Hal Jordan se fue al espacio a una misión para entender qué sucede en su cabeza. Pero tranquilos, que Kyle Rayner se encarga de proteger la Tierra y a su compañera Odissey en sus aventuras en Hollywood. Unos comics super disfrutones de Jeremy Adams, Ig Guara, Montos y el color de Romulo Fajardo jr.
PUNTUACIÓN: 8/10
«VEN A CALIFORNIA», DECÍAN… «DISFRUTA DE LOS FUGITIVOS INTERGALÁCTICOS», DECÍAN…
Kyle Rayner ha vuelto a Los Ángeles, y no está solo: ¡la ladrona precognitiva conocida simplemente como Odyssey, la Bandida del Tiempo, le acompaña en esta aventura! Pero, ¿es Odyssey realmente mala hasta la médula… o esconde un secreto devastador con el que solo Kyle Rayner puede ayudarla? Kyle se enfrenta a un trabajo, a una tutoría, a docenas de alienígenas asesinos y… ¿a una federación de lucha libre? No… no, no, no… por favor, no nos digáis que Jeremy va a traer de vuelta a Omega Bam Man… ¡Con la participación especial de Flash, si te gusta ese tipo de cosas!
¡BIENVENIDOS A HOLLYWOOD!
¡El brillo! ¡El glamour! ¡El alienígena gigante que quiere matar a Odyssey! Espera… ¿qué? Para asegurarse de que su floreciente carrera siga… ya sabes… en auge, Odyssey, la Ladrona del Tiempo, tiene que dedicarse a la ronda de reuniones. Acompañada por Kyle, tiene que ir de un sitio a otro para asistir a cafés, almuerzos y cenas con el fin de codearse con los que toman las decisiones. Pero donde hay famosos, hay paparazzi… y alguien más. ¡Alguien que quiere impedir que la estrella de Odyssey brille en el firmamento de la fama!
¡KYLE RAYNER SE PONE MANOS A LA OBRA!
¿Cómo es encontrarse, después de unos años, con tu exnovia, que además es una superheroína y resulta ser la hija del Linterna Verde de la Tierra? ¡Pues ven con nosotros y descúbrelo mientras Jade vuelve para echar una mano y Kyle investiga una serie de asesinatos relacionados con varios locales de comida rápida por todo Los Ángeles!
Tras varios arcos en los que el destino del universo estuvo en juego, resulta super refrescante volver a la Tierra para ver una aventuras «pequeñas» protagonizadas por Kyle Rayner y su ahora compañero Odissey. La excusa de Rayner para volver a la Tierra es detener a unos prisioneros peligrosos que escaparon de OA. Esto le de la oportunidad a Kyle a volver a su casa en Los ángeles.
Kyle y Odissey son una pareja super chula, y que Odissey no sea de la Tierra le permite a Adams plantear una historia super divertida ambientada en la industria del cine, al convertirse de repente en una estrella al ser contratada por un productor como protagonista del último blockbuster de Hollywood. Los momentos ligeros y divertidos no ocultan que Odissey tiene una historia dramática que antes o después acabará saliendo. Empezando por el motivo por el que estaba escapando antes de ser detenida por los Green Lantern Corps.
En estos números tenemos la aparición especial de Flash en el número 34 y de Jade, la antigua novia de Kyle, en el 36. Y estas apariciones no rompen el ritmo frenético del comic, que ofrece siempre un estupendo entretenimiento que hace que merezca la pena leer la colección en este formato de grapa mensual.
En el apartado artístico, Xermánico de toma otro respiro durante este arco, que está dibujado por Ig Guara y Montos, con color de Romulo Fajardo Jr. Y dentro que ninguno de los dos tiene el nivel del dibujante español, creo que realizan un buen trabajo de caracterización de la pareja protagonista, además de transmitir el tono ligero que plantea Adams en su historia. Además, me gusta mucho el diseño «extraño» de los aliens que Rayner tiene que detener, mostrando algunos de los más feos y asquerosos que vi en mucho tiempo tiempo.
El comic tiene además varios momentos super divertidos que el arte del comic transmite con la gracia que debe tener la escena. Por todo ello, no siendo un dibujo TOP, si tengo que decir que he quedado bastante satisfecho.
Por cierto, si algo deja también claro la lectura de estos comics es lo buen guionista que es Jeremy Adams. Al que en realidad le da igual quien es el protagonista, porque consigue que conectemos al instante en este caso con Kyle Rayner. Me parece una pasada lo bien que está consiguiendo que me lo esté pasando con este comic de Green Lantern.
Comparto las primeras páginas del número 34 /601 de la numeración legado:
Jeremy Adams consigue que de igual quien es el protagonista de Green Lantern, el comic sigue siendo una pasada. Tras estos números, confirmo que ¡amo a Kyle Rayner!
PUNTUACIÓN: 8/10
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Joshua Williamson me está gustando muchísimo en Superman y G.I. Joe. Así que me he animado a comprar otros comics suyos previos, empezando por su etapa en The Flash, cuyo primer volumen Lighting strikes twice está dibujado por el italiano Carmine Di Giandomenico y color de Ivan Plascencia.
PUNTUACIÓN: 8.5/10
A medida que Barry Allen, también conocido como Flash, descubre más sobre la fuente que alimenta sus increíbles poderes, esa misma Fuerza de la Velocidad que fluye a través de él se desata por toda Central City, afectando por igual a policías, delincuentes y ciudadanos de a pie; ¡depende de Flash entrenar a esta nueva oleada de velocistas para que utilicen sus asombrosas habilidades con prudencia!
Pero mientras que algunos se convertirán en sus aliados en la lucha contra el crimen —formando una auténtica «Fuerza de la Velocidad»—, otros utilizarán sus poderes divinos con fines más siniestros. Y Flash está a punto de descubrir que hay un mal del que ni siquiera él puede escapar…
Mientras tanto, el Velocista Escarlata también está descubriendo secretos sobre su pasado que superan todo lo que jamás hubiera soñado: cómo creó un «Flashpoint» que cambió la historia y ayudó a crear un nuevo mundo, vigilado por fuerzas desconocidas.
¡La carrera ha comenzado! El guionista Joshua Williamson (Justice League vs. Suicide Squad) y el dibujante Carmine di Giandomenico (All New X-Factor) presentan The Flash Vol. 1: Lightning Strikes Twice, el punto de partida de una nueva y audaz era para el Velocista Escarlata, surgida del espectacular evento DC Universe Rebirth.
Este primer volumen recopila The Flash: Rebirth n.º 1 y The Flash n.º 1-8. ¡Ya está aquí un magnífico nuevo punto de entrada en The Flash, vol. 1: Lightning Strikes Twice, que forma parte de la aclamada por la crítica, superventas y totalmente nueva línea de novelas gráficas de primer volumen, DC Universe Rebirth!
DC REBIRTH fue el especial de mayo de 2016 con el que la editorial intentó dar un cambio de rumbo tras el destrozo que provocó el reinicio editorial de los Nuevos 52 en 2011. Este especial de 80 páginas creado por Geoff Johns, en un momento en el que todavía era jefe de algo en DC Comics, planteaba un retorno a líneas narrativas anteriores al rebirth, ofreciendo además unos perfectos puntos de entrada para nuevos lectores en las diferentes colecciones de la colección. En el caso de The Flash, la colección protagonizada por Barry Allen contaría con el equipo creativo de Joshua Williamson en el guion, Carmine Di Giandomenico en el dibujo e Iván Pascencia en el color.
Este primer arco Lighting strikes twice me parece una pasada en todos los aspectos. Como punto de inicio para nuevos lectores, el comic acierta completamente al mostrarnos el mundo de Barry Allen, un científico que trabaja como CSI en la ciudad de Central City. Este volumen muestra de forma maravillosa el complejo mundo de Flash, empezando con que su madre fue asesinada en el pasado por el villano ZOOM. Y como el descubrimiento de este hecho fue lo que provocó que Barry viajara en el tiempo para intentar cambiarlo, lo que provocó el FLASHPOINT y posteriormente el reinicio de los Nuevos 52.
En este mundo, Barry NO está casado con Iris West, siendo sólo amigos. El Wally West de esta realidad es el sobrino deIris, y es un joven afroamericano que va a recibir poderes de velocista sin que Barry lo sepa. Barry es amigo del detective de policía August Heart, un policía obsesionado con la muerte de su hermano también policía, un crimen que está sin resolver. En los laboratorios Star conocerá a la doctora Meena Dhawan, que ayudará a Barry cuando la ciudad sufra una explosión de velocistas debido a un suceso misterioso.
En la parte de los villanos, Black Hole es un grupo escindido de Star Labs liderados por el Doctor Joseph Kulver que busca apropiarse de una tecnología extremadamente peligrosas. Además, relacionado con Black Hole o no, este volumen va a servir como presentación del villano Godspeed, un velocista cuyos poderes le permiten además robar las habilidades a otros corredores, provocando sus muertes.
Williamson se confirma como un escritor todo terreno que equilibra perfectamente los momentos de acción con el desarrollo de personajes y la creación de momentos impactantes en todas las grapas. De hecho, consigue que la acción y el misterio me atrapara mientras leía. Cuando se descubre la identidad secreta de Godspeed, resulta la única opción posible. Pero al mismo tiempo, las cosas que estaban pasando en el comic eran tan entretenidas que no me dejaban tiempo para especular quien podría ser este villano. El trabajo de Williamson generando tensión y sorpresas continuas me parece muy muy bueno.
Otro elemento con el que estoy muy contento es que yo como lector me considero más fan del Flash Wally West que de Barry Allen. En número de comics leídos de uno y de otro, no hay color. Sin embargo, Williamson consigue que conectara con Barry inmediatamente. Y con el hecho que el hecho de ser super rápido no significa que no se equivoque y cometa errores. La humanidad de Barry y los problemas en que se va a meter es una parte muy importante del éxito de este comic.
En lo relativo al dibujo, el italiano Carmine Di Giandomenico me parece un acierto total. Y esto me recuerda que para participar en el podcast de Tomando un chiriflús, hace unos meses releí los comics de Peter David de X-Factor, incluido su último volumen dibujado por Di Giandomenico. Y en ese comento comenté que no siendo malo, el dibujo de Di Giandomenico no me pareció adecuado para X-Force, lo que hizo que no disfrutara de la lectura de esos comics. Sin embargo, la lectura de estos comics de The Flash es un placer gracias precisamente al dibujo del artista italiano. Esto me sirve para reconocer el trabajo de los editores, que empieza por contratar a los equipos creativos correctos para cada colección. De forma que. por ejemplo, Nick Dragotta está haciendo historia en Absolute Batman, pero probablemente hubiera fracaso si le hubieran puesto en Absolute Superman con Jason Aaron o en Absolute Wonder Woman con Kelly Thompson.
Di Giandomenico es perfecto para Flash. Sus páginas son super dinámicas y me flipa la forma en que muestra los poderes de Flash y en general la Fuerza de la Velocidad. Di Giandomenico acierta también con el diseño de los nuevos personajes, incluido un Godspeed que resulta familiar pero super amenazante al mismo tiempo. Además, su trabajo de caracterización de todo el elenco de secundarios me parece magistral. Me encanta la sensación de que Di Giandomenico había nacido para dibujar a Flash. Y en este volumen, destroza las ideas preconcebidas que se pudiera tener hacia su trabajo con unos comics de muchísima calidad.
Lamentablemente, Di Giandomenino no puede dibujar los 8 números de este arco, por lo que Neil Googe dibuja algunas páginas del número 4 y Felipe Watanabe, con entintado de Andrew Curry y Oclair Albert, dibuja el quinto número. Ambos artistas son muy inferiores respecto al nivel de Di Giandomenico, pero cubren razonablemente bien el fill-in.
Si tenía alguna duda sobre la etapa de Joshua Williamson en The Flash, este primer volumen me las ha disipado. Aparte de ser un gran comic, Williamson ha dejado semillas de lo que serán las siguientes tramas de la colección, algo que me encanta. La única duda puede estar en el dibujo, pero creo que estamos ante una etapa que puede estar genial.
En cuanto me lea el segundo volumen os comentaré en seguida qué tal. Porque por supuesto que merece la pena la compra y la lectura.
Comparto las primeras páginas del comic:
The Flash vol. 1 Lighting strikes twice me parece un principio de etapa magistral con un dibujo perfecto para el personaje. No se le puede pedir más a un comic de superhéroes.
PUNTUACIÓN: 8.5/10
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Tenía muchísimas ganas de volver a ver enpantalla grande Akira, la obra maestra de Katsuhiro Otomo estrenada originalmente japón en 1988. Y la experiencia ha sido una pasada.
PUNTUACIÓN: OBRA MAESTRA
Año 2019. Neo-Tokyo es una ciudad construida sobre las ruinas de la antigua capital japonesa destruida tras la Tercera Guerra Mundial. Japón es un país al borde del colapso que sufre continuas crisis políticas. En secreto, un equipo de científicos ha reanudado por orden del ejército un experimento para encontrar a individuos que puedan controlar el arma definitiva: una fuerza denominada ‘la energía absoluta’. Pero los habitantes de Neo-Tokyo tienen otras cosas de las que preocuparse. Uno de ellos es Kaneda, un joven pandillero líder de una banda de motoristas. Durante una pelea, su mejor amigo, Tetsuo, sufre un extraño accidente y termina ingresado en unas instalaciones militares. Allí los científicos descubrirán que es el poseedor de la energía absoluta. Pero Tetsuo, que no se resigna a convertirse en un conejillo de indias, muy pronto se convertirá en la amenaza más grande que el mundo ha conocido. (FILMAFFINITY)
Katsuhiro Ōtomo (Hasama, 1954), es un dibujante de manga, director de anime, y guionista tanto de manga como anime. Se le conoce principalmente por ser el director de Akira (1988), una de las películas más influyentes del anime, así como por ser el artista/guionista del manga homónimo (1982-1990). Más allá de Akira, Otomo dirigió, codirigió, produjo, escribió y guionizó películas reconocidas como Roujin Z (1991), Memories (1995), Metrópolis (2001) y Steamboy (2004).
Otomo escribió el guion de esta adaptación de su manga junto a Izō Hashimoto. La música es de Shoji Yamashiro, el sonido de Tokuya Shimada, la fotografía de Katsuji Misawa y el montaje de Takeshi Seyama. La película tiene 124 minutos de duración, muchísimo para la época. En su momento fue la producción más cara de la historia de Japón, teniendo que juntarse las empresas más importantes del entretenimiento japonés para juntas los casi 1000 millones de yenes que costó su creación. Un importa que fue recuperado debido al enorme éxito de crítica y público sobre todo en Japón.
La película de Akira se estrenó en Japón en 1988, aunque tardó años en llegar a Europa y en concreto a España. Es importante tener en cuenta que esta película se estrenó casi dos años antes que Otomo cuncluyera el manga, por lo que la historia tomó un camino separado. Dentro que muchos elementos parecen elementos resumidos de tramas vistas en la primera mitad del manga.
Vi Akira en 1992 en Barcelona aprovechando un viaje al Salón del Comic. La película de Katsuhiro Otomo me voló la cabeza y puede decirse que fue la puerta de entrada hacia las posibilidades narrativas y expresivas de las obras hechas en Japón. Si, por supuesto unos años antes se uní la la fiebre por Bola de Drac gracias a la emisión de TV3, pero Akira estaba a otro nivel. A lo largo de los años he leído un par de veces el manga y he visto varias veces la película, pero tenía muchas ganas de poder volver a ver la película gracias al reestreno de esta nueva versión remasterizada en 4K. Y la experiencia ha sido increíble.
La película en su momento fue un hito para el mundo de la animación. Es impresionante pensar en que cada fotograma de la película es una imagen dibujada a mano por una persona. El nivel de detalle de cada fotograma es mayor a cualquier cosa que pueda ser expresado. Las imágenes de Neo-Tokio, las manifestaciones y la represión policial, Los peleas de motos entre bandas rivales. Y por supuesto, la transformación de Tetsuo en un ser superpoderoso gigante. No hay palabras.
Comentaba que en su momento Akira fue la producción más cara de una película de anime estrenada en el cine. Y lo cierto es que todo eso lucía en pantalla. Desde luego yo nunca había visto algo así. Por supuesto, resulta super llamativa la hiper violencia de la película. De nuevo, algo poco habitual de ver en una película de animación. El nivel de muertes de la película es acojonante, impactando sobre todo las muertes causadas por Tetsu en el cuarto final de película, cuando su poder se desencadena. Pero las muertes causadas por la policía también son momentos super chungos.
La animación sigue siendo revolucionaria, y me ha volado la cabeza. Pero ha sido también una pasada volver a ver una película con una historia con múltiples jugadores en la que en realidad no puedes decir nunca que uno es el «bueno» y otro el «malo». Como en la vida real, tenemos a gente egoísta haciendo cosas por su propio interés que chocan con los deseos de otras personas.
Al acabar la película, un chaval sentado detrás mío comentaba a su grupo que no se había enterado de nada. Está claro que yo he visto la película varias veces, aparte de leído el manga. Pero diría que la película SI ofrece los detalles justos para que el espectador se haga con una idea general lo compleja de la situación política de Japón en 2019, cuando Tetsuo adquirirá sus poderes tras un accidente de moto y un encuentro con Takashi, un niño esper huido del laboratorio del gobierno donde vive.
Tras ser destruida Tokio en 1988 por el despertar de Akira, 2019 es un momento convulso en el que el país está a punto de caer en una dictadura militar debido a parálisis del gobierno. Al mismo tiempo, grupos extremistas quieren provocar una revolución que ni siquiera ellos saben cual es, mientras que políticos ambiciosos buscan aprovechar ese descontento en su propio beneficio. Al mismo tiempo, las sectas religiosas piden también una revolución. Y por si fuera poco, científicos embobados por el «sueño del descubrimiento» van a provocar una matanza al tratar con fuerzas que no pueden controlar, demostrando que no escarmentados con la primera masacre de 1988 que destruyó Tokyo por primera vez. De una manera u otra, todos van a conseguir lo que deseaban, pero los resultados no van a ser como ellos esperaban, al provocarse una nueva masacre que casi aniquila todo Tokio por segunda vez.
Otra de las cosas más llamativas para mi de Akira es ver una película en la que tenemos protagonistas, Kaneda y Tetsuo, pero desde luego no tenemos «héroes» ni «villanos». De hecho, Kaneda es un gilipollas macho alpha que trata mal a sus amigos. Y aunque intenta rescatar a Tetsuo tras ser detenido por el ejército, luego se enfada como lo haría un niño orgulloso de 10 años cuando Tetsuo rechaza su ayuda porque sus poderes le han convertido en más poderoso que él. Que Kaneda esté acostumbrado a mandar y no pueda mandarle a Tetsuo y por eso se enfade con él y busque matarle, me parece uno de los muchísimos detalles super complejos de la película que justifica su calificación para adultos. Calificación que una parte es por la violencia extrema y los momentos sexuales. Pero también por una historia super compleja, mucho más compleja que la media de películas occidentales de la época.
También Tetsuo merece un comentario, al ser un chaval con una infancia dramática al ser abandonado por su padre. Tetsuo vivió a la sombra de Kaneda odiándole y odiándose a si mismo por no poder defenderse por si mismo. Cuando reciba los poderes, vas a significar un chute de autoestima que va a provocar una masacre brutal. Kaneda puede ser una víctima de la sociedad brutal, pero al final eso por si sólo tampoco justifica sus acciones a lo largo de la película.
Dentro de los temas de la película, una parte por supuesto es el miedo nuclear, que sigue super presente en la sociedad japonesa. El miedo hacia los poderes de un estado onmipotente también está muy presente en la obra, como los problemas credos por científicos que juegan a ser Dios intentando controlar poderes que son incontrolables y que van a provocar la tragedia. Experimentando en niños inocentes, no nos olvidemos. Los problemas de la sociedad moderna en la que los jóvenes no encuentran su lugar dentro de la sociedad es otra idea muy potente de esta película.
Por todo esto y más cosas que podrían decirse de AKIRA, no tengo duda que estamos ante una OBRA MAESTRA ABSOLUTA del cine que ha aguantado de forma increíble el paso del tiempo.
Comparto el trailer de la película:
Volver a ver Akira en pantalla grande ha sido una maravilla. OBRA MAESTRA con todas las de la ley.
PUNTUACIÓN: OBRA MAESTRA
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¡Feliz Domingo! Disney+ empezó a emitir la segunda temporada de la serie de animación X-Men ´97, que me está gustando bastante. Y viendo estos episodios y este universo en expansión y contenido en esta serie, no podía dejar de pensar en cómo el éxito de esta serie está dejando en mal lugar a los actuales editores de Marvel, que hace años que no saben publicar un comic que sea la mitad de bueno que esta serie de televisión.
No se si lo he comentado alguna vez, pero nunca vi la serie de animación de los años 90. En primer lugar, porque en esos momentos mi vida era muy complicada con la universidad, los estudios, el balonmano, mi afición a los comics y la vida en el mundo real. En realidad no tenía tiempo de ver televisión, pero esta serie en concreto me parecía un poco una herejía que como mucho era un trailer de algo mejor que ya había leído muchas veces. Y si nunca iba a ser mejor que los comics originales, ¿Qué sentido tenía ver la serie de televisión? No lo tenía, y por eso nunca la vi, ni siquiera ahora. Aparte de la falta de tiempo.
A pesar de todo lo anterior, hace dos años si me animé a ver la primera temporada de X-Men ´97 emitida en Disney+. Y la verdad es que me gustó, y me di cuenta que su principal virtud es tener el corazón en el sitio correcto. Sin embargo, esta temporada globalmente me parece que repetía en parte lo que hizo que no quisiera ver la serie en un principio, y es que quema arcos argumentales en un episodio, dejándote la sensación que estando bien, podría haber estado mejor si hubiera tenido una mayor extensión. Como en los comics, vaya. Si te interesa saber todo lo que me funcionó y lo que no de esta primera temporada, te invito a que leas mi largo artículo de 2024, que puedes leer aquí.
Dos años después, la segunda temporada de X-Men ´97 empieza donde se quedó la serie, con dos grupos de X-Men perdidos en el tiempo. Un grupo con Cíclope y Jean Grey en el lejano futuro donde coincidirán con su hijo Nathan, que está destinado a convertirse en Cable, y otro grupo con Charles Xavier y Magneto entre otros en el lejano pasado en el que Rama Tut dominaba Egipto, que vio el nacimiento de Apocalipsis. Y mientras, en el presente, Cable tendrá que formar a su X-Force para llenar el vacío existente e impedir la victoria de Apocalipsis.
De momento, Disney+ ha emitido 4 episodios, que me han parecido super entretenidos. Cada episodio ha contado una buena historia sin que sintiera que estaban «quemando» tramas, como en algún momento de la primera temporada. Pensando en el enorme giro final del cuarto episodio, creo que estamos ante una serie genial que transmite el carisma y la personalidad de los protagonistas y que traslada de forma acertada los motivos por los que los X-Men de Chris Claremont son uno de comics más míticos de Marvel Comics. El éxito para mi es absoluto.
La fuente del conflicto llegó con este twit:
Y hay una versión de esas historias y de esos personajes que no está limitada por tiempo ni por presupuestos.
Solo necesitas invertir tus ganas de leer, tu imaginación y tu dinero para comprar esos tomos compilatorios.
Y aunque respeto al máximo la opinión de Master Wayne, en realidad no estaba nada de acuerdo con la segunda parte de su razonamiento. Si con el primero, porque X-Men ´97 me está gustando cada vez más. Lo que provocó que le respondiera en Twitter, algo que ha acabado siendo el germen de este artículo en el que voy a exponer mis ideas de forma más adecuada.
El primer elemento con el que no estaba de acuerdo es que para que la serie de animación de Disney+ promociona los comics Marvel, los comics tendrían que ser remotamente similares a la serie de animación, cosa que no sucede. De hecho, no pueden ser más diferentes, lo que provoca la confusión del posible lector. Hay ejemplos a patadas que una película o serie puede provocar un aumento exponencial del comic que adapta. Por ejemplo, Scott Pilgrim. O los comics de The Walking Dead e Invencible de Robert Kirkman. Sin embargo, a lo largo de los años hemos visto que el éxito de Los Vengadores del MCU no se trasladó a un aumento de los comics, que se encontraban en momentos super diferentes con alineaciones que no tenían nada que ver. Por lo tanto, NO. El éxito de esta serie no va a generar un aumento de ventas de los comics.
E incluso en el caso que un espectador despistado entrara a una librería especializada tras ver la serie de animación, no me creo que se ponga a comprar omnibuses de 50-60 euracos. No uno, varios. Que son ahora mismo la única opción disponible para que los nuevos lectores compren en USA y en España los comics míticos de Claremont y Byrne. No lo veo tampoco.
Sobre el Marvel Unlimited, aprovechando el twit con la imagen de la miniserie The Adventures of Cyclops and Phoenix de Scott Lobdel y Gene Ha que narraba las aventura en la línea temporal futura con un joven Nathan, para que un lector novato pueda leerla primero tiene que saber que existe. O si no nunca podrá buscarla dentro del buscador de la web. Para un espectador no acostumbrado a las dinámicas de los universos compartidos, la idea de que una historia empiece en una colección y tengas que saltar a otra para saber el final es una locura incomprensible. Que hace que la lectura de estos comics sea complicada e imagino frustrante.
En resumen, la idea que «la serie sirve para vender más comics» es más un wishful-thinking de lectores veteranos que una política llevada a cabo por los ejecutivos de Disney. Unos ejecutivos que en realidad sólo piensan en su negocio, que es hacer buenas series que provoquen que los espectadores nos suscribamos a Disney+ y mantengamos la suscripción y no la cancelemos tras ver una película o serie concrera.
De hecho, diría que unos de los motivos fundamentales por los que X-Men ´97 gusta tanto es porque tienes toda la experiencia contenida en una única serie. Ni spin-ofs, ni crossovers con otras cosas, el ideal de narrativa comiquera que ya no existe en los comics Marvel.
Y es ahora que llegamos al quid de la cuestión. X-Men ´97 es una serie estupenda que recrea el espíritu de aventura de los comics originales, con unos personajes maravillosos por los que te preocupas y con los que compartes su drama. Haciéndoles en algunos casos más guapos de lo que jamás fueron en los comics. Por ejemplo, la forma en que Júbilo da caña a los agentes de SHIELD en el segundo episodio de esta temporada, que mola mil. X-Men ´97 es un acierto total que nos da el entretenimiento que los comics Marvel no nos dan desde hace años.
Porque los comics Marvel están tan cegados con su agenda identitaria y su «importancia» social que se han olvidado en ser DISFRUTABLES. Y que han generado personajes olvidables que nos intentan vender no porque sean buenos personajes con historias y poderes interesantes, sino porque pertenecen al grupo identitario «importante» que quieren destacar en cada momento. Por eso la mayoría de personajes nuevos no están calando en los lectores, y cada vez menos lectores se animan no a comprar, ni siquiera a leer, el décimo reinicio de Capitana Marvel.
La serie de X-Men ´97 está respetando una historia y una continuidad líneal clara en un momento en que a Marvel parece que le moleste la continuidad. Algo que está provocando el rechazo de los lectores veteranos entre los que me incluyo. Aparte que ¿Para qué leer el siguiente evento de chorrocientos números que no va a importar a nadie? ¿O el siguiente reinicio que el siguiente equipo creativo que llegue a la colección va a desechar como si no hubiera sucedido? Si no les importa a los editores, ¿Por qué tendría que importarnos a los lectores? Por eso los lectores ni siquiera empezamos a comprar comics que pintan cutres debido a los autores mediocres contratados, y que todo sugiere que se cancelará en seis meses.
Durante años, algunos editores y escritores de Marvel se dedicaron a insultar a los lectores a los que luego pedían que gastaran su dinero para comprar sus comics. Tom Brevoort ha dicho (con razón) que si un comic no te gusta, lo mejor que puedes hacer en no comprarlo, porque no todos los comics tienen que ser para todo el mundo. Brevoort decía esto al mismo tiempo que afirmaba (también con razón) que prefería a los fans indignados que a los indiferentes. Porque si un fan se enfadaba con una determinada historia, es porque tenía una conexión emocional con ese personaje. Lo que pasa es que tras años de insultos, los lectores han hecho caso a Brevoort y están dejando de comprar comics ciertamente infumables. Y por eso mismo Marvel no consigue extender la mayoría de sus colecciones más allá de los 10 números, cancelando muchas a los cinco o seis números. No de personajes de segunda o tercera fila, también de Spider-Man. Como vimos en la petición desesperada de Dan Slott para que se pidiera su última colección o Marvel la cancelaría. El mismo Slott que hace unos años se reía públicamente de cualquier lector que planteara una crítica a su trabajo en Spider-Man. ¡Cómo han cambiado los tiempos!
El problema de diversidad está provocando que Marvel esté contratando a escritores y dibujantes no porque sean buenos profesionales en lo suyo, sino por pertenecer al grupo identitario correcto. De forma que da igual si Eve L. Ewing escribe comics aburridísimos para Exceptional X-Men, hablamos de una mujer afroamericana, el ideal de diversidad ahora mismo para cualquier empresa americana. Y lo mismo hemos visto con escritores y escritoras cuyo único mérito para ser contratados fue pertenecer al colectivo LGTBQ+. Normal que sus comics no haya quien los lea. O no respeten la historia de los personajes. Es que esas personas no quieren crear buenos comics, sino hablar de lo suyo. Algo que sería super respetable si lo hiciera en un comic de creación propia, pero no cuando cambian la esencia de personajes muy queridos por los lectores. Que Marvel contrate según criterios de «diversidad» que están por delante de la propia calidad individual de cada persona explica también el desastre en el que se ha convertido la actual Marvel Comics.
De forma que si. X-Men ´97 está dejando en mal lugar a Marvel Comics. Porque nos está recodando que no es tan difícil hacer buenas historias de los X-Men. Lo anómalo no es que la serie de animación de Disney+ sea buena, es que los comics Marvel estén siendo tan malos a lo largo de tanto tiempo. Sin que Marvel muestre síntomas de cambio de rumbo o de intentar escuchar la opinión y los gustos de los lectores compradores. Por eso mismo, ¿para qué leer un comic de X-Men de Gail Simone que es decepcionante casi siempre y desaprovecha a sus teóricos protagonistas, cuando puedes ver brillar a esos mismos personajes en la serie de televisión? Es que no hay color.
Aparte que la respuesta de Marvel ante las bajas ventas y la deficiente calidad media de sus comics esté siendo ampliar los eventos y las historias supuestamente «importantes», hasta el punto de solapar varias al mismo tiempo, es justo lo contrario que deberían hacer si realmente su objetivo es «hacer buenos comics». No, su objetivo cortoplacista pasa por vender todas las portadas alternativas posibles, que dejan claro que la parte de lectura de sus comics ha perdido la pelea frente a la vertiente coleccionista.
El orgullo es algo muy malo. Pero Marvel debería aprender las lecciones de esta serie de animación para intentar mejorar su línea editorial. Y digo esto porque la serie la está haciendo una empresa «hermana» de la Marvel Comics, al pertenecer todos a Disney. Porque lo que es imposible es que Marvel vaya a mirar lo que DC está haciendo bien para intentar copiarlo. Que es algo tan revolucionario cómo plantear comics con equipos creativos perfectos para ese personaje concreto, dando la misma importancia al dibujante que al escritor. Lamentablemente, no creo que vaya a suceder.
Mientras eso no pase, al menos podré seguir viendo X-Men `97.
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Transformers de Robert Kirkman y Jason Howard, con el color de Mike Spicer, sigue siendo uno de los mejores comics para leer mes a mes. Algo que el número 33 demuestra con creces.
PUNTUACIÓN: 8.5/10
¡SE DESVELA EL NUEVO EQUIPO DE AUTOBOTS DE OPTIMUS!
Un nuevo equipo de Autobots permanece en la Tierra bajo el mando de Optimus. Pero, ¿podrán volver a unirse tras la batalla entre Optimus y Elita?
Trasnformers 33 muestra el potencial de la colección tras el giro cataclísmico que sufrió la colección en el número 30. De esta manera, tras el número 31 dedicado a Megatrón y el 32 centrado exclusivamente en Cybertron siguiendo a los autobots liderados por Elita Prime, en este número ya volvemos a una narrativa comiquera más tradicional, en la que todas las tramas argumentales se van a ir cruzando. Incluidas las de los decpeticons. Algo que yo lo prefiero.
Lo mejor de la lectura de este comic es que ninguna, en lo relativo a los autobots, se siente secundaria respecto a la otra. Por ejemplo, que en Cybertron asistamos al retorno de dos autobots a los que vimos en Void Rivals me parece un momentazo. Además de reforzar la idea de universo compartido, aunque luego cada colección vaya un poco a su aire. La llegada de Hot Rod y Springer puede provocar un cambio importante en la guerra de autobots y decepticons gracias al energon que han traído del Anillo Sagrado.
Tras perder el poder de Prime, resulta novedoso descubrir que la autobot más poderosa del grupo que se ha quedado en la Tierra NO es Optimus, sino Arcee Magnus. En este número me ha hecho una especial ilusión volver a ver a Spike y a Carly, los personajes humanos de la colección. También me parece una pasada la forma en que Optimus intenta aceptar su nueva realidad sin los poderes de Prime. Sin los poderes ni la sabiduría que conlleva. De esta forma, Kirkman plantea de forma notable que Prime no es menos poderoso, sino que además va a tomar más riesgos y es por tanto posible que le veamos equivocarse a partir de ahora.
Dentro de las 20 páginas del comic, Kirkman nos deja con un sorpresón en el lado de los decepticons, y nos muestra que el nuevo papel de Wheeljack como investigador en la Cybertron Shard situada en el océano Pacífico puede darnos muchas sorpresas. Me parece una pasada la cantidad de cosas que han pasado en las páginas de este número, todas interesantes. Y como siempre, el cliffhanger final hace la lectura del número siguiente una obligación.
En lo relativo al dibujo de Jason Howard con el color de Mike Spicer, es posible que mi ojo ya se haya acostumbrado al estilo de Howard, porque este número me ha gustado muchísimo. La aparición de los humanos Carly y Skipe también pueden haber jugado a favor del éxito gráfico del comic. Pero me encanta el entrenamiento de Optimus y la forma en que nos cuenta todas las tramas de la historia de Kirkman. Cuando se anunció que Howard iba a ser el nuevo dibujante titular de la colección me quedé muy tranquilo, y este número es la confirmación del potencial que Howard puede desplegar en esta colección.
Por ponerle un pero, o comentar algo menos bueno, yo NO soy un comprador de portadas alternativas, siempre que puedo elijo la portada A oficial del comic. Sin embargo, tengo que reconocer que las portadas de David Nakayama (D.NA) me están pareciendo super genéricas, hasta el punto de NO llegar a vender lo mucho que mola esta colección. Y no es que sean malas portadas, ojo, pero parecen más intentos de posters genéricos que un intento de sugerir el contenido del interior del comic. No es que sea un gran problema, pero tenía que comentarlo.
Con todo, comprar las grapas de Transformers es un placer tremendo que siempre acierta con la dosis de entretenimiento que ofrece, moviendo las diferentes tramas de forma interesante. No veo el momento de leer el próximo número.
Comparto dos páginas seleccionadas del comic:
Transformers es pura diversión. Me encanta.
PUNTUACIÓN: 8.5/10
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