Crítica de Akira de Katsuhiro Otomo

Tenía muchísimas ganas de volver a ver  enpantalla grande Akira, la obra maestra de Katsuhiro Otomo estrenada originalmente japón en 1988. Y la experiencia ha sido una pasada.

PUNTUACIÓN: OBRA MAESTRA

Año 2019. Neo-Tokyo es una ciudad construida sobre las ruinas de la antigua capital japonesa destruida tras la Tercera Guerra Mundial. Japón es un país al borde del colapso que sufre continuas crisis políticas. En secreto, un equipo de científicos ha reanudado por orden del ejército un experimento para encontrar a individuos que puedan controlar el arma definitiva: una fuerza denominada ‘la energía absoluta’. Pero los habitantes de Neo-Tokyo tienen otras cosas de las que preocuparse. Uno de ellos es Kaneda, un joven pandillero líder de una banda de motoristas. Durante una pelea, su mejor amigo, Tetsuo, sufre un extraño accidente y termina ingresado en unas instalaciones militares. Allí los científicos descubrirán que es el poseedor de la energía absoluta. Pero Tetsuo, que no se resigna a convertirse en un conejillo de indias, muy pronto se convertirá en la amenaza más grande que el mundo ha conocido. (FILMAFFINITY)

Katsuhiro Ōtomo (Hasama, 1954), es un dibujante de manga, director de anime, y guionista tanto de manga como anime. Se le conoce principalmente por ser el director de Akira (1988), una de las películas más influyentes del anime, así como por ser el artista/guionista del manga homónimo (1982-1990). Más allá de Akira, Otomo dirigió, codirigió, produjo, escribió y guionizó películas reconocidas como Roujin Z (1991), Memories (1995), Metrópolis (2001) y Steamboy (2004).

Otomo escribió el guion de esta adaptación de su manga junto a Izō Hashimoto. La música es de Shoji Yamashiro, el sonido de Tokuya Shimada, la fotografía de Katsuji Misawa y el montaje de Takeshi Seyama. La película tiene 124 minutos de duración, muchísimo para la época. En su momento fue la producción más cara de la historia de Japón, teniendo que juntarse las empresas más importantes del entretenimiento japonés para juntas los casi 1000 millones de yenes que costó su creación. Un importa que fue recuperado debido al enorme éxito de crítica y público sobre todo en Japón.

La película de Akira se estrenó en Japón en 1988, aunque tardó años en llegar a Europa y en concreto a España. Es importante tener en cuenta que esta película se estrenó casi dos años antes que Otomo cuncluyera el manga, por lo que la historia tomó un camino separado. Dentro que muchos elementos parecen elementos resumidos de tramas vistas en la primera mitad del manga.

Vi Akira en 1992 en Barcelona aprovechando un viaje al Salón del Comic. La película de Katsuhiro Otomo me voló la cabeza y puede decirse que fue la puerta de entrada hacia las posibilidades narrativas y expresivas de las obras hechas en Japón. Si, por supuesto unos años antes se uní la la fiebre por Bola de Drac gracias a la emisión de TV3, pero Akira estaba a otro nivel. A lo largo de los años he leído un par de veces el manga y he visto varias veces la película, pero tenía muchas ganas de poder volver a ver la película gracias al reestreno de esta nueva versión remasterizada en 4K. Y la experiencia ha sido increíble.

La película en su momento fue un hito para el mundo de la animación. Es impresionante pensar en que cada fotograma de la película es una imagen dibujada a mano por una persona. El nivel de detalle de cada fotograma es mayor a cualquier cosa que pueda ser expresado. Las imágenes de Neo-Tokio, las manifestaciones y la represión policial, Los peleas de motos entre bandas rivales. Y por supuesto, la transformación de Tetsuo en un ser superpoderoso gigante. No hay palabras.

Comentaba que en su momento Akira fue la producción más cara de una película de anime estrenada en el cine. Y lo cierto es que todo eso lucía en pantalla. Desde luego yo nunca había visto algo así. Por supuesto, resulta super llamativa la hiper violencia de la película. De nuevo, algo poco habitual de ver en una película de animación. El nivel de muertes de la película es acojonante, impactando sobre todo las muertes causadas por Tetsu en el cuarto final de película, cuando su poder se desencadena. Pero las muertes causadas por la policía también son momentos super chungos.

La animación sigue siendo revolucionaria, y me ha volado la cabeza. Pero ha sido también una pasada volver a ver una película con una historia con múltiples jugadores en la que en realidad no puedes decir nunca que uno es el «bueno» y otro el «malo». Como en la vida real, tenemos a gente egoísta haciendo cosas por su propio interés que chocan con los deseos de otras personas.

Al acabar la película, un chaval sentado detrás mío comentaba a su grupo que no se había enterado de nada. Está claro que yo he visto la película varias veces, aparte de leído el manga. Pero diría que la película SI ofrece los detalles justos para que el espectador se haga con una idea general lo compleja de la situación política de Japón en 2019, cuando Tetsuo adquirirá sus poderes tras un accidente de moto y un encuentro con Takashi, un niño esper huido del laboratorio del gobierno donde vive.

Tras ser destruida Tokio en 1988 por el despertar de Akira, 2019 es un momento convulso en el que el país está a punto de caer en una dictadura militar debido a parálisis del gobierno. Al mismo tiempo, grupos extremistas quieren provocar una revolución que ni siquiera ellos saben cual es, mientras que políticos ambiciosos buscan aprovechar ese descontento en su propio beneficio. Al mismo tiempo, las sectas religiosas piden también una revolución. Y por si fuera poco, científicos embobados por el «sueño del descubrimiento» van a provocar una matanza al tratar con fuerzas que no pueden controlar, demostrando que no escarmentados con la primera masacre de 1988 que destruyó Tokyo por primera vez. De una manera u otra, todos van a conseguir lo que deseaban, pero los resultados no van a ser como ellos esperaban, al provocarse una nueva masacre que casi aniquila todo Tokio por segunda vez.

Otra de las cosas más llamativas para mi de Akira es ver una película en la que tenemos protagonistas, Kaneda y Tetsuo, pero desde luego no tenemos «héroes» ni «villanos». De hecho, Kaneda es un gilipollas macho alpha que trata mal a sus amigos. Y aunque intenta rescatar a Tetsuo tras ser detenido por el ejército, luego se enfada como lo haría un niño orgulloso de 10 años cuando Tetsuo rechaza su ayuda porque sus poderes le han convertido en más poderoso que él. Que Kaneda esté acostumbrado a mandar y no pueda mandarle a Tetsuo y por eso se enfade con él y busque matarle, me parece uno de los muchísimos detalles super complejos de la película que justifica su calificación para adultos. Calificación que una parte es por la violencia extrema y los momentos sexuales. Pero también por una historia super compleja, mucho más compleja que la media de películas occidentales de la época.

También Tetsuo merece un comentario, al ser un chaval con una infancia dramática al ser abandonado por su padre. Tetsuo vivió a la sombra de Kaneda odiándole y odiándose a si mismo por no poder defenderse por si mismo. Cuando reciba los poderes, vas a significar un chute de autoestima que va a provocar una masacre brutal. Kaneda puede ser una víctima de la sociedad brutal, pero al final eso por si sólo tampoco justifica sus acciones a lo largo de la película.

Dentro de los temas de la película, una parte por supuesto es el miedo nuclear, que sigue super presente en la sociedad japonesa. El miedo hacia los poderes de un estado onmipotente también está muy presente en la obra, como los problemas credos por científicos que juegan a ser Dios intentando controlar poderes que son incontrolables y que van a provocar la tragedia. Experimentando en niños inocentes, no nos olvidemos. Los problemas de la sociedad moderna en la que los jóvenes no encuentran su lugar dentro de la sociedad es otra idea muy potente de esta película.

Por todo esto y más cosas que podrían decirse de AKIRA, no tengo duda que estamos ante una OBRA MAESTRA ABSOLUTA del cine que ha aguantado de forma increíble el paso del tiempo.

Comparto el trailer de la película:

Volver a ver Akira en pantalla grande ha sido una maravilla. OBRA MAESTRA con todas las de la ley.

PUNTUACIÓN: OBRA MAESTRA

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Reflexiones de Domingo 14/2026: X-Men ´97 deja en mal lugar a los comics Marvel actuales

¡Feliz Domingo! Disney+ empezó a emitir la segunda temporada de la serie de animación X-Men ´97, que me está gustando bastante. Y viendo estos episodios y este universo en expansión y contenido en esta serie, no podía dejar de pensar en cómo el éxito de esta serie está dejando en mal lugar a los actuales editores de Marvel, que hace años que no saben publicar un comic que sea la mitad de bueno que esta serie de televisión.

No se si lo he comentado alguna vez, pero nunca vi la serie de animación de los años 90. En primer lugar, porque en esos momentos mi vida era muy complicada con la universidad, los estudios, el balonmano, mi afición a los comics y la vida en el mundo real. En realidad no tenía tiempo de ver televisión, pero esta serie en concreto me parecía un poco una herejía que como mucho era un trailer de algo mejor que ya había leído muchas veces. Y si nunca iba a ser mejor que los comics originales, ¿Qué sentido tenía ver la serie de televisión? No lo tenía, y por eso nunca la vi, ni siquiera ahora. Aparte de la falta de tiempo.

A pesar de todo lo anterior, hace dos años si me animé a ver la primera temporada de X-Men ´97 emitida en Disney+. Y la verdad es que me gustó, y me di cuenta que su principal virtud es tener el corazón en el sitio correcto. Sin embargo, esta temporada globalmente me parece que repetía en parte lo que hizo que no quisiera ver la serie en un principio, y es que quema arcos argumentales en un episodio, dejándote la sensación que estando bien, podría haber estado mejor si hubiera tenido una mayor extensión. Como en los comics, vaya. Si te interesa saber todo lo que me funcionó y lo que no de esta primera temporada, te invito a que leas mi largo artículo de 2024, que puedes leer aquí.

Dos años después, la segunda temporada de X-Men ´97 empieza donde se quedó la serie, con dos grupos de X-Men perdidos en el tiempo. Un grupo con Cíclope y Jean Grey en el lejano futuro donde coincidirán con su hijo Nathan, que está destinado a convertirse en Cable, y otro grupo con Charles Xavier y Magneto entre otros en el lejano pasado en el que Rama Tut dominaba Egipto, que vio el nacimiento de Apocalipsis. Y mientras, en el presente, Cable tendrá que formar a su X-Force para llenar el vacío existente e impedir la victoria de Apocalipsis.

De momento, Disney+ ha emitido 4 episodios, que me han parecido super entretenidos. Cada episodio ha contado una buena historia sin que sintiera que estaban «quemando» tramas, como en algún momento de la primera temporada. Pensando en el enorme giro final del cuarto episodio, creo que estamos ante una serie genial que transmite el carisma y la personalidad de los protagonistas y que traslada de forma acertada los motivos por los que los X-Men de Chris Claremont son uno de comics más míticos de Marvel Comics. El éxito para mi es absoluto.

La fuente del conflicto llegó con este twit:

Y aunque respeto al máximo la opinión de Master Wayne, en realidad no estaba nada de acuerdo con la segunda parte de su razonamiento. Si con el primero, porque X-Men ´97 me está gustando cada vez más. Lo que provocó que le respondiera en Twitter, algo que ha acabado siendo el germen de este artículo en el que voy a exponer mis ideas de forma más adecuada.

El primer elemento con el que no estaba de acuerdo es que para que la serie de animación de Disney+ promociona los comics Marvel, los comics tendrían que ser remotamente similares a la serie de animación, cosa que no sucede. De hecho, no pueden ser más diferentes, lo que provoca la confusión del posible lector. Hay ejemplos a patadas que una película o serie puede provocar un aumento exponencial del comic que adapta. Por ejemplo, Scott Pilgrim. O los comics de The Walking Dead e Invencible de Robert Kirkman. Sin embargo, a lo largo de los años hemos visto que el éxito de Los Vengadores del MCU no se trasladó a un aumento de los comics, que se encontraban en momentos super diferentes con alineaciones que no tenían nada que ver. Por lo tanto, NO. El éxito de esta serie no va a generar un aumento de ventas de los comics.

E incluso en el caso que un espectador despistado entrara a una librería especializada tras ver la serie de animación, no me creo que se ponga a comprar omnibuses de 50-60 euracos. No uno, varios. Que son ahora mismo la única opción disponible para que los nuevos lectores compren en USA y en España los comics míticos de Claremont y Byrne. No lo veo tampoco.

Sobre el Marvel Unlimited, aprovechando el twit con la imagen de la miniserie The Adventures of Cyclops and Phoenix de Scott Lobdel y Gene Ha que narraba las aventura en la línea temporal futura con un joven Nathan, para que un lector novato pueda leerla primero tiene que saber que existe. O si no nunca podrá buscarla dentro del buscador de la web. Para un espectador no acostumbrado a las dinámicas de los universos compartidos, la idea de que una historia empiece en una colección y tengas que saltar a otra para saber el final es una locura incomprensible. Que hace que la lectura de estos comics sea complicada e imagino frustrante.

En resumen, la idea que «la serie sirve para vender más comics» es más un wishful-thinking de lectores veteranos que una política llevada a cabo por los ejecutivos de Disney. Unos ejecutivos que en realidad sólo piensan en su negocio, que es hacer buenas series que provoquen que los espectadores nos suscribamos a Disney+ y mantengamos la suscripción y no la cancelemos tras ver una película o serie concrera.

De hecho, diría que unos de los motivos fundamentales por los que X-Men ´97 gusta tanto es porque tienes toda la experiencia contenida en una única serie. Ni spin-ofs, ni crossovers con otras cosas, el ideal de narrativa comiquera que ya no existe en los comics Marvel.

Y es ahora que llegamos al quid de la cuestión. X-Men ´97 es una serie estupenda que recrea el espíritu de aventura de los comics originales, con unos personajes maravillosos por los que te preocupas y con los que compartes su drama. Haciéndoles en algunos casos más guapos de lo que jamás fueron en los comics. Por ejemplo, la forma en que Júbilo da caña a los agentes de SHIELD en el segundo episodio de esta temporada, que mola mil. X-Men ´97 es un acierto total que nos da el entretenimiento que los comics Marvel no nos dan desde hace años.

Porque los comics Marvel están tan cegados con su agenda identitaria y su «importancia» social que se han olvidado en ser DISFRUTABLES. Y que han generado personajes olvidables que nos intentan vender no porque sean buenos personajes con historias y poderes interesantes, sino porque pertenecen al grupo identitario «importante» que quieren destacar en cada momento. Por eso la mayoría de personajes nuevos no están calando en los lectores, y cada vez menos lectores se animan no a comprar, ni siquiera a leer, el décimo reinicio de Capitana Marvel.

La serie de X-Men ´97 está respetando una historia y una continuidad líneal clara en un momento en que a Marvel parece que le moleste la continuidad. Algo que está provocando el rechazo de los lectores veteranos entre los que me incluyo. Aparte que ¿Para qué leer el siguiente evento de chorrocientos números que no va a importar a nadie? ¿O el siguiente reinicio que el siguiente equipo creativo que llegue a la colección va a desechar como si no hubiera sucedido? Si no les importa a los editores, ¿Por qué tendría que importarnos a los lectores? Por eso los lectores ni siquiera empezamos a comprar comics que pintan cutres debido a los autores mediocres contratados, y que todo sugiere que se cancelará en seis meses.

Durante años, algunos editores y escritores de Marvel se dedicaron a insultar a los lectores a los que luego pedían que gastaran su dinero para comprar sus comics. Tom Brevoort ha dicho (con razón) que si un comic no te gusta, lo mejor que puedes hacer en no comprarlo, porque no todos los comics tienen que ser para todo el mundo. Brevoort decía esto al mismo tiempo que afirmaba (también con razón) que prefería a los fans indignados que a los indiferentes. Porque si un fan se enfadaba con una determinada historia, es porque tenía una conexión emocional con ese personaje. Lo que pasa es que tras años de insultos, los lectores han hecho caso a Brevoort y están dejando de comprar comics ciertamente infumables. Y por eso mismo Marvel no consigue extender la mayoría de sus colecciones más allá de los 10 números, cancelando muchas a los cinco o seis números. No de personajes de segunda o tercera fila, también de Spider-Man. Como vimos en la petición desesperada de Dan Slott para que se pidiera su última colección o Marvel la cancelaría. El mismo Slott que hace unos años se reía públicamente de cualquier lector que planteara una crítica a su trabajo en Spider-Man. ¡Cómo han cambiado los tiempos!

El problema de diversidad está provocando que Marvel esté contratando a escritores y dibujantes no porque sean buenos profesionales en lo suyo, sino por pertenecer al grupo identitario correcto. De forma que da igual si Eve L. Ewing escribe comics aburridísimos para Exceptional X-Men, hablamos de una mujer afroamericana, el ideal de diversidad ahora mismo para cualquier empresa americana. Y lo mismo hemos visto con escritores y escritoras cuyo único mérito para ser contratados fue pertenecer al colectivo LGTBQ+. Normal que sus comics no haya quien los lea. O no respeten la historia de los personajes. Es que esas personas no quieren crear buenos comics, sino hablar de lo suyo. Algo que sería super respetable si lo hiciera en un comic de creación propia, pero no cuando cambian la esencia de personajes muy queridos por los lectores. Que Marvel contrate según criterios de «diversidad» que están por delante de la propia calidad individual de cada persona explica también el desastre en el que se ha convertido la actual Marvel Comics.

De forma que si. X-Men ´97 está dejando en mal lugar a Marvel Comics. Porque nos está recodando que no es tan difícil hacer buenas historias de los X-Men. Lo anómalo no es que la serie de animación de Disney+ sea buena, es que los comics Marvel estén siendo tan malos a lo largo de tanto tiempo. Sin que Marvel muestre síntomas de cambio de rumbo o de intentar escuchar la opinión y los gustos de los lectores compradores. Por eso mismo, ¿para qué leer un comic de X-Men de Gail Simone que es decepcionante casi siempre y desaprovecha a sus teóricos protagonistas, cuando puedes ver brillar a esos mismos personajes en la serie de televisión? Es que no hay color.

Aparte que la respuesta de Marvel ante las bajas ventas y la deficiente calidad media de sus comics esté siendo ampliar los eventos y las historias supuestamente «importantes», hasta el punto de solapar varias al mismo tiempo, es justo lo contrario que deberían hacer si realmente su objetivo es «hacer buenos comics». No, su objetivo cortoplacista pasa por vender todas las portadas alternativas posibles, que dejan claro que la parte de lectura de sus comics ha perdido la pelea frente a la vertiente coleccionista.

El orgullo es algo muy malo. Pero Marvel debería aprender las lecciones de esta serie de animación para intentar mejorar su línea editorial. Y digo esto porque la serie la está haciendo una empresa «hermana» de la Marvel Comics, al pertenecer todos a Disney. Porque lo que es imposible es que Marvel vaya a mirar lo que DC está haciendo bien para intentar copiarlo. Que es algo tan revolucionario cómo plantear comics con equipos creativos perfectos para ese personaje concreto, dando la misma importancia al dibujante que al escritor. Lamentablemente, no creo que vaya a suceder.

Mientras eso no pase, al menos podré seguir viendo X-Men `97.

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Crítica de Transformers 33 de Robert Kirkman y Jason Howard (Image Comics)

Transformers de Robert Kirkman y Jason Howard, con el color de Mike Spicer, sigue siendo uno de los mejores comics para leer mes a mes. Algo que el número 33 demuestra con creces.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

¡SE DESVELA EL NUEVO EQUIPO DE AUTOBOTS DE OPTIMUS!

Un nuevo equipo de Autobots permanece en la Tierra bajo el mando de Optimus. Pero, ¿podrán volver a unirse tras la batalla entre Optimus y Elita?

Trasnformers 33 muestra el potencial de la colección tras el giro cataclísmico que sufrió la colección en el número 30. De esta manera, tras el número 31 dedicado a Megatrón y el 32 centrado exclusivamente en Cybertron siguiendo a los autobots liderados por Elita Prime, en este número ya volvemos a una narrativa comiquera más tradicional, en la que todas las tramas argumentales se van a ir cruzando. Incluidas las de los decpeticons. Algo que yo lo prefiero.

Lo mejor de la lectura de este comic es que ninguna, en lo relativo a los autobots, se siente secundaria respecto a la otra. Por ejemplo, que en Cybertron asistamos al retorno de dos autobots a los que vimos en Void Rivals me parece un momentazo. Además de reforzar la idea de universo compartido, aunque luego cada colección vaya un poco a su aire. La llegada de Hot Rod y Springer puede provocar un cambio importante en la guerra de autobots y decepticons gracias al energon que han traído del Anillo Sagrado.

Tras perder el poder de Prime, resulta novedoso descubrir que la autobot más poderosa del grupo que se ha quedado en la Tierra NO es Optimus, sino Arcee Magnus. En este número me ha hecho una especial ilusión volver a ver a Spike y a Carly, los personajes humanos de la colección. También me parece una pasada la forma en que Optimus intenta aceptar su nueva realidad sin los poderes de Prime. Sin los poderes ni la sabiduría que conlleva. De esta forma, Kirkman plantea de forma notable que Prime no es menos poderoso, sino que además va a tomar más riesgos y es por tanto posible que le veamos equivocarse a partir de ahora.

Dentro de las 20 páginas del comic, Kirkman nos deja con un sorpresón en el lado de los decepticons, y nos muestra que el nuevo papel de Wheeljack como investigador en la Cybertron Shard situada en el océano Pacífico puede darnos muchas sorpresas. Me parece una pasada la cantidad de cosas que han pasado en las páginas de este número, todas interesantes. Y como siempre, el cliffhanger final hace la lectura del número siguiente una obligación.

En lo relativo al dibujo de Jason Howard con el color de Mike Spicer, es posible que mi ojo ya se haya acostumbrado al estilo de Howard, porque este número me ha gustado muchísimo. La aparición de los humanos Carly y Skipe también pueden haber jugado a favor del éxito gráfico del comic. Pero me encanta el entrenamiento de Optimus y la forma en que nos cuenta todas las tramas de la historia de Kirkman. Cuando se anunció que Howard iba a ser el nuevo dibujante titular de la colección me quedé muy tranquilo, y este número es la confirmación del potencial que Howard puede desplegar en esta colección.

Por ponerle un pero, o comentar algo menos bueno, yo NO soy un comprador de portadas alternativas, siempre que puedo elijo la portada A oficial del comic. Sin embargo, tengo que reconocer que las portadas de David Nakayama (D.NA) me están pareciendo super genéricas, hasta el punto de NO llegar a vender lo mucho que mola esta colección. Y no es que sean malas portadas, ojo, pero parecen más intentos de posters genéricos que un intento de sugerir el contenido del interior del comic. No es que sea un gran problema, pero tenía que comentarlo.

Con todo, comprar las grapas de Transformers es un placer tremendo que siempre acierta con la dosis de entretenimiento que ofrece, moviendo las diferentes tramas de forma interesante. No veo el momento de leer el próximo número.

Comparto dos páginas seleccionadas del comic:

Transformers es pura diversión. Me encanta.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

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Crítica de Superman 39 de Joshua Williamson y Dan Mora (DC Comics)

No hay malos personajes, sino creadores mediocres que no saben sacarles partido. Esto es justo lo que el comic de Superman protagonizado por Superboy-Prime nos muestra mes tras mes, gracias al trabajo del equipo creativo super estrella formado por Joshua Williamson, Dan Mora y Alejandro Sánchez.

PUNTUACIÓN: 9/10

SUPERBOY-PRIME CONTRA… ¿DC COMICS?

A Superboy-Prime le encantan los cómics. Es un «guerrero de los miércoles» y ha leído gran parte de la continuidad. ¡Pero un villano clásico de Superman ha desterrado a Prime a diferentes números que aún no ha leído! ¡Prepárate para un viaje alocado por el Universo DC mientras arrastran a Prime, que se resiste a gritos, a través de acontecimientos pasados, reinicios perdidos, relanzamientos y nuevos comienzos! ¡Si no encuentra el camino de vuelta a Metrópolis, se perderá para siempre!

Superboy-Prime puede ser el personaje que más rápidamente se ha convertido en uno de mis favoritos. Y es todo gracias al espectacular trabajo de Joshua Williamson y Dan Mora. Y Alejandro Sánchez en el color, claro.

El viaje de redención de Prime lo siento como sincero y emocionante. Y la sorpresa de tener que enfrentarse a un villano como Manchester Black, que simboliza lo peor de la época del grim-n-gritty, especialmente acertado a varios niveles. Empezando por el enfrentamiento de valores, con un Superboy-Prime defendiendo la idea de Superman de NO matar, mientras que Black simboliza todo lo contrario. La idea del antihéroe asesino que tanto gusta a gente como James Gunn.

Manchester Black sirve para que Williamson y Mora se recreen en el elemento más brillante del comic, que es la capacidad de Prime de saltar entre realidades rompiendo la cuarta pared, y que sabe que se encuentra dentro de un comic destinado al entretenimiento de los lectores que vivimos en la Tierra-Prime.

Manchester Black intenta usar los poderes de Prime para revivir, y para ello le hará vivir una tortura saltando entre realidades. Algunas que ya conociamos, y otras totalmente novedosas y super alucinantes. La forma en que Mora adapta su estilo para adaptarse al mundo que visita Prime me parece una maravilla. El dibujo de Mora como siempre es de diez. En la espectacularidad, en la emoción y también en el sentido del humor que plantea para este número.

Hay que quitarse también el sombrero ante el sobresaliente trabajo de Joshua Williamson. Por supuesto, hay una parte que es darle a Mora las herramientas para su lucimiento. Pero hay además un montón de buenas ideas, algunos chistes buenísimos, como la referencia a Tom King o a que los personajes nacidos en Annuales no les conoce nadie. Dentro del experimento narrativo que es ver a Prime saltar entre realidades, el comic nos plantea un par de momentos super dramáticos. Dentro que el final era casi el único posible, yo quiero plantearlo en positivo, porque nos deja con un cliffhanger monumental.

Me vuela la cabeza que estuviera disfrutando como un enano el comic de Superman protagonizado por Clark Kent, y lo esté disfrutando aún más ahora que tenemos a Superboy-Prime. Está claro que Clark acabará volviendo tarde o temprano. De hecho, viendo las solicitaciones de DC, va a ser más pronto que tarde. Pero Prime ha sido un descubrimiento alucinante. Por favor, DC. No dejéis que Prime caiga en el olvido, ¡¡quiero su serie propia ya!!

Comparto las primeras páginas de este número:

Superboy Prime está siendo un descubrimiento increíble gracias al magistral trabajo de Joshua Williamson, Dan Mora y Alejandro Sánchez. Ojalá esta etapa se alargue todo lo posible.

PUNTUACIÓN: 9/10

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Crítica de Void Rivals 31 de Robert Kirkman y Conor Hughes (Image Comics)

Tras el final de Quintesson War, Void Rivals se toma un respiro con un nuevo número centrado en Skuxxoid. Un número que podría pensarse que va a ser un fill-in sin interés y que Robert Kirkman, Conor Hughes y Patricio Delpeche convierten en la grapa más emocionante de toda la serie.

PUNTUACIÓN: 9/10

Los Liberadores Skuxxoides se han formado con un único objetivo: ¡derrocar a Skuxxoid Alfa y liberar a la raza skuxxoide de su dominio tiránico!

Es un enfrentamiento entre skuxxoides por todo o nada.

Void Rivals 31 es un gran comic.

Me flipa la forma en que Robert Kirkman ha transformado a un personaje como Skuxxoid que apuntaba a ser el alivio cómico de la serie, en un personaje super dramático que me ha llegado al corazón. La última vez que le vimos fue hace un año en el Void Rivals 19, un comic en el que tras conocer que Skuxxoid en realidad era un clon surgido a partir de un a parte del cuerpo de Skuxxoid Alfa, el anciano rey que controla y esclaviza a todos sus clones. Al final del comic, nuestro Skuxxoid se liberaba y decidía armarse para derrocar al tiránico líder.

En este número tenemos este enfrentamiento, que puede decirse que cierra la primera etapa del personaje. El comic me parece un prodigio de ritmo y de tensión emocional. En ese sentido, tras el inadecuado dibujo de Andrei Bressan en Quintesson War, me flipa poder volver a disfrutar del trabajo de un Conor Hughes que es perfecto para este comic. Un primer éxito de Hughes es tener un comic repleto de clones de un mismo personaje, y sin embargo, todo se entiende a la perfección sin perderte jamás.

Kirkman y Hughes dan en la diana con la narrativa de este comic, en el que en 20 páginas de historia tenemos 3 dobles splash-pages y sin embargo la sensación que tuve es que hubo mucho que leer porque la historia fue super emocionante. Y emociona por lo que pasa, pero también por el uso y el control dramático que estos autores plantean para cada pase de página. Aunque pudiera pensarse lo contrario, cada giro de página plantea una situación de WHOA!, o un momento dramático que funciona perfectamente. Kirkman, Hughes y Delpeche han conseguido llegarme al corazón con este número.

Y aunque una página se cierra, la historia de Skuxxoid no ha hecho más que empezar. Una historia que quiero pensar que va a volver a conectarse con el resto de protagonistas de Void Rivals. Qué bonito es leer un comic y que te sorprenda y emocione a partes iguales. Este comic me ha parecido espectacular.

Comparto las primeras páginas del comic:

Void Rivals es un comicazo, y el personaje de Skuxxoid se ha convertido casi sin pretenderlo en el M.V.P. del Universo Energón. ¡Qué sorpresón!!!

PUNTUACIÓN: 9/10

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Repaso a mi Sci-fi favorito: comics, películas, TV y libros