Crítica de La constelación del perro de Ridley Scott

Estoy un poco cansado de las moralinas que se esconden detrás de las numerosas películas ambientadas en futuros distópicos en los que la humanidad ha sido casi aniquilada como consecuencia de sus propias acciones. A pesar de ello, me fui al cine a ver la última película de Ridley Scott, La constelación del perro.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

En un mundo postapocalíptico, un virus ha aniquilado a prácticamente toda la humanidad. Los supervivientes se enfrentan a unos carroñeros errantes llamados ‘segadores’. Hig, un piloto, sobrevivió a la gripe pero perdió a su mujer. Adaptación de la aclamada novela ‘La constelación del perro’, de Peter Heller. (FILMAFFINITY)

Sir Ridley Scott (Inglaterra, 1937) va a cumplir 89 años a final de este mes de noviembre. Y ya me gustaría llegar a su edad con la vitalidad y la cabeza del director inglés, uno de los grandes directores del cine comercial de los últimos 40 años. Debutó como director de cine con Los duelistas (1977) y obtuvo un mayor reconocimiento con su siguiente película, Alien (1979). Sus películas abarcan un amplio abanico de escenarios históricos, desde la Roma del siglo II en Gladiator (2000), la Jerusalén del siglo XII en El reino de los cielos (2005), la Inglaterra medieval en Robin Hood (2010), la antigua Menfis en Éxodo: dioses y reyes (2014), la Mogadiscio contemporánea en Black Hawk derribado (2001) y los paisajes urbanos futuristas de Blade Runner (1982) y diferentes planetas en Alien, Prometheus (2012), The Martian (2015) y Alien: Covenant (2017). Varias de sus películas también son conocidas por sus fuertes personajes femeninos, como Alien, Thelma & Louise (1991) o La Teniente O´Neil (1997). Y en general ha demostrado que puede hacer lo que quiera, con películas como Black Rain (1989), Legend (1985), Hannibal (2001) o American Gangster (2007). Aunque en alguna ocasión parecía perder el rumbo como con Prometheus (2012), luego se saca de la manga peliculones como The Martian (2015) que demuestran que quien tuvo retuvo. En los últimos años y ya sobrepasando los 80 años, Scott parece que se encuentra en una madurez creativa en la que no quiere parar ni un segundo, quien sabe si por el temor de no poder rodar más adelante. El último duelo (2021), La Casa Gucci (2021), Napoleón (2023) y Gladiator 2 (2024) se han rodado una detrás de la otra sin casi un segundo de respiro.

La constelación del perro cuenta con un guion de Mark L. Smith (El renacido, Twisters) basado en el libro del mismo título de 2012 de Petter Heller. La película de 118 millones de presupuesto ha contado con un presupuesto de 70 millones de dólares, y cuenta con fotografía de Erik Messerschmidt, montaje de Sam Restivo y Claire Simpson, y música de Harry Gregson-Williams

En los papeles principales tenemos a Jacob Elordi (Saltburn, Frankenstein, Cumbres borrascosas) como Hig, un piloto civil que vive con su perro Jasper. Josh Brolin interpreta a Bangley, un exmarine armado hasta los dientes que vive con Hig en un antiguo aeródromo en Erie Colorado. Margaret Qualley interpreta a Cima, una joven médico que vive con su padre, Pops, interpretado por Guy Pearce, propietario de un rancho escondido entre las montañas. Allison Janney interpreta a Darlene, una antigua azafata que dirige un aeropuerto en Grand Junction, Colorado, y Benedict Wong, en el papel de Aaron, el líder de un grupo menonita en las montañas, completan el reparto principal.

En los últimos años, Hollywood ha manoseado de forma super exagerada los futuros distópicos en los que algo ha diezmado la población mundial y los supervivientes tienen que luchar por sobrevivir. Sin embargo, al ser Ridley Scott le di una oportunidad a La constelación del perro, su última película. Y de alguna manera entiendo que aunque el género esté manoseado, en realidad Ridley quería probar hacer su versión. Y es algo que hay que respetar.

La temática es la habitual en este tipo de historias. Una epidemia de gripe super contagiosa y letal diezmó el planeta hace pocos años. El protagonista Hig (Jacob Elordi) sigue traumatizado por la muerte de su mujer, que murió estando embarazada. Hig vive en un aeródromo con su perro Jasper y con Bentley (Josh Brolin), un ex-militar cuya filosofía es matar a cualquiera que se encuentren, antes que esas personas les maten a ellos. Hig piensa que deben poder aspirar a algo más en esta vida, y se mueve con una avioneta CESSNA buscando provisiones en Denver y otras ciudades que se encuentran abandonadas. A pesar de las reticencias de Bentley, Hig ayuda a unos vecinos, miembros de una secta menonita, que cultivan una granja y cuidan a unos niños enfermos. En sus viajes, Hig intenta evitar las tribus de saqueadores caníbales que se dice que están moviéndose por la zona arrasando por donde pasan.

En alguna ocasión durante algún vuelo Hig ha escuchado un mensaje de radio proveniente de Grand Junction, Colorado. Un viaje demasiado largo, dado que el depósito del avión no le da para llegar hasta allí y volver con seguridad. No es hasta que sufren una tragedia que Hig decide hacer una locura y abandona el aeródromo, marchando hacia Grand Junction para ver si de verdad queda una comunidad de gente viva allí. Tras tener que realizar un aterrizaje de emergencia, Hig conocerá a Cima (Margaret Qualley) y a su padre Pops (Guy Pearce), que viven en una granja escondida entre montañas aislada del mundo. Poco a poco, se hará amigo de ellos y le ayudarán a reparar la avioneta y construir una pista de despegue para poder seguir su camino.

Las principales novedades de La constelación del perro vienen del hecho que Hig se mueve con avioneta, algo poco habitual en este tipo de cine. Esto permite a Ridley Scott filmar escenas super bonitas con los viajes de Hig y su perro Jasper. En general, si algo bueno tiene esta película es que Scott la ha rodado de forma magnífica, ofreciendo momentos visuales geniales. La narrativa cinematográfica de Scott es la de un maestro. Por esto no es extraño que la película sea super entretenida y nunca aburra, a pesar de su naturaleza episódica.

Hay un montón de momentos rodados en localizaciones naturales, pero entiendo que Scott usa CGI por ejemplo cuando Hig llega a Denver a reaprovisionarse. La ciudad está desierta y la naturaleza se abre camino, y entiendo que todos los fondos de la ciudad están hechos con CGI. También durante la embestida de los búfalos, que se han reproducido libremente al no tener a los humanos cazándoles. Como digo, Scott ha usado bastante CGI, pero lo mejor es que está super bien integrado, de forma que en realidad no notas en efecto, te lo crees cuando lo estás viendo.

La música, el montaje y el diseño de producción de esta película me parece que están super bien, ayudando a que la experiencia cinematográfica esté muy bien.

El otro punto fuerte de La constelación del perro es su reparto. Jacob Elordi transmite que Hig es una buena persona que no se resigna a una vida en soledad y quiere ayudar a los que pueda. El papel de «pibón» triste por la muerte de su mujer le va como anillo al dedo a sus puntos fuertes actorales. Creo que Elordi lo hace muy bien y aguanta una película en la que la cámara en realidad le está siguiendo los pasos el 85% del tiempo. Dicho esto, tengo que decir que Elordi NO va a ser una estrella. Lo hace bien, pero su figura no resulta magnética en pantalla como con los Pitt, Clooney o Cruise. Que sí son estrellas que hacen que su mera presencia haga que quieras gastarte tu dinero en la entrada. En todo caso, no es una crítica a Elordi, que lo hace bien en la medida de sus posibilidades.

También me gusta la interpretación de Margaret Qualley como Cima. En este sentido, aunque su papel es menor al de Elordi, Qualley tiene un rango interpretativo mucho mayor, añadiendo pequeños matices a su personaje que me han gustado bastante. Cima también perdió a su marido por la pandemia y le señala a Hig que no tiene el monopolio del duelo, dado que ella también lo sufre y no se resigna a estar sola, abriéndose a la posibilidad de volver a encontrar el amor.

La mera presencia de Josh Brolin y Guy Pearce aumenta la calidad de la película, dentro que hacen papeles muy parecidos. Al ser dos veteranos duros que no permitirán que nadie les arrebate lo que es suyo. Con el añadido de Pops de querer cuidar a su hija, sobre todo de desconocidos buenorros que llegan a la puerta de su casa.

La constelación del perro es una película entretenida muy bien filmada y mejor interpretada. Pero tiene un problema nuclear insalvable. Y es que todo suena a ya visto innumerables veces. Provocando que no haya ni una sola sorpresa en toda la película, moviéndose todo el rato por situaciones esperables. Incluso en la naturaleza circular del viaje de Hig. Ver una historia tan telegrafiada ha sido bastante decepcionante. Por ejemplo, que haya una crítica hacia «los ricos», mostrándoles como unos parásitos que se aprovechan de la buena voluntad de las personas inocentes. Hasta eso se ve venir.

Estoy manteniendo la reseña lo más libre de spoilers posible, pero también hay que destacar que la película se mueve por un tono super realista para este drama post-apocalíptico. Sin embargo, este tono salta por los aires con los momentos más peliculeros que Scott añade a la película, que no están en la novela. Como el asalto de ¿50? saqueadores al aeródromo defendido por Bentley (Brolin). Un ataque con momentos visuales guapísimos, como el ataque de Bentley usando gafas de visión nocturna. Pero que se va de madre completamente. La llegada a Grand Junction se va de madre también. Algo que no digo con connotación positiva.

Este tipo de películas no hay que sobre analizarlas. Pero reconozco que tengo un problema fundamental con el género. Y es que en realidad no me creo que una gripe pueda llevar a la destrucción de la humanidad hasta el punto que todas las estructuras sociales se desmoronen. Incluso aceptando que pueda morir el 95% de la humanidad.

Digo esto porque la presencia de estos «saqueadores» no tiene sentido. Por supuesto, su existencia parte de que se espera que existan en una historia de estas características. Pero pensando que la pandemia fue hace ¿8-9? años, no me creo que hayan tribus de ese tamaño que hayan involucionado de esa manera en tan poco periodo de tiempo. Porque no hablamos de 50 años y generaciones de gente que han nacido en el apocalipsis, son gente que conoce la agricultura y la pesca y las comodidades que tenían en la sociedad anterior. Aparte, no tiene sentido que sean saqueadores que maten a todo el que se encuentran cuando hemos visto que la vida natural ha aumentado y hay numerosos animales que pueden cazar para alimentarse. Entendiendo su función en la historia, no me lo creo. Y eso afecta al disfrute de la película.

Luego hay otro aspecto que podría ser menor pero en realidad no lo es. Hace unas semanas (¿meses?) leí que un ejecutivo importante de Hollywood decía que las nuevas generaciones rechazan las escenas de sexo en las películas, lo que explica por qué cada vez vemos menos en el mainstream americano. Entiendo que el avance de algunas religiones puritanas y grupos conservadores los que hacen que se extienda esta opinión. Ante eso tengo que decir que no estoy para nada de acuerdo. Si acaso, los jóvenes pueden tener aprensión a ver escenas de sexo CON SUS PADRES, pero cuando un grupo de chicos y chicas van al cine, claro que les gusta una escena si está rodada con criterio.

A esto se une otra de las lacras del mainstream actual, y es que debido a la influencia del feminismo radical que exige mujeres fuertes e independientes, las películas mainstream han renunciado al romance en sus películas. Al romance heterosexual, claro. Si es un romance LGTBI+, entonces van directos a las ceremonias de premios. Robando a los espectadores de uno de los factores claves en el cine, la posibilidad que al final no sólo el protagonista realice su misión, sino que además «el chico consiga a la chica». Y la chica consiga al chico. Muchos «profesionales» e influencers sectarios han vendido esta mercancía averiada que los estudios se han tragado sin cuestionar. Y es algo evidente en el cine comercial de los últimos 10 años o así. Un error garrafal, claro. Que películas como Spider-Man Brand New Day se encarga de desmentir, viendo como una de las partes que más gusta de la película es la relación entre Peter y MJ.

Comento estas dos situaciones porque está telegrafiado que Cima y Hig tienen que terminar juntos. De hecho, diría que (perdón por la expresión), tras 9 años sola con su padre, Cima está entendiblemente cachonda ante la aparición de un hombretón de 2 metros de altura que además resulta ser una buena persona. Y aunque es spoiler, resulta super imposible que no tengan un revolcón. No sólo imposible, si no hasta tonto que nos muestren que no sucede. Porque en la novela Cima y Hig SI se lían cuando están en la granja. En la película, hasta el final final de la película no vemos que los protagonistas se den un par de besos castos de buenos cristianos. ¿A qué viene este cambio? Pues a lo que comentaba.

Otro aspecto que me resulta llamativo de mi valoración es que esta película me ha decepcionado, aunque no diré que es mala película. Y lo ha hecho por su nula sorpresa y por telegrafiar todo lo que vemos. Sin embargo, vi con dos días de diferencia El motín de Jason Statham. Y el argumento está tan telegrafiado como el de esta película, y sin embargo no me dejó mal sabor de boca. Con el género de acción de alguna manera no me supone un problema ver una película en la que sabes lo que hay, pero que lo haga Ridley Scott si lo es.

Creo que puede ser debido a a una película de Ridley Scott le supongo una mayor calidad que al último vehículo para el lucimiento de Statham. Pero al final todo son historias planteadas para entretener a la audiencia. Supongo que no me importa comerme una «hamburguesa con queso» cuando planeamos ir al McDonald´s, pero si puede ser un problema si esperaba cenar un solomillo en el restaurante y me sirven una hamburguesa en su lugar.

Comparto el trailer de la película:

A pesar del virtuosismo de Ridley Scott, La constelación del perro es una película en lo que todo suena a ya visto.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

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Crítica de Absolute Superman 22 de Jason Aaron y Juan Ferreyra (DC Comics)

Hasta ahora estaba repasando la colección de Absolute Superman de Jason Aaron a la finalización de cada arco argumenta. Pero el número 22 con la presentación del Absolute Metallo dibujado por Juan Ferreyra me ha volado la cabeza, y no quiero esperar ni un segundo para compartirlo con todos vosotros.

PUNTUACIÓN: 10/10

¡COMIENZA «GET BRAINIAC»!

Superman no se detendrá ante nada para llevar ante la justicia al loco más despiadado del universo. Pero antes de poder atrapar a Brainiac, Superman tendrá que enfrentarse a Metallo, un hombre con kriptonita en las venas. ¡«Get Brainiac» comienza aquí, dando el pistoletazo de salida a la marcha hacia el número 25, un número espectacular que cambiará las reglas del juego!

Si leéis mis reseñas, sabréis que me gusta muchísimo el Superman de Joshua Williamson, ubicado en el universo DC tradicional. Y me parece un pequeño milagro descubrir mes a mes como la versión Absolute de Superman de Jason Aaron es aún mejor. Como ejemplo, el número 22 publicado este mes de agosto en USA.

Lo primero que me encanta de este Absolute Superman es que Aaron destina la esencia más pura de Superman, y su naturaleza compasiva que está dispuesto a poner su vida para salvar incluso de la de sus enemigos. Jason Aaron está creando un milagro narrativo todos los meses en esta colección, me parece flipante.

Otra de las cosas alucinantes de este comic es que a menudo oímos cómo después de XX años, los superhéroes ya han contado todo lo que se podía contar con estos personajes, estando en una fase de reciclaje y repetición de patrones e historias leídas decenas de veces previamente. Y sin embargo, leo este Absolute Superman 22 y me he quedado alucinado con lo que se supone es algo ya visto a priori: El enfrentamiento de Superman contra Metallo. En el universo DC normal Metallo tiene el corazón de kryptonita, mientras que en la versión Absolute es toda su sangre la que está envenenada con Kryptonita. Podía pensarse a priori que este iba a ser un número de transición antes de cosas más importantes, pero no es el caso en absoluto. Este combate me parece una maravilla.

No quiero spoilear la identidad de este Metallo, pero la forma en que Aaron alterna la narración desde el punto de vista de Superman, con ver la historia de ESE personaje es un acierto absoluto para el tipo de historia que nos quiere contar. Una persona normal en medio de un mundo cruel que saca lo peor de cualquiera, como fue su caso. Y está por ver si Superman es capaz de redimir a alguien que parecía un caso perdido.

Por supuesto, una gran parte del éxito de este comic hay que dárselo a Juan Ferreyra, que dibuja y colorea el comic y consigue dotarle de una fuerza y una emoción al alcance de muy pocos artistas mainstream ahora mismo. Me vuela la cabeza la capacidad de Ferreyra de sacar el máximo partido a la historia de Aaron, planteando unas estructuras super atractivas de página que ayudan a la sensación de novedad, espectacularidad y de estar leyendo algo que nunca habiamos leído de esta manera. Rafa Sandoval es un dibujante muy bueno que creó la personalidad gráfica de este Absolute Superman. Juan Ferreyra le supera en todo cada vez que dibuja un número de la colección.

Que después de un comic de salvajismo over-the-top con el combate entre Superman y Metallo, que deja a Kal-El al borde de la muerte por el envenenamiento de kryptonita, Aaron y Ferreyra consigan terminar la grapa con la emoción con que nos dejan es un milagro. Siendo fieles a la esencia de Superman y consiguiendo a la vez que el villano nos impacte dramáticamente. Como decía al principio, lo que acabo de leer es un milagro condensado en 22 páginas.

Sin duda, Absolute Superman es el ideal al que debemos aspirar los lectores de comics de superhéroes. Y no nos deberíamos conformar con menos calidad en otros comics.

Gracias, Jason Aaron y Juan Ferreyra.

Comparto las primeras páginas del comic:

Absolute Superman de Jason Aaron y Juan Ferreyra es el ideal al que tenemos que aspirar los fans de los comics de superhéroes. Un comic con un dibujo TOP y una historia resaltando los valores morales que espero leer en un comic de Superman. ¡Aprende, James Gunn!

PUNTUACIÓN: 10/10

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Crítica de Geiger vol. 5 de Geoff Johns y Gary Frank (Image Comics)

En el quinto volumen de Geiger Geoff Johns y Gary Frank plantean una nueva conexión con The Unnamed War (La Guerra sin Nombre), la trama que parece se encuentra detrás de sus comics dentro del sello Ghost Machine.

PUNTUACIÓN: 7/10

¡Ashley Arden irrumpe con fuerza en el mundo de GEIGER!

LA MUJER LUMINOSA posee todos los poderes de Geiger, pero afirma que puede ayudar al Nómada Nuclear a empezar a controlar el poder radiactivo bruto que hay en su interior. Sin embargo, las motivaciones de ASHLEY no son tan altruistas como ella afirma, y la verdad la llevará a ella y a Geiger a una lucha que cambiará para siempre la perspectiva de este último.

Las cosas no se ponen nada más fáciles para Geiger, ya que se ve envuelto en una prisión dirigida, literalmente, por los propios reclusos. Y justo cuando Geiger sale de su cautiverio, aparece El Norteño. El soldado viajero en el tiempo irrumpe desde el pasado, donde acababa de conocer a Redcoat, y ahora busca respuestas sobre por qué el mundo es un páramo y qué provocó La Guerra Desconocida. ¿Podrá Geiger ayudar a El Norteño a encontrar las respuestas?

Este quinto volumen de Geiger recopila los números 16-23 USA.

Este nuevo volumen de Geiger está formado por tres historias, dos protagonizadas por el titular Tariq Geiger. La primera está dibujada por Eamon Winkle con color de Brad Anderson (número 16), y Eduardo Pansica con entintado de Norm Rapmund y color de Brad Anderson (nº 17-18). En ella, Tariq pierde sus poderes después de un estallido brutal y es hecho prisionero de una prisión aterradora, de la que es complicado que pueda salir con vida.

El número 19 es una historia autoconclusiva protagonizada por Ashley Arden, la mujer radioactiva que comparte poderes con Tariq, aunque ella si parece poder controlarlos. En este número Gary Frank vuelve al dibujo y la cosa mejora exponencialmente. Tras una vida perdida, Ashley va a encontrar un objetivo para su vida que implica salvar a los niños de los depredadores que abundan en este mundo.

A continuación, en los números 20 a 23 tenemos de invitado especial a The Northender (El norteño), personaje al que conocimos en el volumen anterior de Red Coat. Este arco intenta ser el inicio de la trama que aumente el interés de la colección al hacerse mención directa a The Unnamed War (La Guerra sin Nombre), la gran conspiración que parece conectar todos los sucesos de este universo formado por Geiger, Red Coat y Junkyard Joe.

Y el resultado tras leer este arco es que estamos ante otro comic hecho con habilidad por dos maestros en lo suyo como son Geoff Johns y Gary Frank. Autores que consiguen que el comic sea super entretenido. Sin embargo, los descubrimientos sobre The Unnamed War son inexistentes, más allá que Tariq oiga estas palabras por primera vez. De hecho, la sensación es super decepcionante porque de nuevo tenemos una historia en la que la trama no avanza de forma sustancial.

Llevamos 23 números de Geiger del actual volumen, más los 6 números de la primera miniserie y los 2 de Geiger: Ground Zero. Además del especial de 80 páginas de Geiger. Geiger ha superado los 30 números publicados y la sensación es que a la premisa de «hombre radioactivo viviendo aventuras en el páramo» ya no da más de si. Para hacer las cosas peores, desde hace varios años Johns está planteando guiños a esta supuesta» The Unnamed War». Pero son demasiados años sin nada realmente interesante, aunque reconozco que lo principal lo estamos viendo en Red Coat. Geiger es un comic hecho con oficio, pero no me gusta nada la sensación con la que me deja. Que este comic debería ser mejor de lo que es.

Que el personaje de Ashley sea más interesante que Tariq es sin duda parte del problema de este comic. Reconociendo que la caracterización «antipática» de Tariq es parte del ADN del personaje y una de las claves de su originalidad. Pero llevados estos números el protagonista Tariq ya debería haber evolucionado de alguna manera y sigue con la misma versión enfadada con el mundo que hemos visto desde el principio del comic. Y empieza a ser repetitivo y poco interesante.

Y comentaba antes que aprovechando el número 25, otro especial, el mundo de Geiger parece que va a dar otro vuelco. Esperemos que sea así, porque la colección no acaba de carburar como debería.

Comparto las primeras páginas del número 16 con el que arranca este volumen:

Geiger es un buen comic, pero estoy empezando a cansarme de que no acabemos de llegar a ningún sitio. Espero que la llegada del especial número 25 en el próximo volumen sirva para animar un poco la colección.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Crítica de The Sacrificers vol. 4 de Rick Remender, Max Fiumara y André Lima Araujo (Image Comics)

Termina The Sacrificers en su cuarto volumen. El comic de Rick Remender, Max Fiumara, André Lima Araujo y el color de Dave McCaig nos ha dado una feroz crítica contra las religiones, ampliada en este final con el coste de las revoluciones violentas.

PUNTUACIÓN: 8/10

La caída de los dioses no libera al mundo, sino que lo destroza.

La guerra de los dioses alcanza su punto álgido y catastrófico cuando estalla la rebelión de Pigeon y los oprimidos se levantan para acabar con los tiranos divinos que se han alimentado de su sangre durante generaciones.

De las cenizas de Harlos solo queda una única esperanza chamuscada. Tras la catástrofe, Soluna debe hacer frente al brutal precio de sus decisiones. Las viejas heridas se reabren, las frágiles alianzas se desmoronan y la supervivencia en el nuevo mundo resulta más peligrosa que la guerra que lo forjó.

Este cuarto y último volumen recopila los números 16-21 de THE SACRIFICERS.

Rick Remender es uno de mis guionistas favoritos, y con The Sacrificers ha vuelto a conseguir un éxito monumental. Su pasado anarquista le ha convertido en alguien que lucha contra el poder establecido. Un poder que a menudo utiliza todos sus instrumentos para perpetuarse en el poder aplastando a las voces discordantes. En el caso de The Sacrificers, Remender plantea un mundo que depende de que los dioses del Sol y la Luna ofrezcan su sustento. Sin ellos, el planeta desaparecería y todos morirían. Y sólo demandan una cosa de sus súbditos, la vida de uno de sus hijos.

Pigeon, uno de las víctimas, se reveló contra la injusticia de este mundo. Y se le unió Soluna, la hija del Dios Sol que cayó a la Tierra y perdió sus poderes, sufriendo en sus carnes la injusticia y el hambre. En este cuarto volumen tenemos la lucha final contra el padre de Soluna. Y Remender hace una cosa genial, nos muestra cómo NO existe el «y fueron felices para siempre». Si destruyes a los dioses no mejoras el mundo, sólo acabas de destrozar este mundo. La forma en que Pigeon y Soluna intentan ayudar al pueblo pero no lo consiguen es una muestra perfecta de las complejidades del mundo real.

En este contexto, que a pesar de todos sus intentos de ayudar al pueblo y de crear una solución definitiva que ayude a este mundo de no volver a depender del poder de Dioses, es casi lógico que el pueblo que queda vivo se levante contra ellos y quieran destruir lo que Pigeon intenta construir. El giro del comic y el hecho que de alguna manera ambos bandos tienen razón hace que toda la destrucción que siga sea aún más dolorosa si cabe.

En este contexto, no todos conseguirán tener un final feliz. Pero me ha sorprendido que alguien tan cínico como Remender lleve su historia hasta un final que podemos calificar de positivo. Al crearse la posibilidad de un futuro para este mundo. Este final me parece satisfactorio, pero al mismo tiempo es contradictorio, ya que muestra que a pesar de toda la lucha NO se ha podido romper el statu-quo y el mundo tendrá que depender de la benevolencia de descendientes de los Dioses antiguos.

Como en volúmenes anteriores, Max Fiumara y André Lima Araújo se alternan en los últimos números de esta serie. Aunque sus estilos son diferentes, creo que ambos han añadido matices interesantes a la historia de Remender, hasta el punto que el comic no se explica sin ninguno de los tres. Me parece que este comic tiene un aspecto gráfico de diez, apoyado en el brillante color de Dave McCaig, que sabe utilizar la paleta perfecta en cada momento.

The Sacrificers es un comic díficil con momentos muy duros. Pero resulta super satisfactorio poder leer una historia con principio y final. Algo en lo que Remender se ha especializado en los últimos tiempos. Ahora sólo queda esperar su siguiente trabajo, HAMMERFIST, junto al siempre genial Steve Epting. Comic que por lo que sugieren las sinopsis no va a tener nada que ver con este comic. Cosa que me encanta.

Comparto las primeras páginas de este volumen.

The Sacrificers tiene tantas capas y tantos matices que creo que tengo que leerlo de nuevo para pillarlos todos. Con todo, da gusto leer un comic tan original y creativo, realizado por autores en el top de su oficio. Así da gusto.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

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Crítica de El motín de Jean-François Richet

Llega el verano y ya tenemos la última película para el lucimiento absoluto de su protagonista y productor Jason Statham. El motín del director Jean-François Richet es justo lo que se espera de ella. Y a veces, es suficiente.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

Después de que su jefe, un industrial multimillonario, sea asesinado delante de él, Cole Reed se ve obligado a cargar con la culpa del crimen, lo que le obliga a huir mientras trabaja para descubrir una conspiración internacional.

Jean-François Richet (París, 1966) es un guionista, director y productor de cine francés. Su ópera prima, Inner City (1995), fue nominada en la 21.ª edición de los Premios César en la categoría de Mejor Primera Obra. Otras películas dirigidas por él son Assault on Precinct 13 (2005) —un remake del clásico homónimo de John Carpenter de 1976—, Blood Father (2016, con Mel Gibson) y El piloto (2023, con Gerard Butler).

El motín es una película de 95 minutos de duración y un presupuesto de 40 millones de dólares que ha contado con guion de Lindsay Michel y J. P. Davis. La película cuenta con thotografía de Brendan Galvin, montaje de David Rosenbloom y Joe Rosenbloom, y música de Marcus Trumpp.

En el reparto tenemos, además del incombustible Jason Statham tenemos a Annabelle Wallis como Angie Ellis, miembro de última hora de la tripulación del barco que no sabe nada de los delitos que se están cometiendo en el barco, Jason Wong como Taran, amigo de Jason Statham, Roland Møller como el capitán Marko Madsen, el villano de la película, Arnas Fedaravicius como el Capitán Mateo Pineda, segundo de a bordo del barco, Adrian Lester como el capitán Adam Spencer, de la Marina de los Estados Unidos, Ramon Tikaram como Tibu Campallo y Chaneil Kular como Kameron Campallo.

Cole Reed (Statham) es un antiguo militar y policía británico que dejó el cuerpo tras la muerte de su padre, también policía. Trabaja en Bangkok como guardaespaldas del magnate naviero Tibu Campallo, convirtiéndose en grandes amigos tras salvarle Cole la vida hace unos años. Justo antes de vender su imperio, Campallo es asesinado en una emboscada, y Cole cree que las respuestas al interrogante de quién ordenó en asesinato se encuentran en el barco Artemis, del que uno de los asesinos era miembro de la tripulación. Al infiltrarse en el barco, encontrará un negocio de trata de blancas, al sacar de un contenedor a un grupo mayoritariamente compuesto por mujeres y niños. A partir de ahí, empezará la masacre.

Statham nunca ha sido un actor sutil y no va a empezar ahora. Pero para tener 59 años recién cumplidos, la verdad es que se mantiene en plena forma. No tengo claro si Statham ha podido utilizar algún doble de acción en algún momento, pero la sensación que tengo tras ver la película es que NO. Al menos, no en el cuerpo a cuerpo contra los miembros de la tripulación, a los que masacra, lo cual es siempre de agradecer. Cuando pagas por ver una película de Statham, está claro el tipo de acción salvaje que esperas ver, y me gusta que Statham también tenga claro esto, y ponga todo de su parte para que el espectador acabe satisfecho. Yo al menos si creo que me ha entretenido. No le pido más.

La premisa es un «Die Hard en un barco mercante» absoluto, y me gusta que la película no intente disimularlo en ningún momento. Statham es el bueno, los malos merecen morir y al menos tenemos la presencia de la guapísima Annabelle Wallis para que Statham no aparezca el 100% del metraje. Todo bien.

Una de las cosas que más me han gustado es que la película se ha rodado en un barco mercante real. Eso consigue que los espacios reducidos y las escenas de acción resultaran realistas, al acoplarse a los espacios reales que pueden encontrarse en estos barcos. Esto consigue que las escenas de acción en estos espacios estrechos tengan un punto de novedad que consiga que no parezca como una película en la que todo suena a visto. Bueno, que Statham arrasa con todos era evidente, ahí no hay sorpresa, pero ya me entendéis.

Ahora es cuando comento las cosas menos buenas de la película, pero tengo que decir que las películas de Statham al menos me parecen honestas. Incluso la duración de 94 minutos yendo al grano desde el primer segundo va en esta dirección. Obviamente El motín no es una obra maestra, ni falta que hace para conseguir ser una película disfrutable por los fans del cine de acción. Es cierto que la cima de las películas de Statham de los últimos años sigue siendo Despierta la furia (Guy Ritchie, 2021). Buff, menudo peliculón. Pero dentro de su funcionalidad, las películas de Statham cumplen y parece que buscan crear un subgénero dentro del cine de acción con Statham en el centro.

El motín es lo que es. Con ver el trailer sabrás si entras en la propuesta o no. Si no te gustan las películas del actor inglés, ni te acerques. Pero si eres fan de Statham, probablemente estuvieras convencido antes incluso de leer esta reseña.

Comparto el trailer de la película:

El motín es una película de acción que da al espectador lo que promete. Tampoco es para fliparse, pero eso no puede ser algo malo.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

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Repaso a mi Sci-fi favorito: comics, películas, TV y libros