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Crítica de Los Mitchell contra las máquinas, de Mike Rianda y Jeff Rowe (Netflix)

Mientras espero el estreno de la segunda temporada de Love, Death & Robots, Netflix nos acaba de regalar la primera gran sorpresa del año dentro del género de la animación familiar con Los Mitchell contra las máquinas película de Mike Rianda y Jeff Rowe para Sony Animation que ha sido producida por Phil Lord y Christopher Miller (Spiderman – Into the spiderverse).

PUNTUACIÓN: 8/10

El viaje por carretera de la familia Mitchell se ve interrumpido por una insurrección tecnológica que amenaza a la humanidad.

Michael Rianda y Jeff Rowe además de dirigir escribieron también el guión de la película, que cuenta con producción de Phil Lord, Christopher Miller y Kurt Albrecht como productores. Los Mitchell contra las máquinas es la cuarta colaboración del dúo Lord – Miller con Sony Pictures Animation tras las dos películas de la imaginativa serie de Lluvia de albóndigas, y Spiderman: Into the Spiderverse.

Sony Pictures Animation tenía previsto estrenar en cine Los Mitchell contra las máquinas, pero como le ha pasado a tantas otras películas, debido a la pandemia del COVID-19, finalmente llegó a un acuerdo con Netflix para su estreno a nivel mundial a través de su plataforma de streaming. La película cuenta con música de Mark Mothersbaugh y en la versión original cuenta con las voces de Abbi Jacobson, Danny McBride, Maya Rudolph, Rianda, Eric Andre y Olivia Colman.

Los Mitchell contra las máquinas es una película divertidísima y super imaginativa. Teniendo en cuenta que hablamos del equipo de Lluvia de albóndigas, eso no debería ser noticia. Incluso debo decir que sólo con eso la película ya sería un éxito, pero si a esto hay que sumarle una animación de nuevo revolucionaria, estamos ante una de las películas del año.

Es curioso cómo tras Spiderman Into the spiderverse, Sony Animation sigue empeñada en ampliar las posibilidades expresivas de las historias aprovechando las herramientas que las técnicas de animación digital ofrecen. Mientras que PIXAR por ejemplo parece que se especializa en la perfección más absoluta, marcando por ejemplo las 3000 hojas que hay en un árbol, cada una moviéndose de una forma única en pantalla, los creativos de Sony están jugando por ejemplo con las imperfecciones para crear personalidad. De hecho, en muchos aspectos parecen sensibilidades opuestas, lo cual sólo pone de relevancia que no hay una animación “buena”, sino autores con creatividad y ganas de contar una historia con sus propias herramientas.

Los propios creativos de Los Mitchell contra las máquinas resaltan como la intención de mostrar a unas personas con fallos que no son perfectas fue uno de los elementos clave que querían que se transmitiera en cada una de las imágenes. La suma de unos protagonistas con un diseño cartoon al que se suma una gama cromática casi como si usaran acuarelas encima del fondo digital crean un llamativo contraste sin restarle un ápice de personalidad, resaltando su diferencia respecto a otras obras.

A eso hay que sumarle unas ganas evidentes de hacer avanzar el medio mediante la combinación de elementos, como el uso de elementos planos, la sensación casi como si las imágenes se hubieran dibujado a mano en un papel o una estética de comic que conecta con la sensibilidad de Into de spiderverse pero a la vez es completamente diferente. Por ejemplo, un elemento como es ver en pantalla con dibujitos al lado de la cabeza de la protagonista los sentimientos que tiene en ese momento es un detalle muy muy chulo. Y como este, los hay a patadas durante toda la película.

La historia en el fondo es un canto a la familia y como hay que aceptar la de cada uno aunque no sea “perfecta”, con unos miembros pensados claramente para apelar a un tipo de espectador concreto: niños, adolescentes, padres, hombres y mujeres… Esto realmente no es especialmente novedoso y de hecho sería el único pero que se le puede hacer a la película, que la historia se mueve por terrenos esperables en todo momento para resaltar este mensaje de amor familiar.

Sin embargo, la familia Mitchell es realmente divertida, sus diálogos rebosan vida, conexión y amor a pesar de las discursiones que tienen, y me han gustado muchisimo. Junto a ellos, la historia del alzamiento de los robots sirve para hacer unos homenajes clarísimos a un montón de clásicos de la ciencia ficción en un montón de planos concretos a lo largo de la película que obviamente los niños no pillan, pero los padres disfrutamos un montón.

Junto a esto, dentro que es una película familiar con un humor blanco para todos los públicos, hay algunas bromas y críticas al poder de las compañías tecnológicas o a la forma en que nuestra sociedad nos hemos enganchado al móvil y a las redes sociales que me parecen que están muy bien tirados y no dejan títere con cabeza.

Si te gusta la animación, hay tantos hallazgos visuales en Los Mitchell contra las máquinas que no tengo duda que va a ser una película de múltiples visionados en los que cada vez voy a descubrir un detalle nuevo y degerente que me va a volar la cabeza. Y para muestra, comparto el siguiente video en el que el equipo explica algunos detalles de su espectacular animación:

Y a continuación, comparto el trailer de la película:

Los Mitchell contra las máquinas es la película familiar de lo que llevamos de 2021, pero es mucho más que una película infantil. Si te gusta la animación, no lo dudes y disfrútala aprovechando que la tienes disponible en Netflix.

PUNTUACIÓN: 8/10

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¡Saludos a todos!

Crítica de Jupiter´s Legacy temporada 1 (Netflix)

Netflix continúa su racha de adaptaciones montoneras de conceptos creados en el mundo del comic. Jupiter´s Legacy, el comic creado por Mark Millar y Frank Quitely ha sido el último damnificado.

PUNTUCIÓN: 5.5/10

“Jupiter’s Legacy” sigue la historia de los primeros superhéroes del mundo, que recibieron sus poderes allá por la década de 1930. Tras dedicar casi un siglo a proteger a la humanidad, ahora esta primera generación debe pasar el testigo a sus hijos para que continúen con su legado. Pero las tensiones van en aumento cuando los jóvenes, ansiosos por demostrar su valía, no logran estar a la altura ni de la legendaria reputación pública de sus progenitores ni tampoco de los exigentes estándares personales de estos. (FILMAFFINITY)

Jupiter´s Legacy es uno de los mejores comics de Mark Millar y Frank Quitely. Planteado como una gran saga familiar de superhéroes con aventuras que se alargan durante todo un siglo. Este comic de 2013 sirvió para que Millar expresara sus inquietudes sobre el género de superhéroes, tocando de forma inteligente temas como las diferentes edades del comic, el contraste del héroe clásico de los tebeos que atrapa ladrones de banco pero no hace nada que realmente mejore la sociedad, preocupado más bien en mantener el status-quo sin que nada cambie, y las nuevas generaciones que buscan cambiar el mundo.

Tras una primera serie de cinco números, Millar cambió de registro entre 2015-16 con Jupiter´s Circle, continuación / precuela de 12 números en las que descubrimos las aventuras de los héroes que hemos conocido casi ancianos en el presente como unos jóvenes alocados en los años 50 y 60. Estas aventuras permiten a Millar dar contexto a los personajes y a la vez que ofrecer su punto de vista a momentos importantes de la historia de los Estados Unidos. Aunque Millar tiene ideas interesantes y mucha crítica social, el comic se vio lastrado por el excesivo baile de dibujantes: Wilfredo Torres, Chris Sprouse, Davide Gianfelice ,Rick Burckett o Ty Templeton dibujaron páginas de esta serie de 12 números,haciendo que echáramos de menos a Quitely.

Por último, en 2017 salió el segundo y de momento último volumen de Jupiter´s Legacy, de nuevo con Quitely al dibujo. Y aunque visualmente el arte de Frank Quitely en es una pasada, la historia de Mark Millar acaba resultando un poco más de lo mismo, repitiendo algunos patrones habituales de su obra. La serie quedó inconclusa en 2017, anunciándose en ese momento un tercer volumen, Requiem, para 2019 que no llegó a publicarse, y ahora que por fin va a empezar su publicación el próximo mes de junio, nos encontramos que Quitely solo dibuja las portadas, eligiendo Millar a Tommy Lee Edwards para sustituirle.

Cuando Netflix compró Millarworld, la compañía de Mark Millar en 2017, apostando por Millar como creador de contenidos para su canal de streaming, no había duda que Jupiter´s Legacy podía ser una de sus principales apuestas, dado que esta saga de superhéroes alargada durante un siglo podía ofrecer horas y horas de entretenimiento.

La adaptación televisiva de Jupiter´s Legacy ha sido creada por Steven S. DeKnight (Pacific Rim: Uprising, Daredevil), escribiendo y dirigiendo incluso el primer episodio, Sin embargo, DeKnight abandonó la serie por las clásicas “diferencias creativas, pasando Sang Kyu Kim a asumir el cargo de showrunner. Mark Millar ha mantenido funciones de productor ejecutivo, pero ha comentado que aunque ha opinado, en general ha dejado que otros creativos trabajaran sus propias ideas basadas en su historia. La serie de ocho episodios ha contado con fotografía de Danny Ruhlmann y Nicole Hirsch Whitaker, y música de Stephanie Economou.

Josh Duhamel protagoniza la serie interpretando a Sheldon Sampson / Utopian, un trasunto de Superman que tras el crack de la bolsa de 1929 llevará a un grupo a buscar una isla mágica que se le ha aparecido en visiones y donde conseguirán sus poderes. Junto a Duhamel, tenemos a Ben Daniels como Walter Sampson / Brainwave: el hermano mayor de Sheldon que adquirirá poderes telepáticos; Leslie Bibb como Grace Sampson / Lady Liberty. la esposa de Sheldon y una de las heroínas más poderosas del planeta, además de madre de Chloe (Elena Kampouris) y Brandon (Andrew Horton), los hijos de la pareja más famosa del planeta que tienen que lidiar con las expectativas del público y un ideal imposible de igualar que les intenta imponer su padre Utopian. Matt Lanter como George Hutchene / Skyfox, amigo de la infancia de Sheldon enfrentado con Walter en 1929 y que acabó traicionando al grupo. Su hijo Hutch (Ian Quinlan), un ladrón de poca monta que usa un aparato de teletransportación, completan el reparto.

Empezando por los elementos positivos, hay que reconocer que el comic de Millar y Quitely no llegó nunca a ofrecer esa gran saga superheroica que prometía, ya que el primer volumen tuvo un giro bestial super punkie marca de la casa de Millar que cambió completamente lo que se esperaba de ella. Es por esto que a priori, la oportunidad que ofrecía la serie de ofrecer más información del pasado de los héroes para que nos atrapen emocionalmente me parecía no sólo algo correcto, sino el camino a seguir para poder crear algo especial.

También hay que destacar que a pesar de los cambios, la serie es super fiel al comic y consigue sacarme una sonrisa al ver en imagen real el traje de Utopian o Lady Liberty.

Y hasta aquí lo bueno. Como digo Jupiter´s Legacy tiene el feeling correcto, los trajes y la historia son como el comic y en general todo es correcto, pero a la vez todo da sensación genérica y sin personalidad: la música, la fotografía, el CGI… Todo lo contrario de un comic dibujado por Frank Quitely. Ver como la serie de TV desaprovecha, o pasa por alto, las virtudes de Mark Millar y Frank Quitely es algo que me ha llamado mucho la atención. Todos conocemos a Millar por sus one-liners, sus golpes de efecto y, por qué no decirlo, sus punkarradas. Pero el escritor escocés es también y un maestro en la síntesis, ofrecer el núcleo de las cosas en un diálogo y 4 viñetas. A pesar de que cada episodio está centrado en un personaje, tras seis horas de televisión no me queda la sensación de que conozco mucho mejor a los personajes en la serie respecto al comic, la verdad. Con el agravante de tener en la serie diálogos repetidos en todos los episodios que giran sobre los mismos temas y acaban siendo redundantes.

Frank Quitely es un maestro en narrativa, en congelar la imagen en el momento más potente y en sus perspectivas que ofrece la acción desde puntos de vista atractivos. Sinceramente, no vi nada de esto en la serie, a pesar de que varias escenas salen directamente del comic. La ventaja del comic frente al cine o la televisión siempre fue que el artista puede plasmar cualquier cosa en la página, no está limitado por un presupuesto. Pero hay veces que no es cuestión de dinero, sino de talento. Quitely lo tiene a raudales, pero no acabo de verlo en la serie, ya que todo luce plano y sin chispa. Si tuviera que decir un momento visual que me haya gustado, sinceramente no podría decir ninguno porque lamentablemente, en este caso correcto significa mediocre.

Pero no son sólo los valores de producción, el guión tiene también mucho delito. Comentaba como positivo la posibilidad de ampliar el lore de la serie y mostrar cosas que no tenían cabida en comics de 22 páginas. Sin embargo la ejecución es lamentable. La serie divide el tiempo en el presente y en 1929, para ver cómo los héroes consiguen sus poderes. Lo que Millar despachó en seis páginas del número uno del comic en la serie nos lleva casi tres horas de historia que no acaba de ir a ningún lado y, al menos en mi caso, me ha aburrido sobre manera. Como digo, no hay nada nuevo que haya visto en la serie que me haya hecho empatizar (u odiar) a ningún personaje, porque ninguno me ha transmitido nada. La búsqueda de Sheldon de pistas para llegar a la isla o los episodios de “locura” que sufre con sus visiones me han parecido “paja” narrativa únicamente puesto ahí para ocupar minutos.

Siguiendo esta filosofía de situar cada episodio mitad en el presente y mitad en el pasado, Netflix puede hacer todas las temporadas que quiera, ya que puede alargar la historia contando aventuras en los 40, 50, 60, … todo lo que les interese. Pero esto a la vez, esto me recuerda a Amazing Spiderman 2, y como todo en la película parecía un trailer para vender la siguiente (Los 6 siniestros) que no llegó a hacerse porque Amazing fracasó. Pues en cierto sentido, creo que al pensar los guionistas que iban a poder desarrollar más todo en las siguientes temporadas hizo de alguna manera que se olvidaran de hacer que ESTA nos contara cosas interesantes. Con lo que el fail es monumental.

Y no es que todo lo del pasado sea insulso, es que también le falta fuerza y carisma a la historia del presente. No tengo claro si el casting de Chloe y Sampson es un fail (si que lo es), o es que el guión es flojísimo y tampoco les da grandes opciones para lucirse. Pero veo a ambos como unos clichés andantes, la hija rebelde que busca con alcohol y drogas encontrar su propio camino, o el hijo que sufre al intentar contentar a un padre demasiado exigente para el que nunca es suficiente. Ambos actores lo intentan, pero están a la altura de todo lo demás: Correcto tirando a mediocre.

Y tampoco es que los adultos estén mucho mejor, las cosas como son. Partiendo que Josh Duhamel tampoco es un actorazo para empezar, y todos los demás sólo me llegan a nivel televisivo de domingo por la tarde. Si a esto le sumamos un CGI flojo, unas escenas de acción aún peores y un climax sin fuerza, lamentablemente no queda más que considerar Jupiter´s Legacy en el último producto montonero de Netflix.

A esto hay que sumarle el hecho que tenía ganas de ver cómo planteaba la serie el GIRO alucinante del comic que cambió el status-quo. Mientras veía la serie, aunque pensaba que todo era correcto sin más, creía que si acertaban al mostrar el giro de Millar, como pasó en la excelente Invincible de Robert Kirkman, Jupiter´s Legacy podía volarle la cabeza a mucha gente y convertir el visionado de la segunda temporada en una apuesta segura. Sin embargo, el climax es un fail como una casa por si mismo, pero más si cabe si pensamos que este giro del comic no llega a ocurrir porque la serie ha decidido ir por otro lado.

De hecho, han fallado tanto a todos los niveles con este final y en general con todo lo demás que veo poco probable que vaya a ver una hipotética segunda temporada.

Comparto el trailer de esta serie:

Jupiter´s Legacy no es terrible, pero tampoco es brillante en nada, quedando su extremada corrección en algo totalmente insípido. Netflix creo que debería hacérselo mirar, porque vaya tela…

PUNTUCIÓN: 5.5/10

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¡Saludos a todos!

Crítica de Barrenderos Espaciales de Jo Sung-hee (Netflix)

Si hay un género que nunca asociaríamos a “cine coreano”, ese sería es el de la ciencia ficción, y sobre todo en su vertiente espacial. Barrenderos Espaciales de Jo Sung-hee estrenada recientemente en Netflix viene a romper con este estereotipo con una película palomitera más que digna.

PUNTUACIÓN: 6,5/10

En el año 2092, la Tierra se ha convertido en un planeta casi inhabitable. La corporación UTS construye un nuevo hogar en órbita para la humanidad. Pero solo unos pocos escogidos pueden acceder a él. La historia sigue las aventuras de la tripulación de una nave de limpieza de basura espacial llamada Victory. Su rutina da un giro enorme cuando descubren a Dorothy, un robot humanoide construido como una niña, que perece ser un arma de destrucción masiva.

Jo Sung-hee es un director de cine coreano nacido en 1979. Tras trabajar en animación, cambió a la imagen real tras estudiar en la prestigiosa Korean Academy of Film Arts (KAFA) con End of Animal (2010). A Werewolf Boy (2012) y Phantom Detective (2015) son otras de sus películas que han conseguido una gran aceptación y le muestran como un autor todoterreno.

Jo Sung-hee había empezado a escribir la historia diez años antes del estreno de la película, después de que un amigo le hablara de los peligros de la basura espacial. En 2019, la compañía de efectos visuales Dexter Estudios fue contratada para Barrenderos espaciales y consiguen un resultado espectacular que puede mirar de tu a tu a las mejores producciones americanas a partir de un presupuesto total de la película de unos 22 millones de dólares.

En lo relativo al reparto. Song Joong-ki es Tae-ho, piloto de la astronave Victory y en el pasado miembro de los Guardias Espaciales. Su mayor preocupación es ganar mucho dinero para pagar la recuperación de su hija adoptiva, perdida en el espacio.

Kim Tae-ri es la capitana Jang, antigua oficial de Fuerzas Especiales que más tarde desertó para crear su propia organización pirata. Jin Seon-kyu es Tiger Park, el jefe de máquinas de la astronave Victory, antiguo traficante de drogas que huyó de la Tierra después de ser arrestado y sentenciado a muerte. Yoo Hae-jin interpreta al robot Bubs que trabaja en la Victory, y Park Ye-rin es Dorothy, la niña robot que UTS busca por todos los medios.

Barrenderos espaciales es otra de las películas damnificadas por el COVID. La idea es que eta película fuera uno de los grandes estrenos cinematográficos en Corea, pero la pandemia obligó a retrasar su estreno, y finalmente la productora llegó a un acuerdo con Netflix para conseguir su estreno en todo el mundo gracias al streaming, gracias a lo cual nos llegó a España y pude verla.

Empezando a valorar la película, debo decir que encuentro que Barrenderos espaciales es una película más que digna que aunque no me ha encantado, se salva de ser incluida en la categoría “otra película montonera de Netflix”. Lo mejor de la película para mi es comprobar que los avances tecnológicos permiten ya “democratizar” la ciencia ficción, pudiendo rodarse películas espaciales que antes obligaban a presupuestos de super producción de Hollywood. En 2019 disfrutamos también en Netflix The Wandering Earth, que fue el equivalente chino de un blockbuster de Michael Bay, y ahora el cine coreano se une al género con una película de presupuesto super ajustado que es visualmente poderosa y con unos efectos especiales y apartados técnicos estupendos.

Los sets de rodajes son perfectos y no me atrevería a decir qué era pantalla verde y qué elemento físico del set. Además, las escenas espaciales son una chulada con unos satélites alrededor de la Tierra llenos de personalidad y detalles interesantes, aunque en algunos detalles deudora de los grandes clásicos de la ciencia espacial.

Quizá el problema de la película viene de la propia sensibilidad coreana que hace que el guión no sea demasiado interesante y esté plagado de tópicos, empezando por el más obvio de crítica contra la industrialización salvaje puede acabar con la vida en la Tierra y la necesidad de respetar el medio ambiente. En este sentido, hay esbozos más que explicación sobre las dinámicas políticas y sociales de este mundo futurista que hizo que me quedara con ganas de saber más sobre él.

Aunque se supone que los tripulantes de la Victory son unos cínicos y duros barrenderos espaciales, en realidad son bastante lamentables y sus vidas desgraciadas. En este sentido, da un poco de pena que de tres humanos, tan solo el piloto Tae-Ho sea el único que recibe cierta profundidad, apenas un esbozo para que los espectadores empaticemos con él. Más delito tiene lo de la capitana Jang, a la que en los últimos 15/20 minutos intentan darle cierto protagonismo que no funciona porque no se han preocupado de contarnos nada de ella durante la película para que llegados a ese punto nos importe algo de lo que hace.

También es muy montonero el villano James Sullivan, que es un contenedor vacío con todos los tópicos de los industriales que destruyen el planeta y sólo miran su propio beneficio y el de la clase alta de la sociedad. Dicho esto, reconozco que la niña Dorothy es una ricura y hace que desde el minuto uno deseas que no la pase nada malo, aunque el guión la haya hacer bromas de “culo, pedo, pis”.

La película ya digo que no me ha encantado pero me ha resultado razonablemente entretenida y muy espectacular sobre todo en su tramo final, y no terminé lamentando las dos horas de mi vida que perdí y jamás recuperaré viendo A descubierto de Anthony Mackey, que también estrenó Netflix recientemente. Así que algo hemos mejorado. Lo dicho, no es una maravilla, pero si eres fan de la ciencia ficción, cumple sin duda para un día tonto entre semana que no sabéis qué ver.

Comparto el trailer de la película:

Barrenderos espaciales es una digna película de entretenimiento que muestra que ya es posible hacer buena ciencia ficción en todo el mundo, y ahora sólo falta que den en la diana con una historia más acertada.

PUNTUACIÓN: 6,5/10

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Crítica de Noticias del gran mundo, de Paul Greengrass (Netflix)

Siete años después de la estupenda Capitán Phillips, Tom Hanks vuelve a reunirse con el director Paul Greengrass en Noticias del gran mundo (News of the world), película que tras las restricciones del covid que impidieron su estreno en mi localidad el pasado mes de enero nos llega esta semana en Netflix.

PUNTUACIÓN: 8/10

Cinco años después del fin de la Guerra Civil estadounidense, el capitán Jefferson Kyle Kidd (Tom Hanks), veterano de tres guerras, viaja de ciudad en ciudad narrando noticias, hablando de presidentes y reinas, de luchas gloriosas, devastadoras catástrofes y apasionantes aventuras que tienen lugar en cualquier rincón del mundo. Un día, en las llanuras de Texas, el capitán conoce a Johanna, una niña de diez años secuestrada seis años atrás por la tribu Kiowa, y que durante ese tiempo fue educada como uno de ellos. Johanna, en contra de su voluntad, debe irse a vivir a casa de sus tíos, un lugar hostil y desconocido para ella. El capitán Kidd acepta entregar a la niña a sus tutores legales. En el viaje, ambos recorrerán cientos de kilómetros a través de una inhóspita naturaleza, y deberán enfrentarse a enormes dificultades, humanas y naturales, en búsqueda de un lugar al que puedan llamar “hogar”.

Paul Greengrass se reunió con el escritor Luke Davies para adaptar la novela de Paulette Jiles a la gran pantalla. News of the world nos devuelve a western clásico y a las grandes historias de los pioneros americanos. La música de James Newton Howard sin duda fue la elección perfecta para transmitir el tono de western clásico atemporal que una película de estas características requería.

La película cuenta con montaje de William Goldenberg y fotografía del veterano Dariusz Wolski, que ha trabajado en películas tan icónicas como Dark City de Alex Proyas, Piratas del Caribe con Gore Verbinski Sicario: Día del Soldado de Stefano Sollima y con una larga asociación con Ridlet Scott (Prometheus, The Martian, Todo el dinero del mundo entre otras muchas).

Tom Hanks es el gran protagonista indiscutible de la película interpretando al veterano capitán Jefferson Kyle Kidd. News of the world sirve además como lanzamiento en Estados Unidos de la joven actriz alemana de 12 años Helena Zengel, interpretando a la niña Johanna Leonberger que acompañará a Hanks en su viaje.

La película tuvo un estreno limitado en Estados Unidos el 25 de diciembre, mientras que en España se estrenó en cine el 29 de Enero (no en Castellón, donde los cines están cerrados por culpa de la tercera ola). Como es ya habitual en Netflix, dos semanas de su estreno en salas nos llega ahora a través del canal de streaming, y dada la falta de estrenos de calidad, he recibido la película como agua de mayo.

Y es que entrando ya en materia, película me ha gustado mucho. Greengrass compone una obra con vocación de clásico construida a partir de lo más pequeño, la relación de un hombre acosado por su pasado que tendrá que aprender a mirar hacia delante al tener que cuidar de una niña que a nadie más le importa. No es noticia que Tom Hanks realiza una interpretación maravillosa desde el minimalismo, consiguiendo que me emocionara en numerosos momentos, y demostrando que sigue siendo uno de los grandes actores americanos.

Y si Hanks está bien, la joven actriz Helena Zengel consigue estar a su altura, con el añadido que su personaje no habla inglés, apenas tiene líneas de diálogo y cuando los tiene es en idioma nativo-americano. Pero su personaje habla con sus ojos y transmiten perfectamente los dramas que vivió la niña cuando perdió a dos familia, primero la suya original de origen alemán y luego la familia india con la que creció. Viendo su enorme interpretación, la auguro un interesante futuro profesional.

News of the world es una película emocionante que evita ser sensiblera y que plantea sin tapujos la crudeza del far-west en el que la vida no valía nada y podías morir en cualquier momento ya fuera de hambre, por enfermedad o porque te cruzaras con la persona equivocada, haciendo que la vida o la muerte no fueran justas o injustas, sino algo presente en todo momento.

Aunque la película es sobre el drama de los protagonistas, la aventura que viven es puro western de pioneros y sirve para realizar una buenísima crítica realizada de forma sutil pero evidente hacia el genocidio que sufrieron los nativos americanos, el racismo hacia afroamericanos o mexicanos, y en general hacia la codicia del ser humano que llevó a la casi extinción de especies como los búfalos americanos. En este sentido, me gusta que Greengrass confíe en la inteligencia del espectador que no necesita(mos) que nos digan que algo está mal cuando lo estamos viendo en imágenes.

Hay tantos panfletos infumables convertidos supuestamente en cine “importante” por el tema que tocan o lo que critican, que ver la elegancia como Greengrass pone en imágenes estas ideas me devuelve la fe en el cine inteligente, que no obliga al espectador elegir entre entretenimiento y narrativa en un lado y el mensaje de denuncia por otro. Si se hace bien, se pueden conseguir ambos, no son conceptos excluyentes.

Sumado a todo lo anterior, la película cuenta con unos estupendos paisajes que entiendo que porque se rodó en localizaciones naturales ¿de Texas?, una fotografía, una música, montaje y hasta una duración que me parecen perfectas y que ayudarán a hacer de News of the world un clásico del western al que volveremos cada pocos años porque merecerá la pena revisionar.

Comparto el trailer de la película:

Noticias del gran mundo es una gran película que nos devuelve el feeling de los mejores clásicos del western. Super recomendable.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Star Trek Discovery temporada 3 (Netflix)

Tras algunas dudas, al final me he animado a ver la tercera temporada de Star Trek: Discovery, que ha sido emitida en Netflix. Y el resultado ha sido tan entretenido como olvidable, cayendo en los mismos problemas que aquejaron a la temporada anterior.

PUNTUACIÓN: 6,5/10

La tercera temporada de la serie de televisión estadounidense Star Trek: Discovery sigue a la tripulación del USS Discovery en su viaje hacia el futuro, más de 900 años después de los eventos de la serie original de Star Trek. Una galaxia en la que tras un misterioso suceso, “The Burn”, la mayor parte del dilitio explotó, destruyendo la mayor parte del combustible y muchas naves estelares, incluida la mayor parte de la Flota Estelar. Ahora la galaxia está desconectada y ya no está gobernada por la Federación de Planetas.

La temporada está siendo producida por CBS Television Studios en asociación con Secret Hideout y Roddenberry Entertainment, con Alex Kurtzman (responsable de la segunda temporada) y Michelle Paradise como showrunners y con Netflix con los derechos de distribución a nivel mundial.

Para escribir los 13 episodios de esta tercera temporada, a los showrunners Alex Kurtzman y Michelle Paradise se les unen en el writer´s room Jenny Lumet, Bo Yeon Kim, Erika Lippoldt, Alan McElroy, Chris Silvestri, Anthony Maranville, James Duff, Sean Cochran, Cofell Saunders, Kirsten Beyer, Kenneth Lin, Brandon Schultz. Estos episodios han sido dirigidos por Olatunde Osunsanmi (3 episodios), Jonathan Frakes (3), Hanelle M. Culpepper, Maja Vrvilo, Douglas Aarniokoski, Jon Dudkowski, Omar Madha, Chloe Domont y Norma Bailey.

Sonequa Martin-Green interpreta a Michael Burnham, comandante humana criada en Vulcan por la familia de Spock. Doug Jones repite como Saru, Anthony Rapp es el doctor Paul Stamets, Mary Wiseman es la especialista Sylvia Tilly, amiga y compañera de cuarto de Burnham. También repite Michelle Yeoh en el papel de la Capitana Philippa Georgiou, la antigua capitana y mentora de Burnham asesinada que ha vuelto como su contrapartida terrana proveniente de otra dimensión.

Las nuevas incorporaciones de esta tercera temporada incluyen a David Ajala como Cleveland “Book” Booker, un transportista de mercancía robada que conocerá por accidente Michael Burnham, Oded Fehr como Charles Vance, el Comandante en Jefe de lo que queda de la Flota Estelar en el año 3188. Por último, Discovery ha creado específicamente para esta temporada a los primeros personajes explícitamente no binarios y transgénero dentro de la franquicia de Star Trek, interpretados respectivamente por Blu del Barrio e Ian Alexander, mostrando el compromiso de la franquicia y de su casa madre CBS por la diversidad.

La decisión de los creadores de Star Trek: Discovery de lanzar a su tripulación al futuro fue una buena idea destinada a romper definitivamente las conexiones con las series y películas previas, que sobre todo en las dos primeras temporadas hicieron que pareciera que estaban más interesados en la continuidad (o por ser más correcto, en no romperla), que en crear historias y antagonistas interesantes.

Además de conocer cómo será el futuro de Star Trek y qué razas y peligros acechan en este futuro, la serie plantea un misterio a priori interesante: “The Burn” (La Quema), el evento de dimensiones cósmicas que partió en pedazos a la galaxia y provocó que los viajes estelares fueran casi imposibles. ¿Qué sucedió realmente? ¿Fue un evento natural o provocado por algo o alguien?

En lo positivo, esta temporada gira completamente sobre la idea clave de que hay que tender puentes que nos vuelvan a conectar, incluso entre personas y planetas que podrían no tener demasiado en común. Dado el estado social en que se encuentran los Estados Unidos, que una obra de ficción plantee este escenario es siempre deseable y de agradecer.

La serie cuenta con unos estupendos valores de producción que hacen que todo luzca de maravilla de principio a fin. Además, la música de Jeff Russo incluye su estupendo título principal que evoca a la historia de la franquicia mientras nos lanza (literalmente) a un nuevo universo. Globalmente, creo que la serie es entretenida y gustará a los fans de la ciencia ficción espacial, cumpliendo sin problemas su función y hacer que nos evadamos del mundo real durante unas horas.

El problema es que más allá de la parte inicial en la que conocemos el estado de la galaxia en 3188, la serie de nuevo fracasa a la hora de crear una antagonista interesante (Osyraa, interpretada por Janet Kidder), o la más mínima sensación de amenaza. Para empeorar las cosas, la resolución del misterio de The Burn roza la vergüenza ajena de lo ridículo que es todo. En este sentido, Discovery es una serie que plantea elementos mejor que los resuelve, lo que siendo justos ya no debería ser sorpresa.

Además, por motivos que a mi se me escapan, hay quien piensa que el personaje de la Capitana Philippa Georgiou (interpretado por Michelle Yeoh) es lo suficientemente interesante como para darle una serie propia. Y digo que se me escapa porque la realidad Terrana de la que proviene en la que la Flota Estelar son unos violentos guerreros sedientos de sangre y ansia de conquista, es una buena idea para episodios sueltos, que ya vimos en la primera temporada, pero que no da más de si. A pesar de ello, 2 de estos 13 episodios están planteados como preparación del personaje para su inminente serie, de forma que en parte la historia principal se para casi de golpe, rompiendo la serie en dos.

Por otro lado, todo lo interesante que me parecía el personaje de Michael Burnham, en esta temporada me carga lo dramático que es todo a su alrededor y cómo vive la vida siempre bordeando el llanto de intenso que es todo para ella. Esto hace que la sensación que se me queda con ella es bastante irreal y forzado.

Tras ver la segunda temporada y un final que no me gustó nada, dudaba en si vería una eventual tercera temporada. Al final he acabo viéndola y la sensación ha sido la misma. Me gustaría decir que con tanto ocio a nuestra disposición no volveré a tropezar en esta piedra, pero reconozco que me gusta demasiado la ciencia ficción espacial, así que no prometo nada.

Comparto el trailer de esta temporada:

Star Trek: Discovery entra en la categoría de “entretenido sin más”, únicamente pensada para los espectadores muy fans de la ciencia ficción espacial.

PUNTUACIÓN: 6,5/10

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