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Crítica de La leyenda de Vox Machina temporada 4 (Prime Video)

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Me encanta La leyenda de Vox Machina, la serie de animación de Prime Video inspirada en las campañas de Critical Role. Y esta cuarta temporada me ha volado la cabeza.

PUNTUACIÓN: 9/10

La cuarta temporada de «La leyenda de Vox Machina» se desarrolla un año después de la derrota del Conclave de Chroma, con el equipo inicialmente separado para seguir con sus propias vidas y caminos. Sin embargo, el grupo se ve obligado a reunirse cuando una secta maligna intenta resucitar a Vecna, la poderosa y misteriosa entidad conocida como «El Susurrado».

La trama presenta varias líneas argumentales clave a medida que los héroes investigan cultos oscuros, se enfrentan a magia corrupta y lidian con complicados dramas familiares, como el análisis de la infancia de Taryon Darrington. A lo largo de la temporada, la fe de Pike se ve sometida a una dura prueba, y el equipo afronta arcos argumentales personales antes de enfrentarse al aterrador plan del Susurrado para ascender a la divinidad.

La leyenda de Vox Machina está basada en la primera campaña de Dungeons & Dragons de Critical Role. Aunque la tercera temporada de Vox Machina había dado a los protagonistas el ideal de final feliz, el show debe continuar. Esta cuarta temporada ha tenido a Tasha Huo como la showrunner, junto con los productores ejecutivos Sam Riegel y Travis Willingham. La temporada ha contado con 12 episodios de una duración de entre 25 a 30 minutos. Los episodios han sido dirigidos por Karen Guo, Young Heller y Eugene Lee.

En las voces originales tenemos a Laura Bailey como Vex’ahlia, Taliesin Jaffe como Percival de Rolo, Ashley Johnson como Pike Trickfoot, Matthew Mercer como Trinket y otros personajes, Liam O’Brien como Vax’ildan, Marisha Ray como Keyleth de los Ashari del Aire, Sam Riegel como Scanlan Shorthalt y Travis Willingham como Grog Strongjaw. Los nuevos personajes de esta temporada son Taryon «Tary» Darrington , con la voz de Wayne Brady y Gideon / «El Susurrado», interpretado por Andy Serkis.

Tras el enorme cliffhanger con el que termina esta cuarta temporada, Prime ha confirmado que la quinta temporada ya en producción será la última de la serie.

Lo primero que quiero comentar es que aunque me encanta La leyenda de Vox Machina. Pero por un motivo u otro nunca veo la serie en su estreno. Posiblemente, al no formar parte de una franquicia que tenga un timeline de contenidos que obligue a un orden de visionados. Eso si, cuando por fin encuentro el momento de empezarla, me flipa completamente. Otro elemento que me parece super destacable es que Vox Machina se une a Invencible como series de animación con escenas de acción impresionantes imposibles de rodar en imagen real que ofrecen un entretenimiento sobresaliente. Por supuesto por la escala de estas escenas de acción, pero ante todo por el cariño que los espectadores hemos cogido a los protagonistas.

La leyenda de Vox Machina triunfa gracias a unos personajes increíbles que son capaces de grandes cosas pero también cometen grandes errores. La humanidad de todos ellos y la química que comparten me parece maravillosa. Consiguiendo que protagonistas maravillosos por separado se conviertan en oro puro cuando el grupo se reúne por fin ante la siguiente amenaza contra el mundo de Exandria.

Prime Video estrenó la tercera temporada en 2024, y su final ofreció un final feliz casi perfecto para todos los protagonistas. Para el principio de esta temporada, asistimos a un salto temporal de un año en el que grupo se ha separado. Scanlan se fue a vivir su vida como músico con su recién conocida hija Kaylie. Keyleth, junto con Vax, se ha estado preparando para completar su Aramenté, para convertirse en Voice of the Tempest de su pueblo. Por su parte, Percy y Vex se han acostumbrado a la vida acomodada en el reino de Whitestone de Percy.

Por su parte, Pike se lamenta ante Grog al creer que los otros les han dejado solos y ya no quieren irse de aventuras con ellos. En ese momento entre aventuras y borracheras llega Taryon Darrington, un noble que desea conocer a los famosos Vox Machina y compartir aventuras con ellos, con una oferta de trabajo: impedir el robo de los envíos de piedras preciosas de su familia. Como pasa en estas series, cada pareja de protagonistas se enfrentará a una amenaza que acabará estando conectada con el culto de The Children of Truth, que descubriremos está liderado por The Whisperer One (El Susurrado).

El plan de este culto es enfrentarse a unos dioses antiguos que permiten el sufrimiento y la muerte sin sentido, planteando un simulacro de libre albedrío que no es tal. Para ello, The Whisperer One planea ascender hasta la divinidad para crear un mundo donde la muerte deje de existir y los seres queridos queridos puedan volver a la vida. A priori, algo demasiado bonito para ser verdad.

Los doce episodios de 25-30 minutos de duración son como un caramelo en la puerta de un colegio. Me gusta mucho cómo cada episodio plantea su propia misión mientras construye la narrativa principal de la serie. En ese sentido, que el grupo empiece separado y, excepto Scalan, no llegue a reunirse hasta el tercer episodio, me parece un acierto narrativo total. Mostrando cómo hay historias que funcionan mejor como película, y otras que sólo pueden ser contadas con la estructura de serie de televisión.

Aunque la tercera temporada terminó con un final feliz, en realidad no todo era perfecto, porque Vax sigue sufriendo un envenenamiento progresivo desde que adquirió los poderes de la Matron of Ravens, la diosa de la Muerte. A cambio de ellos, Vax prometió que moriría una vez cumpliera una última misión para ella, y ese momento está cada vez más próximo.

La otra protagonista que más sufre en esta temporada es Pike, al sentir que su fe hacia la diosa Everlight la abandona, en un momento en que va a sufrir una pérdida familiar que encenderá un fuego abrasador en su interior, aumentado al sentir que amigos también la han abandonado y no se preocupan por sus sentimientos o su bienestar.

Junto a momentos dramáticos, la serie plantea un buen equilibrio con la comedia. Por supuesto con Grog el fortachón. Al que tenemos que sumar la figura de Taryon Darrington, un hijo que quiere mostrar su valía a su tirano padre que en realidad se cree que es el puto amo cuando en realidad es alguien bastante patético.

Vox Machina se enfrentan ante un culto de villanos super poderosos que no pueden morir, al ser revividos una y otra vez por The Whisperer One. Frente a la impresionante amenaza que significaron los dragones de la temporada 3, The Children of Truth ofrecen un tipo de amenaza diferente, pero igual de peligrosa. En la que la supervivencia de todos los héroes no está garantizada.

El climax en la dimensión de  Thar Amphala donde The Whisperer One va a ascender a la divinidad es una barbaridad. Sobre todo cuando un miembro del grupo acepte las explicaciones del líder del culto para cambiar la realidad por otra donde la muerte no afecte a sus seres queridos. Esto añadirá una dosis de dramatismo increíble a un climax que estaba siendo ya increíble por los combates de todos contra todos. Porque el combate va a ser entre amigos.

El giro final con el que termina la temporada me parece memorable. Vox Machina empezó la temporada siendo héroes para todo Exandria. Estaban en lo más alto, y van a terminar en lo más bajo. Porque sus apuestas del todo por el todo en algún momento tenía que acabar en cruz. Y ahora, todo el reino sufrirá. Menudo final.

Nada más terminar la serie me puse a buscar y afortunadamente Prime ha confirmado la producción de una quinta y última temporada. Pensando en temporadas anteriores, el tiempo de espera fue de un año, esperemos que esto se cumple y en 2027 podamos conocer el final de la historia. Mientras, siempre puedo sacia mi sed de Dungeons & Dragons con The Mighty Nein, el spin-of con la segunda campaña de Critical Role, ambientada 20 años después de esta serie, cuya primera temporada está disponible desde hace unos meses. Y que por unas cosas o por otras no me puse a verla. Igual el momento de verla es ahora.

Comparto el trailer de esta cuarta temporada de La leyenda de Vox Machina:

Éxito absoluto de la cuarta temporada de La leyenda de Vox Machina. Esperemos que no tarden en estrenar la quinta, porque ¡Qué final!!!

PUNTUACIÓN: 9/10

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Películas

Crítica de Akira de Katsuhiro Otomo

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Tenía muchísimas ganas de volver a ver  enpantalla grande Akira, la obra maestra de Katsuhiro Otomo estrenada originalmente japón en 1988. Y la experiencia ha sido una pasada.

PUNTUACIÓN: OBRA MAESTRA

Año 2019. Neo-Tokyo es una ciudad construida sobre las ruinas de la antigua capital japonesa destruida tras la Tercera Guerra Mundial. Japón es un país al borde del colapso que sufre continuas crisis políticas. En secreto, un equipo de científicos ha reanudado por orden del ejército un experimento para encontrar a individuos que puedan controlar el arma definitiva: una fuerza denominada ‘la energía absoluta’. Pero los habitantes de Neo-Tokyo tienen otras cosas de las que preocuparse. Uno de ellos es Kaneda, un joven pandillero líder de una banda de motoristas. Durante una pelea, su mejor amigo, Tetsuo, sufre un extraño accidente y termina ingresado en unas instalaciones militares. Allí los científicos descubrirán que es el poseedor de la energía absoluta. Pero Tetsuo, que no se resigna a convertirse en un conejillo de indias, muy pronto se convertirá en la amenaza más grande que el mundo ha conocido. (FILMAFFINITY)

Katsuhiro Ōtomo (Hasama, 1954), es un dibujante de manga, director de anime, y guionista tanto de manga como anime. Se le conoce principalmente por ser el director de Akira (1988), una de las películas más influyentes del anime, así como por ser el artista/guionista del manga homónimo (1982-1990). Más allá de Akira, Otomo dirigió, codirigió, produjo, escribió y guionizó películas reconocidas como Roujin Z (1991), Memories (1995), Metrópolis (2001) y Steamboy (2004).

Otomo escribió el guion de esta adaptación de su manga junto a Izō Hashimoto. La música es de Shoji Yamashiro, el sonido de Tokuya Shimada, la fotografía de Katsuji Misawa y el montaje de Takeshi Seyama. La película tiene 124 minutos de duración, muchísimo para la época. En su momento fue la producción más cara de la historia de Japón, teniendo que juntarse las empresas más importantes del entretenimiento japonés para juntas los casi 1000 millones de yenes que costó su creación. Un importa que fue recuperado debido al enorme éxito de crítica y público sobre todo en Japón.

La película de Akira se estrenó en Japón en 1988, aunque tardó años en llegar a Europa y en concreto a España. Es importante tener en cuenta que esta película se estrenó casi dos años antes que Otomo cuncluyera el manga, por lo que la historia tomó un camino separado. Dentro que muchos elementos parecen elementos resumidos de tramas vistas en la primera mitad del manga.

Vi Akira en 1992 en Barcelona aprovechando un viaje al Salón del Comic. La película de Katsuhiro Otomo me voló la cabeza y puede decirse que fue la puerta de entrada hacia las posibilidades narrativas y expresivas de las obras hechas en Japón. Si, por supuesto unos años antes se uní la la fiebre por Bola de Drac gracias a la emisión de TV3, pero Akira estaba a otro nivel. A lo largo de los años he leído un par de veces el manga y he visto varias veces la película, pero tenía muchas ganas de poder volver a ver la película gracias al reestreno de esta nueva versión remasterizada en 4K. Y la experiencia ha sido increíble.

La película en su momento fue un hito para el mundo de la animación. Es impresionante pensar en que cada fotograma de la película es una imagen dibujada a mano por una persona. El nivel de detalle de cada fotograma es mayor a cualquier cosa que pueda ser expresado. Las imágenes de Neo-Tokio, las manifestaciones y la represión policial, Los peleas de motos entre bandas rivales. Y por supuesto, la transformación de Tetsuo en un ser superpoderoso gigante. No hay palabras.

Comentaba que en su momento Akira fue la producción más cara de una película de anime estrenada en el cine. Y lo cierto es que todo eso lucía en pantalla. Desde luego yo nunca había visto algo así. Por supuesto, resulta super llamativa la hiper violencia de la película. De nuevo, algo poco habitual de ver en una película de animación. El nivel de muertes de la película es acojonante, impactando sobre todo las muertes causadas por Tetsu en el cuarto final de película, cuando su poder se desencadena. Pero las muertes causadas por la policía también son momentos super chungos.

La animación sigue siendo revolucionaria, y me ha volado la cabeza. Pero ha sido también una pasada volver a ver una película con una historia con múltiples jugadores en la que en realidad no puedes decir nunca que uno es el «bueno» y otro el «malo». Como en la vida real, tenemos a gente egoísta haciendo cosas por su propio interés que chocan con los deseos de otras personas.

Al acabar la película, un chaval sentado detrás mío comentaba a su grupo que no se había enterado de nada. Está claro que yo he visto la película varias veces, aparte de leído el manga. Pero diría que la película SI ofrece los detalles justos para que el espectador se haga con una idea general lo compleja de la situación política de Japón en 2019, cuando Tetsuo adquirirá sus poderes tras un accidente de moto y un encuentro con Takashi, un niño esper huido del laboratorio del gobierno donde vive.

Tras ser destruida Tokio en 1988 por el despertar de Akira, 2019 es un momento convulso en el que el país está a punto de caer en una dictadura militar debido a parálisis del gobierno. Al mismo tiempo, grupos extremistas quieren provocar una revolución que ni siquiera ellos saben cual es, mientras que políticos ambiciosos buscan aprovechar ese descontento en su propio beneficio. Al mismo tiempo, las sectas religiosas piden también una revolución. Y por si fuera poco, científicos embobados por el «sueño del descubrimiento» van a provocar una matanza al tratar con fuerzas que no pueden controlar, demostrando que no escarmentados con la primera masacre de 1988 que destruyó Tokyo por primera vez. De una manera u otra, todos van a conseguir lo que deseaban, pero los resultados no van a ser como ellos esperaban, al provocarse una nueva masacre que casi aniquila todo Tokio por segunda vez.

Otra de las cosas más llamativas para mi de Akira es ver una película en la que tenemos protagonistas, Kaneda y Tetsuo, pero desde luego no tenemos «héroes» ni «villanos». De hecho, Kaneda es un gilipollas macho alpha que trata mal a sus amigos. Y aunque intenta rescatar a Tetsuo tras ser detenido por el ejército, luego se enfada como lo haría un niño orgulloso de 10 años cuando Tetsuo rechaza su ayuda porque sus poderes le han convertido en más poderoso que él. Que Kaneda esté acostumbrado a mandar y no pueda mandarle a Tetsuo y por eso se enfade con él y busque matarle, me parece uno de los muchísimos detalles super complejos de la película que justifica su calificación para adultos. Calificación que una parte es por la violencia extrema y los momentos sexuales. Pero también por una historia super compleja, mucho más compleja que la media de películas occidentales de la época.

También Tetsuo merece un comentario, al ser un chaval con una infancia dramática al ser abandonado por su padre. Tetsuo vivió a la sombra de Kaneda odiándole y odiándose a si mismo por no poder defenderse por si mismo. Cuando reciba los poderes, vas a significar un chute de autoestima que va a provocar una masacre brutal. Kaneda puede ser una víctima de la sociedad brutal, pero al final eso por si sólo tampoco justifica sus acciones a lo largo de la película.

Dentro de los temas de la película, una parte por supuesto es el miedo nuclear, que sigue super presente en la sociedad japonesa. El miedo hacia los poderes de un estado onmipotente también está muy presente en la obra, como los problemas credos por científicos que juegan a ser Dios intentando controlar poderes que son incontrolables y que van a provocar la tragedia. Experimentando en niños inocentes, no nos olvidemos. Los problemas de la sociedad moderna en la que los jóvenes no encuentran su lugar dentro de la sociedad es otra idea muy potente de esta película.

Por todo esto y más cosas que podrían decirse de AKIRA, no tengo duda que estamos ante una OBRA MAESTRA ABSOLUTA del cine que ha aguantado de forma increíble el paso del tiempo.

Comparto el trailer de la película:

Volver a ver Akira en pantalla grande ha sido una maravilla. OBRA MAESTRA con todas las de la ley.

PUNTUACIÓN: OBRA MAESTRA

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Comics,Series TV

Reflexiones de Domingo 14/2026: X-Men ´97 deja en mal lugar a los comics Marvel actuales

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¡Feliz Domingo! Disney+ empezó a emitir la segunda temporada de la serie de animación X-Men ´97, que me está gustando bastante. Y viendo estos episodios y este universo en expansión y contenido en esta serie, no podía dejar de pensar en cómo el éxito de esta serie está dejando en mal lugar a los actuales editores de Marvel, que hace años que no saben publicar un comic que sea la mitad de bueno que esta serie de televisión.

No se si lo he comentado alguna vez, pero nunca vi la serie de animación de los años 90. En primer lugar, porque en esos momentos mi vida era muy complicada con la universidad, los estudios, el balonmano, mi afición a los comics y la vida en el mundo real. En realidad no tenía tiempo de ver televisión, pero esta serie en concreto me parecía un poco una herejía que como mucho era un trailer de algo mejor que ya había leído muchas veces. Y si nunca iba a ser mejor que los comics originales, ¿Qué sentido tenía ver la serie de televisión? No lo tenía, y por eso nunca la vi, ni siquiera ahora. Aparte de la falta de tiempo.

A pesar de todo lo anterior, hace dos años si me animé a ver la primera temporada de X-Men ´97 emitida en Disney+. Y la verdad es que me gustó, y me di cuenta que su principal virtud es tener el corazón en el sitio correcto. Sin embargo, esta temporada globalmente me parece que repetía en parte lo que hizo que no quisiera ver la serie en un principio, y es que quema arcos argumentales en un episodio, dejándote la sensación que estando bien, podría haber estado mejor si hubiera tenido una mayor extensión. Como en los comics, vaya. Si te interesa saber todo lo que me funcionó y lo que no de esta primera temporada, te invito a que leas mi largo artículo de 2024, que puedes leer aquí.

Dos años después, la segunda temporada de X-Men ´97 empieza donde se quedó la serie, con dos grupos de X-Men perdidos en el tiempo. Un grupo con Cíclope y Jean Grey en el lejano futuro donde coincidirán con su hijo Nathan, que está destinado a convertirse en Cable, y otro grupo con Charles Xavier y Magneto entre otros en el lejano pasado en el que Rama Tut dominaba Egipto, que vio el nacimiento de Apocalipsis. Y mientras, en el presente, Cable tendrá que formar a su X-Force para llenar el vacío existente e impedir la victoria de Apocalipsis.

De momento, Disney+ ha emitido 4 episodios, que me han parecido super entretenidos. Cada episodio ha contado una buena historia sin que sintiera que estaban «quemando» tramas, como en algún momento de la primera temporada. Pensando en el enorme giro final del cuarto episodio, creo que estamos ante una serie genial que transmite el carisma y la personalidad de los protagonistas y que traslada de forma acertada los motivos por los que los X-Men de Chris Claremont son uno de comics más míticos de Marvel Comics. El éxito para mi es absoluto.

La fuente del conflicto llegó con este twit:

Y aunque respeto al máximo la opinión de Master Wayne, en realidad no estaba nada de acuerdo con la segunda parte de su razonamiento. Si con el primero, porque X-Men ´97 me está gustando cada vez más. Lo que provocó que le respondiera en Twitter, algo que ha acabado siendo el germen de este artículo en el que voy a exponer mis ideas de forma más adecuada.

El primer elemento con el que no estaba de acuerdo es que para que la serie de animación de Disney+ promociona los comics Marvel, los comics tendrían que ser remotamente similares a la serie de animación, cosa que no sucede. De hecho, no pueden ser más diferentes, lo que provoca la confusión del posible lector. Hay ejemplos a patadas que una película o serie puede provocar un aumento exponencial del comic que adapta. Por ejemplo, Scott Pilgrim. O los comics de The Walking Dead e Invencible de Robert Kirkman. Sin embargo, a lo largo de los años hemos visto que el éxito de Los Vengadores del MCU no se trasladó a un aumento de los comics, que se encontraban en momentos super diferentes con alineaciones que no tenían nada que ver. Por lo tanto, NO. El éxito de esta serie no va a generar un aumento de ventas de los comics.

E incluso en el caso que un espectador despistado entrara a una librería especializada tras ver la serie de animación, no me creo que se ponga a comprar omnibuses de 50-60 euracos. No uno, varios. Que son ahora mismo la única opción disponible para que los nuevos lectores compren en USA y en España los comics míticos de Claremont y Byrne. No lo veo tampoco.

Sobre el Marvel Unlimited, aprovechando el twit con la imagen de la miniserie The Adventures of Cyclops and Phoenix de Scott Lobdel y Gene Ha que narraba las aventura en la línea temporal futura con un joven Nathan, para que un lector novato pueda leerla primero tiene que saber que existe. O si no nunca podrá buscarla dentro del buscador de la web. Para un espectador no acostumbrado a las dinámicas de los universos compartidos, la idea de que una historia empiece en una colección y tengas que saltar a otra para saber el final es una locura incomprensible. Que hace que la lectura de estos comics sea complicada e imagino frustrante.

En resumen, la idea que «la serie sirve para vender más comics» es más un wishful-thinking de lectores veteranos que una política llevada a cabo por los ejecutivos de Disney. Unos ejecutivos que en realidad sólo piensan en su negocio, que es hacer buenas series que provoquen que los espectadores nos suscribamos a Disney+ y mantengamos la suscripción y no la cancelemos tras ver una película o serie concrera.

De hecho, diría que unos de los motivos fundamentales por los que X-Men ´97 gusta tanto es porque tienes toda la experiencia contenida en una única serie. Ni spin-ofs, ni crossovers con otras cosas, el ideal de narrativa comiquera que ya no existe en los comics Marvel.

Y es ahora que llegamos al quid de la cuestión. X-Men ´97 es una serie estupenda que recrea el espíritu de aventura de los comics originales, con unos personajes maravillosos por los que te preocupas y con los que compartes su drama. Haciéndoles en algunos casos más guapos de lo que jamás fueron en los comics. Por ejemplo, la forma en que Júbilo da caña a los agentes de SHIELD en el segundo episodio de esta temporada, que mola mil. X-Men ´97 es un acierto total que nos da el entretenimiento que los comics Marvel no nos dan desde hace años.

Porque los comics Marvel están tan cegados con su agenda identitaria y su «importancia» social que se han olvidado en ser DISFRUTABLES. Y que han generado personajes olvidables que nos intentan vender no porque sean buenos personajes con historias y poderes interesantes, sino porque pertenecen al grupo identitario «importante» que quieren destacar en cada momento. Por eso la mayoría de personajes nuevos no están calando en los lectores, y cada vez menos lectores se animan no a comprar, ni siquiera a leer, el décimo reinicio de Capitana Marvel.

La serie de X-Men ´97 está respetando una historia y una continuidad líneal clara en un momento en que a Marvel parece que le moleste la continuidad. Algo que está provocando el rechazo de los lectores veteranos entre los que me incluyo. Aparte que ¿Para qué leer el siguiente evento de chorrocientos números que no va a importar a nadie? ¿O el siguiente reinicio que el siguiente equipo creativo que llegue a la colección va a desechar como si no hubiera sucedido? Si no les importa a los editores, ¿Por qué tendría que importarnos a los lectores? Por eso los lectores ni siquiera empezamos a comprar comics que pintan cutres debido a los autores mediocres contratados, y que todo sugiere que se cancelará en seis meses.

Durante años, algunos editores y escritores de Marvel se dedicaron a insultar a los lectores a los que luego pedían que gastaran su dinero para comprar sus comics. Tom Brevoort ha dicho (con razón) que si un comic no te gusta, lo mejor que puedes hacer en no comprarlo, porque no todos los comics tienen que ser para todo el mundo. Brevoort decía esto al mismo tiempo que afirmaba (también con razón) que prefería a los fans indignados que a los indiferentes. Porque si un fan se enfadaba con una determinada historia, es porque tenía una conexión emocional con ese personaje. Lo que pasa es que tras años de insultos, los lectores han hecho caso a Brevoort y están dejando de comprar comics ciertamente infumables. Y por eso mismo Marvel no consigue extender la mayoría de sus colecciones más allá de los 10 números, cancelando muchas a los cinco o seis números. No de personajes de segunda o tercera fila, también de Spider-Man. Como vimos en la petición desesperada de Dan Slott para que se pidiera su última colección o Marvel la cancelaría. El mismo Slott que hace unos años se reía públicamente de cualquier lector que planteara una crítica a su trabajo en Spider-Man. ¡Cómo han cambiado los tiempos!

El problema de diversidad está provocando que Marvel esté contratando a escritores y dibujantes no porque sean buenos profesionales en lo suyo, sino por pertenecer al grupo identitario correcto. De forma que da igual si Eve L. Ewing escribe comics aburridísimos para Exceptional X-Men, hablamos de una mujer afroamericana, el ideal de diversidad ahora mismo para cualquier empresa americana. Y lo mismo hemos visto con escritores y escritoras cuyo único mérito para ser contratados fue pertenecer al colectivo LGTBQ+. Normal que sus comics no haya quien los lea. O no respeten la historia de los personajes. Es que esas personas no quieren crear buenos comics, sino hablar de lo suyo. Algo que sería super respetable si lo hiciera en un comic de creación propia, pero no cuando cambian la esencia de personajes muy queridos por los lectores. Que Marvel contrate según criterios de «diversidad» que están por delante de la propia calidad individual de cada persona explica también el desastre en el que se ha convertido la actual Marvel Comics.

De forma que si. X-Men ´97 está dejando en mal lugar a Marvel Comics. Porque nos está recodando que no es tan difícil hacer buenas historias de los X-Men. Lo anómalo no es que la serie de animación de Disney+ sea buena, es que los comics Marvel estén siendo tan malos a lo largo de tanto tiempo. Sin que Marvel muestre síntomas de cambio de rumbo o de intentar escuchar la opinión y los gustos de los lectores compradores. Por eso mismo, ¿para qué leer un comic de X-Men de Gail Simone que es decepcionante casi siempre y desaprovecha a sus teóricos protagonistas, cuando puedes ver brillar a esos mismos personajes en la serie de televisión? Es que no hay color.

Aparte que la respuesta de Marvel ante las bajas ventas y la deficiente calidad media de sus comics esté siendo ampliar los eventos y las historias supuestamente «importantes», hasta el punto de solapar varias al mismo tiempo, es justo lo contrario que deberían hacer si realmente su objetivo es «hacer buenos comics». No, su objetivo cortoplacista pasa por vender todas las portadas alternativas posibles, que dejan claro que la parte de lectura de sus comics ha perdido la pelea frente a la vertiente coleccionista.

El orgullo es algo muy malo. Pero Marvel debería aprender las lecciones de esta serie de animación para intentar mejorar su línea editorial. Y digo esto porque la serie la está haciendo una empresa «hermana» de la Marvel Comics, al pertenecer todos a Disney. Porque lo que es imposible es que Marvel vaya a mirar lo que DC está haciendo bien para intentar copiarlo. Que es algo tan revolucionario cómo plantear comics con equipos creativos perfectos para ese personaje concreto, dando la misma importancia al dibujante que al escritor. Lamentablemente, no creo que vaya a suceder.

Mientras eso no pase, al menos podré seguir viendo X-Men `97.

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Películas

Crítica de Minions & Monsters de Pierre Coffin

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Minions & Monsters es la séptima película de la franquicia de Gru / Minions. Y la película de Pierre Coffin me ha sorprendido con su chulísima carta de amor a la industria del cine y su historia.

PUNTUACIÓN: 8/10

La historia de cómo los Minions conquistaron Hollywood, se convirtieron en estrellas de cine, lo perdieron todo, desataron monstruos en el mundo y luego se unieron para intentar salvar al planeta del caos que acababan de crear.

Pierre-Louis Padang Coffin (Francia, 1967) es un animador, director, productor, guionista y actor de doblaje francés. Es conocido sobre todo por haber codirigido las cuatro primeras entregas de la saga «Gru, mi villano favorito» y por ser el cocreador y la voz principal de todos los Minions.

Minions & Monsters está dirigida por Pierre Coffin, con guion de Coffin y Brian Lynch. Como las anteriores películas de la seria, está producida por Illumination, y es la tercera entrega de la serie de precuelas de Minions y la séptima entrega en total de la franquicia Gru, mi villano favorito.

La película de apenas 85 minutos de duración cuenta con un montaje de Gregory Perler y música de John Powell. Contando que tiene un presupuesto de 85 millones de dólares, muy alejado de los costes de las películas de Disney o Pixar, la película tiene asegurada su rentabilidad, lo que asegura que la franquicia de Gru va a tener continuación en cuanto piensen la siguiente historia de estos alocados personajes.

En las voces originales tenemos de nuevo al director Pierre Coffin haciendo las voces de todos los Minion. Trey Parker es Goomi, un monstruo parecido a Cthulhu cuyo nombre completo es Gary Orcam Oliver Magma Ichabod el Engañador; Allison Janney pone la voz a Olivia, una guía turística; Christoph Waltz es Max, un director de cine que contrata a los Minions para que protagonicen sus películas; y Jesse Eisenberg interpreta a Dort, un robot extraterrestre al que los Minions ven como su posible jefe, y Jeff Bridges en el papel de Frank y Elwood Bright, hermanos gemelos y jefes de un estudio de cine.

Una de las cosas más interesantes de inicio de esta Minions & Monsters es que presenta nuevos protagonistas que sustituyen a los habituales Kevin, Stuart y Bob. Dentro de ser una película de Minions con las habituales locuras y gags visuales de los bichos amarillos, los nuevos protagonistas resultan un acierto total.  James, es un Minion de ojos azules al que le encanta crear arte y que descubre su pasión por el cine. Luego tenemos a Henry, el mejor amigo de James, Ed, un Minion sordo que se comunica mediante el lenguaje de signos; y Dick, un Minion alto que es el teórico líder de esta tribu de Minions.

El propio concepto de la existencia de diferentes tribus de minions por el mundo (y por el tiempo) buscando a su jefe malvado, abre la posibilidad para poder ampliar las posibilidades de esta exitosa franquicia de animación. En este sentido, el comienzo de la película se siente como una repetición de la primera película de Minions, al ver cómo los minions se van cargando a todos los jefes malvados que van encontrando a lo largo de la historia. Aunque todo lo que tiene de repetición lo tiene de divertido, con unos gags visuales super graciosos.

A partir de este prólogo, Minions & Monsters se eleva por encima de lo esperado gracias a la parte principal de la historia. Los Minions llegan por accidente a un Hollywood idealizado de los años 20 o primeros 30, y allí James se enamora del mundo del cine. Aquí es cuando llega la genialidad de la película, dado que Pierre Coffin plantea una carta de amor hacia la historia del cine. Los Minions se inspiran muchísimo en los gags visuales del cine mudo, de maestros como Harold Lloyd o Charles Chaplin. Que la película les homenajee resulta emocionante a la vez que super divertido.

Los homenajes al cine clásico son muchos y muy diversos. Y esto me parece super llamativo, porque a la larga creo que es lo que hizo que Minions & Monsters me gustara a mi mucho más que a mi hijo. Porque yo reconocía los homenajes pero él no. Esta idea de película de cine familiar que gusta a los niños y también a los padres conecta con los clásicos de Disney y Pixar, y es la estrategia perfecta para conseguir que los padres sigamos llevando a nuestros hijos al cine a ver las siguientes.

La carta de amor al Hollywood clásico da un paso a un lado para poner en marcha la historia principal. James quiere hacer una película, y para ello seguirá el consejo de su nuevo amigo Goomi, un monstruo de inspiración lovecraftiana que le sugiere a James que invoque a más monstruos amigos suyos para que protagonicen la película. Por supuesto, como buen monstruo que es, la intención de Goomi es despertar a unos hermanos que conectan con los mitos de Cthulhu para que le ayuden a destruir el mundo. Lo que nos llevará al brillante climax final.

Si hablaba del homenaje a la historia del cine es también porque Minions & Monsters no se queda en los años 20/30, sino que amplía su ámbito de influencia al irse a los 50 para ver su versión de Ultimatum a la Tierra o las películas de monstruos que culminaron en las películas de Godzilla y de kaijus. La combinación es una locura, pero una locura que funciona. Y que es super divertida.

Otra de las virtudes de Minions & Monsters es su duración. Pierre Coffin nos sobrecarga con gags visuales que hacen que siempre estén pasando varias cosas en pantalla al mismo tiempo. Por ejemplo, en los primeros rodajes de películas con minions, donde te das cuenta que te estas perdiendo algo. Y que sirven de contrapunto de una historia muy sencilla que va directa al grano. Me gusta mucho la forma en que la película no busca alargar una historia no que da más de si. Y que en realidad son varias historias conectadas un poco por los pelos. Con todo, el giro final con la idea de «cine dentro de cine» me parece brillante y consiguió dejarme super satisfecho.

Me parece digno de elogio que la séptima película de una franquicia haya conseguido plantear nuevos temas de forma tan divertida para toda la familia. Algo que asegura el futuro de los minions en la gran pantalla. No esperaba pasármelo tan bien como lo he hecho, y me parece una maravilla.

Comparto el trailer de la película:

Minions & Monsters es un triunfo absoluto y super sorprendente. Manteniendo este nivel, confirmo que veré seguro la siguiente película del estudio Illumination.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Toy Story 5 de Andrew Stanton

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Siete años después de Toy Story 4 nos llega la quinta parte dirigida por Andrew Stanton.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Los juguetes están de vuelta. Esta vez, Buzz Lightyear, Woody, Jessie y el resto de la pandilla se enfrentan a un nuevo reto cuando conocen a Lilypad, una nueva tablet que llega con sus propias ideas disruptivas sobre lo que es mejor para Bonnie. ¿Volverá a ser lo mismo la hora de jugar?

Andrew Ayers Stanton (Massachusetts, 1965) es un cineasta, animador y actor de doblaje estadounidense. Es conocido sobre todo por ser el director y coguionista de las películas de animación de Pixar «Buscando a Nemo» (2003), «WALL-E» (2008), «Buscando a Dory» (2016) y «Toy Story 5» (2026). También dirigió y coescribió la película de acción real John Carter (2012) para Walt Disney Pictures y dirigió la película de acción real In the Blink of an Eye (2026) para Searchlight Pictures. Para Pixar, Stanton fue además codirector y coguionista de «Bichos» (1998), coguionista de las cuatro primeras películas de «Toy Story» (1995-2019) y de «Monsters, Inc.» (2001).

Stanton escribe el guion de Toy Story 5 junto a Kenna Harris, a partir de una historia se Stanton. La película de 102 minutos de duración cuenta con fotografía de Matt Aspbury y Jean-Claude Kalache; montaje de Jennifer Jew y música de Randy Newman. Destaca además el enorme presupuesto de 250 millones de dólares, que sin embargo no va a impedir que Disney tenga un gran éxito económico con la película.

En las voces originales tenemos a Tom Hanks como Woody, Tim Allen como Buzz Lightyear y Joan Cusack como Jessie. El resto de voces son Conan O’Brien como Smarty Pants, un juguete para aprender a ir al baño; Greta Lee como Lilypad «Lily», una tableta con forma de rana que se convierte en el nuevo juguete favorito de Bonnie; Scarlett Spears como Bonnie; Shelby Rabara como Snappy, una cámara de juguete muy vivaz; y Mykal-Michelle Harris como Blaze Manoukian, una niña de 8 años a la que le encantan los animales.

Cuando se anunció Toy Story 5 las redes sociales ardieron de escepticismo, ante lo que se calificaba ante un sacacuartos por parte de Pixar y Disnay. Y dentro que en parte obviamente si la película se confirma es precisamente porque se espera que genere grandes beneficios, en mi opinión había una clave que me hacía tener toda la confianza. Y era que Andrew Stanton estaba implicado en la película. No solo implicado, sino que iba a ser la cabeza pensante de Toy Story 5. Si había acertado con las 4 películas anteriores, ¿Por qué no iba acertar con esta?

Y me alegra poder decir que Toy Story 5 es una película genial. Andrew Stanton vuelve a regalarnos un éxito que gustará a toda la familia, en la mejor tradición de las primeras películas de Pixar. Lo cual no evita que esta quinta parte sea la peor hasta la fecha. Pero es que las 4 primeras son demasiado buenas. En todo caso, que sea la menos buena no impide que la película esté muy bien.

Toy Story 4 fue la película de Woody. Toy Story 5 es la película de Jessie. En ella, Bonnie sufre porque no consigue hacerse amiga de los niños del barrio. Ante esta situación, los padres de Bonnie la comprarán una tablet Lilypad para que empiece a jugar y hacer amigos online. Esto provocará que Jessie y el resto de juguetes se vean relegados. Para Jessie, abre la puerta a repetir un trauma que ya vivió varias veces en el pasado, cuando su niña creció y dejó de jugar con ella.

Jesse no acepta perder a Bonnie y lo intentará todo para que las cosas vuelvan a ser como antes. Pero las cosas no salen como ella querría, y por accidente Jesse acaba perdida en su antigua casa, donde conocerá a Blaze, la niña que vive en la granja y que sería la amiga perfecta para Bonnie, si alguna vez llegaran a conocerse.

Como en las mejores películas de Pixar, la historia está super pensada a varios niveles, diversión para los niños y temas candentes para los niños. Por un lado tenemos el tema de fondo de ver cómo los hábitos de juegos de los niños han cambiado con la llegada de la tecnología. Pero esto es Toy Story, y Lilypad en realidad NO es malvada, ella también busca la felicidad de Bonnie, e intenta ayudarla con las herramientas que tiene: Los juegos online y los chats donde se conectan los niños. De alguna manera, como pasó en Toy Story 4, es llamativo que no hayan realmente villanos en esta historia, siendo las peripecias de Jessie las que provoquen los distintos giros y el drama principal de la película. Junto al de Bonnie, claro.

La película me ha gustado. Pero tengo que decir que hay un elemento que me ha parecido bastante rastrero por parte de Disney-Pixar. Y es que si os habéis fijado en mi resumen libre de spoilers, esta es la película de Jessie y Bonnie. Y sin embargo, el trailer y la promoción de la película nos venden un protagonismo que Woody y Buzz que no se corresponde con lo que es la película. Y me da que los productores de Disney / Pixar sabían que para el éxito comercial de la película había que vender a Woody y Buzz porque son los personajes más populares de la película. A miles de kilómetros de Jessie, cuyo carisma se queda muy corto comparado con el de los clásicos personajes. Por eso, los gags protagonizados por ambos que aparecen en el trailer con prácticamente todas las apariciones de ambos en la película. Un detalle muy feo, en mi opinión.

Sobre todo porque Woody fue el protagonista absoluto de Toy Story 4, y Buzz Lightyear ya tuvo su propia película, completamente fallida por cierto. Que Jessie sea la protagonista de este película es perfectamente normal, pero tendrían que haberlo dejado claro.

Una vez hice esta apreciación, como digo la película me ha gustado bastante. La animación es increíble como siempre, con un nivel de detalle y perfección que me vuela la cabeza. Hablaba del desproporcionado presupuesto de la película de Pixar, pero en cuanto a calidad de imagen y sonido, Toy Story 5 es de diez.

La duración de 100 minutos es perfecta para la historia, con el drama y los toques de humor perfectamente dosificados. La resolución es super emocionante y deja a los espectadores de todas las edades con un buen sabor de boca. Hasta el punto que si dentro de otros ochos años Pixar plantea hacer una Toy Story 6, si Stanton sigue involucrado la veré seguro.

Cuando una película gusta, los espectadores queremos ver la siguientes. Es tan simple como eso. E independientemente de la historia que planteasen, las familias íbamos a acudir en masa a ver esta Toy Story 5. Digo esto porque cada cierto tiempo se habla del «agotamiento del cine de franquicias de entretenimiento». Y en realidad, lo que los espectadores rechazamos son las malas películas.

Visto además el resultado de esta Toy Story 5, no tengo duda que la sexta película será igual de exitosa. Y no pasa nada con que esta película sea la más floja de una serie que ha rozado el sobresaliente. El objetivo de entretenimiento está mas que conseguido.

Comparto el trailer de la película:

Toy Story5 es una película superdivertida que cumple su objetivo de entretenimiento. Volveré para ver la sexta.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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