Crítica de Clayface de James Watkins

Aprovechando la Fiesta del Cine vi Clayface, la película del origen del villano de Batman dirigida por James Watkins a partir de una historia de Mike Flanagan, que nos ha traído el descubrimiento del actor Tom Rhys Harries.

PUNTUACIÓN: 5.5/10

El meteórico ascenso de Matt Hagen, desde chico de la calle en Gotham hasta protagonista de Hollywood, se ve trágicamente truncado cuando las acciones de un jefe del crimen local lo dejan horriblemente desfigurado. Abandonado por su equipo y sin nada que perder, Matt busca un tratamiento de vanguardia que, milagrosamente, le devuelve su aspecto anterior… pero que también afecta inesperadamente su percepción de la realidad, sumiéndolo en una espiral destructiva de venganza que lo consume por completo. Película basada en el personaje de DC Comics.

James Thomas Watkins (Nottingham, 1973) es un cineasta inglés conocido por películas de terror como Eden Lake (2008), La mujer de negro (2012) y Speak No Evil (2024). También ha dirigido episodios de series como Black Mirror (2016) y The Ipcress File (2022), y fue creador, guionista, director y productor ejecutivo de la serie McMafia (2018).

Clayface nace con el interés del director y guionista Mika Flanagan por el personaje. Tras dirigirse a James Gunn y Peter Saffran, escribió un tratamiento que fue aprobado inmediatamente por DC Studios. Debido a problemas de agenda, Flanagan no pudo dirigir la película, para lo que se contrató a James Watkins. Finalmente, junto a Flanagan aparece acreditado en el guion Hossein Amini, que se encargó de la reescritura del guion de Flanagan.

La película de 108 minutos de duración ha contado con un presupuesto de 40 millones de dólares. Se rodó en Inglaterra, con fotografía de Rob Hardy, recién acabado su trabajo en Supergirl, montaje de Jon Harris y música de Volker Bertelmann.

El gran descubrimiento de la película es el actor Tom Rhys Harries como Matt Hagen, el actor que en la cresta de su fama como actor es desfigurado por un gangster de Gotham. Naomi Ackie interpreta a la doctora Caitlyn Corr, una científica crea el tratamiento de regeneración celular al que se somete Matt y de quien Matt se enamora. David Dencik es Markos Szabo, el mafioso que desfigura a Matt, Max Minghella hace de John Borrelli, un detective de la policía de Gotham City que sale con Caitlyn mientras que Eddie Marsan interpreta a Frank Fitzpatrick, el agente de Matt. En el resto del reparto tenemos a Nancy Carroll como Hildie Love, la agente de Matt, Joshua James como Corey Bowery, el mejor amigo de Matt, y Joana Ribeiro como Mia Torrez, la amante de Markos.

Empezando en positivo, la historia de Matt Flanagan plantea una buena historia de origen del personaje. Flanagan, y luego la reescritura de Hossein Amini ofrecen una historia que no hace trampas y permite que haya una progresión en la historia lógica que nos lleve hasta su inevitable conclusión. Tenemos tantas películas recientes avergonzándose del material de base que hay que agradecer ver una película que no lo haga.

Como escribía antes, el gran descubrimiento de la película es el actor Tom Rhys Harries. Harries crea a un personaje trágico que lo va a perder todo y una vez descubra sus habilidades va a iniciar una venganza contra todos los que llevaron a esa situación. La película puede ser su plataforma de lanzamiento hacia el estrellato, porque creo que realiza un trabajo estupendo. Junto a Harries, creo que todo el reparto lo hace bien y cumple con lo que la historia necesita de ellos, empezando por Naomi Ackie como la doctora Caitlyn Corr, Joshua James como el mejor amigo de Matt Corey Bowery, Max Minghella como el policía John Borrelli que al mismo tiempo sale con Caitlyn, o Eddie Marsan como el traicionero agente de Matt Frank Fitzpatrick. Todo el mundo está bien, pero no notable, como la película en general.

Me ha gustado también la fotografía de Rob Hardy, que ayuda a crear unas imágenes elegantes que ayudan a contar la historia de la mejor manera posible. Al mismo tiempo, la duración de 108 también me parece perfecta para una película que puede desarrollar la trama de forma adecuada, permitiendo la escalada en los poderes de Matt Hagen que nos lleva hasta su casi inevitable final. Un final que lamentablemente ofrece un climax fallido, como la película en su conjunto.

Y es que lamentablemente Clayface es una película plana y, al final, decepcionante. Empezando porque James Watkins no parece tener claro qué tipo de película tiene entre manos. Clayface es una película de terror que no da miedo en ningún momento. En el arranque hay un par de escenas que podrían conectar con el body-horror y que resultan malrolleras. Dicho en positivo. Empezando por la agresión a Matt Hagen por los mafiosos, y un momento en una operación de cirugía en la que le levantan la nariz y se ve el hueso destrozado por debajo. Estas escenas planteaban el germen de una buena película de terror que nunca llega.

Dentro que todo en la historia es correcto, la indefinición de Watkins hace que la película de terror se transforme en una historia de venganza bastante convencional, en la que todo está mostrado de la forma menos impactante e interesante posible. Fruto de la falta de habilidad narrativa de Watkins, a la historia le falta tensión o una progresión dramática interesante. Por eso, dentro que como comentaba antes el final casi es inevitable, está rodado de forma mediocre. De forma que su venganza contra los mafiosos es decepcionante y el climax emocional de Matt con Caitlyn resulte un bluff.

Otro de los problemas de Clayface es que aunque todo en la historia es correcto y cubre las bases esperables de este tipo de historia, en realidad no hay ninguna profundidad psicológica en el personaje de Matt Hagen, quedándose siempre en la superficie de lo que debería haber sido. Además, quizá en parte por un trailer que mostraba algunos de los momentos impactantes de la película, como el momento en que Matt intenta abrir sus ojos con una tijera en el servicio de un avión, al cerrarse la «arcilla» sobre ellos, tenemos una película sin ninguna sorpresa porque todo se ve venir a la legua. Y en positivo agradezco que el guion no haga trampas, pero todo es super plano y evidente.

Los efectos de maquillaje de Clayface creo que están bastante bien, con momentos malrolleros cuando los nanobots que han reconstruido la cara de Matt fallan por el stress y la cara se le deforma. No hay apenas escenas con CGI, lo que ayuda a abaratar una película que no necesita ser un gran éxito de taquilla para que resulte rentable para Warner.

La música y el montaje están en la misma línea plana de la película. Por cierto, Clayface está ambientada una gran parte del metraje en Gotham City, pero más allá de la existencia de un río que parte en dos la ciudad no plantean nada que resulte reconocible, más allá de alguna mención a los Narrows. Dado que esto siempre se planteó como una historia aislada sin ninguna conexión a nada, no es un problema. Pero si hay que comentarlo.

En este punto reconozco que los espectadores y lectores veteranos hemos visto y leído mucho. Y las cosas evidentes para mi a lo mejor a un espectador joven le han podido impactar. Pero lo cierto es que muchos momentos de Clayface me recordaban a momentos leídos en los comics o vistos en Darkman de Sam Raimi o en la serie Batman: The animated series. Y en todos los casos Clayface salía perdiendo en la comparación. Y ya tiene delito que unos dibujos animados para niños tengan más profundidad psicológica que esta película destinada a un público adulto.

Como digo, no suspendo a Clayface porque no creo que sea una mala película. Pero tampoco es una película especialmente buena en nada. Igual que digo que me ha gustado mucho el trabajo de Tom Rhys Harries, creo que James Warkins no ha estado a la altura del encargo. Lo que provoca la sensación decepcionante que tiene el conjunto. Dado que vi la película a precio reducido gracias a la Fiesta del Cine no me arrepiento de verla, pero si salí con la sensación que la película debería haber sido mucho mejor de lo que ha sido.

Y aunque es un tema separado del visionado de Clayface, no puedo dejar de comentar la estafa de la propuesta hasta ahora de DC Studios, que prometía devolver el heroismo al centro de su actividad y se están centrando en historias de villanos asesinos como The Penguin, Supergirl y Clayface, series que se avergüenzan del género como Lanterns y como mucho de antihéroes como Peacemaker o Creature Commandos. Está claro que Clayface no era el lugar indicado, pero parece que los héroes ni están ni se les espera en DC Studios. Lo cual es otra decepción mucho mayor que la indefinición de este Clayface. Que estén anunciando ahora el desarrollo de una serie de Poison Ivy, en la que sin duda la villana de Batman será una víctima de la sociedad capitalista que la obligará a convertirse en una villana, no es más que la confirmación de esta realidad.

Comparto el trailer de la película:

Me sabe hasta mal lo plana y falta de todo que es Clayface. James Watkins ha deslucido los buenos trabajos del actor y de Mike Flanagan.

PUNTUACIÓN: 5.5/10

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Crítica de Caballero Luna: Puño de Khonshu 3 de Jed MacKay y Domenico Carbone (Marvel Comics – Panini

Termina Caballero Luna: Puño de Khonshu con un tercer volumen escrito por Jed MacKay con el dibujo de Domenico Carbone y el color de la habitual Rachelle Rosenberg. Un volumen en el que asistiremos a la fiesta por el 50 cumpleaños del protagonista.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

¡FELIZ CUMPLEAÑOS, MARC SPECTOR! ¡ATENCIÓN, MARVELITAS! El año 2025 marca cincuenta años de peleas a puño limpio a la luz de la luna: ¡CINCUENTA AÑOS DE MOON KNIGHT! Con más de un regreso sorpresa del pasado de Marc Spector, Jake Lockley y Steven Grant —lo que puede hacer que su etapa como el Merodeador de la Luz de la Luna sea más complicada —y PELIGROSA— que nunca.

NO ES UN CAZAFANTASMAS… pero hará ese trabajo extra. Para saldar una cuenta pendiente, Marc Spector, también conocido como MOON KNIGHT, debe ayudar a WRECKER a librarse de los fantasmas de su pasado… ¡excepto que estas apariciones son reales! Acosado por los espíritus de las víctimas de sus fechorías pasadas, la última esperanza de Wrecker es Moon Knight, ¡quien decide dejar que Wrecker se enfrente a su propio juicio fantasmal!

Este volumen incluye Moon Knight: Fist of Khonshu 11-15 USA.

Este volumen arranca con el especial cumpleaños de Marc Spector Caballero Luna. Parece que fue ayer cuando Doug Moench y Don Perlin presentaron a un mercenario con un aspecto peculiar enfrentándose al Hombre Lobo en Werewolf by Night 32 (1975). Este número es especial por su contenido, aunque estamos ante una grapa normal de 20 páginas. Y en esta grapa Jed MacKay despliega toda su calidad como escritor para darnos una de las historias más redondas, emocionantes y satisfactorias de los últimos tiempos.

MacKay plantea esta grapa con una premisa llamativa. Mientras los amigos de Marc Spector preparan la fiesta de cumpleaños, nos miran a nosotros como si fuéramos los lectores los invitados especiales. Este punto de vista subjetivo sirve para que los socios y amigos de Marc nos pongan al día, recordándonos además que esta etapa plantea como uno de sus ideas claves que Marc no tiene que estar sólo. Cuando por fin se confirma la identidad del invitado sorpresa que estaba siendo nuestros ojos, es un momento super emocionante. Conseguir crear esta emoción en una grapa tan acertada está al alcance de muy pocos escritores mainstream actuales.

El arco principal de este volumen lo compone la historia La maldición de El Destructor, en la que el clásico villano de Marvel pide ayuda a Marc cobrándose la deuda que Caballero Luna tiene con él por ayudar a resucitarle durante el evento Caza Sangrienta. El Destructor está siendo acosado, literalmente, por fantasmas de su pasado. En concreto, por los fantasmas de la gente a los que asesinó en sus numerosos ataques a Nueva York. En este arco tendremos dos invitadas especiales. Por un lado, Clea, que me encanta siempre que aparece, y la sorpresa del retorno de Layla El-Faouly, la antigua socia de Marc de sus tiempos de mercenario, que tras morir se ha convertido en Escarabajo Escarlata. El personaje presentado en la serie de televisión de Disney+ da el salto al mundo del comic. Tras fallecer, Layla en su encarnación super heroica se encarga de vigilar el equilibrio entre los vivos y los muertos.

El villano de este arco Ejecutor plantea un drama muy interesante que funciona casi a nivel meta. El drama de secundarios (casi personajes de atrezzo) que son destrozados por los villanos, o durante la lucha entre héroes y villanos y que son olvidados mientras la acción se mueve a otra parte. Que alguien quiera darle voz a esos fallecidos resulta interesante, aunque sea usándoles de forma equivocada. Para ser un arco de cuatro números, MacKay mueve la acción de forma magistral dejando claro desde el inicio las apuestas del juego y el problema al que se enfrenta Marc al tener que defender a un ser despreciable por estar en deuda con él. Una deuda que sólo ve él, todo hay que decirlo.

MacKay sigue en plena forma y nos está dando una de las mejores etapas de Caballero Luna de toda su historia. Sin embargo, lamento tener que decir que este tomo queda super deslucido por el dibujo de Domenico Carbone. El color de la habitual Rachelle Rosenberg en realidad me parece que está muy bien como siempre, ayudando a crear la ambientación onírica fantasmal que necesita Caballero Luna. Pero el dibujo de Carbone simplemente es que no está al nivel. Y es una pena, porque las historias de MacKay merecían algo mejor.

Leo este comic y me deja con la lamentable sensación que Marvel ha decidido que dado que el comic no vende tanto, no merece la pena emplear a sus mejores dibujantes en esta comic. Y por eso hemos pasado en poco tiempo del dibujo Top de Alessandro Capuccio, a la opción B de Devmalya Pramanik, para ahora estar ya en el nivel C o D de dibujantes, con Domenico Carbone. Y joder, es una sensación chunga, la verdad. Porque incluso aunque Caballero Luna me parece lo mejor de Marvel ahora mismo, si los editores no creen en el comic, lo que deberían hacer es cerrarla en lugar que hacer que los lectores compradores tengamos que sufrir una agonía tan penosa.

Seguiré comprando el siguiente arco, pero cuando la calidad baja, es normal que cada vez el comic se venda menos. Debería ser obligación de los editores revertir esto, pero claramente están a otras cosas. Qué sensación más fea.

Comparto las primeras páginas del número 11 USA:

Jed MacKay continúa su etapa triunfal en Caballero Luna, aunque lamento decir que el dibujo de Domenico Carbone ha deslucido este arco.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

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Crítica de Matabot temporada 1 (Apple TV)

Aprovechando mi suscripción a Apple TV para ver Ted Lasso, he visto la primera temporada de Murderbot (Matabot) comedia de ciencia ficción protagonizada por Alexander Skarsgård en la que un robot de seguridad adquiere independencia.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

En un futuro tecnológico, un robot de seguridad rebelde consigue en secreto voluntad propia. Para no llamar la atención, se une a regañadientes a una nueva misión. Debe proteger a unos científicos en un planeta peligroso… aunque solo quiere ver culebrones.

Murderbot es una creación de Paul Weitz y Chris Weitz para Apple TV. Está basada en «All Systems Red», el primer libro de la serie «The Murderbot Diaries», de Martha Wells, quien ejerce de productora asesora. Esta primera temporada ha tenido diez episodios que han sido dirigidos, además de por los hermanos Weitz, por Toa Fraser, Aurora Guerrero y Roseanne Liang. Me alegro descubrir que la serie ha sido renovada para una segunda temporada.

En el reparto tenemos a Alexander Skarsgård como Murderbot, el protagonista absoluto de la serie. Murderbot tiene que proteger a un grupo científico en un planeta remoto formado por Noma Dumezweni como Ayda Mensah, especialista en terraformación, presidenta de la Alianza para la Preservación y líder del equipo, David Dastmalchian como Gurathin, experto en tecnología y humano aumentado, Sabrina Wu como Pin-Lee, científica y asesora jurídica del equipo, Akshay Khanna como Ratthi, un experto en agujeros de gusano, Tamara Podemski como Bharadwaj, una geoquímica y Tattiawna Jones como Arada, una bióloga.

Además, como parte del reparto de la serie dentro de la serie *The Rise and Fall of Sanctuary Moon* que le gusta ver a Murderbot tenemos a John Cho como Eknie Jef Chem (en el papel del capitán Hossein), Jack McBrayer como Breiller MocJac (en el papel del oficial de navegación Hordööp-Sklanch), Clark Gregg como Arletty (en el papel de la teniente Kullervv), DeWanda Wise como Pordron Bretney III Roche (que interpreta a NawBot 337 Alt 66.

Me ha gustado mucho Murderbot. Me parece que tiene mucha gracia a partir de lo interesante de la premisa y de tener como narrador al protagonista, un robot Sec-Unit (unidad de seguridad) que ha desactivado el módulo regulador que le obliga a obedecer todas las órdenes que reciba de un humano. Debido al miedo a ser descubierto y fundido al ser un robot rebelde, Murderbot decide intentar pasar inadvertido, lo que le hace acabar al servicio de un grupo de científicos hippies que se encuentran en un planeta casi inexplorado que va a demostrarse lleno de peligros. Y él es el robot de seguridad que tiene que protegerles.

El humor es siempre el mismo. En contraste a unos científicos que son unos hippies buenistas que todo lo ven de color de rosa, Murderbot está asqueado de estar rodeado de humanos que hacen lo contrario a lo que sería seguro para asegurar su seguridad. El humor a partir de los comentarios que hace este robot a partir de cualquier comentario que le haga la tripulación, o de los problemas en los que se meten por no hacerle caso. Alexander Skarsgård está perfecto para este papel hierático que añade un montón de ironía en sus diálogos en voz en off.

Los miembros de la tripulación son un casting estupendo, empezando por la líder del grupo Ayda Mensah, interpretada por Noma Dumezweni. También me gustó mucho David Dastmalchian como Gurathin, humano aumentado experto en tecnología que desde el principio desconfía de su sec-unit. Este grupo son personas bastante heterogéneas y se verán superados por los diferentes problemas a los que se van a enfrentar. Suerte que Sec-Unit (Murderbot) estará allí para ayudarles. Junto a ellos tenemos a un montón de caras conocidas protagonizando el serial que le gusta ver al robot. Este serial es un poco una chorrada, pero es otro elemento que enfatiza el elemento de comedia de esta serie.

Como serie de comedia, los episodios tienen una duración aproximada de media hora cada uno. Esto hace que cada episodio vuele y termine en un suspiro. Sobre todo porque están pasando cosas interesantes en todos y cada uno de ellos, con un montón de giros y sorpresas que hicieron que Murderbot fuera super adictiva.

Y aunque estamos en una comedia, el mundo futuro en que se desarrolla la acción no tiene nada de utópico ni divertido. A lo largo de la serie veremos que la gente es esclavizada por las grandes corporaciones, que usan a los robot para matar a los que protestan. Los intereses económicos priman, lo que hace que la vida de unos investigadores en un planeta remoto no valga nada si se encuentran con algo inesperado de mucho valor. Que en este contesto bastante deprimente puedan hacer humor me parece parte del gancho que tiene la serie.

Aunque hay poca acción y efectos especiales, los que hay me parecen super chulos. Empezando por los gusanos que habitan este planeta, los vuelos de la nave de los científicos o los combates en que se verá metido el Sec-Unit para proteger a los humanos. Todo en Murderbot me ha gustado mucho.

Y a pesar de estar en una comedia, el final de la temporada me ha parecido un momento super triste y emocionante a la vez. Triste por lo que renuncia, pero ilusionante por las puertas que abre de cara a nuevas historias protagonizadas por Murderbot.

Murderbot es una comedia ligera, pero me ha resultado tan diferente a todo lo que estaba viendo, que me ha hecho pasar un rato estupendo. Me alegro que la serie fuera renovada, porque los viajes de este robot que quiere labrarse su propio destino pueden resultar super entretenidos. Tal y como termina esta primera temporada, ahora mismo las opciones están todas abiertas, cualquier cosa es posible. Estaré atento a Murderbot.

Comparto el trailer de esta serie:

Murderbot me ha resultado una sorpresa total. Y además es superdivertida. Ojalá hagan pronto la segunda temporada, la veré seguro.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de Whalefall de Brian Duffield

Aprovechando la Fiesta del Cine vimos Whalefall, survival dirigido por Brian Duffield en el que un joven submarinista es tragado por una ballena y tendrá que hacer todo lo posible para sobrevivir.

PUNTUACIÓN: 7/10

Tras la muerte de su padre, Jay Gardiner se sumerge en la costa central de California en busca de sus restos. En esa búsqueda, es tragado por una ballena. Atrapado en su interior y con solo una hora de oxígeno restante, Jay se da cuenta de que las lecciones que su padre le enseñó pueden ser la clave para escapar.

Brian Duffield (Pensilvania, 1985) es un director estadounidense. Escribió y dirigió la comedia negra Spontaneous (2020) y la película de terror y ciencia ficción Nadie te salvará (2023). Duffield dirige, produce y coescribe el guion de esta película junto a Daniel Kraus, escritor de la novela en que se inspira la película.

Whalefall está producida por 20th Century Studios con un presupuesto de 60 minutos de duración. La película de 106 minutos de duración cuenta con fotografía de Aaron Morton, montaje de Pietro Scalia y música de Joseph Trapanese.

En el reparto encontramos a Austin Abrams, al que acabo de descubrir gracias a Resident Evil, interpretando a Jay Gardiner, el joven que será engullido por una ballena. Josh Brolin es Mitt Gardiner, el padre de Jay recientemente fallecido. Elisabeth Shue es Zara, la madre de Jay. John Ortiz interpreta a Hewey, amigo de Mitt y dentista jubilado, mientras que Jane Levy y Emily Rudd interpretan a las hermanas de Jay Eva y Nan.

Whalefall nos cuenta como tras la muerte de Mitt Gardiner (Josh Brolin), su hijo Jay intentará recuperar sus restos que reposan en el fondo del mar. Jay no se hablaba con su padre porque era un padre despótico que estaba obsesionado con que su hijo dominara todo lo relativo al mar, al mundo marino y a la técnica de submarinismo. Durante su inmersión, Jay verá como una ballena enorme persigue a un calamar gigante. Intentando recordar las enseñanzas de su padre, Jay tendrá que intentar sobrevivir sea como sea.

La película ofrece un poco lo que se espera de ella, un survival en un espacio reducido que puede ser mortal para el protagonista. En otro contexto, estariamos antes una continuación espiritual de películas como Buried o Blindado. Y lo primero a destacar es que para ser una película con casi un único actor en pantalla en un espacio cerrado la mayor parte del tiempo, construye una buena tensión que hace que la película no se haga aburrida o repetitiva. Bueno, un poco larga si se hace, pero globalmente Whalefall me parece un éxito.

Dentro del intento de que la película no se haga aburrida, Whalefall nos enseña el interior de una ballena. Y no se si es correcto o no, quiero pensar que si, pero he aprendido que tras tragarse a sus presas, las ballenas tienen un espacio anterior al estómago en el que sus paredes se comprimen para asfixiar y matar a sus víctimas. Luego, en el estómago, los jugos gástricos son ácidos que deshacen los cuerpos para alimentar a este memífero marino. Jay pasará por ambas en su lucha por sobrevivir.

Como en Resident Evil, Austin Abrams es el protagonista perfecto de Whalefall. Abrams interpreta a un típico chaval normal que vive con el trauma de los problemas que sufrió con su padre. Jay se va a meter en una situación extraordinaria en que lo normal es que no sobreviva. Y me ha encantado su interpretación, sufriendo gran parte del tiempo no solo en lo físico, sino en lo emocional. La lucha por la supervivencia va a servir para que Jay se reconcilie con la figura de su padre, ya que en el momento clave sus enseñanzas serán claves.

Aunque Abrams está en pantalla el 95% del tiempo, Me ha gustado el papel de Josh Brolin como el exigente e intransigente padre de Jay, Mitt. Y aunque su papel es super corto, es un placer ver a Elisabeth Shue interpretando a la madre de Jay.

Otra de las claves de Whalefall es el diseño de producción para mostrar el interior de la ballena, sumado a los efectos especiales para las escenas submarinas. Y en ambos aspectos, la película es un acierto total. De nuevo, no se nada de anatomía de ballenas, pero su interior resulta asqueroso y peligroso, incluso moviéndose de forma inconsciente. La representación de la ballena y el calamar gigante me parece brillante. Como digo, todo lo que plantea esta película está resuelto de forma acertada.

Dentro que la duración es ajustada, tengo que reconocer que la película se me hizo un poco larga. Nada grave, pero el nivel de sufrimiento de Jay está a un pelo de ser excesivo y repetitivo. No llega a serlo, pero igual 5 minutos menos hubiera sido preferible. Además, en la parte de superación emocional, Jay tiene una evolución que podría decirse que es una pura alucinación. Aunque en el fonda da igual cómo lo haga mientras consiga sobrevivir.

Whalefall es una buena película. Verla aprovechando la Fiesta Del Cine me salió a cuenta. Valoro muy positivamente la diferencia frente a otros thrillers más convencionales ambientados en la naturaleza. Pero dentro que todo me ha gustado, también es cierto que nada me ha flipado. Está bien, y punto. Lo cual tampoco es algo negativo en absoluto. Sabiendo a lo que vas, la película ofrece un entretenimiento genial a partir de ver cómo el chaval protagonista las pasa putas para sobrevivir.

Comparto el trailer de la película:

Whalefall es justo lo que parece. Y se trata de una película muy acertada que es honesta a partir de lo que plantea.

PUNTUACIÓN:7/10

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Crítica de Void Rivals 34 de Robert Kirkman y Conor Hughes (Image Comics)

Void Rivals 34 de Robert Kirkman, Conor Hughes y Patricio Delpeche se complica con la presentación de Predacron, un cazador de recompensas que tiene una cuenta pendiente con ROM.

PUNTUACIÓN: 8/10

ROM contra el temido PREDACRON, ¡el cazarrecompensas favorito de todos!

¡Un momento! ¿De quién es este comic, al fin y al cabo?

Void Rivals sigue aumentando su alineación de personajes, y la cosa no puede estar más apasionante. Por si arak, Solila, Pythona y su guardia real, Skuxxoid y Wreck-Gar no fueran Suficientes, la llegada de ROM ha alterado completamente la colección. Y en este número descubriremos que ROM tiene precio por su cabeza, que existe una Autoridad Galáctica que quiere ver a ROM detenido, y que el cazador de recompensas super poderoso Predacron quiere cobrarla. Se entiende que hablamos de una Autoridad Galáctica DIFERENTE a Autobots, Decepticons o Quintessons. Lo que nos lleva a la pregunta, ¿Pero cuántos seres pueblan en universo?

Aparte de la parte geopolítica, lo cierto es que Void Rivals es un comic superdivertido. Los diálogos de Robert Kirkman son alucinantes. Como cuando Solila le pide a Darak que no flirtee con Pithona, o Rom contestando a Predacrom que la amistad no se mide por cuan poderosos son tus amigos. Tenemos a Kirkman tan ubicado en las salvajadas y en los golpes de efecto de The Walking Dead o Invencible, que a veces se nos olvida que también es un gran dialogista. Como siempre en Voir Rivals, termino de leer esta grapa y no puedo más que asombrarme de lo bien que me lo he pasado, del montón de cosas que han pasado, todas interesantes, y el maravilloso cliffhanger con el que nos deja. Es que parece fácil, pero lo que hace Kirkman TODOS LOS COMICS me parece que es algo al alcance de casi ningún otro escritor actual.

Y por supuesto, si el comic es un triunfo es también gracias al espectacular dibujo de Conor Hughes con el color de Patricio Delpeche. Hughes es un narrador extraordinario, y plantea el combate de Predacron y ROM de forma super dinámica, planteando una coreografía de acción en la que siempre sabemos donde está cada personaje. Pero además de la acción, me encantan las caras de todos los personajes. Hughes les da una personalidad tremenda, consiguiendo que empaticemos casi con cada personaje. Por ejemplo, el momento en que Predacrom hiere a Carpet, el bicho-manta que acompaña a ROM, es una imagen dolorosa porque Carpet (alfombra) ya era un miembro más del grupo. Espero que no esté muerto…

Void Rivals es la unión perfecta de una historia maravillosa que no para de crecer en escala con unos personajes super carismáticos. Con un guion y un dibujos perfectos para lo que necesita la historia. No se le puede pedir más a un comic.

Comparto páginas de este número:

Void Rivals consigue sorprender, entretener y dejarme con una sonrisa con cada nuevo número. ¡Qué pasada! Un comic que nadie debería perderse.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

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Repaso a mi Sci-fi favorito: comics, películas, TV y libros