Crítica de Obi-Wan Kenobi episodio 6 (Disney+)

Desde cierto punto de vista, el sexto y último episodio de Obi-Wan Kenobi emitido esta semana en Disney+ podría ser el mejor hasta la fecha, pero lo cierto es que confirma todo lo bueno y lo malo que ha tenido la serie en su conjunto.

PUNTUACIÓN: 5/10

Artículo CON spoilers.

Parte VI. Un episodio lleno de acción

Episodio de 51 minutos (44 minutos sin los títulos de crédito finales, como siempre dirigido por Deborah Chow y con guion de Joby Harold, Andrew Stanton y Hossein Amini, con Joby Harold como creador y jefe de escritores.

En este final de miniserie, tenemos al reparto completo formado por Ewan McGregor como Obi-Wan Kenobi, Moses Ingram como Reva Sevander / Tercera Hermana, Vivien Lyra Blair como Leia Organa, Hayden Christensen como Anakin Skywalker, con James Earl Jones como la voz de Darth Vader, Kumail Nanjiani como Haja Estree, O’Shea Jackson Jr. como Kawlan Roken, Rupert Friend como el Gran Inquisidor, Joel Edgerton como Owen Lars, Bonnie Piesse como Beru Whitesun Lars, Jimmy Smits como Bail Organa y Simone Kessell como Breha Organa.

Como comentaba al principio, aunque con sus cosas buenas y reconociendo que este sexto episodio puede ser el mejor de la serie, no creo que este último episodio haga cambiar de opinión sobre la serie de Obi-Wan Kenobi al público en general, para bien o para mal. Empezando por los elementos positivos, confirmo que volver a ver a Ewan McGregor como Obi-Wan ha sido una pasada. Independientemente del guion en si, Ewan transmite un carisma alucinante, con unos matices interpretativos que están muy por encima del resto del reparto. En la comparación con El Libro de Boba Fett, Obi-Wan gana por goleada en lo relativo a la personalidad y empatía del protagonista.

Y si McGregor está muy bien, verle enfrentarse de nuevo contra Darth Vader es una pasada, incluso reconociendo que la ejecución del combate sea más bien montonera, como la serie en su conjunto. McGregor y Darth Vader son de largo lo mejor de la serie. La voz de James Earl Jones es histórica, la presencia de Vader impone lo que tiene que imponer y tener un último combate entre ambos es una chulada, consiguiendo un momento super emocionante entre McGregor y Hayden Christensen. Entiendo que esta serie está planteada para agradar a los fans de la trilogía precuela (Eps. I-III) y en este sentido entiendo que el climax de la serie habrá emocionado a más de uno. Entre los cuales no me incluyo.

Por cierto, reconozco que me equivoqué en la predicción que hice la semana pasada, ya que pensaba que Vader iba a aparecer solo de forma limitada en este episodio, dado que no tenía sentido que fuera a Tattoine donde pensaba que iba a suceder la mayor parte del episodio. Y aunque acerté en lo referido a que Vader no viaja a Tattoine y que allí el enfrentamiento es con Reva, tenía poco sentido no utilizar a Vader / Anakin en el climax de la serie, dado que eso precisamente es lo que el público demandaba. De hecho, me parece perfecto que el núcleo del episodio sea el combate entre Obi-Wan y Vader que sirve de revancha del episodio 3.

También comentaba en la reseña del quinto episodio que no creía que fueran a cuadrar el final de la serie con el principio de Star Wars Episodio IV Una Nueva Esperanza. Sin embargo, además del combate, la serie emplea una importante cantidad de tiempo y diálogos para intentar hacerlo, lo cual reconozco que es de agradecer. Empezando por la frase clave de Vader / Anakin a Obi-Wan «Yo no soy tu fracaso. Tú no mataste a Anakin, lo hice yo» que sirve dos propósitos: Primero, que Obi-Wan le dijera a Luke que Vader mató a Anakin y luego se añadiera la frase mítica de El Retorno del Jedi «lo que te dije era verdad, desde cierto punto de vista». Desde luego, por lo visto en la serie, en ese momento Vader así lo creía, y diría además que es la forma de verbalizar explícitamente que Vader quiere dejar de estar a la sombra de Obi-Wan. Pero además, esta línea de diálogo sirve para que Obi-Wan se quite el peso de encima de no ser responsable por el destino de su aprendiz, lo que hace que deje de estar deprimido como al principio de la serie y pueda forjar su propio camino al final de la serie.

También vemos en este episodio que Obi-Wan y Luke llegan a conocerse, de forma que además de darle la nave de juguete con la que juega Luke de joven en el Ep. IV, cuando R2D2 y C3PO hablan de Obi-Wan Luke conecta que se refieren al viejo Ben que él conoce. Y frente al interés de Obi-Wan de entrenar en la fuerza al niño Luke al principio de la serie (a pesar de su depresión), ahora que ya está bien habla con su tío Owen para decirle que ya si eso otro día. Que tenga o no sentido ya es otro cantar. Por último, en relación a Leia, Obi-Wan le dice que si alguna vez le necesita acudirá inmediatamente, pero tienen que ser cautos y nadie debe saber que se conocen, lo que justificaría que en el mensaje que entrega Leia a R2D2 hable formalmente y indicando la relación de Obi-Wan con su padre durante las Guerras Clon y no la suya. En resumen, aunque luego volveré a ello, es de agradecer que al menos superficialmente hayan intentado hacer que esta serie cuadre con el lore de la franquicia.

Por cierto, los cameos de Ian McDiarmid como el Emperador Palpatine y todo de Liam Neeson retomando su papel de Qui-Gon Jinn me parece que están bien, aunque sobre todo el de Qui-Jon me ha resultado un poco frío.

Reconozco que a nivel general el episodio me ha gustado, y dejando a un lado la ejecución de todo, al menos han intentado añadir un elemento emocional a la historia que afecta a todos los personajes, lo cual es de agradecer. Los elementos buenos de este episodio confirman una sensación que tenía viendo la serie estas pasadas semanas y es que en esta Obi-Wan existían los mimbres para una muy buena película de 100-120 minutos que se han ido un poco al traste al ser transformada en una serie de 6 episodios y una duración aproximada de 240 minutos. La síntesis en el entretenimiento es fundamental, y una historia que eliminara los numerosos momentos superfluos y los rescates repetidos hubiera ofrecido un mejor entretenimiento que el que hemos acabado teniendo.

Incluso confirmando que el episodio tiene cosas buenas, los diálogos, todas las situaciones y las transiciones de una escena a otra del guion de Joby Harold me han parecido flojísimas. Y aún peor es la dirección de Deborah Chow en la serie, con una ejecución lamentable impropia de Star Wars. En carisma Obi-Wan gana a Boba Fett, pero en todo lo demás la serie de de Filloni, Favreau y Robert Rodriguez supera ampliamente a esta serie. Y aunque me sabe mal decirlo, cuanto más alejados estén Harold y Chow de la franquicia de Star Wars, mejor para todos.

No es cuestión de hacer leña del árbol caído, pero como adelantaba la semana pasada, que Reva llegue a Tattoine (¿como lo hace estando herida? Da igual) antes que los rebeldes escapen del Destructor Imperial es penoso. En general excepto la parte emocional de Reva, todo su arco en Tattoine y su «combate» contra Owen y Beru está ejecutado de forma lamentable.

Otro elemento que me deja perplejo de este episodio conecta con Los Últimos Jedi, y es que aparte de la fallida trama en el casino de Canto Bight, creía que había bastante unanimidad en que uno de los peores elementos del guion del Rian Johnson era toda la parte de los rebeldes escapando en plan Battlestar: Galáctica de los Imperiales formando una caravana en el espacio. Que puestos a copiar algún elemento de esta película, Dios les libre de plantear algo original, elijan esto es ridículo siendo suave. Ya era ridículo en Los últimos Jedi, pero aquí alcanzan un nuevo nivel de vergüenza ajena al olvidarse Vader y todos sus subordinados que tienen cazas TIE que pueden perseguir y detener dos naves a la vez. Entre eso y que luego el Destructor Espacial que estaba en órbita desaparezca porque si para que Obi-Wan escape, hay tonterías por un tubo en el episodio para repartir. Y ya verás qué risa cuando Vader suba con su nave para que le curen y vea que le han dejado tirado en ese planeta inhóspito.

En este punto tengo que reconocer que estos elementos son aspectos secundarios de la trama, no lo más importante. Dicho esto, vuelvo al elemento central de la miniserie, el combate de Obi-Wan contra Vader. Y comentaba antes que al menos han intentado cuadrar el final de la serie con el principio de Star Wars, pero la verdad es que en este aspecto NO LO HAN CONSEGUIDO y es otro momento de bochorno. Recordemos que al final del Ep. III Obi-Wan cree que Anakin ha muerto quemado en Mustafar, no lo abandona a su suerte. Es su sentimiento de culpa por matar a su aprendiz (y amigo) y de derrota lo que 10 años después le provoca la depresión que vemos en la serie. Algo confirmado por la sorpresa (poco creíble por otro lado) del 2º episodio en el que Reva le dice a Obi-Wan que Anakin está vivo.

La frase «Yo no soy tu fracaso. Tú no mataste a Anakin, lo hice yo«, sirve para que Obi-Wan pueda dejar de sentirse culpable por Anakin / Vader y pueda labrarse un nuevo camino libre de culpas. Hasta ahí bien. Pero si Vader reconoce que él mató a Anakin y que no es responsabilidad suya, ¿por qué no mata Obi-Wan a Vader en ese momento? ¿Nadie en Lucasfilm ha caído en lo absurdo que es que Obi-Wan MATARA a Anakin en el Ep. III siendo su amigo y ahora que sabe que Vader es un señor oscuro Sith que ha masacrado a cientos / miles de Jedis durante los últimos años, Obi-Wan le deja marchar para que siga matando inocentes? Esto es otro de los WTF?! más bestias de la historia de Star Wars, porque se supone que la idea es luchar contra el Imperio en la medida de las capacidades de cada uno. Pero claro, en este momento lo prioritario es que todo tiene que cuadrar (más o menos) con Star Wars, y allí obviamente Vader estaba con vida, luego no había duda que en ese aspecto no había ningún margen con el que jugar. Lo que demuestra lo fallida que resulta la escena además de visualmente y en sus coreografías, en lo relativo al concepto en sí de lo que nos están mostrando.

Pero volviendo a la parte de «cuadrar narrativas», en Una Nueva Esperanza tenemos el siguiente diálogo antes del combate entre Vader o Obi-Wan:

-Darth Vader: «Te estaba esperando, Obi-Wan. Por fin volvemos a encontrarnos, ya se ha cerrado el círculo. Cuando me separé de ti no era más que el aprendiz, ahora YO soy el maestro».

-Obi-Wan: «Sólo maestro en maldad».

Si acabamos de ver en la serie que VADER NO es Anakin, (dicho por él mismo), Vader no se considera aprendiz de Obi-Wan sino discípulo de Palpatine, por lo que realmente la frase del Ep IV no tiene sentido. Aparte que Vader no «se separa» de Obi-Wan, ha sido derrotado y escapa con vida por los pelos. Realmente estas dos situaciones no encajan, no pueden hacerlo. Por cierto, tranquilos que tengo claro que esto mismo es aplicable con el final del episodio III con el comienzo del IV, no encajan en absoluto, y es uno de los motivos por los que no he vuelto a ver La Venganza de los SIths desde hace muchísimos años.

Pero esto no puede servir tampoco de cuartada de nada, que algo se hiciera mal hace 17 años no significa que tú puedas hacerlo mal en 2022, es al contrario. Justo porque eso se hizo mal tú (Lucasfilm) debería asegurarse de hacer las cosas bien AHORA. Es como cuando alguien me justificaba una ridiculez de una película actual porque el director quería homenajear algo de los 70-80. Y es lo mismo, en los 70 se hacía lo que se podía en el presupuesto y los medios a su disposición en ese momento, los que lo hacen mal a sabiendas con los recursos de 2022 no tienen justificación posible.

Obi-Wan ha sido una serie mediocre que no crea que vuelva a ver bajo ningún concepto. Casi diría que cuanto antes me olvide de ella, mejor. En este sentido, creo que la línea temporal de The Mandalorian es la buena en este momento y es en la que creo que me voy a centrar. Entre el Retorno del Jedi y la horripilante última trilogía hay ¿casi 20 años de diferencia? en los que hay muchísimo margen para crear historias ilusionantes y novedosas que merezcan la pena. Obi-Wan Kenobi muestra que el timeline entre los Eps. III y IV están demasiado constreñidos por la continuidad y por las pocas ganas de los ejecutivos de Lucasfilm de crear contenidos realmente originales. Y para ver series malas que copien peor elementos ya vistos en las películas clásicas, me quedo con las películas, obviamente.

Comparto el teaser trailer del episodio:

Teniendo cosas buenas todas ellas relacionadas con los dos protagonistas Obi-Wan y Darth Vader, lo cierto es que la última serie de Star Wars en Disney+ ha sido decepcionante debido a su deficiente guion y una dirección desastrosa. El tópico de «ocasión perdida» se queda muy, muy corto.

PUNTUACIÓN: 5/10

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¡Saludos a todos!

Crítica de Bone Parish 1, de Cullen Bunn, Jonas Scharf y Alex Guimaraes (Norma Editorial)

Hoy quiero compartir mis impresiones de la lectura del primer volumen de Bone Parish, el comic de Cullen Bunn y Jonas Scharf con colores de Alex Guimaraes publicado por Boom Studios que Norma Editorial nos trajo a España hace algún tiempo.

PUNTUACIÓN: 7/10

UNA NUEVA DROGA ESTÁ REVOLUCIONANDO LOS BAJOS FONDOS DE NUEVA ORLEANS. UNA DROGA HECHA CON LAS CENIZAS DE LOS MUERTOS

Se libran guerras por el control de su suministro y la demanda no deja de crecer. Mientras las distintas bandas criminales chocan, los usuarios empiezan a tener visiones terroríficas de muertos volviendo a la vida… a través de ellos.

El autor nominado al premio Eisner Cullen Bunn (Harrow County, El hombre vacío) y el dibujante Jonas Scharf se han unido para crear Bone Parish, una inquietante mezcla de terror y crimen que refleja con franqueza la manera en que nos conectamos, y desconectamos, del mundo que nos rodea.

Cullen Bunn escribe novelas gráficas, cómics, relatos y novelas. Es el autor de The Sixth Gun, The Damned, Helheim y The Tooth, publicados por Oni Press; Harrow County, publicado por Dark Horse (y Norma Editorial en España); El hombre vacío, The Unsound y Bone Parish, publicados por Boom! Studios; Dark Ark, Unholy Grail y Brothers Dracul, publicados por AfterShock Comics; Regression y Cold Spots, publicados por Image Comics. También ha escrito en series como Asgardianos de la galaxia y varias de Masacre para Marvel Comics.

De niño, Jonas Scharf se enamoró de los cómics y el dibujo, y como se pasaba el día soñando despierto, decidió que un día sería dibujante de cómics. Tras cumplir con las obligaciones habituales y obtener un título universitario, decidió dejar de ser responsable y dedicarse a los cómics. En 2016, poco después de graduarse, recibió su primera oferta de trabajo y no ha dejado de dibujar desde entonces. Por ahora, se le conoce por su trabajo en Warlords of Appalachia, War for the Planet of the Apes y Mighty Morphin Power Rangers, publicados por Boom! Studios. También ha hecho ilustraciones para los proyectos de mecenazgo Blood and Gourd y House of Waxwork de Waxwork Comics.

Bone Parish presenta una premisa super potente de Cullen Bunn sobre una familia mafiosa que ha creado una droga a partir de cenizas de muertos que permite al consumidor entrar en contacto con los recuerdos y las habilidades de los fallecidos. El comic tiene la virtud de encontrarse a medio camino entre la historia de terror y el noir criminal, con una familia criminal dirigida por Grace Winters, madre de 4 hijos involucrados en diferentes partes de negocio. Y aunque todos tienen sus secretos que acabarán saliendo a la luz, una de las cosas más chulas de este comic es que estamos ante malas personas haciendo actos de malas personas y que no dudan que vender esta nueva droga es algo malo que va a a acabar trayendo muerte y desgracia a las calles de Nueva Orleans. Y siguen haciéndolo sin problema.

Este primer volumen incluye los cuatro primeros comics de la serie regular publicada por Boom Studios, que consiguen establecer el tono y el nivel de amenazas a la que esta familia se va a enfrentar para mantener el control en Nueva Orleans. Aunque la historia pasa en un suspiro, realmente me ha dejado con ganas de comprar el siguiente volumen para saber cómo continúa la historia. Dada la ubicuidad de Cullen Bunn y la gran variedad de sus obras que hace que no siempre sepas con qué te vas a encontrar, en este caso me alegra comprobar que estamos ante el Bunn «bueno», que nos da una historia interesante con unos cliffhangers estupendos al final de cada grapa.

El apartado artístico formato por Jonas Scharf al dibujo y Alex Guimaaes al color lo encuentro bastante acertado y conectando con el tono oscuro de la historia. En todo caso, aunque me parece que Scharf y Guimaraes realizan un buen trabajo, no diría que el comic tiene un dibujo estupendo, caracterizandose más bien por su elemento funcional. Destacaría además unas estupendas portadas de Lee Garbett (entre otros), planteadas desde el simbolismo y la potencia visual y no tanto en mostrar algo que vaya a pasar en estas grapas.

Bone Parish es un comic ya cerrado en USA y en España en tres volúmenes, por lo que no tengo duda que compraré la serie en su totalidad en los próximos meses.

Comparto las primeras páginas del comics

Bone Parish resulta un concepto bastante interesante que ha conseguido llamar mi atención. Espero que en el segundo volumen sepa subir el nivel de tensión y amenazas.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Crítica de Nightwing 90-91 de Tom Taylor, Geraldo Borges y Adriano Lucas (DC Comics)

Tras el crossover de Nightwing con el nuevo Superman, Tom Taylor continúa las aventuras de Dick Grayson con una aparición invitada de excepción, Flash (Wally West) uno de sus mejores amigos desde los tiempos de los Nuevos Titanes, en una aventura en dos partes con dibujo del dibujante invitado Geraldo Borges y color del habitual Adriano Lucas.

PUNTUCIÓN: 7,5/10

Get Grayson Parte 3. Una historia de Nightwing y Wally West, ¡parte 1 de 2! Cuando es más fácil ir a comprar panecillos como Nightwing que como Dick Grayson porque todo el mundo quiere sacarle el dinero o matarlo por el precio de su cabeza, Nightwing se da cuenta de que necesitará la ayuda de sus amigos Titanes como guardaespaldas, y el primero en ofrecerse es, por supuesto, su mejor amigo… ¡Wally West, también conocido como Flash!

Get Grayson Parte 4. Tratar de salvar una ciudad que está aún más lejos de ser salvada que Gotham no es una tarea fácil, e incluso alguien como Nightwing necesita un día libre para relajarse con su mejor amigo y recargar energías, pero cuando tu mejor amigo es Wally West, también conocido como Flash, ¡una «recarga» podría no ser tan relajante!

Geraldo Borges (1981) es un dibujante brasileño activo en el mercado internacional del cómic desde 2007. Ha trabajado para algunas de las compañías americanas más importantes como DC Comics (Justice League, Aquaman, Nightwing, Batman & Robin Eternal, Superman, Wonder Woman, Mortal Kombat X), Marvel (Wolverine, Darth Vader: Dark Visions, Star Wars: Tie Fighter, X-Men Gold, X-Men Black: Apocalipsis, Nova), Dark Horse (Angel, Ghost) y Dynamite (Pathfinder). También es fundador de la academia de arte Quadriños Estudio Chile, y de la agencia ArtistGO.

Desde que Dick Grayson anunció que quería mejorar la vida de la gente corriente de Blüdhaven con su fortuna recién heredada, se ha convertido en un objetivo de Blockbuster, el mafioso que controla la ciudad. Este ha sido el argumento de Get Grayson, el arco actual de la serie que lleva desarrollándose en los últimos meses. El mes pasado DC puso en stand-by este arco al organizar el crossover de las series guionizadas por Tom Taylor, Nightwing y Superman. Este mes que se vuelve a la normalidad, Taylor continúa con la que es una de las señas de identidad de esta etapa, que es entroncarla profundamente en el centro de la continuidad DC aprovechando la larga lista de amigos y familiares de Dick.

Los Nuevos Titanes clásicos tuvieron una emocionante aparición en el número 88 salvando a Dick de los intentos de asesinato de Blockbuster, por lo que tiene todo el sentido que en otro momento de necesidad sea Wally West el que acuda en su ayuda. Como es habitual, Tom Taylor acierta de pleno a la hora de mostrarnos la amistad y complicidad que ambos personajes comparten, algo mucho más importante que ver cómo se enfrentan a los villanos de turno. Como en general toda la etapa, estos dos comics tienen un corazón enorme que consigue que un lector veterano de los comics de DC com yo me emocionara en varios momentos. Y no porque haya grandes emociones o dramas, sino simplemente por la alegría de ver a Dick y Wally ser ellos mismos. Es que no se puede pedir más.

Tras el crossover con Superman, estaba cantado que Bruno Redondo iba a necesitar un descanso, aunque le tenemos en las maravillosas portadas de estos dos números. El brasileño Geraldo Borges dibuja estos dos números y dentro de la decepción de no tener a Redondo, creo que es un acierto por parte de DC permitir que Borges dibuje el arco completo. Adriano Lucas colorea estos comics y mantiene la colorida paleta de la serie que muestra un mundo superheroico super colorido que no se avergüenza de serlo, lo que funciona de maravilla con la aparición de Flash en estos dos números. Borges me ha parecido un buen dibujante que cuenta razonablemente bien lo que pasa en la viñeta, consiguiendo transmitir la emoción de la amistad de Wally y Dick. Sin embargo, tanto en lo referido a la fluidez de las escenas de acción, a la narrativa y organización de las viñetas en la página o en las expresiones de las caras de los personajes se encuentra muy por debajo del nivel que nos está mostrando Bruno Redondo. A pesar de esto, considero que como artista invitado, Borges ha cumplido bien con el encargo de DC Comics.

Redondo vuelve a dibujar el próximo número, en el que espero que la trama de Get Grayson empiece a acercarse a su resolución. En todo caso, el nivel de disfrute que me está proporcionando este Nightwing es máximo.

Comparto las primeras páginas de esta aventura:

Nightwing continúa siendo una de las series más disfrutables de la DC Comics en continuidad. Super recomendable para todo tipo de lectores, para lectores veteranos como yo pero también para nuevos lectores que buscan engancharse a estos personajes.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de Bleed them dry de Eliot Rahal y Dike Ruan (Moztros)

Otra de las compras del pasado Comic Barcelona 2022 en el stand de Moztros fue la miniserie Bleed them dry de Eliot Rahal y Dike Ruan, con color de Miguel Muerto, una curiosa premisa de ciencia ficción que mezcla los vampiros, las artes marciales y el noir de investigaciones policiales.

PUNTUACIÓN: 7/10

¡El impecable tomo único Bleed Them Dry de Vault Comics llega de la mano de Moztros!

Bleed Them Dry es una epopeya de ciencia ficción futurista que toma aspectos de la mitología japonesa y occidental, y los converge en una narrativa con tintes policiales. Se nos presenta un mundo totalmente nuevo y único donde la detective Harper Halloway será la encargada de descubrir y capturar a un asesino en serie que está cazando y matando a sus compañeros inmortales, los vampiros que han estado viviendo pacíficamente junto a los humanos durante siglos. Bleed Them Dry es la combinación perfecta entre vampiros y ninjas dentro de una conspiración de intrigas y ciencia ficción. Basado en la creación de Hiroshi Koizumi (productor de contenido y CEO de una importante empresa en Japón) y con guión de Eliot Rahal (autor de Quantum & Woody, Ninjak y Bloodshot para Valiant), Bleed Them Dry nos deleitará con el arte de Dike Ruan (Amistoso Vecino Spiderman, Universo Spiderman y Gata Negra) y Miquel Muerto (uno de los artistas de Hay Algo Matando Niños).

Este tomo de 164 páginas con tapa dura contiene la miniserie Bleed Them Dry #1-6 USA.

Descubrí el tomo de Bleed them dry en el stand de Moztros en el pasado Comic Barcelona, y el concepto sumado a ojear páginas del comic y a la amabilidad de la gente del stand fueron suficiente para que me animara a comprarlo. Y la verdad es que el resultado final no ha estado a la altura de lo bien que luce el dibujo y la potente premisa que combina elementos tan dispares como la ciencia ficción, las artes marciales, los vampiros y el género policiaco.

Y es que lo que a priori es la gran virtud de Bleed them dry, la combinación de géneros, acaba convirtiéndose en el principal problema de una historia super confusa que no acaba de centrar ni acertar en el desarrollo de los diferentes elementos que presenta. Empezando por centrar la historia en la detective Harper Halloway que inicia la investigación cuando aparentemente (por la portada) el protagonista es otro, ninguno de los cuales tiene una caracterización demasiado interesante. Fruto de este mal desarrollo nos encontramos con una investigación criminal en la que cuando descubrimos quien fue el asesino no llegamos a saber los motivos que motivaron estos hechos, que quedan en un segundo plano ante la realización simplista de «es el malo». Tampoco el giro de lo que esconde este mundo en el que a priori humanos y vampiros viven en harmonía llega a impactar como debería, ya que no se construye el worldbuilding de forma adecuada. Y encima la propia premisa resulta un tanto imposible tal y como está planteada, rompe en parte la suspensión de credulidad.

Dike Ruan en los lápices con el color de Miguel Muerto creo que hacen un buen trabajo en el lado artístico, aprovechando los momentos que presenta el guion para lucirse en las numerosas splash-pages. Sin embargo, también es cierto que ambientar una historia en el siglo XXX y tener viñetas sin apenas fondos, de forma que no podemos apreciar este mundo futurista, resulta un pelín decepcionante. Creo que el confuso guion también provoca que algunas escenas no sean todo lo potentes visualmente que podrían haber estado, de forma que aunque el comic cuenta con un buen dibujo, tampoco es que me haya volado la cabeza.

Por cierto, dentro de todo tengo que destacar como muy positiva la estupenda edición de Moztros, que ha publicado el comic de 6 grapas USA en una edición de tapa dura y papel bueno por tan sólo 15.00 €uros. De hecho, aparte de lo que comentaba al principio, reconozco que por muy majos que fueran los chicos de Moztros, si el tomo hubiera valido 20/22 €uros como algunas ediciones de Panini, ECC o Planeta, no lo hubiera comprado. Es por esto que en este caso, la relación calidad / precio la encuentro ajustada, ya que precios de este tipo son los que ayudan a atreverse a comprar cosas nuevas.

Bleed them dry no me ha flipado a pesar de su buen dibujo, lo cual me parece una pena. Dicho esto, manteniendo estos precios y esta calidad, seguiré comprando más comics de Moztros y Vault Comics.

Comparto las primeras páginas del comic:

Bleed them dry no hay estado mal pero tampoco especialmente bien debido a un confuso guión que no ha sabido integrar correctamente las diferentes facetas de la historia.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Crítica de Lightyear de Angus MacLane

Lightyear dirigida por Angus MacLane es la primera película de Pixar que se estrena en cines desde la pandemia. Y lamentablemente se queda muy muy lejos de las mejores películas del estudio.

PUNTUACIÓN: 5.5/10

La historia del origen de Buzz Lightyear, el héroe que inspiró el juguete, y que nos da a conocer al legendario Guardián Espacial que acabaría contando con generaciones de fans. (FILMAFFINITY)

Buzz Lightyear es uno de los personajes más queridos de Pixar a partir de su aparición en la franquicia de Toy Story. Para dirigir su primera película en solitario spin-of de la franquicia de los juguetes, Pizar a elegido a Angus MacLane (1975) un animador, artista de storyboard, diseñador de personajes, guionista, director de cine y actor de doblaje estadounidense que ya codirigió la película Buscando a Dory (2016).

Además de dirigir, MacLane escribió el guion de la pelicula junto a Jason Headley y Matthew Aldrich. La película de 105 minutos cuenta con un presupuesto de 200 millones y montaje de Anthony J. Greenberg. Destaca sobremanera la música de Michael Giacchino que tiene el perfecto tono aventurero que necesita un personaje tan querido.

En las voces originales tenemos a Chris Evans como Buzz Lightyear. Uzo Aduba es Alisha Hawthorne, compañera de Buzz y su mejor amiga, mientras que Keke Palmer es Izzy Hawthorne, la nieta de Alisha. James Brolin da la voz al Emperador Zurg, el comandante del ejército robótico invasor a quien Lightyear tendrá que enfrentarse. Keira Hairston como una versión joven de Izzy. Peter Sohn da la voz a Sox, un gato robótico y compañero de Buzz, mientras que Taika Waititi es Mo Morrison, un ingenuo recluta en las fuerzas de defensa coloniales y Dale Soules es Darby Steel, un anciano convicto en libertad condicional que ha sido reclutado en las fuerzas de defensa coloniales.

Empezando los elementos positivos de la película, como no puede ser de otra manera, la animación de Pixar está a otro nivel. Todos los elementos que se ven parecen obra de un ingeniero, como si antes de animarlo lo hubieran construido primero para asegurarse que funcionaría. Los trajes, las naves o el propio planeta son alucinantes, y me gusta mucho también el diseño de los personajes. Empezando por supuesto por un Buzz Lightyear que suponía un desafío para los creativos de Pixar, ya que su imagen de juguete es super icónica y había que modificarla para que funcionara en esta aventura. Ver a Buzz como un Guardián Estelar de «carne y hueso» me funciona, lo cual era básico para que la película funcionara.

Lightyear plantea una historia bastante funcional en la que tanto el protagonista como el grupo disfuncional formado por Izzy, Mo, Darby, y Sox no dejan de equivocarse en casi todo lo que hacen. Al final Lightyear aprende que debe confiar en sus compañeros y ellos aprenden a sobreponerse a sus deficiencias para ayudar a derrotar a la amenaza de Zurg. Sin embargo, lo que en el papel es un argumento bastante funcional (y nada novedoso), no acaba de funcionar porque la película se olvida en la mayor parte del metraje plantear cosas realmente heroicas o entretenidas. Está muy bien la idea de sobreponerse a sus problemas, pero con todas las opciones a disposición de Pixar para crear una aventura espacial realmente emocionante y potente, el estudio de animación por primera vez en su historia ha errado con las elecciones creativas que han planteado.

Lightyear es una película moderadamente entretenida con el plus que supone tener una animación alucinante. Sin embargo, globalmente me parece que no funciona como entretenimiento para los más pequeños, repitiendo una tendencia de películas de Pixar como Soul. Fui a verla con mi hijo y a él no le acabó de gustar, y en mi caso de adulto también creo que la película no funciona, un fallo tremendo pensando que el público familiar que vamos al cine tenemos en este caso el standard de Toy Story, no el de las películas más adultas del estudio . ¿A qué es debido este problema?

La película empieza con dos líneas que explican la película: «En 1995, Andy recibió un juguete de su película favorita. Esta es esa película». Sin embargo, para supuestamente ser una película de los años 90, Pixar se ha olvidado de hacer una aventura sencilla como se hacían en esa época. De hecho, de aventura espacial tiene bastante poco, y como suele decirse está bien romper las expectativas, pero siempre que lo que hagas sea MEJOR. Cosa que no sucede en este caso. Empezando porque la película se empeña en reirse de Lightyear en lugar de intentar mostrarle desde una perspectiva heroica. Cosa que sin embargo sí plantean desde el primer momento con su compañera Alisha Hawthorne.

Una de las cosas que más han gustado de Top Gun Maverick aparte de todo, es que tiene claro qué tipo de entretenimiento ofrece y no necesita plantear un giro absurdo en el tercer acto para cambiar todo lo que pensábamos de la historia o el protagonista hasta ese momento. La historia de Maverick funciona en todo momento sin elementos rompedores o novedosos, o tal vez precisamente porque no los necesita para empezar. Esta lección no se la plantearon en Pixar y han intentado hacer una historia más compleja de lo que realmente era necesario, con una sorpresa realmente estúpida a partir de un giro al final del segundo acto que no funciona en el contexto de la historia tal y como lo han planteado.

El mensaje de Lightyear es que no tienes que obsesionarte con tu trabajo porque eso te hará perderte la vida que pasa a tu alrededor. Y como mensaje así en general no está mal. Pero Lightyear se ha perdido esa vida buscando el bien de sus compañeros. No es decisión suya perderse cuatro años cada vez que prueba el combustible que permite la velocidad hiperespacial clave para que puedan volver a la Tierra, sino que lo asume como su obligación. Lo cual es muy diferente. Es cierto que él también busca reparar el error que cometió al causar el accidente que dejó a su nave varada en el planeta. Un hecho en si mismo cuestionable, dado que están escapando de una amenaza planetaria ¿realmente es un error suyo o era algo inevitable dada la situación? Pero lo que hace Lightyear no es algo egoísta, gracias a esas pruebas y la investigación del gato robótico Sox, ¡acaban encontrando un combustible apto para el viaje interestelar! Gracias a él, por fin el contingente humano puede abandonar  T’Kani Prime.

Tras Toy Story, todos queriamos ver a Zurg como villano de la cinta, que es lo que se nos había prometido desde el principio de la franquicia juguetera. Pero la forma en que lo han usado en Lightyear es realmente tonta, con un giro ridículo absurdo siendo generoso. Y esto es un problema fundamental clave que rompe sin sentido la historia del personaje de Zurg y con él el de Buzz con algo que no era necesario para empezar.

SPOILERS A CONTINUACIÓN:

El giro que hacer que Zurg sea un robot manejado por una versión alternativa malvada de Lightyear del futuro es ridícula. Directamente. Entiendo que Pixar quería resaltar lo malo que es el concepto de un Lightyear obsesionado con «la misión», para que el protagonista reciba el empujón que le convenza que tiene que vivir la vida y confiar en sus compañeros. Pero realmente eso no era necesario ¡porque Buz ya lo estaba haciendo! Esta idea que el villano de una película de Buzz Lightyear es el propio Buzz puede ser una de las peores ideas de todas las malas planteadas por un gran estudio para una película mainstream de gran presupuesto como esta.

Pixar se había empeñado tanto en contarnos como el concepto del tiempo relativo tiene una base científica para justificar el salto de 4 años para Buzz (inciso, el concepto puede ser físicamente plausible, pero NO PARA LA SITUACIÓN QUE LA PELÍCULA PLANTEA), que meter porque sí la existencia de viajes por el tiempo en el tercer acto es realmente tonto y rompe esa supuesta plausibilidad científica.

A partir del giro de la película todo lo que nos cuentan es una absurdez tras otras que arruina la película. Empezando porque el Buzz malo se encuentra una nave de robots que aparecen no se sabe de donde y se adueña de ellos porque si. Incluso si el Buzz malo ganase, lo que conseguiría sería crear una nueva rama temporal, no cambiaría lo que acabamos de ver. O si, quien sabe, porque está tan mal contado que cualquier cosa es posible a estas alturas de la película. Han abierto una puerta a una situación ridícula que sin ser experto en el mundo de Toy Story diría que entra en contradicción con todo lo que nos habían contado de Zurg hasta ese momento, lo cual es otro fail absoluto.

Para empeorarlo todo, el final de la película en la que aparentemente el Comandante Burnside ha abandonado la investigación para encontrar el combustible hiperlumínico con el que volver a la Tierra es otro fail como una casa. Primero porque por un lado Lightyear y Sox ha demostrado que lo pueden fabricar en el planeta con los recursos disponibles. Pero lo principal es que abandonar la idea de volver a la Tierra si que niega todo el sacrificio previo de Lightyear a lo largo de la película. Lo cual por supuesto supone un problema. Otro más.

Pixar ha fallado de forma incomprensible con Lightyear. Y lo ha hecho con lo primero y principal, que es presentar un entretenimiento familiar para todas las edades a partir de un personaje super querido al que apenas le dan las herramientas para brillar en su propia película. Me quedo muerto pensando en qué momento del complejo proceso de crear una película mainstream como esta a los creativos de Pixar se les olvidó cual debía ser el foco principal. Si la idea debía ser contar una historia de origen de Lightyear que nos mostrara lo gran héroe galáctico que es, la verdad es que no lo han conseguido.

Y esto no puede saberme más mal, ya que tras dos años de pandemia, Lightyear debía ser la película que devolviera con éxito las películas de Pixar a las pantallas de cine, y al menos en su estreno ha conseguido unas cifras de taquilla por debajo de lo esperado. Confío que las cifras veraniegas y el comienzo de las vacaciones invitará a muchas familias a verla, pero no tengo claro que el boca a boca entre esas mismas familias vaya a ser del todo positivo. Qué pena.

Por cierto, se me olvidaba comentar que como podéis comprobar, creo que Lightyear tiene numerosos problemas todos ellos derivados de la historia. Lo que seguro no es un problema es la decisión de Pixar de mostrar a personajes variados en los relativo a raza, apariencia u orientación sexual. La que se ha formato por un beso entre dos mujeres que no puede ser más inocuo me parece algo asqueroso. Me parece perfecto que los personajes como en el mundo real sean lo más variados posible y creo que Disney / Pixar no debería abandonar esta senda.

Comparto el trailer de la película:

Lightyear no acaba de acertar la premisa de la película, lo que perjudica el disfrute de la película, algo que es la primera vez que sucede en una película de Pixar.

PUNTUACIÓN: 5.5/10

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