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Crítica de Spiderman: Cruzando el multiverso de Joaquim Dos Santos, Kemp Powers y Justin K. Thompson

Venía con el hype por las nubes y Spiderman Cruzando el multiverso nos ha gustado aún más. La nueva película de Sony Animation dirigida por Joaquim Dos Santos, Kemp Powers y Justin K. Thompson se va directa a mi top de mejores películas del año.

PUNTUACIÓN: 9/10

Tras reencontrarse con Gwen Stacy, el amigable vecindario de Spider-Man de Brooklyn al completo es catapultado a través del Multiverso, donde se encuentra con un equipo de Spidermans encargados de proteger su propia existencia. Pero cuando los héroes se enfrentan sobre cómo manejar una nueva amenaza, Miles se encuentra enfrentado a las otras Arañas y debe redefinir lo que significa ser un héroe para poder salvar a la gente que más quiere. Secuela del film de 2018 «Spider-Man: Un nuevo universo».

Spiderman: Cruzando el multiverso es el nuevo éxito creativo de Sony Animation, creadores de la revolucionaria animación de Spiderman: Un nuevo universo. Curiosamente, ninguno de los directores de esa película repiten, contando esta secuela con la dirección de Joaquim Dos Santos (director de las series Avatar: The last airbender y Justice League Unlimited), Kemp Powers (Soul) y Justin K. Thompson (diseñador de producción de la anterior película).

David Callaham escribe esta secuela de la brillante película de 2018 a partir de una historia suya y de Phil Lord y Christopher Miller, productores de ambas películas y de la tercera parte que se estrenará en 2023: Spiderman: Más allá del multiverso. La película de 140 minutos de duración ha contado con un presupuesto estimado de 100 millones de dólares, que por los primeros trackings de taquilla van a quedar amortizados en una semana.

En el reparto de voces encontramos a Shameik Moore como Miles Morales / Spider-Man, Hailee Steinfeld como Gwen Stacy / Spider-Gwen, Jake Johnson como Peter B. Parker / Spider-Man, Oscar Isaac como Miguel O’Hara / Spider-Man 2099, Lauren Vélez como Rio Morales, la madre de Miles, Brian Tyree Henry como Jefferson Morales, su padre, Jason Schwartzman como Jonathan Ohnn / la Mancha, Issa Rae como Jessica Drew / Spider-Woman y Karan Soni como Pavitr Prabhakar / Spider-Man India, entre otros actores.

Spiderman: Cruzando el multiverso me ha parecido una pasada. Luego entraré a la alucinante animación, pero si la película, cualquier película en realidad, triunfa es por la construcción de los protagonistas y la forma en que consigue que nos enamoremos de Miles Morales y Gwen Stacy. Y el primer sorpresón es comprobar que Gwen roba la película en varios momentos cuando conocemos su origen y entendemos el drama que vive, un drama compartido con Miles dado que sus padres son los dos policías. Gwen fue uno de los hallazgos de la primera película y ahora se convierte por méritos propios en uno de mis personajes favoritos de la Marvel cinematográfica. Y eso es fruto de una buena escritura y de poner a los personajes por encima de la acción. Acción que por otro lado es alucinante.

Otra cosa que me ha gustado mucho es la construcción emocional de Gwen y Miles. En estos tiempos que parece que se exigen explosiones y acción a raudales, me ha flipado que la película se atreva a pararse para que conozcamos a Gwen primero y a Miles después, para que recordemos las apuestas a las que se enfrentan y sobre todo, porqué merecen ser nuestros héroes. Había leído comentar que a la película le cuesta arrancar, pero no estoy de acuerdo, ya que la construcción del mundo de Miles y su relación con sus padres me parece una pasada, es el núcleo que va a hacer que el drama posterior nos importe y nos interese.

Otro punto a favor de la película son los padres de Miles, Rio y Jeff. Si Gwen y Miles van a enamorar a los niños y mayores, los padres de Miles representan el miedo que todos los padres tenemos ante el paso del tiempo y comprobar que nuestros hijos se hacen mayores y llegará un día que no nos van a necesitar. Su amor incondicional consiguió emocionarme y hace que entiendas que Miles hará cualquier cosa por ellos. Volviendo a la parte de lo bien escrita que está la película, me encanta ver cómo la película da elementos a niños y mayores para que quedemos rendidos ante ella.

La animación de Un nuevo universo fue revolucionaria, y esta Cruzando el multiverso la puede mirar de tu a tu. Pensando en la cuenta de Twitter A perfect shot, con esta película tendría material de sobra para todo el año, porque todo es un despliegue alucinante que provoca una sobrecarga sensorial alucinante. Los balanceos de Miles y Gwen son increíbles, a lo que hay que sumar el resto de personajes arácnidos, que nos dan momentos para reír y que nos dejan con la boca abierta.

Por quitármelo de encima ya, tengo que reconocer que NO le he puesto un 10 a esta película porque en general la película se recrea demasiado con los paseos, las persecuciones y los combates. Si hubieran quitado 10 minutos sólo de estos elementos sin tocar nada de la trama, la película hubiera sido la misma y me hubiera parecido más compacta y satisfactoria. Dicho esto, es que hay que reconocer que esos planos ampliados de más son una pasada. La construcción de los diferentes mundos, ese Manhattan hindú, el mundo de Miguel O´Hara o la Tierra 42 me han volado la cabeza con cada plano, cada cambio de animación. Qué maravillosa locura.

La película vuelve a sacar todo el partido a las posibilidades expresivas de la animación, enfatizando las emociones y creando momentos super potentes. Las escenas de Gwen con su padre y cómo en función del momento y la emoción el color cambia me ha vuelto loco. Por no hablar de la humanidad de Miles y Gwen, que son unos diamantes que han explotado en esta película. La forma en que son personas reales porque olvidas que han sido creados con animación es alucinante. Gwen roba la película en varios momentos y la película lo agradece, pero el dolor de Miles cuando siente que sus amigos le han traicionado al no contarle la verdad es uno de los momentos más dolorosos de la película. Se habla de animadores, pero deberiamos decir «artistas», porque aquí tenemos una obra con vocación de trabajo artístico que además entretiene y además emociona

Aparte de por los personajes, me he quedado con unas ganas tremendas de volver a ver la película porque la sobrecarga sensorial y de información es tan grande que siento que me he perdido multitud de detalles de la película. El Spider-Punk me parece una locura, y quiero volver a verle porque diría que no me he dado cuenta toda la animación que se ha traido consigo. Y lo mismo para los momentos en que Miles es perseguido por cientos de Spidermans de diferentes dimensiones, que nos ofrece una sobrecarga de easter-eggs mientras identificamos a cada uno de los personajes. O qué decir de La Mancha, y lo que pasa cada vez que algo traspasa uno de sus portales espaciales.

Llega el momento de hablar de los villanos. La Mancha la verdad es que es más el plot-point necesario para que la historia avance que un personaje con presencia en la película. Porque creo que aparece muy pocos minutos de esta larga película. Sin embargo, tiene una cualidad interesante de opuesto de Miles que al final está buscando lo mismo que él, que le vean y que alguien se preocupe por él. Su cuerpo está cubierto por portales interdimensionales que le permiten viajar por el espacio, y cuando aprende a usarlos para viajar por el multiverso se convierte en una amenaza para todas las realidades. La forma en que ve a Miles como el responsable de su transformación y quiera hacérselo pagar quitándole lo que más ama, y su conexión con el origen de Miles y el sorprendente drama subyacente, forman una guinda perfecta que da lo que la historia necesita de él.

Luego tenemos a Miguel O´Hara, el mítico Spiderman 2099 creado por Peter David y Rick Leonardi. La película realmente no sigue los comics Marvel de la línea 2099 y nos trae a un O´Hara obsesionado por la protección del continuo espacio-temporal a partir de un drama de su pasado causado por él sin pretenderlo. El único Spiderman sin sentido del humor es una persona bastante amargada que no cree que el futuro pueda cambiarse, y en caso de hacerlo, las consecuencias serían aún peores. La película juega con el mito de Spiderman y como todos los héroes arácnidos tienen que sufrir una pérdida familiar que defina su carácter. Que Miles busque romper ese círculo vicioso y que Miguel se enfrente a él por ello ofrece un drama personal que eleva aún más apuestas, porque no hablamos del multiverso sino de la familia más cercana. Y en esto todos somos Miles.

Justo antes de ver la película me enteré (o me recordaron) que la película no terminaba, con una tercera parte ya en proceso de rodaje de cara a su estreno el año que viene. Y menos mal, porque podría entender que haya espectadores a los que el final con el monumental cliffhanger no les haya sentado bien, al pensar que estábamos ante una película con comienzo y final. Reconozco que no es mi caso, y mi hijo y mi sobrino a los que llevé al cine han salido flipados con ganas de más. De hecho, mi sobrino Alex me ha comentado que si hubiera durado una hora más para él hubiera sido mejor. Y ojo que menudo gliffhanger y menudo giro tan potente con el que nos han dejado jugando con las posibilidades de las realidades alternativas.

Por cierto, que el final de la película se cierre con la reunión del grupo de personajes de Un nuevo universo quizá no me gusta demasiado, al volver a un concepto que esta película había superado que puede restar protagonismo a Miles, Gwen y Peter B. Parker y la super genial May. Sin embargo, esto de momento no es ni mucho menos un problema, dado que ha quedado como un easter-egg más a falta de ver cómo lo desarrollan en la siguiente película.

Pensando en el enorme éxito creativo, expresivo y emocional de la película, entiendo que Miles Morales pueda ser el SPIDERMAN de toda una generación para los que no es necesario que hayan leído comics. Miles y Gwen han sido maravillosos en todos los aspectos, toda una generación de niños y niñas tienen aquí a sus héroes favoritos para mucho tiemo. A mi hijo esta película le ha volado la cabeza. Miles se ha convertido en su Spiderman favorito por encima del Peter Parker de Tom Holland. Y no me extraña, porque la animación añade un carisma, una personalidad y un flow a Miles que Peter nunca tuvo en pantalla. De hecho, en cierto sentido dándole la razón entiendo que esto es un poco injusto porque el Peter del MCU realmente aún no ha sido el Spiderman que amamos al separarse las películas de los elementos más icónicos para no parecer más de lo mismo frente a las películas anteriores. El último balanceo en No way home nos prometía que eso era precisamente lo que tendriamos en la siguiente película, pero realmente no lo hemos tenido con la escala y maravillosa locura que acabamos de disfrutar en Cruzando el multiverso.

Las únicas dudas que me quedan es cuando volveré a verla, esta vez en versión original, y cuando saldrá el Blu-Ray para comprarlo. Porque no quiero depender de si la película está en una plataforma u otra, quiero tener en casa la película, y la quiero ya.

Comparto el trailer de la película:

Spiderman: Cruzando el multiverso es una pasada. Lo que acabamos de vivir ha sido histórico. Y aún nos queda una tercera película. Es un buen momento para ser fan de Spiderman, en todas sus encarnaciones.

PUNTUACIÓN: 9/10

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Crítica de Star Wars Visions temporada 2 (Disney+)

La antología de cortometrajes Star Wars Visions es un autentico regalo que nos trae joyas de la animación, como pude comprobar tras ver la segunda temporada recién estrenada en Disney+.

PUNTUACIÓN: 8/10

«Star Wars: Visions» va más allá de cualquier forma de animación y sirve como un marco más amplio para las expresiones de celebración de la narración de Star Wars. El volumen 2 mostrará ese potencial cuando los cortometrajes emprendan una gira mundial, celebrando la increíble animación que tiene lugar en distintos países y culturas, a través del mito de Star Wars.

La serie creada por Lucasfilm ha estrenado una segunda temporada formada por 9 cortometrajes de estilos de animación y temáticas variadas. Por este motivo, como hice con la reseña de la primera temporada, haré un breve comentario de cada episodio, dentro que ya anticipo que independientemente de la calidad de cada episodio individual, y el nivel es muy alto. Lo que más me gusta de Star Wars Visions es precisamente poder ver esta gran variedad de historias ambientadas en el mundo de Star Wars.

SITH (EL GIRI)

Una exaprendiz Sith ve su pacífica vida amenazada.

El estudio español El Giri nos regala el mejor episodio de esta temporada. El cortometraje está escrito y dirigido por Rodrigo Blaas, y cuenta con las voces de Úrsula Corberó y Luis Tosar para contar la historia de una Sith que intenta encontrar el equilibrio entre la luz de la Fuerza y la oscuridad de los Sith, usando el simbolismo del lienzo en blanco y la imaginación del artista. La animación es una maravilla y entra en la categoría de OBRA DE ARTE, ofreciendo imágenes de gran belleza y con una potencia dramática y expresiva espectacular. El chulísimo mensaje del corto va unido a unas escenas de acción bestiales que hacen que el visionado sea super satisfactorio. Por cierto, en cierto sentido diría que este mensaje de unir luz y oscuridad diría que contradice el lore creado por George Lucas sobre el bien y el mal en Star Wars, pero el episodio es tan bello y la conclusión tan perfecta, que no seré yo el que lo critique.

Diría que Sith es el cortometraje que más me ha gustado, no ya de esta temporada, sino de toda la serie Visions. Sólo por él se justifica la existencia de esta antología, que sirve para reforzar la idea que no existe una única forma de contar historias con animación, elevando una historia de entretenimiento a una obra artística que me ha volado la cabeza.

LA CUEVA DE LOS CHILLIDOS (CARTOON SALOON)

Una joven sale de aventura con sus amigos y descubre la oscura llamada de una cueva legendaria.

El estudio irlandés Cartoon Saloon realiza este corto dirigido por Paul Young y con guion de Will Collins y Jason Tammemägi. El único problema de este corto es que viene justo después de Sith, que es una maravilla. Y en la comparación pierde sin duda. Sin embargo, el corto visto individualmente está super chulo. Aunque la animación puede considerarse “tradicional”, también consigue emocionar unos toques de terror en espacio cerrado y unos niños que tienen que luchar contra sus mayores miedos, con un mensaje de dejar ir el pasado para empezar una nueva fase del viaje. La historia tiene además un giro final muy interesante sobre la identidad de la voz que le hablaba a la niña, que añade el plus de originalidad a un corto que también me ha gustado mucho.

EN LAS ESTRELLAS (PUNKROBOT)

Dos hermanas, las últimas de su pueblo, intentan sobrevivir cuando el Imperio las descubre.

El estudio chileno Punkrobot realiza este corto con guion y dirección de Gabriel Osorio con una animación stop-motion maravillosa con una historia con toques de ecologismo frente a industrialización salvaje y unas jóvenes que tienen que intentan reconciliar el legado y la cultura de su planeta con la lucha en el presente contra el Imperio. Con este corto, llevamos tres éxitos monumentales, ya que la historia de estas hermanas que sobre todo la mayor tiene que aceptar su herencia y legado para poder sobrevivir me parece super emocionante. Además, la animación encaja con el tono y el mensaje creando una obra perfecta.

YO SOY TU MADRE (AARDMAN)

Anni, una joven piloto que se avergüenza de su madre, debe unirse a ella en una alocada carrera

El mítico estudio Aardman realiza este corto escrito y dirigido por Magdalena Osinska. El título alude a la mítica frase de Darth Vader a Luke, pero en realidad tenemos una historia ligera pero super divertida marca de la casa Aardman. La animación de “monigotes” funciona perfectamente en el a priori mundo serio de Star Wars, y nos ofrece una historia que me ha encantado. Porque no todo tiene que ser dramático o impactante.

VIAJE A LA CABEZA OSCURA (STUDIO MIR)

Una mecánica optimista y un jedi desilusionado se unen para intentar cambiar el curso de la guerra.

Este estudio coreano ha contado con Hyeong Geun Park como director y Cgung Se Rang como guionista de este cortometraje. Igual por tratarse de animación tradicional o por volver a repetir el tema que la luz y la oscuridad están conectadas y no puede existir una sin la otra, he conectado menos con este corto. En todo caso, la historia de estos dos héroes de mentalidades opuestas que formarán un vínculo para sobrevivir me parece que está bien ejecutado.

LA BAILARINA ESPÍA (STUDIO LA CACHETTE)

La bailarina de un cabaret frecuentado por el Imperio corre peligro cuando se descubre su identidad.

El estudio francés de animación ha realizado este corto escrito y dirigido por Julien Chheng. Este corto tiene un estilo de animación que me recuerda a las series de los años 80, con un toque retro en el diseño de personajes que casi me recuerda a un álbum infantil. Y esto es curioso, porque luego la historia es bastante dura, al tener a una madre que lucha contra el Imperio tras ver su pueblo arrasado y su hijo secuestrado. La historia tiene un giro super bueno, y la animación de ella bailando como si fuera un miembro del Cirque du Soleil ofrece momentos chulísimos, incluso cuando la animación retro igual para mi no es la mejor elección posible. En todo caso caso, una historia muy interesante que te deja con ganas de más, lo mejor que se puede decir en estos casos.

LOS BANDIDOS DE GOLAK (88 PICTURES)

Perseguidos por el Imperio, un chico y su hermana sensible a la Fuerza se refugian en un dhaba.

Ishan Shukia sirige y escribe la historia realizada por este estudio de India de dos hermanos que huyen del Imperio buscando refugio. Como positivo tenemos una historia que conecta con la cultura de India, mostrando la variedad casi infinita de planetas e historias que pueden contarse dentro del marco de Star Wars. Sin embargo, la animación me parece más floja que los cortos anteriores, con unas caras «feas» con las que no conecto, y la historia se siente un poco trillada y ya vista una vvez quitamos el envoltorio cultural.

EL HOYO (D´ART SHTAJIO & LUCASFILM JAPAN)

Un joven prisionero, obligar a buscar cristales de Kyber para el Imperio, planea la huida.

Cortometraje escrito por LeAndre Thomas y dirigido por Thomas y Justin Ridge. Este es otro corto que no me ha hecho demasiada gracia, empezando por un mensaje de que el pueblo debe unirse para vencer al Imperio que en la forma en que está ejecutado resulta ridículo. Todo en general en la historia resulta ridículo, empezando por la creación de una ciudad a partir de la creación de la mina / hoyo de donde se extrae los cristales Kyber, para luego tener un pueblo ¿Que no sabe que hay esclavos extrayéndolo? No, la verdad es que la historia no me ha gustado, y creo que este es el peor corto de esta serie antológica.

LA CANCIÓN DE AAU (TRIGGERFISH)

Una niña que desea cantar debe callarse porque su voz puede causar una gran calamidad en las minas.

El estudio sudafricano Triggerfish ha creado este cortometraje escrito y dirigido por Nadia Darries y Daniel Clarke. La idea que el Kyber puede ser corrompible no se si me parece una genialidad o una ridiculez, porque siempre he pensado que los cristales son una herramienta, no una fuente de poder de la Fuerza en si mismo, aunque se usen para construir las espadas de luz. Unido a esto, resulta curioso que dentro de todo el espectro de historias que se puedan contar, este corto repite la idea general de una sociedad que vive de extraer Kyber del corto El Hoyo, aunque luego la ejecución y las historias sean muy diferentes.

En este corto tenemos a una niña con una habilidad única que tendrá que quitarse el miedo (de su padre más que suyo, en realidad) para explotar todo su potencial para el bien. El corto en cuanto a idea me parece correcto, lo malo es que la animación stop-motion y e diseño de los personajes no ayuda a que nos creamos que este moñeco canta de la forma en que lo hace, se pierde toda la capacidad emotiva que la historia sí tenia. En todo quitando los diseños de personajes, la verdad es que los fondos y el diseño de este mundo me perecen una pasada, por ese lado la verdad es que la animación está muy muy chula.

En resumen, posiblemente los tres primeros cortos (Sith, La cueva de los chillidos y En las estrellas) han sido los que más me han gustado de largo. Y los tres últimos (Los bandidos de Golak, El hoyo y La canción de Aau) los menos buenos. Dicho esto, creo que es genial que Lucasfilm apueste por este formato de obras creadas por estudios de todo el mundo, que nos dan una mirada diferente y llena de personalidad al mundo de Star Wars. Ojalá que esta serie tenga una buena audiencia y justifique la producción de una tercera temporada.

Comparto el trailer de esta serie:

Star Wars Visions me parece una idea maravillosa. Y tener estos cortos creados por estudios de todo el mundo es una genialidad que espero tenga continuidad. Una serie de obligado visionado para todos los amantes de la animación.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Star Wars: La remesa mala temporada 2 (Disney+)

Acaba de finalizar la emisión de la segunda temporada de la La remesa mala (The Bad Batch) en Disney+, por lo que es un buen momento para recomendar la última serie de animación de Star Wars.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Un «mala remesa» de clones experimentales de élite, la Fuerza Clon 99, intentan abrirse camino a través de una galaxia en constante evolución justo cuando se empiezan a experimentar las primeras consecuencias de la Guerra de los Clones.

En esta segunda temporada disfrutaremos del regreso de los Bad Batch -Hunter, Wrecker, Echo y Tech (a los que pone voz Dee Bradley Baker)- y de su nueva incorporación, Omega (Michelle Ang), que siguen evitando la vigilancia del Imperio y se enfrentan a nuevos peligros a medida que la galaxia se convierte en un lugar peligroso para los clones. Crosshair, el tirador del grupo que les abandonó para volver con el Imperio, tendrá también una gran importancia esta temporada cuando conozca de primera mano la tiranía del Imperio a medida que ejecute misiones para ellos.

Tras The Clone Wars, Dave Filloni creó esta serie de animación ambientada entre el final del Episodio III y el inicio de la trilogía original, el momento temporal de Star Wars más querido para Filloni. Esta segunda temporada de 16 episodios ha contado con Jennifer Corbett y Brad Rau como showrunners. Todos los episodios han sido dirigidos por Stewart Lee, Nathaniel Villanueva y Saúl Ruiz, mientras que los guiones han sido escritos por un equipo dirigido por Jennifer Corbett con Gina Lucita Monreal, Amanda Rose Muñoz, Matt Michnovetz, Christopher Yost, Ezra Nachman, Damani Johnson, Brooke Roberts, Moisés Zamora y Sabir Pirzada.

El periodo posterior a Star Wars Episodio III La Venganza de los Sith es claramente el favorito de Dave Filloni y donde más trabajo ha invertido profesionalmente desde que llegó a Lucasfilm. En sus series de animación ha volcado mucho esfuerzo en rellenar muchos de los huecos que existen y que siguen dando un gran margen de maniobra para cualquier creativo que quiera trabajar en este periodo. Y el resultado me está pareciendo estupendo. Tras presentar a los personajes en la temporada inicial, en esta segunda temporada de La remesa mala Filloni y sus showrunners se han centrado en el destino de los miles de clones y como fueron reemplazados por humanos normales que formaron las Tropas de Asalto imperiales. La forma en la que han introducido tramas políticas de gran importancia en el lore de la franquicia galáctica nos ha dado unos episodios que son puro Star Wars.

El formato de temporada de 16 episodios de 25/30 minutos de duración nos ha permitido disfrutar de algunas aventuras autoconclusivas en las que los creadores han jugado con diferentes géneros. Desde una aventura arqueológica tipo Indiana Jones a una historia con elementos casi de terror (teniendo en cuenta que esto es una serie para niños) que recordaban a Alien. O una competición de vainas de carrera. O un Mad Max 3 en la Cúpula del Trueno con una tribu de niños que deben ser rescatados de un adulto maltratador. La variedad de episodios ha estado muy bien. Y junto a esta variedad de aventuras, la temporada ofrece una nueva opción para el grupo, y es poder creer que puede haber un final a su lucha, que no es necesario que sean soldados toda su vida, lo que añade una nueva capa interesante a estos personajes.

Dentro de esta variedad, la gran sorpresa de esta temporada han sido los dos episodios protagonizados por el «traidor» Crosshair, en las que conoceremos un poco más el alcance de la tiranía y la degradación moral que trajo el Imperio, algo que sufren especialmente los clones. Para mi estos dos episodios son los mejores de toda la temporada. En contraste, si tengo que buscarle un pero, sería que los dos primeros episodios me han parecido los menos buenos de toda la serie y quizá los más intrascendentes (dentro de ser entretenidos), hasta el punto que quizá pudieran provocar que algunos espectadores dejaran de ver la serie.

Junto a estos episodios autoconclusivos, la temporada ha tenido algunas historias en dos partes que han permitido ampliar la escala de las aventuras de Hunter y su equipo. En ellos, hemos tenido cameos y apariciones importantes de Rex, el Comandante Cody, el Emperador, el Grand Moff Tarkin, el Comandante Krennic y Saw Guerrera entre otros. Junto a estas apariciones estelares, habría que destacar también el dramático final de temporada, que nos ha dejado uno de los cliffhangers más potentes en mucho tiempo. Un final que me va a dejar con los dientes largos hasta que Disney y Lucasfilms confirmen la producción de una tercera temporada, algo que espero se produzca en la próxima Star Wars Celebration de mediados de Abril.

Como ya me pasó durante la primera temporada, la animación de La Remesa Mala me parece correcta, en la línea de The Clone Wars y Star Wars Rebels. Pero dentro que no es para nada mala, con un diseño de mundos y personajes muy chulo, se me queda corta a la hora de transmitir personalidad y emoción, siendo todo tan correcto y funcional que no parece que sea algo especial dentro de la franquicia de Star Wars.

Y en ese sentido, encuentro que otro elemento de esta Remasa Mala a comentar es que dentro que como digo me ha gustado esta segunda temporada, posiblemente más incluso que la primera, al estar ante una serie de animación a priori con un target más bien infantil y juvenil, y sin querer entrar en spoilers, no haya nunca sensación de peligro para los protagonistas. Y a pesar que sus aventuras son entretenidas, realmente a todas las historias les falta algo de chispa. No es que haya nada realmente malo, y las caracterizaciones de los protagonistas me parecen correctas también, pero la extrema corrección de todo también impide que me enamore de nada. Aparte, el target juvenil de esta serie creo que provoca que muchos espectadores que podrían disfrutar de esta serie no lleguen a empezar a verla, debido a los prejuicios que aún hoy existen contra los contenidos de animación.

A pesar de alguna cosilla, la verdad es que el nivel de disfrute de esta La remesa mala ha sido estupendo. Y si lo sumamos al triunfo que está suponiendo The Mandalorian, estoy encantado del estado de la franquicia galáctica ahora mismo. Si eres fan de Star Wars no se qué haces si aún no has visto La Remesa Mala.

Comparto el trailer de esta temporada:

La remesa mala (The Bad Batch) ha mantenido el nivel de entretenimiento en este segunda temporada e incluso diría que se ha mejorado a si misma. Ojalá Disney de luz verde a una tercera.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de La leyenda de Vox Machina temporada 2 (Prime Video)

Ya está disponible en Prime Video los 12 episodios de la segunda temporada de La leyenda de Vox Machina, la estupenda serie de animación que recrea la aventuras de Critical Role que ningún fan de Dungeons & Dragons se puede perder.

PUNTUACIÓN: 8/10

El argumento de la segunda temporada de La leyenda de Vox Machina comienza inmediatamente después del final de la primera temporada. «Tras salvar al reino del mal y de la destrucción a manos de la pareja de poder más aterradora de Exandria, Vox Machina se enfrenta de nuevo a la tarea de salvar al mundo, esta vez, de un siniestro grupo de dragones conocido como el Cónclave Croma». Su historia les llevará a un viaje de descubrimiento, no sólo para descubrir los Vestigios de la Divergencia, ocultos durante mucho tiempo, con los que luchar contra el Cónclave, sino también para enfrentarse a las inseguridades y miedos más profundos que llevan dentro.

La Leyenda de Vox Machina es una serie de televisión de animación para adultos creada por Matthew Mercer y producida por Critical Role Productions, Titmouse, Inc. y Amazon Studios, basada en la campaña uno de la serie web de Dungeons & Dragons de Critical Role. La primera temporada consta de doce episodios, diez de los cuales fueron financiados a través de un Kickstarter, recaudando más de 11 millones de dólares con casi 90 patrocinadores, siendo el Kickstarter más financiado para proyectos de televisión y cine y uno de los proyectos más rápidamente financiadas en la historia de la plataforma. Justo antes de la emisión de los 12 episodios que componen esta segunda temporada, Prime Video confirmó la producción de una tercera temporada.

La serie está ambientada en Exandria, un mundo ficticio creado por Matthew Mercer en 2012 para una campaña de Dragones y Mazmorras que luego se lanzó como la serie web de juego real Critical Role en 2015. La mayor parte de la historia tiene lugar en el continente de Tal’Dorei, un lugar donde y humanos y seres mágicos comparten espacios, no sin choques y fricciones, como veremos en esta temporada.

Para La Leyenda de Vox Machina repiten en las voces originales los participantes en la campaña original de Critical Role: Laura Bailey es Vex’ahlia «Vex» Vessar, una guardabosques semielfa hermana gemela de Vax’ildan que ha estudiado a los dragones con la esperanza de encontrar al que mató a su madre. Liam O’Brien es Vax’ildan «Vax» Vessar, el hermano gemelo de Vex’ahlia. Taliesin Jaffe es Percival «Percy» Fredrickstein Von Musel Klossowski de Rolo III, un pistolero humano cuya familia gobierna Whitestone.

Ashley Johnson es Pike Trickfoot, una gnomo y clériga de la diosa Everlight, Sam Riegel es Scanlan Shorthaltun bardo gnomo. Marisha Ray es Keyleth de los Ashari del Airen una druida medio-elfa. Travis Willingham como Grog Strongjaw, un bárbaro goliat completa el grupo que cubre todos los arquetipos de los personaje de D&D, en muchos casos intentando subvertirlos.

La primera temporada de Vox Machina me gustó mucho el año pasado, y esta segunda es aún mejor, lo cual tiene mucho mérito. Y es que los Dragones del Cónclave Croma resultan muchísimo más poderosos y amenazantes si los comparamos a los Briarwood que usuparon el trono de Whitestone a la familia de Percy, los villanos más que interesantes de la temporada anterior. Esta segunda empieza con una explosión que destruye el mundo tal y como lo conociamos y que me ha roto la cabeza. La tensión que encontramos en los tres primeros episodios me parece bestial, y lo mejor es que los nueve siguientes no bajan de intensidad, significando un enorme éxito creativo que he disfrutado un montón.

Prime Video estrenó esta temporada de 12 episodios a razón de 3 episodios semanales. A pesar de ser capítulos de +/- 25 minutos, me obligué a ver un único episodio al día, lo que me ha permitido disfrutar aún más la serie. Si en la primera temporada conocimos detalles del pasado de Percy y Pike, en estos episodios las historias giran alrededor de los gemelos Vax y Vex, Scanlan y la super sorpresa de Grog, que tiene uno de los arcos más increíbles de la serie. Junto al desarrollo de los personajes, la temporada se divide en diferentes misiones mientras el grupo parte en busca de unos Vestigios que unidos pueden derrotar a los dragones. Esto permite a la serie tener una estructura de campaña de D&D que le pega completamente a la serie y consigue que no haya capítulos menos buenos, ya que todo es importante y construye el arco general de esta temporada.

La temporada sigue brillando por su uso del gore y la ultraviolencia pero con buenas dosis de humor, sobre todo personalizado en la figura de Grog. En esta temporada han disminuido las situaciones sexuales, lo cual yo al menos agradezco. Esto va unido a una animación que reconozco que la temporada anterior me pareció montonera y posiblemente porque mi ojo ya está acostumbrado creo que está un poco mejor. En todo caso, creo que cumple de forma funcional con lo que la historia necesita de ella, consiguiendo contar la historia de forma super épica y emocionante, al enfrentarse Vox Machina a varios enemigos que parecen imbatibles.

Tal y como termina la temporada, con un buen final de capítulo que cierra satisfactoriamente esta etapa pero dejándolo todo abierto de cara al futuro, me alegra no tener que vivir la incertidumbre de saber si Vox Machina, al haber confirmado Prime la producción de una tercera temporada. Y visto lo visto, ojala no se quede en una tercera temporada y tengamos Vox Machina para rato.

Comparto el trailer de esta segunda temporada.

La leyenda de Vox Machina ha mejorado en todo a su por otra parte super entretenida temporada inicial, dejándome con muchísimas ganas de ver la tercera temporada. Ojalá muchas más series tan buenas como esta.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Pinocho de Guillermo del Toro (Netflix)

Tenía ganas de ver la versión que Guillermo del Toro ha preparado del clásico Pinocho, planteada como una película de animación stop-motion. Gracias a Netflix he podido satisfacer mi curiosidad.

PUNTUACIÓN: 6/10

Versión musical en animación stop motion de ‘Pinocho’, ambientada en Italia durante la década de 1930. Guillermo del Toro y Mark Gustafson dirigen esta película, que en la versión original cuenta con un reparto estelar de voces: Ewan McGregor (Pepito Grillo), David Bradley (Geppetto) y el debutante Gregory Mann (Pinocho). También participan Finn Wolfhard, Cate Blanchett (ganadora del Óscar), John Turturro, Ron Perlman, Tim Blake Nelson, Burn Gorman, Christoph Waltz (ganador del Óscar) y Tilda Swinton (ganadora del Óscar).

A partir de la mítica creación del italiano Carlo Collodi, Guillermo del Toro plantea la adaptación con una historia escrita junto a Matthew Robbins que fue convertida a guion cinematográfico por Del Toro y Patrick McHale. Del Toro es co-director de la película junto a  Mark Gustafson. La fotografía de la animación corre a cuenta de Frank Passingham, mientras que el montaje es de Ken Schretzmann. La música y las canciones corren a manos de Alexandre Desplat. La película estrenada en Netflix tiene una duración de 114 millones y tiene un presupuesto de 35 millones.

Pinocho está protagonizada por las voces de Gregory Mann, David Bradley, Ewan McGregor, Finn Wolfhard, Cate Blanchett, John Turturro, Ron Perlman, Tim Blake Nelson, Burn Gorman, Christoph Waltz y Tilda Swinton.

Siempre empiezo mis reseñas hablando de lo bueno de una obra para luego comentar los aspectos que no me han gustado. Y dentro del pequeño milagro que es que una película de animación stop-motion como ésta se haya convertido en realidad y esté disponible para espectadores de todo el mundo gracias a Netflix, la verdad es que no he conectado nada con la propuesta de Del Toro. Hasta el punto que no estoy muy seguro si no falla en la mayoría de cosas que plantea a la hora de crear su propia versión del clásico de Carlo Collodi. Y es una pena, porque el increíble trabajo que tantos creativos han invertido en hacer esta película stop-motion, que es una maravilla, queda diluido por todas las cosas que no me han encajado.

Empezando por lo principal, para lo bueno y lo malo la película transmite la personalidad de Del Toro. Y aunque la Espíritu de la Madera, la Diosa de la Muerte o la ballena monstruosa transmiten una sensibilidad 100% Del Toro, realmente todos los diseños de los personajes hacen que la película sea antipática, casi desagradable. Y es normal que la animación y los muñecos resalten la maldad de los malos de la película como el Conde Volpe (dueño del circo al que se une engañado Pinocho) o el fascista Podestà, pero realmente es que todos los personajes tienen unos diseños que no funcionan. No me gusta nada Pinocho, pero tampoco me funciona Geppetto o el grillo narrador Sebastian J. Cricket, que son los personajes positivos y sin embargo me transmiten un feeling perturbador casi de película de terror que no me ha gustado nada. Y esto es un gran problema para conectar con la película.

Otro gran problema para Pinocho es tener una película de casi dos horas de duración que resulta bastante aburrida a nivel general. La animación es una maravilla, unido a todo lo relativo al diseño de producción y los efectos digitales incorporados tras el rodaje en stop-motion, que como digo me parecen una maravillosa locura. Pero toda la perfección técnica y el cariño artesanal acaba yéndose al traste si lo que nos están contando no es interesante. Parte del problema aparte del problema de los diseños de los personajes, es que Pinocho en el 80% de la película es un protagonista antipático que se comporta de forma egoísta movido por su propio interés, haciendo lo contrario que su padre o la gente a su alrededor le pide que haga. Está claro que una parte fundamental de la película es conocer a un protagonista que no sabe nada del mundo y quiere no sólo que le digan qué es lo correcto, sino por qué. Pero al final entra en la categoría de «niño ostiable» que cae mal.

Otro gran problema son las canciones, que no funcionan nunca, quedan rarísimas y afectan terriblemente al ritmo de la película. Había leído que de alguna manera Del Toro planteaba la versión más adulta de Pinocho y la más aproximada al original italiano, pero eso no cuadra con las canciones, que son totalmente fallidas. Unido a esto, viendo en Netflix que la película tiene una calificación por edades +7 me hace preguntarme ¿qué espectador tiene en mente Del Toro como cliente de Pinocho? Ciertamente no los niños, no con estos diseños de personajes que echan muchísimo para atrás y pueden dar hasta miedo. (Aunque no es categoría de nada, mi hijo empezó a verla y se fue a la habitación porque lo le interesó lo que vió). Por otro lado, por muchos temas adultos que toque, para el público generalista al final Pinocho es un remake de una película de Disney que ofrece otra versión animada, además fea. Jamás empezarán a ver una película de este tipo. (Mi mujer se quedó dormida viéndola porque se aburrió a los 10 minutos y no consiguieron que la interesara). Entonces ¿Quién es el público de Pinocho, sólo el público friki? Esos desde luego no pagamos el chiringuito, creo yo.

Pinocho fue creado por Carlo Collodi a final del siglo XIX, en la década de 1880. Está genial ambientar la película en Italia para buscar esta conexión con la obra original, pero la ambientación en la época fascista antes y durante la 2ª Guerra Mundial no me encaja para nada con la idea de fidelidad al original. Pinocho entraba dentro de la tradición de cuentos moralizantes que contaban a los niños (y mayores) que tenían que portarse bien y ser buenos ciudadanos o serían robados, castigados y al final tendrían el peor de los destinos imaginables. Al final, como premio por las lecciones aprendidas y por cuidar a Geppetto, fue premiado convirtiéndose en un niño de carne y hueso, lo que él siempre había deseado. Esto último no sucede en la película.

Comentaba que hay temas adultos a lo largo del viaje de Pinocho, cosa que me parece muy interesante. Sobre todo hay una crítica muy evidente al egoísmo y la maldad de la gente que se aprovecha de los inocentes, representado en el malvado Volpi, el dueño de la feria. Pero también a la sociedad que busca eliminar al diferente, algo representado en el fascismo italiano de los años 30 que domina el pueblo de Geppetto y toda Italia. Mussolini incluso aparece en la película. En este sentido, hay también una crítica muy clara contra la guerra y la gente belicista que la busca como si fuera algo bueno. Estos elementos como aspecto temático son muy interesantes, incluso aunque como digo la forma en que lo muestren no acabe de ser tan interesante como el tema en si.

En estos momentos de dictadura de lo políticamente correcto y de promoción de valores LGTBI+, estaba descontado desde antes de empezar a ver la película que Pinocho no se iba a convertir en un niño de carne y hueso, ya que él ya es un niño real, aunque de madera e inmortal. La clave es que sólo tenía que convencerse de que ya es un niño independientemente de su apariencia. Y no tengo problema en que Del Toro tome la decisión creativa que quiera si no fuera que tengo claro que en otro momento histórico hubiera sido más fiel a la novela y ahora mismo la corriente woke crea un marco de pensamiento inconsciente, que marca este cambio antes de empezar a escribir el guion, ya sea por convencimiento o por miedo a que califiquen la película de ___ista. Me encanta la libertad creativa, pero cuando ves que las decisiones de todas las producciones mainstream van siempre en el mismo sentido, no hay duda que no es tanto un tema «creativo» sino de adscripción a la doctrina dominante. Curiosamente, esto es lo que aplicaba el fascismo en Italia en la década de 1930, uniformando todas las ideas y atacando al que alejara del discurso dominante. Aunque siendo sincero, mi problema con Pinocho no viene con el final de la historia, que realmente me parece muy bonito y la parte más emocionante del conjunto, ya que la película ya me había perdido mucho, mucho antes. Así que este canto a favor de los niños y niñas diferentes no me supone ningún problema, más allá de reflejar lo que son las doctrinas dominantes en el mainstream.

A pesar de no haber conectado con este Pinocho de Guillermo del Toro, realmente hay que darle las gracias a Netflix por producir la película. Y al mismo tiempo, deseo que signan haciéndose más películas de animación con esta técnica del stop-motion, que da un feeling super diferente a la perfección de la películas creada con animación digital.

Esto me sugiere algo que ya he expresado hace mucho tiempo, y es que no existe un fandom o un friki unitario, cada uno somos de un padre y una madre, y a los que les gusta a animación no tiene porqué gustarle Pinocho y a la vez que la última película de Del Toro El Callejón de las almas perdidas me gustara mucho, con la que Pinocho comparte elemento empezando por el circo de freaks, no es garantía que su siguiente propuesta me vaya a gustar. En todo caso, seguiré probando lo que el Toro nos ofrezca.

Comparto el trailer de esta película:

Pinocho me ha decepcionado. No he conectado nada con la propuesta de Del Toro que además me ha parecido muy aburrida. Una pena.

PUNTUACIÓN: 6/10

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