La Biblioteca Marvel Los Cuatro Fantásticos de Stan Lee y Jack Kirby llega a su número 100. Un número de aniversario de una etapa mítica que está a punto de terminar.
PUNTUACIÓN: CLÁSICO ABSOLUTO
Es más que un cómic: es una máquina del tiempo. El camino que conduce al primer centenar de episodios publicados de La Primera Familia. ¿Cómo van a celebrarlo, si El Pensador Loco los ha sustituido por sus androides? ¿Quién es el monstruo de la Laguna Perdida? ¿Qué amenaza aguarda a Los 4 Fantásticos en la Luna antes del alunizaje histórico del Apolo 11? Los Inhumanos no van a perderse este momento, y tampoco cada uno de los villanos a los que se ha enfrentado el fantástico cuarteto. ¡Biblioteca Marvel, como siempre y mejor que nunca! ¡No puedes perderte esta edición histórica!
Este volumen incluye Fantastic Four 95-100 USA, publicados originalmente en 1970.
En números anteriores ya comentamos que un Jack Kirby enfadado con Stan Lee por lo que sentía que era una falta de respeto hacia su trabajo cada vez mayor en la serie. Kirby y Lee comentaban de forma general el comic pero era Kirby el que lo creaba en su totalidad, quedando Lee relegado a mero dialoguista. Eso provocó que tras años de impulso creativo y creación de personajes que son míticos para Marvel, Kirby decidiera no crear conceptos nuevos, reutilizando la enorme biblioteca de héroes y villano a su disposición para los últimos números en los que trabajó en la serie.
A esta circunstancia se sumó algo ajeno al comic en si, que sin embargo cambió los comics de 1970. El dueño de Marvel Martin Goodman cambió de distribuidora, dejando atrás a Independent News y empezando a trabajar con Curtis Circulation Company. Y los primeros meses fueron caóticos, perdiéndose números y provocando el enfado de muchos lectores. La respuesta de Goodman ante esta situación fue rápida, obligando a crear comics autoconclusivos, para que los lectores no se quedaran colgados en caso de perder un ejemplar.
El número 95 enfrenta a los 4F contra el Monóculo, un asesino que quiere matar a los delegados de la Asamblea de las Naciones unidas que se reúnen en Nueva York para evitar que las hostilidades puedan alcanzar un punto más dramático. Con un arma que simula una cámara de fotos, este villano causa en caos en la ciudad para distraer a los 4 Fantásticos de su verdadero objetivo.
Los problemas de visión de Kirby y la disminución del tamaño de los originales que Marvel le daba para trabajar provocó que Kirby disminuyera el número de viñetas que dibujaba. En este número hay una sola página con 6 viñetas y otra con siete. El resto son páginas en las que mayoritariamente usa 4 y 5 viñetas. Además, destacan las 3 splash páginas, la primera página que presenta al villano, una demostración física de la Cosa, y la más inesperada. Una página con un primer plano de Johnny Storm sufriendo porque su novia Crystal se marcha a Attilan tras ser convocada por su hermana Medusa. La cara de Johnny es super dramática, y resalta el poderío visual de Kirby y la forma en que transmitía estos sentimientos en ebullición de sus personajes.
Al final, obviamente nuestros héroes encuentran la forma de localizar a Monóculo y detenerle, en lo que acaba siendo un buen comic, como todos los que Kirby y Lee ofrecían a sus lectores.
La portada del número 96 resume muy bien lo que es este comic. El Pensador Loco ha vuelto, y ha creado unos robots con los rasgos y los poderes de los héroes para suplantarles y derrotarles. Curiosamente, la captura y suplantación de Johnny sucede fuera de plano, lo que ayuda a que el ataque a Ben resulte sorpresivo e impactante. Uno a uno irán cayendo hasta que Míster Fantástico demuestre ser demasiado inteligente y derrote al droide. Lo que llevará a la derrota final del villano, al despertar Reed a Ben para que le ayude.
La historia tiene alguna locura de la época, como que el Pensador Loco pudiera construir una entrada secreta al Edificio Baxter sin que los héroes se enteraran. Un detalle ciertamente ridículo. Pero que en realidad no empaña la lectura de este comic, al ponerle en su contexto histórico de 1970. Dicho esto, el dibujo de Kirby es super espectacular y dinámico. Por cierto, al encontrarme que en este número Kirby vuelve a dibujar la última página con 7 viñetas, que se trata de un recurso utilizado con toda la intención para poder cerrar las historias de forma satisfactoria. Igual Kirby ya lo llevaba realizando desde hace meses, pero reconozco que yo me he dado cuenta ahora. De hecho, los números 97 y 98 también tienen una última página con 7 viñetas, que son en todos los caso la página con más viñetas de este cómic.
En el número 97, la Primera Familia se van de vacaciones con el bebe Franklin a la playa de una laguna, y aprovechan para investigar el naufragio de varias embarcaciones. Como indica la portada, hay un monstruo. Que resultará ser un alien varado en la Tierra que estaba reparando su nave para intentar volver a su planeta. Este se se disfraza del cuidador de los animales del acuario de la laguna, y atacará a los héroes cuando siente que van a encontrar su nave.
En el número 98, siete meses después que Neil Armstorng y Buzz Aldrin pisaran la superficie de la Luna, Kirby y Lee van a hacer su particular homenajear a los astronautas del Apolo 11. Y es que mientras la nave se dirige a la Luna, un Centinela Kree intentará impedirlo, para evitar que la raza humana llegue al espacio. Reed, Ben y Johnny conseguirán evitar los planes del Centinela Kree, salvado a la nave de la NASA. ¡Misión cumplida!!!
El número 99 previo al aniversario es un número con una historia bastante vergonzosa. Tras varios números sin Crystal, Johnny enloquece y se lanza hacia Attilan para recuperar a su novia, ¡quiera ella o no! Antes, Kirby nos muestra que el mítico yeti es un inhumano, y cuando Johnny entre en Attilan, se lanzará contra la familia real de los Inhumanos sin atender a razones. Por suerte, la llegada del resto del grupo justo a tiempo conseguirá que la cosa no pase a mayores. Kirby es un maestro en las escenas de acción, pero la excusa para esta lucha de Johnny y los Inhumanos como digo es algo lamentable.
Y llegamos al número 100 de aniversario. En el que el Pensador Loco (¿Tras ser detenido en el número 96 no estaba en prisión?) y el Amo de las Marionetas se unirán para lanzar contra la Primera Familia un ejército de droides con la apariencia de villanos clásicos del grupo. De forma que en este número tendremos versiones robóticas de villanos como Doctor Doom, Namor, Kang, el Centinela Kreem el Hombre Dragón, el Super Skrull y muchos más.
Aunque este número se supone especial, en realidad es una grapa normal con 20 páginas de historia. Esto obligará a Kirby a dibujar por primera vez en muchísimo tiempo un montón de páginas con 9 viñetas, para poder mostrar todas las apariciones que van a incluir en este número. Esto provoca que el comic tenga un feeling diferente a los números precedentes. Y dentro de estar ante un comic super entretenido, la sensación es también de cierta intrascendencia, al terminar la amenaza tan rápido como empezó, sin llegar a detener a los villanos.
A pesar de ser números autoconclusivos y que los dibujos de Kirby están super bien pero no son magistrales, estos comics me han resultado super entretenidos. Me sigue sorprendiendo estar leyendo comics que se publicaron antes que yo naciera, y sean super disfrutones.
Llegar hasta el número 100 de Los Fantásticos es un sueño hecho realidad. Cuando empecé a comprar la Biblioteca Marvel, tenía claro que quería comprar todos los comics creados por Lee y Kirby. Algo que sucederá en el próximo número. Pero llegados a este punto, la verdad es que quiero comprar la colección hasta al menos el número 200, momento en que ya engancharía con los comic de Forum con los que inicié mi afición comiquera. Hemos tardado casi 4 años para llegar hasta el número 100, no me importa seguir comprando estos comics otros cuatro años más.
PUNTUACIÓN: CLÁSICO ABSOLUTO
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The Deadman de W. Maxwell Prince y Martín Morazzo, junto al color de Chris O´Halloran, está siendo una lectura totalmente atípica dentro del fondo editorial de DC Comics.
PUNTUACIÓN: 7.5/10
Tras el viaje en busca de la verdad del último número por el tortuoso y atroz terreno de Torment Town, Boston Brand debe equilibrar la balanza y abrirse camino hacia ese… otro lugar. Pero este no es el Cielo que conoces, tío. Prepárate para un Elíseo como nunca has visto, mientras el Hombre Muerto sigue desentrañando el misterio de los Devoradores de Almas… ¡y el Reino de los Vivos paga las consecuencias! Además: ¡una breve historia del Sr. M!
W. Maxwell Prince escribe en Brooklyn y vive con su esposa, su hija y dos gatos llamados Mischief y Mayhem. Es autor de ONE WEEK IN THE LIBRARY (Image), The Electric Sublime (IDW) y Judas: The Last Days (ibíd.). Cuando no está escribiendo, intenta plasmar toda la experiencia humana en forma de gráficos.
El artista argentino Martín Morazzo hizo su gran debut en los cómics estadounidenses con la saga de ciencia ficción ambiental de 2012, Great Pacific, la primera serie de Image Comics que co-creó con Joe Harris. Desde entonces, Martín ha co-creado Snowfall, una epopeya de ciencia ficción, nuevamente con Joe Harris e Image Comics, y la elegante serie de aventuras criminales, The Electric Sublime, con el escritor W. Maxwell Prince en IDW Publishing. Ice Cream Man, su nueva colaboración con W. Maxwell Prince, está siendo publicada por Image Comics. She Could Fly, una miniserie con el escritor Christopher Cantwell, co-creador y showrunner de Halt and Catch Fire de AMC, y la editora Karen Berger, también está siendo publicada por Berger Books, una editorial de Dark Horse Comics.
Tras el viaje al infierno del número anterior, en esta cuarta entrega Deadman viajará al cielo para exigir respuestas. En realidad no está claro que vaya a encontrarlas, porque ya se sabe que ante el vicio de pedir, está la virtud de no dar. La clave de todo es que el mundo espiritual está en crisis y Boston Brand sigue lejos de encontrar las respuestas que necesita. Aunque en esta grapa si va a encontrar un respiro que la dirá que su trabajo es importante a pesar de no saber toda la verdad sobre su cometido. Leyendo este comic me da la sensación que la clave para W. Maxwell Prince es ofrecer una historia super atípica que rompa siempre que pueda con los clichés pre-establecidos sobre un tema concreto. Lo hizo con el infierno, y en menor medida lo hace también con un cielo transformado en un paraíso de burocracia y papeleo. Respecto a Ice Cream Man, me flipa que esta historia no tiene el tono nihilista y desolador a pesar de compartir numerosos elementos.
Martín Morazzo y Chris O´Halloran son perfectos para transmitir lo diferente que es este comic. Como podéis ver en las páginas de muestra, para resaltar este elemento burocrático Morazzo plantea casi todas las páginas con estructura de 3×3 viñetas. Esto provoca que el comic se sienta monótono, al tener 18 páginas seguidas con 9 viñetas. Y diría que es justo la sensación que querían transmitir al lector, aunque en realidad me quedo con que este comic no fue tan chulo como los anteriores. Con todo, me gusta mucho como transmite la naturaleza juguetona y positiva de Deadman incluso a pesar de estar muerto y no tener un cuerpo físico. A la hora de plantear el tono de la historia, Morazzo está perfecto.
Dentro de la gran historia de descubrimiento de Deadman, me gusta que cada número sea un capítulo cerrado dentro del total, lo que ayuda a que la lectura sea satisfactoria. Tras este número, parece claro que Deadman está más perdido que nunca y no tiene ni idea cómo solucionar el problema existente en el mundo sobrenatural. Pero seguirá intentándolo. Tengo ganas de leer el próximo número, aunque tengo que reconocer que este número fue el menos bueno de la serie. Dicho esto, tengo mucha curiosidad con lo que este equipo creativo van a plantear para ESE personaje invitado en el próximo número.
Incluso aunque este número no está al nivel de los anteriores, me ha gustado. Y me tengo que quitar el sombrero con DC que están ofreciendo unas colecciones super diferentes entre si. No todo tiene que funcionarme, pero valoro muchísimo la clara apuesta por la variedad de DC. En la parte de la variedad, The Deadman es un éxito absoluto.
Comparto las primeras páginas del comic:
Cada número de The Deadman está planteando ideas y narrativas que sólo ofrecen a los lectores W. Maxwell Prince y Martín Morazzo. Y me encanta leer comics tan diferentes.
PUNTUACIÓN: 7.5/10
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Teniamos unas ganas locas de ver la cuarta temporada de Ted Lasso en Apple TV. Y el equipo femenino del AFC Richmond no ha decepcionado.
PUNTUACIÓN: 8/10
La temporada 4 de Ted Lasso se centra en la creación del nuevo equipo de fútbol femenino del AFC Richmond, conocido popularmente como las Lady Greyhounds, del que Ted será el entrenador y que se encuentra en la segunda división inglesa.
Ted Lasso es una comedia desarrollada por Bill Lawrence, Jason Sudeikis, Brendan Hunt y Joe Kelly (escritor de comics durante muchos años y creador de la exitosa serie de animación Ben 10) para Apple TV basada en un personaje del mismo nombre que Sudeikis realizó en una serie de promos para NBC Sports para la cobertura de la Premier League. Para esta cuarta temporada de 10 episodios, Jack Burditt fue contratado como productor ejecutivo y Showrunner. Los 10 episodios de esta temporada cuentan con guiones de Joe Kelly, Leann Bowen, Sasha Garron, Sarah Walker, Phoebe Walsh, Dylan Marron, Jane Becker, Bill Wrubel, Jamie Lee y Brett Goldstein, Jack Burditt y Julia Lindon, Brendan Hunt y Jason Sudeikis. Los directores han sido Declan Lowney, MJ Delaney, Ellie Heydon, Erica Dunton y Matt Lipsey.
Jason Sudeikis vuelve a su papel de Ted Lasso, el entrenador de fútbol americano universitario estadounidense que fue contratado para entrenar al AFC Richmond, y que en esta cuarta temporada volverá a Londres para entrenar el equipo femenino. Hannah Waddingham es Rebecca Welton, la propietaria del AFC Richmond, Brett Goldstein en el papel de Roy Kent, ex-jugador que ahora es el entrenador del equipo masculino del AFC Richmond, Brendan Hunt es el entrenador Willis Beard, el sensato y lacónico entrenador asistente de toda la vida de Lasso y amigo suyo de Peoria, Illinois. Juno Temple como Keeley Jones, directora de marketing del Richmond y el interés amoroso de Roy. Sobre estos 5 personajes se construye la serie.
En la parte de secundarios tenemos a Jeremy Swift como Leslie Higgins, el tímido pero peculiar director de operaciones futbolísticas del AFC Richmond, Annette Badland como Mae Green, la dueña del pub «Crown and Anchor» de Richmond; Adam Colborne, Bronson Webb y Kevin Garry como Basil «Baz» Primrose, Jeremy Blumenthal y Paul La Fleur, un trío de aficionados del AFC Richmond y clientes habituales del pub de Mae, que son el alivio cómico siempre que aparecen, Grant Feely como Henry Lasso, el hijo de Ted y Andrea Anders como Michelle (Keller) Lasso, la exmujer de Ted.
Los nuevos personajes de la cuarta temporada son interpretados por Tanya Reynolds como Alice Chilton, la inflexible entrenadora adjunta del equipo femenino del AFC Richmond; Abbie Hern como Gemma Jay, delantera del equipo femenino; Faye Marsay es Lizzie Davis, defensa central y capitana del equipo femenino, que además es madre soltera. Jude Mack es Katie «Boots» Quinn, la portera del equipo femenino del Richmond; Aisling Sharkey y Rex Hayes interpretan a Niamh y Siobhan Harrigan, gemelas que juegan en el Richmond. Shannon Hayes en el papel de Shannon Stone, la «chica del fútbol» que aparece de forma recurrente y con la que Ted se cruza de vez en cuando por Richmond. Shannon Hayes vuelve a su papel de Shannon Stone, la «chica del fútbol» que aparecía de forma recurrente en las primeras temporadas en el parque al lado de casa de Ted va a jugar también en el Richmond. Por último, Tracey Ullman es Zelda Southport, una empresaria tremendamente excéntrica que financia diversos equipos deportivos femeninos y que colaborará con el Richmond.
Ted Lasso es una de las series favoritas en mi casa. La comedia ambientada en el mundo del fútbol es una lección de vida y de humanidad que toda persona de bien debería ver. Y en esta cuarta temporada las dinámicas cambiarán con la creación del equipo femenino del AFC Richmond. Junto a Alice Chilton, la nueva entrenadora asistente que era jugadora hasta que una lesión de rodilla la obligó a retirarse, vamos a tener a un nuevo vestuario de nuevos personajes que tendrá que unirse por encima de las diferencias si quieren que el equipo triunfe.
La serie se construye bajo varios ejes. Por supuesto todo pasa alrededor de Ted, que ha conseguido que su ex-mujer Michelle y su hijo Henry se muden a Londres. El entrenador Beard seguirá con sus excentricidades sentimentales. Y la relación con la nueva entrenadora Alice Chilton va a dar momentos divertidos, emocionantes y super satisfactorios. Aparte de controlar su carácter, Alice tendrá que convencer a la delantera Gemma Jay, a la que maltrató cuando ambas jugaban juntas, para que juegue con el Richmond. Además de ganarse el respeto de sus jugadoras.
Rebecca Welton con su inseparable Higgins luchará por mantener el club, al tener que enfrentarse a problemas con el accionariado. Mientras, tendrá que decidir si quiere ser feliz con su novio el piloto Matthijs. Por su parte Roy Kent y Keeley tendrán que aclarar si son de verdad una pareja, o cada uno tendrá que construir su vida por su lado. Estos actores tienen un carisma tan enorme y sus personajes se han convertido casi en parte de la familia. Es por esto que sus pequeños o grandes éxitos los siento casi como propios. Y me alegra que la serie les de un final feliz, lo tienen más que merecido.
Los 10 episodios de esta temporada se me han hecho cortísimos. Ya podrían haber sido el doble. Las nuevas jugadoras traen consigo sus propios problemas y excentricidades, empezando por los problemas económicos derivados de los sueldos que cobran al estar en segunda división femenina. Me gusta mucho la capitana del equipo, Lizzie Davis, que es madre soltera y tiene todo tipo de problemas por ello. Las dinámicas de las gemelas Niamh y Siobhan Harrigan son super divertidas. La portera «Boots» Quinn que juega sin guantes me encanta.
Me ha gustado especialmente el detalle que los guionistas de la serie se hayan acordado de Shannon, la joven que jugaba con Ted en el parque y le daba una paliza todas las veces, y la hayan recuperado haciendo que se una también al equipo. Siendo sincero, tengo que reconocer que este equipo no tiene el carisma ni la gracia que tenía el equipo masculino, el ego de Jamie Tartt y sus choques con Roy eran espectaculares. Pero han formado un equipo que te alegra el corazón, no le puedo pedir más.
Dentro que la serie se mueve por terrenos ligeros, ha conseguido romperme el corazón en varios momentos. Principalmente en el noveno episodio en el que una muerte nos ha devastado. La muerte de ese personaje puede servir para solucionar un problema accionarial, pero sobre todo nos recuerda que la vida es un instante y por tanto hay que intentar vivirla al máximo desde el primer día. A pesar de todo, hay que celebrar que ese personaje vivió su vida como quiso y murió siendo feliz, por lo que no se le puede pedir más a la vida.
La serie quiere centrarse en el futuro del fútbol que es la sección femenina del Richmond. Pero los cameos de personajes del equipo masculino han sido una pasada. Jamie Tartt aparece en el sexto episodio, que nos da el que probablemente sea el mejor gag de la historia de toda la serie, con la excusa del Jump around de House of Pain. Y volver a ver al equipo masculino en el último episodio junto a Nate, me alegró el corazón. Es lo que tiene ver una serie con el corazón tan grande como el de esta serie.
De momento no se ha confirmado la renovación de Ted Lasso para una quinta temporada. En realidad, hay que decir que los guionistas han dejado a los protagonistas en un momento muy bueno, casi con el final feliz que todos merecen. Sin embargo, siempre hay nuevos desafíos, como ver al AFC Richmond jugar en primera división.
Ojalá Apple renueve pronto la serie y podamos verla el año que viene. Una serie tan buena es difícil dejarla ir. Aunque siempre podemos volver a verla, como a mi hijo le encanta volvimos a ver las primeras tres temporadas como adelanto de esta nueva temporada. Y la serie sigue siendo espectacular. La cuarta temporada ha estado a la altura de una serie que ya es histórica. Cuando se habla de «televisión de calidad», para mi es Ted Lasso.
Comparto el trailer de esta temporada:
Ted Lasso ha vuelto igual que siempre. Ojalá se confirme la quinta temporada, mi hijo y yo la veremos encantadísimos.
PUNTUACIÓN: 8/10
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Tenía ganas de ver Digger, la nueva película de Alejandro González Iñárritu (Birdman, El renacido) protagonizada por Tom Cruise. También reconozco que pensaba que era posible que no me fuera a gustar. Pero estaba totalmente equivocado.
PUNTUACIÓN: 8/10
El hombre más poderoso del mundo se embarca en una misión frenética para demostrar que es el salvador de la humanidad antes de que el desastre que ha desatado lo destruya todo.
Alejandro González Iñárritu (Ciudad de México, 1963) es un cineasta mexicano conocido por sus películas Amores perros (2000), 21 gramos (2003), Babel (2006), Biutiful (2010), Birdman (2014), El renacido (2015) y Bardo (2022). Los proyectos de Iñárritu han recibido elogios de la crítica y numerosos galardones, entre ellos cuatro premios Óscar, tres premios BAFTA y cuatro Globos de Oro.
Iñárritu concibió la idea de Digger tras trabajar en «El renacido» (2015). Escribió el guion junto con Sabina Berman, Alexander Dinelaris Jr. y Nicolás Giacobone, a partir de una historia de Iñárritu, Berman y Jez Butterworth. La película se rodó en el Reino Unido, contando con un enorme presupuesto que se comenta que puede ser superior a los 150 millones de dólares. En la película tenemos la fotografía de Emmanuel Lubezki, el montaje de Stephen Mirrione y Conor O’Neill y la música de Cosmo Sheldrake.
Tom Cruise es el omnipresente protagonista en el papel de Digger Rockwell, un acaudalado magnate petrolero cuya empresa provoca un desastre en Groenlandia que podría acabar con el mundo.
Riz Ahmed como el Dr. Nirav Ganesh, un científico y jefe de Seguridad Medioambiental de Digger; John Goodman como Compson, el presidente de los Estados Unidos; Sandra Hüller como Emma Rockwell, hermanastra y socia de Digger; Michael Stuhlbarg como Eddie, el vicepresidente de los Estados Unidos; y Jesse Plemons como Kenny Rockwell, completan el reparto en sus papeles principales.
Digger ha sido machacada por una parte de la crítica y el poco público que la vio en USA la ha calificado como la peor película de la carrera de Tom Cruise. Además, los medios oficiales se han recreado con el tremendo fracaso económico de la película, que se ha estrellado en la taquilla. Y reconozco que en parte, yo fui a verla temiéndome que no me fuera a gustar.
Me alegro de haberme equivocado, porque Digger es una película fascinante, que cuanto más pienso en ella, más me gusta. Dicho esto, entiendo por qué el público ha podido no conectar con la película, porque la propuesta de Alejandro González Iñárritu es excesiva, arriesgada, teatral y muy compleja. Con muchísima más crítica política y social de la que yo podía imaginar de inicio, y realizada de forma super inteligente.
Pero antes de nada, hay que levantarse a aplaudir a Tom Cruise por aceptar el papel más complejo de su carrera, que le ha servido para darnos un trabajo histórico. El protagonista Digger Rockwell es un ser despreciable que aparentemente siempre se ha salido con la suya. No se a quien me recuerda, actual presidente de los Estados Unidos. Incluso a pesar de las múltiples exageraciones, Digger no es una caricatura. Es una mala persona con una personalidad compleja que tiene un carisma que no debería tener. Incluso con las prótesis y las muchas capas de maquillaje, Tom Cruise llena la pantalla mostrando una vez más su categoría de ESTRELLA. Realizando un trabajo con muchos matices y a la vez super exagerado, amplificado por el giro de la película en que se descubre que Cruise está realizando un doble papel. Papel este segundo para el que incluso llega a cambiar el acento, resaltando que en realidad son dos personas diferentes. Cruise estaba en un momento en que podía elegir hacer cualquier cosa y eligió el «cine de prestigio». A pesar de lo que diga la actualidad, la apuesta le ha salido bien, porque actoralmente ha demostrado que puede hacer lo que quiera y el espectador lo va a flipar.
Digger es una película excesiva, empezando por su duración de 128 minutos. Para mi, esto sería lo que menos me ha gustado, reconociendo que se me ha hecho un poco larga. Más que la duración, lo que más me ha llamado la atención, en este caso para bien, es la sensación incómoda que el director Alejandro González Iñárritu ha planteado para su película. Debido a la sorpresa de la película, Digger plantea un ritmo a trompicones que también ayuda a la sensación de desequilibrio que se siente a lo largo de todo el metraje. Todo ello son elementos que hacen que los espectadores no estén recibiendo los feedbacks esperados leyendo la sinopsis, lo que también explica que la gente esté puntuando mal a la salida del cine al no recibir lo que imaginaba.
El aspecto visual y técnico es una sorpresa. Digger está rodada prácticamente toda en interiores, lo que aumenta la sensación teatral de la película. Sensación que acaba teniendo una confirmación, contando con las sorpresas que iremos conociendo. La fotografía de Emmanuel Lubezki me parece magistral y lo mismo para el inesperado diseño de producción. Hay un montón de planazos con unas composiciones de imágenes que casi parecen pensadas para salir en los hilos de «One perfect shot».
La película tiene una crítica política clara, en eso si hace lo esperado. En teoría a un empresario petrolífero que intenta solucionar un problema medioambiental que ha creado. Una crisis creada con la connivencia del poder político comprado por Digger durante décadas. La crítica al ala republicana y a los ultrareligiosos, uniendo por supuesto al presidente Trump, es super evidente. Imagino que esto ha restado espectadores y también explica la bajísima taquilla que está haciendo allí. El trabajo super exagerado de John Goodman como el presidente de los Estados Unidos Compson, es parte de la crítica a un establishment político que convierte el despacho oval en una secta religiosa. Como Digger dejó claro desde su primera imagen que se trataba de una farsa, la parte exagerada, super exagerada, de la película no me molestó. Al contrario, hizo que valorara la valentía de Iñárritu de hacer una película tan compleja y over-the-top. Sobre todo porque la película en realidad no nos cuenta esto. O al menos, no solo eso.
Hay metáforas visuales prácticamente en todo lo que vemos. Empezando porque el único amor en la vida para Digger es su gata Maggie. Una gata que se nos dice que tendría que haber muerto hace años y que Digger ha mantenido con vida artificialmente. De alguna manera, ¿Esto es una metáfora de la Naturaleza y como llegamos tarde para salvarla? No sólo eso, es que nos estamos engañando creyendo que podemos hacerlo. Entiendo que es algo evidente.
Si la película se quedara en esto, sería una más de las muchas películas que critican a los políticos ante los desmanes contra el medio ambiente. Pero Digger hace algo muy, muy interesante. Voy a comentar la sorpresa de la película, que puede decirse que es spoiler. Sigue leyendo bajo tu responsabilidad.
Supuestamente la película va de un magnate luchando para evitar el desastre que ha creado. Pero el giro magistral lo encontramos cuando descubrimos que en realidad estamos viendo un ensayo de una obra de teatro titulada Fossil Fools, que ridiculiza al personaje «real» de Digger Rockwell. Y que nos muestra que el realidad el desastre medioambiental sucedió sin que Digger o el gobierno de los USA pudieran evitarlo. Mostrando además un mundo que se ha ido a la mierda y que tiene que lidiar con las consecuencias creadas por unos poderosos que no han pagado por sus crímenes.
La sorpresa de estar en una obra de teatro conecta con el género de cine dentro de cine, y me resultó una maravilla. Al mismo tiempo, explica la sensación de What the fuck? que tenía en la primera hora, hasta que conocemos esta sorpresa. Y permite a Tom Cruise la maravilla de interpretar dos papeles, el de Digger Rockwell, o al menos una versión exagerada para ridiculizarle, y a Curtis Markson, el actor que le está interpretando.
Como sátira que es, lo que descubrimos no es sólo que los USA no evitaron el desastre, es que sabiendo que iba a suceder no hicieron nada para intentar que no se supiera que es responsabilidad suya. Lo cual es infinitamente más grave, y puede decirse que tiene una correlación directa para los líderes políticos. Por esto mueren centenares de miles de vidas en Europa, y nadie paga por este crimen. Por cierto, Europa no queda tampoco bien parada, al ser mostrada como una agrupación de burócratas incapaces de ponerse de acuerdo entre ellos que por supuesto no son capaces de defenderse a si mismos. La irrelevancia con que son(somos) mostrados los europeos debería levantar ampollas a nuestros políticos, si estos tuvieran la más mínima vergüenza.
El mundo se ha ido a la mierda, pero el sobrino de Digger sigue siendo multimillonario. Y dentro del desastre mundial, produce una obra de teatro que al menos alegre la existencia de la gente durante unas horas. Jesse Plemons interpreta a Kenny Rockwell y lo hace genial. Su monólogo final me parece brillante, es un gran actor. Y Kenny es una persona empática que se preocupa por la gente a su alrededor. Parece buen tío. Pero esto no debe ocultar la verdadera crítica de la película, el hecho que los millonarios que destruyeron el mundo siguen controlándolo. ¿Nos recuerda a alguien de Silicon Valley? De hecho, esto podría ser una metáfora de la misma existencia de la película, que nos entretiene y nos hace mirar hacia otra parte mientras el mundo se va a la mierda. O mejor dicho, el mundo ya se ha ido a la mierda y no nos lo queremos creer. O peor, hacemos como si aún tuviera salvación.
La crítica a los políticos es salvaje. Pero es incluso mayor la de los empresarios que quieren entretenernos mientras sus corporaciones son más poderosas que muchos países. Empresarios y corporaciones que sufren otro dardo antológico, cuando vemos que los mismos que contaminan crean otras empresas «verdes» que no sirven para nada y que hacen creer a la gente que están haciendo cosas positivas. Supuestamente luchando por la contaminación que ellos han creado, pero que sólo sirven de pantalla de relaciones públicas que muchos ilusos compran. Me parece una crítica magnífica, planteada de forma super inteligente.
Como digo, cuanto más pienso en Digger más interesante me parece. Pero esto no quita que tengo que reconocer que es una película que probablemente no vuelva a ver nunca más. Porque resulta tan excesiva que es agotadora. Su tamaño y ambición no evita que la película se me hiciera super largar sobre todo a partir que Kenny Rockwell realice su monólogo en el que explica los motivos de la existencia de esta obra de teatro. A partir de ahí, lo que se supone es el epílogo incluyendo la muerte de Digger, se me hizo bola.
También tengo que decir que el trailer posiblemente no haya mostrado el nivel de farsa que es la película, lo que ayudara a que algunos espectadores que esperaran ver una comedia sin más salieran espantadas. En realidad, nada de lo que vemos resulta gracioso, aunque yo reconozco que me reí un par de veces debido a la locura de algunas situaciones. En todo caso, la promoción no creo que sea un problema achacable a Iñárritu en absoluto, aunque si creo que explica las malas puntuaciones entre la gente que fue a verla.
Agradezco que se hagan películas arriesgadas como Digger. Ojalá el fracado monumental que le va a suponer a Warner no provoque de deje de apostar por este otro tipo de cine.
Comparto el trailer de la película:
Digger es incómoda, teatral y muy interesante. No volveré a verla pero me alegro de haberlo hecho.
PUNTUACIÓN: 8/10
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¡Feliz Domingo! Este fin de semana se está celebrando la New York ComicCon (NYCC), y nos ha traído un montón de noticias jugosas. Voy a aprovechar el formato de Reflexiones de domingo para comentar las más destacadas, empezando por el cambio de rumbo que promete Steven Wacker, en nuevo editor en Jefe de Marvel.
EL NUEVO EDITOR EN JEFE DE MARVEL STEVEN WACKER ADMITE LOS PROBLEMAS Y BUSCARÁ SOLUCIONARLOS
Con motivo del Retailer Day en la NYCC, el nuevo Editor en Jefe de Marvel Steven Wacker realizó el discurso de clausura de esta reunión con distribuidores y dueños de tiendas especializadas. En su discurso, Wacker admitió los problemas que mucha gente llevamos años criticando, afirmando que buscará solucionarlos en los próximos meses. Esto ya en si mismo ya es una buena noticia, porque no puede arreglarse lo que no se admite que está roto. Así que sólo por esto, es una buena noticia que merece la pena destacar. En todo caso, hay que recordar que los comics de los próximos 6-9 meses se decidieron bajo el mandato de C.B. Cebulsky, por lo que no sería justo empezar a pedirle cuentas hasta el verano de 2027. Momento en el que ya si podremos ver el resultado de las decisiones de Wacker.
El discurso de Wacker se dividió en varias partes. En primer lugar, Wacker quiso destacar el trabajo de los propietarios de tiendas de cómics. Para Wacker, tienen el trabajo más difícil de la industria, al tener que hacer sus pedidos con tres meses de antelación sin tener una idea clara de qué se venderá y qué no. Y que son la primera línea de promoción de los comics entre los clientes de las tiendas. Tratar a las tiendas con respeto en lugar de atacarles como se ha hecho cuando algún librero compartía alguna queja en redes sociales, (te miró a ti, Dan Slott, pero no solo a ti), es algo de cajón. Que NO es lo que Marvel estaba haciendo.
Bajo la dirección de Wacker, Marvel va a plantearse preguntas directas sobre cada nuevo número 1 que publique. Decidirán si los creadores están convencidos al 100 % de la idea y, en caso contrario, les darán más tiempo para que lo estén. Se preguntarán si pueden respaldar plenamente cada número 1 y darle el apoyo que se merece. Wacker admitió que esto podría traducirse en una reducción del número de títulos publicados. Esto da la razón a los que llevamos criticando que Marvel lleva años publicando demasiados comics mes a mes de calidad lamentable. Comics que parece que buscan inundar a los libreros para evitar que pidan de otras editoriales, aunque su calidad sea lamentable.
Hay que recordar que la última gran etapa de Marvel, Marvel Now, se cimentó bajo la idea que para competir con los 52 comics que DC decidió publicar, la mejor idea era publicar menos colecciones, pero de más calidad. Esto hace años que se perdió y se sustituyó por todo lo contrario, por lo que me alegro de este teórico cambio de rumbo. Digo teórico porque de momento es una declaración de intenciones, habrá que ver en qué se sustancia todo.
El siguiente tema que abordó Wacker fueron las portadas alternativas. Admitió que le encantan las portadas alternativas y no van a desaparecer. Aparte de tener la percepción que a muchos lectores ¿Compradores? también les gustan. A Wacker sí le preocupa el uso excesivo de las portadas alternativas, hasta el punto de que genere confusión sobre cuál es realmente la portada principal de un cómic. Señaló las portadas icónicas del pasado y cómo uno podía imaginárselas en la mente, pero cuando los cómics tienen tantas variantes, ese carácter icónico puede verse difuminado. Por tanto, a partir de ahora Marvel será más clara en cuanto a las portadas principales, adoptando el estándar del sector de «Portada A, B, C, etc.» para distinguir las portadas principales de las variantes. Atrás quedaron los días en los que se lanzaban sin sentido un sinfín de portadas para cada cómic.
Creo que las portadas alternativas están creando un nuevo mercado especulativo con muchas similitudes al final de los años 80 y primeros 90, en los que la industria acabó colapsando. Por eso, me gustaría que disminuyeran estas portadas, que están haciendo TODAS las editoriales. En todo caso, acepto que muchos ilustradores están ingresando un montón de dinero por estas portadas que les ayuda a conseguir su independiencia económica, cosa que me parece genial. Por tanto, lo ideal sería que hubiera un equilibrio. No es realista pretender que las portadas alternativas desaparezcan, pero al menos si que se redujeran a un máximo de 2/3 por número. Veremos.
A continuación, Wacker abordó el Universo Cinematográfico de Marvel (MCU). Los aficionados a los cómics de Marvel llevamos mucho tiempo quejándose de que los cómics se modifican para adaptarse al universo cinematográfico. En su primera reunión con Kevin Feige, a Wacker le dijeron que su trabajo no consistía en seguir el ritmo de las películas. Para reforzar esta idea, Feige asistió ayer a la Marvel Summit en Nueva York y les dijo a los allí reunidos que su trabajo consistía en ir 15 años por delante del universo cinematográfico. Marvel Comics debería ser el motor creativo. E incluso reconoce que en esa reunión se dijeron verdades dolorosas sobre el estado de los comics actuales. No puedo estar más contento si realmente estas intenciones se van a ver trasladadas a los comics de 2027.
A continuación, Wacker abordó el aspecto creativo de la editorial. Admitió con franqueza que Marvel no puede competir con la satisfacción que siente un creador al ser dueño de su propia obra. Pero sí puede ofrecer a los creadores la oportunidad de participar en la mayor historia narrativa jamás contada. Para reparar las relaciones con los creadores, Wacker planteó tres puntos principales: pagar a los creadores a tiempo, respaldarlos cuando las cosas se pongan difíciles y escuchar sus instintos y deseos creativos. Wacker prometió que el año que viene veríamos en los cómics de Marvel nombres que no habíamos visto en años y, en algunos casos, nunca antes. No cree en un estilo propio de la editorial y piensa que esta se beneficiará de ideas frescas y creativas.
Sinceramente, no veo que «pagar a tiempo» pueda ser algo positivo cuando debería ser lo mínimo exigible. Lo cual puede ser indicativo del nivel de degradación en que se encuentra Marvel ahora mismo. Escuchar a los creadores y pagarles lo que se merece también debería ser algo obvio. Porque la calidad hay que pagarla. Algo que Marvel no lo ha querido hacer tampoco, de forma que han sobrevivido gracias a contratar a gente mediocre. Esto también explica también el nivel de degradación en que se encuentra Marvel. Y aunque Wacker no lo ha dicho, creo que Marvel mejorará en el momento en que deje de contratar a gente mediocre que no sabe nada de comics por su pertenencia a colectivos «oprimidos. Y apuesten por los creativos que realmente amen a los personajes sin querer imponer una agenda ideológica. Seguro que así la calidad de los comics aumentará exponencialmente.
Por último, Wacker se refirió al cómic impreso como formato de futuro. Quiere aprender del manga, incluyendo su precio, tamaño y contenido. Parecía que tenía en mente sobre todo los cómics compactos, como los de DC. El anuncio de las nuevas ediciones en rústica «Brick» forma parte de estas iniciativas, pero hay más por venir. También hizo hincapié en que los cómics digitales deberían tener en cuenta las publicaciones físicas desde el primer momento. Reafirmó que el mercado se sustenta en los productos físicos y que Marvel seguirá centrándose en ello. Todo correcto aquí. Marvel parece haber entendido que el éxito de las Compact Editions de DC es precisamente por ser ediciones baratas. NO es asumible un mercado en que todo tomo que se publique lo haga en su versión de lujo.
Como comento, de momento no es más que una declaración de intenciones. Habrá que juzgar a Wacker por la forma en que esto se lleve a cabo, para ver si Marvel mejora, o estamos ante un canto al sol y todo sigue igual. En todo caso, que se acepten que estos problemas existen es la forma de solucionarlos. Así que tengo que aplaudir a Wacker, porque obviamente no va a salir a decir que lo anterior es una mierda. Pero esto es la forma más elegante de decir que Marvel tiene que cambiar respecto a lo que se ha estado haciendo en los últimos años.
DC COMICS ANUNCIA ABSOLUTE JUSTICE DE JASON AARON Y JUAN FERREYRA
El Universo Absolute de DC está a punto de ampliarse considerablemente. DC presentó Absolute Justice, una nueva miniserie de cinco número a cargo de Jason Aaron y Juan Ferreyra que reunirá a sus héroes, al tiempo que adelantó importantes novedades para «Absolute Batman», «Absolute Superman», «Absolute Wonder Woman» y otras.
Jason Aaron explicó que los creadores evitaron deliberadamente precipitarse a formar un equipo. En su lugar, han dedicado tiempo a desarrollar los personajes y sus mundos individuales antes de reunirlos. J’onn J’onzz, el Martian Manhunter del Universo Absoluto, será la fuerza impulsora detrás de la formación del equipo. Los creadores hicieron hincapié en que «Absolute Justice» no interrumpirá las series en curso con números cruzados. Snyder afirmó que seguir dando a cada título espacio para desarrollarse de forma independiente sigue siendo una prioridad. Aaron describió el proyecto como diferente de otros eventos en los que ha trabajado, sobre todo por la colaboración entre los equipos creativos del Universo Absoluto. La nueva serie explorará lo que ocurre cuando los héroes que viven en un mundo que se les pone en contra se dan cuenta de que deben luchar aún más duro.
Contar con Juan Ferreyra para dibujar este comic muestra que DC, al contrario que Marvel, SI está premiando el talento. Las ganas que tengo de este comic se sale de la escala.
DC ANUNCIA SUPERBOY PRIME SPECIAL DE JOSHUA WILLIAMSON Y DAN MORA
Superboy Prime ha sido el mejor personaje de 2026. Así que la noticia que DC va a seguir utilizándole en este especial creado por el equipo creativo de Superman que le lanzó al estrellato me parece un notición.
De la premisa sólo se sabe que «Prime intenta ir a su casa», pero ¿a qué precio?» Williamson y Mora podrían plantear una fiesta de pijamas, que lo compraría igual. Ganazas de comprar este especial.
IMAGE PUBLICARÁ OMEN BOUND, EL NUEVO COMIC DE JIM ZUB Y ALBERTO J. ALBURQUERQUE
Si seguís el blog ya sabéis lo mucho que me está gustando la actual etapa de Conan The Barbarian en Titan Comics escrita por Jim Zub. Así que la noticia que Zub estrena comic junto a Alberto J. Alburquerque ambientado en el mundo de la espada y brujería me llena de alegría. Omen Bound se publicará en marzo de 2027 y yo seré el primero en la cola para comprarlo.
En Omen-Bound, un grupo de hábiles guerreros y sacerdotes pertenecientes a una estricta orden religiosa debe escoltar a un peligroso prisionero sobrenatural de vuelta a su reino más allá de la realidad, pero cada paso que den hacia ese objetivo los pondrá a prueba de formas que nunca imaginaron y revelará secretos sobre ellos mismos y sobre la historia de su mundo que podrían salvarlos o condenarlos a todos. La historia combina elementos clásicos de espada y brujería con la intensa carga emocional de cómics como The Walking Dead. Es una lectura perfecta tanto para los aficionados a la fantasía de toda la vida como para los nuevos lectores, con un arte espectacular que acompaña un viaje predestinado lleno de acción épica y giros inesperados.
«Me encanta escribir historias en los numerosos reinos fantásticos que despertaron mi imaginación cuando era niño», afirmó Zub. «Pero siempre he tenido ideas que no encajaban ahí, otros temas que quería explorar y nuevos personajes a los que quería someter a duras pruebas, así que ha llegado el momento de dar vida a esas ideas. Tener la oportunidad de volver a Image y formar equipo con Alberto, la colorista Misty Coats y el rotulista Marshall Dillon en esta épica aventura me parece tanto un regreso a casa como el comienzo de algo especial».
Alburquerque añadió: «Cuando Jim me dijo que estaba desarrollando un nuevo proyecto, me sumé a él desde el principio. En cuanto me explicó de qué se trataba y me envió sus primeras notas, supe que me había tocado el gordo. ¡Este es un proyecto que me apasiona de verdad y lo estoy dando todo en cada página!».
¡Compra segura!
SKYBOUND ANUNCIA EL NUEVO SELLO SKYBOUND VISIONS
Skybound no para, y en la NYCC ha anunciado un nuevo sello en el que publicarán miniseries reimaginando algunos de sus principales iconos, en lo que espera que sean comics ideales para lectores veteranos y para nuevos lectores. De alguna manera, este anuncio me recuerda los comics What if? de Marvel, comics fuera de toda continuidad en los que los equipos creativos tienen libertad total (dentro de un límite, claro) para hacer los mejores comics posibles.
Los primeros anuncios han sido:
Transformers: Bumblebee – Lost Planet de Tate Brombal, Matt Emmons, Giovanna Niro y Becca Carey, llega a las tiendas el 27 de enero.
Tras un devastador ataque de los Decepticons, Bumblebee queda abandonado en un planeta inexplorado. Perdido en la galaxia, sin forma alguna de pedir ayuda, el llamado «más débil de todos los Autobots» debe enfrentarse a la misión más importante de su joven vida. Pero, bajo su superficie, este extraño planeta esconde un secreto que ya ha empezado a corromper y a alterar la vida autóctona. Ahora, la mayor esperanza de los Autobots debe residir en la transformación de su guerrero más inesperado… ¡si es que Bee consigue sobrevivir a la persecución del Decepticon más letal de todos!
G.I. Joe: The Island of Dr. Mindbender de Karl Kerschl, Doug Mahnke, Jaime Mendoza, David Baron y Tom Napolitano, llega a las tiendas el 2 de febrero.
El último equipo de Joes enviado a la isla del Dr. Mindbender nunca regresó… Ahora, «Nombre en clave: Flint» debe volver al servicio activo para dirigir a un nuevo grupo de reclutas hasta el complejo aislado de un loco. En la misión más mortífera de su carrera, Flint solo quiere rescatar a sus viejos amigos y volver con su familia. Pero en esta isla, sobrevivir no es solo la mitad de la batalla: ¡es toda la maldita guerra!
Turok: Son of Stone de Stephen Graham Jones, Leandro Fernández, Lee Loughridge y Tom Napolitano, llega a las tiendas de cómics el 10 de marzo.
Turok soñaba con que su excavación en Nuevo México lo convirtiera en una leyenda. Pero cuando el suelo cedió, cayó a través de la historia y aterrizó en un valle que no debería existir. Un lugar donde la Edad de Hielo se superpone a la era de los dinosaurios, y donde, a cada paso, descubre una era más antigua y más voraz que la anterior.
JASON AARON Y TIRSO CONS, CREADORES DE GREEN LANTERN: THE DYING OF THE LIGHT EN EL SELLO BLACK LABEL
Jason Aaron ha estado ocupado en los últimos meses, porque Ansolute Justice no fue su único anuncio en la NYCC.
¡DC Comics ha anunciado «Green Lantern: The Dying of the Light», una nueva serie de Black Label de 5 números a cargo de Jason Aaron y Tirso Cons, que se describe como una historia cruda sobre Hal Jordan, al estilo de Dark Knight returns, en la que Hal Jordan tiene una última misión tras haber estado 20 años encerrado.
En la presentación de DC se comentó que este comic ha estado en preparación desde hace dos años. Sin embargo, no puedo evitar reconocer que me molesta que el argumento de un Hal Jordan encarcelado coincida con lo que acaban de hacer en la serie de televisión de Lanterns. Por esto, aunque Aaron es uno de mis guionistas favoritos, estoy pensando si no será mejor esperar a leer las críticas antes de comprar este comic.
MARVEL ADELANTA EL EVENTO DE JUNIO 2027 CON EL SLOGAN «MAÑANA ESTÁ A UN DÍA DE DISTANCIA»
En la NYCC, Marvel se ha centrado en el exitoso lanzamiente de su nueva línea de terror Midnight. Además, ha anunciado varias nuevas series y novedades en las series en marcha que en realidad no pueden interesarme menos, como la nueva serie de Captain Marvel a cargo de G. Willow Wilson and Rachael Stott.
Pero el panel finalizó con un mensaje inquietante: «Este mes de junio, mañana está a solo un día de distancia. Apúntate la fecha. A nadie se le garantiza el futuro».
La imagen promocional que acompaña al mensaje muestra un gran número 1 con la palabra «día» debajo, junto a la fecha de junio de 2027. El eslogan reza: «Mañana está a un día de distancia». Curiosamente, el fondo incluye ilustraciones de varios cómics importantes de Marvel. La inclusión de estos títulos plantea dudas sobre si el adelanto apunta hacia una trama más amplia del Universo Marvel, una iniciativa editorial o algo completamente distinto.
Y lo primero en que pensé es en lo que decía más arriba sobre que no podríamos empezar a valorar el trabajo de Wacker como Editor en Jefe de Marvel hasta el verano de 2027. Parece que el inicio de su etapa si va a comenzar en verano. Habrá que estar atentos.
GRANT MORRISON GUIONIZARÁ JAMES BOND PARA IDW
En lo que bien podría ser la noticia más importante relacionada con el mundo del cómic de la NYCC 2026, IDW Publishing ha adquirido los derechos para publicar nuevas aventuras de James Bond. La editorial ha recurrido nada menos que al legendario guionista de New X-Men y Doom Patrol, Grant Morrison, para lanzar una nueva serie continua de James Bond.
Por el momento se conocen pocos detalles sobre la serie, empezando con el dibujante que acompañará a Morrison, el título oficial o la fecha de lanzamiento. Sin embargo, el mero nombre de Morrison ya es motivo suficiente para la expectación. Lo que sí sabemos es que la serie de Morrison comenzará con una historia de seis entregas titulada «Sunbreaker». El guionista ha adelantado sus planes para la serie en la siguiente declaración:
Soy fan de James Bond desde que tengo uso de razón y esta oportunidad de dejar mi propia huella en un personaje británico tan emblemático como el rey Arturo, Robin Hood o Sherlock Holmes era demasiado buena como para dejarla pasar.
Nuestra primera aventura, «Sunbreaker», compuesta por seis episodios, pretende crear una historia definitiva de Bond que incluya todo lo que los fans adoran del personaje y su mundo, al tiempo que añade mucho más. Prepárate para ver a James Bond en situaciones poco habituales, enfrentándose a enemigos desconocidos, en un mundo muy parecido al nuestro, pero reflejado en un espejo de feria mortal: un mundo de intrigas, violencia, traiciones y engaños. Un mundo por el que James Bond se desliza como un tiburón asesino entre pececillos. Carismático, despiadado, imparable. Con nuevos coches, nuevos artilugios y un nuevo y aterrador villano definitivo sacado directamente de los titulares, ¡prepárate para ser agitado y mezclado, mientras James Bond se enfrenta al mayor desafío de su vida en Sunbreaker!
Da igual cuando se publique. Casi hasta da igual el dibujante. Grant Morrison + James Bond = COMPRA SEGURA.
Como es habitual, Grant Morrison ha compartido en su newsletter su opinión sobre el final de Lanterns. Y me parece demoledora:
Hoy en día cuesta mucho mantenerme enganchado y yo también me quedé dormido durante los dos últimos episodios de «Lanterns» antes del final. No porque fueran aburridos, sino porque ver la tele me parece un momento muy agradable de relajación y desconexión. «Severance» era la serie que solía dejarnos a Kristan y a mí más dormidos. «Lanterns» funcionó como serie y eso se debe sobre todo a los dos protagonistas, especialmente a Kyle Chandler en el papel de Hal Jordan. Cuentan con un gran reparto secundario, lo cual ayuda, pero son los dos protagonistas, su química y su carisma lo que hace que la serie funcione; ¡así que quizá esas comparaciones con «True Detective» tenían algo de fundamento después de todo!
Dicho esto, no me gustó mucho el final, aunque todo estaba muy bien hilado. Me costó aceptar que el personaje de Kerry Kane, interpretado por Kelly McDonald, le disparara a Hal Jordan en la cabeza, y que todo el mundo pareciera aceptarlo sin más como un arrebato psicótico. Probablemente debería haber habido alguna reacción ante eso, porque, de lo contrario, resulta muy difícil para el público entender qué es lo que convierte al Cuerpo de Linternas Verdes en una agencia intergaláctica encargada de hacer cumplir la ley. ¿Ahora a los Guardianes les parece bien que asesinen a sus agentes, mientras que otros oficiales simplemente ignoran el hecho y dejan que los culpables queden en libertad?
Leí la explicación del escritor Tom King sobre por qué se tomó esa decisión —ella mató al hombre al que amaba y ya estaba sufriendo lo suficiente— y me pregunté cómo se aceptaría esa defensa en un tribunal tras un espantoso crimen pasional.
«El horror de haber asesinado a su mujer a sangre fría es castigo suficiente para este hombre, Su Señoría. Dejen que salga libre con un arma en la mano, y esperemos que nunca vuelva a ocurrir, ¿de acuerdo?».
Vi la serie; Kerry perdió los estribos de una forma que la hizo parecer desquiciada y disparó a un superhéroe en la cabeza por un capricho. John Stewart también dejó libre a Manhunter, sabiendo que algún día podría destruir el mundo. Para una serie que no trata sobre justicieros enmascarados con su propio código personal, sino que se centra en extraños policías espaciales que trabajan para un poder judicial interplanetario, fue un final moral y legalmente incoherente que eludió sus propias implicaciones y la premisa básica de la franquicia.
Hay rumores sobre una posible segunda temporada, pero incluso con el convincente Aaron Pierre, cuesta imaginar que la fórmula funcione igual de bien sin Kyle Chandler como Hal Jordan, y tendrían que encontrar la manera de recrear la asociación (Sinestro sí que dijo que podía devolver a Hal a la vida, así que quizá Hal como Parallax sería una buena opción, con John teniendo que salvarlo). Ya veremos.
¿Quién querría ver esta mierda? Yo no.
Hubieron un montón de anuncios más durante la NYCC, pero para mi estos fueron los más destacados. ¿Qué anuncios te han llamado más la atención?¿Qué comics esperas con más ganas? Espero tus comentarios.
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¡Saludos a todos!
Repaso a mi Sci-fi favorito: comics, películas, TV y libros
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