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Crítica de Chad Powers temporada 1 (Disney+)

Me ha encantado Chad Powers la comedia creada por Glen Powell y Michael Waldron para Disney+, ambientada en el mundo del fútbol americano universitario.

PUNTUACIÓN: 8/10

Un quarterback universitario caído en desgracia llamado Russ Holliday se disfraza de Chad Powers y entra en un equipo sureño en apuros para revivir su carrera futbolística.

Chad Powers es una serie de televisión estadounidense de comedia deportiva creada por Glen Powell y Michael Waldron (Loki, Doctor Strange en el multiverso de la locura), protagonizada por Powell en el papel principal. Desarrollada a partir de un sketch de Omaha Productions de Eli Manning, la serie sigue a Russ Holiday (Powell) el quarterback estrella de un importante equipo de futbol americano universitario caído en desgracia que decide disfrazarse como última oportunidad de hacer lo que más le gusta.

De forma inexplicable, esta primera temporada de Chad Powers ha tenido tan sólo 6 episodios, que han sido dirigidos por Tony Yacenda (3 episodios) Payman Benz (2) y Michael Waldron el episodio final. Los episodios han sido escritos por Glen Powell y Michael Waldron, Paloma Lamb, Jamie Lee, Ben Dougan, Jordan Mendoza, Luvh Rakhe y Gaelyn Golde.

Glen Powell como Russ Holliday, un exquarterback de fútbol americano universitario arrogante y narcisista cuya carrera se ha visto arruinada tras deshonrarse en un partido del campeonato. Se disfraza como el titular Chad Powers para empezar de nuevo como jugador suplente en un equipo universitario. Perry Mattfeld como Ricky Hudson, el entrenador asistente ofensivo de los South Georgia Catfish y la hija de Jake; Quentin Plair como el entrenador Byrd; Wynn Everett como Tricia, la presidenta del fondo de apoyo; Frankie Rodríguez como Danny, la mascota del equipo que ayuda a Russ con su disfraz; y Steve Zahn como Jake Hudson, el entrenador jefe de los South Georgia Catfish.

Chad Powers se siente como una heredera de Ted Lasso, la maravillosa comedia de Apple TV protagonizada por Jason Sudeikis sobre un entrenador de fútbol americano que se convierte en entrenador de un equipo de la Premier casi por accidente, al no tener ni idea de fútbol. Tener una comedia ambientada en un ambiente deportivo y que el protagonista tenga una forma de ser peculiar que contrasta con los miembros de su equipo resultaban claves para esta apreciación.

Pero en realidad las series no pueden ser más diferentes. Porque Ted Lasso era casi un manual de vida en la que chocaba que una buena persona, el entrenador Lasso, en realidad no quería ganar sino que sus jugadores fueran felices. El humor nacido del desconocimiento de Lasso del deporte del fútbol generaba situaciones realmente divertidas en una serie que para mi es histórica. Pero era un humor a partir de un desconocimiento sin malicia, sin mala intención.

En realidad Chad Powers es totalmente diferente. Russ Holliday (interpretado por Glen Powell de forma brillante), es un egoísta narcisista cuya carrera profesional se fue al traste por un error suyo que nunca reconoció, y que es una mala persona que ha tomado siempre las peores decisiones posibles. Encontrándose en el pozo, decide disfrazarse de Chad Powers como última oportunidad de jugar al fútbol americano en una universidad de segunda que ha perdido a su quarter-back titular. Y aunque me he reído muchísimo viendo la serie con mi hijo, con las chorradas que se va inventando Powers, en realidad la naturaleza freak de Chad es tan sólo la forma de ocultar el pecado original y que está mintiendo a todo el mundo. Aparte de hacer humor por hacer que Chad parezca casi un retrasado mental, lo cual es también otro elemento cuestionable. Aunque durante la serie Russ pueda encontrar cierta redención convertido en una buena persona (Chad), eso no oculta el aspecto clave de estar mintiendo a todo el mundo.

Más que a Ted Lasso, a lo que Chad Powers tiene muchas más similitudes es con Tootsie, la comedia de 1982 dirigida por Sydney Pollack y protagonizada por Dustin Hoffman y Jessica Lange, en la que un actor en paro desesperado se hace pasar por una mujer para conseguir un trabajo que le hará famoso. Aunque hay algunos momentos deportivos, la clave de la serie es ver lo que Russ y su amigo Danny (Frankie Rodríguez) van haciendo para mantener el engaño y que Chad pueda seguir jugando. De esta forma, la similitud con Tootsie es muchísimo mayor que con Ted Lasso, a pesar de compartir ambas la naturaleza deportiva.

Me resulta super llamativo que esta primera temporada de Chad Powers haya tenido tan sólo 6 episodios y de momento no haya sido confirmada una segunda. Pensando en las duraciones de las comedias, que hayamos tenido tan pocos episodios de una duración de entre 28 y 42 minutos ha hecho que la serie se me haya hecho super corta.

Hablando del reparto, creo que todos los actores están geniales, empezando por un Glen Powell espectacular. Powell tiene un rango increíble, confirma que es un actor genial de comedia, algo que ya vi en Cualquiera menos tu), y tiene numerosos momentos dramáticos que funcionan de forma increíble. Me cuesta ver a nuevas estrellas de Hollywood en las nuevas hornadas de actores que están saliendo, pero creo que Powell es lo más parecido a una que ha salido en los últimos años. Tengo muchas ganas de verle en la nueva versión de The running Man dirigida por Edgar Wright que se estrena en Noviembre. Y que produjera y escribiera Hit-Man junto a Richard Linkater me sugiere que Powell es un profesional muy inteligente que es mucho más que una cara bonita.

Perry Mattfeld como Ricky Hudson, la hija del entrenador Hudson (Steve Zahn) que es ayudante en el cuerpo técnico del equipo de South Georgia Catfish es descubrimiento de esta serie. Su papel me parece super dramático, al ser una mujer que se enfrenta al estigma de «hija de…» cuando sabe casi lo mismo que su padre, subriendo ninguneos constantes del resto de entrenadores. Ricky tendrá una conexión peculiar con Chad Powers, y se mostrará especialmente dolida con los sucesos que veremos en esta temporada. He conectado un montón con la interpretación de Mattfeld, para mi es lo segundo mejor de la serie.

Dentro que el reparto cumple con lo que la historia necesita, la otra gran diferencia de Chad Powers frente a Ted Lasso es que a esta serie le falta TODO el enorme reparto de memorables personajes secundarios que sí tenía Lasso. Aquí la diferencia es abismal, Ted Lasso gana por goleada. Y es que en realidad la serie se centra en 4 personajes, Chad, Ricky, el entrenador Hudson (su padre) y Danny, la mascota del equipo que ayuda a Russ con su disfraz. El resto simplemente están, un poco como el atrezzo.

Los momentos deportivos son pocos, pero los que hay son geniales. De nuevo, en realidad la serie no va de ganar un partido, sino de las peripecias de Chad y Danny para mantener el engaño. De cara a una segunda temporada, que espero se haga realidad, me gustaría que podamos ver algo más de acción deportiva.

Mi principal reparo venía con la mentira de Russ a todo el equipo, y en especial a Ricky y al entrenador Hudson. Por eso me alegra poder decir que me ha gustado muchísimo el último episodio de la temporada y cómo Russ decide responsabilizarse de sus errores como forma de intentar ser mejor persona. La persona que ha sido Chad para sus compañeros. Que él intente ser mejor persona y a la vez no sea suficiente añade un elemento dramático fantástico. Como también que Russ hará lo que sea para seguir jugando, lo que indica que aún le falta mucho para terminar su cambio de persona. Para ser una serie de comedia, este último episodio me resultó super dramático y satisfactorio, dentro que han dejado todo abierto para la continuación de la historia.

No puedo dejar de comentar lo de la extensión de tan sólo 6 episodios. Con lo difícil que es que te aprueben una serie, que sólo hayan hecho 6 episodios se me ha hecho cortísimo. Sobre todo ahora que Russ realmente está intentando ser mejor persona. Ya veremos si lo consigue. O si le dejan, pensando que con el final de temporada Chad claramente se ha hecho un enemigo en el equipo.

Comparto el trailer de esta serie:

Chad Powers me ha gustado mucho, y me ha fastidiado bastante que esta primera temporada haya tenido tan sólo 6 episodios. Esperemos que Disney confirme lo antes posible la segunda temporada.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Elio de Madeline Sharafian, Domee Shi y Adrian Molina (Disney+)

No vi en su momento Elio, la última película de Pixar estrenada este verano, que fue dirigida por Madeline Sharafian y Domee Shi. Aprovechando su estreno en Disney+ me animé a verla.

PUNTUACIÓN: 6/10

La historia de Elio, un niño de 11 años con una imaginación desbordante y una enorme obsesión por los extraterrestres, que lucha por encajar hasta que de repente es transportado al espacio y es identificado por error como el embajador galáctico de la Tierra. (FILMAFFINITY)

Elio es una película estadounidense de aventuras y ciencia ficción animada de 2025 producida por Pixar Animation Studios para Walt Disney Pictures. Dirigida por Madeline Sharafian y Domee Shi (Red), tras abandonar Adrian Molina (Coco) la dirección para ponerse con Coco 2. La guion de la película fue escrito por Julia Cho, Mark Hammer y Mike Jones, a partir de una historia desarrollada por Molina, Sharafian, Shi y Cho. La película cuenta con fotografía de Derek Williams y Jordan Rempel, montaje de Anna Wolitzky y Steve Bloom, y música de Rob Simonsen. Descontando los títulos de crédito, la película tiene una duración inferior a los 90 minutos. Destacar además que Elio resultó un monumental fracaso de taquilla tras su estreno en cines, al recaudar 154 millones de dólares en todo el mundo a partir de un presupuesto superior a 150 millones.

En el reparto de voces originales encontramos a Yonas Kibreab como Elio Solís, un niño de once años que es identificado erróneamente por los alienígenas como el embajador de la Tierra; Zoe Saldaña como Olga Solís, tía de Elio y comandante de la Fuerza Aérea. Remy Edgerly como Glordon, un alienígena con forma de gusano del que Elio se hace amigo; Brandon Moon como Helix, un embajador alienígena; Brad Garrett como Lord Grigon, un corpulento señor de la guerra alienígena con una armadura de alta tecnología que es el padre de Glordon; Jameela Jamil como Questa, una embajadora alienígena con forma de radiodonte; y Dylan Gilmer como Bryce, un niño que comparte la misma fascinación por los alienígenas que Elio.

Hace unos años el estreno de una película de Pixar era un acontecimiento para los amantes del cine de animación. En parte, el ascenso de calidad y capacidad de entretenimiento de otros estudios como Dreamworks y Illumination consiguieron que Disney perdiera el casi monopolio en el cine de animación que mantuvo durante décadas. Y por si fuera poco, la decisión de Disney de no estrenar en cine varias película de Pixar durante el COVID para estrenarlas en Disney+ tuvo la perversa consecuencia que los espectadores entendiéramos que si la propia Disney no creía que esa película mereciera un estreno en cines, ¿Para qué pagar por ver la película en cines? Sobre todo cuando Disney nos ha informado que en 3 meses se va a estrenar en Disney+.

La certeza del estreno en 3 meses en Disney+ y el hecho que en realidad la película no me llamaba la atención, provocaron que no viera esta película en el cine. A todo esto, a los problemas creados por Disney habría que sumar la casi nula promoción que ha hecho de la película, que provocó que amigos fans de la animación no se enteraran que la película existía hasta que se estrenó en el cine. Caso real que viví este verano hablando con unas amigas con niños pequeños. Además hay otros elementos intangibles que hacen que una película por un motivo u otro no pinte bien. Incluso antes de conocer la parte de la intrahistoria que ha rodeado la producción de esta película de Pixar.

Elio fue concebida por Adrián Molina (director y guionista de Coco) como una historia sobre la madurez y la alienación juvenil, inspirada en su infancia en una base militar, previo a su posterior ingreso en el Instituto de las Artes de California, donde realmente Molina se encontró a si mismo. Dos años después, en 2024 Pixar informó que Molina abandonaba el proyecto para centrarse en la dirección de Coco 2, confirmando el estudio a Madeline Sharafian y Domee Shi (Red) en la dirección de la película.

En las semanas previas al estreno, Elio se vio envuelta en la controversia, al publicarse un artículo en The Hollywood Reporter que afirmaba que Pixar había eliminado toda la caracterización del protagonista que conectaba con temática queer. Un protagonista que es un niño de 11 años, no nos olvidemos. Así que por un motivo u otro, Elio no llamó la atención de ningún público al que teóricamente se dirigía.

Y entrando a valorar Elio por sus aspectos positivos, la película me ha resultado muy entretenida con una duración directa al grano de menos de 90 minutos que me parece adecuada a lo que nos han contado. A pesar de la polémica creada, Elio es una película blanca para todos los públicos que no tiene ningún elemento que pueda resultar problemático para ningún padre, y que puede poner a sus hijos sin problemas.

La animación de Pixar es una maravilla como siempre, destacando sobre todo en la construcción del hábitat alienígena Communiverso, que es una flipada de color y espectacularidad. Los serie alienígenas también me han gustado mucho, destacando sobre todo el de la raza de Glordon, unos gusanos que en su forma adulta son insertados en una armadura de alta tecnología preparada para la guerra, como veremos con Lord Grigon, el padre de Glordon. Aunque igual la animación no es tan brillante o sorprendente que como en otros clásicos del estudio, los amantes de la animación vamos a flipar con la película.

Elio es un niño de 11 años cuyos padres fallecen y que criado por su tía, una militar que renuncia a su sueño de ser astronauta por cuidarle. Elio conoce gracias a ella la misión del Voyager 1 y el mensaje de concordia que lleva para que sea encontrado por una posible civilización alienígena. Tras años aislándose y rechazando hacer amigos, Elio consigue su sueño de ser abducido por unos alienígenas, y vive una aventura colorida en la que encontrará a un amigo en el ser más inesperado y en la que descubrirá cosas que cambiarán su forma de ver el mundo. El mensaje que da igual lo raro que sientas que eres, siempre puedes conocer amigos y encontrar tu lugar en el mundo, me parece positivo.

Como amante de la ciencia-ficción espacial, la mención al Voyager 1 y su importancia en la trama me han gustado, al igual que la escena en que los protagonistas escapan del campo de residuos especiales que rodea el planeta gracias al trabajo en equipo de científicos de todo el mundo. La idea del trabajo en equipo y en confiar en la ciencia son cosas que siempre me gustan.

Además, como Pixar es muy lista, además de la parte de la trama de Elio sintiéndose solo hasta el punto de querer irse a otro planeta, la película añade una segunda subtrama sobre el trabajo y el sacrificio que significa ser padre, y como haces siempre lo mejor para tus hijos aunque ellos no lo valoren ni desde luego lo agradezcan. Algo representado en Olga, la tía de Elio, pero de forma inesperada también en Lord Grigon. Este aspecto conecta con la idea que siempre tuvo Pixar de hacer películas que apelen de una manera u otra al público infantil pero también al adulto. Algo que me parece bien, por supuesto.

En resumen, como entretenimiento sin complicaciones, creo Elio cumple de sobra su función. Y dado que puede verse «gratis» con tu suscripción a Disney+, mejor que mejor.

Ya entrando en los aspectos negativos, quizá el principal problema de Elio es precisamente su protagonista. Tengo que agradecer el intento de Pixar de corregir el rumbo de una producción con problemas, que acabó entregando una película tan entretenida como insustancial.

Y quizá el problema insalvable viene en su origen con Elio. Un niño hispano (luego vuelvo a eso), que entra completamente en la calificación de «ostiable» desde el minuto uno. Elio sufre un trauma por la muerte de sus padres. Pero luego no deja de comportarse como un repelente hacia todo el mundo. Dice que no tiene amigos, pero en realidad no quiere tenerlos y trata mal a los que se acercan a él de buena fe. Afirma que nadie le quiere cuando su tía ha expresado delante suyo que ha abandonado su sueño de ser astronauta para cuidarle y estar con él. Hay que ser egoísta y bastante asqueroso para tratar a su tía como lo hace. Pero es que incluso todo eso no es suficiente para justificar su enfermiza obsesión con ser abducido que roza la enfermedad mental. De modo que por primera vez en ni me acuerdo me encontré con un protagonista de una película de Disney / Pixar que me caía mal.

Lo curioso de la caracterización de Elio es que rompe además con otro aspecto clave para el mundo progresista americano, su condición de hispano. Y lo cierto es que Elio es hispano porque nos lo han dicho, pero si algo se caracteriza el mundo hispano (por ejemplo Coco o Encanto) es el respeto y la lucha de los protagonistas por su familia. Y en concreto, con mantenerla unida. Incluso en Lilo & Stitch la idea de mantener unida a la familia es esencial. Elio es todo lo contrario. Y es algo que a priori no tiene nada de negativo, aunque en el caso de esta película no acabó de funcionarme.

Hay otro elemento menos importante que es la nula profundidad o incluso interés de los aliens que Elio descubrirá en su viaje. Porque sus diseños son super chulos, pero no tienen personalidad aparte de estar presentes en pantalla. Y resultan bastante decepcionantes a nivel global.

Aparte de los problemas de Elio, otra cosa que me pasó durante la película es que a pesar de la aventura y los seres coloridos, en realidad no tenía claro lo que Pixar me estaba intentando contar. Porque Pixar no es Illumination, una película de Minions no tiene mayor mensaje aparte de las bromas de pedo, culo, pis. (Bueno, hay quien dice que si tienen mensaje, dado que eternizan el modelo de familia tradicional invisibilizando a personas de otros colectivos). Pero creo que me entendéis. Las películas de Pixar además de ser entretenidas aprovechan en su mayoría para resaltar un tema concreto. Luca las aventuras y las amistades que hacimos en verano cuando fuimos niños, Red sobre la ansiedad de la adolescencia y muy evidentemente con la llegada de la menstruación, etc… Y estaba viendo Elio y no acababa de ver qué me estaban contando.

Adrián Molina (director y guionista de Coco), primer director y creador de la idea inicial afirmó que quería hacer una sobre la alienación juvenil y el paso al periodo adulto, inspirada en su infancia en una base militar, previo a su posterior ingreso en el Instituto de las Artes de California, donde realmente Molina se encontró a si mismo. ¿Estaba en la idea original la idea que Elio, como algunas personas gays, tenían que abandonar el mundo (la familia) que les reprime para poder salir del armario y ser feliz siendo él mismo? Obviamente no podemos saber si ese era el tema de la película, pero si lo era, me alegro que Pixar lo cambiara. De hecho, ya tuve que sufrir el despropósito de Mundo extraño, la terrible película de Disney que hacía apología de la idea que los adultos lo hacen(mos) todo mal (han destruido el planeta) y está bien que los niños les rechacen y hagan lo que ellos prefieran.

Viendo Elio no he visto en él ningún elemento gay/queer. Según el artículo de THR, porque lo quitaron. Pero, ¿en serio un niño de 11 es gay? Esto me recuerda la misma polémica ridícula que surgió con Luca, en la que descerebrados afirmaban estar ofendidísmos porque Pixar había quitado un supuesto romance gay entre los 2 niños protagonistas. Algo que nunca estuvo ahí, y que en realidad mostraba a gente ridícula que solo le gusta algo si «habla de lo suyo». Y al igual que en Luca, creo que hubiera sido inadecuado en Elio teniendo como tiene 11 años. Y me parece perfecto que cada uno elija con quien quiere compartir su vida y ser feliz, pero un niño pequeño antes de la pubertad no está en eso. Querer forzar para que lo esté y así poder cubrir tu mensaje identitario me parece un error.

Al final, me gusta la idea que es posible encontrar amigos hasta en los lugares más insospechados, aunque un poco tienes que querer encontrarlos, unido al reconocimiento que la película hace a la figura de los padres, que en este caso puede ser una madre poco convencional al ser inicialmente la tía del protagonista. Pero sobre todo la parte de los padres parece lo que probablemente es, un injerto de última hora. Algo que no está mal, de hecho está guay, pero que no está todo lo bien ensamblado que me hubiera gustado.

Ver cómo Pixar hizo control de daños y redujo el metraje a menos de 90 minutos es otro elemento que me sugiere que el estudio quitó todo lo que consideró no esencial y se centró en la aventura con sus contados momentos dramáticos. Consiguiendo acertar sólo a medias, al quedar Elio como una película entretenida que puede verse tranquilamente con los más pequeños de la casa, pero es una de las películas más flojas de Pixar.

Comparto el trailer de la película:

Elio es una película entretenida a la que le falta un protagonista que funcione y una idea potente. Sin duda, una de las películas más flojas de Pixar.

PUNTUACIÓN: 6/10

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Crítica de Alien: Planeta Tierra 1×07 (Disney+)

Me estaba gustando bastante Alien: Planeta Tierra, la serie creada por Noah Hawley que está emitiendo Disney+. Pero el séptimo episodio de esta semana me ha matado, al echar por tierra todo lo bueno visto hasta ahora.

PUNTUACIÓN: 4.5/10

ARTÍCULO CON SPOILERS

Episodio 7. Emergencia.

Un plan de escape desata divisiones, traiciones y un impactante enfrentamiento.

El creador de Alien: Planeta Tierra Noah Hawley escribe el guion de este penúltimo episodio de esta temporada junto a Maria Melnik. El episodio de 46 minutos ha sido dirigido por Dana Gonzales, que ya dirigió el segundo y tercer episodio y que parece que dirigirá también el final de temporada de la semana que viene.

En el reparto encontramos a Sydney Chandler como Wendy, la primera híbrida (una persona cuya conciencia humana ha sido transferida a un cuerpo sintético). Alex Lawther es Joe Hermit, médico de la Fuerza de Seguridad de Prodigy Corporation y hermano de Wendy. Essie Davis hace de Dame Sylvia, empleada de Prodigy Corporation, David Rysdahl como Arthur Sylvia, científico y esposo de Dame Sylvia, Samuel Blenkin es Boy Kavalier, director ejecutivo de Prodigy Corporation y el billonario más joven del mundo, Babou Ceesay interpreta a Morrow, el oficial de seguridad cyborg (humano con algunas partes sintéticas) del USCSS Maginot, y Timothy Olyphant es Kirsh, el científico jefe sintético de Prodigy Corporation, que ejerce de mentor y entrenador de Wendy. Además, el grupo de 5 híbridos creados a continuación de Wendy son Adarsh Gourav como Slightly, Erana James como Curly, Lily Newmark como Nibs y Jonathan Ajayi como Smee y Kit Young como Tootles.

Si habéis ido leyendo mis reseñas de los diferentes episodios de Alien: Planeta Tierra, habréis visto que me estaba gustando, aunque también le estaba viendo cosas con las que conectaba menos. De hecho, los episodios 5 y 6 de la serie con el flashback con la historia de la USCSS MAGINOT y las primeras muertes por culpa de los aliens capturados por Kavalier, me parecieron los mejores episodios de la serie hasta ese momento. A pesar del factor de «gente tonta haciendo tonterías» que está sobrevolando toda la serie. Desde el primer momento y antes incluso de empezar a ver la serie, me acerqué a Alien: Planeta Tierra con ganas y la esperanza de que me gustara.

Lamentablemente, el séptimo episodio emitido esta semana ha sido un desastre. Lo primero a comentar es lo lamentable que es que una serie de ALIEN se convirtiera en una comedia involuntaria que provocara que mi hijo y yo nos estuviéramos riendo la mayor parte del tiempo de lo ridículo que es todo. Desde luego, no es lo que uno quiere ver en una serie de xenomorfos.

Hay situaciones que narrativamente en el papel pueden tener sentido, pero que cuando se desarrollan en imágenes ves que no funcionan. O que provocan el efecto contrario al que buscaban en un principio. En concreto, el concepto de los híbridos resultaba interesante, al ser cuerpos sintéticos habitados por la mente de niños. El hecho de ser niños ya indicaba desde el principio que iba a ser la causa de los principales conflictos, al ser mentes que no han vivido el mundo real y no han experimentado las complejidades y ambigüedades del mundo real. De esta forma Morrow consigue fácilmente información de Slightly que luego utilizará para chantajearle. Pero esto que plantea cuestiones que pueden ser interesantes se ha vuelto ridículo cuando Slightly ayudado por Smee escapan de la instalación de alta seguridad de Prodigy y pasean por la jungla con el cuerpo de Arthur, inoculado del embrión xenomorfo la semana pasada. Toda esta parte, incluido el hecho que los «niños» crean que Arthur iba a estar bien una vez saliera el alien, me ha matado y ha sido ridículo.

Peor es la parte de gente tonta haciendo tonterías, algo que está personificado en la figura de Boy Kavalier. Aunque no solo. En la serie hemos visto que aunque se vista de «genio» en realidad es un sociópata sin ninguna empatía por la gente corriente. Por conseguir los aliens de Weyland-Yutani no tiene problema en organizar que se estrelle una nave en medio de una de sus ciudades, provocando cientos ¿miles? de muertos. Pero la obsesión malsana de encontrar una mente más inteligente que la suya para poder conversar con ella le está haciendo cometer todos los errores habidos y por haber, conectando con la tropo del «idiot-plot» o el gente tonta haciendo tonterías que comentaba antes.

Pero no es sólo Morrow, las acciones de prácticamente todo el mundo entran en esa categoría, empezando por un Morrow que sabiendo que Kavalier es el culpable del derribo de la Maginot no se lo dijo a su jefa. O en este episodio cuando decide entrar como Pedro por su casa al laboratorio de Kavalier como si no fuera a estar vigilado. Todas las situaciones son ridículas. Y a lo mejor en los anteriores episodios, estando presente este «idiot-plot», hablábamos de una sóla situación extraña. Sin embargo, en este episodio las cosas se han precipitado, y ver tantas situaciones ridículas a la vez hizo que el castillo de naipes se derrumbara.

Otro aspecto super polémico es la relación de Wendy y el xenomorfo con el que se comunica. Wendy es una niña con habilidades especiales que está aprendiendo a marchas forzadas. Por ejemplo controlando las máquinas o pudiendo comunicarse con el xenomorfo. En el papel resulta interesante que al ser una niña, no ha aprendido valores morales básicos, y no sabe lo que está bien y lo que está mal, de forma que cuando quiere algo lo coge sin importarle quien está delante o lo que va a provocar. Esto es algo que también hemos visto en Nibs, que ha perdido completamente la cabeza. Ética y narrativamente hablando, es algo que tiene interés. Pero en el momento en el que para crear una diversión que la permita escapar a ella, a su hermano Joe y a Nibs, abre la jaula del xenoformo provocando una masacre entre trabajadores inocentes de Prodigy, en ese momento se ha convertido en una psicópata que no tiene moral. Igual que el resto de villanos de la serie.

Otro elemento interesante de Wendy es que aprendió que Kavalier la mentía y que los adultos no dicen la verdad. Luego, cuando borraron la memoria a la desequilibrada Nibs, sintió que Prodigy no era un buen sitio donde quedarse, hasta el punto de verbalizar que si las acciones de Kavalier o la decepción con Dame Sylvia tras violar la mente de Nibs eran ejemplo de lo que significaba ser humana, ella no quería serlo. Pero la clave de esa reflexión debería haber hecho que intentara SER MEJOR QUE LOS HUMANOS. Abrir la jaula del xenomorfo y provocar una masacre no la hace mejor. Todo lo contrario. Demuestra que Wendy es un ser igual de egoísta y poco empática con la gente a su alrededor que los adultos que desprecia. Posiblemente peor. La forma en que han convertido a una protagonista «pura» en sus motivaciones en una villana me parece terrorífico. Y el hecho de ver su tumba, la clave que reafirma que ya no es «humana», en mi opinión no es suficiente para provocar este salto tan bestia en su motivación.

Luego tenemos el otro gran elefante en la cacharrería. La decisión de convertir al xenomorfo en la mascota de Wendy a la que obedece es una de las peores ideas jamás planteadas en el mundo de Alien. Terrible. Y es que una cosa es que Wendy pueda hablar con el xenomorfo y otra ¡que el xenomorfo la obedezca!!! Y puede ser aceptable cuando la sugerencia va hacia su instinto, como es matar humanos. Pero que Wendy mande / sugiera al xenomorfo que no mate a su hermano y obedezca es una absurdez y una ridiculez. Si hubiera una reina, entraría dentro de lo lógico mantener humanos vivos para que fueran usados para criar más xenomorfos. Pero no es el caso. Me ha dejado bastante mosqueado, la verdad.

Y hablando del xenomorfo, en este episodio hay un plano super guapo cuando el xenomorfo cae sobre un soldado de Yeyland-Yutani. Pero en este episodio vuelve a suceder que el xenomorfo mata a la gente en segundo plano sin llegar a ver nunca lo que pasa. Cuando sucedió en el segundo episodio podía ser una casualidad o un hecho puntual, pero cuando vemos que es algo repetido entonces estamos ante otro problema grave no solo del episodio, sino de la serie en su conjunto. A menudo gente que no sabe rodar escenas de acción intentan convencer al espectador que en el fondo estas escenas no son tan importantes. Y puede que estemos en esa situación. Pero cuando vemos escenas de acción bien rodadas, la diferencia es abismal. En el caso de Alien: Planeta Tierra, el resultado son escenas sin chispa.

Y a todo esto, el xenomorfo ¡NO ES INVULNERABLE !! ¡Cuando los soldados le disparan, deberían matarle! Soltando su sangre que es ácido y todo lo habitual. Otro aspecto que me molesta de la serie es la sensación de todo vale y de no seguir las normas básicas creadas en las películas. Porque lo de matar a 6 soldados en 3 segundo tampoco es normal. Y mientras uno muere, el resto deberían disparar, cosa que no pasa tampoco. No hablamos de civiles que nunca cogieron un arma, son marines adiestrados. Noah Hawley está cometiendo el error de pensar que como es ciencia-ficción todo está permitido. Y debería ser al revés, justo porque es ciencia ficción, debes plantear reglas que luego vas a mantener de forma constante a lo largo de la serie. Que conecten y sean iguales a las de las películas, claro.

La nota positiva la tenemos con el alien pulpo-cabeza-ojo. Su inteligencia y la sensación de peligro que tiene cada vez que aparece me aparece lo mejor de la serie, como lo es la incertidumbre de no saber qué va a pasar a continuación. Bueno, un poco si. Porque Boy Kavalier quiere hablar con el alien, y no lo puede hacer en el cuerpo de una oveja. El próximo huesped es obvio. Pero a partir de ahí… veremos.

Otro elemento importante de la trama es la ambigüedad de Kirsh, el robot ayudante de Boy Kavalier, que ha estado actuando bajo su propio criterio a espaldas de Kavalier. Una de las grandes cuestiones pendientes es saber qué ha motivado sus acciones: ¿Un intento radical de llevar a cabo experimentos con los aliens a costa de lo que sea? O tal vez la intención de traicionar a Kavalier ¿por aburrimiento? ¿Por un condicionamiento de la Weyland-Yutani que le construyó? ¿Por que se ha cansado se obedecer órdenes, por muy absurdo que sea? Lo que es seguro es que en este episodio también Kirsh ha sobrepasado todos los límites. Empezando en la escena en la que ayuda a los híbridos a salir de la base.

Kirsh está en medio de otra escena problemática, cuando encuentra en 5 segundos al xenomorfo nacido de Arthur, que se encontraba por la selva cercana a la playa muy lejos del laboratorio. ¿Cómo pudo encontrarlo? Es una de tantas conveniencias -por no decir algo más fuerte- que la historia plantea en muchísimas de las situaciones. Y como con todas estas cosas, cuando ves una película o serie, una o dos conveniencias o chorradas narrativas no son un problema. Pero si a eso le sumamos el humor involuntario y los personajes repelentes, tenemos la explicación del fail absoluto que ha sido el episodio.

Dentro de la decepción, a pesar de todo lo comentado hasta ahora, lo cierto es que mi hijo y yo nos lo pasamos genial viendo el episodio. Incluso con el tono incorrecto, las risas de humor involuntario y todo lo demás, tener una serie de ciencia ficción con este diseño de producción y la potencia visual siempre conecta con mi zona de interés. Por ejemplo, el diseño del xenomorfo es genial, como también el del bicho pulpo-cabeza-ojos. Por cierto, ¿Qué pasó con los otros aliens? Tanta expectación con el bicho-planta, por ejemplo, y de momento nada de nada. Como también el lombriz come sangre que había expulsado gusanos y estaba suelto por la Maginot, de la que tampoco nada más se supo. Los defectos de la serie han sido demasiado evidentes como para no señalarlos.

Y la pregunta que queda hacerse en ¿Qué pasará la semana que viene en el climax de la temporada? ¿Podrá levantar la decepción o vamos a tener más de lo mismo que vimos esta semana? Que Dana Gonzales vaya a dirigir el episodio no invita al optimismo precisamente. A pesar de todo, sigo confiando que Noah Hawley acierte el final como lo ha acertado siempre en Fargo. No le recuerdo una historia en la que haya pecado tanto del «gente tonta haciendo tonterías», pero ojalá el último episodio sea el mejor de la serie. La semana que viene os cuento.

Comparto el trailer de esta serie:

Alien: Planeta Tierra se ha ido un poco a la porra. Entre la locura de «idiot plots» que inundan la trama y las situaciones ridículas, el visionado y mi impresión de la serie se ha arruinado completamente.

PUNTUACIÓN: 4.5/10

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Crítica de Alien: Planeta Tierra 1×06 (Disney+)

Tras el interludio del quinto episodio de la semana pasada, en este sexto episodio de Alien: Planeta Tierra los problemas se acumulan y nos ponemos en la plataforma de lanzamiento que nos llevará hasta el climax final.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Episodio 6. La mosca

La tensión aumenta al enfrentarse enemigos poderosos. La curiosidad tiene consecuencias letales.

El creador de la serie Noah Hawley escribe el guion de este capítulo junto a Lisa Long. El episodio de 59 minutos de duración ha sido dirigido por Ugla Hauksdóttir, que ya dirigió el cuarto episodio.

En el reparto encontramos a Sydney Chandler como Wendy, la primera híbrida (una persona cuya conciencia humana ha sido transferida a un cuerpo sintético). Alex Lawther es Joe Hermit, médico de la Fuerza de Seguridad de Prodigy Corporation y hermano de Wendy. Essie Davis hace de Dame Sylvia, empleada de Prodigy Corporation, David Rysdahl como Arthur Sylvia, científico y esposo de Dame Sylvia, Samuel Blenkin es Boy Kavalier, director ejecutivo de Prodigy Corporation y el billonario más joven del mundo, Babou Ceesay interpreta a Morrow, el oficial de seguridad cyborg (humano con algunas partes sintéticas) del USCSS Maginot, y Timothy Olyphant es Kirsh, el científico jefe sintético de Prodigy Corporation, que ejerce de mentor y entrenador de Wendy. Además, el grupo de 5 híbridos creados a continuación de Wendy son Adarsh Gourav como Slightly, Erana James como Curly, Lily Newmark como Nibs y Jonathan Ajayi como Smee y Kit Young como Tootles.

Tras el episodio de la semana pasada en el que conocimos la historia de la USCSS Maginot y el motivo por el que se estrelló en la Tierra, en el episodio de esta semana las diferentes tramas que se han ido presentando han empezado a colisionar para dirigirnos hacia un climax que espero sea super satisfactorio. Por lo visto hasta ahora, la forma en que se está construyendo la tensión invita al optimismo.

Los problemas de los híbridos aumentan. Tras el episodio violento de Nibs, es sometida a un procedimiento que borra su memoria de la última semana como forma de acabar con su trauma. Wendy está encantada de hablar y comunicarse con el xenomorfo, pero descubrir lo que le han hecho a Nibs es la confirmación de que la empresa es capaz de hacer cosas malvadas. Y aparte, el que Nibs descubra que le han borrado la memoria seguro no puede acabar bien. Desde luego, no para Dame Sylvia.

Desde el principio de la serie estaba claro que la curiosidad de los híbridos y su falta de experiencia en los problemas y las complejidades de la vida adulta acabarían por provocar situaciones mortales. En este episodio llegamos a ese momento. Y eso es además de los intentos ridículos de Slightly para entrar en el laboratorio y conseguir inocular un embrión de xenomorfo en un humano, debido al chantaje de Morrow, que está amenazando con matar a su familia si no hace lo que él quiere. El final del episodio ha dejado la serie en un momento espectacular, y todo apunta a que los dos últimos episodios van a ser la bomba.

La parte de los aliens por fin ha explotado y nos ha dado unos momentos alucinantes. La semana pasada descubrimos que el alien cabeza-ojos de pulpo es un ser inteligente que planea la forma de escapar a su cautiverio. Y si es posible, la muerte de sus carceleros humanos. Como en la Maginot, la forma en que va a participar para provocar que alguien cometa un error y pueda caer presa de otro alien resulta aterrador. Y si parecía que no teniamos bastante con el xenomorfo, el ojo-pulpo y la lombriz come sangre, ver por primera vez al alien mosca me ha dado un momentazo tremendo.

Estaba claro que Slightly tenía que encontrar a una víctima, y el elegido una vez el hermano de Wendy Joe le falla era obvio. Lo que no es tan obvio es cómo va a poder escapar de los guardias llevando el cuerpo inoculado con el embrión del xenomorfo. Más allá de la posibilidad de tener un xenomorfo suelto, el resto de aliens plantean una amenaza casi igual de peligrosa y aterradora. Quizá más, dado que lo que puede hacer el xenomorfo lo tenemos claro, pero aún nos falta por conocer muchas cosas del resto de aliens, empezando por el bicho árbol.

Por si fuera poco, la negociación entre Kavalier y Yutani para entregar a los aliens no ha ido bien para los segundos, lo que sugiere que estamos a punto de ver un ataque armado a la isla de Kavalier por parte de un equipo de Wailand-Yutani dirigido por Morrow. La posibilidad de una guerra abierta en medio de la huida de varios aliens de la zona de cuarentena apunta a muchos momentazos en el futuro inmediato.

Y por supuesto tenemos la wild-card que supone el sintético Kirsh, al que hace tiempo he calado y tenía claro que tenía sus propios planes aparte de las órdenes del irascible Kavalier. La frialdad de Kirsh y la forma en que lo ve todo y deja que las cosas sucedan pudiendo evitarlo añade un factor aterrador imprevisible, porque no tengo ni idea qué está planteando más allá de generar caos que pueda perjudicar a Kavalier. Algo que sin duda Kavalier merece que le pase, sobre todo tras descubrir su participación en la caída de la Maginot a la Tierra.

Me ha gustado mucho este sexto episodio de Alien: Planeta Tierra. Buscando elementos menos buenos del guion, resulta super obvio y llamativo que Noah Hawley tenga que plantear un «gente tonta haciendo tonterías» para justificar la huida de los aliens de su cautiverio. En parte se explica por el desconocimiento y la falta de miedo de los híbridos, que al final son mentes de niños dirigiendo un cuerpo super evolucionado. Lo que tiene menos pase es la incompetente del humano que acompaña a Slightly al laboratorio, que debería haber pedido ayuda y lanzar una alerta roja en el momento en que descubrió que algo no iba bien y que era posible que un alien hubiera escapado. Pero claro, si todos hicieran lo razonable, no habría serie porque los aliens no se hubieran escapado. Y la diversión pasa por esta huida y el caos y la destrucción que se va a generar.

A todo esto, los efectos especiales me parece que están geniales, en especial en lo referido al diseño de los aliens y la forma en que se mueven en pantalla. Aunque la tensión que se está generando me parece genial, también tengo que reconocer que la falta de momentos gore o incluso sangrientos también lo pongo en el debe de esta serie. Puedo entender que Alien: Planeta Tierra no pueda ser todo lo punki y radical que debería al producirse bajo el paraguas de Disney y emitirse en Disney+. Espero eso sí que la serie esté yendo de menos a más y los niveles de terror y violencia aumenten en los dos episodios que quedan de esta serie.

En todo caso, este pequeño pero no evita que el episodio me haya gustado mucho y tener muchísimas ganas de saber cómo continuará la historia. Los primeros episodios de Alien: Planeta Tierra me generaron algunas dudas, pero en los últimos episodios la cosa no ha dejado de mejorar, por lo que me encuentro bastante satisfecho con esta serie de Disney+. Esperemos que el final esté a la altura.

Comparto el trailer de esta serie:

Alien: Planeta Tierra ha pisado el acelerador y nos dirige hacia el climax final de forma brillante. La cosa no deja de mejorar.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Predators: Asesino de asesinos de Dan Trachtenberg (Disney+)

Disney+ ha estrenado la película de animación Predator: Asesino de asesinos que el director Dan Trachtenberg ha planteado a modo de puente entre Predator: La presa (2022) y Predator: Badlands que se estrenará este próximo mes de noviembre.

PUNTUACIÓN: 7/10

Tres de los guerreros más feroces de la historia de la humanidad se convierten en presa del asesino supremo de asesinos.

Dan Trachtenberg (1981) es un director de cine y presentador de podcasts estadounidense. Dirigió en 2016 la brillante 10 Cloverfield Lane, que le valió una nominación al Premio del Gremio de Directores de América por Dirección Destacada de un director nobel. Trachtenberg fue uno de los tres presentadores del podcast The Totally Rad Show y fue copresentador del podcast Geekdrome. También dirigió episodios del podcast Ctrl+Alt+Chicken. También el director del cortometraje de 2011 Portal: No Escape, de un episodio de Black Mirror titulado «Playtest» y del episodio piloto de The Boys. En 2021, dirigió el episodio de estreno de la serie de Peacock The Lost Symbol, donde también hace funciones de productor ejecutivo. El éxito volvió a alcanzar a Trachtenberg en 2022 con el estreno en 2022 en Disney+ de la entretenidísima Predator: La presa , que dio un nuevo impulso a la franquicia de Predator.

Tras el éxito de Predator: La presa, Disney / 20th Century Studios dio luz verde a la nueva película Predator: Badlands, que se entrenará en noviembre de este año. Mientras se encargaba de la producción de esta película, Trachtenberg informó en octubre de 2024 que había realizado una película secreta de la franquicia. En abril de 2025, se revelaron el título y la fecha de estreno de la película.

Asesino de asesinos está dirigida por Trachtenberg y codirigida por Joshua Wassung. Su guion es de Micho Robert Rutare a partir de una idea suya y de Trachtenberg. La animación corrió a cargo de Third Floor. Esta película de 90 cuenta con edición de Stefan Grube y música de Benjamin Wallfisch.

En las voces en la versión original encontramos con Lindsay LaVanchy como Ursa, Louis Ozawa como Kenji y Kiyoshi Kamakami, Rick Gonzalez como John J. Torres, Michael Biehn como Vandenberg «Vandy», Doug Cockle como Einar, Damien Haas como Anders y Lauren Holt como Freya.

Cuando me enteré de la existencia de Predator: Asesino de asesinos, la primera gran duda que me preocupó fue si esto iba a ser una película en el sentido tradicional, o en realidad estariamos ante una antología de 3 cortometrajes cada uno de los cuales estaría protagonizado por un personaje diferente, con historias inconexas entre si. En realidad, recordando la antología Love, Death & Robots, si las historias y la animación están bien, tampoco tendría problemas a priori con esta posibilidad. Sin embargo, me alegra que Dan Trachtenberg se las apaña para construir una película en la que estas tres historias están conectadas y todo tiene un sentido cuando se cierra el círculo durante el climax final de la película.

Las 3 historias son:

«The Shield / El Escudo», ambientada en Escandinavia, 841 sigue a la guerrera vikinga Ursa guía a su hijo Anders y a su clan en una expedición de venganza.

«The Sword / La Espada», ambientada en Japón, 1609. Los hermanos Kenji y Kiyoshi, hijos de un caudillo samurái, disputarán sus diferencias con un Predator intentando matarles a ambos.

Por último, «The Bullet / La Bala», situada en el Océano Atlántico durante la 2ª Guerra Mundial, en, 1942, sigue a John Torres, un piloto de cazas americano durante la Batalla del Atlántico, mientras su escuadrón investiga un misterioso avión que destruyó otra unidad.

Hay muchas cosas que me gustan de la película. Empezando porque Dan Trachtenberg rompe con la idea de Predators clónicos como si todos los miembros de la raza Yautja fueran exactamente iguales. Pensando que hay más de 1000 años entre la primera historia y la última, me gusta que los Predators y su tecnología sean diferentes. Al igual que las armas y el vestuario. En The Shield tenemos a un Predator enorme casi como un tanque, en The Sword tenemos una versión más delgada y pequeña que encaja bien con esta historia de samurais, y el Predator de The Bullet está herido y tiene múltiples cicatrices. Dan Trachtenberg comenta en entrevistas que no quería coger lo malo de otras franquicias populares como Star Wars en la que todos los aliens son casi idénticos, prefiriendo que cada individuo de los Yautja fuera diferente y único. Esto me parece una idea genial.

Un problema nuclear de la franquicia de Predator es que en muchos sentidos se siente todo como una copia y/o repetición de la fórmula, con un alien cazando gente a la que pilla desprevenida gracias a la tecnología de camuflaje. En este sentido, me gusta mucho que Trachtenberg plantee historias diferentes entre si, dentro de la premisa de base. Con los vikingos hay mucho despliegue físico y fuerza bruta por parte de todos los guerreros, todo ello con una ambientación invernal. La historia de los samurais – ronin es mucho más fluida y elegante, dentro que también hay matanza. De esta historia, mi favorita de las tres, me flipa que esta historia sea prácticamente toda sin diálogos, casi como si fuera de cine mudo. Y la novedad absoluta está en la tercera historia con una batalla aérea con una nave predator implicada, algo que es completamente nuevo dentro de esta franquicia cinematográfico.

Como comentaba, sin entrar en spoilers, me gusta cómo se plantea el climax final y la sorpresa que implica, ayudando que todo tenga una sensación más redonda que si hubieran sido 3 historias inconexas. En ese sentido, aunque los 3 protagonistas están chulos y son muy diferentes entre si, el principal valor de la película estriba en la forma en que se amplía lo que conocemos de la cultura Yautja.

Dentro de habérmelo pasado muy bien con la película, sobre todo pensando que la vi en casa, tengo algunos reparos con la animación. Para la animación de Predator Killer of killers se usó Unreal Engine, un motor de gráficos por ordenador en 3D desarrollado por Epic Games, usado en multitud de videojuegos pero que casi no se había utilizado para largometrajes. Varios profesionales que trabajaron en Arcane, incluido el animador principal de personajes Steven J. Meyer, han trabajado en este película. Esto a priori era un indicativo que se quería dar mucha importancia a este aspecto.

Y el resultado me parece que tiene luces y sombras. La violencia extrema, la sangre y el gore están guay, pero la película alterna momentos brillantes con otros muy cutres. Me ha gustado como concepto la idea que los diferentes Predators sean físicamente muy diferentes. Pero su diseño no acaba de funcionar. Y peor que el diseño es su animación, planteando unos movimientos muy raros y unas escenas en los que los Predator están casi siempre en sombra y no se les acaba de ver bien. En Arcane la animación añadía un elemento expresivo que no iba en detrimento de la narrativa sino que la complementaba. En la película de Predator no acaba de conseguir ni una cosa ni la otra de forma igual de brillante.

Otro aspecto cuestionable es el no-final de la película. Comentaba la idea de película puente previa al estreno de Predator: Badlands, pero sin querer entrar en spoilers sólo diré que este final abierto no me ha gustado. El detalle que conecta esta película con la anterior Predator: La presa está bien, pero tengo que reconocer que no ofrecer una historia completa con inicio y final no me ha gustado demasiado. Este elemento junto con la animación hace que este Killer of killer NO se sienta como una PELÍCULA sino como un complemento de las películas en imagen real. Algo secundario.

Y es una pena, porque las ideas que plantea Predator: Asesino de asesinos me parecen muy acertadas y pueden ayudar a dar aire fresco a esta franquicia que en varios momentos había dado sensación de estar quemada y parecía que con La Presa cogía un nuevo impulso.

Al no conectar con la animación, me quedo con la idea que si esta misma historia se hubiera rodado en imagen real, lo hubiera flipado el doble o el triple de lo que lo he hecho. Y es una sensación que no me gusta nada, sobre todo porque en realidad la película me gustó, a pesar de los elementos menos buenos. En todo caso, dado que está disponible en Disney+, si estás suscrito a la plataforma no hay ningún motivo para no ver la película. Si te gusta la franquicia de Predator seguro que pasarás un buen rato.

Comparto el trailer de esta película:

Predator: Killer of killers es una curiosidad entretenida.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

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