Crítica de Everything dead & dying de Tate Brombal y Jacob Phillips (Image Comics)

Tenía curiosidad con el nuevo comic de Jacob Phillip (That Texas Blood, Newburn), Everything dead & dying, una inusual historia de zombies escrita por Tate Brombal con color de Pip Martin.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

Jack Chandler es el único superviviente del apocalipsis zombi en su comunidad rural agrícola, pero en lugar de acabar con ellos, ha decidido seguir conviviendo con los muertos vivientes, incluidos el marido y la hija adoptiva por los que tanto luchó. Sin embargo, cuando unos forasteros descubren su pueblo, Jack se convierte de repente en el único obstáculo para quienes pretenden acabar con su familia de una vez por todas.

Los creadores nominados al Premio Eisner TATE BROMBAL (Barbalien, Batgirl) y JACOB PHILLIPS (THAT TEXAS BLOOD, NEWBURN) se unen para crear una inquietante historia centrada en los personajes y ambientada en el campo durante un brote zombi, que podría describirse como una mezcla entre THE WALKING DEAD y Essex County.

La premisa de Everything dead & dying ya indica lo original de la historia y como está teledirigida a terminar en tragedia. Jack es un granjero que había encontrado la felicidad con su marido Luke y con su hija Daisy. Cuando llegó el apocalipsis zombie, todos murieron excepto él. La novedad muy loca es que consigue que todo un pueblo de zombies se mantenga pacífico alimentándolo diariamente con lo que saca de su granja, consiguiendo durante meses una apariencia de normalidad. Una muy loca normalidad en la que todos a su alrededor está muerto y él parece no asumirlo.

Obviamente, su burbuja de paz va a explotar por los aires. Brombal plantea una narración en la que se contraponen situaciones de diferentes momentos temporales de la vida de Jack. Por un lado, esto nos permitirá conocer la historia de Jack y su familia, para que lo que suceda a continuación tenga un mayor golpe dramático. La tensión y la muerte irán in-crescendo a medida que avance la serie, hasta llegar hasta un climax que resulta casi inevitable.

Everything dead & dying es una miniserie de 5 números, pero varios de sus grapas tienen una extensión mayor de la normal, que van desde los 34 páginas del primer número a las 24 del segundo. Esta mayor extensión creo que le viene muy bien al comics, porque pasan muchas cosas en cada grapa y las escenas pueden tener la extensión que necesitan. además, por el propio estilo de Brombal, hay mucho que leer en cada grapa, lo que hace que la lectura del comic lleve su tiempo. Todo ello es algo que agradezco.

El dibujo de Jacob Phillips no se caracteriza por la fluidez narrativa, pero si sabe transmitir el drama que rodea a Jack y cómo en realidad tiene que aceptar la realidad y que sus seres queridos se han ido para siempre. Phillips me parece un buen dibujante para este mundo de zombies, y dado que ya conozco su estilo mis ojos no necesitaron tiempo de adaptación, entré en su narración desde el primer momento y creo que realiza un buen trabajo.

El color de Pip Martin me deja sensaciones contrapuestas, resultando confuso en muchas ocasiones. Martin parece que debe ser amigo de Phillips, porque plantea el mismo tipo de color con colores planos planteados como manchas en la viñeta, similar a lo que Jacob hace en los comics de su padre Sean Phillips con Ed Brubaker. Pero sin el sentido o el control que tenemos en esos comics. Como podéis ver en las páginas de preview a continuación, la historia de Brombal plantea una narración fragmentada con varios momentos temporales sucediendo al mismo tiempo en la página. Momentos temporales y pesadillas de Jack. Sin embargo, cuando parece que cada escena / momento temporal va a tener un color diferente que les diferencie, resulta que la viñeta de la pala va cambiando de color, con lo que te das cuenta que no hay un sentido a lo que está haciendo. O había un sentido pero la ejecución no es demasiado acertada.

Más adelante en el comic, el color si está bien planteado para separar el mundo imaginario y alucinado de Jack con una realidad desoladora en la que todos han muerto excepto él. Aunque hay momentos en que el color cumple su función, hay otros en los que siento que la paleta que emplea Martin no es la más adecuada. Y peor, que parece que está puesto porque si, sin ninguna función narrativa. Al menos en el climax del comic si destaca bien el dramatismo de la situación. Pero me parece que el color hubiera estado mucho mejor si lo hubiese hecho el mismo Phillips.

Aunque creo que Everything dead & dying es un buen comic, en realidad no acabé de conectar con la historia de Brombal. Y aunque la premisa es muy loca, ya que Jack consigue alimentando a todos los zombies de su pueblo que todos se muestren tranquilos y pacíficos, revertiendo a sus movimientos reflejos de cuando estaban vivos: el cartero reparte cartas imaginarias, la madre pasea a su bebe con el carrito y la encargada del molino está allí haciendo como que lo mantiene en funcionamiento. Como digo, es una idea muy loca, pero entré sin problemas.

Con lo que no conecté es con la sensación que Brombal plantea algún tipo de metáfora que no me ha quedado clara. O a lo mejor la he entendido demasiado bien. Porque aunque una parte de la historia es que Jack tiene que aceptar la realidad, esto no llega a ser algo propio, sino que no tiene más remedio cuando el grupo de exploradores llega al pueblo y acaba quemándolo todo. Su aprendizaje es forzado, no es algo que él plantee por si mismo. Y esto me deja la idea como si Brombal nos está sugiriendo que el mundo de esta persona gay era perfecto y aunque está un poco loco en realidad no molestaba a nadie. Entre otras cosas, no queda nadie con vida a muchos kilómetros a la redonda. Sin embargo, la sociedad «normal» no aceptará que alguien quiera vivir su vida de forma diferente, por lo que intentará destruirle. No sólo destruirle, sino apropiarse de todo lo que él ha construido, empezando con su granja, que es funcional y está preparada para que este grupo pueda sobrevivir durante mucho tiempo.

Entre unas cosas y otras, no puedo decir que sea un mal comic, pero al mismo tiempo no he conectado con lo que plantea. Siendo el final casi el único posible, me ha dejado un poco chafado. Aunque es probable que esa sea la sensación con la que querían dejar a los lectores, con lo que tampoco estaría tan mal.

Comparto las primera páginas del comic:

No he conectado con Everything dead & dying como me hubiera gustado.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

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Crítica de Turno de noche de Jonny Campbell

Turno de noche del director Jonny Campbell a partir de un guion de David Koepp es como hacer un viaje en el tiempo a los videoclubs de los 80 en los que encontrabas las joyas ocultas de la serie B.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Cuando un hongo mutante altamente contagioso escapa de una instalación sellada, dos jóvenes empleados, acompañados por un veterano agente de bioterrorismo, deben sobrevivir al turno de noche más alocado de la historia para salvar a la humanidad de la extinción, mientras el microorganismo se propaga y destruye todo a su paso.

Jonny Campbell es un director británico de cine y televisión. a partir de dirigir Alien autopsy en 2006, ha centrado su trabajo en televisión. Más que el director, lo más destacado de esta película es que estamos ante un guion de David Koepp adaptando su novela Cold storage de 2019. Y es Koepp es uno de los grandes nombres del cine comercial de los últimos 35 años. Entre otras películas, Koepp ha escrito los guiones de multitud de películas de Steven Spielberg, entra las que encontramos «Parque Jurásico» (1993), «El mundo perdido: Parque Jurásico» (1997), «La guerra de los mundos» (2005) e «Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal» (2008). Otros guiones de Koepp incluyen Atrapado por su pasado (Carlito´s way) (1993) Misión: Imposible (1996), Jack Ryan: Operación Sombra (2014); la primera película de Spider-Man de Sam Rami (2002), Indiana Jones, El dial del destino (2023) y Jurassic World: Rebirth (2025).

La película de 99 minutos de duración tiene fotografía de Tony Slater Ling, montaje de Billy Sneddon y música de Mathieu Lamboley. Aunque finalmente se trata de una coproducción entre Francia y Estados Unidos, fue Studio Canal (Canal+) la que financió la producción de esta película.

Turno de noche destaca por su trío protagonista: Georgina Campbell como Naomi Williams, Joe Keery (Stranger things) como Travis «Teacake» Meacham y Liam Neeson como el especialista del ejército Robert Quinn.

En los secundarios tenemos a Sosie Bacon como la Dra. Hero Martins, Vanessa Redgrave[6] como Mary Rooney, Lesley Manville como Trini Romano, Richard Brake como Wesley Jerabek, Aaron Heffernan como Mike Snyder y Ellora Torchia como Abigail

Turno de noche es una comedia de ciencia ficción que hace un homenaje absoluto a las películas de serie B de los años 80. La película tiene el tono gamberro y desprejuiciado perfecto para una historia que no se toma muy en serio a si misma y tiene claro su objetivo de entretenimiento. La historia arranca con unos títulos de crédito que informan de la llegada de un asteroide a la Tierra. La escena termina con el asteroide destrozando estos créditos, lo que deja claro el tono de humor.

La película sobre un virus del espacio convertido en hongo que se reproduce con velocidad recuerda a clásicos de la ciencia-ficción como La amenaza de Andrómeda, con la llegada del equipo de Liam Neeson con trajes NBQ a un pueblo en Australia donde todo están muertos. O a toda la filmografía de zombies y virus similares. Sin embargo, el tono marca que estemos ante una comedia más que ante una película de terror. Aunque hay muertes sangrientas y seres horriblemente desfigurados.

Propio del ADN de serie B que tiene Turno de noche, la historia empieza en 1979, da un salto de más de 25 años para asistir a la primera expansión del virus hongo en 2007, para pasar a continuación al presente de 2026, que es donde tendrá lugar la acción principal. La premisa de que la base militar con el virus dentro sea desmantelada y vendida para que se monte un negocio de trasteros es super loca. Y super serie B. Los trabajadores de este trastero no saben que a unos cientos de metros bajo sus pies se almacena un terror que con el deterioro del paso del tiempo y el cambio climático, acabará liberándose.

El éxito de esta película está en un super acertado casting de protagonistas. Liam Neeson acepta la broma de la película para interpretar al especialista del ejército Robert Quinn, el típico papel de «puto-amo» frente a amenazas bacteriológicas que está mayor y tiene problemas de espalda que casi le incapacitaron durante la primera crisis en Australia de 2007. Cuando vuelva a surgir la alarma, él es el único capaz de enfrentarse a la amenaza, si consigue convencer al ejército de la gravedad de los hechos. Y si su espalda le aguanta.

Georgina Campbell como Naomi Williams, y Joe Keery (recordado por todos por su papel de Steve en Stranger things) como Travis son los trabajadores del turno de noche en la empresa de trasteros que detectarán las alarmas que lanza la instalación militar que no sabían que existía sobre la amenaza biológica. Naomi y Travis son también pura Serie B, con una despreocupación absoluta que les hace romper una pared para llegar a la fuente del pitido, y luego adentrarse en el corazón de la instalación militar clausurada para descubrir el motivo de la alarma. Sumando a los tres tenemos un equipo disfuncional que por eso mismo resultarán perfectos para resolver el peligro. Aparte que no hay nadie más, no es un caso de poder elegir otras opciones.

Otro de los detalles que me han gustado mucho es la duración de menos de 100 minutos. Da gusto cuando una película sabe lo que es y va al grano en todo momento para que los espectadores no nos aburramos en ningún momento. El humor irónico de muchas situaciones, unos actores que entienden la broma y varios momentos super sangrientos a costa de los infectados consiguen que Turno de noche sea una experiencia super divertida que me ha gustado mucho.

El cine comercial no está pensado para cambiar la vida de los espectadores, sino ofrecerles un buen entretenimientos. El ADN de serie B de Turno de noche y su falta de pretensiones de ser «importante» me ha gustado mucho.

Comparto el trailer de la película:

Turno de noche es una película super divertida y disfrutona. Si eres fan de la Serie B, te lo vas a pasar genial.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de Biblioteca Marvel Los Vengadores vol. 13 de Roy Thomas, Barry Windsord-Smith y Sal Buscema (Marvel Comics – Panini)

El volumen 13 de la Biblioteca Marvel nos trae unos comics míticos de la Marvel Comics de 1969. Roy Thomas, Barry Windsor-Smith y Sal Buscema nos presentan una nueva aventura contra Ultrón y la presentación del Gran Maestro y el Escuadrón Siniestro. Comics que son clásicos absolutos.

PUNTUACIÓN: CLÁSICO ABSOLUTO

Es más que un cómic: es una máquina del tiempo. ¡Thor y Iron Man regresan a las filas de Los Vengadores! ¿Serán suficientes para detener a Ultrón en su explosivo regreso? Además: Kang el Conquistador, el debut del Escuadrón Siniestro y mucho más. Contiene los correos de lectores de la edición original y la cronología que lo sitúa todo en contexto. ¡Biblioteca Marvel, como siempre y mejor que nunca! ¡No puedes perderte esta edición histórica!

Este volumen incluye The Avengers 66-71 USA, publicados originalmente en 1969.

Al inicio de este decimo tercer volumen de la Biblioteca Marvel, Roy Thomas ya era un guionista veterano para Los Vengadores. Se acababan de cumplir 30 números con él a los mandos, aunque siempre supervisado por Stan Lee. Y lo que tenía claro es que el éxito de la colección dependía de plantear cambios constantes que provocaron que los lectores no supieran nunca lo que iba a suceder. En el volumen precedente descubrimos que Hank Pym era Chaqueta Amarilla y había sufrido un problema mental, y además tuvimos la presentación de Clint Burton como el nuevo Hombre Gigante. Este volumen se inicia con el retorno de Iron Man y Thor a la colección. Y menos mal, porque el retorno de Ultrón hará que los Vengadores necesiten toda su potencia de fuego para derrotarle.

Otra cosa que Roy Thomas aplica acertadamente a sus historias es empezar a plantear arcos de mayor extensión, rompiendo el planteamiento de historias autoconclusivos o arcos de dos números como máximo. En este volumen tenemos dos arcos de tres números en el que los héroes se enfrentarán primero a Ultrón, que posee a Vision para revivirle, y luego un segundo arco con Kang y la presentación del Gran Maestro y el Escuadrón Suicida.

Una de las claves que hace que compre esta Biblioteca Marvel a pesar de los posibles elementos que puedan haber envejecido peor, es poder leer por primera vez comics que son historia viva de Marvel. Por ejemplo, el número 66 con el que arranca este volumen es la primera aparición del Adamántium, la sustancia más dura del Universo Marvel y que alcanzó su cúspide de popularidad cuando cierto canadiense malhumorado que es el mejor en lo que hace aunque lo que hace no sea bonito, nos descubrió que sus huesos estaban recubiertos de este metal.

Otro elemento que es historia absoluta de Marvel es ver a un primerizo Barry Windsor-Smith dibujar los dos primeros comics de este volumen, los números 66 y 67, con fecha de portada de Julio y Agosto de 1969. Estos comics no son el primer trabajo en Marvel de Barry Smith (que es como se le acreditó en estos comics), honor que ostenta el X-Men 53 incluido en el décimo volumen de la Biblioteca Marvel La Patrulla-X. En estas páginas Windsor-Smith está muy lejos del artista en que se convirtió años después entre otros comics en Conan The Barbarian. Pero empieza a mostrar detalles de su futura maestría, con unas composiciones de páginas novedosas para la época.

Por ejemplo, Windsor-Smith plantea una splash-page con los Vengadores en la mansión en la que añadía pequeñas viñetas con las caras de los héroes, lo que añadía un gran dramatismo a la situación. O planteaban las escenas de acción con composiciones super dinámicas con viñetas verticales que rompían la narración habitual de los comics de la época. Visualmente, el artista británico mostraba una personalidad que los Don Heck o Werner Roth de la época no podían ni soñar.

En estos comics tenemos el entintado de Syd Shores en el número 66 y de George Klein en el 67, que no se si no le hicieron ningún favor. En negativo, mostrando una influencia evidente de Jack Kirby, Windsor-Smith dibuja unas caras realmente feas y poco detalladas, pareciendo en algunos momentos como meros bocetos no acabados. Reconociendo que estas cosas menos buenas son evidentes leyendo estos comics, como decía antes tengo claro el elemento histórico, por lo que no me han supuesto ningún problema.

Otro de los detalles más llamativos de estos comics es la importancia de Hank Pym en la colección. Pensando en el calvario que los guionistas y editores de Marvel le hicieron pasar a partir de los años 80, de lo que el personaje aún no se ha recuperado, su importancia en estos comics es todavía mayor. Ultron es derrotado por Pym al disfrazarse del doctor MacLain, el creador del adamántium, compartiendo sus ondas cerebrales con Ultrón, lo que lleva a su autodestrucción. A pesar de todos los cambios, idas y venidas en Los Vengadores, la figura de Pym era la constante que daba estabilidad al grupo, con una valía que era apreciada por los otros héroes.

Este elemeto positivo de Pym en los comics conecta con el gran problema de los guiones de Thomas, que es la forma en que ningunea a Janet Van Dyne, La Avispa. En realidad, más allá de ser la mujer de Pym, Thomas parece que no sabe qué hacer con ella, provocando que esté ausente en la mayoría de peleas, o tenga que ser salvada por compañeros como Iron Man. El machismo como se trataba a los personajes femeninos en la Marvel de los años 60 es sin duda lo que peor ha envejecido de la lectura de casi cualquier comic de la época. Y Los Vengadores no es una excepción.

La otra gran novedad de este arco de Ultrón fue la llegada de Sal Buscema a la colección en el número 69, que vendrá acompañado del entintado de Sal Grainger. El menor de los hermanos Buscema siempre estuvo a la sombre de John, que marcó una época en esta colección o en Conan el Bárbaro. Precisamente después de los comics de Barry Windsor-Smith, al que acabamos de tener en estas páginas. Reconozco que Sal Buscema siempre fue para mi uno de los muchos currantes de Marvel que ayudaron a que la editorial se expandiera y sin el que no se explican colecciones como El Increíble Hulk, Rom o Sensacional Spider-Man. Pero que siempre se quedaba muy alejado del nivel de los grandes mitos de la editorial, empezando por Jack Kirby o su hermano John, o los posteriores John Byrne, George Pérez, Frank Miller, Walter Simonson, o la saga familiar de los Romita.

Sin embargo, comics como estos me están reconciliando con la enorme figura de Sal Buscema. La narrativa de Sal es perfecta, los personajes son super reconocibles y sabe añadir a sus páginas el toque justo de dinamismo, espectáculo y dramatismo que se espera en un comic Marvel. El nivel de dibujo que Sal Buscema ofrece en 1969 me parece sobresaliente, estando muy por encima de la media de dibujantes que trabajaban en Marvel durante esos años. Con Sal Buscema, la colección estaba en las mejores manos. De hecho, más allá del elemento histórico de tener la primera aparición del Gran Maestro o el Escuadrón Siniestro, para mi lo más destacable de estos comics ha sido poder disfrutar del dibujo de Sal. Me ha encantado.

El segundo arco de este volumen tiene lugar en los números 69 a 71. En este arco tenemos el regreso de Steve Rogers (Capitán América) a la colección. Y llegará justo a tiempo para la nueva amenaza del Gran Maestro, que obligará a Los Vengadores a aliarse con Kang para impedir la destrucción de la Tierra. El guion de Thomas plantea las típicas chorradas ridículas de esa época con la motivación del Gran Maestro, que plantea una apuesta aparentemente imposible a Kang.

La creación del Escuadrón Siniestro surgió a partir de una fiesta a la que asistieron Thomas y Dennis O´Neil, que en ese momento guionizaba la Liga de la Justicia para DC Comics. El también escritor Gary Friedrich les animó a escribir una historia cada uno que incluyera a los héroes de la otra editorial. Aunque O´Neil nunca llegó a hacerlo en los comics de DC, o los editores no se lo permitieron, Thomas si se animó a presentar a estas versiones oscuras de Superman, Batman, Flash y Green Lantern. Hiperión, Halcón Nocturno, Zumbador y Doctor Espectro. Lo que también copió Thomas para el enfrentamiento del número 70 es la estructura de combates uno contra uno, que era super habitual en los comics de DC de la época, en lugar de plantear combate de cuatro contra cuatro que siempre es más interesante. A pesar del nivel de poder de los villanos, su aparición se limita a ser presentados en la última página del número 69 y a luchar y ser derrotados en el 70, desapareciendo sin dejar rastro.

En lo que Thomas si es original es en recuperar para esta historia a Caballero Negro, que acabará convertido en miembro de pleno derecho de Los Vengadores al final de este arco. Dane Whitman ofrece la wild-card que permite a los héroes superar las maquinaciones del Gran Maestro y de un Kang que para sorpresa de nadie acaba traicionando a los héroes. La otra novedad del número 71 es la presentación en la continuidad Marvel de lo que años más tarde se nombró como Los Invasores, el grupo formado por Capitán América, Namor y la Antorcha Humana (Jim Hammond) que luchó contra los nazis en la Segunda Guerra Mundial. Aunque en este número son los involuntarios enemigos de los Vengadores del presente, esta es la primera aparición que provocó montones posteriores.

Dentro que el dibujo de Sal Buscema me ha gustado mucho, creo que Roy Thomas está demasiado anclado en los convencionalismos de los años 60 y ofrece buenos comics pero que nunca acaban de hacer explotar el potencial de estas premisas y personajes. Sin ir más lejos, las conclusiones de estas dos acciones resultan anticlimáticas, como si se quedara sin tiempo y tuviera que cerrarlo todo casi en la última página. De nuevo, entiendo el elemento histórico de unos comics publicados por primera vez hace 57 años, antes que yo naciera. Pero creo que hay que decirlo todo, lo bueno y lo no tan bueno. En todo casi, si creo que es muy meritorio la capacidad de presentar en apenas 20 páginas tantísimos personajes y situaciones, consiguiendo que todo tenga un sentido. Además, que en medio de esta aglomeración de héroes el Caballero Negro sea clave, me parece un detalle brillante.

La Biblioteca Marvel Los Vengadores me está ofreciendo comics que son historia viva de Marvel. Me lo estoy pasando genial con su lectura. Tengo ganas de leer el siguiente y descubrir las sorpresas que nos tienen preparadas.

PUNTUACIÓN: CLÁSICO ABSOLUTO

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Crítica de La momia de Lee Cronin

Tras ver Posesión Infernal: El despertar, tenía curiosidad de ver la siguiente película de Lee Cronin, una nueva versión de La momia que no tiene nada que ver con la franquicia de aventuras protagonizada por Brendan Fraser.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Nueva versión del clásico ‘La momia’. La joven hija de un periodista desaparece en el desierto sin dejar rastro. Ocho años más tarde, la familia rota se conmociona cuando ella es devuelta a ellos, y lo que debiera haber sido una reunión jubilosa se convierte en una auténtica pesadilla.

Lee Cronin es un guionista y director de cine irlandés. Es conocido sobre todo como guionista y director del cortometraje ganador del premio Méliès d’Argent en 2014, Ghost Train, y de la bien valorada película de terror de 2019 The Hole in the Ground. En 2023 dirigió la divertidísima Posesión infernal: El despertar.

La momia es una película producida por James Wan a través de su productora Atomic Monster, y por Blumhouse. Cuenta con u presupuesto de 22 millones de dólares. No tiene nada que ver con la franquicia de aventuras protagonizada por Brendan Fraser. Lee Cronin escribe el guion además de dirigir la película, que tiene una duración de 134 minutos, mucho más de lo esperado en una película de terror. La fotografía corre a cargo de Dave Garbett, el montaje de Bryan Shaw y la música de Stephen McKeon.

Jack Reynor y Laia Costa interpretan a Charlie y Larissa Cannon, los padres traumatizados por la desaparición de su hija Katie en Egipto, donde se encuentra la familia debido al trabajo como periodista de Charlie. May Calamawy da vida a la detective Dalia Zaki, encargada de investigar la reaparición de Katie; Natalie Grace interpreta a Katie Cannon, con Emily Mitchell dando vida a la joven Katie. Shylo Molina interpreta a Sebastián Cannon, el hijo mediano, con Dean Allen Williams interpreta al joven Sebastián; Billie Roy interpreta a Maud Cannon, la hija menor, Verónica Falcón interpreta a Carmen Santiago, la madre de Larissa; y Hayat Kamille interpreta a la Maga.

A la hora de decidir si ver esta nueva versión de La momia, ver que estaba producida por James Wan fue clave. Luego recordé quién era Lee Cronin y que su nueva versión de Posesión Infernal me gustó mucho, lo que decantó la balanza e hizo que me organizara para verla. Pero sin saber prácticamente nada de la película ni haber visto el trailer. Y me alegro de haberlo hecho.

La momia es un triunfo gracias al espectacular trabajo de Lee Cronin, por supuesto como narrador y visualmente, creando imágenes super impactantes. Pero también como escritor de una buena historia que consiguió engancharme de principio a fin.

Por empezar por lo menos bueno, tengo que decir que hay una serie de clichés para hacer que avance la historia. Dentro del subgénero del terror en el que la acción que tiene lugar en una casa desolada alejada de todo, en la que no hay ayuda posible, tenemos acciones ruidosas sucediendo en una habitación que nadie de la familia detecta. Además, con niños sufriendo claramente problemas mentales, la familia se obceca en seguir en la casa cuando tendrían que ir a un hospital. Dentro de todo, estas situaciones entran dentro de lo esperable, porque si se hiciera lo lógico entonces no habría película.

Tengo que quitarme el sombrero con el trabajo de la española Laia Costa. Costa tiene una estupenda carrera profesional fuera de España, y en La momia está maravillosa. Jack Reynor como su marido Charlie lo hace muy bien también, dentro de tener una interpretación mucho más estoica. Costa es el corazón dramático de la película, que además tienen a unos niños muy acertados aportando lo que la película necesita en cada momento. Porque el terror basado en cosas que le pasan a niños siempre tiene un plus de dramatismo. El reparto, como todo en la película, está super bien.

Lee Cronin plantea momentos super perturbadores a partir que la familia Cannon recupera a Katie tras haber estado secuestrada durante 8 años. Katie estuvo sepultada en una tumba durante todo este tiempo, convirtiéndose en una momia en vida. Katie tiene una cara y un cuerpo demacrado con una mente aparentemente destruida. Su mera presencia ya es capaz de alterar a la familia y a los espectadores. Y cuando empiecen a suceden situaciones malignas, el malrollismo adquiere un nivel superior. Aparte de una tensión absoluta, hay unas situaciones de body terror brillantes que casi provocaron que apartara la mirada.

Para ser una película larga de más de dos horas, me resulta maravilloso lo bien construidas que están todas las situaciones para que la película nunca se haga larga y haya un in-crescendo dramático. El montaje tiene una importancia absoluta, pero también la maestría visual de Lee Cronin. Hay un montón de planos con dos situaciones o personajes en dos planos diferentes que son una maravilla. Y por si fiera poco, Cronin plantea un final perfecto a la historia. Tras ver Posesión infernal y ahora La momia, Lee Cronin se ha convertido en un director de los que merece estar atento a lo siguiente que haga.

Ver una película no sabiendo qué esperar y que me sorprenda e impacte es algo que no tiene precio. Qué disfrute más grande me ha dado La momia.

Comparto el trailer de la película:

La momia es una estupenda película de terror que me ha gustado mucho.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de Transformers 31 de Robert Kirkman y Ludo Lullabi (Image Comics)

Tras el impactante final del primer arco de Transformers de Robert Kirkman, acompañado por el alucinante Dan Mora, el número 31 es una continuación de la historia de Megatrón que se inició en el numero 19 de la serie. Un comic de nuevo dibujado por Lulo Lullabi, con color de Mike Spicer.

PUNTUACIÓN: 5/10

¡SE DESVELA EL NUEVO ARCO NARRATIVO «EL SECRETO DE MEGATRON»!

Megatron tiene una visión que cambiará el rumbo de su vida. Y nadie en el Universo Energon está a salvo.

Empezando por lo principal de este comic, no me gusta nada el dibujo del dibujante francés Ludo Lullabi. Sus viñetas me parecen la mayoría de las veces que están apenas abocetadas, que no están terminadas del todo. Por ejemplo, en la mayoría de momentos no vemos las facciones de Megatrón, dejando su cara en negro. Aunque su estilo veo que tiene influencias del manga y plantea imágenes muy potentes visualmente, como la segunda imagen de la preview que comparto más abajo, me parece que no es un buen narrador que cuente bien la historia. Kirkman aprovecha el correo para recomendar Ghost Pepper, el comic de creación propia de Lullabi que está publicando Skybound. Sin embargo, este comic y el número 19 que también dibujó él son la confirmación que el dibujo de Lullabi no es para mi y no me deja disfrutar de este comic como de los anteriores. Y claro, es un problema.

Y es una pena, porque Robert Kirkman plantea elementos de gran importancia para el universo de Transformers. Ha sido una sorpresa absoluta descubrir la existencia de la Matriz de la Opresión, que entiendo que es el opuesto a la Matriz de Liderazgo que hasta ahora portaba Optimus. Esta Matriz de la Opresión alberga todo el poder de los grandes líderes Decepticons del pasado. Para que Megatrón acceda a este poder, debe aceptar convertirse en siervo de ese poder, un poder cuya personificación es Megatronus. Daniel Warren Johnson primero en el número 19 y ahora Robert Kirkman nos han mostrado el camino de Magetrón para convertirse en un decepticon mucho más poderoso de lo que nunca fue.

Y esto es realmente interesante si pensamos que justo en este momento Optimus ha visto su poder disminuido y los autobots que se han quedado en la Tierra tras los sucesos del Transformers 30 pueden estar en uno de sus peores momentos. Que en este momento la transformación de Megatrón pueda darle poderes nunca antes vistos deja la colección en un momento dramáticamente alucinante. Como siempre en los comics de Robert Kirkman, no existen los fill-ins o la sensación de historia no importante. Este origen del nuevo Megatrón investido con el poder de la Matriz de la Opresión no podía resultar más interesante.

Aunque el dibujo de Ludo Lullabi no me ha gustado, me quedo con la tranquilidad que el nuevo dibujante de la serie va a ser el siempre competente Jason Howard. Esto asegura unos comics super bien dibujados por un artista que me gusta, así que todo bien.

Comparto las primeras páginas del comic:

El dibujo de Ludo Lullabi hace que no disfrute de este comic de Transformers, pero las repercusiones de lo que acabo de leer van a tener una tremenda importancia en Megatrón.

PUNTUACIÓN: 5/10

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Repaso a mi Sci-fi favorito: comics, películas, TV y libros