la audiencia. Supongo que no me importa comerme una «hamburguesa con queso» cuando planeamos ir al McDonald´s, pero si puede ser un problema si esperaba cenar un solomillo en el restaurante y me sirven una hamburguesa en su lugar.

Comparto el trailer de la película:

A pesar del virtuosismo de Ridley Scott, La constelación del perro es una película en lo que todo suena a ya visto.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

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¡Saludos a todos!

Crítica de El motín de Jean-François Richet

Llega el verano y ya tenemos la última película para el lucimiento absoluto de su protagonista y productor Jason Statham. El motín del director Jean-François Richet es justo lo que se espera de ella. Y a veces, es suficiente.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

Después de que su jefe, un industrial multimillonario, sea asesinado delante de él, Cole Reed se ve obligado a cargar con la culpa del crimen, lo que le obliga a huir mientras trabaja para descubrir una conspiración internacional.

Jean-François Richet (París, 1966) es un guionista, director y productor de cine francés. Su ópera prima, Inner City (1995), fue nominada en la 21.ª edición de los Premios César en la categoría de Mejor Primera Obra. Otras películas dirigidas por él son Assault on Precinct 13 (2005) —un remake del clásico homónimo de John Carpenter de 1976—, Blood Father (2016, con Mel Gibson) y El piloto (2023, con Gerard Butler).

El motín es una película de 95 minutos de duración y un presupuesto de 40 millones de dólares que ha contado con guion de Lindsay Michel y J. P. Davis. La película cuenta con thotografía de Brendan Galvin, montaje de David Rosenbloom y Joe Rosenbloom, y música de Marcus Trumpp.

En el reparto tenemos, además del incombustible Jason Statham tenemos a Annabelle Wallis como Angie Ellis, miembro de última hora de la tripulación del barco que no sabe nada de los delitos que se están cometiendo en el barco, Jason Wong como Taran, amigo de Jason Statham, Roland Møller como el capitán Marko Madsen, el villano de la película, Arnas Fedaravicius como el Capitán Mateo Pineda, segundo de a bordo del barco, Adrian Lester como el capitán Adam Spencer, de la Marina de los Estados Unidos, Ramon Tikaram como Tibu Campallo y Chaneil Kular como Kameron Campallo.

Cole Reed (Statham) es un antiguo militar y policía británico que dejó el cuerpo tras la muerte de su padre, también policía. Trabaja en Bangkok como guardaespaldas del magnate naviero Tibu Campallo, convirtiéndose en grandes amigos tras salvarle Cole la vida hace unos años. Justo antes de vender su imperio, Campallo es asesinado en una emboscada, y Cole cree que las respuestas al interrogante de quién ordenó en asesinato se encuentran en el barco Artemis, del que uno de los asesinos era miembro de la tripulación. Al infiltrarse en el barco, encontrará un negocio de trata de blancas, al sacar de un contenedor a un grupo mayoritariamente compuesto por mujeres y niños. A partir de ahí, empezará la masacre.

Statham nunca ha sido un actor sutil y no va a empezar ahora. Pero para tener 59 años recién cumplidos, la verdad es que se mantiene en plena forma. No tengo claro si Statham ha podido utilizar algún doble de acción en algún momento, pero la sensación que tengo tras ver la película es que NO. Al menos, no en el cuerpo a cuerpo contra los miembros de la tripulación, a los que masacra, lo cual es siempre de agradecer. Cuando pagas por ver una película de Statham, está claro el tipo de acción salvaje que esperas ver, y me gusta que Statham también tenga claro esto, y ponga todo de su parte para que el espectador acabe satisfecho. Yo al menos si creo que me ha entretenido. No le pido más.

La premisa es un «Die Hard en un barco mercante» absoluto, y me gusta que la película no intente disimularlo en ningún momento. Statham es el bueno, los malos merecen morir y al menos tenemos la presencia de la guapísima Annabelle Wallis para que Statham no aparezca el 100% del metraje. Todo bien.

Una de las cosas que más me han gustado es que la película se ha rodado en un barco mercante real. Eso consigue que los espacios reducidos y las escenas de acción resultaran realistas, al acoplarse a los espacios reales que pueden encontrarse en estos barcos. Esto consigue que las escenas de acción en estos espacios estrechos tengan un punto de novedad que consiga que no parezca como una película en la que todo suena a visto. Bueno, que Statham arrasa con todos era evidente, ahí no hay sorpresa, pero ya me entendéis.

Ahora es cuando comento las cosas menos buenas de la película, pero tengo que decir que las películas de Statham al menos me parecen honestas. Incluso la duración de 94 minutos yendo al grano desde el primer segundo va en esta dirección. Obviamente El motín no es una obra maestra, ni falta que hace para conseguir ser una película disfrutable por los fans del cine de acción. Es cierto que la cima de las películas de Statham de los últimos años sigue siendo Despierta la furia (Guy Ritchie, 2021). Buff, menudo peliculón. Pero dentro de su funcionalidad, las películas de Statham cumplen y parece que buscan crear un subgénero dentro del cine de acción con Statham en el centro.

El motín es lo que es. Con ver el trailer sabrás si entras en la propuesta o no. Si no te gustan las películas del actor inglés, ni te acerques. Pero si eres fan de Statham, probablemente estuvieras convencido antes incluso de leer esta reseña.

Comparto el trailer de la película:

El motín es una película de acción que da al espectador lo que promete. Tampoco es para fliparse, pero eso no puede ser algo malo.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

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Crítica de El final de Oak Street de David Robert Mitchell

David Robert Mitchell (It follows) ha creado la perfecta película veraniega con El final de Oak Street, película de inspiración ochentera con un casting estupendo y una historia con ciencia ficción y dinosaurios. ¿Qué más se puede pedir?

PUNTUACIÓN: 8/10

Después de que un misterioso fenómeno cósmico modifique Oak Street y su entorno suburbano, la familia Platt pronto descubre que su propia supervivencia depende de que permanezcan unidos mientras se orientan en un entorno que ya no reconocen.

David Robert Mitchell (Michigan, 1974) es un cineasta estadounidense. Tras su ópera prima, The Myth of the American Sleepover (2010, obtuvo un gran reconocimiento con su segundo largometraje, la película de terror It Follows (2014), aclamada por la crítica y una de las películas que inició lo que algunos llamaron «elevated terror». El fracaso en taquilla de su siguiente película, Under the Silver Lake (2018), supuso un parón en su carrera. El final de Oak Street es si cuarta película como director, que ha escrito y producido.

La productora de J.J. Abrams Bad Robot ha producido esta película de 99 minutos de duración y un presupuesto de 80 millones de dólares. La película cuenta con fotografía de Michael Gioulakis, montaje de John Axelrad y música de Michael Giacchino. Destacar además que Industrial Light & Magic fue la empresa principal encargada de los efectos visuales y se ocupó de la creación de los dinosaurios para la película.

El casting de El final de Oak Street es uno de los principales reclamos comerciales de la película. Anne Hathaway y Ewan McGregor son como Denise y Greg Platt, un matrimonio de clase media de los 80 que tiene dos hijos, Audrey y Brian, interpretados por Maisy Stella y Christian Convery. Denise y Greg sufren una crisis en su matrimonio, pue será puesto a prueba cuando su barrio sea trasladado en el tiempo a la época de los dinoaurios.

El resto de secundarios con Jordan Alexa Davis como Jeannette Christiansen, una chica del barrio de la que Brian está enamorado; P. J. Byrne como Mel Jacobs, el vecino irascible de los Platt; Emily Kuroda como la señora Valcourt, una bibliotecaria que es vecina de los Platt; y Anne Gee Byrd como la señora Huddleston, una anciana y amable vecina.

El final de Oak Street me parece una maravilla. Que esté ambientada en 1982 me parece una declaración de intenciones, porque su director David Robert Mitchell recrea el espíritu de las películas de esa época, en las que teniamos historias muy locas con premisas imposibles que las películas abrazaban con orgullo para crear un entretenimiento super digno. Pues eso mismo es lo que ha creado Mitchell en esta película.

Aunque la duración de 99 minutos me parece perfecta, a la película le cuesta llegar al giro que transporta el barrio a la época jurásica. Mientras, conocemos el barrio, a algunos vecinos de los Platt y los problemas existentes en el matrimonio, que están a punto de divorciarse. El barrio empieza a encontrarse cosas sin explicación, que van elevando la tensión hasta que llegamos a una noche de tormenta en la que los Platt ven un gran brillo que ilumina todo el barrio. A partir de ahí, comienza de verdad la película.

Todo el barrio de Flowervale (Michigan) donde se encuentra la calle Oak ha sido transportada al pasado prehistórico. Aunque la familia especula con los motivos, entrando las teorías de agujeros de gusano que permiten viajes por el tiempo, en realidad el motivo real es desconocido. Y me parece genial que sea así, viendo no tanto el ¿Cómo pasó? sino «como sobrevivimos». Una de las cosas que más me gustan de la película es cómo a construyendo la tensión dramática. Primero los Platt se preocupan porque no tienen luz ni agua, y no es hasta que van a buscar a su perro perdido Starbuck y a comprobar si su vecina la señora Huddleston se encuentra bien, es cuando empiezan a descubrir el alcance del problema que tienen ante si. La acción va de menos a más, y es un éxito narrativo para mi que todo llegue cuando tenga que hacerlo.

Entiendo que los dinosaurios no tienen por qué moverse inmediatamente, y no es hasta que los primeros animales más pequeños empiezan a cazar y se extiende el olor de la sangre de sus víctimas, los grandes no se dirigen hacia Oak Street. Esto es una genialidad que hace que la película tenga una tensión todo el rato que no acabe de estallar. Hasta que llegamos a uno de los puntos álgidos de la película con la llegada del Alosaurio.

Otra de las cosas que más me han gustado de la película es que no se esconde a la hora de mostrar algunas muertes. En realidad vemos pocas, aunque se intuye que la mayoría de habitantes del barrio están muriendo en las horas posteriores al salto temporal. De hecho, hay un momento super dramático que sería normal en los ochenta pero cuya crudeza no esperaba para nada, siendo un momentazo increíble de la película y una de sus grandes sorpresas.

Para que una película como El final de Oak Street funcione, los dinosaurios tienen que lucir bien en pantalla. Y la verdad es que me gusta mucho esta parte de la película. Las apariciones de los diferentes dinosaurios están planteadas para maximizar la tensión de cada escena, consiguiendo que estuviera en tensión toda la película. Y tenemos una enorme variedad de dinosaurios, encontrándonos con bichos de todo tipo. Los efectos especiales cantan un poco en la pintura mate de los fondos, o en la escena en la que la familia Platt descubre que están rodeados de jungla prehistórica y no tienen donde escapar. Pero globalmente me parece que están muy bien.

Aunque estamos en una película típicamente ochentera, necesitamos empatizar con los protagonistas, y creo que Anne Hathaway y Ewan McGregor hacen un trabajo magnífico como Denise y Greg Platt, al igual que los actores que interpretan a sus dos hijos, Audrey y Brian. Denise es una esposa frustrada con su vida de clase media y un matrimonio que dejó de comunicarse. Escribe en sus ratos libres y fantasea en una novela con abandonar a su familia para poder ser libre de verdad.

Greg está avergonzado por haber perdido su trabajo y acepta todo tipo de encargos, como trabajar en el reparto a domicilio de pizzas. Su forma de luchar por su familia es buscar el sustento económico de su mujer y no hablar de sus problemas, lo que es una actitud muy de los 50 en adelante. Puestos a ponerle un pero, la película sufre de cierto post-wokismo, dado que ella lo hace todo bien y mantiene la calma mientras es él el que se equivoca y niega la realidad ante los niños. Sin embargo, cuando se trata de actuar para proteger a su familia, no hay nada que Greg no esté dispuesto a hacer.

Me gustan mucho los dos personajes y conecto con el drama de ambos, porque Hathaway y McGregor son buenísimos actores. Este detalle menos bueno no tiene en realidad importancia porque la película tiene una tensión brutal y te preocupas por toda la familia. Incluso cuando los niños caen en el «gente tonta haciendo tonterías» cuando abandonan la casa cuando Brian ve a su perro y se marcha a recogerle y ponerle a salvo. Al que le sigue Audrey cuando va a salvar a su hermano pequeño. Esto inicia los grandes dramas y plantea la posible solución a esta situación desesperada.

Mientras Denise y Greg buscan a sus hijos se encuentran en una casa cercana un brillo como el que se vio la noche del viaje temporal. Encuentran un agujero de gusano enano que creen que puede llevarles a casa. Pero obviamente no abandonarán a sus hijos, teniendo que encontrarles para intentar abandonar esta era. ¿Tiene sentido esto?¿Acaso importa? Sobre todo cuando lo que vemos es tan entretenido. Hay que quitarse el sombrero ante la propuesta de David Robert Mitchell.

El final es un poco una locura. Y como en un episodio de En los límites de la realidad, esta locura es quizá parte del encanto y lo que hace que todo funcione dentro del feeling ochentero que se ha establecido desde el principio de la película. ¿El final plantea una paradoja temporal? ¿Y qué? Si nos ponemos puristas, es posible que se haya roto el continuo espacio temporal, dentro que el propio concepto inicial es imposible también. Por eso me encanta que la película nunca vaya a lo «realista» sino a lo realizable porque mola. Sobre todo, porque este final da un cierre satisfactorio a la historia y no hace falta ir más allá.

Me ha encantado El final de Oak Street. De hecho, estoy tan cansado con la matraca del «realismo» en una parte del cine de entretenimiento que ver esta película me ha parecido un soplo de aire fresco muy necesario en el entretenimiento. Por eso me fastidia que al haberse estrenado tan cerca de La odisea y Spider-Man: Brand New Day, la película no vaya a encontrar a su audiencia. Espero que con el streaming esta película consiga toda la difusión posible, porque es una película super disfrutona y recomendable.

Comparto el trailer de la película:

El final de Oak Street me ha parecido un éxito absoluto. ¡Peliculón!

PUNTUACIÓN: 8/10

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