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Películas

Crítica de El misterio de Salem´s Lot de Gary Dauberman (Max)

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Aprovechando las vacaciones navideñas me animé a ver la nueva versión del clásico de Stephen King El misterio de Salem´s Lot, realizado por el director y guionista Gary Dauberman, que Max ha estrenado recientemente.

PUNTUACIÓN: 6/10

El escritor Ben Mears regresa a Jerusalem’s Lot, la casa de su infancia, en busca de inspiración para su próximo libro. Allí descubre que su ciudad natal está siendo presa de un vampiro sediento de sangre.

Gary Dauberman es un guionista y director estadounidense más conocido por escribir las películas de terror del universo The Conjuring Annabelle (2014), Annabelle: Creation (2017), The Nun (2018) y Annabelle Comes Home (2019). Con esta última película debutó como director. Dauberman también coescribió la película de terror sobrenatural It (2017), y escribió su continuación It Chapter Two (2019), basadas en la novela de Stephen King.

Dauberman está muy unido al mundo de Stephen King, y también al universo de terror creado por James Wan. De hecho, Wan produce esta nueva versión del clásico de King a través de su empresa Atomic Monster, que la ha producido junto a New Line Cinema, que vendieron los derechos a Max. La película de 113 minutos de duración ha contado con fotografía de Michael Burgess, montaje de Luke Ciarrocchi y música de Nathan Barr y Lisbeth Scott.

En el reparto tenemos a Lewis Pullman como Ben Mears, Makenzie Leigh como Susan Norton, Alfre Woodard como Dr. Cody, John Benjamin Hickey como Padre Callahan, Bill Camp como Matthew Burke, Jordan Preston Carter como Mark Petrie, Nicholas Crovetti como Danny Glick, Spencer Treat Clark como Mike Ryerson, William Sadler como Sheriff Parkins Gillespie, Pilou Asbæk como el vampiro Richard Straker y Alexander Ward como su vasallo Kurt Barlow.

Hacer una nueva versión de El misterio de Salem´s Lot es un empeño muy arriesgado, pensando que es una de las novelas de King que más veces se ha adaptado. Previamente se han hecho dos series, la super icónica de 1979 y una segunda en 2004. La serie de 1979 la vi cuando era muy pequeño y es una de las series (y películas) que más miedo me provocó en toda mi vida. Esta familiaridad con las obras previas, aparte de la propia novela de King, un clásico del terror, es lo que hizo que inicialmente no me animara a ver esta película, estrenada en Max aprovechando Halloween. Por cierto, esta es la primera vez que El misterio de Salem´s Lot se adapta en película.

Y empezando por los elementos positivos, la película tiene el feeling correcto que se espera de esta historia de vampiros situada cronológicamente a finales de los años 70 o principio de los 80. Al ser una historia conocida, la primera mitad se mueve por situaciones conocidas, y tengo que reconocer que me gusta mucho el terror que Dauberman imprime a varias escenas. Sobre todo las primeras muertes y las apariciones del vampiro Straker me parece que están super bien y nos dan momentazos visuales super potentes.

Además, Dauberman plantea una novedad que recuerda a la espada de Frodo en el Señor de los Anillos, Dardo, que se iluminaba ante la llegada de trasgos, trolls y otros monstruos. En esta película las cruces se iluminan en la presencia de vampiros, lo que permite que, unido a unos ojos de los vampiros que también se iluminan en la oscuridad, las escenas de terror tengan una potencia mucho mayor de la habitual.

El reparto creo que está bastante bien en una historia super conocida en la que prácticamente todo el mundo acaba muriendo. (Esto no es spoiler pensando que estamos ante una historia de vampiros de Stephen King). Quizá los jóvenes protagonistas Lewis Pullman y Makenzie Leigh están correctos, pero sufren de no tener un carisma que si tienen secundarios de lujo como Bill Camp o Alfre Woodard, aunque su aparición sea mucho menor. En todo caso, creo que es un buen reparto que da lo que la película necesitaba.

Otro tema importante es que tras una primera hora y pico modélica, la película tiene que acelerar para llegar al climax, lo que no acaba de funcionar todo lo bien que debería. Hay momentos visualmente alucinantes, como la visión de los vampiros en el tejado de la casa de Burke o el ataque a la iglesia, pero el clímax resulta super decepcionante a partir que Dauberman se desvía de la historia de la novela. Y no lo entiendo. No se si porque Dauberman consideró que el final es hiper conocido y por eso plantea algo diferente, pero situar el climax final en el auto-cine provoca una escena completamente fallida que no está a la altura de lo visto hasta ese momento.

Otro cambio que me parece super fallido es hacer que sea Mark Petrie, el chaval de ¿11 años?, el que sea el puto amo mata vampiros, mientras que Ben Mears y el resto de adultos son bastante pringados. Este cambio no sólo es una chorrada, sino que quita la sensación de verosimilitud que debe tener cualquier historia. No sólo las de terror, todas. Y que con decisiones como esta provocan que la suspensión de credulidad saltara por lo aires.

Además, la novela de King terminaba de forma muy nihilista, al matar al vampiro jefe pero no al resto de vampiros del pueblo, lo que planteaba un final feliz casi imposible. Sin embargo, este final de Dauterman parece que se plantea para poder decir «sí hemos matado a todos los vampiros», aunque en realidad sea imposible saberlo. Y veo todos estos cambios y me pregunto para qué público dirigía Max y el director esta película. ¿Estaban buscan captar al público adolescente que quiere ver películas de terror en Halloween? (Y que seguro nos han visto la serie clásica de 1979). Es algo que no sería del todo descartable.

Pero es una pena, porque creo que el director Gary Dauberman nos da 80/90 minutos estupendos de terror puro de la vieja escuela, que se ven malogrados por un climax absurdo que no funciona en absoluto. Una pena. Visto lo visto, creo que Dauterman tiene buen ojo para el terror como director, pero por favor que alguien impida que se crea más listo que Stephen King para atreverse a cambiarle el final. Quien podría imaginar que no acabaría bien.

Comparto el trailer de la película:

Con lo bien que empieza esta nueva versión de El misterio de Salem´s Lot, me da pena el fallido climax final. En todo caso, una película para los muy fans del terror.

PUNTUACIÓN: 6/10

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Crítica de Heretic de Scott Beck y Bryan Woods

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Scott Beck y Bryan Woods, guionistas de Un lugar tranquilo y directores de 67 son los creadores de Heretic, la primera película de 2025 que vi en el cine. Una película que tiene el reclamo de ver a Hugh Grant haciendo de serial-killer.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

Dos jóvenes misioneras se ven obligadas a demostrar su fe cuando llaman a la puerta equivocada y son recibidas por el diabólico Sr. Reed (Hugh Grant). Los tres se verán envueltos en un brutal juego del gato y el ratón durante una larga noche de tormenta.

Scott Beck (Iowa, 1984) y Bryan Woods (Denver, 1984) son un dúo de cineastas estadounidenses. Crearon la historia y coescribieron la película de terror postapocalíptico Un lugar tranquilo (2018), y escribieron y dirigieron el thriller sobrenatural Nightlight (2015), la película de slasher Haunt (2019), el thriller de acción de ciencia ficción 65 (2023).

Beck y Woods producen, escriben y dirigen esta película realizada en el sello especializado en terror A24. La película de 111 minutos de duración ha contado con un presupuesto de 10 millones de dólares, y cuenta con fotografía de Chung Chung-hoon, montaje de Justin Li y música de Chris Bacon.

Heretic tiene el enorme éxito de plantear una película en un espacio cerrado protagonizado por apenas tres personajes. Los protagonistas son Hugh Grant como el Sr. Reed, en apariencia un devoto rreligiosos que someterá a una tortura a dos jóvenes misioneras, Sophie Thatcher como la Hermana Barnes y Chloe East como la Hermana Paxton. Otros actores con papeles más pequeños son Topher Grace como Elder Kennedy y Elle Young como la Profeta.

Si una cosa queda clara viendo Heretic es que sus directores Beck y Woods son profesiones muy listos que saben crear high-concepts potentes que dan lugar a películas solventes que saben a lo que juegan. Lo vimos con Un lugar tranquilo y también con la entretenidísima 65. Una película que por cierto recibió muy malas críticas pero que a mi me gustó precisamente por su falta de pretensiones.

En Heretic hay que empezar valorando la capacidad de Beck y Woods a la hora de crear una película que implica únicamente a tres personajes en un espacio cerrado, y que sin despliegues violentos consigan mantener la tensión y el interés durante toda la película. Una duración de 110 minutos que me parece perfecta para lo que nos cuenta la película.

Los tres protagonistas me parece que están muy bien. Por un lado, Hugh Grant busca salirse de su zona de confort en comedias románticas y similares para convertirse en un serial killer fanático religioso que sin embargo no parece querer tocar un pelo a las dos jóvenes misioneras mormonas que visitan su casa. Sophie Thatcher como la Hermana Barnes y Chloe East como la Hermana Paxton me parece que están muy bien en su papeles de dos jóvenes que entienden desde el primer momento la amenaza física que supone una adulto que las dobla en peso y tamaño y que de un puñetazo puede tumbarlas. Las jóvenes tendrán que plantear un desafío intelectual además de religioso si esperan poder sobrevivir a esta noche de tormenta.

Heretic maneja muy bien la tensión de la película jugando a un combate de ideas mientras el Señor Reed plantea a las chicas su idea de las religiones y como en el fondo no cree que ninguna sea real, sino un medio de control social aplicado a todas las sociedades a lo largo de toda la historia. La película dosifica muy bien los giros y las sorpresas, aumentando la sensación claustrofóbica a medida que el plan de Reed se va desarrollando sin que las jóvenes puedan hacer nada para evitarlo. La película en realidad no es tanto una película de terror tal y como yo lo entiendo, sino un thriller de tensión bastante aseado que cumple su objetivo de principio a fin.

Creo que hay varios momentos visuales muy chulos, como la maqueta en el despacho de Reed que muestra el complejo subterráneo que ha cavado debajo de su casa, en el que vemos el movimiento de las jóvenes. Como ejercicio de estilo creo que Beck y Woods aciertan completamente y resultan un seguro de vida. Lo digo porque una película de 10 millones ya ha recaudado 40, resultando super rentable para sus productores. Y en realidad tengo que decir que Heretic me ha gustado, siendo lo que es. Aunque tampoco me ha flipado.

En realidad, dentro que Heretic me ha entretenido, también me llama la atención la falta de definición y lo tramposa que es en varios momentos. No es que me moleste en realidad, pero es curioso que esta película puede ser interpretada como una crítica a las religiones organizadas y la forma en que controlan a los crédulos creyentes. Y también como una película en la que una joven ve afianzada su fe en la peor de las situaciones, porque es reconfortante saberse parte de algo más grande que una misma. Ambas interpretaciones son antagónicas y a la vez válidas, lo que muestra a unos escritores planteando una indefinición muy pensada para quedarse a medio camino de todo.

Hay un montón de pseudo-cháchara religiosa que parece planteada para que el señor Reed parezca super inteligente, cuando en realidad no lo es tanto. De hecho, en un momento dado incluso las chicas gritan «bullshit» ante tanta chorrada pseudo profunda que en realidad no tiene sentido o está claramente sesgada. Esto me lleva a la interpretación de Hugh Grant, que en realidad es el principal reclamo de la película. Ver a Grant convertido en un serial-killer parecía que nos daría un cambio brutal respecto al que estamos acostumbrados. Pero aún siendo el villano, en realidad este papel tampoco es tan revolucionario ni tan over-the-top. De hecho, casi parece haber pedido explícitamente hacer de un villano que en realidad no comete en pantalla ningún acto de crueldad o tortura física a las chicas. De forma que es el malo, pero en realidad no tanto por lo que se ve en pantalla.

Luego hay algunos saltos de lógica e imposibilidades que hay que aceptar como parte de los clichés del género sin las cuales no hay película. Empezando por la regla que las chicas rompen para entrar en la casa, o luego con la trampa increíble de la Profeta dentro del foso. Hay momentos muy locos que tienes que aceptar porque como digo si no no hay película. Aparte que en realidad las motivaciones del villano no están claras, por un lado por la indefinición que comentaba antes, pero también porque el contenido es mucho menos inteligente o sesudo como parece en la superficie.

Dentro de la pseudo-cháchara, hay un momento muy meta cuando Reed afirma que si la religión judía fue la primera (algo falso en realidad), sólo supone el 2% de la población mundial porque no se publicitan. Y digo que es gracioso pensando que el mundo del cine mainstream americano está controlado completamente por dinero judío, productores, escritores y directores judíos. Que se diga en una película americana que el judaismo no se publicita cuando está presente de una manera u otra en la mayoría de producciones de Hollywood es sin duda un momento de humor no intencionado. Esto es en realidad una anécdota en el conjunto de la película, pero como me hizo mucha gracia durante el visionado, tengo que comentarlo aquí

Dicho esto, en realidad Heretic me parece una película que funciona muy bien porque tiene claro lo que es, que en realidad es un ejercicio de estilo de crear tensión creciente sin apenas violencia física ni momentos sangrientos. Esto mismo puede hacer que esta película sea muy mainstream, pudiendo ir a verla público fan de Hugh Grant pero a los que en realidad no les gusta el terror de gore, sangre y vísceras.

Comparto el trailer de Heretic:

Heretic es una buena película con un buen uso de la tensión una vez aceptas la naturaleza tramposa de toda la historia.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

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Películas

Crítica de Nosferatu de Robert Eggers

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Tenía cierta curiosidad con la nueva versión de Nosferatu de Robert Eggers acaba de estrenarse en los cines.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

Nueva versión de la icónica película muda de F.W. Murnau, producida en 1922, que a su vez se basaba en la novela ‘Drácula’, de Bram Stoker.

En 2015 Robert Eggers sorprendió al mundo cinéfilo con su ópera prima, La Bruja. En su segunda película El Faro, Eggers se alejó de una narrativa convencional en una historia en blanco y negro con la que no conecté nada. Con The Northman (2022), película inspirada en la leyenda de Amleth, la leyenda escandinava que inspiró al personaje de Hamlet.

En Nosferatu, Eggers escribe el guion adaptando la clásica película de F.W. Murnau, que a su vez copió decaradamente al Drácula de Bram Stoker. Eggers vuelve a colaborar con Jarin Blaschke, director de fotografía de todas sus películas y persona imprescindible para dotar a la película de su toque personal con una iluminación naturalista. La película de 132 minutos cuenta con música de Robin Carolan, que también ha trabajado anteriormente con Eggers, con Louise Ford realizando el montaje. La película ha tenido un presupuesto de 50 millones y se rodó en estudios y localizaciones en República Chequia y Rumanía.

En el reparto encontramos a Bill Skarsgård as Conde Orlok, Nicholas Hoult as Thomas Hutter, la versión de Murnau de Jonathan Harker, Lily-Rose Depp as Ellen Hutter (Mina Harker), Willem Dafoe como Prof. Albin Eberhart Por Franz (Profesor Van Helsing). Completan el reparto Aaron Taylor-Johnson como Friedrich Harding y Emma Corrin como Anna Harding (Arthur Holmwood y Lucy), Ralph Ineson como el Dr. Wilhelm Sievers (John Seward) y Simon McBurney como Herr Knock (Renfield).

Robert Eggers es un director tan diferente, para bien y para mal, que me provoca que me apetezca ver una película suya cada dos años. Su personalidad es bestial e imprime en cada película una sensación de viaje en el tiempo con su perfecta puesta en escena. Con la escenografía de la película, el vestuario y, por supuesto, con la iluminación. En lo referido a los valores de producción, Nosferatu es de 10.

Pero en Nosferatu Eggers tiene una serie de problemas casi insalvables, empezando con el hecho que esta historia, incluso con los cambios finales respecto a la historia de Drácula, es super conocida y se ha contado en infinidad de ocasiones. En realidad tenía curiosidad por ver la versión que Eggers había hecho de Nosferatu, y reconozco que no he visto la película de Murnau en el siglo XXI, por lo que no es un caso «acabo de ver la clásica».

En lo referido a escenas que recuerdan al clásico de Murnau, el comienzo de la película en el que vemos la primera vez que Ellen ve al Conde Orlok, del que sólo vemos su sombra sobre las cortinas (cuya imagen veis arriba), creo que visualmente es lo mejor de la película. Un momento super atmósférico y que puede marcar el feeling visual de la película. El problema es cuando la mejor escena visual de película es justo la inicial.

En realidad, Nosferatu de Robert Eggers me ha gustado, está bien. Pero no es genial. Y es precisamente debido a las conocidas señas de identidad de Eggers. No es que me haya llevado ninguna sorpresa en esto, cuando digo que me apetece ver una película suya cada dos años o más es porque me da algo que nadie más hace. Incluso cuando no conecto demasiado con su elección estética y visual.

Hay un problema dramático cuando tu gusto por rodar únicamente con iluminación naturalista y la creación de claroscuros provoca que no veas bien a los personajes, siempre a contraluz. No ver lo que pasa, y sobre todo, la forma en que los personajes reaccionan ante esos sucesos, es un problema. Para mi lo es. Y causa que momentos que deberían ser super dramáticos acaben no siéndolos. Como digo, que la mejor escena visualmente sea el prólogo, provoca un problema de falta de progresión dramática.

En positivo, los cambios que añade Eggers al final y el papel activo que Ellen tiene en la destrucción de Orlok, añadiendo bastante más sangre de la que obviamente había en la película de Murnau, me ha gustado también mucho.

En lo referido al reparto, me parece curioso como las agencias de representación y los estudios parece intentan promocionar a las próximas estrellas de la industria, algunas de cuyas caras tenemos en esta película. Entre ellos Nicholas Hoult (el próximo Lex Luthor), Aaron Taylor-Johnson (Kraven, Vengadores Era de Ultrón) y Emma Corrin (The Crown y Deadpool y Lobezno). Y por supuesto, la hija de Johnny Depp Lily-Rose, que para mi es el verdadero descubrimiento de la película y que nos da la interpretación más potente y emocionante. Junto a ellos, Willen Dafoe está siempre bien en su papel de un personaje con toques un poco inusuales. Creo que en la parte actoral, la película está muy bien y todos cumplen con lo que sus personajes demandan de ellos.

Cosa diferente es la creación de Bill Skarsgård del Conde Orlok. Y no es que Skarsgård lo haga mal, empezando por el fuerte acento rumano / eslavo con el que habla Orlok en inglés. Aparte de todas las escenas en las que habla rumano o latín o el idioma que hable, mostrando a un actorazo con una voz grave y potente. El problema es que Eggers no permite que le veamos bien casi nunca bien. Frente a la icónica silueta alargada y con las orejas de murciélago del Nosferatu de Murnau, Eggers no consigue plantear nada ni remotamente similar. Su aportación de crear a un Conde Orlok de tamaño enorme que recuerda a un soldado cosaco o eslavo es lo más destacado, pero no provoca nada ni remotamente parecido a algo icónico. Además, la decisión de mostrar a Orlok desenfocado, a contraluz o directamente en la sombra todo el rato impide que podamos sentir la amenaza de Orlok, y juega en contra de la potencia dramática que comentaba al principio.

Pero dentro de estar ante una película que está bien, estamos ante una película en la que conoces lo que va a pasar la gran mayoría del tiempo. Y sientes que esas mismas escenas las hemos visto mejor en otras películas. Mejor dramáticamente, mejor visualmente. Me han gustado momentos puntuales de la película, por ejemplo cuando la mano de Orlok sobrevuela la ciudad, y también la interpretación de Lily-Rose Depp. Pero globalmente el Nosferatu de Robert Eggers me ha parecido un bien «sin más» de libro. Y sin embargo, seguro que veré la siguiente propuesta de Eggers.

Comparto el trailer de la película:

Para bien y para mal, Nosferatu es una película de Robert Eggers.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

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Comics

Crítica de Houses of the unholy de Ed Brubaker y Sean Phillips (Image Comics)

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Llega la nueva novela gráfica de Ed Brubaker y Sean Phillips Houses of the unholy, con color de Jacob Phillips. Una compra obligada que me ha dado una lectura super chula.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

Un agente del FBI especializado en crímenes de culto y una mujer con un pasado vinculado al Pánico Satánico se ven arrastrados a la aterradora caza de un asesino demente que se oculta en las sombras de los bajos fondos. ¿Podrá escapar alguna vez de su pasado, o todas sus malas decisiones no son más que más fantasmas que le persiguen, vaya donde vaya?

HOUSES OF THE UNHOLY es un fascinante viaje de terror de los creadores de bestsellers ED BRUBAKER y SEAN PHILLIPS, el galardonado equipo detrás de CRIMINAL (que pronto será una serie de televisión en Amazon Prime), RECKLESS, NIGHT FEVER y WHERE THE BODY WAS.

Tener una nueva novela gráfica de Ed Brubaker y Sean Phillips es el equivalente comiquero del espacio seguro. Un comic que no necesitas saber nada de su argumento o personajes para tener claro que te va a encantar. Y que cuando por fin lo lees la experiencia ha sido super satisfactoria.

Entrando a valorar Houses of the unholy (Casas de los impíos), me llama la atención la sensación que Ed Brubaker quedó traumatizado de niño con el pánico que se vivió frente a los cultos satánicos en los Estados Unidos a finales de los 70 y principios de los años 80. De hecho, la existencia de cultos satánicos ha estado muy presente la obra previa del dúo. Desde Fatale a uno de los volúmenes de Reckless , la temática de cultos y sociedades secretas parece ser uno de los temas en que Brubaker se siente más cómodo.

En Houses of the unholy Brubaker plantea una interesante y novedosa historia sobre nuestra memoria y los traumas que nos acosan. Y es que conoceremos a Natalie Burns, una investigadora privada que trabaja en casos de niños desaparecidos y que tiene un profundo trauma. Cuando era niña participó en una mentira acusando junto a otros niños a unos profesores de pertenecer a una secta satánica que les había violado. Esta mentira provocó que una de las profesoras se suicidara antes de descubrirse la mentira. Aparte de lo gordo que es ser responsable de la muerte de una persona inocente, la protagonista sufre porque sigue viendo escenas de unos abusos que nunca existieron. Natalie tuvo que realizar reuniones con psicólogos que la preguntaban una y otra vez por esos hechos, hasta el punto de interiorizarlos como propios aunque nunca sucedieron.

La idea de no poder confiar en tus recuerdos es una idea aterradora, y esto es una parte fundamental de la propuesta de Brubaker. Por supuesto, además tendremos un caso en el presente que conectará a Natalie Burns con este pasado que no acaba de irse nunca. Mientras asistimos a la investigación de Natalie y un agente del FBI que la ha contactado para que la ayude en su investigación, conoceremos mediante flashbacks la historia de Natalie de niña y los jóvenes que participaron en esa mentira con ella. Como siempre en Brubaker, la historia me parece redonda, con la típica narrativa fragmentada que va aportando piezas del puzzle que se está desarrollando delante nuestro. Destacaría además el final atípico que plantea en este comic, algo poco habitual en Brubaker. Un final que sin embargo si conecta con la idea de plantear un final poderoso con una última imagen impactante, como sucedió en la fantástica Pulp.

Posiblemente sea porque he leído mucho a Brubaker, pero tengo que reconocer que la sorpresa del comic es algo que vi venir casi desde su primera página. Esto no creo que sea un problema en la historia, que creo que se plantea de forma super correcta a lo largo de esta novela gráfica. Hablaba antes de una «lectura segura», y quizá eso implica que tenga muy claras las claves, los tropos y también de los recursos narrativos que emplea habitualmente Brubaker. Dicho esto, reconozco que Brubaker consiguió sorprenderme con el final que plantea para este comic.

Hablando de sensaciones conocidas, el dibujo de Sean Phillips con color de su hijo Jacob también significa una zona de confort comiquera. Y es que es abrir la primera página y verme transportado a su mundo. Phillips y su hijo tienen la cualidad de añadir una cualidad atemporal a todos sus trabajos. Aunque otras obras de Brubaker y Phillips estaban ambientadas en el pasado, por ejemplo la serie Reckless en el Los Ángeles de los años 80, esta obra plantea una historia en un presente bastante más cercano. Digo esto porque el pánico al satanismo tuvo lugar en los años 80, y la protagonista debe tener 20/30 años, por lo que los sucesos del presente deben suceder pasados el 2000. Sin embargo, el dibujo y sobre todo la paleta cromática de Jacob Phillips parece que nos traslada a un mundo mucho anterior.

Aparte de la narrativa de Phillips, sobre la que he hablado muy y muy bien en reseñas anteriores, lo que me llamó también la atención de este Houses of the unholy es la capacidad de crear atmósferas malsanas en el comic. La idea de estar ante una protagonista rota por dentro es algo que se siente mucho antes que conozcamos su historia, y es todo gracias al extraordinario dibujo de Phillips.

Como siempre cuando hablo de Brubaker y Phillips, Houses of the unholy es una lectura redonda que me ha dejado super satisfecho. Me encanta que aparte de los elementos familiares que me deja, la historia de Brubaker me haya mostrado una historia diferente que no esperaba. Y que sin embargo, me ha encantado.

Por cierto, Brubaker ha anunciado que su siguiente proyecto significa el retorno al mundo de CRIMINAL, su primera gran obra de creación propia con Sean Phillips. Brubaker comentó en su newsletter que «Sean lleva unas 30 páginas dibujando nuestro próximo libro, que es un regreso a CRIMINAL pero en formato OGN de tapa dura”. Brubaker también comparte los lápices de Sean Phillips que insinúan que la historia se centrará en Jacob Kurtz, el protagonista de Criminal: Bad Night. Esto sin duda es un intento de aprovechar el éxito que se espera con la serie de televisión de Criminal, que debería estrenarse durante 2025. Se trata del primer trabajo de la pareja en una historia de Criminal desde 2019, y Brubaker anticipa que será una novela gráfica bastante larga, lo que provocará que no se publique hasta una indeterminada fecha de «primera mitad de 2025.»

Si un comic de Brubaker y Phillips es siempre compra obligada, su retorno a Criminal lo es doblemente. Mientras mantengan este nivel de plenitud creativa, nos quedan muchos años de disfrute comiquero. Porque Houses of the unoly me ha gustado mucho.

Comparto las primeras páginas de esta novela gráfica:

Houses of the unholy es un nuevo triunfo de Ed Brubaker y Sean Phillips. Nadie hace comics como ellos.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

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Películas

Crítica de Alien: Romulus de Fede Álvarez

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Tenía ganas de ver Alien: Romulus, la nueva película de la franquicia de los xenomorfos realizada por el especialista en terror Fede Álvarez, que ha cumplido con las expectativas y mucho más.

PUNTUACIÓN: 8/10

Mientras rebuscan en las profundidades de una estación espacial abandonada, un grupo de jóvenes colonizadores del espacio se encuentra cara a cara con la forma de vida más aterradora del universo.

Fede Álvarez (Montevideo, Uruguay, 1978). Se dió a conocer en 2009 gracia a su cortometraje ¡Ataque de pácino!, lo que le llevó a firmar un contrato con la productora Ghost House, que acabó con él dirigiendo el remake de Evil Dead (2013). Tras esto dirigió la estupenda Don´t breathe (2016) y la fallida adaptación de The Girl in the Spider’s Web (2918). Tras producir y escribir Don´t breathe 2 (2021) y realizar la serie Calls (2021) para Apple TV, consiguió convencer a Redley Scott para realizar esta nueva película de Alien.

Álvarez escribe el guion de la película junto a su colaborador habitual Rodo Sayagues. La película ha sido producida por Ridley Scott a través de su productora Scott Free y ha contado con fotografía de Galo Olivares, montaje de Jake Roberts y música de Benjamin Wallfisches. Alien: Romulus tiene un ajustadísimo presupuesto de 80 millones de dólares, lo que puede ser vital para asegurar su rentabilidad, y fue rodada mayoritariamente en Budapest.

Por la propia premisa de la película, Alien: Romulus cuenta con un reparto con muy pocos integrantes. 2024 parece ser el año de Cailee Spaeny, ya que hace unos meses protagonizó Civil War de Alex Garland y ahora hace de Rain, una joven que ansía abandonar su colonia minera junto a su hermano Andy (la otra gran sorpresa positiva de la película, interpretado por David Jonsson), para ir a otro planeta donde pueda ver la luz del sol. El resto de jóvenes de la tripulación que la acompañarán a la estación espacila Romulus a la deriva son Archie Renaux como Tyler, el ex novio de Rain, Isabela Merced como Kay, la hermana de Tyler, Spike Fearn como Bjorn, el primo de Tyler y Kay y Aileen Wu como Navarro, piloto y novia de Bjorn.

Alien: Romulus es un extraordinario ejercicio de estilo y tensión por parte de su director Fede Álvarez. Además, sirve para mostrar la reverencia que el director uruguayo tiene por la franquicia iniciada por Ridley Scott en 1979. La película suponen una vuelta a las esencias de los xenomorfos, con una premisa que en cierto sentido recuerda a la de otra película de Álvarez: Don´t breathe. En el sentido que en ambas películas tenemos un grupo de jóvenes que entra en un espacio cerrado para robar, siendo sorprendidos por una presencia que no esperaban. Los pasillos claustrofóbicos, las sorpresas en cada esquina y una tensión opresiva son varias claves de una película que empieza a fuego lento pero que nos ofrece una segunda hora notable.

La película parece un catálogo de lo mejor de la franquicia, conectando con todas las películas previas (sin contar con los subproductos de Alien vs Predator). De la película original recupera la atmósfera de terror con una tripulación superada ampliamente por unos inesperados xenomorfos, con la presencia de la corporación Waylan-Yutami que como siempre es la verdadera villana de la película. En ese sentido, Alien: Romulus lleva esta villanía un paso más allá, al mostrar que el planeta minero donde viven Rain y sus amigos es prácticamente una trampa donde la empresa mantiene a los trabajadores casi en un régimen de esclavitud, al no permitirles abandonar el planeta.

La película recupera todos los mitos a Alien, empezando con los Facehuggers, que protagonizan unas escenas geniales llenas de tensión, el Chestburster y por último la versión adulta. Por cierto, Romulus muestra otro elemento muy interesante de la franquicia, al mostrar como tras nacer el chestburster, tiene que formar una nueva crisálida para conseguir su forma y tamaño adulto. La sorpresa es comprobar que Álvarez también incorpora en la película elementos de Prometheus y Covenant, algo que también conectaría con aspectos de Alien Resurrección y que sirven para darnos la sorpresa inesperada de la película en su parte final.

Fede Álvarez la verdad es que puede estar orgulloso de su trabajo en Alien: Romulus. La tensión es palpable durante toda la película, y me gusta que prácticamente todos los sets sean espacios físicos que tienen peso en pantalla. Además, los aliens combinan animatronics alucinantes con versiones CGI que no desentonan. La trama toma esquemas del terror el tener un set de terror al que le sigue otro y luego otro. Y aunque tenemos una primera mitad que casi parece un remake que toma elementos de las películas previas, en la segunda mitad Álvarez plantea una escena en gravedad cero que me parece brillante y es una interesante añadido a los mitos de alien, aparte de un climax final que me vuela la cabeza y resulta totalmente inesperado.

Por ponerle algún pero, la obsesión de los estudios por añadir easter-eggs y guiños a las películas previas hace que haya una aparición mediante CGI de un personaje que queda raro. Raro porque el actor falleció y por tanto sabes que lo que ves es CGI, pero también porque en realidad no era necesario. Por otro lado, había leído de Alien: Romulus era super aterradora, y la verdad es que no me lo ha parecido, dentro que al ser un espectador curtido en esta franquicia hay muy pocas cosas que me puedan alterar por muy buen trabajo que haga el director. Por último, un pequeño pero inevitable en este tipo de películas, y es que la franquicia no ha dejado claro el tiempo de incubación del huevo de alien en su huesped humano, de forma que pueden ser horas (¿o días?) en la primera Alien o en Aliens, a apenas minutos en Romulus. De igual manera tenemos el paso de chestburster a alien adulto, que también sucede con minutos de diferencia. En todo caso, este es un pero muy pequeño que en realidad no me molestó durante el visionado, así que ni tan mal. En todo caso, como veis, son muy pocas cosas las que no me han funcionado, porque en realidad la película me gustó bastante.

El reparto me parece que está muy bien. Cailee Spaeny se luce como heroina de Alien: Romulus, transmitiendo humanidad y empatía, y dando caña cuando llega el momento, en una escena que recuerda para bien Aliens de James Cameron. Junto a Spaeny, David Jonsson como su hermano Andy es la gran sorpresa actoral. Andy parece sufrir algún tipo de discapacidad, pero sufrirá varios cambios a lo largo de la película que provocarán que su rango interpretativo se amplíe para convertirle en el personaje más interesante de la película. El resto un poco sabes que están ahí para morir, y la verdad es que hay un par de muertes realmente potentes.

Aparte del catálogo de lugares comunes, me ha gustado mucho la sorpresa que me ha dado la película en su último cuarto. Antes de ir al cine me temía que los mejores momentos de la película estuvieran en el trailer, y la verdad es que no es así. Aparte, de nuevo recordando Aliens, por si no fuera suficiente con los aliens, hay una cuenta atrás que obliga a los protagonistas a correr si no quieren morir en la estación Romulus, lo que añade una capa adicional de tensión y urgencia a todo lo que hacen. En algunos aspectos Alien: Romulus parece (porque lo es) un back-to-basics, pero cuando algo se ejecuta con esta brillantez el resultado no puede ser más que notable.

Como decía, los guiños a las películas previas es constante, incluso a la locura máxima que en su día representó Alien Resurrección. Esto en realidad es algo que me gusta mucho. El final con reminiscencias a la película original deja el escenario lo bastante abierto como para que en caso que Romulus sea un éxito, el estudio pueda plantearse una continuación. Visto lo visto, ojalá Alien: Romulus sea un éxito, me parece que es una forma modélica de dar nueva vida a una franquicia que parecía quemada. En muchos sentidos, me recordó para bien lo que Predator: Prey significó para la franquicia de Depredador el año pasado.

Además, cuando he descubierto que su presupuesto fue de apenas 80 millones, me he llevado una alegría muy grande. Primero porque lucen espectacularmente bien en pantalla, pareciendo un blockbuster de gran presupuesto. Pero también porque tener un presupuesto tan ajustado permitirá que la película pueda ser rentable a poco que supere los 200 millones de dólares de taquilla en todo el mundo ya empezará a dar beneficios. Una cifra que creo (espero) que sea muy accesible.

Si os gusta la ciencia-ficción, os gustará Alien: Romulus. Si os gusta el terror, también. Y si además sois fans de la franquicia, entonces no te la puedes perder.

Comparto el trailer de la película:

Alien: Romulus es una película notable que marca el camino para otros creadores y estudios que quieran relanzar franquicias cinmeatográficas.

PUNTUACIÓN: 8/10

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