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Crítica de Anora de Sean Baker

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Aprovechando la Fiesta del Cine he visto Anora, la película de Sean Baker que ganó la Palma de Oro a Mejor película en el pasado Festival de Cannes.

PUNTUACIÓN: 8/10

Anora, una joven prostituta de Brooklyn, tiene la oportunidad de vivir una historia a lo Cenicienta cuando conoce e impulsivamente se casa con el hijo de un oligarca ruso. Cuando la noticia llega a Rusia, su cuento de hadas se ve amenazado, ya que los padres parten hacia Nueva York para intentar conseguir la anulación del matrimonio.

Sean Baker (Nueva Jersey, 1971) es un cineasta estadounidense. Es conocido por dirigir largometrajes independientes sobre la vida de personas marginadas, especialmente inmigrantes y trabajadoras del sexo. Entre sus películas destacan Take Out (2004), Starlet (2012), Tangerine (2015), The Florida Project (2017), Red Rocket (2021). Con Anora, su última película, ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 2024.

Baker produce, escribe y dirige Anora, una película de 6 millones de presupuesto y una duración de 139 minutos que cuenta con Fotografía de Drew Daniels, montaje de Sean Baker y música de Matthew Hearon-Smith.

En el reparto tenemos a Mikey Madison como Anora «Ani» Mikheeva, una stripper que conocerá a Ivan «Vanya» Zakharov (interpretado por Mark Eydelshteyn), el rico hijo de un oligarca ruso. Yura Borisov es Igor, un esbirro ruso contratado por Toros (Arren Karagulian) para cuidar de Vanya. Vache Tovmasyan es Garnick, otro esbirro armenio contratado por Toros. Aleksei Serebryakov interpreta a Nikolai Zakharov, el padre de Vanya, mientras que Darya Ekamasova es Galina Zakharova, la madre de Vanya. Por último, Lindsey Normington es Diamond, una stripper que compite con Ani por los clientes.

Anora ha sido una sorpresa super positiva. Sean Baker plantea una película partida en dos, lo cual me ha resultado sorprendente, al conseguir que no supiera nunca qué iba a pasar a continuación. En la primera parte vemos como Any conoce a Vanya en su club de striptease y empiezan unos días de sexo y desenfreno. La sinopsis habla de una historia a lo Cenicienta, pero para mi el equivalente más adecuado sería el de Pretty Woman, al tener a un niñato ruso pagando a la joven «bailarina exótica» para que pase una semana con él. Y tengo que reconocer que debo estar haciéndome mayor, porque esta parte en la que una gran parte del metraje es para verles follando llegó a parecerme un poco gratuita en la forma en que vemos a la actriz desnuda. En esta parte me gusta que se quita el elemento romántico de las historias clásicas, por ejemplo la Pretty Woman antes mencionada, al mostrar a un niñato asquerosamente rico haciendo lo que quiere y consiguiendo cumplir sus deseos más chorras. Deseos que son más bien simples, porque sólo quiere jugar a videojuegos, follar e irse de fiesta con sus amigos. El elemento transaccional está siempre presente, así como la ausencia de «amor».

Por suerte, la película cambia totalmente de registro a partir de que la pareja se casa en Las Vegas durante un fin de semana de excesos, y los empleados de los padres de Vanya (que se supone que tienen que controlarle) descubren lo que ha hecho el niñato a sus espaldas. Esta segunda parte está llena de situaciones super divertidas que me rompían completamente las expectativas. Y tiene mucho mérito por parte de Sean Baker, porque estas situaciones en las que se ve envuelta Anya en realidad son super turbias y en otra película que podrían haber tenido un giro violento y/o dramático. Porque hablamos que los empleados de los padres de Vanya quieren forzar a Anya para que anule el matrimonio antes que los padres de Vanya lleguen desde Rusia. Y cuando hablamos de «oligarcas rusos» lo primero en que piensas es en MAFIA rusa, con todas las connotaciones violentas que se quieran imaginar. Sin embargo, el tono de farsa y comedia me parece un acierto absoluto, con una historia que no deja de provocar giros alocados e inesperados.

Anora se una a la moda de películas americanas en la que una gran parte de la película no está dialogada en inglés, alternando el ruso y el armenio. Algo lógico si pensamos que Vanya habla muy mal inglés y los empleados son todos de descendencia rusa. Esto ayuda a reforzar la idea de película inesperada, y también del crisol de nacionalidades que existen en los actuales Estados Unidos. Para ser una película larga de más de dos horas que exige leer los diálogos una gran cantidad de metraje, la película nunca se hace larga y me ha resultado super entretenida. Comento en muchas ocasiones que diferente no es mejor, pero en el caso de Anora la verdad es que me ha dado una novedad y un tono que me han gustado mucho y me han parecido un soplo de aire fresco.

La protagonista Mikey Madison como Anora «Ani» me parece que está muy bien, empezando porque supongo que en su vida real no habla ruso ni tiene los modales de una choni poligonera. En lo que Madison acierta es en conseguir que empaticemos con ella, por ejemplo con las escenas hablando con sus compañeras de profesión en el club o con su jefe, mostrando una joven que incluso teniendo una profesión atípica, puede estar llena de humanidad y de normalidad. Dentro de eso, su papel es super over-the-top e implica estar en muchos momentos gritando e insultando a sus secuestradores, pareciendo en ocasiones más peligrosas que ellos. Eso en la segunda parte, porque en la primera está más tiempo desnuda que vestida, bailando y comportándose como una prostituta. Y esto me lleva a la percepción (realidad) que por mucho feminismo que se diga de cara a la galería, en realidad está más claro que nunca que para que una actriz destaque en el actual show-business americano tiene que aceptar papeles sexuales que exigen que muestren carne primero que todo. No hay más que ver a Emma Stone el año pasado con Poor things o hace apenas un mes con Demi Moore y Margaret Qualley en La sustancia. Y me parece de una hipocresía bestial.

El resto del reparto me parece que cumple de maravilla lo que la historia y lo que el director Sean Baker necesitaba de ellos. Empezando con el niñato Vanya, que deja claro lo que es, un mierdecilla asqueroso que nunca ha dado un palo al agua ni lo va a dar, y que se enamora con la misma velocidad que se emborracha. Toros, el encargado de controlar a Vanya en Nueva York, y Garnick, uno de sus empleados, son super divertidos. Y muestran os problemas que sufre la gente corriente que tiene que lidiar con tener que limpiar la mierda que va dejando Vanya en su vida de fiesta y desenfreno. Junto a ellos, Igor parece el típico machaca, pero inesperadamente es una persona con más empatía y preocupación por Vanya de lo que hubiera podido pensar tal y como empieza la movida en que se ven involucrados. Anora igual no es una película en la que puedas decir «whoa, que interpretaciones prodigiosas», pero creo que todo lo que vemos está bien planteado e interpretado. En realidad no se le puede pedir más.

Luego está la eterna polémica de los premios. Porque ya digo que Anora me ha gustado mucho, y el elemento de comedia inesperado hace que la historia sea fresca y diferente. Aparte, en estos tiempos actuales imagino que plantear una historia que rompe la versión romántica de Pretty Woman me parece que está bien sobre todo que si pensamos desde un punto de vista realista, todo lo que vemos en Anora es más factible que pase en el mundo real que la historia de Julia Roberts y Richard Gere. De hecho, no me extrañaría que Sean Baker conociera una historia así en el mundo real y le inspirara a escribir este guion.

Dicho esto, que Anora ganara la Palma de Oro a Mejor película en el pasado Festival de Cannes no se si habla muy bien ¿demasiado? de esta película, o en realidad destaca lo malas que debían ser el resto de películas del certamen francés. En positivo, creo que si vi esta película precisamente por el impulso mediático que Anora tuvo gracias a ese premio. Un premio que seguro contribuyó a que la película tuviera distribución, por lo que en este caso seguro no me voy a quejar.

En un mundo del entretenimiento que parece que todo son repeticiones de los mismos patrones, me ha gustado ver una película que me divirtiera y me tuviera sin saber qué iba a pasar a continuación. Me lo pasé muy bien con Anora. Si podéis, animaros a verla.

Comparto el trailer de esta película:

Menudo sorpresón me ha llevado con Anora. La recomiendo completamente.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Apocalipsis Z: El principio del fin, de Carles Torrens (Prime Video)

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Leí hace media vida Apocalipsis Z del escritor Manel Loureido. Poder ver una adaptación de la novela en Prime Video me devolvió muchos recuerdos, por lo que su visionado fue obligado. Aquí tenéis mis impresiones de Apocalipsis Z: El principio del fin, dirigida por Carles Torrens.

PUNTUACIÓN: 5.5/10

Una especie de rabia que transforma a la gente en criaturas agresivas se extiende por todo el planeta. Manel se aísla con su gato en su casa de Galicia, recurriendo a su ingenio para sobrevivir. Pronto tienen que salir a buscar comida, por tierra y mar, encontrándose con todo tipo de peligros, comenzando un viaje de supervivencia física y emocional, con acción, tensión, infectados rabiosos… y un malhumorado gato. Adaptación cinematográfica del best-seller de Manel Loureiro.

Apocalipsis Z está dirigida por Carles Torrens, con guion de Ángel Agudo, basado en Apocalipsis Z de Manel Loureiro. La película de 112 minutos de duración cuenta con fotografía de Elías M. Félix, montaje de Luis de la Madrid y música de Federico Jusid. Parte de la gracia de la película es ver algunas de las localizaciones en Vigo y Pontevedra. Además, la película se rodó en localizaciones de Barcelona.

En el reparto tenemos a Francisco Ortiz como Manel, José María Yazpik como Pritchenko, Berta Vázquez como Lucía, María Salgueiro como Sor Cecilia, Amalia Gómez como Gabriela, Marta Poveda como Belén, Iria del Río como Julia, Oriol Ruiz como Mario y Yuri Mikhaylychenko como Ushakov.

Compré la novela de Manel Loureido en el lejano 2007 y la devoré casi de una sentada. La soledad que siente el narrador era palpable en las páginas, y su diario de cómo iba enfrentándose a la epidemia zombi me enganchó de mala manera. Es una pena que nada de esto se haya reflejado en la película. Y ese sería el calificativo con el que me quedé tras ver la película. PENA. Pena por una película que es entretenidilla pero que no parece entender ni desde luego trasmitir la claustrofobia del protagonista, su soledad y casi paranoia, modificando numerosos sucesos de la novela por otros que no pueden ser más rutinarios dentro del género zombi.

Me pareció que Apocalipsis Z tuvo cierta gracia cuando muestran algunas localizaciones de Vigo y Pontevedra que conozco y por las que he pasado cuando estuve por la zona por motivos de ocio o trabajo. Por la parte de «cine de zombis español», me gusta que se cambien las típicas localizaciones americanas. Pero en realidad es lo único bueno que se me ocurre de esta película. Porque si no recuerdo más, el protagonista al principio de la novela está en su casa particular, no vive en una urbanización cerrada como se ve en la película. Una urbanización y unos sucesos allí que resultan super neutros y sin chispa, como en general todo en la película.

Estoy un poco dividido con Francisco Ortiz, el protagonista de la película. Por un lado creo que Ortiz tiene presencia en pantalla, lo que es bueno. Y me sugiere que con un guion mejor la cosa hubiera podido estar mucho mejor. Porque su Manel no puede ser más olvidable por un guion al que le falta chispa por todas partes. O a lo mejor no es un problema de «chispa», sino de calidad. Está claro que la narración en primera persona del libro provocaba que te metieras en su cabeza y conectaras desde el minuto uno. Y una narración en voz en off es imposible hoy en día. (En realidad no se por qué, pero tengo claro que es algo que ni se plantea). Pero las situaciones que se plantean, siendo correctas son de lo más insulsas. Esto afecta al protagonista, pero en general es un problema que sufren todos los personajes de la película.

En realidad, habría que reconocer que quizá una parte del problema viene porque esta adaptación del libro de Loureido llega demasiado tarde. En los últimos 10 años hemos tenido zombis de todos los colores y tamaños, y en su mayoría mucho mejores que estos gallegos. Una dirección funcional y sin imaginación impide que veamos momentos realmente memorables. Casi parece que el director y los productores pensaron que con mostrar un plano del puente sobre la Ría de Pontevedra vacío mientras pasa el protagonista, con eso ya era suficiente para que la película fuera un éxito. Y no es el caso, claro. Para ser una película de casi 2 horas no vemos apenas a los zombis. Como parece que se han puesto de moda, la película opta por una versión «zombi corredor», lo cual a priori no es bueno ni malo, aunque sin duda sea un guiño a lo más comercial. La clave de estos zombis estaría en ver cómo son utilizados en pantalla. Y visto lo mal narrado que están las apariciones de los zombis y la nula intensidad o sensación de terror, asco o gore, lo único que nos queda es el aburrimiento. Visto lo visto, casi hubiera sido mejor que hubieran limitado aún más la aparición de los muertos vivientes, y guardar su presupuesto para una escena o dos realmente potentes. Pero no es el caso.

Me está pasando con cierta frecuencia el ir a ver una película con ganas que me guste y salir un poco (bastante) decepcionado. Viendo el no-final de la película, tengo claro que los planes de Prime Video pasan por hacer una franquicia de películas. Pensando en el conjunto, también creo que la idea es que la franquicia sea más bien baratita. Visto lo rutinario que ha resultado todo, con una falta de calidad, habilidad o imaginación (algo que me ha dejado muy loco), creo que casi sería mejor que NO hicieran las dos siguientes películas.

Incluso en películas que NO me gustan, por ejemplo en La sustancia de Coralie Fargeat, puedo apreciar un plano alucinante, una banda sonora que funciona o una idea imaginativa bien transmitida visualmente. También la personalidad del creador. En Apocalipsis Z lo he visto todo tan plano, mediocre y televisivo en el peor sentido posible, que este visionado ha sido un jarro de agua fría. Y hablaba de productores demandando que la película fuera «baratita». Pero en realidad no es un problema de presupuesto, sino de calidad, de saber hacer. Y lamentablemente, no lo he visto por ninguna parte. Qué pena.

Comparto el trailer de la película:

La primera película de Apocalipsis Z me ha parecido correcta en el mal sentido. No es que haya nada realmente malo, pero tampoco hay nada especialmente destacable.

PUNTUACIÓN: 5.5/10

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Crítica de Jurado nº 2 de Clint Eastwood

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El estreno de una nueva película de Clint Eastwood es siempre un acontecimiento cinematográfico que no quiero dejar de disfrutar en pantalla grande. Hoy quiero recomendar la excelente Jurado nº2.

PUNTUACIÓN: 8/10

Justin Kemp, un hombre de familia, mientras forma parte de un jurado en un juicio por asesinato de alto perfil, se encuentra luchando con un serio dilema moral… uno que podría utilizar para influir en el veredicto del jurado y potencialmente condenar (o liberar) al asesino acusado.

Si Wikipedia no me engaña, Jurado nº 2 es la 40ª película dirigida por Clint Eastwood a lo largo de más de 50 años de carrera como director. Como actor son muchos más. El director de 94 años ha afirmado que esta puede ser su última película como director. Eastwood tiene toda una vida de logros como director y actor. Ha recibido cinco Oscar, cinco Globos de Oro, un Screen Actors Guild Award y cinco People’s Choice Awards. Sin duda estamos ante uno de los grandes directores de la historia y para mi el visionado de sus películas es obligada, como me pasa con Martin Scorsese, Woody Allen o Steven Spielberg.

Jurado nº 2 ha contado con un guion original de Jonathan Abrams. La película de 114 minutos de duración y un presupuesto de 30 millones de dólares cuenta con fotografía de Yves Bélanger, montaje de David S. Cox y Joel Cox, y música de Mark Mancina. En el reparto encontramos a Nicholas Hoult, Toni Collette, Chris Messina, Zoey Deutch, Kiefer Sutherland, Gabriel Basso, J. K. Simmons, Leslie Bibb, Cedric Yarbrough y Adrienne C. Moore entre otros.

Jurado nº2 es el ideal al que todos los amantes del buen cine podemos aspirar. Tenemos una estupenda película que presenta un interesante problema moral que debe ser resuelto por personas falibles, contada de forma brillante y al mismo tiempo sin artificios. Con personajes que se sienten personas reales que simplemente viendo su rostro entiendes el drama que están viviendo en su interior. Es que todo en esta película está bien.

Clint Eastwood es un maestro que ha refinado su estilo de forma brillante eliminando todo lo superfluo para centrarse en la mirada de las personas, consiguiendo momentos super dramáticos gracias a una narrativa espectacular. Jurado nº2 es un drama judicial en el que 12 personas tienen que decidir si una persona que parece culpable lo es, mandándole a prisión el resto de su vida. Es curioso que el género judicial se construyó con historias que planteaban un misterio y confiaban el final normalmente a un giro o un golpe de genialidad del abogado defensor (o del fiscal) que conseguía que la verdad saliera la luz y se hiciera justicia. En este mundo cínico y descreído actual, Eastwood no plantea un misterio, ya que las cartas están sobre la mesa desde el primer día de juicio, ni la historia ejecuta ningún giro super loco en su recta final. Los sucesos se conocen, y la clave está en saber qué va a hacer un hombre que sabe que el acusado es inocente. ¿Confesará su papel en la muerte de la mujer, aún a riesgo de poder terminar él en prisión? ¿O callará para no ver amenazada una vida que por fin parece que le está dando alegrías? En medio del cine panfletario y las historias maniqueas, tener películas con esta complejidad emocional y moral supone un soplo de aire fresco.

Me parece curioso como en medio de este mundo cínico y descreído, parece que Eastwood a pesar de todo sigue confiando en las instituciones públicas, incluso a pesar que colocar el factor humano parece dirigirlas a una solución imperfecta. De hecho, vemos un video en el que los jurados aprenden que la posibilidad de tener un juicio con jurado es uno de los pilares de la democracia americana. Frente a las historias que estamos acostumbrados a ver en televisión, me ha gustado mucho ver como debido a la falta de medios materiales o el cansancio de los policías, un caso de asesinato se intenta cerrar de la forma más rápida posible sin estudiar todas las posibilidades. No porque los funcionarios sean malas personas o incompetentes, sino porque probablemente están pensando en llegar a casa lo antes posible. Con estos mimbres, uno pensaría que Eastwood pensaría que la sociedad americana no tiene salvación, pero detalles como ver a la fiscal y el abogado defensor «discutiendo» en el juzgado para luego tomarse una copa juntos porque son amigos de la universidad nos muestra que también son las personas las que pueden actuar de forma moral intentando hacer lo correcto.

El reparto de Jurado nº 2 me parece espectacular. Nicholas Hoult es un gran actor que se sale a lo largo de toda la película con un personaje que es mostrado de forma compleja y magistral. La forma en que transmite la culpa que siente me parece alucinante, como lo es la historia en la que intenta convencer al jurado para que declaren no culpable a un acusado que lo tiene todo en su contra. Toni Collette está también estupenda como la fiscal cuya reelección depende de conseguir la condena del acusado, pero que en su corazón siempre ha buscado hacer lo correcto para ayudar a su comunidad. Y en realidad, como decía al principio, es que todos los actores lo hacen maravillosamente bien con los papeles que interpretan. Tener además a actorazos como Kiefer Sutherland y J. K. Simmons, aunque sea en papeles secundarios con pocos minutos en pantalla, es otro elemento que consigue elevar una película en la que la clave son las decisiones que tienen que tomar los protagonistas a partir de situaciones ambiguas que no ofrecen la posibilidad de un final feliz. No para todos. La forma en que Eastwood pone el foco en las personas, en sus flaquezas pero también en como es gracias a gente como ellos la sociedad funciona, me parece otro de los elementos más interesantes de la película. Y en general, de su filmografía más reciente.

Otro elemento que me ha gustado de Jurado nº2 es la forma en que Eastwood consigue que la película resulte interesante y me tuviera enganchado de principio a fin. A pesar de que como digo en realidad no hay sorpresas ni giros revolucionarios, al acabar todo de la forma en que parecía que podía hacerlo. Huyendo se soluciones simplistas porque el mundo real no lo es. Y potenciando la dificultad de actuar de forma moral cuando te juegas toda una vida de felicidad. Los roles de «buenos» y «malos» quedan también desdibujados en la película. O mejor, la sensación es que quien parecía que se movía por el interés acabará siendo la persona que intente hacer lo correcto. Y quien parecía el héroe quizá resulte no serlo.

En ese sentido, la forma en que Eastwood elige terminar la película me parece magistral también, resaltando la idea que no existen los finales mágicos sino personas actuando como creen mejor. Lo malo es que a menudo es pensando de forma egoísta en lo que es mejor para ellos, no en lo mejor para la comunidad.

Jurado nº2 me ha gustado mucho y me ha parecido perfecta. Me ha entretenido durante casi dos horas y me ha ofrecido una película que me hizo pensar en lo que yo haría en un caso como ese. Y posiblemente mis acciones no serían muy diferentes de las del protagonista. Cuando disfruto con una buena película con una historia que se siente real con un dilema importante, interpretada por actores estupendos, no puedo más que levantarme y aplaudir.

Que Clint Eastwood haya hecho esta película con 94 años me parece un pequeño milagro. Y se que se ha comentado que esta puede ser su última película, pero me gustaría que la salud le acompañe y dentro de un año o así se encuentre aburrido en su casa y decida que aún le queda una historia por contar. Si no lo es ya, deberían nombrar a Clint Eastwood Patrimonio Cultura del la Humanidad. Que gozada es poder disfrutar su trabajo una vez más.

Comparto el trailer de la película:

Jurado nº 2 es una película excelente que nos muestra un tipo de cine inteligente y maduro que debería ser visto por todo el mundo. Ojalá podamos disfrutar mucho más tiempo de la maestría de Clint Eastwood.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Absolute Wonder Woman 1 de Kelly Thompsony Hayden Sherman (DC Comics)

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Tras el fantástico arranque de Absolute Batman de Scott Snyder y Nick Dragotta me quedé con ganas de leer los siguientes comics de este nuevo sello de DC Comics. Hoy comento mis impresiones del primer número Absolute Wonder Woman de Kelly Thompson y Hayden Sherman, con color de Jordie Bellaire.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

Para Diana no existe una isla paradisíaca, ni una hermandad que la moldee, ni una misión de paz, así que ¿Cuál es el propósito de una guerrera amazona en este nuevo universo? La escritora Kelly Thompson, ganadora de un premio Eisner, y el artista revelación Hayden Sherman la reinventan desde cero en Absolute Wonder Woman #1, con colores de Jordie Bellaire.

Kelly Thompson es una escritora estadounidense de novelas y cómics. Es conocida sobre todo por el cómic Jem and the Holograms, en el que colabora con la creadora y dibujante Sophie Campbell, una reinvención moderna de los dibujos animados del mismo nombre de los años ochenta; el cómic de Marvel Hawkeye, nominado al premio Eisner, en el que colabora el dibujante Leonardo Romero y que está protagonizado por Kate Bishop; y Captain Marvel con la dibujante Carmen Carnero. Su etapa en Black Widow (2020-21) con la artista Elena Casagrande también las valió una aclamación universal. Otras de sus obras son la novela The Girl Who Would Be King y las series de cómics A-Force, West Coast Avengers, Jessica Jones y Mr and Mrs X. También es la cocreadora del personaje Jeff the Land Shark con Daniele Di Nicuolo. Tras no renovarse su contrato en exclusiva con Marvel, en 2023, Thompson anunció que escribiría Birds of Prey para DC Comics junto a artista Leonardo Romero.

Conocí a Hayden Sherman en el comic Wasted Space creado junto al escritor Michael Moreci en Vault Comics. Hayden es un galardonado dibujante de cómics, entre cuyos trabajos figuran DETECTIVE COMICS, DARK SPACES: WILDFIRE, PREDATOR VS WOLVERINE y BATMAN: URBAN LEGENDS. ¡Es un amante de la ciencia-ficción y la fantasía y ha trabajado para compañías como DC, Marvel, IDW, Image, Dark Horse, Dynamite, AfterShock, Vault y BOOM! Studios.

El concepto de este universo Absolute de DC Comics es tener un mundo en el que el mal domina y los héroes no tienen muchas de las ventajas o seguridades que marcan el ADN de estos personajes. En el caso de Batman, Bruce Wayne no es un rico heredero, y para esta renovada Wonder Woman Diana no tiene el respaldo de toda la sociedad amazona de Themiscyra.

El cambio respecto al canon clásico de Wonder Woman es radical, porque en lugar de ser la princesa de la isla paradisiaca de Themyscira, en este mundo Absolute Diana se convierte en la princesa del Infierno y la última amazona. Aparte de un combate en el presente al que le falta todo el contexto, el punto fuerte de este comic es la relación de Diana con su madre adoptiva, Circe, una hechicera hija de Helios. Circe fue desterrada al Infierno hace ¿siglos? y ahora recibe la obligación de criar a una recién nacida cuya existencia es poco más o menos un pecado contra los Dioses. Aunque no se indica claramente, la sensación es que en esta realidad los Dioses griegos masacraron a todas las amazonas y sólo queda con vida Diana. La diferencia es brutal.

La conexión emocional funciona en el comic al ver cómo Circe aprende a amar a su hija adoptiva a fuerza de compartir con ella su vida y enseñarle lo que sabe. Y lo cierto es que una vez conocemos el cambio en el mundo de Diana, en el fondo esta Diana es bastante parecida a la que conociamos hasta ahora, al ver cómo crece junto a Circe y mantiene su curiosidad, amabilidad y corazón a pesar de vivir en un espacio inhóspito. Y cuando viaje al mundo de los humanos tendrá que enfrentarse a un mundo complejo que la obligará a ponerse las pilas para sobrevivir.

Kelly Thompson ha planteado un primer arco de 5 números titulado «The Last Amazon» para contar el origen de Diana y la llegada al mundo de los hombres. Como primer número que es, me ha parecido modélico. Thompson consigue que conectemos con la nueva Diana, que es la clave sin la cual el comic no funcionaría. Además, la narrativa fragmentada con acción a raudales en el presente mientras vemos mediante flashbacks el pasado de Diana también ayuda a que el comic te deje con ganas de más. Pensando en todo lo que falta por conocer.

Y si el comic triunfa, es por la historia de Thompson pero sin duda por el brillante apartado artístico, con unos alucinantes Hayden Sherman y Jordie Bellaire. Donde más destaca Sherman es con el diseño de personajes y la distribución de la acción en la página. Por un lado, la forma estilizada como dibuja a madre e hija ayuda a que los lectores entendamos sus personalidades. Sobre esta Absolute Wonder Woman, me llama la atención que Sherman ha optado por un enfoque inspirado en el manga similar al de Nick Dragotta en Absolute Batman, mostrando a Diana como una figura enorme, a lo que hay que sumar el enorme espadón que es otro de los elementos más distintivos visualmente. Mientras que el Batman de Dragotta destaca por la sensación de peligrosidad y fuerza bruta que transmite, en el diseño de Diana es fácil ver que Sherman adopta un enfoque de «gigante amable», que ayuda a verla como una figura positiva.

Otro aspecto que me ha gustado mucho de Sherman es narrativa que plantea en sus páginas, con unas viñetas irregulares que hacen las páginas super atractivas y con una acción fácil de seguir. Me gusta mucho también el recurso de plantear el origen de Diana como si hubiera una cámara fija que retrata la vida en la cueva donde viven Circe y Diana, imitando el efecto de un timelapse. Estas tres dobles páginas con paneles horizontales a toda página consiguen destacar el paso del tiempo al mismo tiempo que vemos la vida y el cariño que comparten madre e hija, siendo uno de los elementos más brillantes de esta primera grapa.

Sherman diseña viñetas irregulares para su narración, por ejemplo en la escena de acción que he incluido en el preview de abajo, lo que le permite desplegar una mayor creatividad en su arte. El color de Jordie Belliare complementa perfectamente la propuesta de Sherman en la acción, la experimentación y la conexión emocional. Si Nick Dragotta y Frank Martin me gustaron mucho en Absolute Batman, tengo que decir que Sherman y Bellaire no se quedan por detrás, ofreciendo un comic increíble en lo visual que ayuda a que conectemos con la protagonistas mientras vamos conociendo las diferencias fundamentales entre este mundo Absolute y el universo tradicional de DC.

Si el objetivo de todo primer número es enganchar al lector para que quiera volver el mes que viene para conocer cómo continúa la acción, el éxito de este Absolute Wonder Woman es monumental.

Comparto las primeras páginas del comic sin rotular:

Absolute Wonder Woman ha conseguido interesarme gracias a su fantástico dibujo, dejándome con ganas de conocer esta historia de origen a esta heroína renacida.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

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Crítica de Fuera de las sombras de Timo Tjahjanto (Netflix)

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Llevaba unos meses huérfano de buen cine de acción / artes marciales, así que el anuncio en Netflix del estreno de la nueva película de Timo Tjahjanto (The night comes for us, Que el diablo te lleve) Fuera de las sombras (The shadow strays) la convirtió en visionado obligado. Y menuda salvajada.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

Una joven asesina experta en el arte de matar se enfrenta a su mentora para salvar a un niño de una despiadada banda criminal… y destruirá a cualquiera que se cruce en su camino.

Timo Tjahjanto (indonesia, 1980) es un director, productor y guionista de cine indonesio conocido por películas de acción y terror como The night comes for us. Además de dirigir, producir y escribir la historia de sus propias películas, Tjahjanto también es conocido por ser la mitad de The Mo Brothers, junto con su amigo y colega cineasta Kimo Stamboel. El dúo recibió una nominación al Premio Citra al Mejor Director en 2016 por Headshot, mientras que el propio Tjahjanto ganó el Premio Maya al Mejor Director en 2019 por Que el diablo te lleve. La asociación de Tjahjanto con Netflix ya se larga durante bastantes años, dado que también estrenó allí la comedia de acción The Big 4.

Fuera de las sombras (The shadow strays) está escrita, producida y dirigida por Tjahjanto. La película se rodó en Indonesia y cuenta con una duración de 143 minutos, con fotografía de Batara Goempar, montaje de Dinda Amanda y música de Fajar Yuskemal.

En lo relativo al reparto tenemos a un grupo de jóvenes actores desconocidos para mi, entre los que encontramos a Aurora Ribero como 13 / Nomi, Hana Malasan como Umbra, Taskya Namya como Soriah, Agra Piliang como Haga, Andri Mashadi como Ariel, Chew Kin Wah como Handler, Naomi Hitanayri Christy como Geisha, Mawar Eva de Jongh como 14.

¡Qué salvajada ha sido The shadow strays (Fuera de las sombras)!! Timo Tjahjanto ha planteado una película alucinante con una protagonista femenina joven que me ha volado la cabeza. Y es que la protagonista Aurora Ribero apenas tiene 20 años y luce acojonantemente dura a lo largo de la película. Otro detalle fascinante es que vi un video promocional de la película de Netflix con un making-of, y si no lo entendí mal, Timo Tjahjanto comenta que tanto ella como la otra protagonista, la actriz Hana Malasan que interpreta a Umbra, la instructora de la agente nº 13, NO sabían artes marciales al comienzo de la producción, aunque llevaron a cabo un duro entrenamiento de 3 meses que las convirtió en unas máquinas de matar (cinematográficamente hablando). El casting de estas dos actrices me parece espectacular.

La película tiene un argumento sencillo que sin embargo consiguió sorprendente con el giro del último acto. Número 13 es una implacable asesina de la organización Sombra. Tras fallar en una misión en Japón al mostrar un momento de debilidad, es trasladada a Jakarta para que se recupere de sus heridas y mientras los Sombra deciden qué hacer con ella. En su casa (o al menos, en la ubicación en la que Sombra la ha ordenado que se quede), conocerá a un niño que cuida de su madre drogadicta. 13 se hace su amiga tras morir su madre, y empezará un camino regado de sangre al desaparecer el niño e intentar encontrarle antes que sea también asesinado. Su arco no puede ser más sencillo, y la gente con la que se encuentra (y masacra) no pueden entender cómo se implica de esa manera con un niño al que en realidad acaba de conocer y se supone que no debería significar nada para ella. Esto en realidad es un elemento muy chulo de la historia, dado que en realidad ella tampoco lo entiende, simplemente actúa.

En realidad el argumento me daba igual mientras asegurara un buen baño de sangre. Y ¡oh, boy!! Hubo sangre hasta decir basta, ¡qué barbaridad! En lo referido a las escenas de acción, el cine asiático tiene un salvajismo y una visceralidad que el cine americano no puede ni soñar. En Fuera de las sombras me he encontrado algunos movimientos de cámara super locos que me han flipado. Además, en la película veremos un juguete salvaje que es una barbaridad: una granada de mano que incorpora CLAVOS como metralla. Un elemento que planea un nivel de matanza brutal.

Cuando vi que la película duraba 140 minutos me sorprendí bastante, al no tener claro si no sería demasiada duración y al final la película pudiera repetirse a si misma. Nada más lejos de la realidad. La película ofrece unos sets de acción que plantean cosas diferentes entre si, construyendo una espectacularidad que va en aumento. La película empieza con una primer set de acción ambientado en Japón que marca el tono brutal de la película. Luego tenemos la escena en la discoteca, en la casa del pringado que usa para infiltrarse en la discoteca de los criminales y el que se supone que es el climax con el combate cruzado entre las dos bandas rivales con armas automáticas y lanzagranadas.

Mientras veía la película estaba pensando que estando todo muy bien, en realidad no habían demasiadas escenas de acción. Eso hizo que no estuviera preparado para el giro sorprendente que provoca el verdadero climax de la película, que nos lanza a un combate super sangriento y super brutal que igual no llega al nivel de The Raid, pero casi puede mirarle de tu a tu. Recuerdo que a partir de SAW se inauguró un término para un subgénero dentro del terror, el «torture-porn«. Lo que acabo de ver en Fuera de las sombras no se si se le debería llamar «violence-porn«, porque desde luego lo merecería.

La sinfonía que salvajismo de los últimos 20 minutos de película me han volado la cabeza. Y me flipa que todo lo que veamos en ese climax lo realizan actrices. En ese sentido, Tjahjanto comenta que hay gente que piensa que las mujeres NO son buenas ni «realistas» para el cine de artes marciales, algo que el director se empeñó en rebatir en esta película. Como pasa en todo, la clave no son los prejuicios que tienen que sobrepasar las actrices, sino tener (o no) creativos que sepan mostrarlas de forma brutal. En ese sentido Tjahjanto y sus coreógrafos han realizado un trabajo magistral. Tras ver esta película, nadie volverá a pensar jamás que una mujer no pueda dar caña en una película. Lo que acabo de ver me ha parecido muy bestia.

Hablaba del salvajismo y la visceralidad del cine de artes marciales asiático, que está a años luz de cualquier cosa que pueda plantearse en el mainstream americano o europeo. Pero en Fuera de las sombras además me he encontrado con varios momentos que me resultaron super crueles y provocaron que todo fuera aún más impactante. El gore que vemos seguro desagradará a muchos espectadores, pero en mi caso ayudó a que el disfrute fuera aún más satisfactorio.

Por comentar algún elemento que me gustó menos, creo que Tjahjanto usa demasiado el plano cenital por encima de las cabezas de los luchadores. Un recurso que mola verlo puntualmente, pero cuando se excede provoca que la coreografía no se vea tan guay como con los planos con la cámara al nivel de los actores. Por supuesto, esto no es un gran problema, en realidad es sólo el elemento menos bueno de unas coreografías de acción increíbles. En positivo, no lo había comentado antes, pero el diseño de las armaduras de las Sombras me parece una pasada, como también todo el diseño de producción y los efectos especiales prácticos y de CGI que utilizan para plantear la ultraviolencia de la película.

Fuera de las sombras plantea una historia con principio y final super over-the-top y super satisfactorio. Dicho esto, la forma en que plantea la posibilidad de una continuación de la historia me parece espectacular. En especial, con el sorprendente cameo final. Pensar que podamos tener a ESE ACTOR DE THE RAID compartiendo escenas de acción con la agente nº 13 es otro elemento que me vuela la cabeza. Ojalá Fuera de las sombras sea un gran éxito de audiencia en Netflix, porque necesito que haya una continuación.

Fuera de las sombras es cine de acción asiático en toda su salvaje gloria que ningún fan de las artes marciales debería perderse. Si queremos que Netflix produzca más películas de esta temática, las que se estrenen tienen que ser exitosas.

Comparto el trailer de la película:

Fuera de las sombras ha sido una salvajada. Y me alegro que Netflix la haya estrenado. Espero que sea un gran éxito de audiencia que provoque que tengamos una continuación.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

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