Crítica de La casa de los susurros de David Muñoz y Tirso Cons (Yermo Ediciones)

Una de las sorpresas positivas del pasado Comic Barcelona 2022 fue conocer al artista Tirso Cons en el Artist´s Alley. Tras disfrutar de su arte durante el salón me animé a comprar La casa de los susurros en el stand de Yermo Ediciones, estupendo tomo integral realizado junto al escritor David Muñoz y el coloristaJavi Montes.

PUNTUACIÓN: 8/10

Sarah, una niña de apenas diez años, despierta en un extraño hospital de un bosque a las afueras de Praga, después de que toda su familia haya muerto a causa de un extraño virus propagado por los nazis. ¿Por qué ha sobrevivido ella? ¿Por qué la mantienen encerrada en el viejo hospital? ¿Y por qué las paredes de la casa susurran cuando cae la noche?

La casa de los susurros, escrita por David Muñoz (Tierra de vampiros) y dibujada por Tirso (Las crónicas de Legión), es un clásico instantáneo del noveno arte, una gran historia de terror con tintes góticos que reflexiona sobre la soledad, la diferencia y los límites de la identidad.

Esta edición integral de La casa de los susurros editada por Yermo Ediciones incluye los tres tomos editados por Humanoids en una fantástica edición en tapa dura de 184 páginas.

David Muñoz (Madrid, 1968) estudió Bellas Artes y, como tantos otros guionistas, es un dibujante de cómic frustrado. Aún hoy, sueña con publicar algún día un cómic dibujado por él mismo. Ha trabajado en películas como El espinazo del diablo o La posesión de Emma Evans; en series La valla o La embajada, en los cómics La casa de los susurros y Trackers (ambos en Yermo Ediciones con Tirso Cons), Miedo (Glénat), y, en el manual de escritura de guion de cómic, Escribir en viñetas, pensar en bocadillos (Es Pop ediciones). El desastroso estudiante que fue durante su adolescencia jamás habría pensado que fuera posible, pero además de guionista también es profesor de guion y da clases en la ECAM y en varios másteres universitarios. Junto con Rayco Pulido es autor de Sordo (De Ponent, 2008; Astiberri, 2018), también trasladada al cine. Sus últimas novelas gráficas son 15, con dibujos de Andrés G. Leiva, e Infectado, realizado junto con Manuel Meseguer, las dos publicadas en 2021 en Astiberri.

Tirso Cons es un dibujante de cómic español (Pontevedra, 1979), que trabaja sobre todo para el mercado francés. Licenciado en Publicidad y Relaciones Públicas en Madrid, trabajó luego en la agencia de publicidad Contrapunto BBDO, donde pasó de director de arte a ilustrador de agencia. Fue en el Expocomic de 2003 donde redescubrió el cómic, y pronto obtuvo sus primeros encargos en el mercado francés. Inició su carrera en el mercado del cómic francobelga en 2004 (Paquet, Humanoids, Glenat, Delcourt…) con obras como El ojo del diablo, Las crónicas de Legion, La casa de los susurros o Trackers. Ha compaginado su carrera de historietista con la de ilustrador y pintor, así como storyboarder publicitario, desarrollando sus facetas de arte digital y tradicional.

La casa de los susurros se editó hace más de 10 años en el mercado franco-belga, y no puedo más que reconocer mi ignorancia ante el mundo inabarcable que es el comic europeo. La edición de Yermo de los tres álbumes que formaron esta historia en un integral de tapa dura me parece fantástica, y aunque el precio no es barato, entiendo que está ajustado a la calidad del producto.

Y entrando a valorar el comic en si, lo primero que me ha sorprendido de este integral es la evolución tan tremenda que tiene la historia, de forma que el final en el tercer volumen es tremendamente diferente a lo que prometía la primera parte. Y es que la historia arranca en un hospital en mitad de la nada el que una niña tendrá que buscar respuestas al enigma de su presencia allí y al drama de su pasado, mientras conoce un mundo oscuro que no sabía que existía. Hay que aclarar que no estamos ante un terror puro de sustos o gore, sino que la ambientación crea un feeling a las historias barrocas con conexiones sobrenaturales que me funciona de maravilla. Sin embargo, a medida que Sarah va obteniendo respuestas y sabe quien o quienes amenazan su supervivencia, el comic acaba convertido desde cierto punto de vista en la típica historia de origen de un super héroe con su primera misión, pero en un ambientación sobrenatural. Esta evolución en la historia ha conseguido que no supiera nunca qué esperar del comic, lo cual es super positivo, consiguiéndome dejar con una sensación más que satisfactoria.

Dentro que pasan muchas cosas y te lees cada volumen en un suspiro, me tuve que obligar a leer cada parte en un día diferente, quizá ahora a posteriori veo que me ha faltado que el resto de niños del hospital que conoce Sarah estuvieran un poco mejor caracterizados, dado que no he conseguido empatizar con ninguno, y por tanto no me afectaron los destinos de algunos. No es que estén mal construidos, sino que diría que el guion está planteado a partir de la acción y no tanto desde la caracterización, Lo cual tampoco es algo malo, la verdad. De hecho, uno pensaría que La Casa de los Susurros además de ser un gran comic puede verse como un perfecto storyboard en caso que algún productor se interesara por ella.

El gran hallazgo de La Casa de los Susurros es obviamente el dibujo de Tirso Cons con color de Javi Montes. Para ser un comic europeo, me ha encantado la narrativa de este integral. Y enlazando con el guion, me ha parecido que Tirso aplica una narrativa super cinematográfica, colocando siempre el punto de vista de la viñeta en el lugar perfecto para contar la historia y amplificar el elemento dramático, ofreciendo además algunos planos super imaginativos. Junto al dibujo de Tirso, el color de Javi Montes lo veo super adecuado para transmitir la atmósfera barroca y lúgubre que necesitaba la historia sobre todo en el primer volumen. A medida que la historia muta hacia una aventura sobrenatural más que un cuento de terror, el apartado artístico refleja también esta nueva sensibilidad.

Los diseños de Tirso Cons consiguen que todos los personajes sean super reconocibles, y me sorprende la habilidad en presentar diferentes seres sobrenaturales de forma super orgánica en la historia, consiguiendo que la unión de las diferentes mitologías sobrenaturales encajen son problemas en la historia general. Por indicar algo menos bueno, quizá algunas figuras a lo largo de la historia parece que no están igual de perfectamente terminados que Sarah la protagonista, pero este es un elemento muy menos que no me ha impedido disfrutar de la lectura de este tomo.

La Casa de los Susurros me ha parecido una lectura super redonda. De hecho, como me han dejado con ganas de más, creo que tendré que comprar Trackers, la siguiente obra de la pareja Muñoz – Tirso, una historia de piratas con Kaijus ambientada en el siglo XVII. ¡Vendida!

Comparto varias páginas del comic:

La casa de los susurros me ha parecido un comic estupendo con una historia adictiva y llena de personalidad. Super recomendable.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Top Gun Maverick de Joseph Kosinski en 4DX

Tras los múltiples retrasos provocados por el COVID, es una pasada poder ver por fin Top Gun Maverick, la película de Tom Cruise dirigida por Joseph Kosinski (Oblivion, Tron Legacy). Y más si me fui a Valencia a verla en el espectacular formato 4DX.

PUNTUACIÓN: 9/10

Después de más de 30 años de servicio como uno de los mejores aviadores de la Armada, Pete «Maverick» Mitchel (Tom Cruise) se encuentra donde siempre quiso estar, superando los límites como un valiente piloto de pruebas y esquivando el ascenso de rango, que no le dejaría volar emplazándolo en tierra. Cuando se encuentra entrenando a un grupo de graduados de Top Gun para una misión especializada, Maverick se encuentra allí con el teniente Bradley Bradshaw (Miles Teller), el hijo de su difunto amigo «Goose»… Secuela de ‘Top Gun’.

Joseph Kosinski (Iowa, 1974) es un director estadounidense principalmente conocido por su trabajo en películas con una elevada carga de efectos especiales e imágenes CGI. Debutó como director en la gran pantalla con Tron: Legacy (2010), secuela de la película del clásico de Disney Tron de 1982. Tras esto trabajó por primera vez con Tom Cruise en Oblivion (2013), película que a pesar de la tibia acogida comercial debió dejarle una buena experiencia a Cruise, ya que contó con él para este secuela / remake encubierto de Top Gun, película que tendría que haberse estrenado en 2020 y que sufrió numerosos retrasos en cascada que llevaron el estreno hasta este mayo de 2022.

Para está continuación de Top Gun, Cruise como productor ha contado con Ehren Kruger, Eric Singer y Christopher McQuarrie (guionista y director de las últimas entregas de Misión Imposible) para escribir el guion. La película cuenta con fotografía de Claudio Miranda y montaje de Eddie Hamilton, a lo que hay que sumar la música de Harold Faltermeyer (autor de la música de la película original) y Hans Zimmer, con Lady Gaga cantando el tema principal de la película Hold my hand.

La película se rodó en formato IMAX utilizando cámaras Sony Venice 6K Full Screen con certificación IMAX. Kosinski explicó que el equipo pasó más de un año con las fuerzas de la Marina para utilizar las cámaras IMAX en el interior de la cabina, con cuatro cámaras orientadas hacia los actores y mirando hacia delante, además de las cámaras montadas por todo el exterior del avión. Explicó que «el público debe sentir la autenticidad, el esfuerzo, la velocidad y las fuerzas gravitacionales, algo que no se puede conseguir con efectos de sonido o visuales, que necesitaron una enorme cantidad de esfuerzo y trabajo». Añadió que se han rodado más de 800 horas de metraje para la película, lo que supera el metraje combinado rodado para las películas de la trilogía de El Señor de los Anillos.

La producción de la película comenzó oficialmente el 30 de mayo de 2018 en San Diego, California. Hasta finales de agosto, un equipo de filmación de 15 personas de Paramount y Bruckheimer Films estuvo a bordo del portaaviones USS Abraham Lincoln, con sede en Norfolk, para rodar las operaciones de la cubierta de vuelo. A mediados de febrero de 2019, Cruise y el equipo de producción fueron vistos a bordo del USS Theodore Roosevelt en NAS North Island. En marzo, el rodaje se completó en la Estación Aérea Naval Whidbey Island en Oak Harbor, Washington. A pesar de la espectacularidad de la película, los datos «oficiales» indican que Top Gun Maverick ha costado entre 150-175 millones de dólares, coste inferior al de una película de Star Wars, por ponerlo en contexto. Y la jugada le ha salido bien a Cruise, ya que sólo en los Estados Unidos ha recaudado más de 125 millones en su fin de semana de estreno (250 millones en todo el mundo), lo cual significa el mayor éxito comercial para Cruise y que la película va aser un gran éxito de taquilla para sus productores Skydance y Paramount.

Tom Cruise vuelve a interpretar al capitán Pete «Maverick» Mitchell, un piloto de combate condecorado reconvertido a su pesar en instructor de vuelo de jóvenes pilotos. Miles Teller es Bradley «Rooster» Bradshaw, un piloto aprendiz y el hijo del fallecido compañero de Maverick, Nick «Goose» Bradshaw. Val Kilmer retoma su papel de Tom «Iceman» Kazansky, Comandante de la Flota del Pacífico. Jennifer Connelly es el interés romántico de Maverick, una madre soltera y dueña de un bar. Jon Hamm y Ed Harris completarían el reparto en sus papeles principales.

Ha sido muy publicitado que Cruise diseñó un de entrenamiento único para los actores, que pasaron por tres meses de formación como si fueran aspirantes a pilotos de la fuerza aérea. Con ejercicios subacuáticos y de aviación aérea, el entrenamiento previo también estaba orientado para que los actores adquirieran conciencia espacial dentro de la cabina del avión, ya que en palabras del productor Jerry Bruckheimer «los actores también tuvieron que aprender a manejar las cámaras porque cuando están arriba en el jet tienen que dirigirse a sí mismos esencialmente. También tenían que aprender sobre la iluminación, la cinematografía y el montaje, ya que es una experiencia única en la vida.»

Empezando a valorar la película, no se puede hacer mejor. Tom Cruise ha creado la perfecta película de entretenimiento de aventuras para toda la familia con el corazón en el sitio correcto y unas escenas aéreas antológicas. Aquí hay que hacer un disclaimer, ya que estamos hablando de TOP GUN, si eres de los que odias las películas comerciales en general, y consideras americanadas cualquier cosa que muestra al ejército americano como los buenos, obviamente esta película no es para ti. En ese caso mejor no pierdas el tiempo en algo que ya sabes de antemano que no te va a gustar.

Pero para el 99% del público restante, Top Gun Maverick es un maravilloso milagro. Empezando por la forma en que vemos aviones de combate reales como nunca los habiamos visto en cine comercial. Y dentro del avión tenemos a un omnipresente Tom Cruise dentro de la cabina de los cazas de combate americanos (con un piloto en la cabina). Ese es el principal valor de esta nueva Top Gun, saber que los actores realizan las escenas y que los aviones que realizan estas acrobacias eran reales. Y es esta sensación de realidad, con aspectos como la presión en las caras de los pilotos o los tirones al despegar los aviones, lo que le da el plus de verosimilitud a la película que hará que siempre sea mejor que cualquier otra película construida a partir de efectos digitales y CGI.

Las escenas aéreas son una maravilla, hasta el punto que dudo mucho que pueda volver a hacerse una película similar en muchos años, ya que en la comparación todo va a salir perdiendo. De hecho, aunque sea un poco off-topic, Top Gun Maverick acaba de convertir en obsoleta la propuesta de Lucasfilm de realizar una película inspirada en X-Wing: Rogue Squadron. Porque nunca nada que hagan con CGI va a quedar mejor que lo visto hoy, por lo que ¿para qué ver una copia del original que no va a ser mejor?

Junto a unas escenas aéreas sobresalientes, como comentaba antes el gran éxito de la película es que tiene el corazón en el sitio adecuado. Pete Maverick (Cruise) sigue siendo un piloto super capaz pagado de si mismo, pero en el fondo nunca llegó a superar la muerte de su amigo Goose, lo que le llevó a cometer un gran error que provocó la enemistad del hijo de Goose Bradley «Rooster» Bradshaw (Miles Teller) que es uno de los pilotos de Top Gun. Las dudas sobre cómo proceder y si podrá salvar su relación añaden un dilema en el hasta ahora perfecto Maverick que resulta muy importante en la resolución de la historia.

El reencuentro entre Pete y «Penny» Benjamin, una relación de su pasado interpretada por una fantástica Jennifer Connelly que saca oro a un personaje que podría parecer plano. Penny se convierte más que en un interés romántico -que también- en una amiga y la voz de la razón que le ayude en los momentos en los que Maverick piensa en abandonar. La forma en que se construyen la historia alrededor del triángulo Maverick – Rooster – Penny es muy inteligente y crean un vínculo emocional con el que conecté inmediatamente.

Junto a esto, tener la música original y canciones como Great Ball of Fire o Danger Zone significó un subidón de adrenalina total, consiguiendo además que la aparición de Val Kilmer o el recuerdo de la muerte de Goose sean momentos realmente emocionantes. Hay que reconocer que Top Gun Maverick busca aprovechar el efecto nostalgia, pero también que la Top Gun original en ciertos aspectos ha envejecido bastante mal y esta continuación hace que la película quede mejor de lo que es, aparte de mejorarla prácticamente bajo todos los puntos de vista.

Otro aspecto muy importante es que Cruise y todo el equipo sabe exactamente lo que es Top Gun y qué queremos ver los espectadores, de forma que la película se mueve exactamente por los tropos esperables del género sin necesitar desviarse de él ya que todo lo que plantean lo hacen excepcionalmente bien. En este mundo actual del entretenimiento en el que parece obligado que hayan arcos complejos para los secundarios o giros loquísimos en el tercer arco que muestren que todo lo que sabías hasta ese momento era mentira, Top Gun no necesita de estos artificios narrativos porque saben que es lo que quieren contar. Top Gun Maverick nos demuestra con hechos que un concepto sencillo no es peor que otro en apariencia complejo, sobre todo cuando tantas películas del segundo grupo acaban resultando fallidas precisamente por culpa de ese giro.

A todo esto tengo que sumarle la experiencia de ver Top Gun Maverick en 4DX en Kinépolis Valencia, que no ha podido ser más satisfactoria. En este caso, el 4DX no incluía el 3D (como si sucedió cuando vi Mission Imposible: Fallout o Aquaman), pero el movimiento del asiento en las escenas aéreas así como los efectos de viento, agua, vibración, luces e incluso nieve han conseguido aumentar la sensación de velocidad y peligro a la que se enfrentan los pilotos de cazas de combate durante lo combates aéreos. Obviamente el 4DX no es para todas las películas de la cartelera, pero una vez parece que hemos vuelto a la normalidad, creo que puede ser un formato maravilloso para ver uno o dos blockbusters al año.

En este sentido, la película comentaba que se mueve todo el rato por aspectos esperables de Top Gun. Sin embargo, el climax final con la misión de combate una vez terminado el entrenamiento es una maravilla, con una tensión y una sensación de amenaza bestial, y varias sorpresas que nos hicieron temernos lo peor en varios momentos. Una ejecución a mi entender sobresaliente que lució aún mejor gracias al 4DX, convirtiendo la experiencia en una pasada alucinante.

Hay algún elemento menos bueno en la historia que dejas pasar porque todo es super entretenido. Por ejemplo, que la misión sea imposible y nadie consiga llevarla a cabo durante los entrenamientos, pero luego se lanzan a ello justo a continuación, aceptando las elipsis inevitables de este tipo de historias. Pero como comentaba, estos aspectos forman parte de los tópicos del género y realmente no molestan.

Como entretenimiento de primer nivel, veo difícil que ninguna película de este año supere a este Top Gun Maverick. De hecho, estamos ante un caso de hype imposiblemente alto que la película ha superado de principio a fin.

Comparto el trailer de la película:

Top Gun Maverick ofrece un tremendo espectáculo y un entretenimiento alucinante. Sinceramente no se puede hacer mejor, y recomiendo completamente ver la película en la pantalla más grande posible.

PUNTUACIÓN: 9/10

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Crítica de Obi-Wan Kenobi episodios 1 y 2 (Disney+)

Uno de las series más esperadas de 2022 era sin duda Obi-Wan Kenobi. Lucasfilm ha planteado su estreno en Disney+ mostrando los dos primeros episodios, una decisión novedosa sin duda planteada para competir con Stranger Things, que nos ha permitido disfrutar el doble y conocer la sorprendente premisa de esta serie.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Miniserie de TV (6 episodios) basada en la figura de Obi-Wan Kenobi cuya historia comienza 10 años después de los dramáticos eventos de ‘La venganza de los Sith’. (FILMAFFINITY)

La idea de una película protagonizada por Obi Wan Kenobi llevaba comentándose desde 2013, aunque tras el fracaso de la por otro lado excelente Solo provocó que Disney modificara la idea original y planteara la realización de una serie de 6 episodios para Disney+. Tras trabajar en The Mandalorian, Deborah Chow fue elegida como directora de la serie. Chow es una directora canadiense Deborah Chow es una cineasta, directora de televisión y guionista canadiense. Consiguió cierto reconocimiento con sus primeros cortometrajes, Daypass (2002) y The Hill (2004), premiados en diversos festivales internacionales. Eso le permitió escribir y dirigir su opera primera cinematográfica The High Cost of Living (2010) Antes de The mandalorian, Chow ha dirigido episodios de series como Copper, Murdoch Mysteries, Reign, Beauty and the Beast y Mr. Robot.

El guión pasó por múltiples cambios, empezando porque la idea original de Obi Wan defendiendo a un joven Luke Skywalker sin que él se diera cuenta fue desechado al tener demasiadas similitudes con la historia The Mandalorian. Finalmente Joby Harold fue contratado como guionista y showrunner de la serie, aunque los créditos mantienen a Hossein Amini escritor del guion original, y a Stuart Beattie como creadores del argumento original, con Hannah Friedman y Andrew Stanton (Wall-E, John carter) también realizando labores de guionista.

McGregor confirmó que el rodaje había comenzado el 4 de mayo de 2021, Día de la Star Wars. Chung-hoon Chung es el director de fotografía de la serie, que utiliza la tecnología StageCraft que ya se utilizó en The Mandalorian. Junto a la música original de John Williams, Natalie Holt fue contratada para componer la banda sonora de la serie, lo que la convierte en la primera mujer que compone la banda sonora de un proyecto de Star Wars de acción real.

En el reparto, tenemos el regreso de Ewan McGregor como Obi-Wan «Ben» Kenobi y Hayden Christensen as Anakin Skywalker / Darth Vader. Además, retoman sus papeles en los Episodios II y III y Bonnie Piesse como Owen Lars y Beru Whitesun Lars, los tíos de Luke Skywalker.

En el lado del imperio tenemos a Moses Ingram como Reva Sevander / la Tercera Hermana, una inquisidora despiadada y ambiciosa que comparte un objetivo común con el Gran Inquisidor (Rupert Friend) y Darth Vader. Sung Kang interpreta al Quinto Hermano, otro Inquisidor, e Indira Varma interpreta a una oficial imperial.

Empezando a comentar mis impresiones de estos dos episodios, Ewan McGregor da una lección de carisma y personalidad en su regreso al papel de Obi-Wan. Su interpretación minimalista transmite de maravilla todo el dolor que el personaje vivió tras ver que los jedis fueron casi destruidos y tener que matar a su amigo y discípulo Anakin Skywalker (bajo su punto de vista en ese momento, porque él no sabe que Anakin fue salvao por el Emperador y convertido en Darth Vader). No soy nada fan de los episodios II y III, pero sólo por ver a McGregor merece la pena ver esta serie, al mostrarnos a una persona perdida que tras 10 años ocultándose ha olvidado quien es en realidad y tendrá que volver a encontrarse para una penúltima misión. Y aunque esto que voy a decir es un tanto injusto, viendo la calidad actoral de McGregor se entiende aún más que el flojísimo Temuera Morrison no consiguiera dar a Boba Fett el carisma que el guion proponía para el personaje en su serie El Libro de Boba Fett.

También me gusta mucho todo el reparto, creo que Lucasfilm ha acertado totalmente. Joel Egerton como el tío Owen está genial, y la inquisidora Reva Sevander (Moses Ingram) trasmite una sensación de amenaza alucinante. Descubrir a Flea de los Red Hot Chili Peppers en un papel secundario me alegró el día, al igual que la sorpresa de la aparición del personaje del episodio III que pone en marcha la acción.

Debo reconocer que la idea de un Obi-Wan en Tatooine protegiendo a Luke no me encajaba nada, y de hecho podría provocar incongruencias con el comienzo de Star Wars. Es por esto que Lucasfilm haya optado por mostrar otra cosa me ha sorprendido mientras veíamos la serie, con ese otro personaje infantil que es oro puro. El entretenimiento se construye también con la sorpresa, y creo que Lucasfilm ha acertado además alejando la acción de Tatooine, un planeta demasiado trillado dentro del universo Star Wars.

Visualmente estos dos primeros episodios están repletos de momentazos en Tatooine y en el planeta Daiyu, con un Domo que hace lucir las localizaciones a las que nos lleva la serie.

Si tengo que comentar algo menos bueno, la verdad es que las interpretaciones me gustan mucho y la historia me ha sorprendido para bien, pero la ejecución de algunas escenas no ha sido todo lo buena que a mi me hubiera gustado. En concreto, el secuestro del primer episodio, la huida por el mercado o el final del episodio con unos inquisidores andando que literalmente dejan escapar a Owi-Wan han sido un poco lamentables.

Tampoco he conectado nada con el personaje de Haja Estree, interpratado por Kumail Nanjiani (Eternals). La idea de mostrar a los estafadores que se aprovechaban de las familias de los jedis que intentaban escapar del imperio como concepto me gusta mucho. Pero de nuevo la ejecución de lo que hace me parece que deja bastante que desear, aparte de plantear unos intentos de humor en situaciones en los que no resulta correcto.

Visualmente Obi-Wan está genial. Pero a la vez encontré en varios momentos en Daiyu una sensación televisiva y no cinematográfica en varios momentos, por ejemplo en el marcado en el que se ven 20 personas y no cuadra con lo que debería ser un mercado abarrotado de gente.

Dicho esto, a veces pedimos al entretenimiento que sea de 10 o si no es un fracaso, y no es el caso para mi. Puedo reconocer estos momentos menos buenos, o directamente mal ejecutados, y la vez haber disfrutado del arranque de la serie y comentar que me vale tener una serie que sea un 7.5 y no un sobresaliente.

Por cierto, destacar también que en estos dos episodios hemos visto prácticamente todas las escenas mostradas en los trailers de la serie, por lo que todo lo que veamos a partir de ahora va a ser sorpresa absoluta, lo cual me parece apasionante.

Spoilers a continuación.

La gran sorpresa de la serie es tener a LEIA ORGANA y no a Luke como el personaje que obliga a Owi-Wan a abandonar su retiro autoimpuesto. Poder ver a Leia como una niña de 10 años realmente bien interpretada por Vivien Lyra Blair ha sido una pasada, porque transmite de maravilla la sensación de ser una niña encerrada en una cárcel de oro cuando el cuerpo la pide vivir aventuras. También el hecho que sea en varios momentos una niñata engreída en el fondo encaja con alguien que se sabe una princesa importante. He leído algunas críticas sobre esto, pero yo no creo que sea un problema, más bien al contrario.

En este sentido, ver a Jimmi Smits repitiendo en su papel del Senador Bail Organa me dió una alegría tremenda que no esperaba para nada, teniendo en cuenta lo poco que me gustó el Episodio III. En este sentido, ver a Alderaan en imagen real fue también otro motivo de alegría de una serie que igual falla en la ejecución de algunos momentos, pero acierta de pleno en la construcción del mundo de Stars Wars post Episodio III.

En resumen, buen arranque de Obi-Wan Kenobi, a pesar de los elementos menos buenos en la ejecución espero que tengamos un montón de emoción en los cuatro episodios que restan por estrenarse. Tengo ganas de ver a Darth Vader pero a la vez temo la forma en que lo metan en la historia, espero no caigan en contradicciones groseras que no se sostengan, reconociendo que dichas contradicciones existen ya en las películas.

Comparto el trailer de la serie:

Obi Wan Kenobi ha empezado muy bien y nos ha dejado con ganas de más. No se puede pedir más a un producto de entretenimiento. Los próximos cuatro viernes tengo una cita obligada, independientemente del resto de estrenos de una potente parrilla del mes de junio.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de X Vidas de Lobezno / X Muertes de Lobezno 2 de 6 (Marvel Comics – Panini)

Tras el intrigante arranque de X Vidas de Lobezno hace unos días, en el segundo número de esta miniserie de 6 números que Panini está publicando quincenalmente, tenemos el inicio de X Muertes de Lobezno, la miniserie creada por Benjamin Percy y Federico Vicentini que cambia completamente el foco de la historia.

PUNTUACIÓN: 7/10

Artículo CON spoilers.

La muerte no es el final: ¡la muerte es el omega! Si la clave del futuro de Lobezno está en el pasado, ¿qué significa esto para el presente? Las muertes de Lobezno son tan importantes como sus vidas, en un cómic repleto de revelaciones que señala el destino de los mutantes.

Este número contiene X Death of Wolverine 1 USA, un especial de 48 páginas.

Se me hace muy difícil hablar de este comic sin entrar en spoilers, porque todo lo es. En primer lugar, me llama la atención como la sinopsis que Panini tiene de esta grapa en su web no refleja para nada el contenido del comic, entiendo que hecho a propósito precisamente para no spoilear la sorpresa del comic a los lectores. Y es que apenas ha pasado un mes desde el final de Inferno y Marvel nos trae a Moira McTaggert de vuelta a una actualidad mutante que nunca llegó a abandonar. Ver su huida tras el final de Inferno es una sorpresa total, porque la sensación que me dejó Inferno es que Marvel iba a dejar descansar a Moira al ser uno de los juguetes preferidos de Jonathan Hickman. No ha sido el caso para nada, lo cual realmente no es ni bueno ni malo, dependerá de la ejecución de este comic.

Lo que si produce extrañeza es que la historia contenida en este grapa no tenga nada que ver con Lobezno, teniendo en cuenta que se llama «X Muertes de Lobezno». Aparte de la sorpresa final del comic, tenemos una historia de Moira que de momento no ha explicado su inclusión en esta historia / evento, aceptando que el guionista Benjamin Percy tiene cuatro grapas de cada cabecera para conectar correctamente todos sus elementos y de momento me ha dejado intrigado por lo que vaya a suceder a continuación.

Si seguimos el esquema de Dinastía de X / Potencias de X, fue precisamente en el 2º número de HoX cuando descubrimos de qué iba la historia y el giro histórico que Hickman imprimió a los mutantes. Siguiendo ese ejemplo, tendremos que esperar al próximo número para encontrar el giro de esta historia y saber qué motiva la visita de Logan a varios momentos de la historia de Charles Xavier, así como el origen del tumor en Krakoa o lo que pasará con Moira. En HoX / PoX quedaba claro que la primera serie contaba la historia de los mutantes en el presente mientras que PoX se encargaba de las historias en otros momentos temporales, conectando Hickman de forma inteligente ambas tramas. Parece intuirse que X Vidas servirá para ver las aventuras de Logan en la corriente temporal mientras que X Muertes se encargará del presente mutante, pero por lo visto en esta primera grapa el título de la portada no estaría justificado, motivo por el que me encuentro bastante perplejo.

Ha sido la propia Marvel (y Panini) los que se han empeñado en conectar estas miniseries de X Vidas / X Muertes de Lobezno con lo que significó HoX / PoX. No cabe duda que en parte es un elemento meramente publicitario para intentar engañ… captar a posibles lectores, sugiriendo una importancia que de momento es difícil atisbar por lo visto hasta ahora. En todo caso, quiero ver el vaso medio lleno y quedarme con una historia que me ha dejado intrigado y me deja con ganas de saber hacia donde se dirige.

Lamentablemente, el dibujo de Federico Vicentini, con color de Dijjo Lima y Frank Martin, no está a la altura de R.B. Silva, por seguir con la comparación con PoX. Porque puesto a comparar y a asociar como hace Marvel , lo mínimo exigible sería pedir que el dibujo fuera al menos igual de bueno que el de Silva o del de Joshua Cassara que dibujo la grapa anterior. Me da pena tener que comentar que desde el punto de vista artístico, lo mejor lo encontramos en la portada minimalista de Adam Kubert, con un dibujo interior de Vicentini con un estilo casi amerimanga en las figuras que lo encuentro super montonero y que no está a la altura del comic más importante de la franquicia mutante tras la marcha de Hickman.

Como digo, me encuentro en un momento en el que estoy intrigado y con ganas que me entretengan, y pienso comprar esta miniserie en su totalidad. Confío en que cuando empiecen a darnos las respuestas que estamos esperando, la cosa resulte interesante y no nos dejen con un WTF?! Uno más, quiero decir.

Comparto las primeras páginas del comic:

Las X Vidas de Lobezno / X Muertes de Lobezno han arrancado de forma misteriosa, y aún no tengo claro hacia donde se dirige la parte de la historia contada en esta grapa. Ahora falta que Percy sepa cerrar de la mejor forma posible y nos deje satisfecho con la lectura. Espero con ganas el siguiente número para ver por donde sigue la historia.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Crítica de Colour Out of Space de Richard Stanley (Prime Video)

He disfrutado mucho con Colour out of space de Richard Stanley, la adaptación de la historia corta de H.P. Lovecraft que cuenta con un Nicolas Cage desatado y que puede verse en Prime Video.

PUNTUACIÓN: 8/10

Un meteorito se estrella cerca de la granja de los Gardner, liberando un organismo extraterrestre que convierte la tranquila vida rural de la familia en una pesadilla colorista y alucinógena. Uno de los relatos más emblemáticos de Lovecraft llega al cine de la mano de Nicolas Cage y Richard Stanley. (FILMAFFINITY)

Richard Stanley (1966) es un cineasta sudafricano, conocido por su trabajo en el género de terror. Comenzó su carrera realizando cortometrajes y vídeos musicales, y posteriormente dirigió los largometrajes Hardware (1990) y Dust Devil (1992), ambos considerados clásicos de culto. Fue el director original de La isla del Dr. Moreau (1996), pero fue despedido al principio de la fotografía principal debido a diferencias creativas, un episodio relatado en el documental de 2014 Lost Soul: The Doomed Journey of Richard Stanley’s Island of Dr. Moreau. En 2019, regresó a los largometrajes después de más de 20 años, dirigiendo la adaptación de H. P. Lovecraft Color Out of Space.

Stanley con la guionista Scarlett Amaris realizan la adaptación cinematográfica de la historia corta de H.P, Lovecraft “The colour out of space”, publicado en 1927. La película de 111 minutos cuenta con fotografía de Steve Annis, montaje de Brett W. Bachman y música de Colin Stetson. A modo de curiosidad, aunque la historia está ambientada en una granja en Arkham, Massachusetts, la película se rodó en Portugal en 2019, contando con un presupuesto de entre 6 y 10 millones de dólares. La película consiguió premios en varios festivales de 2019 como el Toronto Film Festival (Nicolas Cage), en el Fantastic Fest de Austin Texas como mejor film de terror, y en el H.P. Lovecraft Film Festival , los premios a mejor película y el premio del público.

Nicolas Cage es Nathan Gardner, granjero, padre de la familia Gardner. Joely Richardson es su mujer Theresa Gardner, empresaria y madre de Lavinia (Madeleine Arthur) Benny (Brendan Meyer) y Jack (Julian Hilliard). Elliot Knight interpreta a Ward Phillips, un hidrólogo y topógrafo de una empresa de desarrollo de presas que visitará la granja de los Gardner. Tommy Chong es Ezra, un hippie «okupa» que vive en las tierras de los Gardner, mientras que Josh C. Waller y Q’orianka Kilcher interpretan al sheriff Pierce, jefe de policía de Arkham y a la alcaldesa Tooma, respectivamente.

Tenía muchas ganas de ver en su día Colour Out of Sky, pero para sorpresa de nadie la película no llegó a estrenarse en mi localidad. Verla dentro del catálogo de Prime Video ha sido toda una sorpresa total, entre otros motivos porque la política de comunicación de Prime para sus estrenos de series o películas que no son novedad es nefasta. Y una vez vista tengo que decir que me ha encantado y me ha parecido una de mas mejores representaciones del Horror Cósmico de Lovecraft en imagen real. Un tipo de historias en los que los seres humanos son apenas motas de polvo al lado de unos seres (a menudo alienígenas pero no solo) con poderes más allá de nuestro entendimiento.

Una de las cosas que más me han gustado de esta película es que el descenso a los infiernos de esta familia se plantea desde los elementos más mundanos, evitando hasta el climax final los sustos y golpes de efecto típicos del género de terror. La película es un ejemplo perfecto del Horror Cósmico en el que personas normales empiezan a sufrir cambios sutiles (en ellos y en el terreno circundante) sin llegar a ser conscientes de ello ni poder hacer nada para oponerse en caso de darse cuenta (que no lo hacen). En este sentido, frente al terror típico de monstruos o slashers, Colour out of space no muestra a un antogonista que haga las veces de villano, ya que es el propio mundo el que acaba poniéndose contra la familia. Tampoco hay una moraleja o lección moralizante que sacar de la película, más allá que cuando los grandes poderes quieran ir a por nosotros, no habrá nada que podamos hacer para evitarlo.

Nicolas Cage se encuentra como pez en el agua en este personaje que va cayendo poco a poco en la locura, y me parece que está genial. Junto a él, toda su familia añade un elemento super perturbador a todo lo que les va pasando, consiguiendo que la sensación mallrollista acompañe todo el visionado. Y precisamente porque no hay apenas sustos o gore durante la película (bueno, alguno si hay en el climax final), Colour out of space me ha gustado mucho, al ser una rara-avis dentro del género de terror. Porque si que es extraño ver una película de terror sin sustos, las cosas como son. A pesar de todo lo anterior, la verdad es que el visionado de la película jamás se me hizo pesado y lo he disfrutado mucho.

La mutación de la naturaleza está super bien mostrada en la película a pesar de ser una película de bajo presupuesto. Visualmente, los colores a los que alude el título están perfectamente incorporados y ayudan a conseguir la atmósfera alienígena que necesitaba la historia. Es cierto que algunos efectos de maquillaje no quedan del todo bien en la fase final de la película, pero es un aspecto menor dentro de un conjunto que me ha gustado mucho.

Comparto el trailer de la película.

Colour out of space no es una película para todo el mundo, pero para los amantes de los mitos de Lovecraft supone un regalo maravilloso.

PUNTUACIÓN: 8/10

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