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Crítica de Patrulla-X 35 (Marvel Comics – Panini)

Termina la Era de Krakoa con un último número especial, Patrulla-X 35, realizado por un montón de profesionales de la casa que plantean un final satisfactorio para esta etapa que deja a los lectores con buen sabor de boca.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Todo lo bueno termina y por excelente que haya sido La Era de Krakoa, al fin ha llegado la hora de echar el cierre. La tragedia y el triunfo de Caída de Dinastía de X y el misterio de Ascensión de Potencias de X… todo ha conducido aquí, a un momento que definirá el futuro de los mutantes. Un especial gigantesco escrito y dibujado por el conjunto de autores que han dado forma a La Era de Krakoa. Incluye una historia del maestro Chris Claremont… y un vistazo a lo que está por venir. Con una impresionante portada de Pepe Larraz. 

Este número especial de 84 páginas se corresponde con X-Men 35 USA, que en numeración Legado Marvel dice que es The Uncanny X-Men 700 USA.

La historia principal «El fin del sueño» está escrita por Kieron Gillen, Al Ewing y Gerry Duggan. Mientras que el dibujo corre a cargo de Sara Pichelli, Stefano Caselli, Jerome Opeña, Leinil Francis Yu, Phil Noto, Mark Brooks, Walt Simonson, Luciano Vecchio, Lucas Werneck, Joshua Cassara, John Romita Jr. y Scott Hanna. En el color encontramos a Romulo Fajardo Jr., Phil Noto, David Curiel, Laura Martin, Sonia Oback, Marcio Menyz, Matt Hollingsworth y Matthew Wilson. Menudo porrón.

No voy a echar de menos la Era de Krakoa. Durante estos últimos 5 años se ha pervertido la esencia de tantos personajes muy queridos por mi que no creo que vaya a volver a leer estos comic en un futuro cercano. Pero tras los finales de Caída de Dinastía de X y Ascensión de Potencias de X, la Era necesitaba un epílogo que los guionistas principales de la franquicia Kieron Gillen, Al Ewing y Gerry Duggan realizan en este comic.

Lo mejor que puedo decir es que me gusta que se plantee un final feliz para los mutantes, al plantear una salida para que el reino de Krakoa y los millones de mutantes que lo habitan puedan sobrevivir en otro continuo espacio temporal. Que después de tanta masacre haya este final me parece bonito, si bien hay que resaltar la incongruencia que supone la terrible realidad de ver que para que los mutantes puedan sobrevivir y y prosperar tengan que marcharse de la Tierra, donde es imposible su supervivencia. (Dicho esto, entiendo que editorialmente no es posible que los mutantes sean felices, al no haber un conflicto interesante que justifique la venta de comics. Y es que los editores mutantes deben exprimir el cliché de «temidos por un mundo que juraron proteger.»)

La historia de esta partida está acompañada con un combate un tanto forzado contra Apocalipsis, que anticipa las disensiones que veremos a partir de ahora en los mutantes. El combate sufre por el baile de dibujantes, algo sobre lo que comentaré a continuación, pero sobre todo por la sensación clara que estamos ante relleno para cubrir páginas que justifiquen la extensión de este comic y por tanto, el precio que Marvel primero y ahora Panini nos cobra a los lectores.

La forma en que se ha planteado este comic sirve para el eterno retorno al punto de partida de los comics de superhéroes, al dejar los juguetes casi como los encontramos para la siguiente etapa. Duggan, Ewing y Gillen han resucitado a millones de mutantes, y aunque muchos, la mayoría, se han marchado a vivir este final feliz, en realidad han dejado la puerta abierta para que los siguientes guionistas puedan usar a quien quieran, dado que simplemente podrán decir que no quisieron irse con Krakoa y prefirieron seguir en la Tierra. Esto narrativamente no me parece mal, al dejar todas las opciones abiertas a los siguientes escritores de la franquicia. Lo que NO me ha gustado nada es la idea que han tenido de resucitar a los millones de mutantes que murieron en Genosha a principio de los 2000 al principio de la etapa de Grant Morrison, al ser una reescritura de uno de los momentos claves de la franquicia mutante de este siglo XXI. En realidad no le veo el sentido ni la utilidad a esto.

El principal damnificado del final de la Era de Krakoa ha sido Charles Xavier. Los guionistas la cagaron pero bien con la idea de convertirle en villano como forma de poder acceder a Moira MacTaggert para que le ayudara a derrotar a Enigma, el dominio creado a partir del Nathaniel Esex original. Esto puede ser una de las cosas que menos me gustan de estos últimos números de la Era de Krakoa junto a ver a Kate Pryde y a Rondador Nocturno convertidos en asesinos sádicos que asesinan de formas creativas disfrutando con ello. Este epílogo no resuelve los pecados de Xavier, dejándolo en prisión a cargo de humanos dedicados a la extinción de los mutantes, siendo probablemente el principal elemento que quedará abierto de esta Era de Krakoa de cara a la nueva etapa From the Ashes.

La historia «El fin del suelo», que es la principal de este comic, son 60 páginas de este especial. Arriba tenemos el porrón de artistas implicados, una exageración. Y por un lado, entiendo que plantear que Walter Simonson, Mark Brooks o John Romita Jr. dibujen una única página con una splash-page del combate contra Apocalypsis, es un bonito homenaje a estos artistas que estuvieron relacionados durante bastante tiempo a la franquicia mutante.

Mirando el vaso medio lleno, entiendo la idea de «vamos a hacer que los principales artistas que han trabajado en la Era de Krakoa dibujen una parte de especial como homenaje para ellos también». En ese sentido, las páginas que más me han gustado son el prólogo de 7 páginas de Joshua Cassara y las 5 páginas de Jerome Opeña, con un interesante color que le dan un feeling diferente al que estoy acostumbrado. Estas páginas rebosan dinamismo y personalidad, y me gustan mucho.

Pero mirando el vaso medio vacío, las 4 páginas de Leinil francis Yu me parecen terribles. Pero peor es que el nudo conductor de la historia lo lleve Phil Noto, dibujando 28 páginas del total. Y al principio de la Era de Krakoa el estilo de Noto me llamó la atención, pero con el paso de los mese y años me he dado cuenta que es un dibujo vulgar que rompe cualquier atisbo de espectacularidad y dinamismo que se supone a los comics de superhéroes. Que justo el dibujante que ha demostrado ser rápido a lo largo de estos años se encargue de la mayoría de páginas me muestra lo peor de Marvel, la Marvel que cree que los dibujantes son intercambiables y que da igual 3 que 33 mientras el comic salga en la fecha prevista. Dejando a un lado los momentos puntuales dibujados por artistas top (para mi), creo como siempre que creído que esta idea de comics corales roba la posible personalidad que pudiera tener este final. O peor, le da la personalidad del aburrido y sin chispa Noto, lo cual no se si es peor.

El comic se completa con una historia de 10 páginas de Chris Claremont y Salvador Larroca, con color de Guru-xFX, protagonizado por Rondador Nocturno, Pícara, Destino y Mística, centrado el recordarnos lo disfuncionales que son las familias mutantes y cómo la historia editorial ha ido enrevesándolo toda de forma terrible. La historia alegrará a los fans veteranos como yo que pasamos más de una década disfrutando de Claremont en la Patrulla-X, en lo que sigue siendo la mejor etapa larga jamás publicada en el mundo de los comics. Dicho esto con el máximo respeto hacia los 4 Fantásticos de Stan Lee y Jack Kirby. Pero en realidad ni la historia de Claremont, repitiendo en 10 páginas dos veces la idea clave de la historia por si no la habiamos captado la primera vez, ni el dibujo de Larroca, que no me gusta nada, son especialmente de mi agrado. En todo caso, tenemos una historia curiosa que puede servir a la idea de los editores de unir pasado y futuro de los mutantes en un único comic.

El especial se completa con 10 páginas que sirven de presentación de la nueva etapa From the ashes, realizadas por Jed MacKay y Gail Simone en el guion, Javier Garrón en el dibujo y entintado, y Morry Holloway en el color. Estas páginas creo que cumplen con su objetivo de mostrar que la vida sigue para los mutantes, que se han dividido y vivirán sus aventuras por separado, al menos los primeros números. Cíclope y Bestia, Pícara y Gambito, Lobezno, Kate Pryde, Fénix y muchos más aparecerán por estas páginas junto a un Charles Xavier que a pesar de estar preso sigue muy presente en el comic. Además, tenemos la presentación de la misteriosa Doctora Ellis que se encargará de la custodia de Charles Xavier y la destrucción de la escuela de Xavier en Westchester, Nueva York. Una doctora Ellis que de momento es la inesperada villana del inicio de esta nueva etapa y que está por ver si realmente aporta una buena sensación de peligro, más allá de ser una jefa dura imitando por ejemplo a Amanda Waller.

En resumen, con sus más y sus menos, sobre todo en lo relativo al dibujo cambiante, creo que este Patrulla-X 35 ofrece un buen final a la Era de Krakoa, una etapa que descarriló desde el momento en que los editores quisieron alargarla más de lo debido y provocó la marcha de Jonathan Hickman. No voy a echar de menos esta etapa pero al menos me alegro que se las hayan apañado para plantear un buen final que nos deje con buen sabor de boca.

Comparto algunas páginas de este comic:

Ahora si, ¡HASTA NUNCA, ERA DE KRAKOA! No te voy a echar de menos. De hecho, es muy poco probable que vuelva a leer estos comics.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de Megalópolis de Francis Ford Coppola

A pesar de las críticas demoledoras que ha sufrido, tenía bastantes ganas de ver Megalópolis, la última película de un Francis Ford Coppola que salió de su jubilación para contar una historia que llevaba décadas intentando convertir en realidad.

PUNTUACIÓN: INCLASIFICABLE

Una fábula épica romana ambientada en una América moderna imaginada. La ciudad de Nueva Roma debe cambiar, lo que provoca un conflicto entre César Catilina, un genio artista que busca saltar hacia un futuro utópico e idealista, y su opositor, el alcalde Franklyn Cicero, que sigue comprometido con un statu quo regresivo, perpetuando la codicia, los intereses particulares y la guerra partidista. Dividida entre ellos está la socialité Julia Cicero, la hija del alcalde, cuyo amor por César ha dividido su lealtad, obligándola a descubrir lo que realmente cree que la humanidad merece. (FILMAFFINITY)

Francis Ford Coppola (Detroit, 1939) es uno de los mejores directores de cine de todos los tiempos Y una de las figuras más destacadas del Nuevo Hollywood que tuvo lugar en la década de 1970, junto a cineastas como Martin Scorsese, Steven Spielberg, Brian de Palma y George Lucas, entre otros. Muchas de sus películas son clásicos absolutos del cine, empezando por la trilogía de El Padrino (1972, 1974 y 1990), La conversación (1974), Apocalypse Now (1979) y Drácula de Bram Stoker (1992). Otras películas de su filmografía son Rebeldes (1984), La ley de la calle (1984), Cotton Club (1984), Peggy Sue se casó (1986), Tucker, un hombre y su sueño (1988), Jack (1996) y Legítima defensa (1997). Su última película antes de esta Megalópolis fue Twixt (2011), que reconozco que no he visto, como tampoco vi la anterior, Tetro (2209). Ha sido ganador de cinco premios Óscar, tres de ellos como guionista (por Patton, El padrino y El padrino II), uno como director (por El padrino II) y uno como productor (también por El padrino II). Asimismo, ha ganado dos Palmas de Oro de Cannes, por La conversación y Apocalypse Now.

Megalópolis ha sido escrita, producida y dirigida por Coppola. La película de 138 minutos de duración y un presupuesto estimado de 120 millones de dólares (financiados por Coppola en su totalidad tras vender sus viñedos en California) ha contado con fotografía de Mihai Mălaimare Jr., montaje de Cam McLauchlin y Glen Scantleburym y música de Osvaldo Golijov. La película se estrenó en Cannes con una tremenda disparidad de opiniones (la mayoría malas) y ha resultado un fracaso absoluto de taquilla.

La película está protagonizada por Adam Driver, Giancarlo Esposito, Nathalie Emmanuel, Aubrey Plaza, Shia LaBeouf, Jon Voight, Laurence Fishburne, Talia Shire, Jason Schwartzman, Kathryn Hunter, Grace VanderWaal, Chloe Fineman, James Remar, D. B. Sweeney y Dustin Hoffman, entre otros.

Empezando a comentar los aspectos positivos de Megalópolis, me llama la atención cómo de cara a la galería los medios, los críticos e incluso los aficionados al séptimo arte se quejan amargamente de la falta de películas originales. Y como todo es un refrito de ideas ya existentes que sólo buscan la creación de franquicias que aumenten los ingresos de unos estudios cada vez más mercantilizados. Sin embargo, cuando llega a las carteleras una película que es totalmente original y que transmite el arte y las inquietudes de su creador, esta película también es rechazada por un público que parece que no acepta ni quiere experimentar películas realmente diferentes. Y esto es un factor clave para mi, porque incluso aunque luego vaya a ser muy crítico con la película, Megalópolis es una película única. No has visto nada igual, y sólo por ello merecería mejor suerte comercial de la que va a tener.

El segundo elemento clave de Megalópolis en el que se asienta la diferencia de la película respecto a otras producciones de este este año (o de los últimos años) es que Francis Ford Coppola NO plantea una narrativa convencional. En esto realmente no engaña a nadie, porque ya desde el poster de la película está indicando que estamos ante «una fábula». La narrativa de Megalópolis se acerca más a una ópera en la que las emociones y las situaciones de plantean desde absolutos exagerados, que a una narrativa «realista». Ambientar la historia en una Nueva York transformada en un ciudad inventada de nombre Nueva Roma para plantear un paralelismo entre la caída del Imperio Romano y el declive de la sociedad occidental este siglo XXI también ayuda a transmitir una sensación teatral casi como si de un drama de Shakespeare se tratara. Gustará más o menos, pero Megalópolis sin duda transmite las ideas y la sensibilidad artística de su autor, el octogenario Francis Ford Cópola.

La parte de Megalópolis que si me gustó es la crítica a la sociedad actual, incluyendo las redes sociales, con su puritanismo y la exigencia de un virtuosismo ridículo e irreal, siempre de cara a la galería. La película muestra cómo esta Nueva Roma demanda que las «artistas» sean puras y virginales, cosa imposible en el mundo de excesos en el que se mueven. Y cuando el engaño se descubre, la «Hannah Montana» de turno se reinventa en una malota Miley Cirus para seguir ordeñando al público. El puritanismo ridículo de la sociedad americana está muy bien criticado por parte de Coppola, esta parte me gustó mucho. Como también me gusta la critica a la sociedad que encumbra a «celebrities» que no tienen suficiente con ser millonarios hijos/as de papa que no dan palo al agua, sino que tienen que convertirse en famosos que exigen la admiración del pueblo llano al que quieren ordeñar. La crítica a una sociedad donde Paris Hilton o las Kardashian sean consideradas gente «importante», me ha gustado mucho.

Aunque Megalópolis está plagada de excesos y elipsis imposibles, en lo relativo a la historia y a la evolución del protagonista César Catilina (interpretado por un Adam Driver super over-the-top) Coppola plantea una historia en la que siempre hay una causa-efecto, y los cambios son siempre justificados, con mayor o menor acierto, a lo largo de la película. Podrán decirse muchas cosas de la película, pero no que la película es un sinsentido en lo relativo a este aspecto concreto.

He encontrado elementos positivos que comentar de Megalopólis, pero en realidad la película no me ha gustado nada. Empezando por la filosofía de Hacendado que Coppola usa a lo largo de toda la película para destacar lo que entiendo que para él eran las claves de la película. Intelectualmente entiendo que Coppola hace una crítica a los populismos políticos al mostrar que mientras César Catilina y el alcalde Cicero debaten sobre asuntos elevados, el villano interpretado por Shia LaBeouf apela a los peores instintos del pueblo llano con eslóganes sencillos que en realidad son frases vacías. Como digo, entiendo lo que está haciendo, pero la ejecución a lo largo de la película me echaba completamente de la película, no dejándome disfrutar de la experiencia.

La cualidad operística que amplifica todo lo que sucede en la película ha provocado que no me haya gustado ningún personaje. Y obviamente Nathalie Emmanuel y Aubrey Plaza están guapísimas en la película, lo cual es algo positivo. Pero ellas como el resto en realidad me parecen arquetipos más que personas reales. Emmanuel siendo la perfección, la persona que ejemplifica todas las virtudes que necesita la sociedad para sobrevivir. Entre otros elementos, siendo madre. Algo que entiendo no es un aspecto anecdótico de la película, más bien al contrario. Y Aubrey Plaza interpretando a la trepa que hará lo que sea acostándose con quien sea con tal de conseguir el éxito y forrarse. Y ojo que tengo claro que en todos los casos no es un problema de los actores sino de lo que Coppola quería que hicieran, a pesar de que se ha comentado mucho la forma en que Coppola ha rodado la película fomentado la improvisación de los actores.

Caso aparte es el personaje de César Catilina, interpretado por Adam Driver. Con él me pasa como con todo en general. Es todo tan exagerado y over-the-top que me sacaba de la película. Y de nuevo entiendo intelectualmente lo interesante que podía ser sobre el papel tener un protagonista que es un visionario que mira hacia el futuro y busca cambiar el presente, que sin embargo vive anclado en un trauma de su pasado. Un trauma que le hará abandonar el amor y la felicidad del presente por conseguir su objetivo utópico, dando un elemento circular a su arco. Sin embargo, la ejecución dista mucho de ser buena. Sus ampulosos monólogos en los que habla de arte, de filosofía y de los aspectos elevados que deben ser clave para un artista, y para un buen ciudadano, me parecieron lamentables. Y de nuevo, puedo entender la cualidad teatral no realista de todo, pero emocionalmente no es algo con lo que pudiera conectar.

Conectado a esto, Coppola presenta idea que podían ser interesantes, como la discursión de si es moralmente adecuado emplear miles de millones en un sueño de futuro cuando millones de personas se mueren de hambre en el presente. Pero como con tantas cosas en la película, la idea es desaprovechada, presentando la duda para nunca más volver a resolverla. Más allá que los hechos de la película afirman que SI merece la pena construir esa utopía porque a la larga será bueno para la humanidad. Lo que haya pasado con los que se quedaran en el camino supongo que será algo para otro día.

Otro elemento que no me ha gustado nada es la puesta en escena. Y en teoría aceptaba el elemento teatral, pero varios sets me parecieron de cartón piedra, algo incomprensible pensando en lo que Coppola se ha gastado para hacer Megalópolis. Los efectos visuales tampoco me ayudaron a entrar en la película, más bien lo contrario, planteando planos chusqueros que resultaban super irreales. Aparte, hay un exceso de escenas con personajes a contraluz, que en ese caso no entiendo su valor narrativo más allá de provocar que el visionado se convirtiera en una actividad incómoda.

Coppola siembre fue un gran narrador, pero en Megalópolis plantea unos poderes de César de detener el tiempo que son una «sacada de chorra» que no pintan nada, más allá (de nuevo) de la metáfora sobre que un verdadero ARTISTA en realidad juega con el tiempo con su obra, consiguiendo en algunos casos en convertirse en eterno gracias a ella. Algo que en realidad no es una metáfora en Megalópolis, porque es expresado literalmente a lo largo de la película, en otro de los ridículos discursos de César. Tampoco los planos del circo romano y el hedonismo extremo de los ricos de esta sociedad me parece que aporten más que histrionismo y exageración. Dentro por supuesto de la crítica a la sociedad del siglo XXI.

El problema en todos los casos no es de la intención de Coppola o las ideas que intentaba transmitir con Megalópolis, sino con su ejecución. Ya lo he comentado antes, pero la filosofía de restaurante chino me ha parecido lamentable. Las voces en off leyendo mensajes cincelados en piedra tampoco es que lancen ideas sutiles, más bien parece que está matando moscas a cañonazos. Por ejemplo, con el contraste entre el urbanismo de cemento y acero que parece ser la cúspide del capitalismo en contraste con la arquitectura inspirada en la naturaleza que plantea César. La sutileza de un elefante en una cacharrería.

Y sin embargo, con todos los problemas que le encuentro a la película, me gusta que Coppola termine la película con una sensación de esperanza y positivismo, porque frente a las distopías que nos inundan en el mainstream americano, está genial ver a un creador pensar que la sociedad occidental aún tiene salvación, aunque para ello tenga que sufrir cambios profundos.

No me ha gustado Megalópolis, pero aplaudo que un maestro como Coppola quiera contar su película sin amoldarse a modas o a los gustos de los espectadores. Me hubiera gustado poder conectar con una película que sin duda es exigente para el espectador. Pero globalmente estoy contento a pesar de todo de haber podido verla en pantalla grande y en versión original.

Comparto el trailer de la película:

Megalópolis no me ha gustado. Pero como pongo mi dinero donde pongo mis opiniones, me alegra haber visto una película que sin duda es única en su género.

PUNTUACIÓN: INCLASIFICABLE

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Crítica de Rebel Ridge de Jeremy Saulnier (Netflix)

Había leído que la crítica estaba poniendo muy bien Rebel Ridge, la nueva película de Jeremy Saulnier (Green Room) que se ha estrenado en Netflix. Comparto mis impresiones a continuación.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

Un exmarine se enfrenta a la corrupción en una pequeña ciudad cuando la policía local le confisca, de forma injusta, la bolsa de dinero que necesita para la fianza de su primo.

Jeremy Saulnier (Virginia, 1976) es un director de cine, director de fotografía y guionista estadounidense. En 2007 estrenó su primer largometraje escrito y dirigido por él, Murder Party. Saulnier financió la producción de su segunda película Blue Ruin (2013) a través de una exitosa campaña en Kickstarter, y fue una película que cosechó muy buenas críticas. En 2015, Saulnier dirigió su tercer largometraje, el thriller de terror Green Room, protagonizado por Patrick Stewart y Anton Yelchin, en su última película antes de su fallecimiento en un accidente doméstico. La siguiente película de Saulnier fue una adaptación de la novela de suspense Hold the Dark, de William Giraldi, que Netflix estrenó en 2018. La asociación de Saulnier con Netflix continúa con esta película.

Saulnier dirige, escribe, produce y hasta realiza el montaje de Rebel Ridge. La película de 131 minutos de duración cuenta con dirección de fotografía de David Gallego y música de Brooke Blair y Will Blair. Aparte del retraso provocado por el COVID, la producción fue bastante accidentada, dado que John Boyega abandonó el rodaje en Luisiana cuando llevaban apenas un mes de rodaje en junio de 2021. Tras tener que contratar a un nuevo protagonista, aparte de otros cambios, la producción se retomó casi un año más tarde, en abril de 2022.

En el reparto encontramos a Aaron Pierre como Terry Richmond, el protagonista al que la policía local incauta su dinero injustamente. Don Johnson es el jefe de policía Sandy Burnne, AnnaSophia Robb es Summer McBride, una trabajadora del juzgado, David Denman es el oficial Evan Marston, Emory Cohen el oficial Steve Lann, Steve Zissis es Elliot, Zsané Jhé es la oficial Jessica Sims, Dana Lee es el Sr. Liu y James Cromwell es el Juez.

Empezando por los elementos positivos, Rebel Ridge es una película que transmite una estupenda tensión desde la primera escena de la película. Hablando del inicio, me gusta que Saulnier vaya al grano y literalmente en el primer minuto ya se establezca la clave de esta historia, cuando el protagonista es asaltado injustamente por un policía local, aunque hay que reconocer que ir en bici con cascos que te impiden escuchar lo que pasa a tu alrededor probablemente sea una falta de tráfico. La dirección de Saulnier es muy acertada y consigue que una premisa de película de Antena 3 de sábado por la tarde te tenga enganchado de principio a fin.

Creo que hay un intento de crear una historia «realista» por parte de Saulnier a partir de algo que entiendo es real y se estará aplicando hoy en día. La normativa que permite requisar a la policía dinero en efectivo si piensan que puede estar relacionado con temas de narcotráfico. Una norma tan genérica que permite aplicarse casi en cualquier caso. Si el decomiso es grave cuando se usa discrecionalmente, casi es peor la casi imposibilidad de recuperarlos debido a la complejidad de la burocracia. A partir de este elemento, Saulnier plantea una historia que me mantuvo super interesado. Y es que Terry Richmond necesitaba el dinero para sacar a su primo de prisión antes que le trasladen a la prisión del estado, donde es probable que sufra un percance grave dado que años antes testificó contra un cartel. Richmond necesita el dinero y hará lo que sea necesario para recuperarlo, ya sea de forma educada o no tanto.

Otro elemento que supongo viene del «realismo» (o no se cómo considerarlo) es que Richmond en ningún caso MATA a ningún policía, sin importar lo corrupto que pueda ser o el daño que cause. Imagino que porque para la legislación americana en cuanto agredas a un policía sin importar si tenías justificación o era defensa propia, nada podrá evitar que acabes entre rejas. Aaron Pierre es un «armario», lo que hizo que en algunos momentos pensara que estamos ante un «Jack Reacher negro», sobre todo pensando en las similitudes del inicio de esta película con el inicio de la primera temporada de Reacher.

Creo que Aaron Pierre es un protagonista estupendo. En parte la comparación con Jack Reacher es acertada, porque Pierre tiene una presencia física imponente. Aparte, su interpretación es estoica conecta también con Reacher, aunque es este caso Pierre tiene un mayor rango de emociones en su interpretación. Si esta película tenía que servirle a Pierre como plataforma de lanzamiento de una nueva estrella de cine de acción, creo que puede considerarse esta película un gran éxito. Sobre todo pensando en que Pierre aparece en pantalla el 95% del tiempo.

El resto de actores cumplen correctamente con su función, pero sin destacar en ningún aspecto. Reconozco que el papel de Don Johnson como el jefe de policía Sandy Burnne me ha decepcionado bastante, porque no tiene margen de que su carisma se pueda poner en valor. AnnaSophia Robb como Summer McBride es la única persona que ayudará a Richmond en el pueblo y que se verá salpicada por la corrupción que ha anidado en todas las instituciones públicas locales. Todos están bien, dentro que nadie es notable.

Dentro del subgénero de thriller de corrupción en un pueblo de mala muerte, Rebel Ridge me mantuvo interesado durante la mayor parte de la película. Como comentaba antes, en lo relativo a la dirección y montaje, creo que Saulnier realiza un gran trabajo, planteando planos y escenas que ayudan a que la narración sea atractiva y enganche. Dentro que estamos ante una película con un ritmo pausado, consigue ser interesante la mayor parte del tiempo. Sobre todo pensando que en realidad estamos ante una película con dos únicas escenas de acción. Por esa parte, me ha gustado.

El problema de Rebel Ridge es la historia, con un climax final que me parece ridículo. Y no es sólo que sea ridículo, es que rompe todo el trabajo previo de plantear algo que sea «realista». Y no sólo eso, es que destruye cualquier atisbo de que la película sea VEROSÍMIL. Y esto es un problema muy grande del último cuarto de hora de película, que se convierte en un todo vale que me dejó con mal sabor de boca. De hecho, con la buena pinta que todo apuntaba, este final es una decepción total.

Otro tema que me llama la atención ha sido las críticas hacia esta película. A pesar de su fallido y decepcionante final, no creo que sea una película mala. Pero desde luego no es el peliculón que algunas críticas han publicado. Y la sensación que tengo, respetando todas las opiniones, es que el nivel medio es taaaaaan bajo que cuando una película es un poco mejor, parece como si estuviéramos ante la Capilla Sixtina.

Comparto el trailer de la película:

Rebel Ridge me ha gustado, pero sin más. Su loquísimo final me ha decepcionado mucho y ha bajado la puntuación final de una película que estaba apuntando maneras.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

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Crítica de Hit-Man: Asesino por casualidad de Richard Linklater (Prime Video)

Me supo mal perderme en su día Hit-Man de Richard Linklater durante su breve paso por la cartelera española. Aprovechando su estreno en Prime Video he podido ver esta película escrita, producida y protagonizada por Glen Powell.

PUNTUACIÓN: 8/10

Gary Johnson es el asesino profesional más buscado de Nueva Orleans. Para sus clientes, es el sicario ideal. Pero si le pagas para que elimine a un cónyuge infiel o a un jefe maltratador, será mejor que tengas cuidado: trabaja para la policía. Cuando rompe el protocolo para ayudar a una mujer desesperada que intenta huir de un novio maltratador, se convierte en uno de sus falsos personajes, se enamora de la mujer y coquetea con convertirse él mismo en un criminal. (FILMAFFINITY)

Richard Stuart Linklater (Houston, 1960) es un director de cine, productor y guionista estadounidense. Entre sus películas destacan las comedias Slacker (1990) y Dazed and Confused (1993); la trilogía romántica Before: Antes del amanecer (1995), Antes del atardecer (2004) y Antes de medianoche (2013); la comedia musical School of Rock (2003); las películas de animación para adultos Waking Life (2001), A Scanner Darkly (2006) y Apollo 10 1⁄2: A Space Age Childhood (2022); el drama sobre la mayoría de edad Boyhood (2014); la comedia Everybody Wants Some!!! (2016). Hit Man (2023) es su última película hasta la fecha

Linklater además de director es productor y guionista de la película junto al actor Glen Powell. De hecho, Powell, que había trabajado por Linklater en Fast Food Nation (2006) fue el que le propuso hacer la película a Linklater tras leer durante la pandemia el artículo de Skip Hollandsworth en que se basa la película, la historia real de un profesor universitario que trabajó para la policía de Houston a finales de los años ochenta y noventa como falso asesino a sueldo. La película estrenada en 2023 en USA contó con un presupuesto de 8 millones de dólares, y tiene una duración de 115 minutos. Hit-Man tiene además fotografía de Shane F. Kelly, montaje de Sandra Adair y música de Graham Reynolds.

En el reparto destaca sobre todo Glen Powell como Gary Johnson, profesor universitario y técnico electrónico convertido en topo encubierto, lo que le obligará a crear múltiples identidades. Adria Arjona como Madison Figueroa Masters, una mujer infelizmente casada que intenta contratar a Gary para que mate a su marido, Austin Amelio como Jasper, un agente de policía encubierto, Retta como Claudette, la agente de policía superior de Gary, Sanjay Rao como Phil, otro agente de policía, Molly Bernard como Alicia, la ex mujer de Gary y Evan Holtzman como Ray, el ex marido de Madison completan el reparto.

Me ha gustado mucho Hit-Man. En casos como este intento ver la película sabiendo lo menos posible. En su momento recordaba que a mi hermano Fernando le gustó cuando se estrenó en el cine, y con eso me bastaba. Y lo cierto es que tenemos una película con varias capas que me ha entretenido de principio a fin, con un Glen Powell pletórico, una bellísima Adria Arjona que tiene una química alucinante con Powell y una historia que me parece ORIGINAL en el sentido más literal del término, que consiguió que nunca supiera qué iba a suceder a continuación.

Mientras empezaba la película no pude evitar pensar qué sistema económico hace que un profesor de universidad no tenga suficiente dinero con su sueldo académico y tuviera que buscarse otro trabajo, encontrándolo ayudando a la policía de su ciudad. Y que un trabajo preparando micrófonos y equipos de escucha se convirtiera en realizar él el papel de asesino falso que quedaba con personas que querían contratarle, haciéndoles hablar para que se incriminaran a ellos mismos, es una locura demasiado grande si no fuera porque sucedió en la realidad.

Glen Powell va camino de convertirse en una estrella de las que sólo por él te animas a ir al cine. En Hit-Man tiene un papel que permite lucirse como actor, al convertirse en personajes diferentes con cada nueva misión encubierta. Esto ofrece algunas escenas divertidas en la primera mitad de la película. Pero lo verdaderamente genial es ver su transformación, al pasar del tímido profesor Gary a un seguro de si mismo y carismático asesino llamado Ron. La transformación de Gary / Ron me recordó el Clark Kent / Superman interpretado por Christopher Reeves, con el plus que supuso escuchar la película en versión original. Sus interpretaciones son alucinantes y no es sólo su voz, es que su dinámica corporal cambia completamente y te hace sentir que estamos ante dos personas diferentes. Por la parte de Powell, encuentro que todo lo hace bien, creando a un protagonista que genera empatía automática con el espectador, con el plus de ver a un actor escribiendo y produciendo también la película, lo que muestra a un profesional mucho más versátil que simplemente ser una cara bonita.

En la parte de comedia romántica, la química de Powell Y Arjona es espectacular. Aparte que ambos físicamente son super atractivos, lo cual es también un plus para el espectador. A Arjona la había visto en Andor, Pacific Rim Uprising o 6 Underground, y en esta película está guapísima y super sexy. Pero no es sólo eso, porque fruto de su relación con Ron (el asesino) su personaje evolucionará hacia caminos que jamás me hubiera imaginado, provocando que el último tercio de la película cambiara radicalmente a partir del giro que se produce. Volviendo a la parte de la comedia romántica, la parte de una persona interpretando una versión falsa de si mismo está condenada al conflicto cuando se conozca la verdad, pero la película de Linklater consigue llevar la historia por senda poco habituales, dejándome con un gran sabor de boca.

Otro tema a tener en cuenta es que por el propio título podría pensarse que estábamos ante un thriller con más o menos acción, y en realidad esto no tiene nada que ver con lo que la película nos muestra. A mi la novedad me gustó mucho, pero podría entender que hubiera algún espectador que no conectara con la película al no ser lo que se imaginaba. No es mi caso, pero entiendo que pudiera haber pasado.

Otra de las partes que más me han gustado es la parte filosófica y de superación personal que se puede de extraer de la película. Y reconozco que puede ser muy obvio ver a Gary explicar en su clase de psicología y la teoría de Freud sobre el YO, el ego y el superyo, y como nuestra personalidad se conforma de nuestras experiencias sociales tanto o más que de nuestros rasgos interiores, animando a sus alumnos a ser la mejor versión posible de si mismos, al nuestra personalidad susceptible de ser modificada. Luego, veremos que eso mismo es lo que él va a experimentar en la película. Como digo es una forma muy obvia de dejar claro cual es el tema de la película aparte de la parte romántica. Sin embargo, a mi me funciona completamente, ya que de alguna manera vamos a ver la representación física de la teoría. Al tratarse de una estructura de comedia romántica, ver que es posible realizar este cambio consiguiendo resultados positivos es la mejor manera de convencer al público que este cambio es posible.

Hit-Man no es una comedia de carcajadas, pero si de situaciones que me tuvieron con la sonrisa en la cara durante casi toda la película. La historia me ha parecido super inteligente en la forma en que la historia va sucediendo, sin locuras absurdas pero sabiendo generar situaciones lógicas que yo no me esperaba. Si a esto sumamos unos actores estupendos que generan empatía y son guapísimos (no nos engañemos, esto también es un factor), tenemos un éxito asegurado.

De hecho, no le acabo de ver el problema que algunos comentaron en su momento, descontando por supuesto a un Boyero que vive en su propio mundo. Me gusta ver una comedia romántica con un feeling clásico con unos protagonistas cumpliendo con lo que la película demanda de ellos. Hit-Man me ha entretenido, a ratos me sorprendió y siempre conecté con el protagonista. No se le puede pedir más.

Comparto el trailer de la película:

Me he entretenido mucho viendo Hit-Man. Y lo que es mejor, me ha resultado super original e inesperada, sin saber nunca qué iba a pasar a continuación. Super recomendable.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Transformers One de Josh Cooley

Aprovechando su preestreno, me llevé a mi hijo a ver Transformers One, la película de animación dirigida por Josh Cooley que quiere contar el origen de la enemistad entre Optimus Prime y Megatron.

PUNTAUCIÓN: 7/10

Es la historia jamás contada del origen de Optimus Prime y Megatron y de cómo pasaron de ser hermanos de armas que cambiaron el destino de Cybertron para siempre, a convertirse en enemigos acérrimos.

Joshua Cooley (1979) es un cineasta y artista de storyboards estadounidense. Antes de esta Transformers, le conocí por haber dirigido la estupenda Toy Story 4 (2019) , que ganó el Óscar a la mejor película de animación. También es coautor del guion de la película Inside Out (2015), que fue nominada al Oscar al Mejor Guion Original.

Transformers One cuenta con un guión de Eric Pearson y el dúo de guionistas formado por Andrew Barrer y Gabriel Ferrari, basado en una historia de Barrer y Ferrari. Es el primer largometraje de animación de la franquicia desde Transformers: La película (1986), y plantea una especia de reboot al contar los orígenes y la relación inicial nunca antes vistos de Optimus Prime y Megatron y cómo cambiaron el destino de Cybertron, el planeta natal de los Transformers. La película de 104 minutos de duración ha contado con música de Brian Tyler y montaje de Lynn Hobson. Se estima que su presupuesto ha sido de 100 millones de dólares.

El reparto de voces incluye a actores mega populares como Chris Hemsworth como Orion Pax / Optimus Prime, Brian Tyree Henry como D-16 / Megatron, Scarlett Johansson como Elita, Keegan-Michael Key como B-127 / Bumblebee, Steve Buscemi como Starscream, Laurence Fishburne como Alpha Trion, Jon Hamm como Sentinel Prime e Isaac C. Singleton Jr. como Darkwing.

Tengo que reconocer que cuando vi el primer trailer de esta película, la idea de ver una buddy-movie de humor con los Transformers no me hizo especialmente gracia. Sin emnargo, mi hijo es un super fan de los Transformers, así que tenía claro que me gustara o no, esta película la iriamos a ver el día de su estreno. O de preestreno, en realidad. Porque no se por qué motivo, pero su distribuidora la planteado un extraño preestreno el fin de semana anterior a su estreno oficial, que es el 20 de Septiembre. No tengo claro qué objetivo esperar conseguir, aunque supongo que la idea es que los muy fans la vean antes y puedan recomendar la película unos días antes de su estreno, de forma que ayuden a que la recaudación sea mayor. Pero sea con un objetivo u otro, lo cierto es que nosotros pudimos ver la película con varios días de antelación.

Una vez comentado esto, tengo que decir que Transformers One me ha gustado mucho más de lo que esperaba a priori. Me ha parecido una película de origen modélica que cuenta con una historia más que correcta, con un giro que se ve venir desde el minuto uno pero que está bien, un final super potente y satisfactorio, y varias de tramas abiertas en caso que la película sea un éxito y se planteen realizar nuevas películas ambientadas en Cybertron. Como digo, sin que me haya volado la cabeza nada en concreto, creo que lo que cuentan está bien ejecutado.

Por culpa del preestreno no pudimos ver la película en versión original, pero me ha gustado la amistad de Orion Pax y D-16, los bots que están destinados a convertirse en Optimus Prime y Megatron. En general, me han gustado las voces y sobre todo la forma en que establecen las relaciones de los protagonistas, algo que mejora las espectaculares películas de Michael Bay, que en lo referido a los protagonistas están repletas de chorradas y momentos de vergüenza ajena. Esto no pasa nunca en Transformers One, y creo que es el primer éxito de la película. Porque si no hubiéramos empatizado con los protagonistas, la película se hubiera derrumbado, y sin embargo ellos son parte fundamental del éxito.

La primera sorpresa de la película es ver un Cybertron en el que la mayoría de habitantes son bots sin capacidad de transformarse, que al final es la principal cualidad de estos robots. Los protagonistas son mineros que extraen energon del fondo del planeta, y sólo unos pocos robots liderados por el Rey del planeta Sentinel Prime son transformers. Este elemento ya te hace ver que algo no cuadra, y resulta clave para el giro de mitad de película. Hasta llegar a ese giro, tenemos a un Orion Pax que sólo tiene ideas locas para demostrar que los bots pueden ser capaces de más cosas que los que sus jefes les obligan a ser, mientras que D-16, como su jefa Elita, son grandes defensores de cumplir con sus obligaciones y no preguntarse nada. Intentar hacer lo correcto hará que Opion Pax ne deje de meter en problemas a los demás, hasta que saldrán a la superficie del planeta para descubrir un secreto que cambiará el mundo para siempre.

La animación me parece correcta, aunque no diré que es espectacular. El movimiento de los robots está chulo, y consiguen enfatizar los momentos de humor, haciendo que el tono general sea de aventura ligera, hasta que llegas al giro antes mencionado. Dicho esto, quizá si no le pongo más puntuación es quizá por este tipo de animación que me parece solamente funcional. Otro acierto de Transformers One es su duración de 100 minutos y un ritmo que hace imposible que te aburras y te mantiene interesando ante el viaje que van a realizar los protagonistas. Por cierto, aparte del trio protagonista, me parece un acierto que hagan que Bumblebee esté con ellos desde el principio. Y las apariciones de algunos robots míticos de la franquicia me parece también algo muy guay.

Hablaba de un tono ligero inicial, pero me gusta que el director Josh Cooley sepa ir añadiendo tensión y peligro hasta llegar a un climax final que me parece super espectacular y con unos momentazos increíbles de Optimus Prime y Megatron. Además, me gusta mucho que un detalle clave de esta película relativo a la matriz del liderazgo en realidad no sea algo nuevo, sino que ya lo vimos en la segunda película en imagen real de Michael Bay, lo que confirma la idea de franquicia conectada. A pesar de que sabemos el dramático final de Cybertron y de los Autobots, me gusta mucho que esta película termine de forma super positiva y satisfactoria, lo que significó para mi la guinda del pastel.

Estoy pensando en cosas menos buenas que comentar de Transformers One. Pero el humor infantil no es un problema cuando pienso que estamos ante una película plenamente para todos los públicos que ante todo tiene que gustar a los niños. Como comentaba sobre la animación, quizá el único problema que le encuentro es que todo está bien, pero sólo un par de momentos diría que son «notables», lo cual explica la puntuación que le pongo.

Otro detalle que si me ha gustado mucho es que aparte de la rivalidad Autobots – Decepticons, me gusta que la película haya mostrado por primera vez en cine a otra gran amenaza para los robots que puede destruir el planeta si ambos bandos no olvidan sus diferencias cuando ataquen de nuevo Cybertron. Este es otro de los motivos por los que quiero que Transformers One sea un éxito de taquilla y permita a sus productores hacer la trilogía de películas precuela ambientadas en Cybertron que siempre quisimos que se hicieran y que ahora empiezan a ser una realidad.

En este sentido, el gran problema de Transformers One es el prejuicio que va a tener una gran parte del público ante esta película, ya que la animación y el tono planteado en los trailers sugiere que estamos ante una película infantil sólo para los más pequeños, lo cual estoy seguro que va a restarle asistencia en el cine. Espero que el boca a boca funcione, pero desde luego, si eres fan de los Transformers, no te puedes perder esta película.

Comparto el trailer de la película:

Transformers One me parece una estupenda película de origen que acierta en la presentación de los clásicos Autobots y Decepticions. Ojalá podamos ver más películas de esta franquicia situadas en Cybertron.

PUNTUACIÓN: 7/10

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