Crítica de Biblioteca Marvel La Patrulla-X vol. 11 de Roy Thomas y Neal Adams (Marvel Comics – Panini)

Por fin llegamos a la parte buena de la Biblioteca Marvel de La Patrulla-X, gracias a la llegada de Neal Adams a la colección. Un Adams que con Roy Thomas realizó una de las etapas más recordadas de la colección, que sin embargo no impidió la cancelación de la colección.

PUNTUACIÓN: CLÁSICO AHORA SI DISFRUTABLE

Es más que un cómic: es una máquina del tiempo. La alucinante etapa de Neal Adams se despliega ante tus ojos, con Kaos y El Monolito Viviente. ¡Los Centinelas viven de nuevo! Contempla el poder de Saurón y el regreso a La Tierra Salvaje. ¡Biblioteca Marvel, como siempre y mejor que nunca! ¡No puedes perderte esta edición histórica!

Esre volumen incluye The X-Men 56-61 USA, publicados originalmente en 1969.

Leer la Biblioteca Marvel de La Patrulla-X ha sido un suplicio debido a unas historias deficientes de Roy Thomas con muy poco interés, pero sobre todo por el mediocre dibujo de Don Heck, Werner Roth y compañía. En el volumen anterior tuvimos el oasis en el desierto que fueron los dos números dibujados por Jim Steranko. Y casi a continuación llega Neal Adams, que realizó algunos de los comics más recordados de la primera era de la Patrulla-X con el grupo original.

Adams llegó a Marvel mostrando un gran interés de trabajar con el método Marvel, que permite una gran libertad al dibujante para crear la historia de Thomas como mejor le pareciera. Además, el dibujante preguntó cual era la colección con peores ventas antes de aceptar trabajar en La Patrulla-X. Imagino que para tener una mayor libertad creativa en una serie que ya empezaba a estar en los planes para su cancelación. También imagino que Adams buscaría un poco el prestigio que le daría salvar una serie de una cancelación que estaba anunciada. (Bueno, en realidad no se canceló la serie, pero durante unos años dejó de publicar material original ofreciendo reprints de números clásico). Incluso no consiguiendo su objetivo, Adams se salió con la suya al final, dado que estos comics son historia viva de la Patrulla-X.

La llegada de Adams tiene lugar en el número 56 USA, que cierra la historia en 3 partes en la que se presentó a Alex Summer y al Faraón Viviente. Comparar el número 55 dibujado por Don Heck y Werner Roth con este comic de Neal Adams es como la noche y el día, como ver un partido de la NBA y otro de solteros contra casados. Adams no es que esté en otra liga diferencia, es que hay galaxias de diferencia entre su calidad y los dibujantes previos. Lo que antes era un comic anodino y sin chispa, Adams lo convierte en un espectáculo visual. Cada encuadre de Adams plantea una solución visual super dinámica que rompía el aburrimiento visual que habiamos sufrido más de 30 números. Con permiso de Steranko.

Adams plantea expresiones faciales de gran dramatismo, mientras que las poses de los personajes nunca son estáticas, siempre transmiten movimiento. Las expresiones corporales de todos los personajes son hiper realistas pero también planteadas desde la espectacularidad. Hay un factor WHOA! que Adams consigue casi en cada página, mostrando siempre hitos visuales en todas las páginas. Sólo por el dibujo de Adams, independientemente de la historia de Thomas, ya merece la pena comprar este comic de la Biblioteca Marvel de Panini.

Aunque son comics que se publicaron antes que yo naciera, por el lado visual me han vuelto a flipar como la primera vez que los leí. Porque tengo que reconocer que estos comics ya los compré en su momento en la primera edición de Clásicos Marvel de Comics Forum. En todo caso, ya que he aguantado el suplicio de llegar hasta aquí para poder tener en casa todos los comics clásicos de La Patrulla-X, pues que menos que poder tenerlos todos en la misma edición, en el mismo formato.

Y lo cierto es que Adams salvó creativamente la colección, porque los guiones de Roy Thomas siguen dejando mucho que desear. Es Adams el que añade la dosis de emoción y dramatismo que el comic nunca tuvo con el mismo guionista y dibujantes menos dotados.

Tengo que reconocer que la idea fallida de publicar comics con 15 páginas de historia y 5 páginas con un complemento con los orígenes de los diferentes miembros del grupo, limitaban mucho las opciones de los guionistas, que tenían que aún más al grano que en otros comics Marvel. El final del arco del Faraón Viviente acaba siendo una gran locura. El Faraón afirma que tanto como Álex como él obtienen sus poderes de la absorción de los rayos cósmico (ejem!). Cuando el villano bloquea la conexión de Álex de la energía cósmica quedándosela toda para él, se transforma en un gigante Monolito Viviente. La batalla resultante es super espectacular gracias al dibujo de Adams, pero el final es decepcionante dado que Álex consigue quitarle al Faraón su conexión con los rayos cósmicos, absorbiendo él todo el poder. El climax final es un anti-climax.

La sensación es que Thomas va planteando cosas que pueden estar bien a priori, pero no sabe cómo terminarlas. También es posible que Adams se quede sin espacio para plantear un climax final espectacular a las historias de Thomas. No se el motivo, pero Thomas no acaba de saber sacar todo el partido a los personajes o las situaciones. Por ejemplo, los 3 números siguientes forman un arco con el retorno de los Centinelas, reconstruidos por Larry Trask, el hijo de Bolivar Trask,

El comic usa dos de los tres números de este arco para presentar a los nuevos Centinelas, a su creados Larry Trask y al juez Chalmers, amigo de Bolivar Trast y miembro del recién formado Consejo Federal de Actividades Mutes. En el número 57 los Centinelas capturan a mutantes como Lorna Dane y Alex Summer, y a Hombre de Hielo, Ángel, el Farón Viviente y los mutantes de de Hermandad de Mutantes Diabólicos en el número 58.

Cuando llega el momento del gran combate entre la Patrulla-X y los Centinelas, este es casi inexistente, dado que Thomas se concentra en la sorpresa que ofreció como cliffhanger del número anterior, y es que Trask era un mutante al que su padre puso un medallón para que no recordara su pasado y sus poderes, además de hacer que no aparezca en los sensores de detección de mutantes. Una locura, vamos. La idea de bombero torero de hacer que los Centinelas se lancen contra el sol porque es el creador de las radiaciones que crean a los mutantes, es otra idea ridícula, que sin embargo forma parte de la historia mutante. La imagen de Adams en la que vemos a los Centinelas dirigirse hacia el Sol es super icónica, pero la historia en realidad no hay por donde cogerla.

Hay que decir que para el número 59 Marvel había suprimido ya las historias de orígenes de complemento. En el número 56 tuvimos el final del origen de Ángel, con dibujo de Werner Roth y tinta de Sam Grainier. Una historia que es tan gris y sin interés como todas las anteriores.

En el número 57, Jean Grey nos cuenta a los lectores cómo funcionan sus poderes, en una de las primeras historias de Marvel que yo recuerdo en el que se rompe la cuarta pared. Aunque el dibujo es de Roth y Grainier, la historia es de Linda Fite, asistente editorial que sólo escribió unos pocos comics en la Casa de las Ideas antes de casarse con Herb Trimpe. Fite pone ejemplos de usos de los poderes de Jean en situaciones un poco de vergüenza ajena, como cuando indica que levantar telequinéticamente una butaca le permite limpiar la casa más rápido. Sin embargo, aunque el comic ha envejecido mal, quiero encontrarle un toque de ironía y humor negro hacia el machismo que implicaba la historia que le permitían escribir. No se si esto es así o veo cosas que el comic no era en 1969, pero me gustaría quedarme con lo positivo.

De esta forma, el número 58 con la segunda parte del arco de los Centinelas es la primera historia en más de un año en que Thomas puede contar con 20 páginas para contar su historia. Como comentaba antes, el resultado no es demasiado satisfactorio. Aunque en estos comics la brillantez visual de Adams tapa todo lo demás.

Los números 60 y 61 sirven de presentación de Carl Lykos, Saurón. El motivo por el que Thomas decide utilizar el nombre del villano de El Señor de los Anillos es un poco bochornoso, pero este detalle no me impidió que disfrutara de estos comics. Lykos fue herido cuando era niño en una expedición por el Antártico, mientras luchaba contra unos extraños pteranodontes que habían raptado a su amiga Tanya y se la habían llevado a unas cuevas. Fruto de estas heridas, Lykos adquirió el poder de absorber la fuerza vital de los seres vivos que tocaba.

La casualidad hace que los X-Men le lleven a Alex para que le cure, tras terminar herido en la aventura contra los Centinelas. Absorber las energías mutantes de Álex provoca que Lykos se convierta en Saurón, un ser alado como aquellos que le hirieron. Además de volar y absorber la fuerza vital, Saurón puede hipnotizar a cualquiera con el que cruce apenas una mirada, siendo Ángel su primera víctima. Tras varios combates entre X-Men y Saurón, Tanya y su padre descubren junto a los héroes que Lykos es Saurón. En un momento de lucidez, Lykos decide irse antes de matar al padre de Tanya, lo que mostraría a su amada que es un monstruo.

Lykos vuelve a casa de su padre en Tierra de Fuego. Allí malvive esperando encontrar la muerte, cuando Tanya aparece, al recordar la cabaña de su infancia. Cuando Tanya lleva deseando abrazarle, Lykos se suicida cayendo por un acantilado, para evitar que el toque de sus manos matara a Tanya. El final de este villano fue dramático, aunque mostrando que al final, la parte buena de Lykos venció a su lado malvado. Dentro de las cosas que no han envejecido demasiado bien, tengo que decir que el menos este arco de Saurón me ha gustado mucho más que el de los Centinelas. Casi parece que la calidad de Adams sirvió de acicate para que Thomas se pusiera las pilas con sus historias.

Tras estos 6 números históricos de La Patrulla-X dibujados por Neal Adams, ya sólo falta un último volumen de la Biblioteca Marvel. El número 66 fue el último que ofreció material original. De esos 5 números restantes, sólo 3 estuvieron dibujados por Adams. En los dos primeros los mutantes volverán a la Tierra Salvaje para reencontrarse con Ka-Zar, enfrentándose al malvado Magneto. El volumen 12 cerrará la colección, pero tras meses de chascos y decepciones leyendo estos comics, me alegra que gracias a Neal Adams haya podido disfrutar de Neal Adams como quería.

Comparto las primeras páginas del comic del X-Men 56:

Por fin leo un comic de la Biblioteca Marvel La Patrulla-X que me gusta. ¡Ya era hora!! y qué bueno es Neal Adams.

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Crítica de La fuente de la eterna juventud de Guy Ritchie (Apple TV)

Gracias a mi suscripción a Apple TV he visto La fuente de la eterna juventud, película de aventuras de Guy Ritchie con John Krasinski y Natalie Portman.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

Dos hermanos distanciados se asocian en un gran golpe a escala global para encontrar la mitológica fuente de la eterna juventud. Tendrán que usar sus conocimientos de historia para seguir pistas en una aventura épica que cambiará sus vidas… y que puede que les otorgue la inmortalidad.

Guy Ritchie (Hartfield, Reino Unido, 1968) es uno de los grandes nombres del cine británico de entretenimiento en su vertiente de acción y criminal. Lock, Stock & Barrel, Snatch!, Revolver, Rocknrolla, la serie de dos películas de Sherlock Holmes con Robert Downey Jr. y Jude Law, El hombre de U.N.C.L.E., Rey arturo, AladdinThe gentlemenDespierta la furiaOperación fortuneEl pacto, El ministerio de la guerra sucia (estas últimas estrenadas en Prime) son prueba de un gran ojo para hacer películas que ante todo cumplen con la función de entretenimiento, en mucha ocasiones desde una perspectiva british.

Ritchie dirige y produce esta película que tiene guion de James Vanderbilt, guionista de Zodiac (2007), The Amazing Spider-Man (2012) y su secuela de 2014, y Independence Day: Resurgence (2016) y el reboot de la franquicia de Scream (2022, 2023 y 2026). Con 125 de duración y un presupuesto de 180 millones, tiene fotografía de Ed Wild, montaje de James Herbert y música de Christopher Benstead. El rodaje tuvo lugar en los estudios Warner Bros. de Leavesden, en Hertfordshire (Inglaterra), en Bangkok, Viena, Liverpool y en El Cairo.

John Krasinski y Natalie Portman interpretan a los hermanos Luke y Charlotte Purdue. Eiza González interpreta a Esme, la perseguidora de los hermanos. Domhnall Gleeson es Owen Carver, Arian Moayed interpreta al inspector Jamal Abbas, Laz Alonso es Patrick Murphy, Carmen Ejogo como Deb McCall y Stanley Tucci como el Anciano completan el reparto.

Apple TV es una de las plataformas de streaming con menor número de suscriptores y contenidos. Y a eso a pesar que en general sus películas y series tienen un nivel de calidad más que bueno, destacando sobre todo por sus valores de producción. Y es que si algo tiene Apple TV es presupuesto para gastarse. La fuente de la eterna juventud se explica a partir del interés de dotar contenidos que interesen a los espectadores, contratando a un veterano como Guy Ritchie para que realice una película de aventuras que recuerde el feeling de las películas clásicas de Indiana Jones. En cierto sentido, tenemos la actualización de la fórmula que hace unas décadas ya plantearon las franquicias de La Momia y La búsqueda 1 y 2.

Empezando por los elementos positivos, La fuente de la eterna juventud es una película muy entretenida que ofrece una montaña rusa de aventuras por todo el mundo. La historia empieza en Tailandia, donde el arqueólogo caído en desgracia Luke Purdue roba un cuadro a un grupo de mafiosos locales, y escapa de la misteriosa Esme y sus secuaces, que intentaban hacerse con el cuadro. En Londres, Luke sorprende a su hermana Charlotte, el ying de responsabilidad y orden al yang de caos que es Luke, conservadora de un museo, para robar un cuadro de su museo, al contener la clave de un misterio que llega hasta los tiempos de su difunto padre, cazador de tesoros como Luke. En las 2 horas de la película, los protagonistas se cruzarán medio mundo y visitarán localizaciones carismáticas e inesperadas.

La película plantea la típica estructura de buddy-movie con unos protagonistas con formas de ser completamente opuestas, personalizado en los hermanos interpretados por John Krasinski y Natalie Portman. Krasinski plantea un doble conflicto, ya que además de convencer a su hermana que vivir aventuras también está en su sangre, intentará a conquistar a Esme, su perseguidora interpretada por Eiza González, planteando el contraste entre el «atontado» y enamoradizo Luke, y la super profesional Esme.

Quizá un problema de la película es la sensación de historia escrita con plantilla para crear una nueva franquicia cinematográfica para Apple TV. En estos momentos post-«me too», la historia plantea a unos hermanos como protagonistas para evitar tener una relación romántica que ahora mismo está mal vista en el mainstream americano. Los intentos de Luke para conquistar a Esme se plantean casi como comedia, dado que Esme está a otro nivel inalcanzable para Luke.

Hablando de plantillas, James Vanderbilt fusila de forma muy evidente varias cosas de la franquicia de La momia, como tener al hijo de Charlotte como ayudante con un papel clave. O que la organización que lidera Esma no es en realidad «mala» sino que busca evitar que un poder incontrolable se libere en la Tierra. Justo como los jinetes de La momia. Hay varias situaciones que recuerden a otras películas de aventuras clásicas, y no creo que sea en absoluto casualidad.

El diseño de producción me parece alucinante. La fuente de la eterna juventud transmite en cada fotograma que es una producción que ha tenido todo el dinero del mundo para contar la historia de la mejor forma posible. Las persecuciones y las escenas de acción están contadas de maravilla por parte de Ritchie, que demuestra que quien tuvo, retuvo. Pero la historia es demasiado justita. No está mal, pero tampoco tenemos nada especialmente bueno. Y eso provoca que Ritchie nos ofrezca un entretenimiento ligero que cumple su objetivo, pero del que te olvidas de ella casi nada más que terminas de verla.

Sabía a lo que venía cuando me puse La fuente de la eterna juventud . Y en lo relativo al factor de entretenimiento, Guy Ritchie cumple. Aunque empiezo a pensar que Ritchie debería repensarse las películas en las que se embarca, porque me parece que después de Operación fortuneEl pacto, El ministerio de la guerra sucia y ahora La fuente de la eterna juventud su caché está perdiendo brillo.

Comparto el trailer de la película:

La fuente de la eterna juventud me vale como entretenimiento ligero, dentro de ser una película tan disfrutable como intrascendente.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

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Crítica de Tha Savage Sword of Conan 14 de Jim Zub e Ivá Gil (Titan Comics)

Nuevo número de The Savage Sword of Conan (La espada Salvaje de Conan) en su nueva casa de Titan Comics. Una revista que me da todo lo que quiero y deseo de una historia de Conan.

PUNTUACIÓN: 8/10

Con una brutal historia de CONAN llena de sangre y arena a cargo del guionista Jim Zub y el dibujante Iván Gil, una misteriosa historia de BÊLIT del guionista Joe Pruett y el dibujante Goran Sudžuka, un relato en prosa de Conan sobre la crueldad del azar escrito por Matthew John, impactantes portadas de Alex Horley y Doug Braithwaite, además de láminas y mucho más, ¡SAVAGE SWORD OF CONAN n.º 14 ofrece una acción trepidante que no te puedes perder!

Jim Zub se ha convertido en el alumno aventajado de Robert E. Howard. Si algo tienen buena, es que Zub consigue que sus historias tengan el ADN de lo que se espera de una historia de Conan.

Conan y su grupo de forajidos sigue a una caravana y la encuentra desierta. Todos los camellos y las mercancías han sido abandonados, y hay un rastro claro por donde todos los miembros de la caravana se adentraron en el desierto. Conan sigue el rastro y se hunde en la arena hasta llegar a un oasis subterráneo. ¿Qué les pasó a los hombres de esa caravana? ¿Por qué se adentraron en el desierto? ¿Se hundieron en el oasis por voluntad propia? ¿O fueron obligados por arte de magia a adentrarse en esa trampa de arena? Los que onan y su equipo descubrirán será una aventura típica de Conan, pero que funciona de principio a fin.

Junto a la super acertada historia de zub tenemos a Iván Gil dibujando esta historias. Que este sea su siguiente encargo tras dibujar la miniserie Conan Scourge of the Serpent me indica que los editores quedaron contentos con Gil. Y Gil corresponde a esta confianza con un trabajo increíble. El palacio subterráneo tiene el toque perfecto de magia y peligro y su Conan recuerda a los comics clásicos del personaje. Tiene ese aire clásico de «Savage Sword» sin limitarse a ser una mera copia nostálgica. Las figuras tienen un peso real y las sombras transmiten oscuridad y peso. Su trabajo me parece excepcional.

Solo dos autores que dominan a la perfección su oficio como Zub y Gil podrían coger algo tan sencillo y casi hasta trillado dentro de los mitos de Conan, y convertirlo en una historia misteriosa y emocionante que te mantiene en vilo. Estamos ante una maravillosa obra pulp contemporánea que explica la popularidad atemporal de Conan para varias generaciones de lectores.

Además de la historia principal, Joe Pruett y el ilustrador Goran Sudžuka nos llevan de viaje a una isla inexplorada junto a la reina pirata Belit. La isla parece deshabitada, aunque el único explorador que regresa habla de un peligro invisible en un templo que se cobró la vida de sus compañeros. Aunque la historia es muy breve, plantean con acierto una amenaza que sólo Belit podría derrotar. Junto a esta historia, la guinda al pastel de este número de La espada salvaje de Conan es un relato en prosa de Conan de Matthew John en el que la suerte va a jugar un papel fundamental.

The Savage Sword of Conan nos está ofreciendo unas historias super guapas que tienen el ADN de lo que se espera de una historia de Conan. Esta propuesta no puede gustarme más.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Nemesis forever TP de Mark Millar y Matteo Scalera (Dark Horse)

Mark Millar termina su trilogía de Némesis con Nemesis forever. Y para alegría de los lectores, se ha traído al maravilloso Matteo Scalera (Deadly Class) para dibujar esta última historia.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

La tercera parte de la trilogía de cómics «Nemesis», de Mark Millar, llega a su fin.

Nemesis se vengó en «Reloaded», se convirtió en el hombre más rico del mundo en «Rogues’ Gallery» y ahora ha vuelto para llevar a cabo lo que ha estado planeando desde el principio.

Nemesis es el hombre más peligroso del mundo, y ahora se ha convertido en uno de los más ricos. Ya no se conforma con aterrorizar a las fuerzas del orden, su nuevo plan es sembrar el caos entre sus enemigos, hacerse con el control del mundo y esclavizar a la humanidad mediante la supertecnología.

Némesis hizo un pacto de sangre con una antigua secta para que le ayudara a gobernar el mundo y ahora su plan está dando sus frutos, ya que utiliza las empresas tecnológicas de las que es propietario bajo su identidad secreta para esclavizar a la humanidad con su agenda de microchips. ¿Nuestra única esperanza? Los agentes federales que se han infiltrado en su equipo de secuaces en un intento por acabar con él.

Para público adulto.

Este volumen recopila Nemesis Forever números 1-5 USA.

Mark Millar es uno de los grandes nombres del comic mainstream americano, con más de 30 años de experiencia en primer nivel. Tras comics en DC como el segundo volumen de The Authority o Superman: Red Son, se mudó a Marvel en los que han sido uno de los mejores años de la historia de la editorial, en los que realizó algunos de sus comics más populares como son The Ultimates con Bryan Hitch y Civil War y Old Man Logan con Steve McNiven. Durante sus años en Marvel Millar entendió que el futuro del comic mainstream (y el dinero) estaba en los comics de creación propia, iniciando su sello Millarworld en el que ha publicado sobre todo en Image Comics algunos comics super exitosos que tuvieron además adaptación cinematográfica: Wanted, Kick-ass y Kingsman, Tras la compra de Netflix del Millarworld, llegaron Jupiter´s Legacy y Super Crooks con diferente éxito, pero esto no puede ocultar el hecho que Millar se ha juntado en los últimos 20 años con los mejores dibujantes del medio para realizar unos comics siempre super entretenidos: Chrononauts, Starlight, Empress, Reborn The Magic Orden, Nemesis y Nemesis Reloaded, Prodigy, Ambassadors… Big Game fue el gran evento que unió estos 20 años de historias, siendo un final de fiesta del Millarworld espectacular.

Tras Big Game, la sensación es que Netflix cerró el grifo de la financiación a Millarworld, lo que provocó que sus últimas series ya no sean las mejor dibujadas del mercado. Además, tras años de asociación con Image Comics, Millar abandonó la editorial y eligió Dark Horse como editorial donde editar sus últimos comics, lo que en mi opinión ha restado interés mediático a sus últimos comics. Por suerte, este bajón evidente de sus comics se ve compensado con su nueva colaboración con Matteo Scalera para esta miniserie.

Matteo Scalera nació en Parma (Italia) en 1982. Su carrera como dibujante de cómics comenzó en 2008 con HYPERKINETIC, una miniserie escrita por Howard Shum y publicada por Image Comics. Desde entonces, ¡he hecho un montón de cosas! Ha trabajado como dibujante en SECRET AVENGERS, INDESTRUCTIBLE HULK y DEADPOOL de Marvel, BATMAN (DC Comics), BATMAN WHITE KNIGHT PRESENTS: HARLEY QUINN y BATMAN ONE BAD DAY: MR. FREEZE (DC Comics). Ha trabajado también en VALEN THE OUTCAST (Boom! Studios) y DEAD BODY ROAD (Skybound).

En 2013, creó junto a Rick Remender BLACK SCIENCE, probablemente su trabajo más recordado y destacado. Más recientemente, trabajó con Mark Millar en las series SPACE BANDITS, KING OF SPIES, THE AMBASSADORS (Netflix/Image Comics). Su proyecto más personal es THE FOURTH FATHER, una miniserie que publicará gracias a un Kickstarter.

Tengo que reconocer que Nemesis NO es un personaje que me guste especialmente. La idea de un Batman psicótico convertido en un asesino de masas es una idea super punki que entiendo que un escritor tan listo como Millar convirtiera en uno de los primeros comics del Millarworld en 2010.

Años más tarde Millar planteó un reboot en 2023 para acoplar a un nuevo Nemesis en la continuidad que nos dirigió al comic-evento que Millar creó para celebrar el 20 aniversario del Millarworld, Big Game. Tras Big game, Millar publicó una segunda miniserie, Nemesis: Rogue´s Gallery en la que el nivel bajó considerablemente sobre todo en el apartado artístico, al ver como al super estrella Jorge Jiménez le sustituyó el muy inferior Valerio Giangiordano.

Ahora nos llega la tercera miniserie, Nemesis forever, en la que el apartado artístico pega un subidón alucinante gracias al también italiano Matteo Scalera, con color de Giovanna Niro. Y tengo que decir que sin tener en cuenta la historia, estamos ante un comic en el que sólo por el dibujo merece la pena comprar y leer este comic.

Frente a la moda de los dibujantes fotorrealistas a partir de programas de dibujo, Scalera destaca por ser un dibujante a mano que sabe añadir un toque cartoon para los momentos más over-the-top, y herramientas narrativas típicamente comiqueras que nada tienen de realistas, que hacen que el dibujo sea espectacular. Por ejemplo, hay unas viñetas en las que Nemesis mata con un giro de espada a tres policías, mostrando todas las muertes en la misma viñeta. Todo lo que hace Scalera en este comic ´lo hace bien. Y mola muchísimo.

En lo referido a la historia de Millar, Nemesis planea su plan maestro de dominación del planeta, con masacres super bestias en todo el planeta. Aunque Nemesis parece imparable, su final puede llegar de la agente de policía encubierta Kitty Tepper, que se ha infiltrado en una de las bandas de Nemesis. Porque Nemesis tiene varias bandas, una para cada golpe que prepara por todo el planeta. Siendo Millar como es, Tepper tendrá que quitarse un ojo para poder copiar la apariencia de la criminal a la que va a suplantar. Porque para Millar todo es con este nivel de macarrería.

Millar es muy listo, porque siendo Nemesis el asesino desalmado que es, el comic no puede terminar con él ganando. De hecho, al final de Big Game, Nemesis acabó paralitic. Pero pudo recuperarse en Rogue´s Gallery. El giro con el que termina este comic conecta con esta curación y resulta correcto dentro de la lógica de esta franquicia. Además que justifica el título de comic y la apelación a «forever – para siempre». Y al mismo tiempo, permite a Millar la posibilidad de poder rebootear al personaje dentro de 10/15 años si le apetece.

Dentro de que Nemesis forever es lo que es, me molesta un poco ver al Millar de la plantilla narrativa, el escritor cómodo que bajo la destrucción a escala planetaria oculta que está fusilando trama de Die Hard, aunque le aplique un baño de ácido. Nemesis siempre fue un comic de acción sin segundas lecturas ni elementos profundos. Así que en realidad no se le puede pedir aquello que nunca fue. Pero me sabe mal que Millar no se haya esforzado un poco más en este final.

Por suerte, como comentaba al principio, en realidad sólo por el dibujo de Scalera merece la pena leer este comic. Scalera no se arruga con las escenas de acción y ofrece un nivel de destrucción poco habitual de ver en un comic mainstream americano. En ese sentido, se nota que Millar y Scalera ya habían colaborado previamente, porque también es un éxito que el escritor tenga la capacidad de echarse a un lado para el lucimiento del dibujante. Y cuando tienes a alguien tan bueno como es Scalera, eso es siempre una buena idea.

Comparto las primeras imágenes del comic:

Nemesis forever te da lo que esperabas, para bien y para mal. Pero esta tercera miniseries no puede evitar transmitir la sensación que la fórmula de la macarrada está agotada. Menos mal que el dibujo de Scalera me parece alucinante.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de Spider-Noir temporada 1 (Prime Video)

Tenía cierta curiosidad con Spider-Noir, la serie de Prime Video en Imagen real que recupera al personaje interpretado por Nicolas Cage en las películas de animación de Miles Morales. El resultado es como la misma serie, lleno de luces y sombras.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

Ben Reilly, un experimentado investigador privado en mala racha en el Nueva York de los años 30, se ve obligado a enfrentarse a su pasado tras una tragedia profundamente personal, mientras la ciudad cuenta con un único superhéroe.

En los comics, el personaje de Spider-Noir ha tenido una vida más bien corta. Fue creado en 2009 por David Hine, Fabrice Sapolsky y Carmine Di Giandomenico como parte del universo Marvel Noir (Tierra-90214), una versión alternativa de Spider-Man en una reinterpretación del personaje inspirada en el cine negro que surge en Nueva York durante la Gran Depresión. Dan Slott aprovechó al personaje incorporándolo al Spiderverso, pero su verdadera popularidad no llegó hasta que  Phil Lord y Christopher Miller no lo incorporaron al reparto de la brillante película de animación Spider-Man: Un nuevo Universo (2018), acertando al conseguir que Nicolas Cage pusiera la voz para el personaje de Ben Reilly.

Mientras esperamos al estreno de la segunda parte de Spider-Man: Cruzando el multiverso (2023), que no llegará hasta 2027, los productores decidieron dar luz ver a esta serie en imagen real, que ha contado con Nicolas Cage para protagonizarla. Lord y Miller han mantenido funciones de productores, aunque el creador de la serie es Oren Uziel, que comparte labores de showrunner junto a Steve Lighttfoot. La serie de 8 episodios ha sido dirigida por Harry Bradbeer, Nzingha Stewart, Alethea Jones y Greg Yaitanes. Los guiones corren a cargo del propio Uziel con Christopher Chen, Megan Liao, Steve Lightfoot, Tori Sampson, Jennifer Frazin, Jack Henderson y Bruce Marshall Romans.

La serie tiene la peculiaridad de haberse estrenado en dos formatos diferentes. En blanco y negro, que es como se había pensado originalmente, y en color. La sensación es que los productores no confiaban que el público generalista aceptara ver una serie en blanco y negro, motivo del desdoblamiento de la serie. La serie se creó para su emisión tanto en blanco y negro como en color. Para conseguir las dos versiones, las imágenes rodadas en el plató se capturaron digitalmente para luego dividirlas y procesarlas por separado. El equipo acuñó el término «True-Hue» para referirse al proceso mediante el cual crearon su versión en color, similar al Technicolor; Cage afirmó que esa versión se hizo para que pareciera «super saturada», y Uziel señaló que era como si la película en blanco y negro se hubiera coloreado.

En el reparto tenemos a Nicolas Cage como Ben Reilly / The Spider, una versión más madura y curtida de Spider-Man, un investigador privado en horas bajas y superhéroe procedente de un mundo alternativo basado en la Nueva York de los años 30. Cage es el gran reclamo de la serie y el personaje de Reilly le permite desplegar toda una serie de movimientos histriónicos marca de la casa que harán las delicias de sus fans.

Lamorne Morris es Joe «Robbie» Robertson, amigo de Ben y un periodista independiente muy trabajador que persigue las historias más arriesgadas para llamar la atención y avanzar en su carrera. Li Jun Li interpreta a Cat Hardy, una cantante de club nocturno con aire de femme fatale que será el interés amoroso tanto de Ben como de Flint Marko, que trama matar a Silvermane (Brendan Gleeson), el jefe de la mafia irlandesa que controla los elementos criminales de la ciudad. Karen Rodríguez como Janet Ruiz, secretaria de Ben y compañera de investigación; Jack Huston como Flint Marko / Sandman, guardaespaldas y amante de Cat que se convierte en secuaz de Silvermane y tiene la capacidad de transformar su propio cuerpo en arena, Abraham Popoola como Lonnie Lincoln / Tombstone, amigo de Marko y secuaz de Silvermane, que posee una piel blindada casi indestructible que le otorga fuerza y resistencia sobrehumanas, Andrew Lewis Caldwell como Dirk Leyden / Megawatt, un criminal con la capacidad de absorber y liberar electricidad, y Jack Mikesell como Jimmy Addison, un criminal con habilidades piroquinéticas, completan el reparto en sus papeles principales.

Muchas veces, los espectadores nos enredamos en temas de producción, de costes y de la parte del negocio que rodea el mundo del cine y la televisión. Yo el primero. Pero en realidad, como espectador no puedo más que levantarme y aplaudir porque una serie freak como este Spider-Noir haya llevado a hacerse realidad. Porque en realidad, esta serie es un bendito milagro incluso cuando hay cosas con las que no he conectado.

El primer elemento a destacar es la propia visión de hacer un Spider-Noir en blanco y negro, para igualarlo a la aparición del personaje en las películas de animación. El blanco y negro hace que la serie conecte con los clásicos del noir de los años 30, y me parece un elemento muy interesante para construir el tono que se quería crear. Visualmente creo que el blanco y negro es un acierto, incluso cuando el efecto provoca que las pocas escenas de efectos especiales queden apagadas y sin chispa. Como son las apariciones del Electro de este universo, Megawatt. Dicho esto, globalmente me alegro de haber podido ver la serie en blanco y negro.

Vi un episodio en color y lo cierto es que el efecto queda extraño y poco natural. Para escribir esta reseña he leído que se buscaba provocar la sensación visual que provocan las películas coloreadas, y lo cierto es que en ese sentido, el objetivo está super conseguido. Lo malo es que como las películas coloreadas, el color no resulta natural y queda extraño para la vista. Pero como decía antes, si Amazon acepta el sobre coste de hacer la serie en color y en blanco y negro, ¿Por qué tendría que ponerle un pero yo como espectador? De hecho, es mejor, porque nos ofrece la posibilidad de ver la serie como cada uno prefiera.

Entrando en la serie en si, otro elemento clave es que Spider-Noir NO es una historia de superhéroes con toques noir, sino una de detectives en la que algunos personajes tienen habilidades especiales en momentos concretos. Esto es clave, porque en parte yo esperaba ver lo primero, y me he encontrado lo segundo. En función de las expectativas de cada uno, el visionado puede ser más o menos satisfactorio. Y por eso creo que es importante que se avise a los espectadores, sobre todo a los comiqueros.

Luego tenemos a Nicolas Cage. Él es lo mejor y casi lo peor de la serie. Por un lado, su contratación tras poner la voz en las películas de animación era algo obligado, en eso no tengo dudas. Y Cage ha encontrado en Ben Reilly un vehículo fantástico para sus excentricidades actorales, aunque él las justifique al tratar de imitar el movimiento real de los arácnidos. El elemento torturado de Reilly tras la muerte de su amada antes de empezar la serie, que justifica que se encuentre torturado y casi alcoholizado, encaja como anillo al dedo en el rango interpretativo de Cage. Además, no se puede negar que él es el principal reclamo de la serie en lo referido al star-power de Hollywood. Cage es la única estrella de cine de la serie y su mera presencia vende la serie y anima a una parte de los espectadores a verle. Así que por esa parte, me parece perfecta la contratación de Cage para el papel de Ben Reilly.

Pero en realidad, Cage es un mal casting para la versión en imagen real de Ben Reilly. Cage era perfecto cuando se trataba de ponerle la voz en las películas de animación, pero el actor tiene 62 años y es demasiado mayor para el papel. Y ya no es que no pueda hacer las escenas de acción, que obviamente no puede. Es que cuando se plantea una relación amorosa con Cat Hardy, interpretada por la actriz Li Jun Li, no te puedes creer que esa femme fatale pueda enamorarse del anciano Reilly. Partiendo que obviamente Reilly en la serie no tiene 60 años, sino como mucho 40. Cosa en lo que Cage ya no resulta creíble. Y por mucho que Cage me encanta, el problema de este casting provoca una disociación que provocó que no conectara en muchos momentos con el drama del protagonista.

Esta situación creo que viene provocada por los propios estudios y su incapacidad de encontrar a la siguiente generación de estrellas de cine, que provoca que al final tengan que contratar a las mismas estrellas envejecidas de siempre. Algo que acaba siendo un problema evidente.

La serie usa algunos convencionalismos del noir, unidos a otros elementos que conectan con la sensibilidad identitaria woke que ha contaminado el mundo del entretenimiento americano.

Un Ben Reilly quemado es contratado para encontrar a un persona, que resulta ser un mutante con poderes piroquinéticos que quemó la casa del mafioso Silvermane. Reilly descubrirá que hay un grupo de personas con poderes que conectan con su propia historia y cómo consiguió él los poderes. Que esto conecte con la Primera Guerra Mundial y unos experimentos en un campo de prisioneros alemán me resulta una idea original que aleja a los personajes de los clichés más trillados del comic. Lo cual está bien.

Reilly conocerá a Cat Hardy, cantante y dueña de un club que en realidad es propiedad del mafioso Silvermane, interpretado por el veterano Brendan Gleeson. Hardy conecta con el arquetipo de femme fatale y son sus acciones las que provocan toda la serie. En los últimos años ha habido un cambio en el tratamiento y lo que simbolizaban las femme fatales, hasta el punto de quitarles la parte malvada para convertirlas en mujeres que siguen su propio destino y toman sus decisiones. Ejemplo de empoderamiento, vamos. Cosa que es exactamente lo que vamos a ver en esta serie, con Hardy tomando decisiones según su propio interés que benefician o perjudican a Reilly. Pero que no se toman desde un punto de vista de ser la villana de la serie, cosa que Hardy no es en absoluto.

Dentro que Silvermane es claramente el villano, en realidad la serie intenta humanizarle, al mostrarle como alguien que sufrió el hambre en la depresión antes de levantarse para convertirse en quien es. Algo que acaba provocando que tengamos a un villano muy poco imponente con una nula sensación de peligro. De alguna manera, la serie humaniza a la mayoría de teóricos villanos, como son las versiones de este mundo del Hombre de Arena y Tombstone. El único ser con poderes realmente malvado es la versión de Electro. En general, resulta super llamativo el intento consciente de la serie porque nadie sea realmente «malvado» en la serie.

La serie mantiene el misterio de cómo Ben consiguió sus poderes, cosa que no descubriremos hasta el quinto episodio. Ben se encuentra en medio de la lucha de poder de Silvermane y Alfred Morris, el alcalde de la ciudad que aspira a la reelección. A pesar de su manifiesta incapacidad y problemas con el alcohol, Reilly va saliendo adelante gracias a la ayuda de su amigo el periodista Robbie Robertson, que le pone en la pista de los crímenes de la ciudad, y de Janet Ruiz, su secretaria que es además una investigadora sagaz con contactos en la policía.

Aparte del problema de edad de Cage, el otro gran problema argumental de la serie es que Reilly en varios momentos se convierte en secundario de su propia serie. Sobre todo durante un climax final en el que son otros personajes los que resuelven la amenaza de Silvermane mientras The Spider (que ese es su nombre de superhéroe en esta Tierra) se enfrenta a los supervillanos en una descafeinada pelea final. Si a eso le sumamos el problema de unos villanos muy poco carismáticos y visualmente terriblemente sosos, tenemos una serie con problemas serios.

Comentaba al principio que Spider-Noir NO es una historia de superhéroes. Pero dicho esto, la serie destaca para mal en muchos momentos por lo cutre que luce todo. Hay un elemento llamativo que en realidad no es demasiado grave, pero que se ve. Y es que dentro de recrear la Nueva York de los años 30, los productores hacen que el 99% de las escenas «de calle» tengan lugar en la misma calle. Dentro que está rodado en estudio, claro. Esto no es super grave, pero provocó que la sensación fuera de una sitcom de los 80 y 90, y no de una serie de gran presupuesto de 2025. En realidad, esta sensación de sit-com es evidente porque el 80% de la serie está rodado en las mismas 5 localizaciones: La calle de Nueva York, el club de Cat y su habitación, el despacho de Ben y alguno más.

Es evidente que Spider-Noir NO es una serie barata. Pero en muchos momentos lo parece. El climax final de la serie en la calle delante de un teatro es super cutre. Y una parte puede ser por el efecto del blanco y negro en el CGI que comentaba antes. Pero otra parte es debido a unas escenas de acción super cutres con unas coreografías lamentables que no se si se pueden calificar como tales.

Luego tenemos a The Spider. Hay sólo un par de escenas con él balanceándose por la ciudad, y quedan pobres y sin chispa. Pero es que además por no ver ni siquiera vemos a Reilly escalar paredes o hacer las cosas que se suponen a un héroe arácnido. Su habilidad de tirar redes orgánicas es lo único que hace que Reilly se salga de la normalidad. Dentro que en realidad, los minutos en pantalla de The Spider son super escasos, porque tenemos el 95% del tiempo a Cage en su identidad de Ben Reilly.

Decía al principio que los espectadores tenemos que alegrarnos porque una serie como Spider-Noir se haya estrenado. Luego quien quiera que la vea y quien no, no. Pero una vez esto es así, lo cierto es que esta serie me ha parecido cutre y decepcionante en muchos momentos. Me da la sensación que este serie debería haber sido mucho mejor de lo que lo ha sido en realidad.

Mientras escribo estas líneas aún no se sabe si Spider-Noir va a tener una segunda temporada. En positivo tengo que decir que esta temporada ofrece una historia cerrada con un final satisfactorio a partir del arco de redención de Reilly, que termina aceptando que es The Spider y su obligación es ayudar a la ciudad. Si no hay más, al menos el final es el correcto. En caso de que se planteen hacer una segunda temporada, les recomendaría que pensaran bien la historia que quieren contar, y si realmente merece la pena.

Comparto el trailer de esta serie:

Spider-Noir es un experimento curioso que me parece increíble que haya llegado a hacerse realidad.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

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