Salvajes Vengadores 13-19 de Gerry Duggan (Marvel Comics – Panini)

En estos tiempos de evento y comics que hay que leer porque son “importantes”, hoy quiero reivindicar una de las series actuales de Marvel Comics publicadas en España por Panini, que más disfrute me está ofreciendo todos los meses: Salvajes Vengadores, el comic de Gerry Duggan que nos cuenta las aventuras de Conan en el presente del universo Marvel que le reúne con los héroes más violentos de Marvel.

PUNTACIÓN: 7.5/10

Conan llegó al Universo Marvel del presente en la miniserie Vengadores: Sin camino de vuelta. Y llegó justo a tiempo, porque el mago Kulan Gath también ha regresado al universo Marvel y esta vez tiene poder para controlar toda la realidad.

Tras un primer año de aventuras, hoy quiero hablar del segundo año que de momento se ha publicado en los números 13 a 19 de Panini (números 12 a 19 USA), en los que Gerry Duggan ha contado con la colaboración de Adam Gorham (número 12 USA), Patrick Zircher (13-16 USA) y Kev Walker (17-19 USA). A pesar del cambio artístico, hay que reconocer que la decisión de Marvel de hacer que Java Tartaglia sea el colorista oficial del comic y que todas las portadas estén realizadas por Valerio Giangiordano y Frank D´Armata consiguen que el comic tenga una sensación unificada.

Entrando en materia, quiero empezar por lo obvio para así poder pasar página y comentar el resto. Si, el título “Salvajes Vengadores” es un burdo reclamo comercial, colocando un VENGADORES en la portada de un comic que por el tono del mismo no pega para nada. Sí, si hubieran llamado a este comic “Conan Team-up”, reflejaría mejor el contenido y las historias que nos esperan. Incluso un “New Defenders” tampoco sería mal título, dada la importancia que ha adquirido Sephen Strange a la hora de reclutar héroes para combatir a Kulan Gath. No pasa nada por reconocer esto.

Una vez nos hemos quitado esto de encima y hemos superado la propia suspensión de credulidad que hay que aceptar de inicio para leer y disfrutar unos comics de Conan en el presente, la verdad es que estos comics ¡son entretenidísimos!!! Y esta es la clave de toda mi argumentación de hoy.

Debido al exceso de contenidos con el que nos inundan todas las editoriales, pero especialmente Marvel y DC, los fans de los comics de superhéroes nos hemos convertido en unos buscadores de los comics “importantes”, aquellos que prometen algo que afectará al status-quo de ese momento con repercusiones que afectarán a todas los comics de la editorial. Y este sambenito con el que nos machacan las editoriales hace que se nos olvide el propio gozo que ofrecen comics y que su objetivo siempre ha sido ofrecer un escapismo ligero para sus lectores.

No pasa nada si Salvajes Vengadores no es, y nunca lo será, un comic “importante” para Marvel. De hecho, su elemento de serie menor permite a Gerry Duggan mostrarnos una serie de punkarradas cada mes que creo que serían impensables en los principales comics de la Casa de las Ideas. De hecho, entiendo que en función de los gustos de cada uno, actualmente hay un montón de comics “menores” en Marvel o DC que apena son anunciados o promocionados por las editoriales que ofrecen un entretenimiento más que digno que suelen quedarse fuera del radar. Y ya de las editoriales indies ni os cuento.

En las páginas de estas 7 grapas de Panini hemos tenido un primer arco (números 13-16) con la aparición además de por supuesto Conan y el Doctor Extraño, de Elektra, Doctor Vudú, Lobezno, Magik, Hellstorm, Viuda Negra, Juggernaut, el Caballero Negro y Punisher. Este primer arco está dividido en dos misiones, con un grupo buscando un objeto de poder que poder usar contra Kulan Gath mientras que otro busca eliminar un foco de seguidores del mago que le están ayudando a amasar más poder. La aventura dibujada por Patrick Zircher es super entretenida con un montón de momentazos over-the-top con un toque de humor irónico que funciona de maravilla en estas páginas.

En la segunda parte, números 17-19 de Panini, tenemos el tie-in de esta serie con el evento Rey de Negro, y ha reunido a Conan con Deadpool, personaje en el que Duggan realizó una de las mejores etapas que se recuerdan, y gracias al toque cínico que Kev Walker siempre imprime a sus páginas, tenemos unos comics de nuevo divertidísimos en los que Duggan comete las locuras más bestias que nadie le ha hecho pasar al pobre Masacre en ni me acuerdo cuanto tiempo. Estos momentazos super gores y over-the-top son escenas para el recuerdo del personaje, ¡qué locura! Duggan añade a la historia a algunos Medoreadores como son Bishop, Calisto o Iceman, dándonos unos comics que dan gusto leer y que dejaron con la sonrisa en la cara durante su lectura y aún ahora mientras escribo estas líneas y recuerdo según qué cosas.

Este es un comic planteado desde la acción que no plantea realizar profundos estudios psicológicos, ni falta que le hace. Al igual que sucedía en los Vengadores Secretos de Ed Brubaker y Warren Ellis en los que se elegían héroes diferentes según la misión, o en estupendos entretenimientos como la serie de Misión Imposible. Que no sea “profundo” no hace que el comic se menos bueno de alguna manera. Desde luego, niego completamente la mayor.

Como pasó con la idea de Bendis de traer a los jóvenes X-Men originales al presente, está claro que este comic tiene fecha de caducidad y, en algún momento una vez hayan derrotado a Kulan Gath, Conan tendrá que volver a su línea temporal. Pero lo cierto es que estos comics son tan divertidos y quedan tantos personajes chulos que me gustaría ver en estas páginas, desde Valquiria, Thor, Shang-Chi o Bestia, que no me importaría que Duggan tomara algunos desvíos mientras se dirige al final de esta historia. Y en todo caso, mientras Duggan pueda finalizar esta historia de la forma en que la pensara, creo que vamos a tener entre nuestras manos una etapa que va a ser muy bien valorada en el futuro. O no, vete tú a saber. Yo al menos estoy seguro que volveré a releer estos comics y conseguirán que me olvide de mis problemas en el mundo real. No se puede pedir más.

Da igual si Salvajes Vengadores no aparece en ninguno de los típicos listados de “los imprescinidibles del mes”. Es un comic excelente que tiene claro el tipo de entretenimiento sin complejos que ofrece, a qué lector se dirige, y creo que tenemos un éxito creativo total.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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La familia (Prime Video)

Hoy comienza la participación de la Selección Española de Baloncesto en los Juegos Olímpicos de Japón 2020, con un primer partido a priori asequible contra la anfitriona Japón. Es por tanto el día perfecto para recomendaros la serie documental La Familia estrenado en Prime Video, que rinde homenaje a la mejor generación de jugadores de basket de nuestra historia.

PUNTUACIÓN: MUST-SEE ABSOLUTO

Son un equipo, pero también una familia. Un sólido grupo formado por jugadores, técnicos, directivos y afición. Todos ellos forman La Familia y el secreto de su éxito no es otro que su espíritu de equipo ejemplar, su carácter competitivo y su deseo inagotable por la victoria. También hay momentos duros, derrotas dolorosas y dudas y es en los momentos más difíciles donde se unen más todavía. Y juntos, pueden con todo.

A través de cinco episodios se viaja por casi 20 años de éxitos (2001-2019). Desde la formación del grupo en la adolescencia cuando se convirtieron en los Juniors de Oro, hasta su despedida. Aunque con una nueva generación que ya ha tomado el testigo.

Producido por Mediaset España en colaboración con SuperSport y distribuido por Mediterráneo, el documental La Familia estrenado en Prime Video, escrito y dirigido por Luis Mora cuenta el camino que han recorrido los hombres que cambiaron la historia del baloncesto español. Sus protagonistas Pau Gasol, Marc Gasol, Ricky Rubio, Rudy Fernández, Pepu Hernández, Juan Carlos Navarro, Felipe Reyes, Sergio Rodríguez, José Manuel Calderón, Jorge Garbajosa, Sergio Llull, Álex Mumbrú, Ricky, Claver, los hermanos Hernangómez y muchos más nos cuentan en primera persona cómo consiguieron todos sus ñexitos deportivos y desvelarán los momentos más personales que han vivido durante estos 20 años. Un must-see absoluto para todos los fans del baloncesto.

¡Joer, qué emoción viendo estos 5 episodios! Y es que toda mi vida he seguido el baloncesto, empezando por ese verano de 1984 en el que mis padres nos despertaban de madrugada para ver los partidos de España en los juegos Olímpicos de Los Angeles. Cada uno de los campeonatos que aparecen en esta serie me despiertan las memorias de toda una vida. Y es que esta generación de oro, con los sucesivos cambios generacionales, nos han dado los 20 años más grandes de la historia de este verano, empezando por el mundial de Japón de 2006 en el que aplastamos a Grecia en la final, o la victoria contra Francia en el Europeo de Francia de 2017. O los juegos olímpicos de Londres de 2012 donde se estuvo a punto de ganar a los Estados Unidos de Kobe Bryant y LeBron. Es que estoy escribiendo estas líneas y se me ponen los pelos de punta de nuevo, que grandes momentos nos han dado estos enormes jugadores.

La principal virtud de este documental el poner en valor a estos jugadores que son historia del deporte. Y es que es normal ver celebraciones del deporte en Estados Unidos, por ejemplo la increíble serie documental The Last Dance sobre Michael Jordan, pero aquí en España somos poco dados a celebrar nuestros propios logros, en parte por nuestra forma de ser un poco cínica, y en parte quizá por cierta sensación de inferioridad histórica frente a lo de fuera. La Familia corrige esto y homenajea a unos jugadores a los que los amantes del baloncesto vamos a estar eternamente agradecidos.

Hay tantos momentos históricos y declaraciones emocionantes de los jugadores que es imposible destacarlos todos, simplemente confirmar que estamos ante un documental histórico que estoy seguro que verá más de una vez. Y que tú también deberías verlo.

Comparto el trailer de esta serie documental:

La familia es un documental super emocionante que además me ha devuelto a algunos de los mejores momentos de mi vida como aficionado al deporte en general y al basket en particular. 5 episodios que me han dejado en lo más alto y que me han parecido una pasada.

PUNTUACIÓN: MUST-SEE ABSOLUTO

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Crítica de Redneck vol 4 de Donny Cates y Lisandro Estherren (Image Comics)

Tras unos meses de espera, vuelvo a las aventuras de la familia de vampiros texanos creada en el sello Skybound de Robert Kirkman creado por Donny Cates y el dibujante Lisandro Estherren, con colores de Dee Cunniffe. Lone Star es el cuarto volumen.

PUNTUACIÓN: 7/10

Los Bowman son vampiros que viven discretamente en un pueblo de Texas, alimentándose de la sangre de las vacas de su local, una de las barbacoas del pueblo. Su coexistencia pacífica termina cuando generaciones de odio, miedo y sangre mala salen a la superficie

Tras su día más oscuro, es hora de despedirse de Texas (The Lone Star State en inglés, de ahí el juego de palabras del título) mientras la familia Bowman busca la salvación … en las sombras de México.

Este cuarto volumen recopila los números 19 a 24 de la edición USA.

Recientemente Donny Cates ha anunciado que Redneck está a punto de finalizar, con un final en principio previsto para el número 36 USA (sexto tomo de la serie). Teniendo en cuenta esto y los catastróficos eventos que sucedieron al final del volumen anterior que nos dejaron con un cliffhanger monumental, la que es la segunda mitad de la serie empieza como es habitual en los comics de Cates sin dar un segundo de respiro.

Es complicado hablar de este comic sin entrar en spoilers teniendo en cuenta que yo compro la edición americana de un comic que de momento sigo inédito en España. Sin embargo, intentando mantener esta reseña libre de spoilers, creo que Cates es un guionista muy hábil que sabía cuando dar un golpe encima de la mesa para provocara un cambio de status-quo. Y este cambio le viene muy bien al comic, ya que este viaje a México nos muestra que este universo sobrenatural es mucho mayor de lo que nos pensábamos cuando todo pasaba en Texas, descubriendo toda una mitología de seres sobrenaturales malrolleros que darán mucho juego en los próximos tomos. Además de ahondar en las relaciones de los miembros de la familia Bowman que siguen con vida.

El gran problema de Redneck es el dibujo. Como suelo tardar meses entre que compro un tomo y el siguiente, siempre que me llega en nuevo tengo que volver a acostumbrar el ojo al horrible estilo del dibujante Lisandro Estherren, con colores de Dee Cunniffe. Estherren tiene un estilo “feista” que camufla su limitadas dotes de anatomía y narrativa con grandes manchan que ayudan a crear cierta atmósfera malsana, pero no ayuda a CONTAR la historia de la mejor manera posible. Estherren si consigue crear impacto en las splashpages de final de cada número y en algunos momentos puntuales, pero lamentablemente me parece un dibujante flojillo. Y es una pena, porque esta historia con un mejor dibujante podría haber producido unos momentazos visualmente alucinantes, que en este caso quedan como sólo correctos. Que es lo que impide que mi puntuación final sea

Llegados a este punto, no tengo duda que voy a comprar Redneck hasta el final. Tras comprar cuatro tomos y teniendo en cuenta el cliffhanger con el que nos han dejado, la pinta es que nos dirigimos hacia una guerra abierta de las distintas facciones de vampiros, ya veremos quien sigue en pie cuando la historia se acerque al final.

Comparto las primeras primeras páginas de este volumen:

Redneck continúa ofreciendo una aventura de vampiros bastante original y a pesar del dibujo me compensa el precio del comic, así que hay que darlo por bueno.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Crítica de We only find them when they´re dead vol. 1 de Al Ewing y Simone Di Meo (Boom Studios)

Al Ewing se ha convertido en uno de mis guionista favoritos gracias a su histórica etapa en El Inmortal Hulk y, más recientemente, sus otros comics Marvel Imperio, Guardianes de la Galaxia o SWORD. Cuando descubrí que estaba publicando un comic de ciencia ficción espacial en BOOM Studios, no lo dudé y me lancé a comprarlo a ver qué tal. El comic en cuestión es We only find them when they´re dead (Solo los encontramos cuando están muertos), realizado junto al dibujante italiano Simone Di Meo. Hoy analizo su primer volumen publicado recientemente en Estados Unidos.

PUNTUACIÓN: 5/10

LOS DIOSES SIEMPRE SON HERMOSOS … … Y LOS DIOSES SIEMPRE ESTÁN MUERTOS.

El capitán Malik y la tripulación de la nave espacial Vihaan II están en busca de los únicos recursos que importan, y que solo se pueden encontrar recolectando los cadáveres gigantes de dioses alienígenas que se encuentran en el borde del espacio humano. Mientras otros barcos de autopsias y exploradores corren para salvar la carne, los minerales y los metales que sustentan a la raza humana, Malik ve una oportunidad para finalmente liberarse del sistema opresor: siendo el primero en encontrar un dios viviente. Pero la obsesión de Malik con los dioses empujará a su tripulación a los confines más oscuros del espacio, enfrentándolos cara a cara con una amenaza diferente a cualquier cosa que hayan imaginado, a menos que un agente de la ley con una conexión con el pasado de Malik que les persigue pueda detenerlos primero …

Al Ewing (El Inmortal Hulk) y Simone Di Meo (Mighty Morphin Power Rangers) presentan una nueva epopeya de ciencia ficción sobre la búsqueda de significado y las difíciles decisiones que tomamos para encontrarlo, sin importar el costo para el mundo o el universo que nos rodea.

Este primer volumen recopila los números 1-5 USA.

Al Ewing me ha llamado la atención con una premisa de ciencia ficción que cuando empecé a leer el comic me ha recordado a Barrenderos espaciales, la película coreana de ciencia-ficción que Netflix estrenó hace unos meses, en la que unos outcasts del sistema sobreviven como pueden buscando mercancías entre la chatarra espacial que orbita alrededor de la Tierra. Realmente la historia de Ewing va en otra dirección completamente diferente, al mostrar a una humanidad que depende para sobrevivir de los recursos que obtienen las naves “forenses” de los cadáveres de los series espaciales gigante que aparecen en la frontera del espacio conocido por la Tierra.

Aunque la idea principal es la de una aventura espacial “más grande que la vida”, al ir el capitán Malik en busca del primer gigante VIVO, la premisa de inicio de una humanidad que busca en el espacio los recursos que ya no pueden encontrarse en el planeta conecta con la actual tendencia de obras que advierten de un colapso del planeta por el cambio climático, etc… al igual que vimos en los años 70 debido a la carestía de petróleo.

Ewing emplea una narración fragmentada en varios momentos temporales de forma que mientras tenemos la acción en el presente, iremos conociendo detalles de la vida pasada del capitán Malik y el porqué de su enemistad con la oficial Paula Richter que actúa de antagonista de este primer volumen.

Y dentro que el misterio de los seres gigantes me interesa y me ha llamado la atención, lo cierto es que al ser una historia sobre todo planteada desde la acción, no he acabado de conectar y/o empatizar con los personajes protagonistas, ni les he visto del todo bien caracterizados, con elementos que hagan que nos importen o que no queramos que mueran, lo cual es un problema. De hecho, una vez conocemos el drama del pasado de Malik, lo cierto es que tal y como está contado resulta un tanto chorra y sin garra. Espero que Ewing solucione estos aspectos en los siguientes volúmenes, una vez ya nos ha presentado la premisa y el universo en el que va a suceder.

El gran problema del comic es el dibujo del italiano Simone Di Meo, con Mariasara Miotti ayudándole en tareas de color. En lo positivo, Di Meo tiene un dibujo de estilo amerimanga y ha creado personajes claramente diferentes entre si a nivel estético, y su diseño de naves y de los gigantes espaciales me parece bastante chulo. De hecho, cuando vi varias páginas online a modo de preview, reconozco que me gustó lo que vi, lo cual fue otro factor para la compra.

El problema es que, dicho desde el máximo respeto, creo que Di Meo equivoca completamente su color en las páginas, haciendo que la lectura del comic se convierta en una tarea incómoda.

Di Meo toma una decisión creativa que a priori podía resultar visualmente chula pero visto el resultado final la verdad es que no funciona: Hacer que cada uno de los personajes tenga un color asociado en sus viñetas. Por ejemplo, la villana del comic la oficial Paula Richter un rojo super intenso, la forense de la nave Vihaan II Ella Hauer el lila, la intendente Alice Wirth tonos anaranjados y en general El Capitán Goerges Malik y el Ingeniero Jason Hauer, que se encuentran en la cabina, tonos verdosos y amarillos.

Y en lugar de ayudar a la lectura, el resultado es que parece que al comic le han aplicado un filtro con el que las páginas parecen casi siempre oscurecidas y en varios momentos no acabas de ver bien en la página lo que están intentando contar por culpa de la saturación de color, creando una experiencia lectora super desagradable. De hecho, hubiera tenido mucho más sentido que Di Meo hubiera separado mediante el color los diferentes momentos temporales para hacer más claro en qué momento sucede cada cosa (aunque Ewing lo indica casi en cada viñeta), más que crear una separación personal a la que no le acabo de ver la utilidad ni el sentido, ya que como comentaba antes Di Meo ha creado unas caracterizaciones muy diferentes entre si que hace que no haya duda en saber quien es quien.

En este sentido, debo comentar que descubrí el trailer que Boom creó para promocionar el comic, y la verdad es que las imágenes se ven mucho mejores en el video de Youtube que en las páginas impresas, teniendo mayor brillo y mejor contraste en general. Lo cual ya me hace dudar si el problema es de Di Meo, una gran parte seguro, o de una defectuosa impresión o un papel inadecuado quizá provocó que el comic parezca como con unos tonos demasiado “apagados”. Aquí tenéis el teaser:

En todo caso, ya sea por una cosa o por otra, o por las dos, la verdad es que la experiencia lectora no ha sido buena, lo cual se mire como se mire es un problema vital. Además, empiezo a ver en editoriales pequeñas como Boom una tendencia de intentar tapar dibujos normalitos con unos colores impactantes que sean resultones, pero en este caso ha sido a costa de empeorar la experiencia lectora, lo que es lo peor que puede hacer el dibujo de un comic, en mi opinión.

Comparto las primeras páginas del comic, páginas sacadas del preview que Boom tiene colgado en su página web, que como digo lucen mejor en pantalla de lo que se ven en la edición impresa. O quizá pueda ser, es también posible, que el primer número esté más currado que los otros cuatro, en los que las páginas aparecen más “emborronadas” quien sabe si por la premura de los plazos de entrega.

Aquí las tenéis:

Lamentablemente, el primer volumen de We only find them when they´re dead ha resultado decepcionante debido al inadecuado apartado artístico, o quien sabe si la impresión del comic. En todo caso, me voy a pensar si comprar el siguiente volumen.

PUNTUACIÓN: 5/10

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Crítica de The empty man, de David Prior (Disney+)

Gracias a mi suscripción a Disney+ he podido descubrir dentro de Star The Empty Man, película de terror dirigida por David Prior inspirada en el comic de Cullen Bunn, que pasó sin pena ni gloria por los cines en 2020 y que me ha ofrecido una experiencia estupenda que hoy quiero recomendaros.

PUNTUACIÓN: 8/10

Siguiendo el rastro de una niña desaparecida, un ex policía se encuentra con un grupo secreto que intenta invocar a una aterradora entidad sobrenatural.

David Prior es un guionista y director americano que ha escrito y dirigido The Empty Man inspirado en el comic de terror de Cullen Bunn y Vanessa R. Del Rey, publicado en Boom. Además de dirigir la película, Prior ha escrito el guión y montado la película junto a Andrew Buckland. Prior era relativamente conocido como director de documentales y como creador de contenidos para los extras de DVDs como los de varias películas de David Fincher como El Club de la lucha. Con The Empty Man asistimos a su debut en la dirección de largometrajes, que resuelve de forma estupenda.

La película cuenta con fotografía de Anastas N. Michos y música de Christopher Young. Con 137 minutos de duración, es sin duda una rara avis en el actual cine de terror y serie B que en la mayoría de los casos no supera los 100 minutos. Y desde la duración a la propia estructura de la película, todo hace que sientas que es una película diferente a la típica película de terror.

La película está protagonizada por James Badge Dale (Iron Man 3, Spectral, 13 Horas: Los guerreros secretos de Bengasi) como el ex-policía James Lasombra, que vive traumatizado por un trauma del pasado. Junto a Badge, encontramos a Marin Ireland como Nora Quail, una amiga de James que le llama cuando su hija Amanda (Sasha Frolova) desaparece, tras estar ella y sus amigos adolescentes en contacto con la que podría ser una secta.

Entrando en materia, la película me ha gustado mucho. Quizá lo peor de la película es la propia premisa que mostraba el trailer, con unos adolescentes convocando a un ser fantasmal pensando en él y soplando en una botella que provoca la muerte allá donde llega. Este argumento realmente está super trillado, se me ocurre inmediatamente Candyman pero hay muchos más ejemplos, y es por esto que entiendo, yo el primero, que en su momento la película pudiera pasar desapercibida porque parecía un típico slasher del subgénero de seres demoniacos. Cosa que la película dista mucho de ser.

Como buen alumno de Fincher, David Prior realiza un ejercicio notable de narrativa audiovisual, con una fotografía y una planificación de planos estupendos. Visualmente la película tiene un montón de elementos super interesantes. De hecho, no es casualidad que muchos de los momentos claves de la película tengan lugar en puentes, que sirve de clara metáfora de espacio que permite el tránsito de un lugar a otro, aplicado sobre nuestro mundo terrenal y otros planos de realidad por encima ¿o por debajo? del nuestro y habitados por seres más allá de nuestra comprensión.

Por encima del slasher y las muertes adolescentes, la película tiene una premisa muy interesante que es además el núcleo para muchas sectas religiosas reales. La creencia que si suficientes personas creen algo con la fuerza suficiente y enfocados de la forma adecuada, pueden conseguir que se haga realidad. Esto plantea un tipo de horror psicológico que conecta en la película con la iconografía y el terror cósmico de Lovecraft que son lo que han hecho que la película me flipara.

James Badge Dale es el gran protagonista de la película y creo que realiza un estupendo trabajo como un investigador que va a ver sus creencias alteradas para siempre a medida que avanza la película con los conocimientos que encuentra en su camino. Algo que en algunos aspectos me ha recordado (siendo la historia muy diferente) a la madriguera de conejo que Sam Neill se encuentra en el clásico de John Carpenter En la Boca del miedo.

Tengo que reconocer que no soy un gran fan del terror ni veo todo lo que se estrena, principalmente por falta de tiempo. Sin embargo, es curioso que justo estas semanas pasadas he disfrutado mucho la trilogía de películas de terror La Calle del Terror en Netflix, reconociendo que en su mayoría estaban construidas sobre todos los tópicos imaginables del terror. Curiosamente, The Empty Man es todo lo contrario. Ni tiene sustos de primero de terror, aunque tiene algunos momentos perturbadores e impactantes, ni te la ves venir desde el minuto uno como me pasó con las películas inspiradas en los libros de R.L. Stine, ni tiene temazos de rock noventeros de los años 90 que apelen a nuestro pasado. Y sin embargo, globalmente me ha gustado más este The Empty Man.

Es una pena que la película a partir de únicamente 15 críticas publicadas apareciera como suspenso en webs como Rotten Tomatoes. Por supuesto que casa opinión es respetable y puedo entender por la premisa, duración o ritmo la película pueda no gustar. Pero en este caso esas poquísimas opiniones han podido tener un impacto fatal para el visionado de la película en espectadores que ante una película sin una gran estrella asociada, se pueden fiar de lo que digan las webs de este tipo. Cuando hay 400/500 opiniones de críticos sobre un blockbuster, si se puede decir que hay una cierta unanimidad sobre algo. De hecho, ahora que lo miré de nuevo (meses después), al haberse publicado 5 nuevas reseñas positivas, ahora aparece aprobada, pero con un 65%, que sigue sin ser una cifra para nada buena. Aunque es mejor que estar en un 45% como llegó a estar.

Recomiendo completamente el visionado de The Empty Man. Sobre todo si buscas una película que se aleje en forma y fondo de los convencionalismos del género. De hecho, he intentado hacer esta reseña totalmente libre de spoilers para intentar que disfrutes de todas las sorpresas que tiene la película, empezando por su propia estructura.

Comparto el trailer de la película:

Quizá es por lo inesperado de la propuesta de The empty man, pero lo cierto es que la película me ha gustado mucho, mucho más de lo que imaginaba a priori que me iba a gustar. Y precisamente por ser una película tan ninguneada, creo que merece la pena que le des una oportunidad, aprovechando que está gratis en Disney+.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Repaso a mi Sci-fi favorito: comics, películas, TV y libros