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Crítica de Love, Death + Robots temporada 2 (Netflix)

Netflix ha estrenado una descafeinada segunda temporada de Love, Death + Robots compuesta de tan solo ocho episodios, que me han sabido a super poco.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

Love, Death + Robots es una antología de cortos de animación creada por David Fincher y Tim Miller, que buscaban recrear la magia de las revistas tipo Heavy Metal en las que cada mes te encontrabas historias diferentes e inesperadas. La idea es que en cada historia tengamos al menos uno de los elementos del título: Amor, Muerte y Robots, pero no es necesario que tengamos los tres. Ni siquiera dos.

La estupenda primera temporada fue un gran éxito en 2019 y hemos tenido que esperar mucho tiempo para disfrutar de esta segunda tanda, debido a la complejidad y el tiempo que lleva realizar cualquier historia con animación.

Debido a su propia naturaleza de antología, no quiero hacer un análisis profundo de cada uno de los cortos, ya que prefiero que cada uno los descubra con la cabeza libre de spoilers. Es por esto que a continuación voy a dar únicamente unas pocas pinceladas de cada corto.

edwe

Servicio al cliente automatizado

Si su robot de limpieza intenta matarle, pulse 3. (12 minutos).

Corto basado en una historia de John Scalzi firmado por Atoll Studio que nos muestra con un toque de humor negro la dependencia cada vez mayor que tiene nuestra sociedad de los aparatos de consumo.

Hielo

Dos hermanos lejos de su hogar se unen a unos chavales modificados genéticamente en una carrera mortal. (13 minutos)

Passion Animation Studios realiza este corto basado en una historia de Rich Larson sobre modificaciones genéticas y un toque de ecologismo.

Respuesta evolutiva

Un policía encargado de combatir la amenaza de la superpoblación se ve atormentado por el coste humano que conlleva su trabajo. (18 minutos)

Blur Studio adapta una historia de Paolo Bacigalupi que me parece uno de los cortos más interesantes de esta temporada, mostrando cómo nuestra obsesión por alargar nuestra vida acaba traduciéndose en peores condiciones para las siguientes generaciones.

Nieva en el desierto

Todos los cazarecompensas de la galaxia quieren hacerse con Nieve. (18 minutos)

Unit Image se encarga de este corto basado en una historia de Neal Asher, con una animación espectacular pero una historia que navega por algunos de los tópicos de la ciencia ficción.

La hierba alta

Un hombre que viaja en tren por el campo queda fascinado por unas luces fantásticas que brillan en la distancia. (11 minutos)

Basado en una historia de Joe Lansdale, Axis Animation realiza otro de los cortos más interesantes y entretenido de la temporada que se nutre de las típicas leyendas urbanas de la gente que se queda atrás.

Por toda la casa

Dos niños bajan las escaleras sigilosamente para ver a Papá Noel en Nochebuena. Una historia retorcida sólo para adultos .(7 minutos)

Blink Industries realiza este corto basado en una historia de Joachim Heijndermans que es el corto de menor duración y que acaba quedándose en un sketch, jugando con las expectativas navideñas.

Cobijo

Tras estrellarse en un planeta escarpado y encontrar cobijo, un piloto debe enfrentarse a la amenaza que habita en su interior. (13 minutos)

A pesar de la estupenda animación fotorealista de Blur Studio, y de estar este corto inspirado en un relato de Harlan Ellison, este corto es también un cliché total con sensación que estamos viendo una historia en la que todo suena a visto.

El gigante ahogado

El cuerpo de un joven gigante que aparece sin vida en una playa se convierte en objeto de fascinación para los lugareños. (13 minutos)

Blur Studio también realiza este último corto en este cuerpo inspirado en J. G. Ballard, que nos alerta sobre cómo lo extraordinario acaba convirtiéndose en rutinario y la magia desaparece incluso cuando la tenemos delante de nuestros ojos.

Como siempre en ese tipo de antologías, siempre hay unos cortometrajes buenos y otros no tan buenos. El problema principal en este caso es que ocho episodios son totalmente insuficientes, y casi no había empezado y ya los terminé. Me parece un poco una estafa que en contraste con una primera temporada de 18 episodios estrenada en 2019, Netflix anunciara las temporadas dos y tres, pero luego cuando se ha estrenado esta segunda, realmente parece que han dividido en dos lo que sería una temporada “normal”, dejándonos a los fans de la animación con la miel en los labios.

Y el caso es que en general estos 8 episodios me han gustado, aunque ninguno me ha flipado como si me pasó en la primera temporada, y espero que esta propuesta tenga mucho éxito de cara a que tengamos cada vez más antologías como esta.

Comparto el trailer de esta segunda temporada:

Me ha sabido a super poco esta segunda temporada de Love, Death + Robots. Estos 8 cortos han sido poco más que un aperitivo que nos ha dejado con la miel en los labios. Espero que la tercera temporada tenga una duración más razonable.

PUNTUACIÓN: 7/10

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¡Saludos a todos!

Crítica de Castlevania temporada 4 (Netflix)

Netflix acaba de estrenar la cuarta y última temporada de Castlevania y ahora que ya ha finalizado, no puedo más que dar las gracias a Warren Ellis y al director Sam Deats por una serie estupenda.

PUNTUACIÓN: 8/10

Tras el final de la tercera temporada de Castlevavia Trevor Belmont y Sypha siguen enfrentándose a bestias leales a Drácula que buscan devolverle a la no-vida. Mientras, Alucard, Isaac y Héctor deben buscar un sentido a sus vidas en este nuevo y peligroso mundo.

Castlevania ha finalizado tras 4 temporadas y 32 episodios. La serie creada por Warren Ellis y dirigida por Sam Deats, ha tenido a Ellis como guionista de los 10 últimos episodios que han cerrado la temporada de forma super satisfactoria. Teniendo en cuenta que Ellis se encuentra “cancelado” tras las acusaciones de uso de poder en sus relaciones con varias mujeres y no publica nada desde el final de su The Batman´s Grave hace unos meses, no cabe duda que esta historia fue escrita antes de toda la polémica, y no se ha estrenado hasta ahora debido a lo laborioso que resulta una serie de animación de este tipo.

El otro día comentando la decepción de Jupiter´s Legacy, uno de los primeros elementos de crítica es que claramente por motivos presupuestarios, la serie caía en el viejo defecto de mostrar cabezas parlantes que nos dicen a los espectadores lo que sienten los personajes, en lugar de hacer que la acción nos lo muestre. Castlevania es todo lo contrario. Me ha volado la cabeza la forma en que Warren Ellis ha planteado una serie en la que los diálogos son mínimos y es la acción constante y alucinante. Igual que con Invincible en Prime, que para mi es un éxito monumental, Ellis y el director Sam Deats comprenden las ventajas que les proporciona la animación frente a la imagen real, y no se cortan un pelo a la hora de mostrarnos acción más grande que la vida y unos sets de acción que serían imposibles de ver en imagen real.

Esa es para mi la principal virtud de Castlevania. Cada uno de los 10 episodios de los que cuenta esta cuarta temporada nos ofrece un montón de estupendas escenas de acción con una sensación de incremento de la tensión y de lo que está en juego para los protagonistas. Con una sensación clara de que no todos van a salir con vida cuando todo esto acabe. Que casi no hayan diálogos no significa que no haya historia, todo lo contrario, y Ellis compone un tablero de ajedrez planteado desde la acción en el que sabe mover con habilidad todas las piezas para ofrecer un final super satisfactorio a la serie.

Tengo que reconocer que al empezar el visionado estaba totalmente perdido porque no recordaba donde se encontraban los diferentes personajes al final de la tercera temporada, pero en cuestión de un segundo Ellis nos coloca a todos los personajes en situación y te ayuda a entrar en el que es un brillante climax a toda su historia, significando para mi un éxito sin paliativos en lo referido a narrativa serializada para adultos.

De hecho, sabiendo lo que es, Castlevania me ha parecido cojonuda. Una animación para adultos con montones de momentos gores y una acción frenética sin fin. Aquí no hay grandes monólogos intimistas ni falta que le hace, agradezco a Ellis por plantear una historia tan honesta que sabe desde el minuto uno lo que es y qué herramientas elige para contar su historia. Por ponerle un pero, ya me he acostumbrado al estilo de animación y no me ha supuesto un problema, pero dentro que el gore mola mucho, tengo que calificar la animación de montonera. Que me cuenta correctamente la historia, pero que no consigue llegarme en ningún momento en el elemento emocional.

Ahora que ha finalizado, no puedo más que recomendarla a todo el mundo y confirmar que estamos ante una de las grandes series de género dentro del enorme catálogo de Netflix. No te la puedes perder.

Comparto el trailer de esta última temporada:

Castlevania me ha volado la cabeza. una serie modélica que ha sacado el máximo partido a las posibilidades que la animación ofrece a la narrativa para adultos.

PUNTUACIÓN: 8/10

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¡Saludos a todos!

Crítica de Los Mitchell contra las máquinas, de Mike Rianda y Jeff Rowe (Netflix)

Mientras espero el estreno de la segunda temporada de Love, Death & Robots, Netflix nos acaba de regalar la primera gran sorpresa del año dentro del género de la animación familiar con Los Mitchell contra las máquinas película de Mike Rianda y Jeff Rowe para Sony Animation que ha sido producida por Phil Lord y Christopher Miller (Spiderman – Into the spiderverse).

PUNTUACIÓN: 8/10

El viaje por carretera de la familia Mitchell se ve interrumpido por una insurrección tecnológica que amenaza a la humanidad.

Michael Rianda y Jeff Rowe además de dirigir escribieron también el guión de la película, que cuenta con producción de Phil Lord, Christopher Miller y Kurt Albrecht como productores. Los Mitchell contra las máquinas es la cuarta colaboración del dúo Lord – Miller con Sony Pictures Animation tras las dos películas de la imaginativa serie de Lluvia de albóndigas, y Spiderman: Into the Spiderverse.

Sony Pictures Animation tenía previsto estrenar en cine Los Mitchell contra las máquinas, pero como le ha pasado a tantas otras películas, debido a la pandemia del COVID-19, finalmente llegó a un acuerdo con Netflix para su estreno a nivel mundial a través de su plataforma de streaming. La película cuenta con música de Mark Mothersbaugh y en la versión original cuenta con las voces de Abbi Jacobson, Danny McBride, Maya Rudolph, Rianda, Eric Andre y Olivia Colman.

Los Mitchell contra las máquinas es una película divertidísima y super imaginativa. Teniendo en cuenta que hablamos del equipo de Lluvia de albóndigas, eso no debería ser noticia. Incluso debo decir que sólo con eso la película ya sería un éxito, pero si a esto hay que sumarle una animación de nuevo revolucionaria, estamos ante una de las películas del año.

Es curioso cómo tras Spiderman Into the spiderverse, Sony Animation sigue empeñada en ampliar las posibilidades expresivas de las historias aprovechando las herramientas que las técnicas de animación digital ofrecen. Mientras que PIXAR por ejemplo parece que se especializa en la perfección más absoluta, marcando por ejemplo las 3000 hojas que hay en un árbol, cada una moviéndose de una forma única en pantalla, los creativos de Sony están jugando por ejemplo con las imperfecciones para crear personalidad. De hecho, en muchos aspectos parecen sensibilidades opuestas, lo cual sólo pone de relevancia que no hay una animación “buena”, sino autores con creatividad y ganas de contar una historia con sus propias herramientas.

Los propios creativos de Los Mitchell contra las máquinas resaltan como la intención de mostrar a unas personas con fallos que no son perfectas fue uno de los elementos clave que querían que se transmitiera en cada una de las imágenes. La suma de unos protagonistas con un diseño cartoon al que se suma una gama cromática casi como si usaran acuarelas encima del fondo digital crean un llamativo contraste sin restarle un ápice de personalidad, resaltando su diferencia respecto a otras obras.

A eso hay que sumarle unas ganas evidentes de hacer avanzar el medio mediante la combinación de elementos, como el uso de elementos planos, la sensación casi como si las imágenes se hubieran dibujado a mano en un papel o una estética de comic que conecta con la sensibilidad de Into de spiderverse pero a la vez es completamente diferente. Por ejemplo, un elemento como es ver en pantalla con dibujitos al lado de la cabeza de la protagonista los sentimientos que tiene en ese momento es un detalle muy muy chulo. Y como este, los hay a patadas durante toda la película.

La historia en el fondo es un canto a la familia y como hay que aceptar la de cada uno aunque no sea “perfecta”, con unos miembros pensados claramente para apelar a un tipo de espectador concreto: niños, adolescentes, padres, hombres y mujeres… Esto realmente no es especialmente novedoso y de hecho sería el único pero que se le puede hacer a la película, que la historia se mueve por terrenos esperables en todo momento para resaltar este mensaje de amor familiar.

Sin embargo, la familia Mitchell es realmente divertida, sus diálogos rebosan vida, conexión y amor a pesar de las discursiones que tienen, y me han gustado muchisimo. Junto a ellos, la historia del alzamiento de los robots sirve para hacer unos homenajes clarísimos a un montón de clásicos de la ciencia ficción en un montón de planos concretos a lo largo de la película que obviamente los niños no pillan, pero los padres disfrutamos un montón.

Junto a esto, dentro que es una película familiar con un humor blanco para todos los públicos, hay algunas bromas y críticas al poder de las compañías tecnológicas o a la forma en que nuestra sociedad nos hemos enganchado al móvil y a las redes sociales que me parecen que están muy bien tirados y no dejan títere con cabeza.

Si te gusta la animación, hay tantos hallazgos visuales en Los Mitchell contra las máquinas que no tengo duda que va a ser una película de múltiples visionados en los que cada vez voy a descubrir un detalle nuevo y degerente que me va a volar la cabeza. Y para muestra, comparto el siguiente video en el que el equipo explica algunos detalles de su espectacular animación:

Y a continuación, comparto el trailer de la película:

Los Mitchell contra las máquinas es la película familiar de lo que llevamos de 2021, pero es mucho más que una película infantil. Si te gusta la animación, no lo dudes y disfrútala aprovechando que la tienes disponible en Netflix.

PUNTUACIÓN: 8/10

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¡Saludos a todos!

Crítica de Invincible temporada 1 de Robert Kirkman (Prime Video)

Invencible, la nueva serie de animación de Prime Video que adapta el maravilloso comic de Robert Kirkman, Cory Walker y Ryan Ottley se ha confirmado en su primera temporada recién finalizada como una de las series de este 2021.

Crítica SIN spoilers.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

Serie animada basada en el cómic de Skybound/Image sobre un adolescente cuyo padre es el superhéroe más poderoso del planeta. (FILMAFFINITY)

Para Invencible, Prime Video ha reunido un casting de voces increíble en la versión original, en el que sobresalen Steven Yeun como Mark Grayson / Invincible, J. K. Simmons como su padre Nolan Grayson / Omni-Man, y Sandra Oh como su madre Debbie. Pero además, tenemos a Zachary Quinto, Walton Goggins, Gillian Jacobs, Seth Rogen o el mismísimo Mark Hamill. Un grupo de voces sin duda espectacular. Pero no sólo en inglés, ya que el doblaje al castellano también lo he encontrado muy bueno, cosa que creo que también merece la pena comentarse.

Invencible es uno de mis comics favoritos del siglo XXI. El comic de Robert Kirkman y Cory Walker planteado originalmente como una mezcla entre Superman y el Spiderman adolescente, fue publicado entre 2003 y 2018 en Image Comics, contando con 144 números, que fueron en su mayoría dibujados por Ryan Ottley, además de existir varios spin-ofs. Hace unas semanas ya comentaba en mi posts con la valoración de los tres primeros episodios, que fueron estrenados simultáneamente, que esta serie pintaba a que iba a darnos un montón de alegrías. Cinco semanas después, tras ver el octavo y último episodio de esta primera temporada, las sensaciones no pueden ser mejores al habernos dejado como se esperaba en lo más alto. Además, conociendo como conozco el comic, no tengo duda en afirmar que si esta temporada te ha gustado, lo que está por venir te va a alucinar.

Para los lectores, el final de Invincible no ha sido sorpresa, pero el nivel de gore y ultra violencia visto sobrepasa con mucho lo visto en el comic y en general cualquier serie estrenada en los últimos años en televisión, yendo incluso un paso más allá que The Boys. Esto para mi significa un éxito creativo espectacular de Robert Kirkman, Ryan Ottley y Cory Walker, que actúan como productores en la serie. El shock que han debido sentir los espectadores ha debido ser bestial. De hecho, yo sabía a lo que venía y aún así el nivel de ultra violencia explícita me ha volado la cabeza.

Esta primera temporada de Invincible ha superado al primer año y medio de historias del comic original, siendo totalmente fiel a su espíritu y con el corazón en el sitio correcto, pero ampliando allí donde se podía para mejorar la experiencia al espectador. En este sentido, el formato de episodios de 40 minutos ha sido un gran éxito, dando a Kirkman el espacio que a veces en el comic no tenía, limitado como estaba por las 22 páginas mensuales. El nivel de escala, violencia y muerte ha sido espectacular e imagino un shock para los espectadores no comiqueros. Globalmente, el Robert Kirkman de 2020 ha aprendido la lección y supera prácticamente en todo a su versión de escritor novato de 2003, empezando con todo desde el minuto uno, creando un worldbuilbing super ámplio con secundarios como los Guardianes del Globo a los que coges cariño, y ofreciendo sus ya míticos giros y sorpresas, que han culminado en un final de temporada antológico.

Me ha gustado prácticamente todo. El único pero que tengo con esta serie es su animación. No soy nada fan de este tipo de animación sin personalidad que si, muestra todo lo que pasa, pero no transmite nada ni aporta ningún tipo de emoción. La historia mola mucho y el nivel de ultra violencia y decenas de localizaciones terráqueas y espaciales hacen obligatoria que la serie no fuera en imagen real, para poder ofrecer el mayor espectáculo widescreen visto hasta la fecha. Esto lo entiendo y me parece bien, pero es una pena que no hayan sabido estar un pelín mejor en este aspecto.

En todo caso, estamos ante una serie modélica que nos ha dado un montón de alegrías a los fans de los comics, y lo va a seguir haciendo, ya que Prime ha confirmado la producción de dos nuevas temporadas. Esta temporada ha cubierto más o menos los 20 primeros comics de Invincible, por eso simplemente siendo fiel al comic y siguiendo su historia más o menos linealmente, Kirkman podría sin problemas escribir al menos seis temporadas de Invincible. O más. Esperemos que la serie tenga el éxito que sin duda merece y podamos tener Invincible en la pequeña pantalla durante muchos años.

Además, viendo los cambios que ha realizado en la serie respecto al comic, algunos pequeños y que no afectan a la esencia general pero que da más peso a personajes como la madre de Mark Debbie, otros cambiando el orden en el que suceden determinados hechos, me gusta que no vaya a tener una fotocopia literal del comic, que para eso ya los saco de la librería de casa y me los vuelvo a reeler. De hecho, volví a hacerlo y me han flipado a nivel máximo. Otro motivo por el que debo estarle agradecido a Prime Video por estrenar esta serie de animación.

Comparto el trailer de esta serie que ha supuesto una alegría detrás de otras:

Tras el mal sabor de boca de Falcon y el Soldado de Invierno, ¡qué alegría y disfrute más puro y comiquero ha supuesto ver esta primera temporada de Invincible! Sin duda, de lo mejor del año 2021, no puedo recomendarla más.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

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Crítica de Ga´Hoole: La Leyenda de los Guardianes de Zack Snyder

Tras Watchmen, Zack Snyder sorprendió a sus fans al ser su siguiente película no en imagen real sino de animación. Ga’Hoole: La Leyenda de los Guardianes (2010) es una entretenida aventura basada en la serie de libros de Kathryn Lasky.

PUNTUACIÓN: 7/10

Al joven búho Soren le apasiona escuchar las historias de los legendarios guerreros que salvaron a los búhos de los malvados Puros, pero su hermano Kludd se burla de ellas. Hasta que una noche, mientras vuelan, los Puros secuestran a ambos. (FILMAFFINITY)

La película adapta la serie de novelas “Los Guardianes de Ga’Hoole” escritas por Kathryn Lasky. John Orloff y Emil Stern fieron los encargados de adaptar estos libros a una película de animación. Zack Snyder fue contratado como director en 2008, pero la producción no comenzó hasta febrero de 2009, que coincide con la fecha de estreno de Watchmen. La animación de la película la realizó Animal Logic en Australia. Creadora del exitazo Happy Feet en 2006 y especializada (aunque no solo) en animación foto realista, reunió un equipo de más de 500 artistas, técnicos y personal de apoyo para diseñar y animar 15 especies únicas de búhos, así como otras criaturas y paisajes.

La película de 97 minutos cuenta con música de David Hirschfelder y Adam Young y contó con las voces e interpretaciones mediante la técnica de captura de movimeintos de Jim Sturgess, Geoffrey Rush, Emily Barclay, Helen Mirren, Ryan Kwanten, Anthony LaPaglia, y David Wenham entre otros.

Con un presupuesto superior a los 130 millones de dolares, Ga´Hoole recaudó tan sólo 185, siendo el segundo caso consecutivo tras Watchmen en el que una película de Zack Snyder decepcionaba en taquilla y obtenía unos resultados muy inferiores a los esperados.

Cuando se estrenó Ga´Hoole en los cines, fui a verla en 3D y recuerdo que fue una experiencia alucinante. Las escenas de vuelo en la tormenta con las gotas de agua alrededor de Soren o a través de la lengua de fuego en el climax final se me grabaron en mi retina por lo espectacular y epiquísimo que fueron. Frente a los 3Ds chungos creados en post-producción del 90% de estrenos de esa época, ver una película planteada desde su nacimiento para ser vista en 3D real ofreció un espectáculo increíble que justificó de sobra el precio de la entrada.

Para este revisionado no conté con el 3D en casa y a pesar de todo me ha parecido una más que disfrutable película de aventuras, con una animación increíble y un tono oscuro poco habitual en una película de animación americana. Aunque cada vez encajo menos con el estilo videoclipero de Snyder y su querencia por las cámaras lentas, reconozco que en Ga´Hoole me funcionan de maravilla. Además, la violencia de los buhos es rápida y sin piedad, el que da el primer golpe es que sale vivo del combate aéreo, lo cual me parece un detalle seco y realista que agradezco.

El argumento de Ga´Hoole de un joven (en este caso buho) que va a buscar a unos guerreros legendarios para luchar contra un gran mal hay que reconocer que es genérico a más no poder en el género de la fantasía, y realmente el plan de los Buhos “Puros” no acaba de estar del todo claro con esa ¿máquina magnética?, pero hay que reconocer que estos villanos son una metáfora anti nazismo clarísima, con su filosofía de unos “puros” que deben mandar sobre los impuros a los que esclavizan. Recordar que nadie es mejor que nadie y que el nazismo el malo siempre es algo que merece ser reconocido.

No espero grandes caracterizaciones en el género de aventuras, así que no me supone ningún problema que todos los personajes sean carcasas en blanco y negro sin matices, o muy buenos o muy malos, algo que casi era un arquetipo de la fantasía épica hasta que llegaron Abercrombie o Martin a darle un meneo al género.

Dentro que Ga´Hoole es muy entretenida y por momentos realmente espectacular, le encuentro un pero, y es que Snyder parece que no tiene claro qué tono quiere imprimir o el público al que dirige la película. En los momento épicos Ga´Hoole se pone epiquísima, pero dentro de la seriedad y el tono oscuro de la historia, encontramos personajes muy infantiles claramente apelando a ese público, creando además personajes con heridas de combate que en lugar de ser terribles casi más provocan la risa como si fueran unos personajes pintorescos.

En este caso, creo que Snyder y la mayoría de creadores de animación para adultos se chocan ante un muro casi insalvable, ya que por muy realista y adulta que quieras hacer tu película, al final estás contando una historia de buhos guerreros, y el supuesto público “adulto” al que te gustaría dirigirte no le va a dar jamás una oportunidad a algo que argumentalmente ellos estiman que es “para niños”. No es algo que yo comparta, ojo, pero es la triste realidad de la sociedad en la que vivimos. Y está claro que ellos se lo pierden, el problema es de los que renuncian a ver contenidos que les saquen de su zona de confort.

Estos elementos menos buenos no quieren decir que la película no sea disfrutable, que lo es y mucho, pero si que en general veo que la película peca un poco de indefinición. A pesar de todo, volver a verla 11 años después me ha gustado casi tanto como el primer día.

Comparto el trailer de la película:

Ga´Hoole es una buena película de aventuras que merece la pena que la veáis.

PUNTUACIÓN: 7/10

¿Habéis visto la película, qué os pareció? Espero vuestros comentarios. Y si gustó este artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales, y que te suscribas al blog para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.

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