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Crítica de Otra ronda, de Thomas Vinterberg

Me ha dejado muy pillado Otra ronda, la película de Thomas Vinterberg sobre la cultura del alcohol en Dinamarca, con un Mads Mikkelsen en modo DIOS de la interpretación y que ganó el Oscar a Mejor Película de Habla No Inglesa.

PUNTUACIÓN: 8/10

Cuatro profesores de instituto se embarcan en un experimento sociológico en el que cada uno de ellos deberá mantener la tasa de alcohol en su cuerpo al mismo nivel, durante su vida diaria, intentando demostrar de esa manera que pueden mejorar en todos los aspectos de su vida.

Thomas Vinterberg es un director de cine danés y cofundador del movimiento cinematográfico Dogma junto a Lars Von Triers. Un movimiento que buscaba emular a François Truffaut y sus ensayos en la revista francesa Cahiers du Cinéma que buscaron y en parte consiguieron cambiar la forma académica en que se valora el cine, algo que llega hasta nuestro días.

El Manifiesto del Dogma 95 y el Voto de Castidad planteaban una vuelta a los orígenes del cine y al naturalismo más extremo, rechazando todo lo que no fuera natural y rodado y grabado en ese mismo momento, no sólo el uso de efectos especiales visuales o la edición de sonido, sino incluso el uso de decorados, propugnando que todo debía rodarse el localizaciones reales, para dar el foco a las historias de personas reales.

Vinterberg es especialmente conocido por la celebración (1998), premio del jurado en el Festival de Cannes y aclamada por la crítica y el público. Esta película y Los Idiota de Lars Von Trier puede decirse que son las películas que inauguraron este estilo cinematográfico. It’s All About Love (2003), Querida Wendy (2005), En mand kommer hjem (2007), Submarino (2010), The Hunt (2012), Far from the Madding Crowd (2015) y La comuna (2016) forman el resto de su filmografia previa, en la que merece la pena indicar que en en muchas ocasiones no cumplió con los preceptos que él mismo desarrollo en sus “votos de castidad”, como es el uso de iluminación “cinematográfica” y no realista en varios momentos.

Otra ronda cuenta con guión de Vinterberg y Tobias Lindholm. El germén de la historia nace en una obra de teatro escrita por el propio Vinterberg, que fue modificada con historias de la cultura del alcohol de la juventud danesa que le contó a Vinterberg su propia hija Ida, que falleció durante el rodaje en un accidente de tráfico. Esta desgracia provocó que se modificara la historia para que no fuera sólo “una celebración del alcohol basada en la tesis de que la historia mundial habría sido diferente sin el alcohol” para convertirlo en una celebración de la vida: “No debería tratarse solo de beber. Se trataba de despertar a la vida”, en palabras del propio director.

La película de producción danesa cuenta con fotografía de Sturla Brandth Grøvlen, montaje de Anne Østerud y Janus Billeskov Jansen y música de Janus Billeskov Jansen. Otra ronda ha sido universalmente alabada por la crítica, consiguiendo además del Oscar a Mejor Película de Nabla No Inglesa, premios en el London Film Festival, en el Festival de San Sebastian, en el European Film Awards o en el British Academy Film Awards, entre otros galardones.

Mads Mikkelsen está espectacular como Martin, el deprimido protagonista sumido en una crisis de los cuarenta de libro. Sus tres amigos con los que compartirá experimente son Tommy (Thomas Bo Larsen), Peter (Lars Ranthe) y Nikolaj (Magnus Millang), junto a los que destacaría a Maria Bonnevie como Anika, la esposa de Martin, una mujer que vive una relación estancada por la monotonía.

Empezando por los elementos positivos, Mads Mikkelsen es una barbaridad y en esta película su despliegue interpretativo planteado desde el minimalismo me ha dejado loquísimo. Independientemente de todo lo demás, sólo verle a él ya justifica pagar el precio de la entrada para ver Otra ronda. Su personaje es el típico depresivo y víctima de la crisis de los 40, y vive una vida gris y desgraciada en la que dejó que sus sueños murieran por las preocupaciones de la vida real y su matrimonio está a punto de hacerlo también. Su cambio vital debido al experimento y el consumo de alcohol son el hilo conductor de toda la historia y permiten que Mikkelsen se luzca con una interpretación antológica.

Otro elemento loquísimo que me ha dejado muerto es ver la forma en que la cultura danesa no sólo tolera sino que casi alienta el consumo de alcohol entre la juventud y en general cómo está asentado en su sociedad, y no tanto en la danesa sino en toda la nórdica en general. Porque ese es el tema, inicialmente la película se planteó como una celebración del alcohol pero ha terminado siendo vendida como “No debería tratarse solo de beber. Se trataba de despertar a la vida.” Pero la gente aquí bebe, bebe muchísimo. Y también recuerdan que la vida merece ser vivida y disfrutada, pero con una copa en la mano.

La premisa del experimento me parece interesantísima de inicio y ver cómo al estar en el punto “chispa” los cuatro amigos son más brillantes, inteligentes y creativos me ha dejado muy loco. Además, la película nos recuerda a Hemingway o Churchill, grandes personajes cuyas vidas y creatividad estuvieron claramente ligados al alcohol, pero se olvida de todas las muertes que provoca el alcohol directamente por enfermedades derivadas de su consumo excesivo, o los los suicidios provocados por depresiones y otro tipo de enfermedades mentales directamente relacionadas con el alcohol.

Y el caso es que la película es super entretenida y me ha gustado verla a pesar que a priori por la temática no me llamaba mucho, con grandes interpretaciones y momentos impactantes dentro de la sensación de cotidianedad que tiene todo. Pero la apología del consumo de alcohol me parece casi hasta insultante.

De hecho, agradezco que el guión no caiga en atajos tramposos y nos muestre que aunque al principio el experimento funciona de maravilla y ellos son mejores personas y más brillantes, al final el experimento fracasa por el exceso de consumo de los cuatro, y que Martin no consigue salvar su matrimonio, que ya estaba condenado previamente. Además, que de cuatro personas una, el 25%, acabe alcoholizada y muerta, da igual si es por un accidente o por suicidio, es una barbaridad que no debería tomado con tanta ligereza y desparpajo.

Ahora bien, lo que me parece super asqueroso es cómo usan el alcohol para que un chaval apruebe un examen, lo que unido a la por otro lado brillante escena final vendría a resaltar la idea clave de la película, que el alcohol es bueno si se usa con moderación. Y si bebes en compañía, pues todos son más felices y no hay problema ninguno. Y no soy un santo y reconozco que en mi juventud salía de fiesta y alguna vez me emborraché, algo de lo no me siento orgulloso, pero no se si porque tengo un hijo pre-adolescente y este tema me preocupa, pero la banalización del consumo social excesivo del alcohol me preocupa, la verdad. Y el mensaje de la película es 100% ese.

Esto para mi supone un problema grave de la película, pero más allá de lo cuestionable de su mensaje, la verdad es que la película me gustó mucho. Me parece que está maravillosamente bien interpretada y rodada, con unas escenas que se sienten super reales y que podrían suceder sin duda en cualquier instituto o ciudad del norte de Europa. De hecho, quizá por la influencia del Dogma, esta película transmite verosimilitud y realismo por los cuatro costados, por lo que entiendo que el éxito de Vinterberg es bestial.

Comparto el trailer de la película:

Otra ronda me ha volado la cabeza y me ha hecho pensar sobre muchas cosas del mundo en que vivimos. Independientemente de que no esté de acuerdo con algunas de sus ideas claves, me parece un éxito rotundo.

PUNTUACIÓN: 8/10

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¡Saludos a todos!

Crítica de Van Gogh, a las puertas de la eternidad, de Julian Schnabel (Prime Video)

Pudiera parecer que Van Gogh está de moda en 2020, teniendo en cuenta que en las últimas fechas se han estrenado en las plataformas online dos estupendas películas inspiradas en su figura, la excelente Loving Vincent estrenada en Netflix, y la película que hoy quiero recomendar, Van Gogh, a las puertas de la eternidad, con un excelente Willen Dafoe, que acabo de descubrir en Prime Video.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

El pintor holandés post-impresionista, Van Gogh (Willem Dafoe), se mudó en 1886 a Francia, donde vivió un tiempo conociendo a miembros de la vanguardia incluyendo a Paul Gauguin (Oscar Isaac). Una época en la que pintó las obras maestras espectaculares que son reconocibles en todo el mundo hoy en día. (Filmaffinity)

El pintor y director neoyorkino Julian Schnabel dirigió esta película inspirado en la biografía Van Gogh: The Life, obra de Steven Naifeh y Gregory White Smith en la que se cuestionaba versión establecida de la muerte del artista, planteando que en lugar de un suicidio hubiera podido morir de forma accidental en un accidente con compañeros de bebida.

Schnabel planteaba la película como una historia sobre la relación entre el pintor y su obra, y como se relacionaba con la realidad a su alrededor. Schnabel escribió el guión con Jean-Claude Carrière y Louise Kugelberg, y además participó en el montaje de la película junto a Louise Kugelberg.

La película se rodó en 2017 en localizaciones de Arles, Bouches-du-Rhône y Auvers-sur-Oise, Francia, lugares donde Van Gogh vivió durante sus últimos años, contando con fotografía de Benoît Delhomme. Por último, merece también la pena destacar de música de Tatiana Lisovkaia.

La película se eleva de la media gracias a un reparto espectacular encabezado por Willen Dafoe, que realizó una extraordinario interpretación que fue premiada con la Copa Volpi al Mejor Actor en el 75 ° Festival Internacional de Cine de Venecia. Además, fue nominado para el Oscar al Mejor Actor y en los Globos de Oro al Mejor Actor en la categoría de drama.

Junto a Dafoe, tenemos a Rupert Friend como Theo van Gogh, hermano del artista, Mads Mikkelsen como El Sacerdote, Mathieu Amalric como el Dr. Paul Gachet que trató a Vicent, Emmanuelle Seigner como La Mujer de Arles/Madame Ginoux y por último, un ubicuo Oscar Isaac como Paul Gauguin.

Frente a la versión carismática, explosiva y airada de la versión de Kirk Douglas en la icónica película El Loco de pelo rojo (Vincent Minelli, 1956), lo que más me ha sorprendido de esta versión de Julian Schnabel es que retrata a un Van Gogh introspectivo y solitario, cuyo principal dolor provenía de la soledad, de no tener con quien hablar y compartir su arte, y de la incomprensión de los vecinos del pueblo donde vivió sus últimos meses, que le tomaban por un loco al no entender su arte, llegando a dudar incluso si realmente su obra tenía algún valor. Además, la película nos mete en la mente del pintor, sin rehuir su enfermedad mental y la confusión que le provocaba, aumentada por el abuso de la bebida.

Willen Dafoe expresó en varias entrevistas que “al interpretar a Vincent van Gogh , la pintura era la clave del personaje. Tenía que saber lo que estaba haciendo. El director, Julian Schnabel, decía: “Sostenga el pincel como una espada” y “No hay tal cosa como una mala marca”. Empecé a pensar que pintar es hacer una acumulación de marcas. Actuar es lo mismo: creas un personaje escena por escena. Es una serie de marcas que comienzan un ritmo, y ese ritmo te envía a donde necesitas ir”.

Rodar es escenarios reales me parece también un gran acierto, al poder mostrar los paisajes que probablemente vivió Van Gogh y que le sirvieron de fuente de inspiración, consiguiendo su excelente fotografía meternos de lleno en su obra.

La película me ha gustado y no le veo realmente nada negativo. Por decir algo, el visionado de dos películas tan similares en lo relativo a la historia como son Loving Vincent y esta Van Gogh, a las puertas de la eternidad, aunque visualmente sean super diferentes, hizo que varios elementos de la historia me resultaran un poco redundantes. No es problema de la película, que creo que cuenta todo muy bien, sino mío como espectados.

Comparto el trailer de la película:

Van Gogh, a las puertas de la eternidad es una notable película que arroja una nueva luz a la icónica imagen que tenemos del genial artista Vincent Van Gogh, y la recomiendo completamente, sobre todo si eres un amante de su obra.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

 

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¡Saludos a todos!

Crítica de Casino Royale, de Martin Campbell

En Abril tendría que haberse estrenado Sin tiempo para morir, la última película de Daniel Craig como James Bond. Aunque aún tendremos que esperar unos meses para verla, es un buen momento para recuperar Casino Royale, la primera película de Craig como 007 dirigida por el veterano Martin Campbell, que es una de las mejores películas de toda la serie.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

Fecha de estreno: 2006

Director: Martin Campbell

Guión: Neal Purvis, Robert Wade y Paul Haggis, basado en la novela Casino Royale de Ian Fleming

Interpretado por: Daniel Craig, Eva Green, Mads Mikkelsen, Judi Dench, Jeffrey Wright y Giancarlo Giannini.

La primera misión del agente británico James Bond (Daniel Craig) como agente 007 lo lleva hasta Le Chiffre (Mads Mikkelsen), banquero de los terroristas de todo el mundo. Para detenerlo y desmantelar la red terrorista, Bond debe derrotarlo en una arriesgada partida de póquer en el Casino Royale. Al principio a Bond le disgusta Vesper Lynd (Eva Green), la hermosa oficial del Tesoro que debe vigilar el dinero del gobierno. Pero, a medida que Bond y Vesper se ven obligados a defenderse juntos de los mortales ataques de Le Chiffre y sus secuaces, nace entre ellos una atracción mutua. (FILMAFFINITY)

La decisión de Pierce Brosnan de abandonar el papel de James Bond tras Die Another Day (2002, Lee Tamahori), su cuarta película protagonista, provocó que los productores Michael G. Wilson y Barbara Broccoli tuvieran que replantearse el futuro de la serie. Aprovechando el cambio de protagonista, decidieron actualizar completamente la franquicia aprovechando el argumento de la primera novela de Ian Fleming Casino Royale. Poder ver la primera misión de James Bond como 007, algo inédito hasta la fecha, crearía una nueva cronología que sería continuada por las siguientes películas.

Wilson y Broccoli contrataron a los guionistas , que ya habían escrito The world is not enough (1999), Die another day (2002) y que tras Casino Royale, también escribieron los guiones de Quantum of Solace (2008), Skyfall (2012) y Spectre (2012). El guión de Purvis y Wade fue afinado por Paul Haggis, director y guionista de Crash (2004) ganadora del Oscar a Mejor Película y Mejor Guión Original.

Martin Campbell fue elegido como director de Casino Royale debido a su solvencia como director de éxitos como La máscara del Zorro (1998), unido a su conocimiento del mundo de Bond al haber dirigido Golden Eye (1995), la primera película de Pierce Brosnan como 007.

Daniel Craig se ha convertido en el James Bond del siglo XXI para toda una generación, pero su contratación en 2005 estuvo rodeada de bastante polémica. No tanto por ser el primer James Bond rubio, sino porque Craig, hasta ese momento actor de teatro y secundario en Tomb Raider (2001, Simon West) o Camino a la perdición (2002, Sam Mendes), no transmitía en pantalla el carisma que se le supone a un icono como James Bond. Frente al irónico gentleman al que estábamos acostumbrados, Craig nos muestra a un Bond frío que es más una bola de demolición que un escalpelo, y supuso una auténtica revolución respecto a las versiones previas del personaje. Además, su salida del mar en la playa de Bahamas, un claro homenaje a la icónica escena de Ursula Andress en 007 contra el Doctor No (1962, Terence Young), le convirtió en un sex-symbol internacional.

Casino Royale significó un enorme éxito de crítica y público. Casino Royale consiguió sorprender ya desde la típica aventura inicial de Bond antes de los títulos de créditos, rodada en blanco y negro para transmitir la idea de vuelta a los orígenes. A continuación, una espectacular persecución en Madagascar con una de las demostraciones de parkour más alucinantes visto en pantalla grande hasta ese momento remarcaba el mensaje de realismo. Se habían acabado los efectos especiales exagerados, lo que encajaba perfectamente con la interpretación seca y directa de Craig.

Aunque creo que Daniel Craig en el apartado físico cumple de sobra con las exigencias del papel, le veo muy limitado en el aspecto emocional, hasta el punto de pensar que su contratación fue un error de casting. Su James Bond solo tiene un registro, el frío asesino, y cuando intenta mostrar sentimientos fracasa completamente, algo que se confirmó en las siguientes películas.

Por suerte, en el terreno del carisma la serie de James Bond siempre ha tenido de sobra, y en Casino Royale destacan las interpretaciones de Mads Mikkelsen como el villano Le Chiffre y la siempre perfecta Eva Green como Vesper Lynd. Junto a ellos el reinicio de la franquicia nos presentó a una nueva M mujer, excelentemente interpretada por Judi Dench, así como al agente de la CIA Felix Leiter interpretado por el afroamericano Jeffrey Wright.

El momento clave de Casino Royale parecía que iba a ser la partida de poker, que está excelentemente rodada y mantiene en tensión al espectador durante todo el metraje. Sin embargo, descubriremos que tras esta partida y el posterior cara a cara de Bond y Le Chiffre aún faltan 25 minutos de película, con un último giro inesperado y un set de acción en Venecia. Esto provoca que el ritmo de la película que hasta ese momento era perfecto, se resienta durante varios minutos. En todo caso, es un elemento menor dentro de una película excelente que dejó a los espectadores con ganas de más.

Casino Royale tiene un montón de elementos icónicos, pero no quiero dejar de destacar la excelente música de David Arnold, que además escribió junto al tristemente fallecido Chris Cornell el tema “You know my name”, una de las mejores canciones de James Bond.

A falta de ver Sin tiempo para morir y comprobar si esta etapa de Daniel Craig como James Bond se cierra de forma satisfactoria, diría que Casino Royale es una de las 5 mejores películas de toda la serie que explica por qué para mucha gente el estreno de una nueva película de 007 es un acontecimiento y una cita obligada para verla en pantalla grande.

Comparto el trailer de la película:

Casino Royale es, además de una gran película por si misma, un perfecto ejemplo de gran reinicio de una franquicia con más de 40 años de historia que lanzó al nuevo James Bond al siglo XXI. Una excelente película que merece ser revisada durante estos días.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

 

* Este texto se publicó originalmente en el nº4 del Fanzine El Colmo publicado este mes de abril.

 

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¡Saludos a todos!

Reseñas Express: Creed II, La Lego Película 2 y Polar

No me da tiempo a comentar todas las películas, comics y series que veo, así que esta semana voy a aprovechar el formato de reseñas express para comentar tres películas muy diferentes entre si y cuyo visionado se ha saldado con resultados desiguales.

 

CREED II, de Steven Caple Jr.

¿De qué va? Adonis Creed se debate entre las obligaciones personales y el entrenamiento para su próxima gran pelea, con el desafío de su vida por delante. Enfrentarse a un oponente que tiene vínculos con el pasado de su familia solo intensifica su inminente batalla en el ring. Afortunadamente Rocky Balboa está a su lado a lo largo de todo el camino, y juntos se cuestionarán por lo que vale la pena luchar y descubrirán que nada es más importante que la familia… Secuela de “Creed”, el spin-off de Rocky que en 2015 obtuvo muy buenas críticas y dio inicio a una nueva saga.

Valoración: Empezando por lo positivo, el carisma de los protagonistas Michael B. Jordan, Sylvester Stallone y Tessa Thompson consigue mantener a flote la película y hacer que Creed 2 sea bastante entretenida. Para esta secuela, Ryan Coogler no repite en la dirección, manteniendo labores de producción, y deja el trabajo al solo cumplidor Steven Caple Jr., que no sabe mantener el excelente nivel de la primera película. Globalmente, creo que la película cumple correctamente su función de entretenimiento, y gustará sobre todo a los fans de Rocky o en general al cine deportivo y de boxeo.

Dicho esto, pocas veces he visto una película que repita tantos tópicos del género y en general del mundo de Rocky al que pertenece, hasta el punto que su visionado sea una sucesión de escenas previsibles que se ven venir a la legua , con una nula sorpresa de principio a fin. Esto es lo más negativo de una película que va sobre seguro y no se atreve a ofrecer nada novedoso.

Otra cosa que me sorprendió negativamente es que Dolph Lundgren  (Ivan Drago) solo tiene una escena compartiendo diálogo con Stallone. En el resto de película habla en ruso sin subtítulos, por lo que aunque se entiende el sentido de lo que pasa, no entiendo quien decidió no subtitularle. Para mi, es algo incomprensible y es una decepción para los espectadores que vimos Rocky IV por primera vez en 1986 y que la hemos visto en infinidad de ocasiones.

En resumen, aunque Creed 2 es una película moderadamente entretenida, salí de verla con sensación de decepción.

PUNTUACIÓN: 6/10

 

LA LEGO PELÍCULA 2, de Mike Mitchell

¿De qué va? Después de cinco años de tranquilidad aparece una nueva amenaza: invasores de LEGO DUPLO del espacio exterior que lo destrozan todo antes de que dé tiempo a reconstruirlo. Emmet, Lucy, Batman y sus amigos unirán fuerzas para librar una batalla que les llevará a mundos inexplorados.

Valoración: Como era de esperar, La Lego Película 2 es inferior a su sobresaliente y sorprendente primera parte, con un guión bastante confuso hasta que llega al mensaje final clave. Pero eso no quita que esta película sea un espectáculo super chulo para los niños y un festival de referencias cinéfilas para los papas que asegura una diversión total durante su visionado.

La película está dirigida por Mike Mitchell, aunque sigue contando con los excelentes Phil Lord y Christopher Miller como productores. Esto hace que además de una gran diversión para los niños con los icónicos juguetes de construcción, la película está plagada de meta-referencias al mundo del entretenimiento, con algunos gags antológicos como los referidos a  Vengadores Infinity War o la Liga de la Justicia. En este sentido, aunque mi hijo se lo pasó cañón viéndola, no es la primera vez que me quedo con la sensación de que esta y otras películas de animación están más pensada para el disfrute de los papás frikis que el de los niños. Es imposible que los más pequeños entiendan o conozcan la mayoría de referencias cinéfilas, por ejemplo las de Regreso al futuro, Doctor Who, Matrix y tantas y tantas otras.

Además, flipé mucho con que una película de animación de Warner apueste por transmitir como idea central de su película que los niños deben seguir siendo niños y no abandonar la imaginación y el juego, frente al grim-n-gritty y las películas “adultas” de Warner y Zack Snyder con los personajes de DC Comics. En este sentido, el mensaje final de que hay diferentes formas de jugar y hay que entender a los demás mola mucho.

La Lego Película 2 creo que gustará a todos los fans de la animación, y sobre todo a cualquier niño que en algún momento haya construido un Lego.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

 

POLAR, de Jonas Åkerlund

¿De qué va? Duncan Vizla, el asesino más letal del mundo, conocido como Black Káiser (Mads Mikkelsen), está a punto de jubilarse. Pero su antiguo jefe le ha puesto precio a su cabeza. Y, en contra de su voluntad, tiene que plantarle cara a un grupo de sicarios más jóvenes, rápidos y despiadados, dispuestos a todo para eliminarlo. Adaptación de la novela gráfica “Polar: Came From the Cold” de Victor Santos.

Valoración: Por ir directo al grano, lamento decir que Polar, dirigida por Jonas Äkerlung, basada en el genial cómic de Víctor Santos es bastante mala. De hecho, lo único bueno de su visionado fue que como la vi en casa gracias a mi suscripción a Netflix, no me costó dinero.

Y es una pena, porque tiene destellos puntuales en algunas escenas del último tercio de lo que hubiera podido ser. Y hubiera sido más entretenida si no optaran desde el principio por irse al lado mas “macarra”, arruinando las posibilidades que el comic les ofrecía. Mads Mikkelsen y Vanessa Hudgens me parecieron sin duda lo mejor de la película y creo que están bastante bien para el papel que tienen y las líneas de diálogo que deben expresar. Pero en muchos momentos, el problema es que tienen que lidiar con escenas que rayan el ridículo.

Y es que la película es un espectáculo videoclipero vacío que se pasa con la carnaza sexual en casi todas las escenas, con una mal entendida “inspiración” en el mundo de los comic a la hora de plantear su fotografía, montaje o banda sonora.

Un problema recurrente de Netflix en su vertiente cinematográfica es que con su necesidad de ampliar su oferta de contenidos, están dando luz verde a películas que igual deberían haber sido mejor planteadas o realizadas. Ha pasado ahora en Polar, pero lo hemos sufrido en bodrios como Bright con Will Smith, Mute de Duncan Jones, y tantas otras películas que una vez vistas se entiende por qué los estudios tradicionales decidieron no producir.

En serio, incluso si eres un fan del cine de acción, no pierdas tu tiempo en esta película teniendo tanta y tan buena oferta disponible.

PUNTUACIÓN: 4/10

 

Gracias por leer este post.

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Crítica de Star Wars: Rogue One

Star Wars: Rogue One ha conseguido quitarme el mal sabor de boca que me provocó el remake encubierto del Episodio VII. Y aunque no es ni mucho menos perfecta, va de menos a más con sus brillantes escenas de batalla y el carisma de sus personajes, de los nuevos y en especial de los clásicos.

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“Muchos espías han muerto para conseguir estos planos.” Esta sencilla línea de diálogo en la primera Star Wars significó el germen a partir del cual ha surgido Rogue One. La Rebelión robó los planos de la Estrella de la Muerte que llevaba la Princesa Leia en su nave cuando fue detenida por Darth Vader. Pero, ¿exactamente como se realizó este robo? ¿Y quienes fueron estos espías rebeldes? Esto es lo que vamos a ver en los 130 minutos de película.

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Reconozco que no me gustó nada que Lucasfilm eligiera este argumento como primera película alejada de las Trilogías. Que en un universo como el de Star Wars, con innumerables mundos, planetas y personajes por descubrir, eligieran volver a una historia cuyo final es super conocido me pareció una decisión conservadora y casi hasta cobarde, como si tuvieran miedo de abrir nuevos caminos, protegidos por la seguridad de lo conocido. Que es precisamente el mismo defecto que lastró la experiencia de El Despertar de la Fuerza el año pasado.

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Dicho esto, lo cierto es que Rogue One globalmente es un triunfo para Lucasfilm / Disney. Principalmente debido a que Gareth Edwards, el director de la película, consigue que los espectadores nos impliquemos en el viaje de los rebeldes y nos preocupamos por su destino. Y aunque sepamos que la mayoría mueren, su camino y cierta evolución en ellos están razonablemente construidos. Además, la perfección técnica y las excelentes escenas de acción en el último tercio de película hacen que el visionado termine de la mejor manera posible, enlazando perfectamente con la primera Star Wars.

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Rogue One estaba planteada como una película bélica ambientada en el mundo de Star Wars, y en ese aspecto, la película es modélica. Las escenas bélicas son brutales y algunos combates son sin duda los más espectaculares de toda la franquicia galáctica, principalmente porque el CGI está super bien integrado y realmente parece como si todo fuera real y no un efecto digital. Gareth Edwards acierta en colocar la cámara a nivel de los personajes para que sintamos el enorme tamaño de los AT-ATs respecto a los pequeños rebeldes, y en general haciendo que los espectadores nos sintamos en medio de la acción.

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La película tarda en arrancar, debido a dos motivos. Por un lado, hay una lógica necesidad de presentar a los nuevos personajes, sobre los que sobresale Jin Erso (Felicity Jones), la gran estrella de la película. Y por otro, porque la película malgasta su primera parte para explicar las diferencias de las diferentes facciones de la rebelión, encarnadas en el padrastro de Jin,  Saw Guerrera (Forest Whitaker), que es calificado de terrorista radical y que choca con el mando rebelde “tradicional”. Digo malgasta porque no habiamos conocido estas diferencias hasta ahora, y lo cierto es que no tienen casi importancia en el desarrollo de la historia principal que estamos viendo.

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Jin es la hija de Galen Erso (Mads Mikkelsen), el científico que diseñó La Estrella de la Muerte, y fue criada por el rebelde radical Saw Guerrera (Forest Whitaker) cuando Galen fue secuestrado por el Director Krennic (Ben Mendelsohn), que está al cargo del proyecto de construcción de la Estrella de la Muerte. Tras ser abandonada por Saw, tuvo que convertirse en una ladrona para sobrevivir, lo que ha provocado que tenga una visión cínica de la vida. Pero cuando descubra que su padre está vivo, ayudará a la Rebelión en su intento de conseguir los planos de la estación espacial. Jin tiene una evolución clara en la película, aunque quizá no esté suficientemente motivada.

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Jin acompaña a Cassian Andor (Diego Luna), un oficial de inteligencia rebelde que está al mando de la misión de encontrar al padre de Jin. Frío y calculador, oculta un secreto que es una revelación para la historia de la Rebelión tal y como nos la han mostrado hasta ahora en las películas. Hasta ahora la lucha frente al Imperio siempre fue de la luz contra la oscuridad, el bien y el mal sin matices. Andor nos enseña que los rebeldes también estaban dispuestos a ensuciarse las manos si hacía falta, y que también hacían actos moralmente reprobables.

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Lamentablemente, solo Jin y Cassian muestran algún tipo de personalidad, carisma o historia. Y es una pena, porque con un pelín de caracterización del resto de miembros del equipo, la película hubiera podido ser mucho mejor. K-2SO (Alan Tudyk) es un robot imperial reprogramado que solo sirve como elemento gracioso, aunque hay que reconocer que su ironía funciona siempre y que mola. pero que el robot sea el que tenga las mejores frases de la película creo que es muy ilustrativo del problema.

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Pero ni el piloto Bodhi Rook (Riz Ahmed), ni Chirrut Îmwe (Donnie Yen) y Baze Malbus (Jiang Wen), antiguos guardianes del templo jedi del planeta Jedha donde vive Saw Guerrera muestran ninguna personalidad, lo que es uno de los grandes fallos de la película. Y con un par de diálogos de cada personaje hubiera bastado para hacer que molaran mucho más. Lo mismo que le pasa al a priori villano, el directo Krennic (Ben Mendelsohn), que simplemente está ahí, y al que en la película le han quitado muchas de las frases molonas que aparecían en el trailer.

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Hay un evidente mensaje en la película: Personas de diferentes razas, sexos y procedencias que no tienen a priori nada en común, consiguen superar estas diferencias y trabajar juntos en equipo para cumplir la misión que significará el germen de la derrota del Imperio. Este es un mensaje que llega en el momento justo en nuestra sociedad actual, y que creo que es super necesario. Lástima que los productores de Lucasfilm pensaran que con hacer un casting compuesto por una mujer, un hispano, un árabe y varios asiáticos, ya habían cumplido con su  obligación, olvidándose de dar un poco de profundidad a estos personajes.

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Además, otro tema que comentar es el diseño producción. Hay un montón de nuevos tipos de soldados imperiales y naves que aunque como diseño molan, y molan mucho, lo cierto es que son solo una distracción que no tienen más objeto que el de vender muñecos y legos. Sobre todo si tenemos en cuenta que está película está ambientada solo días antes de la primera película de Star Wars y nunca más los volvimos a ver, cosa que no tiene demasiado sentido si nos ponemos a pensar en ello. De igual manera, las nuevas razas alienígenas están geniales, aunque como en otras ocasiones son solo parte del decorado.

Lo que sí me ha gustado mucho es lo real que se sienten todos los escenarios, y como se ha decidido que frente al luminoso y perfecto mundo que hemos visto hasta ahora, en Rogue One la tecnología está desgastada, los cascos de las tropas de asalto sucios y oxidados, y la gente sufre hambre y penurias a causa del Imperio. En ese aspecto, la película acierta en mostrarnos una galaxia lejana, muy lejana, más desde el punto de vista del suelo y de los que sufren que a vista de pájaro como hasta ahora.

En este aspecto, poder ver a nivel de superficie las consecuencias de los disparos de la Estrella de la muerte sobre la superficie de los planetas, hacen que estos se sienten poderosos y aniquiladores de toda vida, y consiguen que tengan un impacto dramático real en la historia. Todo lo contrario de lo pasó, por ejemplo, en ese chasco de película que fue el Episodio VII.

Rogue One: A Star Wars Story X-Wing and U-Wing versus AT-ACTs Photo credit: Lucasfilm/ILM ©2016 Lucasfilm Ltd. All Rights Reserved.

Ah! Por cierto, se me olvidaba, ¿os había dicho que sale Darth Vader? Su presencia ya anticipada en el trailer es solo un cameo, pero consigue que flipemos con él como nunca antes lo habiamos visto. Solo por estas escenas sería obligado ver Rogue One, que explican perfectamente por qué el señor Sith era el villano más poderoso de la galaxia (por detrás del Emperador, claro) al que todo el mundo temía. Y frente a algunas críticas que leí de gente que dijo que aunque es lo mejor de la película, les ha sabido a poco, yo creo que es mejor que lo hayan dosificado y nos hayan dejado con ganas de más.

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Rogue One es un taquillazo y un gran éxito comercial para Lucasfilm / Disney. Tras 3 días de proyección ha recaudado 155 millones en los USA y 290 en todo el mundo. En pocos días superará los 1000M de recaudación, y es posible que acabe siendo la película más taquillera del año por encima de Capitán América: Civil War. Por tanto, la continuidad de la franquicia galáctica está más que asegurada, y de hecho, su futuro no puede ser más prometedor, con los próximos estrenos del Episodio VIII en 2017, la película contando el origen del joven Han Solo para 2018 y el Episodio IX en 2019.

Creo que ya va siendo hora que Lucasfilm se decida a contarnos nuevas historias que ayuden a mantener viva esta franquicia cinematográfica durante los próximos años, porque el elemento nostalgia considero que ya está totalmente agotodo.

Comparto el trailer de la película:

Rogue One demuestra que si Disney/Lucasfilm elige bien a los protagonistas y argumentos de sus próximas películas, la salud de la franquicia está más que asegurada. Y que a pesar de fallos en la historia y los personajes, es una película cuyo visionado es imprescindible para todos los aficionados a la ciencia ficción, y que recomiendo que veas estas navidades.

PUNTUACIÓN: 7.5/10