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Salvajes Vengadores 13-19 de Gerry Duggan (Marvel Comics – Panini)

En estos tiempos de evento y comics que hay que leer porque son “importantes”, hoy quiero reivindicar una de las series actuales de Marvel Comics publicadas en España por Panini, que más disfrute me está ofreciendo todos los meses: Salvajes Vengadores, el comic de Gerry Duggan que nos cuenta las aventuras de Conan en el presente del universo Marvel que le reúne con los héroes más violentos de Marvel.

PUNTACIÓN: 7.5/10

Conan llegó al Universo Marvel del presente en la miniserie Vengadores: Sin camino de vuelta. Y llegó justo a tiempo, porque el mago Kulan Gath también ha regresado al universo Marvel y esta vez tiene poder para controlar toda la realidad.

Tras un primer año de aventuras, hoy quiero hablar del segundo año que de momento se ha publicado en los números 13 a 19 de Panini (números 12 a 19 USA), en los que Gerry Duggan ha contado con la colaboración de Adam Gorham (número 12 USA), Patrick Zircher (13-16 USA) y Kev Walker (17-19 USA). A pesar del cambio artístico, hay que reconocer que la decisión de Marvel de hacer que Java Tartaglia sea el colorista oficial del comic y que todas las portadas estén realizadas por Valerio Giangiordano y Frank D´Armata consiguen que el comic tenga una sensación unificada.

Entrando en materia, quiero empezar por lo obvio para así poder pasar página y comentar el resto. Si, el título “Salvajes Vengadores” es un burdo reclamo comercial, colocando un VENGADORES en la portada de un comic que por el tono del mismo no pega para nada. Sí, si hubieran llamado a este comic “Conan Team-up”, reflejaría mejor el contenido y las historias que nos esperan. Incluso un “New Defenders” tampoco sería mal título, dada la importancia que ha adquirido Sephen Strange a la hora de reclutar héroes para combatir a Kulan Gath. No pasa nada por reconocer esto.

Una vez nos hemos quitado esto de encima y hemos superado la propia suspensión de credulidad que hay que aceptar de inicio para leer y disfrutar unos comics de Conan en el presente, la verdad es que estos comics ¡son entretenidísimos!!! Y esta es la clave de toda mi argumentación de hoy.

Debido al exceso de contenidos con el que nos inundan todas las editoriales, pero especialmente Marvel y DC, los fans de los comics de superhéroes nos hemos convertido en unos buscadores de los comics “importantes”, aquellos que prometen algo que afectará al status-quo de ese momento con repercusiones que afectarán a todas los comics de la editorial. Y este sambenito con el que nos machacan las editoriales hace que se nos olvide el propio gozo que ofrecen comics y que su objetivo siempre ha sido ofrecer un escapismo ligero para sus lectores.

No pasa nada si Salvajes Vengadores no es, y nunca lo será, un comic “importante” para Marvel. De hecho, su elemento de serie menor permite a Gerry Duggan mostrarnos una serie de punkarradas cada mes que creo que serían impensables en los principales comics de la Casa de las Ideas. De hecho, entiendo que en función de los gustos de cada uno, actualmente hay un montón de comics “menores” en Marvel o DC que apena son anunciados o promocionados por las editoriales que ofrecen un entretenimiento más que digno que suelen quedarse fuera del radar. Y ya de las editoriales indies ni os cuento.

En las páginas de estas 7 grapas de Panini hemos tenido un primer arco (números 13-16) con la aparición además de por supuesto Conan y el Doctor Extraño, de Elektra, Doctor Vudú, Lobezno, Magik, Hellstorm, Viuda Negra, Juggernaut, el Caballero Negro y Punisher. Este primer arco está dividido en dos misiones, con un grupo buscando un objeto de poder que poder usar contra Kulan Gath mientras que otro busca eliminar un foco de seguidores del mago que le están ayudando a amasar más poder. La aventura dibujada por Patrick Zircher es super entretenida con un montón de momentazos over-the-top con un toque de humor irónico que funciona de maravilla en estas páginas.

En la segunda parte, números 17-19 de Panini, tenemos el tie-in de esta serie con el evento Rey de Negro, y ha reunido a Conan con Deadpool, personaje en el que Duggan realizó una de las mejores etapas que se recuerdan, y gracias al toque cínico que Kev Walker siempre imprime a sus páginas, tenemos unos comics de nuevo divertidísimos en los que Duggan comete las locuras más bestias que nadie le ha hecho pasar al pobre Masacre en ni me acuerdo cuanto tiempo. Estos momentazos super gores y over-the-top son escenas para el recuerdo del personaje, ¡qué locura! Duggan añade a la historia a algunos Medoreadores como son Bishop, Calisto o Iceman, dándonos unos comics que dan gusto leer y que dejaron con la sonrisa en la cara durante su lectura y aún ahora mientras escribo estas líneas y recuerdo según qué cosas.

Este es un comic planteado desde la acción que no plantea realizar profundos estudios psicológicos, ni falta que le hace. Al igual que sucedía en los Vengadores Secretos de Ed Brubaker y Warren Ellis en los que se elegían héroes diferentes según la misión, o en estupendos entretenimientos como la serie de Misión Imposible. Que no sea “profundo” no hace que el comic se menos bueno de alguna manera. Desde luego, niego completamente la mayor.

Como pasó con la idea de Bendis de traer a los jóvenes X-Men originales al presente, está claro que este comic tiene fecha de caducidad y, en algún momento una vez hayan derrotado a Kulan Gath, Conan tendrá que volver a su línea temporal. Pero lo cierto es que estos comics son tan divertidos y quedan tantos personajes chulos que me gustaría ver en estas páginas, desde Valquiria, Thor, Shang-Chi o Bestia, que no me importaría que Duggan tomara algunos desvíos mientras se dirige al final de esta historia. Y en todo caso, mientras Duggan pueda finalizar esta historia de la forma en que la pensara, creo que vamos a tener entre nuestras manos una etapa que va a ser muy bien valorada en el futuro. O no, vete tú a saber. Yo al menos estoy seguro que volveré a releer estos comics y conseguirán que me olvide de mis problemas en el mundo real. No se puede pedir más.

Da igual si Salvajes Vengadores no aparece en ninguno de los típicos listados de “los imprescinidibles del mes”. Es un comic excelente que tiene claro el tipo de entretenimiento sin complejos que ofrece, a qué lector se dirige, y creo que tenemos un éxito creativo total.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de Redneck vol 4 de Donny Cates y Lisandro Estherren (Image Comics)

Tras unos meses de espera, vuelvo a las aventuras de la familia de vampiros texanos creada en el sello Skybound de Robert Kirkman creado por Donny Cates y el dibujante Lisandro Estherren, con colores de Dee Cunniffe. Lone Star es el cuarto volumen.

PUNTUACIÓN: 7/10

Los Bowman son vampiros que viven discretamente en un pueblo de Texas, alimentándose de la sangre de las vacas de su local, una de las barbacoas del pueblo. Su coexistencia pacífica termina cuando generaciones de odio, miedo y sangre mala salen a la superficie

Tras su día más oscuro, es hora de despedirse de Texas (The Lone Star State en inglés, de ahí el juego de palabras del título) mientras la familia Bowman busca la salvación … en las sombras de México.

Este cuarto volumen recopila los números 19 a 24 de la edición USA.

Recientemente Donny Cates ha anunciado que Redneck está a punto de finalizar, con un final en principio previsto para el número 36 USA (sexto tomo de la serie). Teniendo en cuenta esto y los catastróficos eventos que sucedieron al final del volumen anterior que nos dejaron con un cliffhanger monumental, la que es la segunda mitad de la serie empieza como es habitual en los comics de Cates sin dar un segundo de respiro.

Es complicado hablar de este comic sin entrar en spoilers teniendo en cuenta que yo compro la edición americana de un comic que de momento sigo inédito en España. Sin embargo, intentando mantener esta reseña libre de spoilers, creo que Cates es un guionista muy hábil que sabía cuando dar un golpe encima de la mesa para provocara un cambio de status-quo. Y este cambio le viene muy bien al comic, ya que este viaje a México nos muestra que este universo sobrenatural es mucho mayor de lo que nos pensábamos cuando todo pasaba en Texas, descubriendo toda una mitología de seres sobrenaturales malrolleros que darán mucho juego en los próximos tomos. Además de ahondar en las relaciones de los miembros de la familia Bowman que siguen con vida.

El gran problema de Redneck es el dibujo. Como suelo tardar meses entre que compro un tomo y el siguiente, siempre que me llega en nuevo tengo que volver a acostumbrar el ojo al horrible estilo del dibujante Lisandro Estherren, con colores de Dee Cunniffe. Estherren tiene un estilo “feista” que camufla su limitadas dotes de anatomía y narrativa con grandes manchan que ayudan a crear cierta atmósfera malsana, pero no ayuda a CONTAR la historia de la mejor manera posible. Estherren si consigue crear impacto en las splashpages de final de cada número y en algunos momentos puntuales, pero lamentablemente me parece un dibujante flojillo. Y es una pena, porque esta historia con un mejor dibujante podría haber producido unos momentazos visualmente alucinantes, que en este caso quedan como sólo correctos. Que es lo que impide que mi puntuación final sea

Llegados a este punto, no tengo duda que voy a comprar Redneck hasta el final. Tras comprar cuatro tomos y teniendo en cuenta el cliffhanger con el que nos han dejado, la pinta es que nos dirigimos hacia una guerra abierta de las distintas facciones de vampiros, ya veremos quien sigue en pie cuando la historia se acerque al final.

Comparto las primeras primeras páginas de este volumen:

Redneck continúa ofreciendo una aventura de vampiros bastante original y a pesar del dibujo me compensa el precio del comic, así que hay que darlo por bueno.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Crítica de We only find them when they´re dead vol. 1 de Al Ewing y Simone Di Meo (Boom Studios)

Al Ewing se ha convertido en uno de mis guionista favoritos gracias a su histórica etapa en El Inmortal Hulk y, más recientemente, sus otros comics Marvel Imperio, Guardianes de la Galaxia o SWORD. Cuando descubrí que estaba publicando un comic de ciencia ficción espacial en BOOM Studios, no lo dudé y me lancé a comprarlo a ver qué tal. El comic en cuestión es We only find them when they´re dead (Solo los encontramos cuando están muertos), realizado junto al dibujante italiano Simone Di Meo. Hoy analizo su primer volumen publicado recientemente en Estados Unidos.

PUNTUACIÓN: 5/10

LOS DIOSES SIEMPRE SON HERMOSOS … … Y LOS DIOSES SIEMPRE ESTÁN MUERTOS.

El capitán Malik y la tripulación de la nave espacial Vihaan II están en busca de los únicos recursos que importan, y que solo se pueden encontrar recolectando los cadáveres gigantes de dioses alienígenas que se encuentran en el borde del espacio humano. Mientras otros barcos de autopsias y exploradores corren para salvar la carne, los minerales y los metales que sustentan a la raza humana, Malik ve una oportunidad para finalmente liberarse del sistema opresor: siendo el primero en encontrar un dios viviente. Pero la obsesión de Malik con los dioses empujará a su tripulación a los confines más oscuros del espacio, enfrentándolos cara a cara con una amenaza diferente a cualquier cosa que hayan imaginado, a menos que un agente de la ley con una conexión con el pasado de Malik que les persigue pueda detenerlos primero …

Al Ewing (El Inmortal Hulk) y Simone Di Meo (Mighty Morphin Power Rangers) presentan una nueva epopeya de ciencia ficción sobre la búsqueda de significado y las difíciles decisiones que tomamos para encontrarlo, sin importar el costo para el mundo o el universo que nos rodea.

Este primer volumen recopila los números 1-5 USA.

Al Ewing me ha llamado la atención con una premisa de ciencia ficción que cuando empecé a leer el comic me ha recordado a Barrenderos espaciales, la película coreana de ciencia-ficción que Netflix estrenó hace unos meses, en la que unos outcasts del sistema sobreviven como pueden buscando mercancías entre la chatarra espacial que orbita alrededor de la Tierra. Realmente la historia de Ewing va en otra dirección completamente diferente, al mostrar a una humanidad que depende para sobrevivir de los recursos que obtienen las naves “forenses” de los cadáveres de los series espaciales gigante que aparecen en la frontera del espacio conocido por la Tierra.

Aunque la idea principal es la de una aventura espacial “más grande que la vida”, al ir el capitán Malik en busca del primer gigante VIVO, la premisa de inicio de una humanidad que busca en el espacio los recursos que ya no pueden encontrarse en el planeta conecta con la actual tendencia de obras que advierten de un colapso del planeta por el cambio climático, etc… al igual que vimos en los años 70 debido a la carestía de petróleo.

Ewing emplea una narración fragmentada en varios momentos temporales de forma que mientras tenemos la acción en el presente, iremos conociendo detalles de la vida pasada del capitán Malik y el porqué de su enemistad con la oficial Paula Richter que actúa de antagonista de este primer volumen.

Y dentro que el misterio de los seres gigantes me interesa y me ha llamado la atención, lo cierto es que al ser una historia sobre todo planteada desde la acción, no he acabado de conectar y/o empatizar con los personajes protagonistas, ni les he visto del todo bien caracterizados, con elementos que hagan que nos importen o que no queramos que mueran, lo cual es un problema. De hecho, una vez conocemos el drama del pasado de Malik, lo cierto es que tal y como está contado resulta un tanto chorra y sin garra. Espero que Ewing solucione estos aspectos en los siguientes volúmenes, una vez ya nos ha presentado la premisa y el universo en el que va a suceder.

El gran problema del comic es el dibujo del italiano Simone Di Meo, con Mariasara Miotti ayudándole en tareas de color. En lo positivo, Di Meo tiene un dibujo de estilo amerimanga y ha creado personajes claramente diferentes entre si a nivel estético, y su diseño de naves y de los gigantes espaciales me parece bastante chulo. De hecho, cuando vi varias páginas online a modo de preview, reconozco que me gustó lo que vi, lo cual fue otro factor para la compra.

El problema es que, dicho desde el máximo respeto, creo que Di Meo equivoca completamente su color en las páginas, haciendo que la lectura del comic se convierta en una tarea incómoda.

Di Meo toma una decisión creativa que a priori podía resultar visualmente chula pero visto el resultado final la verdad es que no funciona: Hacer que cada uno de los personajes tenga un color asociado en sus viñetas. Por ejemplo, la villana del comic la oficial Paula Richter un rojo super intenso, la forense de la nave Vihaan II Ella Hauer el lila, la intendente Alice Wirth tonos anaranjados y en general El Capitán Goerges Malik y el Ingeniero Jason Hauer, que se encuentran en la cabina, tonos verdosos y amarillos.

Y en lugar de ayudar a la lectura, el resultado es que parece que al comic le han aplicado un filtro con el que las páginas parecen casi siempre oscurecidas y en varios momentos no acabas de ver bien en la página lo que están intentando contar por culpa de la saturación de color, creando una experiencia lectora super desagradable. De hecho, hubiera tenido mucho más sentido que Di Meo hubiera separado mediante el color los diferentes momentos temporales para hacer más claro en qué momento sucede cada cosa (aunque Ewing lo indica casi en cada viñeta), más que crear una separación personal a la que no le acabo de ver la utilidad ni el sentido, ya que como comentaba antes Di Meo ha creado unas caracterizaciones muy diferentes entre si que hace que no haya duda en saber quien es quien.

En este sentido, debo comentar que descubrí el trailer que Boom creó para promocionar el comic, y la verdad es que las imágenes se ven mucho mejores en el video de Youtube que en las páginas impresas, teniendo mayor brillo y mejor contraste en general. Lo cual ya me hace dudar si el problema es de Di Meo, una gran parte seguro, o de una defectuosa impresión o un papel inadecuado quizá provocó que el comic parezca como con unos tonos demasiado “apagados”. Aquí tenéis el teaser:

En todo caso, ya sea por una cosa o por otra, o por las dos, la verdad es que la experiencia lectora no ha sido buena, lo cual se mire como se mire es un problema vital. Además, empiezo a ver en editoriales pequeñas como Boom una tendencia de intentar tapar dibujos normalitos con unos colores impactantes que sean resultones, pero en este caso ha sido a costa de empeorar la experiencia lectora, lo que es lo peor que puede hacer el dibujo de un comic, en mi opinión.

Comparto las primeras páginas del comic, páginas sacadas del preview que Boom tiene colgado en su página web, que como digo lucen mejor en pantalla de lo que se ven en la edición impresa. O quizá pueda ser, es también posible, que el primer número esté más currado que los otros cuatro, en los que las páginas aparecen más “emborronadas” quien sabe si por la premura de los plazos de entrega.

Aquí las tenéis:

Lamentablemente, el primer volumen de We only find them when they´re dead ha resultado decepcionante debido al inadecuado apartado artístico, o quien sabe si la impresión del comic. En todo caso, me voy a pensar si comprar el siguiente volumen.

PUNTUACIÓN: 5/10

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¡Saludos a todos!

Universo Sandman: El sueño vol. 2, de Simon Spurrier, Bilquis Evely y Abigail Larson (ECC Ediciones)

El segundo volumen de Universo Sandman: El Sueño de Simon Spurrier, Bilquis Evely y Abigail Larson muestra para bien y para mal que el comic ante todo es un medio visual para contar historias en el que el dibujo juega un papel fundamental.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Amor eterno perdido. Mientras su reino se desmorona y sus súbditos utilizan todos los medios posibles para intentar localizarle, Sueño de los Eternos vaga por la Tierra como un exiliado del mismo reino que debería encarnar.

Aquí, lejos de las puertas de cuerno y de marfil, hay maravillas y horrores que ni siquiera un inmortal puede imaginar… hasta que los ha experimentado de primera mano.

Cuando un romance funesto se va al traste, Sueño se muestra vulnerable a la manipulación de fuerzas siniestras. Y cuando el corazón de un Eterno se rompe, los mundos se rompen con él.

Mientras los habitantes abandonados del Sueño buscan a su soberano ausente, el nuevo y reticente gobernante del reino tensa los confines de su trono, amenazando con deshacer la misma realidad que los soporta.

¿Qué ocurre con los habitantes de un cuento de hadas cuando su autor desaparece?

¡Descúbrelo en El Sueño: Cáscaras vacías, urdido por los aclamados narradores Simon Spurrier, Bilquis Evely y Abigail Larson, toda una incorporación transformadora al inmortal Universo Sandman del galardonado autor Neil Gaiman! Recopila los números del 7 al 12 de la serie original.

Tras el primer arco dibujado por Bilquis Evely, este segundo volumen arranca con dos números en los que Evely se toma un respiro, dejando a la dibujante Abigail Larson (que había dibujado unas poca páginas en el primer volumen) para contar la historia del perdido Daniel, con color de Quinton Winter. Y lo cierto es que lamentablemente no está a la altura, ofreciendo unos comics super mediocres en lo referido al dibujo. Larson ofrece un punto de vista sin chispa, personajes planos pobremente dibujados casi siempre en el mismo escorzo que no transmiten nada y escenas mal narradas. Todo lo contrario que lo que nos Evely nos ofreció en el primer volumen y que de hecho marca el standard de calidad al que este comic debe aspirar, y que estas grapas no alcanzan.

Y es una pena, porque el guión de Simon Spurrier me ha parecido chulísimo y me muestra a un escritor buenísimo que tiene una historia que contar y la desarrolla de la mejor forma posible ofreciendo momentos y giros que nos mantienen completamente enganchados.

Y es que tras un primer volumen en el que asistimos a las consecuencias de la desaparición de Daniel, el actual Señor del Sueño, causa en su reino, en este segundo conoceremos donde estuvo y se iniciará la búsqueda para encontrarle, si es que sigue aún con vida. Esta búsqueda me ha flipado porque ha permitido a Spurrier aportar su punto de vista a escenarios míticas como la Casa al Final del Tiempo, el reino de las Hadas o el propio Infierno. Volver a estos espacios me trajo una sonrisa recordando los comics originales de Neil Gaiman, y creo sinceramente que Spurrier ha estado a la altura del desafío.

Junto a la estupenda historia de Spurrier, en los números 9 al 12 asistimos al retorno de Bilquis Evely al dibujo, ofreciendo unos números pletóricos de inventiva e imaginación, con una personalidad y unas composiciones que aún hacen más dolorosas las páginas previas de Larson. Y en serio que intento no cebarme mucho en el dibujo de Larson, porque ya se sabe que para gustos colores, pero de verdad, ¡qué flojo, menuda decepción!!

Prefiero quedarme con el vaso medio lleno, porque realmente la historia de Spurrier me parece super acertada y, teniendo en cuenta la sorpresa final, me vuelva a dejar con muchas ganas de saber cómo termina la historia en el tercer y último volumen, que ECC Ediciones publicó hace unos meses y que tengo ganas de hacerme con él. Además, mientras Evely se mantenga como dibujante, cada número va a ser un estallido visual que sabe cómo contar la historia de la forma más atractiva posible, como podemos ver en las páginas que acompañan este artículo y demuestran que estamos antes una dibujante estrella en ciernes, si no lo es ya.

El segundo volumen de El Sueño mantiene los puntos fuertes del volumen inicial y el carisma de la historia original de Neil Gaiman. A pesar del bajón de dibujo inicial, la historia se mantiene a gran nivel y me deja con ganas de saber el final de la historia.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de Ice Cream Man vol. 3 de W. Maxwell Prince, Martín Morazzo y Chris O´Halloran (Image Comics)

Ice Cream Man es una antología inclasificable y única en el panorama comiquero mainstream americano, obra de W. Maxwell Prince, Martín Morazzo y Chris O´Halloran. Tras unos meses de margen este mes he retomado la serie con la compra del tercer volumen.

PUNTUACIÓN: 7,5/10



Chocolate, vainilla, horror existencial, drogadicción, fantasía musical… hay sabor para la miseria de todos. ICE CREAM MAN es una serie de cómics que desafía el género y que presenta historias dispares de dolor, asombro y redención. Cada entrega presenta su propio elenco de personajes extraños, lidiando con su propio helado especial de sufrimiento. Y en la periferia de todos ellos, como la música centelleante de su colorida camioneta, está el Heladero, un tejedor de historias, un proveedor de dulces. Amigo. Enemigo. Dios. Demonio. El hombre que, con un chasquido de dedos puede cambiar el rumbo de tu vida para siempre. Escrito por W. MAXWELL PRINCE (UNA SEMANA EN LA BIBLIOTECA), con arte de MARTÍN MORAZZO (GREAT PACIFIC) y CHRIS O’HALLORAN (GENERATION GONE).

Este tercer volumen recopila los números 9 a 12 USA, que continúan la serie con cuatro nuevas historias extrañas y tristes. Además, se revela más sobre el travieso Ice Cream Man y su historia con el vaquero oscuro Caleb.

Me pasa algo curioso con Ice Cream Man. Reconozco que NO me flipa, no lo pondría en mi listado de “lo mejor del año”, pero al mismo tiempo es tan diferente a todo lo que compro que su lectura me resulta siempre satisfactoria. Si quieres, puedes leer mis reseñas de los dos primeros volúmenes aquí y aquí. Las historias que plantea W. Maxwell Prince siempre tienen algo. Desde luego personalidad, gracias al estupendo dibujo de Martín Morazzo con color de Chris O´Halloran, que aportan un feeling de terror existencial ante un ser cósmico que juega con las personas (víctimas) de las diferentes historias como si fueran juguetes.

La novedad principal de este tercer volumen reside primero y principal a que conoceremos detalles del pasado del heladero y de su antagonista Caleb. Esto me indica que W. Maxwell Prince es un escritor muy listo, ya que pensó correctamente que no dar algún tipo de información sobre estos seres hubiera podido provocar que algunos lectores dejaran la serie al ser “sólo” números con historias autoconclusivas sin casi conexión entre ellas más allá de la propia figura del heladero.

El segundo detalle interesante de estas cuatro historias es que Maxwell juega con diferentes géneros, poniendo el western, una historia de amor bilingüe, la ciencia ficción o los realities shows en el centro de su mirada, creando unos relatos que se mueven entre la fábula y el terror, en dosis unitarias de 20 páginas.

Martín Morazzo tiene un dibujo de narrativa perfecta, y su estilo naturalista de línea fina contrasta con los shocks a los que se enfrentan los protagonistas y a un terror que en muchos casos no es de este mundo. Sus páginas son perfectas para establecer el tono perturbador perfecto que necesita la historia ayudado por un estupendo color de Chris O´Halloran, ayudando a jugar con los momentos temporales o los diferentes narradores de las historias.

Ice Cream Man me compensa, y seguro que en unos meses voy a necesitar mi dosis de historias desasosegantes y extrañas y tendré que volver a comprar el siguiente volumen.

PUNTUACIÓN: 7,5/10

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