Crítica de The Mandalorian 2×05 (Ep. 13 – La Jedi) Disney+ CON spoilers

Llegó el momento. Hoy si, ¿no? Dave Filloni escribe y dirige el quinto episodio de esta segunda temporada y las expectativas no pueden estar más altas. He publicado hasta ahora mis reseñas sin spoilers, pero dado que todo el episodio es spoiler, hoy este artículo va a ser FULL spoilers. Teniendo en cuenta que hoy lunes la propia Disney ha liberado las imágenes en cuestión, entiendo que sigo las instrucciones de Lucasfilm y no hay problema.

PUNTUACIÓN: 9/10

El Mandaloriano viaja a un mundo gobernado por una cruel magistrada que tiene una poderosa enemiga.

Pues si. Llevábamos tanto tiempo esperando ver a Ahsoka Tano, que me alegra que Dave Fillon y Jon Favreau hayan conseguido volarme la cabeza con ella, excediendo las expectativas más locas que tenía a priori.

Ya desde el episodio 2×03 cuando Bo Katan soltó la bomba que Ahsoka estaba viva en la ciudad de Calodan del planeta boscoso Corvus, todos los fans de Star Wars deseábamos que llegara el momento de verla en carne y hueso. Además, la publicación por adelantado que Dave Filloni, el creador de Star Wars Clone Wars y Rebels, escribía y dirigía este quinto episodio tampoco dejaba lugar a la duda, que nos ha tenido durante la semana contando las horas hasta poder verlo.

Dave Filloni y Jon Favreau lo tenían claro también, y en un ejemplo de conocimiento de narrativa televisiva y de respeto al fan, este episodio está dedicado a ella casi en su totalidad. Y por eso no se andan con remilgos y nos muestran a Ahsoka en todo su esplendor desde el primer minuto, mientras se encarga de varios mercenarios en un bosque en sombra. El momento es espectacular y y hace que la espera hasta haber llegado hasta aquí haya merecido la pena.

Reconozco que Rosario Dawson ha sido mi amor platónico desde que la vi por primera vez en Kids en 1995, y más adelante en película como Men in Black 2, The 25th hour, Cin City o Clerks 2. A su belleza de DIOSA GRIEGA y su inteligencia superior, se une su cualidad de «girl next door» divertida y capaz de tumbar a cualquiera bebiendo cerveza viendo el partido que la elevó a la categoría de culto, confirmado por su interpretación de Claire Temple en Daredevil. Por todo ello, verla como Ahsoka es otro sueño hecho realidad. Su personaje transmite el carisma que esperamos de ella, es una guerrera implacable y se nota además que sabe más de lo que cuenta, debido a su larga historia en las series de animación.

El episodio es espectacular en muchos aspectos, no sólo por la aparición de Ahsoka. En primer lugar, conocemos por fin el nombre de Baby Yoda, Grogu, y cómo sobrevivió a la purga de los Jedi en el episodio 3 cinematográfico. También que ocultó por miedo sus capacidades Jedi para sobrevivir, y es ese miedo el que le impide progresar en la Fuerza. Baby Yoda, perdón, Grogu, se había convertido en una fuente de ricura esta segunda temporada, pero ya tocaba hacer avanzar al personaje. En todo caso, ¿pasa algo si le seguimos llamando Baby Yoda? Es que es taaan mono….

Otro motivo de alegría es el personaje de Lang, el pistolero ex-militar al servicio de la Magistrada Morgan Elsbeth, interpretado por el mítico Michael Biehn (Terminator, Aliens, The Abyss, Tombstone, La Roca). Favreau y Filloni saben que a los aficionados al cine de acción nos va a hacer una ilusión tremenda verle, y esto es fan service en el mejor sentido posible. Si no le conoces no molesta a la narración del episodio, pero si creciste con el cine de acción de los 80 como yo, el disfrute es total.

Y este es un excelente ejemplo de cómo plantean Favreau y Filloni The Mandalorian. Dado que Mando fue toda su vida a su aire, cuando conoce a Bo Katan ¡él no la conoce de nada! De forma que la serie te da suficiente información sobre ella para que Mando sepa con quien está tratando y que nosotros disfrutemos del episodio sin conocimiento previo. Y a la vez, si eres un fan de Star Wars el disfrute es espectacular ver lo bien hilado que está todo. Y esto es aplicable a todos los episodios y la mayoría de personajes que Mando va conociendo a lo largo de sus misiones por la galaxia.

Narrativamente, Filloni plantea este episodio The Jedi como un homenaje a Kurosawa y el cine de samurais, al ver a una figura solitaria llegar a un pueblo a liberar a sus habitantes, con un duelo final en un jardín japonés. De hecho, de forma nada casual los habitantes de Corvus son asiáticos. Estos homenajes son estupendos pero, de nuevo, no entorpecen la narrativa, ofreciendo unos momentazos geniales. El episodio dura unos perfectos 40 minutos, descontando el resumen y los títulos de crédito, que como siempre en The Mandalorian van al grano y crean una aventura estupenda con los detalles justos.

Hay un montón de momentazos visuales en este episodio. De hecho, cualquier momento en el que Ahsoka aparezca en pantalla y en particular, con su uso de los sables laser, me voló la cabeza. Las emboscadas por los callejones oscuros en la batalla final son bestiales, y en general The Mandalorian está dejando en muy mal lugar a J.J. Abrams. Hay otro elemento menor si se quiere, pero que me gustó mucho del episodio, y es que Bo Katan describe Corvus como un «planeta boscoso». Cuando vemos el planeta y está todo quemado y deforestado, el primer pensamiento es ¿qué ha pasado aquí? De forma que automáticamente sabes que quien sea que esté al cargo van a ser los malos del episodio. Este detalle me gustó mucho también, siendo como es el detalle menos importante del episodio.

Pero incluso el final del episodio con los duelos entre Mando y Lang y Ahsoka y la Magistrada Elsbeth sirvió para que me diera cuenta que este episodio estaba siendo bestial, posiblemente el mejor hasta la fecha, y al mismo tiempo, planteaba un problema para el futuro que es resuelto de maravilla por Filloni y Favreau. Y es que Ahsoka mola, pero mola demasiado, hasta el punto de eclipsar a Mando.

Entiendo que ellos también lo vieron, porque Mando la abandona al final del episodio para llevar a cabo una nueva misión, mientras Ahsoka también tiene cuentas pendientes… ¡con el Gran Admirante Thrawn!! ¿Puede haber algo más grande que eso? Sinceramente, pensaba que Thrawn no estaba vivo (para mi murió en las novelas de Timothy Zahn aunque luego fuera recuperado en Rebels). ¿Hay alguna posibilidad de que Disney de luz verde a una serie de Ahsoka Tano en solitario? Yo pagaría encantado.

Por cierto, estoy viendo el episodio por cuarta vez mientras escribo este artículo, y estoy flipando muchísimo con la música de Ludwig Göransson, que ha creado para este episodio una partitura construida a partir del tema principal de Mando y otros de Star Wars que añaden capas de misterio e incertidumbre a la historia, con una celebración final super chula también. A veces no destaco como se merecen los diferentes elementos de la producción, que por otro lado es excepcional, por lo que hoy es buen momento de acordarse del elemento musical.

Comparto el teaser de este episodio:

The Mandalorian sigue haciendo historia. El futuro de Star Wars está en las mejores manos y se encuentra en la televisión. ¡Qué gran momento para ser fan de Star Wars!

PUNTUACIÓN: 9/10

¿Has visto ya el episodio, qué te pareció? ¡Espero tus comentarios!!! Y si te gustó el artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales y que te suscribas para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.

¡Saludos a todos!

Crítica de Sara de Garth Ennis y Steve Epting (TKO – Panini)

Aprovechando la publicación por parte de Panini este mes de noviembre de Sara, el maravilloso comic bélico de Garth Ennis, Steve Epting y Elisabeth Breitweiser publicado por TKO, hoy quiero recomendarlo en el blog.

PUNTUACIÓN: 9/10

De Garth Ennis (Preacher, The Punisher, The Boys) y Steve Epting (Velvet, Capitán América). En el frío invierno de 1942, la francotiradora soviética Sara y sus camaradas luchan contra los invasores nazis. Pero a medida que la lucha se intensifica, ¿podrá sobrevivir su escuadrón? Inspirado en hechos reales.

Sara ha sido la lectura más impactante y satisfactoria de los últimos años de Garth Ennis, un enamorado de las historias bélicas que ha construido un extenso catálogo de historias centradas mayoritariamente en la segunda guerra mundial, aunque no solo, y que en este caso elige un concepto poco habitual por múltiples motivos: Por ser una mujer la protagonista, por ser francotiradora, y por ser una historia situado en el frente ruso.

La dureza de la historia y la frialdad del punto de vista de Sara, la protagonista es nuestro punto de vista, hace que encaje perfectamente con la tradición rusa y la conocida dureza del frente ruso durante la invasión nazi. La construcción del personaje de Sara me parece maravillosa, una mujer que hace lo que hay que hacer aunque sabe que los líderes comunistas habían cometido crímenes igual de terribles que los nazis. No hay héroes en esta historia, tan sólo personas que buscan sobrevivir un día más. Y tampoco los nazis son mostrados como monstruos, tan sólo un enemigo al que interesa deshumanizar para no sentir reparos a la hora de meterles una bala en su cabeza.

Sara es una historia bélica de la vieja escuela, que consigue meterte en la historia desde la primera página y que realiza críticas muy bestias contra el régimen comunista, pero lo hace evitando convertir la trama en un panfleto. Simplemente presenta a los lectores algunos hechos históricos conocidos sobre el régimen comunista, y deja que seamos los lectores los que entendamos y valoremos en su justa medida. Hechos como que los soldados eran ejecutados por sus propios mandos si se retiraban, incluso si se trataba de una retirada táctica para seguir combatiendo en otro lugar, es mostrado con toda su crudeza en estas páginas. Comentaba antes que no hay héroes en esta historia, y los nazis son el enemigo. Pero si tuviera que elegir un «villano», esos serían los líderes comunistas rusos.

Otro detalle que me ha gustado mucho es la sensación de camaradería del pelotón de tiradoras rusas. No hay profundos estudios psicológicos, pero Ennis si muestra las diferentes formas que tenían estas jóvenes de enfrentarse al horror de la guerra, y a tener a una comisaria política intentando adoctrinarles constantemente que impedía que se expresaran libremente. Un tema recurrente de toda historia bélica es que los soldados no luchan por grandes ideales, sino por el soldado que lucha con él en el frente. Esto, pasado por el punto de vista ruso, también es mostrado en estas páginas.

En el apartado artístico, Steve Epting y Elisabeth Breitweiser al color ofrecen un trabajo sobresaliente. Un primer elemento que me llamó la atención es que para resaltar la frialdad del frente ruso y las muertes realizadas a distancia, no hay tipografías que resalten los impactos como solemos ver con los puñetazos de los comics de superhéroes. Sólo una pequeña explosión de sangre al golpear la bala el frágil cuerpo humano.

Epting realiza un trabajo alucinante a la hora de incorporar en sus páginas elementos reales de la época. Desde los uniformes, los vehículos, las armas y todo lo que rodea la vida de estas soldados transmite realismo y me ha encantado. De igual forma, la caracterización de Sara y sus compañeras me parece también espectacular, haciéndolas reconocibles en todo momento incluso cuando visten igual en las situaciones de combate.

Otro elemento brillante de este comic es el ritmo y la narrativa que Epting y Ennis incorporan a estas páginas. La vida en el frente era mayoritariamente monótona, con estallidos puntuales de combates. Eso mismo lo vemos en estas páginas, creando momentos super impactantes al girar las páginas, resaltando la habilidad de ambos autores a la hora de crear esta historia que sólo podía contarse en comic.

Elisabeth Breitweiser opta por una paleta de color en todos apagados que encaja con la dureza del invierno ruso, tan sólo roto por las explosiones de rojo sangre cada vez que Sara acierta en un blanco. Un destello, una muerte. Todo en este comic me ha parecido espectacular.

Y como guinda del pastel, el final me ha dejado tocado, siendo el detalle que termina de elevar una obra notable en una sobresaliente. Un final que aunque lógico dadas las circunstancias, está tan bien resuelto que me ha dejado con un nudo en la garganta.

Comparto las primeras páginas de este comic a modo de preview:

Sara me ha parecido una maravillosa (y dura) lectura que no puedo dejar de recomendar a todo el mundo. Si te gusta el género bélico, no te puedes perder este comic. Y casi diría que aunque no te guste este género, tampoco debes perderte este comic.

PUNTUACIÓN: 9/10

¿Habéis leído este comic, qué os han parecido? Aprovechando la publicación por parte de Panini este mes, ahora no hay excusa. Espero vuestros comentarios. Y como siempre, si os gustó el artículo, os agradezco los me gustas y que lo compartáis en redes sociales.

¡Saludos a todos!

Crítica de Ice Cream Man vol. 1 de W. Maxwell Prince y Martín Morazzo (Image Comics)

Llevo tiempo leyendo dentro de las típicas listas de “los mejores comics que nunca supiste que existían” nombrar mucho Ice Cream Man, comic editado por Image Comics creado por el escritor W. Maxwell Prince y el dibujante Martín Morazzo, con color de Chris O´Halloran. Es por esto que me he animado a darle una oportunidad y me alegra poder decir que me ha gustado y me ha intrigado lo visto en este primer volumen.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Chocolate, vainilla, horror existencial, adicción, fantasía musical… hay sabor para la miseria de cada uno.

Ice Cream Man es un cómic que desafía los convencionalismos del género, que presenta historias dispares de dolor, asombro y redención. Cada entrega presenta su propio elenco de personajes extraños, lidiando con su propio helado especial de sufrimiento. Y en la periferia de todos ellos, como la música centelleante de su colorida camioneta, está el Heladero, un tejedor de historias, un proveedor de dulces. Amigo. Enemigo. Dios. Demonio. El hombre que con un chasquido de sus dedos ―¡Lickety split! ― Puede cambiar el curso de tu vida para siempre.

Escrito por W. Maxwell Prince (One week in the library) con apartado artístico de Martín Morazzo (Snowfall, Great pacific) y color de Chris O´Halloran, este primer volumen recopila los 4 primeros números de la serie regular editada por Image Comics.

W. Maxwell Prince escribe en Brooklyn y vive con su esposa, su hija y dos gatos. Es autor de ICE CREAM MAN, KING OF NOWHERE, ONE WEEK IN THE LIBRARY, and THE ELECTRIC SUBLIME.

A pesar de que Ice Cream Man está contando con buenas ventas, algo que merece la pena ser destacado dado que este comic no cuenta con personajes icónicos ni autores super ventas, leo que Maxwell no es escritor a tiempo completo y que alterna esta actividad con un trabajo “de día”, algo que resaltaría la difícil situación de muchos profesionales del mundo del comic en la actualidad.

El artista argentino Martín Morazzo hizo su gran debut en los cómics estadounidenses con la saga de ciencia ficción ambiental de 2012, Great Pacific, la primera serie de Image Comics que co-creó con Joe Harris. Desde entonces, Martín ha co-creado Snowfall, una epopeya de ciencia ficción, nuevamente con Joe Harris e Image Comics, y la elegante serie de aventuras criminales, The Electric Sublime, con el escritor W. Maxwell Prince en IDW Publishing. Ice Cream Man, su nueva colaboración con W. Maxwell Prince, está siendo publicada por Image Comics.She Could Fly, una miniserie con el escritor Christopher Cantwell, co-creador y showrunner de Halt and Catch Fire de AMC, y la editora Karen Berger, también está siendo publicada por Berger Books, una editorial de Dark Horse Comics.

Martín vive en Buenos Aires. Cuando no está absolutamente consumido con los plazos de entrega de dibujos y cómics, le gusta pasar tiempo con su encantadora esposa, Victoria, y sus hijas, Nina, Lupe y Vera.

Este primer volumen de Ice Cream Man me ha ofrecido una antología de historias sueltas que tienen como único nexo de unión el misterioso Heladero con extraños e inconcretos poderes. El tono de los comics no es tanto del género de terror sino historias que transmiten el dolor de los protagonistas, un dolor que no es tanto físico como emocional. Este es el principal valor diferencial de este comic respecto a otras antologías. Hay también un tono malsano en las cuatro historias que consigue momentos perturbadores para el lector.

En lo referido al dibujo de Martín Morazzo con color de Chris O´Halloran, me ha gustado el estilo realista del argentino que contrasta con las situaciones sobrenaturales que veremos en los diferentes capítulos. Esta dualidad ayuda también que los sentimientos de culpa, dolor o tristeza estén también muy presentes en todo momento, algo muy difícil de trasladar a viñetas frías y estáticas.

Reconozco que no conocía a Martín Morazzo, ni tampoco a W. Maxwell Prince, para que negarlo, pero este primer volumen me ha dejado con ganas de volver a este mundo y descubrir que nuevas historias nos han preparado. Por suerte, otro de los elementos que me hizo animarme a comprar este primer volumen es comprobar que habían 4 volúmenes ya disponibles, por lo que tenía lectura asegurada para los próximos meses.

En este momento, quiero dar las gracias a @GrumpyOldMate , cuya labor de divulgación en Twitter y en la web de Sala de Peligro de comics fuera del ámbito mainstream me ha descubierto comics geniales como The Plot, y ahora este Ice Cream Man. En este mundo comiquero en el que parece que cada nuevo comic de Batman o Spiderman viene telegrafiado, es genial descubrir nuevos comics que ofrezcan visiones diferentes a lo establecido.

Aprovecho para compartir a continuación las primeras páginas de este comic para que veáis el estilo y tono de este comic. De hecho, el primer número puede leerse gratuitamente dentro de la web de Image Comics :

De momento, Ice Cream Man sigue inédita en España, por lo que agradezco haber podido descubrir este comic y tengo ganas de comprar el segundo volumen. Supongo que no hay mejor halago dentro del saturado panorama comiquero actual. Si el inglés no es problema, te invito a que le des una oportunidad.


PUNTUACIÓN: 7.5/10

¿Conocéis este comic? Espero vuestros comentarios. Y si te gustó este artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales, y que te suscribas al blog para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.

¡Saludos a todos!

Crítica de El Tercer Día (HBO)

Aprovechando mi suscripción a HBO he visto El tercer día, miniserie creada por Felix Barrett y Dennis Kelly con Jude Law como principal reclamo. Y me ha parecido una serie que a peasr de tener elementos interesantes me deja una sensación decepcionante, al ir de más a menos.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

Miniserie de 6 episodios. La línea entre la realidad y la fantasía comienza a desdibujarse para un hombre que visita una misteriosa isla frente a la costa británica.

Felix Barrett es el fundador y director artístico de Punchdrunk y Punchdrunk International, la productora de esta serie para los canales HBO y Sky (para Reino Unido). Dennis Kelly por su parte es un escritor británico de teatro, cine y televisión, creador de la espectacular serie Utopia para Channel 4.

El principal hecho distintivo de esta serie es que está dividida en dos partes interconectadas. En la primera parte de tres episodios, «Summer», dirigidos por Marc Munden, conocemos a Sam (interpretado por Jude Law), un hombre atraído por una misteriosa isla frente a la costa inglesa donde se encuentra con un grupo de isleños que se empeñan en preservar sus tradiciones a cualquier precio. La segunda parte de la serie, «Winter», dirigida por Philippa Lowthorpe, sigue a Helen (interpretada por Naomie Harris), una forastera que llega a la isla con sus dos hijas en busca de respuestas, pero cuya llegada precipita una frenética batalla para decidir el destino de la isla.

Dennis Kelly escribe en solitario los primeros 3 episodios protagonizados por Jude Law, mientras que en los segundos tres episodios trabaja en colaboración con Dean O’Loughlin y Kit de Waal. La serie cuenta además con fotografía de Benjamin Kracun y David Chizallet y música de Cristobal Tapia de Veer.

Como comentaba antes, el gran reclamo de la serie es poder ver el despliegue interpretativo de Jude Law como un hombre misterioso y atormentado que verá como los límites que separan la realidad de la locura desaparecerán al llegar a esta isla misteriosa. Junto a Law, Naomi Harris (28 días después, Skyfall, Moonlight) protagoniza la segunda parte y también cuenta con un intereante papel dramático para lucirse. Los veteranos actores británicos Emily Watson, Paddy Considine, Mark Lewis Jones o John Dagleish son algunos de los notables secundarios de la serie que interpretan a varios habitantes de la isla. Katherine Waterston como Jess y Jessie Ross como Epona son unas jóvenes que parecen estar atrapadas en la isla contra su voluntad.

Como comentaba antes, la principal virtud, y a la postre su principal problema, es la creación de una miniserie de 6 episodios que casi podrían ser 2 series diferentes, al estar narrativamente cortadas por la mitad. Y el caso es que la primera parte protagonizada por Jude Law me gustó mucho, con un feeling a historias tipo Shutter Island en las que los límites de la locura se difuminan y te das cuenta que quizá el narrador no sea alguien en quien se pueda confiar que se está engañando incluso a sí mismo. Jude Law es un actorazo y borda este papel de alguien que ve como su mundo se derrumba bajo sus pies y ve como los traumas del pasado acaban volviendo lo queramos o no.

Sin embargo, tras el excelente tercer episodio que sirve de climax para el personaje de Law, empezamos de cero el segundo arco con un nuevo punto de vista, el de Naomi Harris, que llega a la isla tiempo después con unas maletas igual de dolorosas, pero a la postre menos interesantes. Su papel en la historia, y la forma de no cerrar argumentos que quedaron abiertos en el arco de Law hicieron que estos episodios me parezcan muy inferiores a la primera mitad.

Sin embargo, me gusta que existan autores que busquen contar otro tipo de historias, aunque no siempre encajen con mis gustos, o incluso a pesar de entender que la serie ha ido de más a menos. En ese sentido, no me quedo con la sensación de haber perdido el tiempo o que el visionado haya sido malo, ni mucho menos.

Comparto el trailer de esta serie:

El tercer día me ha parecido una serie un tanto fallida, pero sin embargo dada su corta duración creo que ofrece un interesante experimento narrativo que puede merecer la pena, si estás buscando una serie con un punto de vista diferente.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

¿Habéis visto esta serie? Espero vuestros comentarios. Y si te gustó este artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales, y que te suscribas al blog para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.

¡Saludos a todos!

Crítica de Matar a Santa de Eshorm e Ian Nelms (Prime Video)

Me ha gustado bastante Matar a Santa, película recién estrenada en Prime Video de los hermanos Eshorm e Ian Nelms que son también los escritores del guión, sobre todo porque dentro de su vocación de serie B, NO es la punkarrada que el argumento daba la sensación que podría ser, contando con mucha más profundidad de la esperada en un principio.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

La historia se centra en un Papá Noel poco ortodoxo llamado Gibson que lucha por evitar que su negocio se hunda, al mismo tiempo que evita ser asesinado por un matón contratado por un niño de 12 años tras recibir carbón en Navidad. (FILMAFFINITY)

Reconozco que no conocía de nada a los hermanos Eshom e Ian Nelms antes de ver esta película. Mirando su ficha en IMDB, descubro que los escritores / directores crecieron en el centro de California luchando con doscientos muñecos de G.I. Joe y soñando con paisajes de John Ford. Aunque sus pasiones los llevaron temporalmente en diferentes direcciones: Ian fue a la universidad con una beca de lucha libre, en el camino descubrió un nuevo interés por el inglés y la literatura, y Eshom siguió una educación en pintura de bellas artes, pero encontró que le gustaba más la ilustración de cómics. Sin embargo, al final los dos siempre volverían a su amor por el cine. Si bien Ian ha producido varios proyectos de forma independiente y Eshom ha trabajado como artista profesional de storyboards durante más de una década, los hermanos Nelms siempre escriben y dirigen juntos y han realizado múltiples cortometrajes y largometrajes premiados.

En 2013, su película ‘Lost on Purpose’ ganó numerosos premios en festivales, incluidos Mejor Película, Mejores Directores y Mejor Actriz para Jane Kaczmarek. En 2015, debutaron ‘Waffle Street’, que ganó el premio inaugural Carpe Diem del Festival de Cine de Woodstock a la Mejor Película y a la Mejor Película Narrativa en el Festival de Cine de Hollywood. El último largometraje de Nelms Bros., ‘Small Town Crime’, está protagonizado por John Hawkes, Anthony Anderson, la ganadora del premio de la Academia Octavia Spencer (que también fue productora ejecutiva), Robert Forster y Clifton Collins, Jr., La película fue estrenada en cines de todo el país el 19 de enero de 2018 y obtuvo excelentes críticas de los principales críticos del NY Times, LA Times, Variety y The Hollywood Reporter, entre otros.

Eshom e Ian Nelms han escrito y dirigido esta película que ha contado con fotografía de Johnny Derango, montaje de Traton Lee y música de Mondo Boys.

El gran valor de la película es su excelente reparto. Mel Gibson se sale como Santa / Chris Cringle, un anciano frustrado porque el mundo se está convirtiendo en un lugar sin reglas en el que cada vez menos niños son merecedores de sus regalos. Walton Goggins aparece acreditado como «Skinny Man» (hombre delgado), un sicario que tiene un resentimiento personal contra Santa por decepcionarlo en su infeliz infancia al no traerle lo que él pidió mientras era víctima de malos tratos.

Marianne Jean-Baptiste interpreta a Ruth Cringle, la amorosa esposa de Chris y una influencia moderadora que le mantiene a flote en sus momentos de mayor duda. Por su parte, Chance Hurstfield interpreta a Billy Wenan, un niño rico amoral cuyo padre tiene abandonado en casa de su abuela y no soporta perder. Él es catalizador de todo cuando el día de Navidad descubre que Santa le ha traido carbón porque se ha portado mal, a lo que responde lleno de ira contratando a Goggins para que mate a Santa.

Otros secundarios son Robert Bockstael como el Capitán Jacobs, el comandante delejército de EE. UU. asignado al taller de Chris y su enlace con el gobierno, Eric Woolfe como Elfo 7, capataz de Chris en el taller y Susanne Sutchy como Sandy, amiga de Chris Cringle y barman en North Peak.

La película son 100 minutos que van al grano desde el minuto uno y que está planteada para que sigamos el camino de los dos protagonistas, Gibson y Goggins, que se encuentran en un inevitable rumbo de colisión.

Lo que más me ha gustado de Matar a Santa es la mezcla de géneros que podemos encontrar dentro de la película. Leyendo una entrevista a los directores, me hizo gracia leer que ellos califican la película como «Un thriller con humor negro y toques de cine negro, matices de comedia y todo ello salpicado de western». A todo lo anterior habría que añadir que “Matar a Santa” es claramente una película navideña y, si hay suerte y funciona bien en su estreno en Prime Video, el comienzo de una franquicia cinematográfica casi como si Santa fuera un superhéroe. De hecho, los hermanos Nelms comentan que en cuanto a tono y aproximación realista a un tema enimenemente fantástico, una de sus más claras fuentes de inspiración fue “El Protegido” de M. Night Shyamalan.

Mel Gibson se sale como Santa. Su interpretación minimalista aporta un montón de matices y me parece que está brillante como Chris Cringle. Un detalle muy chulo es que la película intenta ofrecer un punta de vista más o menos realista a cómo sería la vida de Santa Claus si viviera en el mundo real, pero tampoco se recrea en dar demasiados detalles de algo que realmente es muy loco e imposible, de forma que seamos los espectadores los que rellenemos los huecos.

De esta manera, Chris es un ser sobrenatural que ve cómo su optimismo natural se está viniendo abajo cuando comprueba que año tras año va dando menos regalos porque los niños son cada vez peores, hasta el punto que sus gastos no se compensan con los ingresos que el gobierno de los USA le asigna. Si, dentro de ideas locas, esta probablemente se lleve la palma. El arco de Chris en la película, aunque parezca mentira, es uno de esperanza y de seguir trabajando para que la Navidad no decaiga, algo que no cuadra con la premisa punki, lo cual es algo que me gusta mucho. Dentro de estar ante una clara serie B, el carisma de Gibson llena la pantalla y eleva el producto final de lo que podría esperarse a priori.

Walton Goggins también brilla en pantalla, a pesar de ser realmente el personaje del que menos sabemos durante la película (O al menos, hasta el climax). Goggins crea a un asesino a sueldo caracterizado por la imprevisibilidad y que recuerda al personaje de Javier Bardem en “No es pais para viejos”, un duro motherfucker que es mejor no cruzarse en su camino, porque lo más normal es que no sobrevivas para contarlo.

El viaje de Goggins buscando a Chris, mientras él intenta sacar adelante su negocio con la ayuda de los Elfos y el ejército de los Estados Unidos (mejor no preguntes), crea una narración cruzada con aires de western que nos lleva hasta un invitable Duelo en OK Corral en medio de la nieve de Alaska. En este sentido, el climax ofrece un final impactante y satisfactorio que hace que el visionado haya valido la pena.

Otro detalle que me gusta es que la película mezcla todos esos elementos que comentaba antes, pero consigue transmitir la visión personal de los directores, no parece un refrito de muchas cosas sin cohesión. Hay un tono de humor negro en varias situaciones alrededor del personaje de Goggins, pero sin querer plantear la risa, y el drama que vive Chris se entiende y no parece forzado tampoco. El rastro criminal de Goggins nos lleva hacia el noir, mientras que la vida en Alaska nos devuelve al elemento fantástico de la historia y el drama costumbrista hacia una persona que ve cómo su modo de vida de está desmoronando. Hay gotas de muchas uvas, y el vino resultante es refrescante y original. Hasta el punto que no me importaría ver una segunda película protagonizada por Gibson retomando al personaje.

Comparto el trailer de la película:

Salvar a Santa es una estupenda serie B que merece mucho la pena y que quiero recomendar a todo el mundo.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

¿Has visto ya la película, qué te pareció? Espero tus comentarios!!! Y si te gustó el artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales y que te suscribas para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.

¡Saludos a todos!