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Crítica de Wildwood de Travis Knight

La nueva película del estudio Laika de animación es siempre un acontecimiento. Y Wildwood del director y CEO de Laika Travis Knight me ha volado la cabeza con esta fantasía oscura llena de emoción y espectacularidad.

PUNTUACIÓN: 9/10

Cuando el hermanito de Prue McKeel es raptado por una bandada de cuervos, se verá obligada a emprender una desesperada misión de rescate. Acompañada por su torpe pero leal compañero de clase Curtis Mehlberg, Prue se adentra en un mundo de animales parlantes, bandidos y poderosos personajes movidos por el dolor y la ambición. A medida que ambos se ven arrastrados a un conflicto que amenaza el equilibrio del bosque, Prue deberá descubrir una fortaleza y una determinación que nunca supo que poseía. Si quiere salvar a su hermano y proteger el frágil futuro de Wildwood, tendrá que arriesgarlo todo. (FILMAFFINITY)

Travis Andrew Knight (Oregón, 1973) es un cineasta y animador estadounidense. Hijo del cofundador de Nike, Phil Knight, ha trabajado como animador jefe y actualmente es director ejecutivo del estudio de animación stop-motion Laika, además de director de las películas de la empresa Kubo y las dos cuerdas (2016) y Wildwood (2026). También ha dirigido las películas de acción real Bumblebee (2018) y Masters of the Universe (2026). Por su trabajo en Laika, Knight ha obtenido tres nominaciones a los Premios de la Academia en la categoría de Mejor Película de Animación.

Chris Butler escribe el guion de Wildwood adaptando el libro del mismo nombre de Colin Meloy y Carson Ellis, publicado en 2011. En septiembre de 2011, una semana después del lanzamiento del libro Wildwood, Laika adquirió los derechos de la novela para realizar un largometraje de animación stop-motion, tras haber producido el tráiler del libro. El rodaje de la película comenzó discretamente en mayo de 2021, antes de que se anunciara oficialmente la producción. La película se rodó en los estudios de Laika, situados a las afueras de Portland (Oregón), y es la primera película ambientada en su ciudad natal. Con una duración en sala de 132 minutos, Wildwood es la película de animación stop-motion más larga jamás estrenada. La película ha contado con fotografía de Caleb Deschanel, montaje de Christopher Murrie-Green y música de Dario Marianelli. Con un presupuesto de 100 millones de dólares, es una de las producciones más ambiciosas de Laika.

En las voces originales encontramos a Peyton Elizabeth Lee como Prue McKeel, una alumna de 1.º de ESO que debe encontrar el valor para rescatar a su hermano pequeño, Mac, del bosque encantado al lado de su localidad. Jacob Tremblay interpreta a Curtis Mehlberg, un chico torpe de gran corazón que acompañará a Prue en su aventura. Carey Mulligan interpreta a Alexandra, una gobernanta viuda que en su día gobernó con benevolencia el Bosque del Sur, pero que ahora se encuentra sumida en una espiral de dolor tras la muerte de su hijo. Mahershala Ali es Brendan, el Rey de los Bandidos de Wildwood; Richard E. Grant pone la voz a Owl Rex, un viejo y sabio búho que en su día fue príncipe heredero del Principado Aviar; Angela Bassett es la General, un águila real gigante que se convierte en la guía de Prue; Awkwafina interpreta a Septima, una rata que entabla amistad con Curtis; Amandla Stenberg como Niamh, miembro de la banda de bandidos; y Tom Waits como Maksim, un coyote al mando del ejército de coyotes de Alexandra.

Wildwood me ha volado la cabeza. La escala de la película y que se haya rodado con animación stop-motion me parece algo inimaginable. Lo que ha conseguido el estudio Laika con esta película es una maravilla que entra desde ya en la categoría de clásico del cine de animación.

El principal problema al que se tiene que enfrentar Wildwood y en general Laika es la errónea idea que tiene muchísima gente sobre que el cine de animación es «para niños». Y en el caso de Wildwood, tenemos una película con calificación de edad para mayores de 12 años que muestra imágenes super impactantes que seguro no son para niños pequeños. Esto provoca que algunas familias no lleven a sus hijos a ver esta película, sobre todo cuando tienen en la cartelera la nueva película de la Oveja Shaun que sí es para niños pequeños. Y al mismo tiempo, una gran parte del público «adulto» rechazarán la película a pesar de sus temas adultos precisamente por ser de animación stop-motion. Y me parece una pena, porque Wildwood es un PELICULÓN.

La historia empieza de forma muy similar a Dentro del laberinto (Jim Henson, 1986). Prue es una niña normal que vive una vida normal hasta que desobedece a sus padres y lleva a su hermano pequeño Mac a jugar al parque. Allí, Mac es raptado por una bandada de cuervos que se llevan a Mac al interior del bosque en el que nadie debe entrar. Prue y su amigo Curtis entrarán y aquí empieza una fantasía oscura llena de drama, emoción, engaño y sacrificio con un climax de acción super épico y espectacular que nos recuerda a clásicos como Braveheart o El Señor de los Anillos.

En este bosque mágico, descubriremos que el dolor por la muerte de su hijo fue el desencadenante que la antigua Reina Viuda del bosque recurra a la magia oscura para poder recuperar a su hijo fallecido. O hacer que el mundo arda como su dolor la está consumiendo a ella. Que la película empiece con un suicidio no es más que la primera de muchas escenas visual y emocionalmente arrebatadoras.

Wildwood me ha parecido una maravilla de principio a fin. Aunque es una película larga, me gusta como la película se toma su tiempo en presentar a los diferentes personajes y el drama que se vive en este bosque. La historia construye la tensión de forma increíble, con varias muertes impactantes a lo largo de la historia. Algo que de nuevo desmiente la idea de estar ante «cine para niños». La sorpresa del motivo por el que Prue puede entrar en el bosque cuando está vetado a todos los seres no mágicos tarda en llegar, pero es super dramática. Ahora entraré a comentar la animación stop-motion, pero para que Wildwood triunfara, la historia debía ser interesante y emocionante. De lo contrario, la película se quedaría en fuego de artificios vacíos. Por suerte, no ha sido así. La historia hubiera sido un triunfo si se hubiera rodado con animación tradicional o con imagen real.

Pero Wildwood se ha creado con stop-motion. Y es increíble. Lo primero que me vuela la cabeza es la expresividad que Travis Knight y su equipo de animadores consiguen transmitir con muñecos. Prue, la Reina Viuda y todos los personajes transmiten un rango de expresiones alucinante. La perfección técnica a la que han llegado en Laika hace que te olvides de estar viendo muñecos, conectando con todos ellos de principio a fin. El diseño de los personajes y su animación me parece un éxito absoluto.

Como ya vimos en Kubo, Laika combina diferentes tipos de animación en pantalla. Junto al stop-motion combina animación por ordenador por ejemplo en la bandada de cuervos. Aunque crearon físicamente numerosos cuervos, luego los escanearon para que tuvieran la misma textura en pantalla que el resto de personajes. Y aunque la producción creó 136 decorados diferentes, creo que más de un fondo ha sido creado por ordenador, por ejemplo en las escenas del vuelo de Prue con la General Águila.

La conexión emocional de Wildwood me parece una maravilla. Y cuando llegamos al climax y empieza la guerra total entre los habitantes del bosque y las fuerzas de la Reina Viuda, la escala se volvió monumental. Hay varios momentos antes de la batalla en los que la Reina Viuda lleva a su ejército de coyotes a la batalla y no podía creerme la cantidad de soldados que se podían ver en pantalla al mismo tiempo. Cuando llegamos a la batalla final, tenemos un momento «Vengadores reuníos» que es loquísimo. Me ha volado la cabeza la capacidad de crear una épica impresionante llena de salvajismo, muertes y explosiones con estos «muñequitos» animados. Y me encuentro en un momento en que en realidad no se cómo lo ha hecho Laika. Imagino que los planos generales con cientos de personajes deben ser animación CGI, dejando el stop-motion para los planos en los que los personajes están en primer plano. Pero no tengo ni idea. Estoy super maravillado. Pero lo importante no es tanto el «como» lo han hecho, sino la forma en que la película ha conectado conmigo y me ha tenido en vilo durante más de dos horas.

Que en medio de la masacre Wildwood consiga mantener las apuestas a un nivel personal con Prue intentándolo todo para salvar la vida de su hermano Mac conectó de una forma brutal. Y resulta brillante la forma en que esta aventura ha cambiado a los protagonistas. Pensar en las cosas que viven Prue y Curtis siendo niños, y lo que tienen que hacer para sobrevivir, nos recuerda que esta no es una historia para niños pequeños. Sigo en shock pensando lo que la película nos ha mostrado.

La ambición de Travis Knight para crear esta película me parece que se sale de la escala. En esta batalla tenemos algunos de los mejores momentos cinematográficos de 2026. Wildwood seguro que se sitúa dentro de mi TOP de películas del año. El viaje emocional que me ha regalado me parece tremendo.

Por supuesto, todo es aspecto técnico de la película me parece magistral. El diseño de producción, la creación de los personajes, su vestuario, los sets donde se sitúa la acción, la fotografía, el montaje. Todo de 10. Pero quiero acordarme también de la música de Dario Marianelli, que ayuda a meternos en la película y en transmitir el tono de fantasía oscura que necesitaba Wildwood.

Podéis imaginar que fui a Wildwood predispuesto para que me gustara. Pero no imaginaba que me iba a gustar tanto. Obligatorio ver esta película en la pantalla más grande posible.

Comparto el trailer de la película:

Wildwood es una maravilla. No se puede explicar de otra manera. Un nuevo clásico absoluto de Laika que se va directa a mi lista de las mejores películas de 2026.

PUNTUACIÓN: 9/10

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Crítica de Coyote vs Acme de Dave Green

Desde la casi destrucción de Coyote vs Acme por la actuación codiciosa y vergonzosa de Warner, tenía claro que si alguna vez se estrenaba en el cine, iría a verla. Esta semana se cumplió mi deseo y pude ver esta mezcla de animación e imagen real que ha estado dirigida por Dave Green.

PUNTUACIÓN: 8/10

Después de que todos los productos fabricados por ACME Corporation le salgan mal a Wile E. Coyote, en su persecución del Correcaminos, contrata a un abogado humano igualmente desafortunado para demandar a la empresa. Cuando el abogado de Wile E. descubre que el intimidante jefe de su antiguo bufete es el director general de ACME, se une a Wile E. para ganar el juicio contra él.

David Green (USA, 1983) es conocido por haber dirigido varios videoclips y cortometrajes, sobre todo en colaboración con Miles Fisher. Tras debutar como director con la película Earth to Echo (2014), pasó a dirigir otras películas como Las Tortugas Ninja: Fuera de las sombras (2016). Coyote vs Acme fue siguiente película.

La historia está basada en el artículo «Coyote v. Acme», publicado en 1990 en la revista The New Yorker y escrito por Ian Frazier. El guion lo escribió Samy Burch a partir de una historia suya junto a James Gunn y Jeremy Slater. La película de 103 minutos de duración cuenta con fotografía de Brandon Trost, montaje de Carsten Kurpanek y música de Steven Price.

En lo referido al reparto humano tenemos a Will Forte interpretando a Kevin Avery, un abogado en horas bajas y socio del bufete Avery, Jones & Maltese que se convierte en el abogado de Wile E. Coyote. Lana Condor interpreta a Paige Avery, sobrina de Kevin y becaria en el bufete. John Cena interpreta a Buddy Crane, el abogado de Acme Corporation que fue rival de Kevin en la Facultad de Derecho de Harvard. Otros miembros de bufete son Tone Bell como Sal Maltese, y Martha Kelly como Dottie Jones. Por último, Luis Guzmán interpreta al juez Troppogrosso, un juez estricto que preside el juicio entre el Coyote y la Corporación Acme.

Warner Bros. Discovery archivó inicialmente «Coyote vs. Acme» en noviembre de 2023 para obtener una deducción fiscal, pero más tarde dio marcha atrás en su decisión y permitió a los creadores de la película buscar otros distribuidores tras la reacción negativa del público. Tras varias negociaciones, Ketchup Entertainment adquirió los derechos por 50 millones de dólares en marzo de 2025, tras haberlo hecho anteriormente con la película de Looney Tunes de Warner Bros. Animation, The Day the Earth Blew Up (2024).

Después de la vergüenza indecente de los directivos de Warner, era una obligación moral ir al cine a ver esta película. Para demostrarle a Warner que hay público que quiere ver historias de los Looney Tunes. Y para premiar a Ketchup Entertainment por el riesgo al apostar por recuperar la película.

Tengo que reconocer que la película me ha dado todo lo que esperaba de ella. Pero no es algo malo, porque todo lo que propone es un éxito absoluto. Empezando por el elemento metatextual que invita a ver esta película como el Coyote que combate a la todopoderosa Acme (Warner). Afortunadamente, en este caso, David ha ganado a Goliath.

La película plantea una nueva lectura del clásico cartoon del Correcaminos y el Coyote. El Coyote ha sido el alivio cómico de varias temporadas de espectadores que hemos disfrutado de estos dibujos animados. Pero en esta película es víctima de una malvada Acme que le ha proporcionado artilugios defectuosos durante décadas. Que el Coyote siga intentando pillar al Correcaminos una y otra vez sin importar todas las veces que ha fracasado es resaltado como un ejemplo a seguir por todos aquellos que hemos fracasado alguna vez y no sabemos si podremos levantarnos.

Coyote vs Acme es una película super divertida que tiene todo lo que se espera de una historia de los Looney Tunes. Y tenemos explosiones, caídas de pianos y destrucción controlada. O descontrolada. Estamos en un mundo en el que los humanos y los cartoons comparten mundo, lo que nos recuerda a clásicos como ¿Quién engañó a Roger Rabbit? La parte de los dibujos es un acierto, pero es el mensaje de la trama humana es una gran parte del éxito de Coyote vs Acme.

Acme utiliza cachibaches defectuosos en los dibujos para probar tecnologías que luego utiliza para innovaciones que usa para los humanos. Sin importar el daño mental que pueda provocar a los dibus. Esto plantea una analogía directa con el mundo real, al poder decir que esto aluda a cuando se consumen los recursos naturales de países del tercer mundo para alimentar la sociedad de consumo del primer mundo. El mensaje de John Cena de qué importa si unos dibus sufren cuando gracias a ello la gente disfrutan de mejoras en su vida desde luego invita a ello. Dejando claro que eso está mal, claro.

Aparte de los interesantes mensajes de la película, me ha encantado la relación del Coyote con su abogado Kevin Avery, interpretado por Will Forte. Me parece una maravilla las emociones que transmite el Coyote. Es el protagonista de los momentos más emocionantes de la película. Por un lado, como ejemplo de resiliencia y de no perder la esperanza por muchas veces que haya fallado antes. Pero luego, cuando ve como su amigo Avery le rompe el corazón cuando le dice que jamás atrapará al Correcaminos. La capacidad emocional de estos dibujos me parece digna de mención.

Aparte de la trama de la película, la película es una maravilla para los amantes de los Looney Tunes. No están todos los personajes, pero me parece una pasada ver al pato Lucas, a Buggs Nunny, Piolín, la abuelita, el Demonio de Tasmania o Porky. Y qué decir de la aparición estelar del Correcaminos en el momento clave de la película. Esto es un Looney Tunes en su PRIME. Con diversión, mensaje y emoción. No se puede pedir más.

Y decía al principio que la película me ha dado todo lo que esperaba de ella. Pero eso no puede ser nunca algo negativo cuando todo lo que plantea la película lo hace tan bien. Coyote vs Acme es una película divertida y emocionante, me parece un éxito monumental. Me alegro que Ketchup Entertainment de atreviera a apostar por la película y la recuperara.

¡Debería daros vergüenza, Warner!!!

Comparto el trailer de la película:

Coyote vs Acme es una película con el corazón en el sitio correcto que acierta en todo lo que propone. Vergüenza tendría que darle a los directivos de Warner.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de X-Men´97 temporada 2 (Disney+)

Ya tenemos en Disney+ la segunda temporada de X-Men´97, la estupenda serie de animación que recoge lo mejor de mundo mutante en una única serie. Y que en esta temporada tendrá a Apocalipsis de villano principal.

PUNTUACIÓN: 8/10

Tras el final de la temporada anterior, los X-Men se encuentran dispersos a lo largo del tiempo —desde el Antiguo Egipto hasta un futuro lejano— y deben encontrar el camino de vuelta a la década de los 90 para detener a Apocalipsis. Y para llenar el vacío provocado por la desaparición de los X-Men, ¡dos nuevos grupos surgirán!

La serie ha sido producida por Marvel Studios Animation, con Beau DeMayo como guionista principal y Jake Castorena como director supervisor. Hubo bastante revuelo con el despido de DeMayo antes del estreno de la primera temporada, tras haber trabajo completamente en las dos primeras temporadas de X-Men´97, debido a acusaciones de «conducta inadecuada» que no llegaron a sustanciarse (que yo sepa).

Esta segunda temporada ha contado con 9 episodios, que han sido dirigidos por Emmett Yonemura y Chase Conley. En los guiones tenemos a Beau DeMayo, Brian Ford Sulllivan, Anthony Sellitti, Mariah Wilson,J.B. Ballard (¿el escritor?), Anthony Sellitti y Bailey Moore.

En las voces originales tenemos a Ray Chase como Scott Summers / Cíclope, Jennifer Hale como Jean Grey y Rahne Sinclair / Wolfsbane, Alison Sealy-Smith como Ororo Munroe / Tormenta, Cal Dodd como Logan / Lobezno, J. P. Karliak como Morph, Chris Potter como Nathan Summers / Cable, Holly Chou como Jubilation Lee / Jubilee, Gui Agustini como Roberto da Costa / Sunspot, Naoko Mori como Betsy Braddock / Psylocke, Christopher Barger como Warren Worthington III / Arcángel, Matthew Waterson como Erik «Magnus» Lehnsherr / Magneto, Eson Lenore Zann como Rogue, George Buza como el Dr. Henry «Hank» McCoy / Beast, Adrian Hough como Kurt Wagner / Nightcrawler y Strong Guy, Ross Marquand como el profesor Charles Xavier y Apocalypse, Isaac Robinson-Smith como Lucas Bishop, Gil Birmingham como Forge y Carolina Ravassa como Lorna Dane / Polaris.

X-Men´97 es un entretenimiento estupendo, que muestra a millones de espectadores a los X-Men en su mejor versión, algo que lamentablemente no tenemos en los comics actuales. De hecho, como ya comenté hace unas semanas, no cabe duda que el éxito de esta serie de animación de Disney+ deja en muy mal lugar a los los comics Marvel y a la editorial en su conjunto.

La temporada arranca con una primera mitad espectacular que me ha gustado mucho. Me gusta que hayan planteado una temporada con Apocalipsis de villano principal, conociendo su pasado llegando hasta su mismo origen. Por las nuevas incorporaciones, me ha encantado poder ver a X-Force como si estuvieran recién salidos de los comics de Rob Liefeld y Fabián Nicieza. Sin embargo, dentro de que mola ver a X-Factor, su participación en la serie es casi fallida, al no tener los personajes el humor y la personalidad que Peter David imprimió en su mítica etapa fundacional.

Lamentablemente, en la segunda parte de la temporada siento que se repetía el principal problema que le vi a la primera temporada, al tratar todas las tramas con demasiada velocidad, provocando que el elemento dramático de muchos de los sucesos no lleguen a conectar porque no tienen momento de hacerlo, al saltar inmediatamente a la siguiente aventura. Con todo, me ha parecido una serie muy destacable que hace muchas cosas bien, empezando por mostrar la personalidad arrolladora de estos personajes maravillosos en aventuras llenas de carisma y apuestas del juego. Ya os adelanto que veré seguro la tercera temporada cuando se estrene. Que espero que no sea dentro de 2 años.

Como en la reseña de la temporada uno, voy a hacer minireseñas de cada uno de los episodios, destacando lo que más me gustó, y si corresponde, lo que menos, de cada capítulo.

Episodio 1: Días de futuro pasado.

Forja crea una máquina del tiempo y envía a Bishop al año 3000 a. C., al inicio del reinado de Apocalipsis, y a sí mismo al año 3960 d. C., en el apogeo del poder de Apocalipsis, para rescatar a los X-Men. Forge se reencuentra con Lobezno, Tormenta y Morph, así como con Cíclope y Jean, que han estado cuidando de Nathan sin revelarle su parentesco con él para evitar provocar una paradoja con Cable.

Este primer episodio me parece una maravilla. Y no tanto por la aventura en el futuro dominado por Apocalipsis, sino porque la serie tiene tiempo para mostrar el amor que Scott y Jean tienen por su hijo Nathan y lo que les duele que tuvieran que abandonarle. Las buenas series son aquellas que provocan la conexión con los protagonistas, y este episodio me gustó muchísimo en este aspecto.

Episodio 2: Una fuerza a tener en cuenta

Ante la ausencia de los X-Men, Valerie Cooper forma un equipo de mutantes autorizado por el Gobierno llamado X-Factor, liderado por Havok y compuesto por Multiple Man, Strong Guy, Wolfsbane y Polaris. Cooper los utiliza para capturar a mutantes fugitivos. Cable recluta a Jubilee y a Sunspot para su equipo X-Force junto a Archangel y Mariposa Mental, para localizar a uno de los Jinetes de Apocalipsis llamado War.

Este segundo episodio centrado en X-Force me parece el mejor de toda la temporada. Me gusta el cambio de protagonismo, y me gusta que se vea lo amplio que es este mundo con muchísimos personajes que merecerían ser destacados más a menudo. Ver a X-Factor fue una pasada, aunque reconozco que no tener el humor de Peter David fue un poco choff. Los comics pueden plantear tonos diferentes en función de la serie, cosa que no es posible en la serie de televisión. Con todo, tener a ambos grupos en pantalla fue una pasada. Además, este episodio tiene LA ESCENA más cañera de Júbilo que he visto nunca. De hecho, creo que en los comic jamás lució más cañera de lo que lo hace en este episodio.

Episodios 3 y 4. El advenimiento de Apocalipsis

En el antiguo Egipto, en el año 3000 a. C., el joven mutante En Sabah Nur lidera a los Sandstormers contra el faraón Rama-Tut, un gobernante que utiliza tecnología futurista para esclavizar a su pueblo. Magneto intenta inculcarle a Nur la filosofía de Xavier, con el objetivo de convertirlo en el primer X-Man y permitirle reescribir la historia a favor de la coexistencia de los mutantes; Xavier se opone, al temer que Nur esté destinado a convertirse en el villano Apocalipsis.

Esta aventura en dos parte tiene uno de los finales más dramáticos de toda la serie, que me ha volado la cabeza. De momento, estos 4 primeros episodios eran casi un 10 redondo. Es una pasada asistir al origen de Apocalipsis antes que decidiera convertirse en el avatar de la destrucción y la muerte que estaba destinado a ser. Y quizá parte de la gracia del episodio es precisamente eso, la sensación de que algo que está predestinado a ocurrir no puede ser cambiado, no importa cómo se intente.

Otra de las chuladas de la historia es enfrentarse a Rama Tut, que en realidad era una de las identidades de Kang el Conquistador. Esto ayuda a dar una sensación de mayor amplitud del Universo Marvel televisivo. Como también lo es la importancia de los Celestiales para que Apocalipsis consiguiera sus poderes aumentados. Sumado a la relación entre Charles y Magneto, que hace que el resto de X-Men casi parezca que están de atrezzo, tenemos dos episodios que dramáticamente lo hacen todo bien.

Como curiosidad, el episodio termina con una escena en el presente de los noventa que recrea la mítica portada de Jim Lee con Lobezno, Capitán América y la Viuda Negra. Steve y Natasha le entregan a Logan un dossier sobre Arma X, que nos lleva al siguiente episodio.

Episodio 5. Arma X, Mentiras y cintas de DVD

Wolverine y Morph reúnen al antiguo equipo de asalto de este primero, el Equipo X —formado por Sabretooth, Lady Deathstrike, Maverick y Garrison Kane— para localizar una instalación de investigación de Arma X y asesinar al doctor Abraham Cornelius.

Tras el drama del episodio anterior, este quinto episodio está bien, pero a la vez es uno de los más flojos de la temporada. En positivo, la aparición del Nido hace que el capítulo tenga en algunos momentos un excelente feeling de terror. En positivo también, que Logan haga todo lo que hace poniendo en peligro la vida de sus asociados para recuperar el adamantium, muestra a un Logan amoral y sin escrúpulos. De hecho, Kane y Maverick mueren. Si se piensa un poco sobre esto, es muy fuerte. Lo malo es que estas muertes no impactan porque acabamos de conocer a ambos personajes (no se si salieron en la serie original), por lo que su destino no puede resbalarnos más.

Lo malo del episodio es que no me acabo de creer la premisa de que Logan le pida ayuda a Dientes de Sable y este acepte en ayudarle, en lugar de aprovechar su momento de debilidad para despellejarle. Esto para mi es un problema insalvable que me impide disfrutar del episodio como me hubiera gustado. Tener a Rojo Omega es un punto positivo, como lo es la aparición del Nido, pero este episodio me falló en la m isma construcción de la historia.

Episodio 6. Danger.exe

Como forma de llevar su duelo, Xavier revive la muerte de Magneto a manos de Apocalipsis en la Sala de Peligro una y otra vez. Mientras tanto, Polaris abandona X-Factor y regresa a la Mansión X justo a tiempo a asistir a la evolución de la Sala de Peligro, que adquiere consciencia y comienza a atacarlos para prepararles para amenazas aún mayores que antes.

Tener el origen de Danger unido al trauma de Xavier por la muerte de Erik me parece una idea muy interesante. Que aprovechen a Polaris para que se convierta en el personaje clave del episodio es un acierto, al conectar con un padre fallecido al que casi no conoció. La idea de Danger como villana puede dar mucho juego, y que la pelea final tenga lugar en Genosha conecta con la Masacre Mutante de la primera temporada.

El final del episodio con Xavier estableciendo la base de los X-Men en Genosha mediante la creación de X-Corp, eludiendo así las restricciones del Gobierno de EE. UU. me parece un uso excelente de la historia mutante. Dado que X-Corp es un concepto creado hace apenas 10 años. Que Valerie Cooper no acepte esto y se comprometa a acabar con X-Corp pone a los X-Men en curso de colisión con X-Factor. Otro elemento super molón es que Cíclope y Jean Grey utilicen los rajes creados por Frank Quitely para la celebrada etapa de Grant Morrison en la colección en los primeros años 2000.

Y mientras, en un laboratorio de Atenas, Apocalipsis resucita a Gambit para convertirlo en uno de sus Jinetes. En resumen, otro buen episodio que hace que la acción avance a buen ritmo.

Episodio 7. Tierra Extraña, Corazón salvaje

Tras perder a su hermana Ilyana en Genosha, Coloso se une a los Acólitos de Magneto, liderados por Exodus. Estos secuestran a Graydon Creed justo cuando este anuncia su candidatura a la presidencia y exigen que X-Factor libere a los mutantes encarcelados a cambio de su vida. Desafiando a Cooper, Xavier envía a Nightcrawler, Rogue, Beast, Bishop y Polaris a la base de los Acólitos en la Tierra Salvaje para evitar que la crisis se agrave.

Este es quizá el peor episodio de toda la temporada. Y en realidad no está mal, pero el propio concepto del juicio de Craydon Creed por parte de Exodus en el que Rondador hace de abogado defensor de su hermanastro, me parece completamente fallido. Porque Kurt explica que el odio de Creed viene por su padre Dientes de Sable, que le trató a patadas y le abandonó cuando descubrió que su hijo no tenía el ADN mutante. Que explicar el origen del odio le absuelva de todas las muertes que ha provocado Creed es una idea absurda a más no poder. Porque Creed merece morir. Empezando por la creación y liberación del Virus Legado. Y esto lastra todo el episodio.

Ver a Coloso es un elemento positivo del episodio, aunque sea para conocer que Illyana murió retroactivamente en Genosha, algo que creo no llegó a verse en el episodio. (Aunque reconozco que no estoy seguro). La lucha contra los Acólitos de Exodus me gusta. En realidad, excepto por el elemento moral absurdo de Kurt, el episodio como historia ligera puede disfrutarse, dentro de ser de los que menos me gustó.

En el epílogo, X-Force llega a Atenas para encontrarse con el cadáver de Apocalipsis, y una de las características cartas de Gambito en el suelo.

Episodio 8. La mano del hombre muerto

Rogue tiene pesadillas en las que aparece un Gambit no muerto. X-Force lleva el cadáver de Apocalipsis a X-Corp, en Genosha, y Cable explica que, al parecer, Gambit regresó con un poder excesivo y mató a Apocalipsis. Los dos grupos unen fuerzas para dar con Gambit, resucitado como el Jinete de la Muerte. Gambit regresa a Nueva Orleans, donde lava el cerebro a su antigua familia, al Gremio de Ladrones y a su ex, Bella Donna, junto con su Gremio de Asesinos, para convertirlos en sus siervos.

El final de X-Men´97 se precipita con dos episodios finales en la que todo es apresurado, sobre todo en el climax final. Que Gambito mate a Apocalipsis es una idea arriesgada que no se si tiene sentido, incluso con sus poderes aumentados. Pero aceptamos barco. La idea que la mente de Apocalipsis haya colonizado la mente de Remy es realmente ridícula y no se acaba de sostener en nada. Siempre puedes decir que la tecnología Celestial de apocalipsis le permite hacerlo, pero esto se acerca demasiado al tropo de «lo hizo un mago».

Esto cumple con el propósito dramático de ver Pícara como el cuerpo de su amante es ocupado por el mayor villano de los X-Men. La batalla por el alma de Remy queda en stand-by, con un Gambito en coma que no ha permitido que Apocalipsis domine su cuerpo gracias a la ayuda mental de Pícara. Lo malo, Cable no se ha quedado convencido y cree que hay que matar a Gambito antes que Apocalipsis se apodere de su cuerpo. Y en esto, Valerie Cooper está de acuerdo con Cable, uniendo a X-Factor con X-Force para un ataque que constituirá el climax de esta temporada.

Episodio 9. La supervivencia del más fuerte

X-Men contra X-Force y X-Factor. El destino final del alma de Gambito. ¿Conseguirá Apocalipsis ascender como está escrito y apoderarse del mundo?

Hablando de finales apresurados, este final cumple narrativamente con todos los elementos que había que plantear, pero hay un exceso de elipsis y de rapidez por resolverlo todo en un episodio de 32 minutos de duración que hubiera necesitado de mínimo 10 minutos adicionales. Minutos que conseguirían que aparte de suceder las cosas, consigan tener impacto emocional en el espectador.

Gracias al Celestian Eson que dio sus poderes a Apocalipsis hace 5000 años, Pícara tiene en su mano salvar a Gambito, pero a costa de ofrecer una vida por otra. Esto es un deus-ex-machina brutal que además viene acompañado por otro giro final que hace que su sacrificio quede en papel mojado por el sacrificio de otro personaje. Este final no me ha gustado demasiado, empezando por la transformación temporal de Pícara en alguien super poderoso que soluciona todo (casi) con un casquido de dedos.

La parte interesante es ver a Cable llevar a cabo su misión matando a Gambito, para ver que es el elemento clave que necesitaba Apocalipsis para su ascensión. Siendo Cable el que se lo proporciona. La serie va a toda velocidad y no da tiempo en analizar el significado de las cosas, pero que Cable descubra que su misión estaba condenada al fracaso y que por culpa de su intransigencia y radicalidad, Apocalipsis casi triunfa, debería tener unas consecuencias devastadoras para Nathan Summers. Veremos si llegamos a ver algo de eso en el futuro.

Como digo, el final es correcto teniendo en cuenta todo lo que la serie planteó al comienzo de la temporada. Pero me sabe mal que sobre todo en los 3 últimos episodios no haya lugar para que las cosas que suceden tengan un impacto dramático en los espectadores. La necesidad de contar demasiadas cosas en muy poco tiempo es una de las ventajas de la serie respecto a los comics. Pero por el lado dramático, acaba siendo su principal lastre.

A pesar de estos aspectos menos buenos, el hecho de tener todo el mundo mutante resumido en una única serie me parece una pasada que claramente va a ayudar a una nueva generación de espectadores a descubrir por qué los X-Men molan y son el grupo favorito para una generación entre la que me incluyo. Algo que lamentablemente no puede conseguirse en los comics Marvel actuales. Unos comics terribles de calidad más que cuestionable que solapan eventos y obligan a un sacacuartos continuo con múltiples colecciones que no interesan.

Aunque quede feo decirlo, a alguien que no conoce de nada a los personajes, le recomendaría que NO comprara los comics Marvel actuales, y se fuera de cabeza a ver esta serie. La diferencia es bestial.

Comparto el trailer de esta temporada:

X-Men´97 es un entretenimiento estupendo, que muestra a millones de espectadores a los X-Men en su mejor versión, algo que lamentablemente no tenemos en los comics actuales. Pero siento que todas las tramas de la segunda mitad de la temporada hubieran mejorado de haber tenido un mayor margen para respirar y hacer que los sucesos impacten dramáticamente. Con todo, como digo, ya me gustaría que los comics fueran la mitad de buenos.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de La leyenda de Vox Machina temporada 4 (Prime Video)

Me encanta La leyenda de Vox Machina, la serie de animación de Prime Video inspirada en las campañas de Critical Role. Y esta cuarta temporada me ha volado la cabeza.

PUNTUACIÓN: 9/10

La cuarta temporada de «La leyenda de Vox Machina» se desarrolla un año después de la derrota del Conclave de Chroma, con el equipo inicialmente separado para seguir con sus propias vidas y caminos. Sin embargo, el grupo se ve obligado a reunirse cuando una secta maligna intenta resucitar a Vecna, la poderosa y misteriosa entidad conocida como «El Susurrado».

La trama presenta varias líneas argumentales clave a medida que los héroes investigan cultos oscuros, se enfrentan a magia corrupta y lidian con complicados dramas familiares, como el análisis de la infancia de Taryon Darrington. A lo largo de la temporada, la fe de Pike se ve sometida a una dura prueba, y el equipo afronta arcos argumentales personales antes de enfrentarse al aterrador plan del Susurrado para ascender a la divinidad.

La leyenda de Vox Machina está basada en la primera campaña de Dungeons & Dragons de Critical Role. Aunque la tercera temporada de Vox Machina había dado a los protagonistas el ideal de final feliz, el show debe continuar. Esta cuarta temporada ha tenido a Tasha Huo como la showrunner, junto con los productores ejecutivos Sam Riegel y Travis Willingham. La temporada ha contado con 12 episodios de una duración de entre 25 a 30 minutos. Los episodios han sido dirigidos por Karen Guo, Young Heller y Eugene Lee.

En las voces originales tenemos a Laura Bailey como Vex’ahlia, Taliesin Jaffe como Percival de Rolo, Ashley Johnson como Pike Trickfoot, Matthew Mercer como Trinket y otros personajes, Liam O’Brien como Vax’ildan, Marisha Ray como Keyleth de los Ashari del Aire, Sam Riegel como Scanlan Shorthalt y Travis Willingham como Grog Strongjaw. Los nuevos personajes de esta temporada son Taryon «Tary» Darrington , con la voz de Wayne Brady y Gideon / «El Susurrado», interpretado por Andy Serkis.

Tras el enorme cliffhanger con el que termina esta cuarta temporada, Prime ha confirmado que la quinta temporada ya en producción será la última de la serie.

Lo primero que quiero comentar es que aunque me encanta La leyenda de Vox Machina. Pero por un motivo u otro nunca veo la serie en su estreno. Posiblemente, al no formar parte de una franquicia que tenga un timeline de contenidos que obligue a un orden de visionados. Eso si, cuando por fin encuentro el momento de empezarla, me flipa completamente. Otro elemento que me parece super destacable es que Vox Machina se une a Invencible como series de animación con escenas de acción impresionantes imposibles de rodar en imagen real que ofrecen un entretenimiento sobresaliente. Por supuesto por la escala de estas escenas de acción, pero ante todo por el cariño que los espectadores hemos cogido a los protagonistas.

La leyenda de Vox Machina triunfa gracias a unos personajes increíbles que son capaces de grandes cosas pero también cometen grandes errores. La humanidad de todos ellos y la química que comparten me parece maravillosa. Consiguiendo que protagonistas maravillosos por separado se conviertan en oro puro cuando el grupo se reúne por fin ante la siguiente amenaza contra el mundo de Exandria.

Prime Video estrenó la tercera temporada en 2024, y su final ofreció un final feliz casi perfecto para todos los protagonistas. Para el principio de esta temporada, asistimos a un salto temporal de un año en el que grupo se ha separado. Scanlan se fue a vivir su vida como músico con su recién conocida hija Kaylie. Keyleth, junto con Vax, se ha estado preparando para completar su Aramenté, para convertirse en Voice of the Tempest de su pueblo. Por su parte, Percy y Vex se han acostumbrado a la vida acomodada en el reino de Whitestone de Percy.

Por su parte, Pike se lamenta ante Grog al creer que los otros les han dejado solos y ya no quieren irse de aventuras con ellos. En ese momento entre aventuras y borracheras llega Taryon Darrington, un noble que desea conocer a los famosos Vox Machina y compartir aventuras con ellos, con una oferta de trabajo: impedir el robo de los envíos de piedras preciosas de su familia. Como pasa en estas series, cada pareja de protagonistas se enfrentará a una amenaza que acabará estando conectada con el culto de The Children of Truth, que descubriremos está liderado por The Whisperer One (El Susurrado).

El plan de este culto es enfrentarse a unos dioses antiguos que permiten el sufrimiento y la muerte sin sentido, planteando un simulacro de libre albedrío que no es tal. Para ello, The Whisperer One planea ascender hasta la divinidad para crear un mundo donde la muerte deje de existir y los seres queridos queridos puedan volver a la vida. A priori, algo demasiado bonito para ser verdad.

Los doce episodios de 25-30 minutos de duración son como un caramelo en la puerta de un colegio. Me gusta mucho cómo cada episodio plantea su propia misión mientras construye la narrativa principal de la serie. En ese sentido, que el grupo empiece separado y, excepto Scalan, no llegue a reunirse hasta el tercer episodio, me parece un acierto narrativo total. Mostrando cómo hay historias que funcionan mejor como película, y otras que sólo pueden ser contadas con la estructura de serie de televisión.

Aunque la tercera temporada terminó con un final feliz, en realidad no todo era perfecto, porque Vax sigue sufriendo un envenenamiento progresivo desde que adquirió los poderes de la Matron of Ravens, la diosa de la Muerte. A cambio de ellos, Vax prometió que moriría una vez cumpliera una última misión para ella, y ese momento está cada vez más próximo.

La otra protagonista que más sufre en esta temporada es Pike, al sentir que su fe hacia la diosa Everlight la abandona, en un momento en que va a sufrir una pérdida familiar que encenderá un fuego abrasador en su interior, aumentado al sentir que amigos también la han abandonado y no se preocupan por sus sentimientos o su bienestar.

Junto a momentos dramáticos, la serie plantea un buen equilibrio con la comedia. Por supuesto con Grog el fortachón. Al que tenemos que sumar la figura de Taryon Darrington, un hijo que quiere mostrar su valía a su tirano padre que en realidad se cree que es el puto amo cuando en realidad es alguien bastante patético.

Vox Machina se enfrentan ante un culto de villanos super poderosos que no pueden morir, al ser revividos una y otra vez por The Whisperer One. Frente a la impresionante amenaza que significaron los dragones de la temporada 3, The Children of Truth ofrecen un tipo de amenaza diferente, pero igual de peligrosa. En la que la supervivencia de todos los héroes no está garantizada.

El climax en la dimensión de  Thar Amphala donde The Whisperer One va a ascender a la divinidad es una barbaridad. Sobre todo cuando un miembro del grupo acepte las explicaciones del líder del culto para cambiar la realidad por otra donde la muerte no afecte a sus seres queridos. Esto añadirá una dosis de dramatismo increíble a un climax que estaba siendo ya increíble por los combates de todos contra todos. Porque el combate va a ser entre amigos.

El giro final con el que termina la temporada me parece memorable. Vox Machina empezó la temporada siendo héroes para todo Exandria. Estaban en lo más alto, y van a terminar en lo más bajo. Porque sus apuestas del todo por el todo en algún momento tenía que acabar en cruz. Y ahora, todo el reino sufrirá. Menudo final.

Nada más terminar la serie me puse a buscar y afortunadamente Prime ha confirmado la producción de una quinta y última temporada. Pensando en temporadas anteriores, el tiempo de espera fue de un año, esperemos que esto se cumple y en 2027 podamos conocer el final de la historia. Mientras, siempre puedo sacia mi sed de Dungeons & Dragons con The Mighty Nein, el spin-of con la segunda campaña de Critical Role, ambientada 20 años después de esta serie, cuya primera temporada está disponible desde hace unos meses. Y que por unas cosas o por otras no me puse a verla. Igual el momento de verla es ahora.

Comparto el trailer de esta cuarta temporada de La leyenda de Vox Machina:

Éxito absoluto de la cuarta temporada de La leyenda de Vox Machina. Esperemos que no tarden en estrenar la quinta, porque ¡Qué final!!!

PUNTUACIÓN: 9/10

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Crítica de Akira de Katsuhiro Otomo

Tenía muchísimas ganas de volver a ver  enpantalla grande Akira, la obra maestra de Katsuhiro Otomo estrenada originalmente japón en 1988. Y la experiencia ha sido una pasada.

PUNTUACIÓN: OBRA MAESTRA

Año 2019. Neo-Tokyo es una ciudad construida sobre las ruinas de la antigua capital japonesa destruida tras la Tercera Guerra Mundial. Japón es un país al borde del colapso que sufre continuas crisis políticas. En secreto, un equipo de científicos ha reanudado por orden del ejército un experimento para encontrar a individuos que puedan controlar el arma definitiva: una fuerza denominada ‘la energía absoluta’. Pero los habitantes de Neo-Tokyo tienen otras cosas de las que preocuparse. Uno de ellos es Kaneda, un joven pandillero líder de una banda de motoristas. Durante una pelea, su mejor amigo, Tetsuo, sufre un extraño accidente y termina ingresado en unas instalaciones militares. Allí los científicos descubrirán que es el poseedor de la energía absoluta. Pero Tetsuo, que no se resigna a convertirse en un conejillo de indias, muy pronto se convertirá en la amenaza más grande que el mundo ha conocido. (FILMAFFINITY)

Katsuhiro Ōtomo (Hasama, 1954), es un dibujante de manga, director de anime, y guionista tanto de manga como anime. Se le conoce principalmente por ser el director de Akira (1988), una de las películas más influyentes del anime, así como por ser el artista/guionista del manga homónimo (1982-1990). Más allá de Akira, Otomo dirigió, codirigió, produjo, escribió y guionizó películas reconocidas como Roujin Z (1991), Memories (1995), Metrópolis (2001) y Steamboy (2004).

Otomo escribió el guion de esta adaptación de su manga junto a Izō Hashimoto. La música es de Shoji Yamashiro, el sonido de Tokuya Shimada, la fotografía de Katsuji Misawa y el montaje de Takeshi Seyama. La película tiene 124 minutos de duración, muchísimo para la época. En su momento fue la producción más cara de la historia de Japón, teniendo que juntarse las empresas más importantes del entretenimiento japonés para juntas los casi 1000 millones de yenes que costó su creación. Un importa que fue recuperado debido al enorme éxito de crítica y público sobre todo en Japón.

La película de Akira se estrenó en Japón en 1988, aunque tardó años en llegar a Europa y en concreto a España. Es importante tener en cuenta que esta película se estrenó casi dos años antes que Otomo cuncluyera el manga, por lo que la historia tomó un camino separado. Dentro que muchos elementos parecen elementos resumidos de tramas vistas en la primera mitad del manga.

Vi Akira en 1992 en Barcelona aprovechando un viaje al Salón del Comic. La película de Katsuhiro Otomo me voló la cabeza y puede decirse que fue la puerta de entrada hacia las posibilidades narrativas y expresivas de las obras hechas en Japón. Si, por supuesto unos años antes se uní la la fiebre por Bola de Drac gracias a la emisión de TV3, pero Akira estaba a otro nivel. A lo largo de los años he leído un par de veces el manga y he visto varias veces la película, pero tenía muchas ganas de poder volver a ver la película gracias al reestreno de esta nueva versión remasterizada en 4K. Y la experiencia ha sido increíble.

La película en su momento fue un hito para el mundo de la animación. Es impresionante pensar en que cada fotograma de la película es una imagen dibujada a mano por una persona. El nivel de detalle de cada fotograma es mayor a cualquier cosa que pueda ser expresado. Las imágenes de Neo-Tokio, las manifestaciones y la represión policial, Los peleas de motos entre bandas rivales. Y por supuesto, la transformación de Tetsuo en un ser superpoderoso gigante. No hay palabras.

Comentaba que en su momento Akira fue la producción más cara de una película de anime estrenada en el cine. Y lo cierto es que todo eso lucía en pantalla. Desde luego yo nunca había visto algo así. Por supuesto, resulta super llamativa la hiper violencia de la película. De nuevo, algo poco habitual de ver en una película de animación. El nivel de muertes de la película es acojonante, impactando sobre todo las muertes causadas por Tetsu en el cuarto final de película, cuando su poder se desencadena. Pero las muertes causadas por la policía también son momentos super chungos.

La animación sigue siendo revolucionaria, y me ha volado la cabeza. Pero ha sido también una pasada volver a ver una película con una historia con múltiples jugadores en la que en realidad no puedes decir nunca que uno es el «bueno» y otro el «malo». Como en la vida real, tenemos a gente egoísta haciendo cosas por su propio interés que chocan con los deseos de otras personas.

Al acabar la película, un chaval sentado detrás mío comentaba a su grupo que no se había enterado de nada. Está claro que yo he visto la película varias veces, aparte de leído el manga. Pero diría que la película SI ofrece los detalles justos para que el espectador se haga con una idea general lo compleja de la situación política de Japón en 2019, cuando Tetsuo adquirirá sus poderes tras un accidente de moto y un encuentro con Takashi, un niño esper huido del laboratorio del gobierno donde vive.

Tras ser destruida Tokio en 1988 por el despertar de Akira, 2019 es un momento convulso en el que el país está a punto de caer en una dictadura militar debido a parálisis del gobierno. Al mismo tiempo, grupos extremistas quieren provocar una revolución que ni siquiera ellos saben cual es, mientras que políticos ambiciosos buscan aprovechar ese descontento en su propio beneficio. Al mismo tiempo, las sectas religiosas piden también una revolución. Y por si fuera poco, científicos embobados por el «sueño del descubrimiento» van a provocar una matanza al tratar con fuerzas que no pueden controlar, demostrando que no escarmentados con la primera masacre de 1988 que destruyó Tokyo por primera vez. De una manera u otra, todos van a conseguir lo que deseaban, pero los resultados no van a ser como ellos esperaban, al provocarse una nueva masacre que casi aniquila todo Tokio por segunda vez.

Otra de las cosas más llamativas para mi de Akira es ver una película en la que tenemos protagonistas, Kaneda y Tetsuo, pero desde luego no tenemos «héroes» ni «villanos». De hecho, Kaneda es un gilipollas macho alpha que trata mal a sus amigos. Y aunque intenta rescatar a Tetsuo tras ser detenido por el ejército, luego se enfada como lo haría un niño orgulloso de 10 años cuando Tetsuo rechaza su ayuda porque sus poderes le han convertido en más poderoso que él. Que Kaneda esté acostumbrado a mandar y no pueda mandarle a Tetsuo y por eso se enfade con él y busque matarle, me parece uno de los muchísimos detalles super complejos de la película que justifica su calificación para adultos. Calificación que una parte es por la violencia extrema y los momentos sexuales. Pero también por una historia super compleja, mucho más compleja que la media de películas occidentales de la época.

También Tetsuo merece un comentario, al ser un chaval con una infancia dramática al ser abandonado por su padre. Tetsuo vivió a la sombra de Kaneda odiándole y odiándose a si mismo por no poder defenderse por si mismo. Cuando reciba los poderes, vas a significar un chute de autoestima que va a provocar una masacre brutal. Kaneda puede ser una víctima de la sociedad brutal, pero al final eso por si sólo tampoco justifica sus acciones a lo largo de la película.

Dentro de los temas de la película, una parte por supuesto es el miedo nuclear, que sigue super presente en la sociedad japonesa. El miedo hacia los poderes de un estado onmipotente también está muy presente en la obra, como los problemas credos por científicos que juegan a ser Dios intentando controlar poderes que son incontrolables y que van a provocar la tragedia. Experimentando en niños inocentes, no nos olvidemos. Los problemas de la sociedad moderna en la que los jóvenes no encuentran su lugar dentro de la sociedad es otra idea muy potente de esta película.

Por todo esto y más cosas que podrían decirse de AKIRA, no tengo duda que estamos ante una OBRA MAESTRA ABSOLUTA del cine que ha aguantado de forma increíble el paso del tiempo.

Comparto el trailer de la película:

Volver a ver Akira en pantalla grande ha sido una maravilla. OBRA MAESTRA con todas las de la ley.

PUNTUACIÓN: OBRA MAESTRA

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