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Crítica de John Wick 4 de Chad Stahelski

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Cuarta película de John Wick con el eterno Keanu Reeves y de nuevo dirigida por Chad Stahelski.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

John Wick, legendario asesino retirado, vuelve de nuevo a la acción impulsado por una incontrolable búsqueda de venganza. Al tener que luchar contra asesinos sedientos de sangre que le persiguen, John tendrá que llevar sus habilidades al límite si quiere salir esta vez con vida.

Chad Stahelski dirige su cuarta película de John Wick a partir de un guion de Michael Finch y Shay Hatten, inspirado en el personaje creado por Derek Kolstad, director con Stahelski de la primera parte. La película tiene una larguísima duración de 169 minutos, conectando con moda de las películas cada vez más largas que se está convirtiendo en norma en el mundo del entretenimiento. Además, John Wick cuenta con fotografía de Dan Laustsen, montaje de Nathan Orloff y música de Tyler Bates y Joel J. Richard.

Junto a Keanu Reeves como el protagonista John Wick tenemos a Laurence Fishburne, Ian McShane y Lance Reddick retomando sus papeles en la saga. Las nuevas incorporaciones de esta película son Donnie Yen, Bill Skarsgård, Hiroyuki Sanada, Shamier Anderson, Marko Zador y Scott Adkins, entre otros.

Antes de comenzar a hablar de John Wick 4, tengo que decir que la tercera película me pareció la más floja de toda la trilogía. Entre otros motivos, por una falta de originalidad en los sets de acción y una repetición excesiva de la llave que usa John para derribar a sus oponentes (proyección – tiro al suelo – disparo a la cabeza), algo repetido por él y el personaje interpretado por Halle Berry hasta la saciedad. O el ataque del perro, que verlo por décima vez dejaba de tener gracia. Además, el villano interpretado por Mark Dacascos y su tono humorístico no funcionó en ningún momento. Estos elementos, y conocer que esta cuarta película se iba por encima de las dos horas y media de duración no me invitaban a optimismo. Quedaba por ver si Stahelski y su equipo habían aprendido de lo que no había funcionado (en mi opinión) para hacer una película que me volara la cabeza o se iban a limitar a hacer una repetición autocompleciente ridículamente alargada.

Por suerte, la opción con la que nos hemos encontrado ha sido la primera. John Wick 4 nos ha regalado algunos de los sets de acción más bestias e imaginativos que recuerdo, convirtiendo la película en un éxito sin paliativos. La historia no es que sea increíblemente imaginativa, pero mantiene al protagonista en su camino hacia la liberación de su deuda con la Alta Mesa o a su muerte intentándolo. Y quien sabe si ambas opciones no serán la misma.

John Wick es el Hombre del Saco, un asesino que sólo sabe matar a todo el que se ponga en su camino. Y en esta cuarta parte vamos a verle en sets increíblemente originales que nos ofrecen llaves y gun-catas super imaginativos que me han mantenido con la sonrisa en la cara a lo largo de toda la película. El set de acción en Osaka con espadas, el brutal enfrentamiento en Berlín o la salvaje orgía final de más de media hora de duración me han parecido la ostia.

Uno de los principales éxitos de John Wick es presentar a personajes carismáticos que esta vez si plantean una amenaza real para John y que ofrecen unas coreografías alucinantes. El asesino ciego interpretado por la leyenda Donnie Yen, el sorprendente jefe de la Alta Mesa alemana interpretado por Scott Adkins o el asesino del Marqués de Gramont son enemigos brutales a lo largo de la película. Junto a ellos, Hiroyuki Sanada suda carisma como el amigo de John en Japón, a lo que hay que sumar la ambigüedad de Winston Scott, el director del Continental de Nueva York, o de Mr. Nadie, el asesino con perro que también busca conseguir la recompensa por la cabeza de Wick. Aunque Keanu Reeves es el gran protagonista, todos estos personajes suman elementos que hacen que los enfrentamientos tengan siempre un elemento de novedad e incertidumbre que funcionan de maravilla.

Otro elemento que me parece bestial es que John Wick recibe una manta de ostias increíble en esta película, lo que añade una intensidad y sensación de peligro inédita a esta escala. Está claro que esta película no busca se «realista» y que Wick más que un ser humano parece Terminator, al levantarse siempre tras recibir golpes, atropellos y caídas imposibles, pero eso creo que es también parte de la gracia de la película. Y los espectadores sabemos a lo que vamos, porque en mi sesión hubieron risas y vítores ante algunos de los imaginativos y brutales sets de acción.

Otra clave de la película es que los sets de acción son brutales, pero a esto hay que sumarle una clara intención estética de ofrecer una película increíblemente bella, con unos planos alucinantes y una fotografía realmente sobresaliente. La película mantiene además la premisa de la tercera película de convertirse en una aventura por todo el mundo, al situar su acción principal en Osaka, Berlín y París, como si de una película de James Bond o Misión Imposible se tratara. Si a eso le sumamos una selección de canciones super potente y un in-crecendo en la tensión y la imaginación de los sets de acción, el éxito me parece monumental. La brutal pelea en medio del tráfico en la Plaza de la Concordia en París, el tiroteo con balas explosivas (la favorita de mi hijo) o la brillante subida por las escaleras del Sacre Coeur son escenas que van a quedar en el recuerdo de los fans del cine de acción durante muchos años.

Hablaba sobre la a priori ridículamente larga duración de 169 minutos de la película. Sin embargo, cuando se conecta con lo que nos están dando, la duración no es un problema. Si hubiera durado 30 minutos más, no me hubiera importando teniendo en cuenta el nivel de disfrute que me estaba ofreciendo. Esto al final no ha sido un problema, más bien la duración que el climax de la historia de John Wick merecía.

Suelo hablar de lo positivo y lo negativo de las películas. En este caso, he disfrutado tanto de esta película que no le pongo peros. Por decir algo, la falta de puntería de los asesinos y que teniendo todos trajes blindados nadie caiga en disparar a la cabeza entra dentro de las leyes de este universo, porque de hacerlo no habría película. Pero dentro de esto que no es realmente un problema, me alegra que el nivel de imaginación y brutalidad haya sido tan acertado. Y me flipan los largos planos en la mayorías de las escenas de acción donde vemos perfectamente las técnicas que Keanu y el resto de actores usan en los combates. A todo esto, hay que quitarse el sombrero y alucinar con los extras y artistas marciales que intervienen en la película, porque algunas caídas y golpes me parecen super bestias. Que estas escenas hayan sido rodadas por personas de carne y hueso que han salido vivos de las mismas me vuela la cabeza.

John Wick 4 es una sinfonía de destrucción. Un éxito monumental que ningún fan del cine de acción puede permitirse dejar de ver.

Y una vez dicho esto, tengo que hablar del final, pero para ello tengo que entrar en territorio de SPOILERS. ¡Sigue leyendo bajo tu responsabilidad!

¿Sigues aquí? Ojo que ya no hay vuelta atrás.

SPOILERS MASIVOS A CONTINUACIÓN.

¿JOHN WICK HA MUERTO? Por un lado entiendo que Reeves, de 59 años, empieza a no tener edad para la manta de ostias que recibe y de hacer los combos que tiene que ejecutar en pantalla. Pero salí del cine pensando que la película se había guardado una sorpresa final que no llega a producirse en la escena post-créditos. Aparte que si Wick sabe que se muere ¿para qué le dice a Donnie Yen que está en deuda con él? Me gustaría pensar que dado el éxito de taquilla que la película va a conseguir, se hayan guardado un mecanismo de seguridad de forma que Winston realmente pudo llevar a Wick a un hospital y le salvó la vida, fingiendo su muerte para que nadie le busque en el futuro. Por soñar…

En todo caso, que lleve a cabo su misión y quede libre de la Alta Mesa, liberando al mismo tiempo de su obligación a su amigo ciego, es el climax perfecto que hace que Wick ya no tenga nada por lo que luchar, por lo que acepte que es el momento de descansar. Recordando los westerns en el que el héroe cansado descansa al final, la película creo que da un cierre muy acertado a la historia, realmente si se piensa bien, el único posible. Por esto también hay que aplaudir a los creadores, que han sabido dar el cierre potente y satisfactorio que por ejemplo no supieron darle al James Bond de Daniel Craig, que tuvo una muerte lamentable. No es el caso de John Wick, y me alegro por ello.

John Wick ya es historia del cine de acción. Levanto mi copa en su honor. Por cierto, la escena post-créditos con final ambiguo deja este universo en un momento interesante que indica que igual no es el final de la Alta Mesa o los hoteles Continental. Dentro eso sí que no veo a Donnie Yen de protagonista de nuevas películas (si es que sobrevive a esta escena, cosa que no está clara). Y por supuesto, tampoco Mr. Nadie o Akira pueden llenar las botas que deja libres John. Veremos los próximos anuncios. En todo caso, me alegro que Keanu Reeves y Chad Stahelski hayan cerrado esta historia y ahora tengan el camino libre para nuevas propuestas. ¡Bien por ellos!

Comparto el trailer de la película:

John Wick 4 es un espectáculo alucinante con algunos de los mejores sets de acción de los últimos años. Un exceso que recordaremos durante muchos años.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

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Crítica de ¡Shazam! La furia de los dioses de David F. Sandberg

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No tenia claro si ver ¡Shazam! La furia de los dioses del director David F. Sandberg, protagonizada por Zachari Levy, y me he encontrado lo que esperaba, para bien y para mal.

PUNTUACIÓN: 6/10

Billy Batson y sus hermanos adoptados han recibido los poderes de los dioses pero aún están aprendiendo a compaginar sus vidas de adolescentes con sus alter-egos superheróicos. Pero cuando las Hijas de Atlas, un vengativo trío de antiguos dioses, llegan a la Tierra en busca de la magia que les robaron hace mucho tiempo, Billy -alias Shazam- y su familia se ven envueltos en una batalla por sus superpoderes, sus vidas y el destino de su mundo.

Shazam! fue creado por Bill Parker y C.C. Beck en las páginas de la editorial Fawcett en 1940 con el nombre de Captain Marvel. Años más tarde, DC Comics compró en 1972 esta editorial que había caído en declive, incorporándolo a su catálogo editorial como SHAZAM!, ya que por tema de derechos, estos habían caducado y Marvel Comics los adquirieron para su personaje Capitán Marvel. Si quieres saber más del personaje del comic, en las últimas semanas publiqué reseñas de varios de los comics más icónicos del personaje de los últimos años que puedes leer aquí.

Para ¡Shazam! La furia de los dioses repite David F. Sandberg como director, demostrando que Warner, a través de New Line, quedó contento con su trabajo en la primera película de 2019. De hecho, demostrando que no hay que arreglar lo que no está roto, Henry Gayden, guionista de la primera película, repite firmando el guion junto a Chris Morgan. La película de 130 minutos ha contado con un ajustado presupuesto de 125 millones que visualmente luce mucho mejor que la película anterior. La producción cuenta además con fotografía de Gyula Pados, montaje de Michel Aller y música de Christophe Beck.

Zachary Levi y Asher Angel interpretan a Shazam / Billy Batson, la estrella principal de la película. Jack Dylan Grazer y Adam Brody interpretan a Frederick «Freddy» Freeman, el hermano adoptivo de Billy, discapacitado físico y fan de los superhéroes. Grazer interpreta la forma normal de Freddy, mientras que Brody interpreta su forma de superhéroe adulto. Rachel Zegler es Anthea / Anne, una de las tres hijas de Atlas junto con Lucy Liu como Kalypso y Helen Mirren como Hespera, que forman el trio de villanas (iniciales) de la película.

Grace Caroline Currey interpreta a Mary Bromfield, la hermana adoptiva mayor de Billy, madura y con inquietudes académicas. Currey también interpreta la forma de superheroína adulta de Mary. Ross Butler e Ian Chen son Eugene Choi, el hermano adoptivo más joven de Billy y un jugador obsesivo. D. J. Cotrona y Jovan Armand hacen de Pedro Peña, el hermano de acogida mayor de Billy, que es abiertamente gay, tímido y sensible. Meagan Good y Faithe Herman interpretan a Darla Dudley, la bondadosa hermana adoptiva menor de Billy. Completarían el reparto Djimon Hounsou como Shazam, el último miembro superviviente del Consejo de Magos, que otorgó sus poderes a Billy Batson, tras designarle como su campeón, y Marta Milans y Cooper Andrews como Rosa y Victor Vásquez, los padres adoptivos de Billy y sus hermanos.

Reconozco que tuve mis dudas sobre si ver o no esta película. Y es que una cosa es hacer una película para todos los públicos y otra que la película sea infantil. Shazam! era infantil, y justo porque reconozco que no soy su público objetivo, me plantee evitarme el suplicio. Pero luego pensé que quedaba muy raro haber hecho unas reseñas de comics del personaje a modo de previa de la película, para luego no hablar de la película en si. Además, tras ver la primera película, al menos ya sabía lo que me esperaba y podía ajustar las expectativas.

Dicho esto, con sus cosas que luego comentaré, La furia de los dioses me ha gustado mucho más de lo que esperaba, dentro de que hablamos de un «bien sin más». Comenzando por los elementos positivos, la película empieza a tope desde el minuto uno presentando a unas villanas que hacen su aparición a partir de un suceso de la primera película, lo que conecta bien ambas historias. La película combina acertadamente escenas de acción (aunque luego hablaré de la ejecución) con momentos emotivos de los hermanos, ya sea en sus formas de niños/jóvenes o de superhéroe, que a mi me funcionan la mayor parte del tiempo. Como aventura ligera super comiquera (dicho con el mejor sentido posible) pensada para los más pequeños, creo que cumple bastante bien con su cometido. De hecho, en la parte emocional y de los personajes, me ha gustado más esta película que Black Adam, a pesar de contar con La Roca.

La película además muestra una envidiable falta de complejos a la hora de inspirarse en películas como Furia de Titanes y el trabajo de Ray Harryhauser, presentando a unos aterradores (para los niños) monstruos de la mitología griega como enemigos en el tercer acto. Unos seres que a pesar de tener una aparición muy muy limitada consiguieron mantenerme con la sonrisa en la cara mientras estaban en pantalla. En ese sentido, si el climax de la primera película creo que no fue todo lo acertado que debería haber sido, el de La furia de los dioses me ha parecido la bomba, ahora si super espectacular con unos planazos visuales estupendos, y también emocionante al estar el destino del mundo en juego y tener Shazam que arriesgarlo todo para derrotar a la villana.

Aunque hablamos de una familia Shazam! numerosa formada por seis superhéroes más sus padres, realmente los únicos que tienen profundidad son Billy y Freddy, quedando los demás como comparsas en un segundo plano. De hecho, puede decirse que Freddy en muchos momentos le gana la partida a Shazam y le quita el protagonismo la mayor parte de la película, excepto como decía en el climax final. Si eso es algo bueno o malo dependerá del gusto de cada uno, pero a mi me ha dejado con sentimientos encontrados.

Como pasó en la primera película, creo que Zachary Levi cumple con lo que le pide el director a partir de lo que pone el guion. Lo malo es que eso implica un exceso over-the-top de expresiones chungas y frases lamentables que intentan ser graciosas mientras vemos a un héroe con mentalidad de adolescente. Esto es en si mismo uno de los problemas que le veo a la película. De nuevo, entendiendo que yo no soy el público objetivo de la misma. No es un problema de Levi, que excepto en el climax final, acaba resultando cargante la mayor parte del tiempo, sino de lo que el guion le hace hacer. Para más inri, lo que más me gustó de la primera película era el drama de Billy Batson mientras intentaba ajustarse a su nueva familia adoptiva. Sin embargo, en esta continuación el actor Asher Angel que interpreta a Billy ¡prácticamente no aparece! Esto viene en parte provocado por el protagonismo de Freddy que comentaba antes, pero también por una historia que obliga a Shazam! a estar presente casi todo el tiempo. Y para mi, dentro que el arco de Freddy no me parece mal en si mismo, que quite importancia a Billy si es un problema, dado que se está restando protagonismo a la estrella de la película.

Hay otro problema en la película, y es la forma en que caracterizan a Shazam! Por un lado, en los comics tenemos a un niño de 10-12 años habitando el cuerpo de un héroe. Sin embargo, en la película Billy tiene casi 18 años, y todos sus problemas de ansiedad vienen de pensar que su familia de acogida le dirá que se marche al dejar de estar en el programa de ayuda infantil cuando sea mayor de edad. Y para tener 17 años casi 18, la película no deja de mostrarle como un incompetente y alguien bastante tonto, algo que por ejemplo no son ni Mary ni Freddy.

En este sentido, sabemos los poderes de Shazam! provienen de la sabiduría de Salomón, la fuerza de Hércules, la resistencia de Atlas, el poder de Zeus, el valor de Aquiles y la velocidad de Mercurio. Aunque la mayoría de habilidades están presentes, la inteligencia brilla completamente por su ausencia, y eso también es un problema. Me hubiera gustado que la película de alguna manera indicara que al compartir sus poderes con sus hermanos, esta cualidad se la hubieran quedado ellos y no Billy, pero que va. Shazam! es un idiota porque si la mayor parte del metraje. Lo cual por supuesto es otro problema, porque aceptando que igual este humor gusta a los niños pequeños, en mi caso impide que disfrute y conecte con el protagonista.

La película tiene un problema con las villanas, las hijas de Atlas, que no tienen nada interesante que hacer aunque están muy presenten en una parte importante del metraje, lo que indica un problema importante del guion. Y aunque el climax final me gustó mucho y las criaturas míticas me alegraron el día, lo cierto es que la película me hizo recordar que Sandberg como director de blockbusters palomiteros es cutrillo, algo que se nota especialmente en unas escenas de acción que no consigue rodarlas de forma que resulten interesantes. El presupuesto pasó de 90 millones en Shazam! a 125 en esta continuación, una cantidad muy ajustada dada el aumento en la escala de la película. Sin embargo, viendo algunos momentos sentía que a veces no es un problema de presupuesto, sino de habilidad de los creativos. Y como digo el climax me gustó mucho, pero es posible que fuera porque destaca dentro de la mediocridad general en el aspecto visual.

Por suerte para Shazam! La furia de los dioses, estos elementos acaban resultando secundarios gracias a la frescura y el amor que se tienen todos los miembros de la familia, que aportan el núcleo emocional que la película necesita para enganchar al espectador. Al menos conmigo lo consiguieron, cosa que por ejemplo no consiguió Black Adam con su intento de molonismo extremo de tío duro de pacotilla.

Destacar que la película tiene dos escenas post-créditos, la primera divertidísima, y un cameo estupendo de un miembro de la Liga de la Justicia que es además fundamental para la resolución de la película (aunque a la vez es un deus-ex-machina total). Escena que viene precedida por un gag buenísimo en mitad de la película a costa del final de la primera Shazam en la que mostraron a Superman sin que se viera la cara de Henry Cavill, no me acuerdo por qué motivo.

Teniendo en cuenta el ajustado presupuesto de 125 millones de la película, con que recaude 325 ya cubriría los costes de producción y empezaría a dar beneficios. Sin embargo, los trackings de ventas de entradas estaban siendo nefastos, y es estreno este fin de semana con tan sólo 30 millones en USA y 35 en el resto del mundo confirma que isual que Black Adam, la película no cubrirá los costes de Warner / New Line. Que una película de este tipo no consiga recaudar 200 millones en todo el mundo es un ejemplo más de lo dañada que está la marca DC / Warner en el mundo del cine. Aunque en este caso, entiendo que una parte del público no tendrá ganas de ver esta película debido a la naturaleza infantil de la primera parte.

Además, la película se ha visto perjudicada por una campaña idiota en redes sociales, al darse por sentado que esta película no va a tener repercusiones dentro del relanzamiento que James Gunn y Peter Safran van a llevar a cabo a partir de The Flash. Y digo idiota porque la gente debería concentrarse en disfrutar el AHORA y la película que tienen en pantalla, que muestra una aventura autoconclusiva y satisfactoria en si misma, en lugar de pensar en unos planes de futuro que ahora mismo son indeterminados. Representativo de esto fue una conversación de David Sandberg con un idiota en twitter que al mismo tiempo que le decía sin tapujos ni vergüenza que no pensaba ver su película, le exigía saber los planes futuros de Warner con el personaje y si sería importante en el nuevo relanzamiento. A lo que Sandberg le contestó con acierto que la única forma de hacer que Warner vea que Shazam! es importante es apoyando esta película, porque si no interesa a nadie ¿porqué tendría que interesarle al estudio continuar sus aventuras? Esto muestra la locura en que se ha vuelto el mundo del entretenimiento mainstream por una parte del fandom realmente idiota.

En todo caso, se habla del «agotamiento del cine de superhéroes» personalizándolo siempre en Marvel Studios, pero si vemos lo que está pasando en su Distinguida Competencia, su universo cinematográfico está siendo destrozado por el gran público.

Shazam! La furia de los dioses no es una gran película, pero me entretuvo y creo que cumple bien con el objetivo de entrener a un público infantil y juvenil. A veces no se le puede pedir más a una película de este tipo.

Comparto el trailer de la película:

¡Shazam! La furia de los dioses es tan entretenida como intrascendente, pero sabiendo a lo que vas creo que puedes pasar un buen rato.

PUNTUACIÓN: 6/10

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Crítica de Creed III de Michael B. Jordan

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Michael B. Jordan debuta en la dirección con la tercera parte de Creed, el spin-of de Rocky que toma una nueva dirección ya alejado del mítico personaje creado e interpretado por Sylvester Stallone.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Después de dominar el mundo del boxeo, Adonis Creed ha progresado tanto en su carrera como en su vida familiar. Cuando Damian (Jonathan Majors), un amigo de la infancia y antiguo prodigio del boxeo, reaparece después de cumplir una larga condena en prisión, Adonis Creed quiere demostrar que merece una oportunidad en el ring. El enfrentamiento entre estos antiguos amigos es algo más que una simple pelea. Para ajustar cuentas, Adonis debe arriesgar su futuro para enfrentarse a Damian, un boxeador que no tiene nada que perder. Tercera entrega de la revitalizada franquicia ‘Rocky’ para MGM, en la que Jordan retoma su papel de «Adonis Creed». (FILMAFFINITY)

Creed 3 es la continuación de Creed (2016) y Creed II (2019), la tercera de la serie Creed y la novena en total de la serie de películas de Rocky. Es la primera película de la serie en la que Sylvester Stallone no repite su papel de Rocky Balboa, aunque aparece como productor junto a Ryan Coogler. Michael B. Jordan hace su debut en la dirección con esta película, y me llama muchísimo la atención su declaración que se ha inspirado en el anime para la creación de las escenas de acción.

El guion de la película ha sido escrito por Keenan Coogler y Zach Baylin. a partir de una historia de ambos con Ryan Coogler, basados en personajes creados de Sylvester Stallone. La película de 116 minutos de duración cuenta con fotografía de Kramer Morgenthau, montaje de Tyler Nelson y Jessica Baclesse, y música de Joseph Shirley.

En el reparto tenemos a Michael B. Jordan como Adonis «Donnie» Creed, campeón mundial de los pesos pesados, hijo de Apollo Creed y alumno de Rocky Balboa. Tessa Thompson interpreta a la mujer de Adonis, Bianca, mientras que Phylicia Rashad retoma al personaje de Mary Anne Creed, la madre adoptiva de Adonis y viuda de Apollo Creed. Me alegra ver que Florian Munteanu vuelve también a interpretar al personaje de Viktor Drago.

El antagonista de Adonis en esta película es Damian «Dame» Anderson, interpretado por Jonathan Majors, un antiguo amigo de Adonis de su infancia y adolescencia que ahora busca venganza personal contra él por haberlo abandonado tiempo atrás.

Reconozco que tenía algunos reparos antes de ver la película por el hecho que NO hayan contado con Sylvester Stallone para hacer esta película. Y tras ir a verla al cine, creo que estamos en una circunstancia en la que ambos actores tenía razón. Stallone ha hecho bien en no querer participar en ella para tener un cameo sin importancia, dado que en la historia tal y como está planteada no había sitio para él. Y a la vez, Michael B. Jordan tenía que poder llevar a su personaje por su propio camino, tras dos películas a la sombra de Rocky. Por otro lado, entiendo que el problema de Stallone es con los productores que poseen los derechos de los personajes creados por él y no tanto con Jordan. Dicho esto, no creo que Sly sea demasiado amigo con Ryan Coogler, director de la primera película y productor y escritor de esta tercera.

Cuando comenté hace años Creed II expresé mi decepción ante una película que había perdido la brillantez visual de la primera parte y tenía una historia super trillada en la que todo se veía venir desde el minuto uno sin ninguna posibilidad de sorprender al espectador. Me alegra que Creed 3 supere en todo a esa película. Por el lado de la historia, como fan de la saga, me parece una pasada ver crecer a estos personajes y ver donde les ha situado la vida varios años después. Empezando por Amara, la hija de Adonis y Bianca, que ya se ha convertido en una niña de armas tomar y que no dejará que su sordera la detenga.

La película se construye a partir de la relación de Adonis con su amigo de la infancia Damian, que pasó 18 en la cárcel tras un altercado en el que Donny estuvo involucrado. Y el triunfo es total gracias a la calidad actoral de Michael B. Jordan y Jonathan Majors. Un Majors que hace doblete tras haberse convertido en Kang en Ant-Man y la Avispa: Quantumanía y que me vuela la cabeza con su interpretación de alguien dolido por haber sido abandonado y que tomará lo que cree que es suyo cueste lo que cueste. Me flipa que ambos actores lo den todo emocionalmente pero también cuando toca dar ostias como panes.

Tessa Thompson también está genial como Bianca. Me parece genial ver una película en la que los protagonistas tienen un carisma que se sale de la pantalla. Y frente a la mentalidad happy-flower de resolver los problemas con amor y comprensión, me flipa que en la película sea ella la que le de el empujón necesario a Adonis para que haga lo que tenga que hacer para resolver sus problemas, incluso si eso signifique darse una manta de palos contra alguien que parece ser más duro y más fuerte que su marido. Tras tres películas, estos personajes son casi de la familia y no me importaría seguir disfrutando de ellos en nuevas entregas, sobre todo con estos actorazos.

Michael B. Jordan me parece un actor estupendo, y en Creed 3 tiene una nueva oportunidad de demostrarlo. Majors y Thompson son geniales, y los cameos que tenemos en esta película los he disfrutado mucho, pero es Adonis el centro de todo. Y Jordan se sale. Pero aparte de su estupenda interpretación, que es algo que se daba por sentado, su debut en la dirección sobre todo en las escenas de boxeo me ha volado la cabeza. Y reconozco que la declaración de la inspirarse en el anime de Jordan me generó mucha curiosidad, pero también mucho temor ante la posibilidad de encontrarme con un engendro que no cuadrara con el espíritu del cine de boxeo. Porque el anime en muchos aspectos no busca ser «realista» para representar sus historias y sus escenas de acción, por lo que mal utilizado, podría arruinar el tono. Nada más lejos de la realidad. Creed 3 tiene las escenas más brillantes que recuerdo en un ring de boxeo. En concreto, la primera pelea y la forma en que Adonis analiza la forma de ganar el combate y su ejecución, la brutalidad de Damian en el segundo y el mega-combo del climax final son una locura maravillosa que me han dado algo nunca antes visto en esta franquicia. ¿No es algo maravilloso, si pensamos que esta es la novena película ambientada en el universo de Rocky? ¡Qué locura! El principal valor de la primera Creed aparte de la caracterización fue la brillantez de Coogler a la hora de rodar las escenas de acción, y creo que Jordan le supera ampliamente en esta tercera película. Y encima, la exageración del anime sirve también como vehículo expresivo para mostrar el drama de los personajes y la lucha psicológica que también tiene lugar en el ring además del combate en si, algo que también está representado de forma brillante.

Es cierto es que Creed 3 es más de lo mismo, pero los personajes son tan potentes y los combates me han volado la cabeza, así que estaré encantado de ver una futura Creed IV que Jordan ya ha expresado que quiere hacer. No se le puede pedir más al género de boxeo. Con este nivel, que cuenten conmigo para lo que sea.

Comparto el trailer de la película:

Creed 3 es una buena película super entretenida que lleva a su personaje en una nueva dirección sin el personaje que le dio la fama. Super recomendable.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de Irati de Paul Urkijo

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Tras su paso por el festival de Sitges, tenía ganas de ver Irati, mezcla de fantasía y épica creada por el director Paul Urkijo inspirado en el comic El ciclo de Irati de J. Muñoz Otaegui y Juan Luis Landa y en las historias populares del norte de España.

PUNTUACIÓN: 6/10

Siglo VIII. El cristianismo se extiende por Europa mientras las creencias paganas desaparecen. Ante el ataque del ejército de Carlomagno atravesando los Pirineos, el líder del valle pide ayuda a una diosa ancestral. Mediante un pacto de sangre, derrota al enemigo dando su vida a cambio, pero antes, hace prometer a su hijo Eneko que protegerá y liderará a su pueblo en la nueva era. Años más tarde, Eneko afronta esa promesa con una misión: recuperar el cuerpo de su padre enterrado de forma pagana junto al tesoro de Carlomagno. Pese a su fe cristiana, necesitará la ayuda de Irati, una enigmática pagana de la zona. Los dos jóvenes se adentrarán en un extraño e inhóspito bosque donde “todo lo que tiene nombre existe”.

Paul Urkijo Alijo nace en 1984 en Vitoria-Gasteiz (Pais Vasco). Desde muy pequeño le apasionan el cine, la ilustración, la literatura, y los cómics, con predilección por el género fantástico, siendo un gran aficionado a la lectura de mitología y cuentos tradicionales. En 2008 Se licencia en Bellas Artes y profesionalmente se dedica a la realización de audiovisuales, la ilustración y la infografía. Así comienza a escribir y realizar sus propios cortometrajes de ficción y animación. Los cortometrajes que ha escrito y dirigido han ganado 85 premios nacionales e internacionales y más de 400 selecciones por todo el mundo. En 2016 escribe, produce y dirige su primer largometraje titulado Errementari, una película de género fantástico basada en el cuento del folclore vasco “Patxi Errementaria”.

Urkijo  escribe el guion adaptando libremente el comic El ciclo de Irati de J. Muñoz Otaegui y Juan Luis Landa. La película de 111 minutos de duración ha contado con un presupuesto superior a los 4 millones de €uros, siendo una coproducción española-francesa. El rodaje tuvo lugar en 2021​ en diferentes localizaciones de Álava, Guipúzcoa, Vizcaya, Navarra y Huesca. Irati cuenta con fotografía de Gorka Gómez Andreu, montaje de Elena Ruiz y música de Aránzazu Calleja y Maite Arroitajauregi. En el pasado festival de Sitges consiguió el Premio del Público y el premio a los Mejores Efectos Especiales. Irati obtuvo además 5 nominaciones para los Goya, aunque finalmente no ganó ninguno.

La película está protagonizada por Eneko Sagardoy como Eneko Haritza, Edurne Azkarate como Irati, Itziar Ituño como Mari, Elena Uriz como Luxa, Kepa Errasti como Belasko, Ramón Agirre Lasarte como Virila y Nagore Aranburu como Oneka. Por cierto, se me olvidaba comentar la particularidad que la película se ha rodado en euskera.

Empezando a comentar la película, la primera sorpresa fue comprobar que en el único cine donde se estrenó Irati había traído una copia doblada, por lo que no puede escuchar la versión original en euskera que yo esperaba. De hecho, no se porqué pensaba que se iba a distribuir únicamente en euskera, algo que obviamente ha resultado incorrecto. Y entiendo que igual parte de la epicidad y la guturalidad de los personajes se ha perdido en la traducción al no escucharles en euskera, pero no diría que el doblaje sea malo ni muchísimo menos.

Ya entrando a la película en si, hay que aplaudir que se hagan películas tan originales y diferentes a nada que se haya hecho en el cine español que yo recuerde ahora mismo, si exceptuamos la anterior película del director vasco, Errementari, inspirada en el folclore vasco, o El laberinto del fauno de Guillermo del Toro. Ver una película española que mezcle fantasía heroica con cuentos populares en una historia ambientada en el medievo español del siglo VIII resulta una refrescante sorpresa, incluso a pesar de algunos elementos menos buenos que luego comentaré también.

Viendo la película, tengo que decir que la fotografía de Gorka Gómez me ha volado la cabeza. Hay que decir que rodar en localizaciones naturales permite unas imágenes super poderosas con las figuras en penumbra mientras cruzan bosques de increíble belleza con unas entradas de luz entre la vegetación espectaculares. La verdad es que en la parte de las localizaciones naturales Gómez está espectacular, aunque al mismo tiempo también debo decir que la decisión de Paul Urkijo de rodar con iluminación naturalista todo el rato provoca que en algunas escenas nocturnas o en interiores no se acabe de ver bien a los personajes, lo cual no es algo tan positivo.

Para ser una película fantástica con numerosos elementos mitológicos y un buen puñado de efectos digitales, la verdad es que estos seres y estas escenas lucen fantásticas. También es cierto que hay varios efectos de fuego que no acaban de estar del todo bien conseguidos, pero globalmente creo que hay que quitarse el sombrero ante esta película de 4 millones de presupuesto, que consigue en muchos momentos lucir estupenda casi al nivel de otras producciones con presupuestos muy superiores.

Todo lo referido al diseño de producción, el vestuario o la música me parecen que están geniales y consiguen meterte completamente en esta historia fantástica medieval. También aquí encuentro elementos de los que estar contento. Conectando con el diseño de producción, hay algunas escenas que tienen lugar en grutas naturales que lucen de maravilla. En el lado técnico la verdad es que no le pongo un pero.

Aprovecho para destacar además el poster de la película, que me transmitió una épica y una fuerza casi como si lo hubiera pintado Drew Struzan. El feeling a Conan me parece la bomba, me ha gustado mucho. Lástima que de alguna manera la historia no ha estado a la altura de lo que este poster invitaba a soñar, cosa sobre la que entraré más adelante.

La película plantea una lucha entre las tradiciones ancestrales navarras frente al empuje del cristianismo. En este sentido, es importante la idea que las cosas existen mientras quede alguien que las recuerde, de forma que no sólo se pierden las tradiciones y folclore con la muerte de los ancianos, sino que también los dioses primigenios están condenados a desaparecer. (Una idea que por otro lado no es realmente original, habiéndosela leído a Neil Gaiman o a J.M. Strazynski, por poner dos ejemplos del mundo del comic).

Una parte importante de la película que parece estar construida casi con estructura de cuento o historia mítica, que también me parece un elemento original de Irati. Tengo que reconocer que no he visitado el bosque de Irati en Navarra, y lo digo porque seguro los habitantes de la zona habrán disfrutado un montón de esta película, además de por los bellísimos espacios naturales, por ver en imagen real el recuerdo de las tradiciones de la zona.

Como comentaba, hay un montón de elementos super chulos en Irati, por ejemplo muchísimos planos de la película los veo clarísimos dentro de unas semanas en el «One Perfect Shot» de Twitter. Sin embargo, me quedo con la sensación que el folclore navarro y los paisajes de ensueño son mucho más interesantes que la historia que Paul Urkijo ha planteado. No sólo eso, es que todo está rodado de la forma menos interesante posible, rompiendo la épica que la película nos vendía a priori. Por ejemplo, el trailer muestra una batalla multitudinaria que parecía mega épica, y su realización real, que para más inri es justo el principio de la película que marca de alguna manera el tono de todo, es un bajón, al ser mostrada siempre con planos cerrados de combates dos a dos que no pueden resultar más montoneros. Y entiendo el problema logístico de mostrar planos generales de una batalla multitudinaria además del propio presupuestario. Pero o se hace mal o se hace bien, y esta escena no está bien resuelta en pantalla. Y como eso prácticamente todo, a pesar de los hallazgos visuales, todo está rodado de la forma menos atractiva posible, lo que me ha producido un bajonazo increíble.

Irati tiene otro problema muy grande, y son los actores protagonistas. Eneko Sagardoy como el príncipe Eneko me ha parecido terrible. Nos reímos de la inexpresividad de gente como Steven Seagal, pero lo de este chaval me ha parecido un desastre que ha hecho imposible empatizar con nada de lo que le pasa. Y entiendo que el rodar en euskera ha limitado el número de actores de complexión física fuerte que exige el papel, pero este chico me parece limitadísimo. Pero no sólo en la interpretación, el combate a espada tampoco lo hace creíble, como si él mismo no se lo acabara de creer. Aparte de una deficiente coreografía, claro.

Edurne Azkarate, la actriz que interpreta a Irati, es también super limitada. He visto una actriz de una única pose en toda la película, mostrando igual el enfado que la preocupación, el odio del el amor. Sin embargo, al lado de Eneko Sagardoy parecía Cate Blanchett. A esto hay que añadir que no llegué a empatizar con nadie, porque más que personas son arquetipos, el malo malísimo que quiere robar el trono, el cura cristiano, la anciana pagana que busca mantener las tradiciones, o unos esbirros varios, todo lo veo excesivamente funcional. Es posible que la película pierda por no haberla visto en euskera, pero las interpretaciones montoneras lo son a pesar del idioma en que la escuche.

Y todo esto me sabe muy mal, porque tenía muchas ganas de que Irati me gustara. Sin embargo, estaba viéndola y la sensación de «funcional» y «mediocre» me vino más veces a la cabeza de lo que me hubiera gustado. En todo caso, me alegro que una producción española se haya atrevido a producir un fantástico medieval, y me gustaría que el rango de temas e historias se ampliara cada vez más.

Comparto el trailer de Irati:

Dentro que aplaudo la originalidad de la propuesta de Irati y que he encontrado numerosos elementos interesantes, no puedo decir que me haya parecido una gran película. Una pena. En todo caso, ojalá se puedan hacer más propuestas tan diferentes como esta.

PUNTUACIÓN: 6/10

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Películas

Crítica de Sin novedad en el frente de Edward Berger (Netflix)

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Termino mi repaso a las películas nominadas a Mejor Película en los Oscars 2023 con Sin novedad en el frente, la película alemana dirigida por Edward Berger que muestra una nueva versión de la novela de Erich Maria Remarque, y que está disponible en Netflix.

PUNTUACIÓN: 8/10

Relato de las terribles experiencias y la angustia de un joven soldado alemán en el frente occidental durante la Primera Guerra Mundial.

Edward Berger (nacido en 1970 en Wolfsburgo) es un guionista y director de cine alemán con una carrera de más de 20 años principalmente en televisión. Berger dirige la primera adaptación cinematográfica en idioma alemán del libro homónimo de Erich Maria Remarque de 1929, que había contado con otras adaptaciones cinematográficas previas.

A partir de un guion del propio Berger con Ian Stokell y Lesley Paterson, la película de 147 minutos de duración cuenta con fotografía de James Friend, montaje de Sven Budelmann y música de Volker Bertelmann.

La película ha recibido 9 nominaciones: Mejor película, Mejor película internacional, Mejor guion adaptado (Edward Berger, Lesley Paterson, Ian Stokell), Mejor fotografía (James Friend), Mejor banda sonora (Volker Bertelmann), Mejor diseño de producción (Christian M. Goldbeck, Ernestine Hipper), Mejor maquillaje y peluquera (Heike Merker, Linda Eisenhamerova), Mejor sonido (Viktor Prasil, Frank Kruse, Markus Stemler, Lars Ginzel, Stefan Korte) y Mejores efectos visuales (Frank Petzold, Viktor Muller, Markus Frank, Kamil Jaffar).

La película está protagonizada por Felix Kammerer como Paul Bäumer, el joven que se alista voluntario para servir a su patria en la Gran Guerra y que servirá de punto de vista de la película. Albrecht Schuch como Stanislaus «Kat» Katczinsky, Moritz Klaus como Frantz Müller, Aaron Hilmer como Albert Kropp, Edin Hasanovic como Tjaden Stackfleet y el siempre estupendo Daniel Brühl como Matthias Erzberger completarían el reparto.

Tengo que reconocer que vi la película en octubre cuando Netflix la estrenó, pero por unas cosas o por otras no me animé a escribir la reseña correspondiente, al haber siempre otra cosa que parecía tener prioridad. De hecho, el propio estreno en streaming sería la única queja que se me ocurre de esta película, dado que estamos ante una puesta en escena y una historia que sin duda hubiera merecido verse en pantalla grande. Es posible que el propio estreno en Netflix de alguna manera sirviera para desmerecerla, tan cansados como estamos (estoy) por la avalancha de contenidos mediocres, de forma que cuando se estrena uno bueno parece que lo colocamos en el mismo saco.

Entrando a valorar la película en si, la verdad es que el mensaje antibelicista está super bien conseguido, consiguiendo que la clave de «la guerra es una mierda» queda grabada en el ADN del espectador. Aunque toda la película me ha gustado mucho, podría decirse que su brillante media hora inicial presenta quizá los momentos más potentes y simbólicos. El primer combate y como las ropa sucia y ensangrentada de los soldados muertos es limpiada y arreglada para ser entregada a una nueva generación que va engañada al frente pensando que se dirigen a una guerra heroica, me parece sencillamente brillante. También resulta terrible es comprobar como los poderosos se llenan la boca hablando de «HONOR» cómodamente en sus despachos mientras mandan a la muerte a centenares de soldados por nada. Otro momento de la película que me encogió el corazón.

Aparte del mensaje antibelicista en el que jóvenes inocentes se pegan un terrible golpe de realidad en las trincheras, la película consigue equilibrar bastante bien el drama tremendo de la guerra con los momentos de descanso y hermanamiento entre soldados, ofreciendo destellos de paz entre tanta muerte. Aquí se aplica el clásico «lucho por el hermano que combate a mi lado» que tantas veces hemos visto en la última generación de películas bélicas americanas. Las casi dos horas y media de película están muy equilibradas y la verdad es que no se me hizo larga en ningún momento.

Sin novedad en el frente tiene unos valores de producción que no tienen nada que envidiar a otros blockbusters bélicos recientes americanos/británicos. El diseño de producción es sencillamente perfecto, trasladándonos totalmente a 1918. La fotografía y el montaje me parecen brillantes, metiéndonos en el mundo gris de las trincheras donde cualquier momento puede ser el último. Y además destacaría el sonido de la película, con una sensación brutal de estar en medio del combate. En este sentido, la música de Volker Bertelmann también me parece una pasada, sobre todo con unas notas ¡PUM PUM!! repetidas durante toda la película que añade una tensión y una sensación de peligro creciente alucinante.

Para estar ante una película alemana llena de actores para mi desconocidos excepto Daniel Brühl, la verdad es que todos lo hacen genial. En especial el protagonista Felix Kammerer como Paul Bäumer, el joven cuyos pasos seguiremos en esta contienda, y que muestra de forma impactante todo el horror de la guerra y cómo las personas son hojas movidas por un viento sobre el que no tienen control y que puede provocar tu muerte o la de la persona que se encuentra a tu lado. Hablando de Daniel Brühl, su papel es pequeño pero él está muy bien como el político que busca la paz a pesar del rechazo de unos militares a los que no les importa la pérdida de miles de vidas alemanas.

Mencionaba antes a otras películas bélicas, y siendo cosas diferentes, creo que en la comparación Sin novedad en el frente me ha gustado mucho más que 1917, por ejemplo. De hecho, es que me ha gustado mucho.

Otra cosa es el tema de las nominaciones a los Oscars. Aunque no descarto que pueda ganar algún premio técnico, creo que es imposible que pueda ganar el Oscar a Mejor Película. Sin embargo, justo por eso creo que el premio a Mejor Película Extranjera lo tiene casi asegurado, y eso a pesar de lo mucho que me gustó también Argentina 1985. En todo caso, que una película alemana consiga 9 nominaciones ya es un premio en si mismo. Desde luego, Netflix puede darse por super satisfecha.

Al estar disponible en Netflix, no se si queda mucha gente que no haya visto Sin novedad en el frente. Pero la recomiendo sin duda.

Comparto el trailer de la película:

Sin novedad en el frente es un peliculón que sirve par resaltar lo terribles que son todas las guerras y como son siempre los jóvenes los que más la sufren.

PUNTUACIÓN: 8/10

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