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Crítica de Devuélvemela de Danny y Michael Philippou

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Devuélvemela es la nueva película de Danny y Michael Philippou (Talk to me). Una inusual película de posesiones desde una premisa muy loca.

PUNTUACIÓN: 7/10

Dos hermanos descubren un terrorífico ritual en la apartada casa de su nueva madre adoptiva.

Danny Philippou y Michael Philippou (Australia, 1992) son dos cineastas gemelos australianos, YouTubers y acróbatas. Inicialmente conocidos por sus vídeos en YouTube, han ganado numerosos premios, entre ellos el Streamy Award al mejor canal internacional, el Best Overall en los Online Video Awards y el AACTA Award al mejor programa web. Hicieron su debut como directores de largometrajes cuando escribieron y dirigieron la película de terror sobrenatural Talk to Me, que se estrenó en el Festival de Cine de Sundance 2023.

La película de 104 minutos de duración ha sido rodada en Australia y está escrita por Danny Philippou y Bill Hinzman. Cuenta con fotografía de Aaron McLisky, montaje de Geoff Lamb y música de Cornel Wilczek. Devuélvemela cuenta con un presupuesto de 15 millones de dólares.

En el reparto encontramos a Billy Barratt como Andy, un chico de 17 años traumatizado, Sora Wong como Piper, la hermanastra menor de Andy con una discapacidad visual y Sally Hawkins como Laura, la mujer que les acoge tras la muerte del padre de Andy y Piper. Jonah Wren Phillips como Oliver, el otro hijo adoptivo de Laura, Sally-Anne Upton como Wendy, la trabajadora social que tiene a su cuidado a Andy y Piper, Stephen Phillips como Phil, el padre fallecido de Andy y Piper y Mischa Heywood como Cathy, la hija fallecida de Laura de 12 años, completan el reparto.

No he visto Talk to me, pero a mi hermano Fernando me dijo que le gustó mucho, lo que fue suficiente para que quisiera ver Devuélvemela ahora que se estrenó en los cines. Y me he encontrado con una película interesante que me ha gustado pero no me ha encantado, con momentos muy crueles y perturbadores y con un final con el que no conecté a pesar de ser lógico en relación a lo que se nos ha contado previamente. Algo que en realidad ya es más de lo que sucede en el 75% del cine de terror.

Y empezando por los elementos positivos, me ha encantado todo el reparto, empezando por Sally Hawkins como Laura, la madre que sufrió la muerte de su hija de 12 años en un accidente en la piscina de su casa y se convierte en una psicópata peligrosa. La parte más cruel de la película gira alrededor de Andy (interpretado por Billy Barratt), el joven hermano mayor de Piper que sufrió abusos y agresiones continuadas sin que nadie le ayudara nunca, que ha hecho y hará lo que sea para defender a su hermanastra Piper (Sora Wong), una niña discapacitada casi ciega, que sólo puede ver colores y alguna textura. Los tres actores me parece que están estupendos con lo que la película necesita de ellos. Pero es Hawkins la que más destaca debido a la naturaleza ambigua de su personaje en muchas fases de la película. Hawkins muestra que se preocupa por Piper, pero a la vez es capaz de hacer las chifladuras más locas para llevar a cabo su plan cueste lo que cueste.

El elemento perturbador de la película, además de Laura, es Oliver (Jonah Wren Phillips), el niño que se encuentran Andy y Piper cuando llegan a la casa de acogida de Laura y que muestra un comportamiento aberrante. Oliver protagoniza los momentos más desagradables de la película en unas escenas que recuerdan un “violence-porn”. Tengo que decir que estas escenas perturbadoras funcionan completamente, y me resultaron desagradables de ver por lo explícito de la violencia y porque la realice un niño. Además de lo impactante que es ver los ojos de Oliver manchados de sangre o las deformidades que empezarán a aparecerle en el cuerpo. Todo super chungo.

La idea de hacer una película desagradable de ver para el espectador creo que cumple completamente con la visión de los creadores al hacer la película. Porque en el mundo audiovisual actual necesitas ganchos potentes que provoquen que los espectadores queramos ver la película primero, comentarla con nuestros amigos después y poder llegar a recomendarla. Curiosamente, no calificaría a Devuélvemela de “Terror” en el sentido de que no hay jump-scares y música atronadora para provocar una sorpresa al espectador. Los hermanos plantean Philippou una película desagradable que genera una sensación incómoda al espectador. Y en este sentido, el éxito es fenomenal.

Otro elemento que me parece muy acertado es el guion. La historia de Danny Philippou y Bill Hinzman me parece perfecta en la forma en que justifica todo lo que pasa en la película, incluso las absurdeces más locas y violentas, y plantea un contraste constante entre la parte positiva de ver como Andy y Piper intentan reconstruir su vida en casa de Laura, una adulta que dice querer lo mejor para ellos, con la oscuridad real que se plantea en esa casa porque en realidad Laura está haciendo todo lo contrario porque tiene planes para Piper. La forma en que Laura “putea” a Andy me parece super cruel y terrible, de las cosas más chungas que he visto en mucho tiempo. Incluso cuando estos abusos no implican violencia física. Aunque al final si hay violencia, y resulta terrible.

«Haría lo que fuera por volver a oir a Cathy (la hija fallecida de Laura) llamarme mamá una vez más». Esta frase expresada por Laura a Piper explica toda la película en dos vertientes. Por un lado para explicar la loquísima trama de Devuélvemela y lo que pretende conseguir Laura, a lo que hay que sumar la justificación del giro final que encontramos en el climax final.

El caso es que Devuélvemela me ha gustado, pero no me ha flipado. Quizá la explicación es que tras un giro super chungo y nihilista que rompe el último cuarto de película en dos, el final casi poético visualmente hablando me rompió la sensación super punki que la película me había transmitido hasta ese mlomento. No está mal ni muchísimo menos, pero de alguna manera me desinflaron lo que me había hecho sentir 10 minutos antes. Y en general en toda la película.

Y como digo me alegra mucho ver una película de terror que no hace trampas y consigue plantear y justificar perfectamente todas las situaciones. Incluso las más locas. Pero me parece curioso que una película con buenas interpretaciones, buen guion, buen diseño de producción y efectos especiales, que además me sorprende (dentro del elemento esperable de «mujer loca torturando a niños» que el trailer dejaba entrever) no me flipe.

Como véis, he querido NO spoilear la película, pero a partir de ahora voy a comentar las cosas más llamativas de la trama CON SPOILERS. Creo que con lo que has leído hasta ahora tienes elementos suficientes para decidir si te merece la pena ver Devuélvemela. En mi caso, me alegro de haberla visto incluso no conectando con el final.

¡Sigue leyendo bajo tu responsabilidad!!!

Una de las cosas más llamativas de Devuélvemela es la forma en que los hermanos Philippou juegan con el cine de posesiones infernales y el de «dueña de casa en lugar remoto que tortura a los jóvenes que llegan a vivir allí». El plan de Laura de revivir a su hija fallecida haciendo que su alma ocupe el cuerpo de Piper me parece una idea original que no había visto en cine que yo recuerde. Laura sólo necesita a Piper, de forma que la tortura psicológica a Andy es acojonante, creando la sensación desagradable e incómoda a la que antes hacía referencia.

A todo esto hay que sumar a Oliver, el chaval cuyo cuerpo está ocupado por un demonio atrapado por el círculo que rodea la casa de Laura que tiene una voracidad insaciable y que es quien tiene que realizar el traslado del alma de Cathy, desde donde quiera que esté, al cuerpo de Piper. La forma en que el demonio que ocupa el cuerpo de Oliver se automutila para comer lo que sea nos da los momentos más chungos y sangrientos de la película, ayudando a construir el ambiente desagradable. Por cierto, la historia de abusos que sufrió Andy es otro elemento super escuro que significa otro ladrillo en construir la sensación desagradable que tuve a lo largo de la película.

En este momento toca volver a destacar el fantástico trabajo de Sally Hawkins como Laura, que alterna escenas super tiernas en las que realmente parece que se preocupa por Piper con los momentos chunguísimos como cuando tira pis a Andy para que crea que ha tenido incontinencia, o cuando sugiere que ella mató al padre de Andy para desequilibrarle emocionalmente aún más de lo que ya está.

Me flipó el giro oscurísimo en el que Laura mata a la trabajadora social y a Andy. Esto es otro momento super cruel hacia Andy, porque tras una vida de abusos es asesinado de la forma más cruel cuando está indefenso, muriendo sin poder defender a su hermana, que era lo único que quería en su vida. Si hasta ese momento la película era desagradable, subió un peldaño punki y nihilista, anticipando la posibilidad de un final NO positivo para los niños.

Sin embargo, dentro que todo es lógico, el final «feliz» para Piper rompe la punkarrada previa. En el momento clave, mientras Laura intenta matar a Piper para que el alma de Cathy entre en el cuerpo recién fallecido, Piper llama a Laura «mamá», lo que la hace recordar a su hija y por tanto no puede matarla. Esto es lógico y narrativamente está bien construido, pero de alguna forma diluye los puntazos previos, convirtiendo un ejemplo de nihilismo en una película más convencional. De hecho, el final en el que la policía encuentra en la piscina el cuerpo sin vida de Laura rodeando el cadáver de Cathy, es una imagen hasta bella visualmente hablando. Una forma un tanto poética y bonita de terminar una película super desagradable, lo que hace que el tono justo en estos últimos segundos de película no encaje con el 99% previo.

Estoy intentando explicar y justificar por qué una película que me ha gustado no me ha flipado cuando debería haberlo hecho. Y no tengo claro si esto que estoy escribiendo es lo que provoca esta sensación. Lo que si diré es que tras ver Devuélvemela, lo que me pide el cuerpo es ver Talk to me que no la vi en su momento. Y prácticamente seguro veré la próxima película que dirijan, ya sea de terror o de acción, género en el que se hicieron famosos en Youtube.

Comparto el trailer de la película:

https://www.filmaffinity.com/es/evideos.php?movie_id=102649&dmplayersource=share-send

No esperaba nada de Devuélvemela, pero me sabe mal que no me haya gustado más de lo que lo ha hecho.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Crítica de The monkey de Osgood Perkins

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No tenía muchas expectativas con The Monkey, la nueva película de Osgood Perkings (Longlegs), pero tengo que reconocer que me ha hecho pasar un buen rato. No se le puede pedir más.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Cuando los gemelos Hal y Bill descubren el antiguo mono de juguete de su padre en el ático, una serie de truculentas muertes comienzan a ocurrir a su alrededor. Los hermanos deciden tirar el mono y continuar con sus vidas, distanciándose con el paso de los años. Pero cuando las misteriosas muertes vuelven a sucederse, los hermanos deberán reunirse para destruir el mono antes de que acabe con las vidas de todos a su alrededor. (FILMAFFINITY)

Osgood Robert «Oz» Perkins II (Nueva York, 1974) es un actor, guionista y director estadounidense. Es el hijo mayor del actor Anthony Perkins. El primer papel como actor de Perkins fue en Psicosis II (1983), en la que aparecía brevemente como la versión de doce años del personaje de Norman Bates que interpretaba su padre. Desde entonces, participó en varias películas en papeles secundarios, como Seis grados de separación (1993), Legalmente rubia (2001), No es otra película de adolescentes (también de 2001) y Secretary (2002), entre otras. En su faceta de escritor y director, escribió y dirigió las películas de terror The Blackcoat’s Daughter (2015), I Am the Pretty Thing That Lives in the House (2016) y Longlegs (2024), además de dirigir la nueva versión de Gretel & Hansel (2020).

Perkins escribe y dirige The Monkey, que está inspirada en una historia corta de Stephen King publicada en 1980. La película de 98 minutos de duración cuenta con la producción de James Wan, algo que queda claro viendo el poster, y ha costado 10 millones de dólares que van a ser recuperados con su primer fin de semana de proyección. The monkey tiene además fotografía de Nico Aguilar, montaje de Greg Ng y Graham Fortin, y música de Edo Van Breemen.

En el reparto tenemos a Theo James (The gentlemen) como los gemelos protagonistas Hal y Bill Shelburn, con Christian Convery (protagonista de Sweet Tooth) interpretando a los jóvenes Hal y Bill. Tatiana Maslany (Jennifer Walters / Hulka) interpreta a Lois Shelburn, la madre de Hal y Bill, Colin O’Brien como Petey, el hijo de Hal, Rohan Campbell como Ricky Sarah Levy como Ida, la tía de Hal y Bill, Adam Scott como el capitán Petey Shelburn, el padre ausente de Hal y Bill, Elijah Wood como Ted Hammerman, el nuevo marido de la ex mujer de Hal (interpretada por Laura Mennell), y Osgood Perkins como Chip, el tío de Hal y Bill.

Reconozco que fui a ver Longlegs, la anterior película de Perkins, con muchas ganas, y aunque tenía cosas destacables, no llegué a conectar con un crossover de géneros que en mi opinión no funcionó del todo bien. Por ese motivo no tenía muy claro si ver esta película en el cine, pero la falta de estrenos interesantes y tener «Stephen King» en el poster decantaron la decisión a su favor. Y tengo que decir que The Monkey me ha divertido un montón y me resultado super inesperada.

Si, he dicho «divertido». Porque quizá la principal clave de la película es que The Monkey no es en realidad una película de terror, sino una comedia negra con montones de gore y cabezas estallando. Si ese es tu rollo, que recordaría las típicas películas de Sitges en las que una audiencia entregada lo flipa, seguro que la película te va a hacer pasar un rato estupendo. En caso contrario, mejor abstente de ver la película hasta que tengas el estado mental adecuado para verla.

Osgood Perkins comenta en entrevistas que ha tomado un montón de licencias artísticas respecto a la historia de King y a la idea inicial de los productores. Sobre todo en lo relativo al tono de comedia que comentaba antes, dado que ya hay montones de películas super serias con un juguete / objeto diabólico, y para Perkins este mono que provocaba muertes super bestias a personas random a su alrededor no podía funcionar si no era con un tono más de comedia negra.

Además, otro de los temas de la película es la forma en que los protagonistas internalizan el horror que viven a su alrededor, lo que para Perkins tiene también una faceta personal: «Mis dos padres murieron apareciendo en los titulares de los medios de comunicación (la madre de Osgood viajaba en uno de los aviones del 11-S y su padre es Anthony Perkins). Pasé gran parte de mi vida recuperándome de la tragedia, sintiéndome bastante mal. Todo me parecía intrínsecamente injusto. Personalizas el dolor: «¿Por qué me está pasando esto a mí? Pero ahora soy mayor y te das cuenta de que esta mierda le pasa a todo el mundo. Todo el mundo muere. A veces mientras duermen, a veces de forma verdaderamente demencial, como me ocurrió a mí. Pero todo el mundo muere. Y pensé que tal vez la mejor manera de abordar esa locura es con una sonrisa…»

Si después de leer estas palabras de Perkins no te han entrado unas ganas locas de veer The monkey, creo que nada de lo que diga que hará cambiar de idea.

Perkins ha contratado a actores con una buena vena cómica, empezando con Theo James, el protagonista que interpreta un doble papel. En The gentlemen estrenada en Netflix también interpreta a una persona normal que entra en un mundo demencial, y en The Monkey es un hombre atormentado que aleja a todo el mundo porque sabe que la maldición familiar que acarrea tarde o temprano volverá a por él y a por su desquiciado hermano, que ha perdido los cabales. Tatiana Maslany también tiene tiempo de lucirse en pantalla interpretando a la madre de los gemelos, aunque su aparición es super breve. Y el que me ha gustado mucho es Christian Convery que interpreta a los dos hermanos cuando son niños. De hecho, hasta que no he empezado a escribir estas líneas no me di cuenta que era la misma persona. Por la parte del reparto, creo que The Monkey está muy bien. A lo que hay que sumar los cameos de gente como Adam Scott, Elijah Wood o el propio Perkins en un pequeño papel.

En la parte de la historia, todo tiene un aroma super familiar, al tener la historia de The Monkey muchos de los tropos habituales de Stephen King, como es el hecho que una cosa terrible que les pasa a los protagonistas cuando son niños vuelve años más tarde a atormentarles. Es el tono de comedia negra que imprime Perkins, lo que marca la diferencia y separa a The Monkey de otras películas similares. Por ejemplo, la primera escena con el padre de los niños (Adam Scott) en la tienda de antigüedades, como si estuviéramos ante un homenaje a Gremlins, marca el tono de comedia super negra, sangrienta over-the-top que veremos a lo largo del metraje.

The Monkey tiene cantidades industriales de sangre y gore, pero son todos momentos que no provocan miedo o asco, sino una carcajada. De nuevo, el símil a la experiencia de ver una película en Sitges es perfectamente aplicable. Algunas muertes son espectaculares, como la chica que va a tirarse a la piscina, la agente inmobiliaria o todo el climax final. Las muertes son super exageradas y contribuyen al disfrute que tuve con esta película.

Por ponerle un pero a una película que me ha gustado y me ha divertido mucho, la primera parte con los niños estaba planteando una complejidad de los protagonistas, sobre todo el traumatizado Hal por culpa de su hermano abusivo Bill. Sin embargo, en la segunda parte parece que en realidad a Perkins no le gusta ninguno de sus protagonistas, porque son mostrados, sobre todo Hal, como un pusilánime cobarde. De alguna manera, Perkins está transmitiendo la idea que todos merecen la muerte. O en realidad nadie, porque las muertes son todas aleatorias y sin venir demasiado a cuento. Las muerten suceden sin sentido, como la vida misma, parece querer decirnos Perkins.

En todo caso, quizás porque entré a tope en el tono de comedia negra, pero lo cierto es que he disfrutado mucho con esta película. Me ha dado un buen rato super inesperado, y super gore, que no esperaba. Y por eso creo que si te acercas a esta película con el estado mental adecuado, la vas a disfrutar un montón.

Comparto el trailer de la película:

Si entras en el tono de comedia negra absurda, The monkey puede ser un entretenimiento estupendo.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de El misterio de Salem´s Lot de Gary Dauberman (Max)

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Aprovechando las vacaciones navideñas me animé a ver la nueva versión del clásico de Stephen King El misterio de Salem´s Lot, realizado por el director y guionista Gary Dauberman, que Max ha estrenado recientemente.

PUNTUACIÓN: 6/10

El escritor Ben Mears regresa a Jerusalem’s Lot, la casa de su infancia, en busca de inspiración para su próximo libro. Allí descubre que su ciudad natal está siendo presa de un vampiro sediento de sangre.

Gary Dauberman es un guionista y director estadounidense más conocido por escribir las películas de terror del universo The Conjuring Annabelle (2014), Annabelle: Creation (2017), The Nun (2018) y Annabelle Comes Home (2019). Con esta última película debutó como director. Dauberman también coescribió la película de terror sobrenatural It (2017), y escribió su continuación It Chapter Two (2019), basadas en la novela de Stephen King.

Dauberman está muy unido al mundo de Stephen King, y también al universo de terror creado por James Wan. De hecho, Wan produce esta nueva versión del clásico de King a través de su empresa Atomic Monster, que la ha producido junto a New Line Cinema, que vendieron los derechos a Max. La película de 113 minutos de duración ha contado con fotografía de Michael Burgess, montaje de Luke Ciarrocchi y música de Nathan Barr y Lisbeth Scott.

En el reparto tenemos a Lewis Pullman como Ben Mears, Makenzie Leigh como Susan Norton, Alfre Woodard como Dr. Cody, John Benjamin Hickey como Padre Callahan, Bill Camp como Matthew Burke, Jordan Preston Carter como Mark Petrie, Nicholas Crovetti como Danny Glick, Spencer Treat Clark como Mike Ryerson, William Sadler como Sheriff Parkins Gillespie, Pilou Asbæk como el vampiro Richard Straker y Alexander Ward como su vasallo Kurt Barlow.

Hacer una nueva versión de El misterio de Salem´s Lot es un empeño muy arriesgado, pensando que es una de las novelas de King que más veces se ha adaptado. Previamente se han hecho dos series, la super icónica de 1979 y una segunda en 2004. La serie de 1979 la vi cuando era muy pequeño y es una de las series (y películas) que más miedo me provocó en toda mi vida. Esta familiaridad con las obras previas, aparte de la propia novela de King, un clásico del terror, es lo que hizo que inicialmente no me animara a ver esta película, estrenada en Max aprovechando Halloween. Por cierto, esta es la primera vez que El misterio de Salem´s Lot se adapta en película.

Y empezando por los elementos positivos, la película tiene el feeling correcto que se espera de esta historia de vampiros situada cronológicamente a finales de los años 70 o principio de los 80. Al ser una historia conocida, la primera mitad se mueve por situaciones conocidas, y tengo que reconocer que me gusta mucho el terror que Dauberman imprime a varias escenas. Sobre todo las primeras muertes y las apariciones del vampiro Straker me parece que están super bien y nos dan momentazos visuales super potentes.

Además, Dauberman plantea una novedad que recuerda a la espada de Frodo en el Señor de los Anillos, Dardo, que se iluminaba ante la llegada de trasgos, trolls y otros monstruos. En esta película las cruces se iluminan en la presencia de vampiros, lo que permite que, unido a unos ojos de los vampiros que también se iluminan en la oscuridad, las escenas de terror tengan una potencia mucho mayor de la habitual.

El reparto creo que está bastante bien en una historia super conocida en la que prácticamente todo el mundo acaba muriendo. (Esto no es spoiler pensando que estamos ante una historia de vampiros de Stephen King). Quizá los jóvenes protagonistas Lewis Pullman y Makenzie Leigh están correctos, pero sufren de no tener un carisma que si tienen secundarios de lujo como Bill Camp o Alfre Woodard, aunque su aparición sea mucho menor. En todo caso, creo que es un buen reparto que da lo que la película necesitaba.

Otro tema importante es que tras una primera hora y pico modélica, la película tiene que acelerar para llegar al climax, lo que no acaba de funcionar todo lo bien que debería. Hay momentos visualmente alucinantes, como la visión de los vampiros en el tejado de la casa de Burke o el ataque a la iglesia, pero el clímax resulta super decepcionante a partir que Dauberman se desvía de la historia de la novela. Y no lo entiendo. No se si porque Dauberman consideró que el final es hiper conocido y por eso plantea algo diferente, pero situar el climax final en el auto-cine provoca una escena completamente fallida que no está a la altura de lo visto hasta ese momento.

Otro cambio que me parece super fallido es hacer que sea Mark Petrie, el chaval de ¿11 años?, el que sea el puto amo mata vampiros, mientras que Ben Mears y el resto de adultos son bastante pringados. Este cambio no sólo es una chorrada, sino que quita la sensación de verosimilitud que debe tener cualquier historia. No sólo las de terror, todas. Y que con decisiones como esta provocan que la suspensión de credulidad saltara por lo aires.

Además, la novela de King terminaba de forma muy nihilista, al matar al vampiro jefe pero no al resto de vampiros del pueblo, lo que planteaba un final feliz casi imposible. Sin embargo, este final de Dauterman parece que se plantea para poder decir «sí hemos matado a todos los vampiros», aunque en realidad sea imposible saberlo. Y veo todos estos cambios y me pregunto para qué público dirigía Max y el director esta película. ¿Estaban buscan captar al público adolescente que quiere ver películas de terror en Halloween? (Y que seguro nos han visto la serie clásica de 1979). Es algo que no sería del todo descartable.

Pero es una pena, porque creo que el director Gary Dauberman nos da 80/90 minutos estupendos de terror puro de la vieja escuela, que se ven malogrados por un climax absurdo que no funciona en absoluto. Una pena. Visto lo visto, creo que Dauterman tiene buen ojo para el terror como director, pero por favor que alguien impida que se crea más listo que Stephen King para atreverse a cambiarle el final. Quien podría imaginar que no acabaría bien.

Comparto el trailer de la película:

Con lo bien que empieza esta nueva versión de El misterio de Salem´s Lot, me da pena el fallido climax final. En todo caso, una película para los muy fans del terror.

PUNTUACIÓN: 6/10

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Crítica de Heretic de Scott Beck y Bryan Woods

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Scott Beck y Bryan Woods, guionistas de Un lugar tranquilo y directores de 67 son los creadores de Heretic, la primera película de 2025 que vi en el cine. Una película que tiene el reclamo de ver a Hugh Grant haciendo de serial-killer.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

Dos jóvenes misioneras se ven obligadas a demostrar su fe cuando llaman a la puerta equivocada y son recibidas por el diabólico Sr. Reed (Hugh Grant). Los tres se verán envueltos en un brutal juego del gato y el ratón durante una larga noche de tormenta.

Scott Beck (Iowa, 1984) y Bryan Woods (Denver, 1984) son un dúo de cineastas estadounidenses. Crearon la historia y coescribieron la película de terror postapocalíptico Un lugar tranquilo (2018), y escribieron y dirigieron el thriller sobrenatural Nightlight (2015), la película de slasher Haunt (2019), el thriller de acción de ciencia ficción 65 (2023).

Beck y Woods producen, escriben y dirigen esta película realizada en el sello especializado en terror A24. La película de 111 minutos de duración ha contado con un presupuesto de 10 millones de dólares, y cuenta con fotografía de Chung Chung-hoon, montaje de Justin Li y música de Chris Bacon.

Heretic tiene el enorme éxito de plantear una película en un espacio cerrado protagonizado por apenas tres personajes. Los protagonistas son Hugh Grant como el Sr. Reed, en apariencia un devoto rreligiosos que someterá a una tortura a dos jóvenes misioneras, Sophie Thatcher como la Hermana Barnes y Chloe East como la Hermana Paxton. Otros actores con papeles más pequeños son Topher Grace como Elder Kennedy y Elle Young como la Profeta.

Si una cosa queda clara viendo Heretic es que sus directores Beck y Woods son profesiones muy listos que saben crear high-concepts potentes que dan lugar a películas solventes que saben a lo que juegan. Lo vimos con Un lugar tranquilo y también con la entretenidísima 65. Una película que por cierto recibió muy malas críticas pero que a mi me gustó precisamente por su falta de pretensiones.

En Heretic hay que empezar valorando la capacidad de Beck y Woods a la hora de crear una película que implica únicamente a tres personajes en un espacio cerrado, y que sin despliegues violentos consigan mantener la tensión y el interés durante toda la película. Una duración de 110 minutos que me parece perfecta para lo que nos cuenta la película.

Los tres protagonistas me parece que están muy bien. Por un lado, Hugh Grant busca salirse de su zona de confort en comedias románticas y similares para convertirse en un serial killer fanático religioso que sin embargo no parece querer tocar un pelo a las dos jóvenes misioneras mormonas que visitan su casa. Sophie Thatcher como la Hermana Barnes y Chloe East como la Hermana Paxton me parece que están muy bien en su papeles de dos jóvenes que entienden desde el primer momento la amenaza física que supone una adulto que las dobla en peso y tamaño y que de un puñetazo puede tumbarlas. Las jóvenes tendrán que plantear un desafío intelectual además de religioso si esperan poder sobrevivir a esta noche de tormenta.

Heretic maneja muy bien la tensión de la película jugando a un combate de ideas mientras el Señor Reed plantea a las chicas su idea de las religiones y como en el fondo no cree que ninguna sea real, sino un medio de control social aplicado a todas las sociedades a lo largo de toda la historia. La película dosifica muy bien los giros y las sorpresas, aumentando la sensación claustrofóbica a medida que el plan de Reed se va desarrollando sin que las jóvenes puedan hacer nada para evitarlo. La película en realidad no es tanto una película de terror tal y como yo lo entiendo, sino un thriller de tensión bastante aseado que cumple su objetivo de principio a fin.

Creo que hay varios momentos visuales muy chulos, como la maqueta en el despacho de Reed que muestra el complejo subterráneo que ha cavado debajo de su casa, en el que vemos el movimiento de las jóvenes. Como ejercicio de estilo creo que Beck y Woods aciertan completamente y resultan un seguro de vida. Lo digo porque una película de 10 millones ya ha recaudado 40, resultando super rentable para sus productores. Y en realidad tengo que decir que Heretic me ha gustado, siendo lo que es. Aunque tampoco me ha flipado.

En realidad, dentro que Heretic me ha entretenido, también me llama la atención la falta de definición y lo tramposa que es en varios momentos. No es que me moleste en realidad, pero es curioso que esta película puede ser interpretada como una crítica a las religiones organizadas y la forma en que controlan a los crédulos creyentes. Y también como una película en la que una joven ve afianzada su fe en la peor de las situaciones, porque es reconfortante saberse parte de algo más grande que una misma. Ambas interpretaciones son antagónicas y a la vez válidas, lo que muestra a unos escritores planteando una indefinición muy pensada para quedarse a medio camino de todo.

Hay un montón de pseudo-cháchara religiosa que parece planteada para que el señor Reed parezca super inteligente, cuando en realidad no lo es tanto. De hecho, en un momento dado incluso las chicas gritan «bullshit» ante tanta chorrada pseudo profunda que en realidad no tiene sentido o está claramente sesgada. Esto me lleva a la interpretación de Hugh Grant, que en realidad es el principal reclamo de la película. Ver a Grant convertido en un serial-killer parecía que nos daría un cambio brutal respecto al que estamos acostumbrados. Pero aún siendo el villano, en realidad este papel tampoco es tan revolucionario ni tan over-the-top. De hecho, casi parece haber pedido explícitamente hacer de un villano que en realidad no comete en pantalla ningún acto de crueldad o tortura física a las chicas. De forma que es el malo, pero en realidad no tanto por lo que se ve en pantalla.

Luego hay algunos saltos de lógica e imposibilidades que hay que aceptar como parte de los clichés del género sin las cuales no hay película. Empezando por la regla que las chicas rompen para entrar en la casa, o luego con la trampa increíble de la Profeta dentro del foso. Hay momentos muy locos que tienes que aceptar porque como digo si no no hay película. Aparte que en realidad las motivaciones del villano no están claras, por un lado por la indefinición que comentaba antes, pero también porque el contenido es mucho menos inteligente o sesudo como parece en la superficie.

Dentro de la pseudo-cháchara, hay un momento muy meta cuando Reed afirma que si la religión judía fue la primera (algo falso en realidad), sólo supone el 2% de la población mundial porque no se publicitan. Y digo que es gracioso pensando que el mundo del cine mainstream americano está controlado completamente por dinero judío, productores, escritores y directores judíos. Que se diga en una película americana que el judaismo no se publicita cuando está presente de una manera u otra en la mayoría de producciones de Hollywood es sin duda un momento de humor no intencionado. Esto es en realidad una anécdota en el conjunto de la película, pero como me hizo mucha gracia durante el visionado, tengo que comentarlo aquí

Dicho esto, en realidad Heretic me parece una película que funciona muy bien porque tiene claro lo que es, que en realidad es un ejercicio de estilo de crear tensión creciente sin apenas violencia física ni momentos sangrientos. Esto mismo puede hacer que esta película sea muy mainstream, pudiendo ir a verla público fan de Hugh Grant pero a los que en realidad no les gusta el terror de gore, sangre y vísceras.

Comparto el trailer de Heretic:

Heretic es una buena película con un buen uso de la tensión una vez aceptas la naturaleza tramposa de toda la historia.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

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Crítica de Nosferatu de Robert Eggers

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Tenía cierta curiosidad con la nueva versión de Nosferatu de Robert Eggers acaba de estrenarse en los cines.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

Nueva versión de la icónica película muda de F.W. Murnau, producida en 1922, que a su vez se basaba en la novela ‘Drácula’, de Bram Stoker.

En 2015 Robert Eggers sorprendió al mundo cinéfilo con su ópera prima, La Bruja. En su segunda película El Faro, Eggers se alejó de una narrativa convencional en una historia en blanco y negro con la que no conecté nada. Con The Northman (2022), película inspirada en la leyenda de Amleth, la leyenda escandinava que inspiró al personaje de Hamlet.

En Nosferatu, Eggers escribe el guion adaptando la clásica película de F.W. Murnau, que a su vez copió decaradamente al Drácula de Bram Stoker. Eggers vuelve a colaborar con Jarin Blaschke, director de fotografía de todas sus películas y persona imprescindible para dotar a la película de su toque personal con una iluminación naturalista. La película de 132 minutos cuenta con música de Robin Carolan, que también ha trabajado anteriormente con Eggers, con Louise Ford realizando el montaje. La película ha tenido un presupuesto de 50 millones y se rodó en estudios y localizaciones en República Chequia y Rumanía.

En el reparto encontramos a Bill Skarsgård as Conde Orlok, Nicholas Hoult as Thomas Hutter, la versión de Murnau de Jonathan Harker, Lily-Rose Depp as Ellen Hutter (Mina Harker), Willem Dafoe como Prof. Albin Eberhart Por Franz (Profesor Van Helsing). Completan el reparto Aaron Taylor-Johnson como Friedrich Harding y Emma Corrin como Anna Harding (Arthur Holmwood y Lucy), Ralph Ineson como el Dr. Wilhelm Sievers (John Seward) y Simon McBurney como Herr Knock (Renfield).

Robert Eggers es un director tan diferente, para bien y para mal, que me provoca que me apetezca ver una película suya cada dos años. Su personalidad es bestial e imprime en cada película una sensación de viaje en el tiempo con su perfecta puesta en escena. Con la escenografía de la película, el vestuario y, por supuesto, con la iluminación. En lo referido a los valores de producción, Nosferatu es de 10.

Pero en Nosferatu Eggers tiene una serie de problemas casi insalvables, empezando con el hecho que esta historia, incluso con los cambios finales respecto a la historia de Drácula, es super conocida y se ha contado en infinidad de ocasiones. En realidad tenía curiosidad por ver la versión que Eggers había hecho de Nosferatu, y reconozco que no he visto la película de Murnau en el siglo XXI, por lo que no es un caso «acabo de ver la clásica».

En lo referido a escenas que recuerdan al clásico de Murnau, el comienzo de la película en el que vemos la primera vez que Ellen ve al Conde Orlok, del que sólo vemos su sombra sobre las cortinas (cuya imagen veis arriba), creo que visualmente es lo mejor de la película. Un momento super atmósférico y que puede marcar el feeling visual de la película. El problema es cuando la mejor escena visual de película es justo la inicial.

En realidad, Nosferatu de Robert Eggers me ha gustado, está bien. Pero no es genial. Y es precisamente debido a las conocidas señas de identidad de Eggers. No es que me haya llevado ninguna sorpresa en esto, cuando digo que me apetece ver una película suya cada dos años o más es porque me da algo que nadie más hace. Incluso cuando no conecto demasiado con su elección estética y visual.

Hay un problema dramático cuando tu gusto por rodar únicamente con iluminación naturalista y la creación de claroscuros provoca que no veas bien a los personajes, siempre a contraluz. No ver lo que pasa, y sobre todo, la forma en que los personajes reaccionan ante esos sucesos, es un problema. Para mi lo es. Y causa que momentos que deberían ser super dramáticos acaben no siéndolos. Como digo, que la mejor escena visualmente sea el prólogo, provoca un problema de falta de progresión dramática.

En positivo, los cambios que añade Eggers al final y el papel activo que Ellen tiene en la destrucción de Orlok, añadiendo bastante más sangre de la que obviamente había en la película de Murnau, me ha gustado también mucho.

En lo referido al reparto, me parece curioso como las agencias de representación y los estudios parece intentan promocionar a las próximas estrellas de la industria, algunas de cuyas caras tenemos en esta película. Entre ellos Nicholas Hoult (el próximo Lex Luthor), Aaron Taylor-Johnson (Kraven, Vengadores Era de Ultrón) y Emma Corrin (The Crown y Deadpool y Lobezno). Y por supuesto, la hija de Johnny Depp Lily-Rose, que para mi es el verdadero descubrimiento de la película y que nos da la interpretación más potente y emocionante. Junto a ellos, Willen Dafoe está siempre bien en su papel de un personaje con toques un poco inusuales. Creo que en la parte actoral, la película está muy bien y todos cumplen con lo que sus personajes demandan de ellos.

Cosa diferente es la creación de Bill Skarsgård del Conde Orlok. Y no es que Skarsgård lo haga mal, empezando por el fuerte acento rumano / eslavo con el que habla Orlok en inglés. Aparte de todas las escenas en las que habla rumano o latín o el idioma que hable, mostrando a un actorazo con una voz grave y potente. El problema es que Eggers no permite que le veamos bien casi nunca bien. Frente a la icónica silueta alargada y con las orejas de murciélago del Nosferatu de Murnau, Eggers no consigue plantear nada ni remotamente similar. Su aportación de crear a un Conde Orlok de tamaño enorme que recuerda a un soldado cosaco o eslavo es lo más destacado, pero no provoca nada ni remotamente parecido a algo icónico. Además, la decisión de mostrar a Orlok desenfocado, a contraluz o directamente en la sombra todo el rato impide que podamos sentir la amenaza de Orlok, y juega en contra de la potencia dramática que comentaba al principio.

Pero dentro de estar ante una película que está bien, estamos ante una película en la que conoces lo que va a pasar la gran mayoría del tiempo. Y sientes que esas mismas escenas las hemos visto mejor en otras películas. Mejor dramáticamente, mejor visualmente. Me han gustado momentos puntuales de la película, por ejemplo cuando la mano de Orlok sobrevuela la ciudad, y también la interpretación de Lily-Rose Depp. Pero globalmente el Nosferatu de Robert Eggers me ha parecido un bien «sin más» de libro. Y sin embargo, seguro que veré la siguiente propuesta de Eggers.

Comparto el trailer de la película:

Para bien y para mal, Nosferatu es una película de Robert Eggers.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

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