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Crítica de Blonde de Andrew Dominik (Netflix)

Blonde de Andrew Dominik es uno de los estrenos más esperados de la temporada debido a la super anticipada interpretación que Ana de Armas realiza de Marilyn Monroe. Gracias a Netflix pude ver la película.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Basada en el bestseller de la cinco veces finalista al Premio Pulitzer, Joyce Carol Oates, BLONDE es la historia personal audazmente reinventada de la sex symbol más famosa del mundo, Marilyn Monroe. La película es un retrato ficticio de la modelo, actriz y cantante durante los años 50 y 60, contada a través de la mirada moderna de la cultura de las celebridades.

Andrew Dominik (1967) es un director de cine y guionista australiano nacido en Nueva Zelanda. Ha dirigido la película policíaca Chopper (2000), el western dramático El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford (2007), la película policíaca neo-noir Killing Them Softly (2012). También ha dirigido el documental One More Time with Feeling (2016) y dos episodios de la serie de Netflix Mindhunter en 2019. Además de dirigir Blonde, Dominik ha escrito el guion adaptando la novela de Joyce Carol Oates.

Bonde cuenta con música de Nick Cave y Warren Ellis, fotografía de Chayse Irvin y montaje de Adam Robinson. Con un importante presupuesto 22 millones de dólares teniendo en cuenta su faceta independiente, la película puede ser compleja de ver dado sus larguísimos 166 minutos de duración, aunque dado s estreno en Netflix no puede descartarse que una gran parte del público la vea en varias sentadas.

En el casting tenemos a Ana de Armas como Norma Jeane Mortenson / Marilyn Monroe, Lily Fisher como la joven Norma Jeane Mortenson, Adrien Brody como Arthur Miller, un renombrado dramaturgo y tercer marido de Marilyn. Bobby Cannavale como Joe DiMaggio, el ex jugador de béisbol de los New York Yankees y segundo marido de Marilyn. Xavier Samuel como Charles «Cass» Chaplin Jr, el hijo del icono del cine mudo Charlie Chaplin. Julianne Nicholson como Gladys Pearl Baker, la madre emocionalmente inestable de Marilyn. Caspar Phillipson como John F. Kennedy / El Presidente, el 35º Presidente de los Estados Unidos. Toby Huss como Allan «Whitey» Snyder, el maquillador personal de Marilyn. Sara Paxton como Miss Flynn, David Warshofsky como Darryl F. Zanuck, Evan Williams como Edward G. Robinson Jr. y Michael Masini como Tony Curtis

Entrando a valorar la película, Blonde es ese tipo de película que va a marcar para siempre la carrera profesional de su protagonista. Ana de Armas está inmensa, la forma en que se mimetiza con Marilyn Monroe y con Norma Jeane, la persona que era antes de convertirse en un icono a nivel mundial, me parece al alcance de muy pocas actrices. Su doble interpretación es impresionante, porque por un lado tenemos a Norma Jeane, una joven inteligente que sólo quería sea amada y que sufrió debido al trauma infantil provocado por la falta de un padre y de tener a una madre desequilibrada. Y por otro lado está Marilyn el icono del cine que hará lo que sea para ser amada por el público que veía sus películas. Los matices entre ambas personalidades son interesantísimos y Ana de Armas consigue que sepamos en cada momento quien es la que ha tomado el control. Alucinante.

Reconozco que no tengo claro si esta dualidad tras extrema entre Norma Jeane y Marilyn que nos muestra la película sucedió en su vida real, desde luego diría que se me hace difícil de creer. Sin embargo, esta duda sobre la fidelidad no oculta que ofrece a Ana de Armas el lienzo perfecto para realizar un tour-de-force actoral y creativo que hará que se comente durante mucho tiempo esta interpretación. Hasta el punto que De Armas en muchos momentos parece que se fusionó con el personaje que está interpretando, de tan perfecto que lo hace.

Andrew Dominik plantea una propuesta arriesgada, ya que no plantea un biopic al uso que cuente la vida de Marilyn, sino que en muchos momentos parece que busca recrear los estados mentales que sentiría la actriz ante los diferentes sucesos que tuvo que vivir. Visualmente la película alterna muchos momentos en blanco & negro con otros en color que ayuda a que sintamos la sensación de trasladarnos a otra época, además de realizar una alucinante reconstrucción de escenas clave de la filmografía de Marilyn, llegando Ana de Armas a cantar las canciones originales de sus películas, como en Los caballeros las prefieren rubias.

Ante todo Blonde es un drama muy fuerte, ya que la película pone de relevancia el drama que muchas mujeres tuvieron que sufrir en la industria de Hollywood, al obligarlas a practicar sexo con ejecutivos sin escrúpulos para poder tener una oportunidad delante de las cámaras. Tampoco la industria del cine sale demasiado bien parada al mostrar como ante los problemas de Marilyn los estudios optaron en varios momentos por mantenerla drogada con tal de poder terminar los rodajes en los que estaba inmersa. En lugar de intentar ayudarla, la película muestra a unos interesados que ponían antes al negocio que la salud de las personas.

Aunque hay escenas con elevada carga sexual, la verdad es que todo está rodado de forma muy elegante, y aunque está claro lo que está pasando, realmente no se muestra explícitamente nada. Ejemplo de esto es la violación inicial de Marilyn a manos de un ejecutivo, o su «cita» con el Presidente Kennedy, que está narrado de forma muy fuerte al escuchar los pensamientos de Marilyn durante el acto, lo que ofrece un plus de dramatismo a una situación ya de por si super desagradable.

Entiendo que esta película pueda estar escociendo en la industria, al poner de relevancia Blonde lo que sin duda fue una terrible cultura de la violación a manos de las personas poderosas de Hollywood, pero también aplicable a los grandes poderes políticos, empezando por el presidente de los Estados Unidos. Algo que ha seguido existiendo (y que supongo no ha desaparecido), como el reciente escándalo de Harvey Weinstein puso de relevancia hace pocos años. Que actrices y actores sepan que para conseguir un papel tienen que acostarse con el productor creo que es una lacra que está muy lejos de terminar.

Además de la maravillosa Ana de Armas, la película se beneficia de un casting estupendo, entre los que encontramos a sus maridos Bobby Cannavale como Joe DiMaggio y Adrien Brody como Arthur Miller. Ambos actores, y en general el casting al completo, recrean maravillosamente bien momentos históricos y sirven de perfecto complemento a la historia que plantea Dominik.

Aunque Ana De Armas ES la película y está de Oscar (como no se lo den creo que me voy a enfadar mucho), la verdad es que se me ha hecho difícil conectar con la propuesta del director Andrew Dominik. Empezando por la ridículamente larga duración de la película de 160 minutos. El hecho de recrear estados mentales más que hechos concretos crea muchos momentos muy bellos visualmente pero que narrativamente provocan que la película tenga un ritmo inexistente, debido a la sucesión de elementos muchas veces inconexos a lo largo de todo el metraje.

Hay muchos y muy variados momentos de la vida de Marilyn que conocemos gracias a la gran cantidad de imágenes que se conservan que son recreados por la película. Sin embargo, como digo me falta un hilo conductor más claro, porque aparte de una ligera reflexión sobre el éxito en el show-business y cómo Marilyn intentó sobrevivir a él (algo que podría decirse que no llegó a conseguir), está la dualidad de su personalidad y la forma en que ambas intentaron ser felices cuando planteaban conceptos antagónicos. También como para el público la figura mítica de Marilyn transciende a la persona, llegando a ser un icono independientemente de lo que ella quisiera como actriz o persona.

Globalmente, como comentaba me ha gustado mucho Ana de armas, pero la película no tanto, si algo así es posible en una propuesta de esta naturaleza.

Comparto el trailer de la película:

Blonde marcará una época por la hipnótica interpretación de Ana de Armas, aunque reconozco que no he acabado de conectar con la premisa de Andrew Dominik.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de Trece vidas de Ron Howard (Prime Video)

Siguen los estrenos de películas interesantes en streaming. En este caso quiero recomendar 13 vidas, la película de Ron Howard inspirada en hechos reales que ha sido estrenada recientemente por Prime Video.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Basada en la historia real, «Trece vidas» es el relato del rescate de un equipo de fútbol de la cueva de Tham Luang, en Tailandia, tras quedar atrapado por las lluvias torrenciales y peligrosas inundaciones

Trece vidas es una película inspirada en el rescate en la cueva de Tham Luang, dirigida y producida por Ron Howard, a partir de un guión escrito por William Nicholson a partir de una historia suya y de Don MacPherson. Sayombhu Mukdeeprom es el director de fotografía, James D. Wilcox realizó el montaje y Benjamin Wallfisch la música. La película se estrenó en cines de modo limitado el 29 de julio de 2022, para empezar a emitirse en streaming en Prime Video la semana siguiente, el 5 de agosto. 13 vidas ha contado con un presupuesto de 55 millones de dólares y fue rodada en localizaciones de Tailandia y Australia, contando con una duración de 147 minutos.

Viggo Mortensen, Colin Farrell, Joel Edgerton y Tom Bateman son las caras más conocidas de un reparto principalmente formado por actores asiáticos.

Ron Howard es un director super sólido con una filmografía ecléctica y variada. Su nueva película inspirada en hechos reales es un canto al poder de la humanidad cuando nos unimos por una buena causa, como fue el caso de este rescate de unos niños que quedaron atrapados en una cueva subterránea, que movilizó recursos y personas literalmente de todo el mundo. Porque no son sólo los submarinistas, todo un pueblo se unió para impedir que los acuíferos inundaran las cuevas tras las copiosas precipitaciones, lo que mantuvo con vida a los jóvenes hasta que fueron rescatados.

Narrativamente Howard da otra lección con esta película. Me parece una pasada como rueda estos espacios subterráneos inundados, consiguiendo que se vea perfectamente lo que pasa y a la vez que sientas el terror de poderte quedar atrapado en cualquier recodo de estas cuevas, algo que son aspectos super complejos y casi antagónico.

Para ser una película de dos horas y media en la que la acción está confinada a espacios claustrofóbicos mientras los submarinistas de rescate intentan salvar a los críos, Howard consigue hacerla super apasionante y entretenida, y me tuvo con el corazón en un puño durante la mayor parte del metraje. De hecho, a pesar de no conocer los detalles concretos del rescate, sí recordaba que al final salvaban a los niños, y sin embargo hay una sensación de cuenta atrás y de tensión tan chula en la película que me tuvo dudando por la resolución de la historia en varios momentos.

El reparto me parece que está super bien. El carisma de Viggo Mortensen y Colin Farrell se sale de la pantalla. Además de grandes actores, tienen una química estupenda y te crees que son profesionales de gran experiencia que han trabajado juntos en otras ocasiones. Junto a ellos, Joel Edgerton también está muy bien, sobre todo cuando conoce el motivo real por el que le han llamado para ayudar en el rescate, cuando parece que las opciones se les acaban. En este aspecto, la película también me parece un acierto total.

La película me parece perfecta en su propuesta y la forma en que la plasma en una película comercial. No es que no tenga ninguna pega, es que me ha tenido super entretenido y preocupado por el rescate de principio a fin, no le puedo pedir más. De hecho, ya me gustaría que hubieran más películas con esta perfecta factura técnica y unas buenas interpretaciones al servicio de la historia.

Por cierto, no se me escapa que posiblemente esta película no la hubiera visto ni el tato si se hubiera estrenado en las salas de cine. Y dentro que seguro que visualmente luciría espectacular en pantalla grande, me parece genial que gracias al streaming, y en este caso a Prime Video, espectadores de todo el mundo hayamos descubierto esta historia y disfrutado con el trabajo de Ron Howard y todo el equipo de la película. Por favor, ¡más películas así!

Comparto el trailer de la película:

13 vidas es una película estupenda que destaca el potencial del ser humano cuando trabaja unida, dejándote con un estupendo sabor de boca. Super recomendable.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de Elvis de Baz Luhrmann

Baz Luhrmann aplica su particular punto de vista a la figura de El Rey Elvis Presley, en una película planteada a destacar la figura mítica de Elvis alejándolo de todo elemento polémico para su persona.

PUNTUACIÓN: 8/10

La película explora la vida y la música de Elvis Presley (Austin Butler) a través del prisma de su relación con el coronel Tom Parker (Tom Hanks), su enigmático manager. La historia profundiza en la compleja dinámica que existía entre Presley y Parker que abarca más de 20 años, desde el ascenso de Presley a la fama hasta su estrellato sin precedentes, en el contexto de la revolución cultural y la pérdida de la inocencia en Estados Unidos. Y en el centro de ese periplo está Priscilla Presley (Olivia DeJonge), una de las personas más importantes e influyentes en la vida de Elvis. (FILMAFFINITY)

Mark Anthony «Baz» Luhrmann (nacido el 17 de septiembre de 1962) es un director de cine, guionista y productor australiano con proyectos que abarcan el cine, la televisión, la ópera, el teatro, la música y la industria discográfica. Es el director australiano de mayor éxito comercial, con cuatro de sus películas entre las diez más taquilleras de todos los tiempos. Y esto a pesar que Elvis es su sexta película como director, habiendo dirigido previamente Strictly Ballroom (1992), Romeo + Julieta (1996), Moulin Rouge! (2001), Australia (2008) y El Gran Gatsby (2013).

Lurhmann escribe el guion junto a Jeremy Doner, Sam Bromell y Craig Pearce. Mandy Walker se encarga de la fotografía, con montaje de Matt Villa y Jonathan Redmond y música de Elliott Wheeler. Elvis es una película excesiva en todo, empezando por su duración de 160 minutos, que sin embargo en ningún momento se hacen largos. La película, rodada en Australia, cuenta con un presupuesto de 85 millones de dólares.

El gran descubrimiento de la película es descubrir al actor Austin Butler como Elvis Presley. Butler (1991) es un actor estadounidense que comenzó su carrera en la televisión con papeles secundarios en Hannah Montana en 2006 y 2007 y Switched at Birth (2011-2012). En The Carrie Diaries (2013-2014) y The Shannara Chronicles (2016-2017) ya le tuvimos en papeles protagonistas, y en el cine, Butler interpretó a Tex Watson en Once Upon a Time in Hollywood (2019), de Quentin Tarantino.

Tom Hanks interpreta al Coronel Tom Parker, el representante de Elvis y el gran villano de la función, con Olivia DeJonge en el papel de Priscilla Presley, la esposa de Elvis, Helen Thomson como Gladys Presley, la madre de Elvis, Richard Roxburgh como Vernon Presley, el padre de Elvis y Chaydon Jay como Elvis niño.

Si te gusta la música de El Rey, ver Elvis es una obligación. Lurhmann aplica su estilo excesivo para contar la historia de Elvis desde un punto de vista casi operístico que en lo relativo a la historia tiene muchas conexiones con Bohemian Rhapsody, alejando a Elvis de cualquier elemento polémico que pudiera tener su biografía y destacando su figura mítica para el mundo del rock&roll. La película tiene como es lógico una selección de canciones alucinante, y en general el montaje de sonido creo que es de los que se merecen el Oscar. El amor de Elvis por la música negra y la forma en que le marcó en sus gustos y forjó su estilo musical está perfectamente contado. Algo casi prohibido en un momento en los años 50 en los que aún había leyes de segregación racial en varios estados de Estados Unidos y que es otro elemento más que resalta lo rompedor e influyente que ha sido (y sigue siendo) Elvis para la industria musical.

Austin Butler es el gran descubrimiento de la película. Su parecido con Elvis es asombroso, ayudado por una perfecta caracterización de maquillaje y peluquería. Butler además transmite toda la fuerza de El Rey cuando se subía al escenario, permitiendo a Lurhmann crear un montón de momentos super poderosos visualmente que hacen que la película merezca verse en pantalla grande. Este Elvis es un ser de luz cuya única preocupación era cuidar de su familia e intentar hacer la música que a él le gustaba, algo que no siempre consiguió durante su vida debido a la presión de su manager. La interpretación de Butler es de las que ganan premios y forjan carreras de éxito, espero que tenga suerte con su próxima película.

La película hace una interesante elección narrativa al convertir al malvado Coronel Tom Parker en el narrador de la historia. Este oscuro personaje que ni era coronel, ni se llamaba Parker ni realmente era americano explotó de forma terrible a Elvis ahogando su creatividad y obligándole a hacer los trabajos más lamentables con tal de ganar él un dólar. Que Parker se llevara el 50% de todos los ingresos de Elvis es una locura sumada al hecho que llevó la carrera de Elvis no donde le hubiera interesado a él musicalmente, sino donde él pudiera ganar más dinero a su costa. La interpretación de Tom Hanks como Parker es como siempre perfecta.

De esta forma, la narración de la película es la de un aprovechado sin moral ninguna que usó a su antojo a Elvis, de forma que no es necesario que Lurhmann nos diga que lo que hace es tremendo, porque es algo que se sobreentiende. De hecho, que la muerte de Elvis fue culpa suya podría ser una conclusión lógica viendo la película y como actuaron la gente alrededor de Elvis. Porque ese es otro tema clave de la película, ya que todos alrededor de Elvis se convirtieron en unos chupópteros aprovechados, empezando por su padre y su tropa de amigos y músicos que formaron un séquito a su alrededor que se dedicó a vivir la vida loca a su costa. La amoralidad de Parker queda clara a lo largo de la película, y que él lo viera como lo más normal del mundo añade una dosis de dramatismo a toda la historia de Elvis, un chaval inculto de pueblo del que todos se aprovecharon. En este sentido, queda claro viendo la película que Elvis nunca actuó fuera de Estados Unidos al no querer salir Parker del país, quien sabe si por miedo a no poder entrar, y que si actuó durante años en Las Vegas fue para pagar las deudas de Parker con el juego. Y que la carrera como actor de Elvis fue destruida al obligarle a trabajar en películas cada vez peores y más baratas que le permitiera a Parker conseguir mayor beneficio. La forma en que drogaban a Elvis para que pudiera actuar fuera como fuese, o las giras con fechas imposibles son mostradas con claridad meridiana para mostrar a Elvis como una víctima de su entorno.

Dentro que este biopic musical me ha gustado mucho, hay que reconocer que incluso sin saber en detalle la historia de Elvis, se nota el intento evidente de blanquear la figura de El Rey, de forma que siempre todo lo que le pasa es por culpa de alguien. Por ejemplo, si tomaba pastillas y alcohol no fue por iniciativa propia sino a iniciativa de alguien de su entorno. Me parece normalísimo que su viuda Priscila Presley haya apoyado la película porque ella y su marido salen super bien parados, no como el resto de parásitos que se aprovecharon de Elvis empezando por su padre. Aunque muestra una infidelidad, la película evita mostrar las famosas juergas de alcohol y drogas de Elvis en Las Vegas y en general cualquier elemento controvertido de su biografía, limitando por ejemplo su dependencia a los medicamentos a los que su médico le daba para subirse al escenario.

Lurhmann no busca en este sentido ser «realista», sino ampliar la categoría de mito que Elvis adquirió a partir de su muerte en 1977 a la edad de 42 años. Y lo cierto es que su apuesta le sale bien, porque Elvis siempre ocupará un lugar en los corazones de los amantes de la música rock y esta película no hace sino destacar todo lo bueno hasta niveles beatíficadores. Para todos los fans de las película musicales, ELVIS nos da 160 minutos de pura historia de la música que me ha dado un entretenimiento espectacular.

Comparto el trailer de la película:

Para todos los amantes de la música, ver el biopic musical de Elvis se convierte en una obligación, a ser posible en la sala con mejor equipo de sonido posible.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Apolo 10 1/2: una infancia espacial de Richard Linklater (Netflix)

Netflix ha estrenado una de esas película que hacen que merezca la pena pagar la suscripción de Netflix gracias a la gran variedad de contenidos que comparte. Hoy hablo de Apollo 10 1/2: una infancia espacial del director Richard Linklater realizada con la técnica de la rotoscopia.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Una aventura de la era espacial ambientada en el contexto de la misión lunar Apolo de 1969 e inspirada en la infancia del director Richard Linklater.

Richard Stuart Linklater (Houston, Texas, 1960) es un director de cine y guionista estadounidense, conocido principalmente por las películas Slacker, Dazed and Confused, Escuela de rock, Boyhood (por la cual ganó todos los premios habidos y por haber) y la serie Antes (Antes del amanecer, Antes del atardecer y Antes del anochecer) con Ethan Hawke y Julie Delpy.

Linklater llevaba desde 2004 con la idea de hacer una película a partir de sus experiencias infantiles durante el verano de 1969 en el que el hombre llegó a la Luna. Aunque inicialmente planteó la historia en imagen real, se dio cuenta que la animación con la técnica de la rotoscopia que ya había utilizado en Waking Life (2001) y A Scanner Darkly (2006) era perfecta para aportar a la historia una cualidad de cuento infantil que quería transmitir. La película se rodó en los estudios Troublemaker de Robert Rodríguez en Austin Texas a principios de 2020, empezando a partir de ese momento el trabajo de montaje y animación. Linklater dirige, escribe y produce esta película de 98 minutos que contó con fotografía de Shane F. Kelly y montaje de Sandra Adair.

Milo Coy es Stanley, el niño protagonista, mientras que Jack Black interpreta la voz del Stanley adulto que hace de narrador de la historia. Lee Eddy es la Mamá, mientras que Bill Wise hace de Papá. Las hermanas mayores de Stanley son Natalie L’Amoreaux (Vicky) y Jessica Brynn Cohen (Jana).

Me parece curiosísimo ver como Linklater parece ser el único director importante que cree en las posibilidades expresivas y narrativas de la animación con rotoscopia. De hecho, fue también en Netflix donde pudimos disfrutar en 2019 de Undone, una serie creada también con este estilo de animación a partir de rodar primero a los actores para luego animarles a ellos y al espacio donde se encuentran.

Y lo cierto es que este Apolo 10 1/2 resulta una película super curiosa, al estar planteada como una crónica de cómo el propio director y toda su generación vivieron el sueño de ver llegar al hombre a la luna, en un viaje a la nostalgia de un mundo que para un niño que creció en los suburbios era mucho mejor a como era en realidad (o al menos, en otras partes del mundo). En este sentido, la animación sirve para dar la clave de la historia, al mostrar que los recuerdos de un niño se mezclan con elementos imaginarios para crear unas vivencias que el narrador cree que pasaron así aunque intuye que probablemente no fuera así.

La rotoscopia tiene un importante elemento expresivo y narrativo, ya que en muchos momentos tenemos elementos históricos que Stanley conocía por la televisión que son apenas manchas abocetadas, indicando que siendo hechos reales, no tenían una importancia real para ese niño y probablemente casi ni los recuerde. Sin embargo, numerosos momentos relativas al despegue del Apollo XI y su llegada a la Luna casi parecen imágenes reales mostradas con todo tipo de detalles, resaltando lo que para el protagonista era (es) realmente importante.

Al tratarse de una historia de niñez en un mundo que para él era perfecto, la vida en el suburbio es super colorida y llena de vida y aventuras, y la animación funciona de maravilla para dar ese plus de fantasía que sólo los niños ven en el mundo real. Una parte muy importante en la película la tienen las canciones de la época que Stanley escuchaba con sus 5 hermanos mayores, así como la descripción de los programas de televisión a los que estaban enganchados y que significaban una parte importante del ocio familiar.

Aunque soy algo más joven y no viví la llegada del hombre a la Luna, si hay situaciones como cuando van a la playa y van 8 niños en la parte de atrás de una furgoneta o cuando los niños juegan con los vecinos en la calle, con las que me sentí super identificado y entiendo que forman parte de la memoria de toda una generación, que seguro ayudará a que los espectadores veteranos conectemos con la historia.

Dicho esto, en general me pasa con el cine de Linklater que su estilo de slice-of-life no es algo con lo que realmente conecte, aunque reconozco que no he encontrado ningún problema en esta película. Como comentaba antes, a esto hay que sumarle el exceso de familiaridad al haber visto innumerables películas y series ambientadas en este periodo histórico. Sin embargo, en este caso, y dentro de ser todo situaciones super anecdóticas, el plus de la animación y de tener la misión a la Luna ha conseguido que me interesara y me mantuviera enganchado para descubrir las diferentes decisiones creativas a la hora de ejecutar cada momento histórico.

Apolo 10 1/2 no creo que vaya a ser la película favorita de nadie, pero creo que es un ejercicio de nostalgia muy interesante y muy bien ejecutado, con una duración de 98 minutos que me ha resultado perfecta.

Comparto el trailer de este película:

Apolo 10 1/2: una infancia espacial es una buena película que te deja con buen sabor de boca ante una recreación de una pasado y una infancia que seguro fue mejor que el mundo actual. Quizá el último momento en que el público americano se permitió soñar que un futuro mejor basado en la ciencia era posible.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de El Último Duelo de Ridley Scott

El último duelo es un películón de los que merece la pena ver en pantalla grande y que recupera al mejor Ridley Scott de los últimos años, con un reparto de lujo formado por Matt Damon, Adam Driver, Jodie Comer y Ben Affleck.

PUNTUACIÓN: 8/10

Artículo CON spoilers.

Basada en hechos reales, la película se centra en el duelo entre Jean de Carrouges (Matt Damon) y Jacques Le Gris (Adam Driver), dos amigos que se convirtieron en rivales. Francia del siglo XIV, cuenta la historia de Marguerite de Carrouges (Jodie Comer), que declara haber sido violada por el caballero Le Gris, el mejor amigo de su marido Jean. Al no creerle nadie y ante tal ofensa, su marido acusa a su mejor amigo ante el rey Carlos VI, quien decide autorizar un duelo a muerte entre ambos. (FILMAFFINITY)

The Last Duel: A True Story of Trial by Combat in Medieval France es un libro de 2004 del autor estadounidense Eric Jager sobre el último duelo judicial oficialmente reconocido en Francia, que tuvo lugar en 1386. Es interesante indicar que aunque este fue el último duelo judicial celebrado en Francia, no fue el último duelo legal. Los posteriores duelos autorizados no fueron duelos judiciales que decidieron la culpabilidad e inocencia de los participantes, sino duelos por el honor para vengar una afrenta. La adaptación del libro de Jager se anunció por primera vez en 2015, aunque no se dio luz verde oficialmente hasta julio de 2019, cuando Ben Affleck y Matt Damon fueron confirmados como estrellas y coguionistas de la película junto al director Ridley Scott.

Hablar de Ridley Scott (Inglaterra, 1937) es hablar de una leyenda viva del cine: Alien, Blade Runner, Gladiator, El Reino de los cielos, Thelma y Louis, Los duelistas, Black Hawk Down… Demasiadas películas buenas como para acordarme de todas. Sin embargo, hay que reconocer que The Martian (2015) también con Matt Damon, fue su última gran película, y que en los últimos años hemos tenido más decepciones (Prometheus, Alien: Covenant) que aciertos. El último duelo es su vuelta por la puerta grande.

Como comentaba, a partir de un guión de Affleck, Damon y Nicole Holofcener, Scott ha creado una película de 152 minutos que fue rodada durante 2020 (sufriendo una paralización del rodaje debido al COVID) en localizaciones de Francia e Irlanda. El último duelo cuenta con fotografía de Darius Wolski, montaje de Claire Simpson y música de Harry Gregson-Williams. La película contó con un presupuesto de 100 millones de dólares que lucen espectaculares en pantalla. Lamentablemente, ha sido un fracaso comercial absoluto, ya que en el momento de escribir estas líneas tan sólo ha recaudado 25 millones en todo el mundo. La película producida por 20th Century Studios, va a generar millones de dólares de pérdidas para Disney.

El reparto de El último duel me parece alucinante y transmiten todo el carisma que se espera de las grandes estrellas de Hollywood. Empezando por Matt Damon como Sir Jean de Carrouges, un caballero poco reflexivo más interesado en la guerra que en cuidar de sus propiedades y de su esposa. Junto a él tenemos Adam Driver como Jacques Le Gris, escudero del Rey de Francia amigo de Jean que se convertirá en la mano derecha del Conde Pierre d´Aleçon (Ben Affleck), el noble que controlaba la zona de Normandía. Jodie Comer es Marguerite de Carrouges, la esposa de Jean que aparte de bella es mucho más inteligente de lo se estilaba en la época.

Completarían el reparto Harriet Walter como Nicole de Buchard, madre de Jean y suegra de Marguerite, Alex Lawther como el Rey Charles VI, Marton Csokas como Crespin, un escudero amigo de Jean y Tallulah Haddon como Marie, una amia de Marguerite.

Si hablamos en positivo del cine comercial de entretenimiento, no se puede hacer mejor que lo que Ridley Scott nos ofrece con esta película. El último duelo es una estupenda película que cuenta una historia interesante que nos habla de un suceso real del pasado que puede tener enseñanzas para nuestra sociedad actual, contada de forma visualmente brillante con una estructura narrativa poco habitual y que tiene a 4 grandes actores que transmiten todo su carisma y calidad actoral a la pantalla, con una duración de 150 minutos que en ningún momento se hace larga. Como digo, no se puede hacer mejor, con un diseño de producción, una fotografía, un vestuario y una música de diez que nos transportan desde el minuto uno al siglo XIV.

Aunque hay importantes escenas de acción rodadas con una brutalidad poco habitual además del duelo que da nombre a la película, realmente la película no es una historia de acción, sino que busca mostrarnos cómo era la sociedad medieval, con especial atención al sufrimiento y sometimiento que sufría la mujer convertida poco menos que en una propiedad para el marido. Uno de los elementos que más me gustan de El último duelo es que la historia te muestra de forma fría, aséptica y dura un montón de elementos que resultan terroríficos bajo el prisma de nuestra sociedad moderna pero que eran lo más normales hace 7 siglos y a nadie se le ocurría cuestionar.

Empezando por una violación mostrada por duplicado que resulta no ser un delito dentro de las leyes de la época. Debido al sometimiento de la mujer al varón, ésta no podía denunciar a su agresor, sino que tenía que hacerlo su marido en cuanto a que habían usado ¿estropeado? sin permiso “su propiedad”. Buff, se me pone la carne de gallina sólo con pensarlo. O que lo normal de la época era que la mayoría de mujeres hubieran sido violadas en algún momento de su vida, algo que descubrimos por boca de la madre de Jean, y como las mujeres tenían que agachar la cabeza y seguir adelante con su vida.

Y qué decir de un clero que tenía normas especiales que se aplicaban sólo a ellos y que les permitían salir libres de prácticamente cualquier acusación de violación, un hecho que prácticamente ha continuado hasta nuestros días. O de la llamada cultura de la violación actual que hace una persona poderosa no conciba que ha violado a una mujer porque quién no querría estar con él siendo alguien tan importante. Ambos detalles son puestos en el contexto medieval pero tienen una correspondencia actual absoluta. Como lo es que la peor enemiga de una mujer suele ser otra, en este caso que no la cree y piensa que de alguna manera probablemente ella lo provocó y fue culpa suya.

Todos estos elementos son únicamente el subtexto que muestran la realidad de la época, y no es necesario que me digan que es algo malo porque cualquier persona normal que tenga la brújula moral en el sitio adecuado que vea la película lo entenderá automáticamente. Mostrar sin pretender dar todas las respuestas o dejar espacio para la comprensión del espectador es siempre mejor opción que el abofetear al espectador con los panfletos con los que nos están machacando otras producciones.

Aparte de este subtexto, otro elemento que me ha gustado mucho es que la historia es super entretenida a pesar de ser casi dos horas y media de película, al plantear una premisa poco habitual en el cine comercial, al contarnos la historia desde el punto de vista de los tres protagonistas, primero el de Sir Jean de Carrouges (Damon), el marido agraviado, después el de Jacques Le Gris (Driver), el autor del crimen, terminando con el de la víctima Marguerite de Carrouges (Jodie Comer). Esto hace que la película vuelva atrás en dos ocasiones cuando cambiamos de punto de vista, ofreciendo cada nuevo narrador matices que son super interesantes y aportan una nueva dimensión a hechos que acabábamos de ver.

De esta manera, descubrimos que Sir Jean en lugar de ser el noble y valeroso guerrero que parecía es un ser mezquino y envidioso que se interesa más por la guerra que por dirigir bien sus tierras, tratando de forma despótica a su mujer. De igual forma, Le Gris es un cerdo violador, pero también intenta ayudar y ser un buen amigo de Sir Jean, a pesar de sus numerosos desplantes, lo cual le convierte en un personaje complejo. Asqueroso, pero interesante.

Quizá el pero de la película es que mientras veía la película estaba esperando un giro, una sorpresa que hiciera que todo lo que pensabas que estaba pasando hasta ese momento fuera falso, y nunca llegó a pasar. De hecho, hubo un momento que me sorprendí pensando si no sería todo una trama creada por Marguerite para desacreditar a Le Gris y enriquecer a su marido, pero que va. La historia no va de un whudinit, sino de documentar de forma interesante y entretenida el sufrimiento de la mujer en la Edad Media. Y por tanto cada punto de vista no hace sino reforzar que SI hubo violación, nunca hubo duda al respecto. Esto hace que sobre todo la tercera parte con el punto de vista de Marguerite quede un pelín larga con momentos que refuerzan lo ya visto pero sin aportar demasiadas novedades. En especial en la escena de la violación que es mostrada casi igual que la habiamos visto, siendo un momento dolorosa de ver pero algo redundante. Esto hace que el ritmo se resienta un poco en esa parte, pero a mi nunca se me hizo aburrida.

Creo que del trío protagonista, dado que Ben Affleck tiene un papel secundario, Jodie Comer es la mejor de los tres. Su interpretación es tremenda y nos mete de lleno en un drama que no puede exteriorizar y que es puesto en duda por todos a su alrededor. Comer lo hace genial, pero también hay que reconocer que este papel es el más agradecido de los tres. Adam Driver creo que también lo hace muy bien como un noble inteligente y carismático que se sabe mejor que los demás y que sabe explotar sus habilidades en su propio provecho. Y agradezco que una gran estrella como Matt Damon se haya arriesgado con el papel del cerdo, impulsivo y desfigurado Sir Jean. Reconozco que se me hizo raro creerme que este chaval de la Costa Este americana sea un escudero en la Francia medieval, pero si el objetivo era conseguir que despreciáramos a Sir Jean, el éxito es brutal.

El climax de la película con el duelo también me parece tremendo, dejando claro que Sir Jean no está luchando por restaurar el honor de su mujer sino por su propio orgullo, y que ha apostado la vida de su mujer para vengarse de un Le Gris contra el que se ha sentido acomplejado toda su vida. El duelo es un prodigio de narrativa, espectacularidad y brutalidad, con una muerte super bestia que hizo que apartara la mirada y en el que las apuestan no pueden ser mayores, ya que Marguerite también morirá si su marido pierde el combate.

De hecho, más allá del ganador del combate, el shock viene del convencimiento que adquiere Marguerite sobre que si hubiera sabido que su marido estaba dispuesto a jugarse su vida y hacer que su hijo quedara huérfano, ella no hubiera acusado a Le Gris y se hubiera centrado en criar a su hijo como han hecho miles y miles de mujeres violadas antes que ella. De hecho, la historia llega a su final de forma satisfactoria, pero la cultura de la violación llegó hasta nuestros días, por lo que en la parte de crítica social su denuncia queda de candente actualidad.

Por último, un comentario sobre el fracaso comercial de la película. Hay un grupo de gente que siempre se queja del cine comercial, en concreto del blockbuster palomitero y sobre todo de los superhéroes, como si fueran la fuente de todos los males de la industria del cine, afirmando que NO se hacen películas interesantes para un público «adulto», o al menos mayor de 30 años, entre los que esos comentaristas se suelen situar. Sin embargo, cuando se estrenan precisamente películas de ese tipo que reclama, tampoco va a verla, quizá argumentando entonces que el cine es muy caro, y como va a ir todas las semanas al cine pagando teniendo su suscripción a Netflix (o a Filmin). Yo pongo mi cartera donde pongo mis opiniones, así que no tengo problema en apoyar el tipo de cine que quiero ver.

Pero es que hay que negar la mayor, porque los datos de las taquillas tras el levantamiento de las restricciones del COVID indican que si los cines están consiguiendo ser rentables de nuevo y tener ingresos más o menos regulares es precisamente gracias al cine comercial que estas personas desprecian, sin el cual la mayoría de salas habrían cerrado. Este mes de octubre y noviembre hay una amplísima oferta de cine variado dirigido a un público adulto, y ninguna de estas películas está consiguiendo recaudaciones importantes, lo que indica que es este tipo de espectadores es el que aún no ha vuelto a las salas. Luego que no se quejen que no hacen cine para ellos si cuando se estrenaron «sus» películas ¡ellos tampoco fueron!

Sin embargo, en lugar de intentar vender mejor la película o recomendarla a sus conocidos, tengo claro que habrá quien siga diciendo que la culpa de todo es de la gente que sólo va al cine una vez al mes y ha preferido ver Shang-Chi o Eternals antes que Dune o este El último duelo. Una opinión ridícula, obviamente, que deja en evidencia a quien la expresa. Deberían preguntarse qué han hecho mal para no saber captar la atención del espectador, en lugar de llorar porque alguien hizo su trabajo mejor que ellos.

Comparto el trailer de la película:

El último duelo es un peliculón que no te deberías perder que justifica sin duda el ir al cine y pagar por verlo en pantalla grande.

PUNTUACIÓN: 8/10

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