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Crítica de Cumbres borrascosas de Emerald Fennell

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Aunque reconozco que Cumbres borrascosas igual no entra en mi zona de interés, me animé a ver con mi madre la nueva versión que ha creado la directora Emerald Fennel (Una joven prometedora, Saltburn), que está protagonizada por Margot Roobie y Jacob Elordi.

PUNTUACIÓN: 5/10

Narra la intensa y romántica relación entre Heathcliff y Catherine Earnshaw en los páramos del condado inglés de Yorkshire. Tras ser criados juntos, su romance se ve pronto frustrado por las barreras sociales, y su pasión prohibida se transforma de romántica a intoxicante en una épica historia de lujuria, amor y locura. (FILMAFFINITY)

Emerald Lilly Fennell (Londres, 1985) es una actriz, escritora, productora y directora inglesa. Como actriz apareción en dramas históricos como Albert Nobbs (2011), Anna Karenina (2012), The Danish Girl (2015). Fennell fue especialmente conocida al ser la showrunner de la segunda temporada de Killing Eve (2019), que consiguió dos nominaciones al premio Primetime Emmy. Fennel ganó el Oscar a Mejor Guion Original con su primera película como directora, Una joven prometedora. Su siguiente película Saltburn (2024) pasó bastante más desapercibida.

Como es habitual en ella, Fennell produce, escribe y dirige esta película de 136 minutos de duración, que se inspira en la famosa novela de Emily Brontë. La película ha contado con un presupuesto de 80 millones de dólares, una cifra muy importante dentro del género de drama romántico de época. Linus Sandgren repite con Fennell como director de fotografía, al igual que Como es habitual en ella, Fennell produce, escribe y dirige esta película de 136 minutos de duración, que se inspira en la famosa novela de Emily Brontë. La película ha contado con un presupuesto de 80 millones de dólares, una cifra muy importante dentro del género de drama romántico de época. Linus Sandgren repite con Fennell como director de fotografía, al igual que Victoria Boidell en el montaje y Anthony Willis en la música. A Willis se le une Charli XCX en las canciones.

En el reparto encontramos a Margot Robbie como Catherine «Cathy» Earnshaw y Jacob Elordi como Heathcliff, los dos enamorados que se harán la vida imposible en este drama histórico. Charlotte Mellington como la joven Catherine Earnshaw y Owen Cooper como el joven Heathcliff, Hong Chau como Nelly Dean, Vy Nguyen como la joven Nelly Dean, Shazad Latif como Edgar Linton, Alison Oliver como Isabella Linton, Martin Clunes como el Sr. Earnshaw y Ewan Mitchell como Joseph, completan el reparto en sus papeles principales.

Antes de empezar a valorar la película tengo que hacer varias aclaraciones previas. La primera es que no soy fan de las películas románticas de época. (Aunque Orgullo y prejuicio de Joe Wright con Keira Knightley es un peliculón). Eso no significa que no vea alguna de vez en cuando si la ocasión lo requiere. Como ha sido este caso, para acompañar a mi madre al cine. Pero no ardo de ganas de ver los Bridgerton, no se si me explico.

El segundo comentario es que no he leído el libro de Emily Brontë, y aunque seguro que he visto alguna de las numerosas adaptaciones previas, no recordaba nada de la historia. De esta manera, no tenía ninguna expectativa previa de lo que iba a ver y no me molesta que Fennell se haya tomado unas enormes libertades con su historia. Si me gusta o me disgusta la película no será por aspectos de «fidelidad», sino simplemente si me funciona lo que me cuentan.

Por último, tengo que lamentar la enorme lacra que supone que el cine donde vi la película no la proyectara bien y se viera todo super oscuro. Algo que afectó al disfrute de la película y que entiendo que ayuda a que mi valoración no sea demasiado buena. Aunque puede que sea muy pesado, que los cines no ofrezcan las películas en las mínimas condiciones exigibles es otro de los problemas por lo que la gente cada vez va menos al cine. De hecho, veo el trailer de la película y lo cierto es que el estallado de color que se ve jamás se percibió en la sala, con una imagen oscura y más apagada de lo que debería. Un desastre.

Entrando a valorar Cumbres Borrascosas, también me llamó la atención que el trailer vendía la película diciendo: «Este San Valentín, inspirada en la mayor historia de amor de todos los tiempos.» Y ostras, la película no es nada de eso. De hecho, estamos ante un drama muy turbio protagonizado por seres mezquinos que no pudiendo tener lo que desean, harán la vida imposible a los que les rodean. No se, si alguien esperaba una película romántica tipo Orgullo y Prejuicio, el shock ha debido ser espectacular.

A grandes rasgos, la historia empieza de forma bastante parecida a la de otras historias románticas del XVIII. Cathy Earnshaw es una joven de una familia empobrecida. Cuando ella era una niña, su padre acogió a un niño abandonado que no sabía casi ni hablar. Cathy le llamó Heathcliff porque ese era el nombre de un hermano que murió cuando era un bebé. Al crecer, la familia está acuciada por los problemas económicos. Y aunque Cathy ama a Heathcliff, aunque nunca se lo dice, decide casarse con el vecino rico Edgar Linton, como haría cualquier joven de su época. Heathcliff se marcha enojado al descubrir que Cathy cree que no es lo bastante bueno para ella. Desde luego, no lo bastante para poder mantenerla.

Cathy vive varios años de una existencia monótona y sin amor pero llena de regalos y comodidades. En ese momento, Heathcliff vuelve a su vida convertido en una persona rica. En ese momento se produce una explosión de pasión y desenfreno, rodado de forma extremadamente beata y limpia, y un choque de personalidades tóxicas que decidirán hacer la vida imposible al otro si no obtienen lo que desean. Pasan muchas otras cosas, pero hasta aquí puedo leer. Y desde luego, lo que acabo de ver es lo contrario al ideal romántico que se podría esperar. Que no es bueno ni malo en si mismo, pero que explica parte del problema que he tenido con esta versión de Cumbres borrascosas.

Jacob Elordi me gustó mucho en Frankenstein, pero en Cumbres borrascosas me parece un palo que no transmite nada. De hecho, mi madre me comentó con razón al terminar la película que el actor estuvo toda la película con la misma cara, daba igual es estuviera enfadado, triste o enamorado. Que el 50% de una película romántica no funcione hace muy difícil que la película pueda funcionar. Pero en realidad creo que igual no es del todo problema de Elordi, dado que Fennell ya trabajó con él en Saltburn, película en la que era un rico repelente con una interpretación que hacía en todo momento lo que Fennell pedía de él. Imagino que habrá sido igual en Cumbres borrascosas y la interpretación estoica e inexpresiva es lo que se le pidió.

Unido a que Elordi no me gustó está el hecho que me parece que tiene una nula química con Margot Robbie. O Robbie no tiene química con él, como queráis. Entre otros motivos, la diferencia de altura entre ambos hace que exageradamente habiten planos separados entre si. No se el motivo, pero si la idea era transmitir que comparten un amor inmortal, no lo han conseguido.

Y el caso es que Margot Robbie si me parece que hace un trabajo espectacular. Dentro que Cathy es un «caramelo» que la permite plantear un rango enorme de emociones desbordantes. Robbie tiene una mirada que hace que veas que está colada hasta las trancas por Heathcliff pero en el momento que no recibe amor incondicional, responde con crueldad hacia la otra persona, demostrando ser una persona super tóxica. Cathy y Heathcliff se comportan de forma mezquina como si fueran unos niños caprichosos que se enfadan cuando no reciben lo que desean. Algo que hace muy difícil que puedas conectar con ellos.

Pero no son solo ellos. Además tenemos a Nelly Dean, la Dama de compañía de Cathy que se convierte a la gran villana de la historia de Fennell. Debido a su enfado con Cathy porque la dice que no sabe lo que es el amor, provocará que Heathcliff se marche al forzar a Cathy a decir mientras el joven les oye que casarse con él sería degradante porque no quiere morirse de hambre. De forma que Heathcliff no oye la parte en que ella afirma amarle, pero si cuando le rechaza y se va a casarse con el vecino rico aunque no le quiere. Más adelante, Nelly acabará con la aventura sexual de la pareja al decírselo al marido de Cathy. Incluso podría decirse que Cathy muere por culpa de Nelly, que no llamó al médico para que curara su enfermedad. Cuando pienso en Nelly, me da la sensación que Fennell busca crear un chivo expiatorio que de alguna manera exima de su responsabilidad a los amantes separados. Para que su comportamiento no sea tan grave. No se si soy sólo yo, pero he visto Cumbras borrascosas y sólo he visto personas tóxicas y personas aleladas que permiten que les mangoneen. Imposible empatizar con nada de lo que veía.

La posible potencia visual de la película quedó diluida por la mala proyección del cine, provocando que la película fuera oscura y sin brillo. Las canciones de Charli XCX son un poco anacrónicas, pero en realidad no me molestaron dentro del exceso naïf de la parte central de la película en la que Cathy vive una vida llena de regalos exagerados de todo tipo. A todo esto, los diseñadores del vestuario se han lucido con un conjunto de vestidos a cual más llamativos que resaltaban la belleza de Robbie. Creo que todo lo relativo al diseño de producción está estupendo.

La perfección técnica no impide que la película se me hiciera demasiado larga. Si hubiera sido 15 minutos más corta creo que todos hubiéramos aprovechado más. En especial la última parte en la que Heathcliff se lanza a un frenesí masoquista con su esposa, mientras que Cathy está en cama, es otro de los muchos over-the-top de la película que se podrían haber ahorrado completamente, y que terminaron de hacer repelentes a todos los protagonistas incluyendo por supuesto a Nelly. Me han vendido una historia romántica, y me he encontrado una historia de una relación super tóxica protagonizada por gente mezquina. Y esto es un debe en el casillero de Fennell, el «fallo» es todo suyo.

Reconozco que dentro que no esperaba nada a priori, seguro no era esto. Pero entre la mala proyección y la historia que plantea Fennell, fue imposible conectar con la película. Una historia, por cierto, que en realidad cambia montones de elementos claves del libro, lo que hace que se sienta otra cosa. Que no me importa, ojo. Pero que provocó que a mi madre no le gustara tampoco nada la película. Y es algo curioso, porque Guillermo del Toro también cambió muchísimo su Frankenstein cuando lo comparas con la novela. Pero al menos del Toro acierta en crear empatía, que podría ser el principal defecto de esta versión de Cumbres borrascosas.

Comparto el trailer de la película:

Reconozco que no era público objetivo de Cumbres borrascosas, pero esperaba que me fuera a gustar más. Una pena.

PUNTUACIÓN: 5/10

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Crítica de Sin piedad de Timur Bekmambetov

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En redes sociales los «profesionales» habían masacrado Sin piedad, la película de Timur Bekmambetov (Wanted, Abraham Lincoln: Vampire Hunter) protagonizada por Chris Pratt y Rebecca Ferguson. Al final me animé a verla para ver si realmente era tan mala como la pintaban. Por supuesto, no lo era.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

En un futuro próximo, un detective (Chris Pratt) es acusado de asesinar a su esposa. Tiene 90 minutos para demostrar su inocencia ante la Jueza de la I.A. avanzada (Rebecca Ferguson), a la que él mismo defendió en su día, antes de que esta decida su destino.

Timur Nuruakhitovich Bekmambetov (Unión Soviética, 1961) es un cineasta y empresario tecnológico kazajo-ruso. Es conocido principalmente por la épica fantástica Night Watch (2004), el thriller de acción Wanted (2008) y la película de terror histórico Abraham Lincoln: Vampire Hunter (2012), así como por las películas de screenlife Unfriended (2015), Searching (2018), Profile (2018) y War of the Worlds (2025).

Sin piedad es una película producida por Amazon MGM Studios (Prime Video), estudio con el que Chris Pratt mantiene una buena relación profesional, con Sony Pictures encargándose de la distribución internacional. La película nace a partir de un guion de Marco van Belle y tiene fotografía de Khalid Mohtaseb, montaje de Austin Keeling y Lam T. Nguyen, con música de Ramin Djawadi. El rodaje tuvo lugar en Los Ángeles, con un montaje final de 100 minutos de duración. El presupuesto estimado es de 60 millones de dólares.

En el reparto tenemos a Chris Pratt como el detective Christopher «Chris» Raven, un agente de la policía de Los Ángeles que está siendo juzgado por el asesinato de su esposa; Rebecca Ferguson como la jueza Maddox, una IA que forma parte del programa Mercy; Kali Reis como Jacqueline «Jaq» Diallo, la compañera de Chris; Annabelle Wallis como Nicole Raven, la difunta esposa de Chris; Chris Sullivan como Robert «Rob» Nelson, el padrino de Alcohólicos Anónimos de Chris y compañero de trabajo de Nicole; Kylie Rogers como Britt Raven, la hija de Chris, y Kenneth Choi como Ray Vale, el difunto compañero de Chris.

Sin piedad es un thriller efectivo que parte de una premisa interesante que hace a la película diferente, pero que también plantea una limitación que podía significar el principal problema de la película. La premisa de ciencia ficción anticipatoria es que debido al aumento exponencial de crímenes violentos en los Estados Unidos, en los casos en los que las evidencias parece irrefutables los acusados son juzgados por un sistema dirigido por un I.A., y en caso de encontrarle culpable el acusado muere en ese mismo momento. Para demostrar su inocencia y poder salvar la vida, la I.A. pone a disposición del acusado un poder casi ilimitado, al poder entrar sin limitación en cualquier teléfono, cámara u ordenador que esté conectado en línea con la I.A. para buscar pruebas de su inocencia. De momento, todos los casos hasta la fecha han acabado confirmando la condena del acusado.

La limitación actoral es brutal, porque Chris Pratt se pasa el 99% del metraje atado a una silla de ejecución en una habitación cerrada. Y se despierta borracho sin saber lo que ha pasado, lo que plantea la duda inicial sobre si él realmente pudo matar a su mujer. Junto a él Rebecca Ferguson interpreta a la I.A. que le juzga, de forma que sólo la vemos de medio cuerpo y en primeros planos, y su interpretación debe ser lo más austera de movimientos y sentimientos posible. Sin embargo, me alegra poder decir que estas limitaciones no impidieron que disfrutara de la película.

En especial Chris Pratt demuestra que es uno de los pocos actores que ahora mismo puede decirse que es una ESTRELLA de cine. Pratt consigue transmitir toda la confusión inicial y la duda ante un pasado que le muestra como un policía alcohólico que no se ha portado bien con su esposa. A pesar de la limitación de movimientos, Pratt demuestra que no los necesita una vez se pone en marcha la investigación, porque su personalidad se adueña de la pantalla. En positivo también, dentro que Rebecca Ferguson interpreta a una I.A. a priori sin sentimientos, Ferguson añade un toque de ironía en su interpretación, incluso de duda cuando se plantea que igual puede haberse equivocado con su primera valoración del caso. En una película en la que la pareja protagonista está presente en pantalla el 90% del tiempo, me alegra que ellos sean los artífices del éxito de la película.

Pero ojo que Sin piedad dista mucho de ser perfecta. El principal problema es su guion. A pesar de que la película es super entretenida, lo cierto es que se plantean una serie de trampas que resultan un poco ridículas una vez te paras a pensar un poco en lo que acabas de ver. Esa sensación de trampa, empezando porque Chris Pratt no recuerde lo que hizo en los momentos previos a la muerte de su mujer, no la tuve durante el visionado sino una vez terminó la película y me puse a pensar en ella. Luego a lo mejor no está tan mal, si pensamos en lo que opinaba al respecto Alfred Hitchcock. Bueno, en realidad cuando se descubre todo el pastel es una locura tan grande, y sobre todo, una casualidad sobre una imposibilidad sobre una locura, que un poco sí que pensé que los giros finales eran un poco demasiado.

En positivo, Timur Bekmambetov plantea un ejercicio narrativo diferente con esta película, creo que influido en los videojuegos de primera persona y los videos corto de Youtube o TikTok. Cuando Pratt empieza a investigar la muerte de su mujer, muchas de las escenas se ven desde las cámaras personales de policías, con lo que tienes la sensación de estar siempre en medio de la acción, con unas imágenes a menudo caóticas. Por ejemplo, cuando seguimos una persecución desde una de esas cámaras. El resultado a veces me gusta y otras veces no tanto, pero me parece interesante que se intente plantear un lenguaje visual diferente al de los thrillers tradicionales.

El presupuesto de 60 millones de la película puede parecer exagerado pensando que la mayoría del tiempo tenemos a dos personas hablando en un espacio cerrado. Pero la película plantea numerosos elementos de ciencia ficción empezando por unos vehículos voladores que usa la policía. Además de varias explosiones y recreaciones digitales. Dicho esto, vería normal que la mayor partida de gasto haya sido para pagar a Pratt y a Ferguson, porque la película se estrena en cines debido a su presencia y ellos son el principal reclamo que provocó que quisiera verla. Así que sin saber lo que han cobrado, seguro lo merecen.

Con los tiempos que corren, uno pensaría que la mala de la película sería la I.A. Pero me ha llamado la atención también la idea positiva que se transmite de ella, porque incluso equivocándose está aprendiendo para mejorar y hacerlo mejor la próxima vez. Lo que no es sorpresa es que cuando se conozcan todos los misterios, resulte que el eslabón débil sea el ser humano, en concreto la policía, que son los que proporcionan la información a la I.A. para que juzgue. Y claro, si las pruebas son incorrectas el veredicto no puede acertar.

Sin piedad dista mucho de ser perfecta. Pero es una película más que digna que se atreve a plantear cosas diferentes y que tiene una duración y un ritmo que me parecen perfectos. No va a ser la mejor película para nadie, pero estoy seguro que van a estrenarse películas mucho peores y con historias mucho más trilladas y con sensación de «esto ya lo he visto».

Sin embargo, la crítica americana y las redes sociales se tiraron en contra de la película. Y más concretamente, de Chris Pratt. Y hay que ser sinceros, el hecho que sea un cristiano practicamente  que no se ha unido al coro progresista contra los republicanos y Donald Trump, le ha granjeado el odio de muchas personas de izquierdas en los Estados Unidos. Y puedo equivocarme, pero diría que Pratt no ha dicho nunca que apoye a los republicanos, o que haya votado a Trump. Pero tampoco ha dicho que vote demócrata, y eso es suficiente para ser puesto en la picota por los «buenistas» de izquierdas. Unas personas que se han propuesto boicotear sus películas, porque ya se sabe que o estás conmigo al 100% o estás contra mi sin término medio. En España hay críticas de todo tipo, buenas y malas. Pero en USA las críticas fueron exageradamente malas, y no tengo duda que fueron por ideología, no por un análisis sincero de los pros y contras de esta película.

Chris Pratt ha protagonizado películas malas, claro que sí. Pero la virulencia de algunos comentarios me hizo sospechar que había más campaña organizada en su contra que problemas reales de la película. Por eso me animé a verla incluso cuando la cosa no pintara demasiado bien. Por cierto, si os animáis a ver la película, NO veáis el trailer, ya que destripa algunos de los giros más importantes de la película. Y lo cierto es que una vez vista, creo que Sin piedad es una película más que digna que cuando la veas en casa cuando se entrene en Prime Video, estoy seguro que diréis «pues no es tan mala, ha sido entretenida».

Comparto el trailer de la película, que os recoiendo que NO leáis:

Sin piedad me ha parecido un curioso experimento narrativo que no sale tan mal parado como las críticas especializadas hacen creer.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

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Crítica de Marty Supreme de Joshua Safdie

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Sigo con mi visionado de las películas nominadas a los Oscars 2026. Hoy es el turno de Marty Supreme, la película de Joshua Safdie protagonizada por Timothée Chalamet que ha recibido 9 nominaciones, entre ellas Mejor película, Mejor director y Mejor actor.

PUNTUACIÓN: 5/10

Marty Mauser, un joven buscavidas que juega al ping pong con una ambición desmesurada, está dispuesto a todo para cumplir su sueño. Con ayuda, entre otros, de la estrella de cine Carol Dunne, demostrará al mundo entero su grandeza.

Joshua Henry Safdie (Nueva York, 1984) es un cineasta estadounidense. Es conocido principalmente por escribir y dirigir las películas de suspense y crimen Good Time (2017) y Uncut Gems (2019) junto a su hermano menor Benny Safdie, formando los hermanos Safdie. Marty Supreme es el primer trabajo como director en solitario de Safdie desde The Pleasure of Being Robbed (2008).

Safdie coescribió el guion junto con Ronald Bronstein, basándose libremente en la vida de Marty Reisman, pero realizando numerosos cambios durante la esrit escritura. El director de fotografía Darius Khondji rodó la película en película de 35 mm, y Daniel Lopatin, colaborador habitual de Safdie, compuso la banda sonora. Safdie y Bronstein montaron ellos mismo la película de 150 minutos de duración, que ha contado con un presupuesto cercano a los 70 millones de dólares.

En el reparto tenemos a Timothée Chalamet como Marty Mauser, un aspirante a campeón de tenis de mesa, ferozmente decidido a ser el mejor en este deporte. Gwyneth Paltrow como Kay Stone, una rica actriz retirada y miembro de la alta sociedad que mantiene una relación sexual con Marty. Odessa A’zion como Rachel Mizler, una amiga de la infancia de Marty, casada, que mantiene una aventura con él. Kevin O’Leary como Milton Rockwell, un influyente hombre de negocios y marido de Kay que se interesa por Marty y el tenis de mesa. Tyler Okonma como Wally, un taxista y amigo de Marty, también experto en tenis de mesa. Abel Ferrara como Ezra Mishkin, un delincuente con el que Marty se cruza; y Fran Drescher como Rebecca Mauser, la madre de Marty.

Marty Supreme ha recibido 9 nominaciones, Mejor película y Mejor Director, Mejor actor, Mejor guion original, Mejor casting, Mejor fotografía, Mejor diseño de producción, Mejor montaje y Mejor vestuario.

Conocí a Joshua Safdie junto a su hermano Benny con Uncut gems (2019), una película sobre un protagonista asqueroso que empleaba casi todo su tiempo para hacer sentir mal al espectador con las cosas chungas que hacía y le pasaban. Es por esto que no tenía demasiadas ganas de ver Marty Supreme, porque apuntaba a que Marty Supreme iba a ser justo esto. Finalmente me animé a verla debido a mi próxima participación en el podcast de El Mundo.

También tengo que reconocer algo. Timothée Chalamet me cae como el culo. Igual es buen actor, pero ha demostrado que es un trepa asqueroso que mataría a su madre para conseguir un Óscar, como vimos con la forma asquerosa en que trató a Woody Allen. No porque creyera nada de lo que le acusaron, sino porque pensaba que hacerlo le beneficiaría en la carrera hacia los premios.

Empezando ya con la película, Joshua Safdie ha acertado completamente con el casting de Timothée como protagonista, porque tenemos una película siguiendo a un personaje de ficción, Marty Mauser, que es un asqueroso que hará lo que sea pisoteando a quien sea para conseguir el éxito en el ping-pong. El argumento dice que Marty Mauser es un «buscavidas», pero hay formas y formas de serlo. Y en esta película, Marty es un cacho de mierda que trata mal a todo el mundo y se comporta casi como un enfermo mental que cree que el mundo le debe algo.

Dentro que la película se me ha hecho super larga, al menos Safdie plantea muchas situaciones, o al menos yo interpreto que lo hace, desde el humor negrísimo, consiguiendo que momentos bochornosos se conviertan casi en gags. Lo malo es que son situaciones que realmente son super chungas, mientras Marty roba un perro de un anciano herido para ganar dinero, por ejemplo, para luego perderlo. O acostarse con una antigua estrella de cine (Paltrow) aburrida con su matrimonio, como forma de llegar al marido para que le financie el viaje al Campeonato del Mundo en Japón. Son situaciones que no son graciosas y el mero hecho que se planteen así muestra una brújula moral bastante cuestionable. En positivo, habría que agradecer que un director como Safdie se atreva a hacer algo tan a contracorriente, al no pretender pontificar ni vendernos un panfleto.

En realidad, no es sólo Marty el que es un ser humano lamentable, porque parece que todos los personajes cometen todos los errores imaginables. De hecho, parece que casi lo hagan a propósito, el tomar siempre la decisión equivocada en todo lo que hacen. La película se divide entre las malas personas sin un atisbo moral y unas teóricamente víctimas que son mostrados como gilipollas que un poco merecen lo que les va a pasar. O al menos, lo que a Marty le gustaría que pasara. Como digo, temáticamente la película es extraña, siempre moviéndose entre el drama y la comedia negra. Y reconozco que no he conectado nada con ella.

Buscando cosas positivas, al menos el casting es super acertado y todos los actores y actrices lo hacen genial. Timothée Chalamet hace un despliegue de tics desagradables que ayudan a que una persona que no gusta acabe siendo una abominación. Gwyneth Paltrow y Odessa A’zion, las mujeres en la vida de Marty, son egoístas y traicioneras, y por eso conectan tan bien con Timothée.

Dentro de una película a contracorriente que busca alterar al espectador con la inmoralidad de Marty, el intento de blanqueamiento del protagonista al final me parece casi hasta deshonesto. Entre otros motivos porque sabes que aunque la película quiera dejarle haciendo una buena acción, no va a durar y al día siguiente les va a dejar a todos en la estacada como siempre ha hecho. Aparte que Marty no aprende ni evoluciona para convertirse en mejor persona sino que vuelve porque no tiene donde ir.

Se ha criticado mucho la duración de los blockbusters palomiteros. Sin embargo, no entiendo cómo la ridícula duración de 150 minutos de Marty Supreme no ha sido objeto de crítica, porque la película se me ha hecho larguísima. Y es que todas, TODAS las escenas están alargadas de más. Y entiendo que en parte es algo hecho a propósito para generar la sensación incómoda en el espectador sobre la que hablaba antes. Pero esto son anécdotas sin gracia que deberían haberse cortado para que la película no superara las dos horas de películas. Porque en realidad la historia no daba para tanto.

Otro elemento curioso es el uso de CGI en las partidas de ping-pong para la bola, que me ha sacado completamente de la película. Creo que hay escenas alargadas que acaban siendo ridículas al hacer que los jugadores jueguen puntos imposibles que rompen la sensación de verosimilitud de la película, antes incluso de analizar si el CGI de la bola está bien o mal. que en una película supuestamente dramática se planteen estas escenas resulta ridículo. Al menos a mi me lo pareció. Y, de nuevo, me hace pensar en las masivas críticas hacia los blockbusters por sus efectos especiales, mientras que parece que por ser una película «de autor» se le debe permitir hacer cualquier ridiculez. Y luego además hay que aguantar ridiculeces durante la promoción de la película como que Timothée ha entrenado durante años, «jugando con sus amigos entre rodajes» y ha alcanzado un nivel casi de campeón de este deporte. Si es que te tienes que reir. En realidad, el ping-pon sólo aparece en dos momentos puntuales, el primero en el campeonato en Londres y luego en el climax final en Japón. Pero son escenas que pierden todo el dramatismo que deberían tener porque me tenían pensando lo inverosímil que eran. Esto es un problema muy grande.

A pesar que no me gustó Marty Supreme, al menos tengo que agradecer haber visto algo diferente al 99% del resto de los estrenos que veré este año. Es raro ver una película planteada para boicotear toto el rato el protagonista mostrándole como un ser patético mientras sigue teniendo delirios de grandeza. En eso si aplaudo a Joshua Safdie, porque creo que hay que ser un poco kamikaze para plantear esta historia.

Dicho esto, espero que la película no gane ningún Oscar. Desde luego, ojalá Timothée no lo gane, a ver si conseguimos entre todos que el enorme ego que tiene se le desinfle un poco.

Comparto el trailer de la película:

Marty Supreme se me ha hecho larga. Y no creo que Timothée esté tan bien. Con todo, lo que plantea tiene cierta gracia, dentro de lo asqueroso que me caiga el protagonista.

PUNTUACIÓN: 6/10

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Crítica de Hellboy: El hombre retorcido de Brian Taylor

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Aunque no esperaba nada, me fui al cine a ver Hellboy: El hombre retorcido, película dirigida por Brian Taylor (Crank) estrenada en 2024 que llega a España con muchísimo retraso.

PUNTUACIÓN: 7/10

Hellboy y una agente novata del BPRD se quedan varados en los Apalaches rurales de los años cincuenta. Allí descubren una pequeña comunidad embrujada, liderada por el Hombre Torcido. (FILMAFFINITY)

Brian Taylor es un director estadounidense conocido principalmente por colaborar con Mark Neveldine en el equipo de guionistas y directores Neveldine/Taylor, directores de Crank, Crank: High volume y Ghost Rider: Spirit of Vengenace.

Taylor dirige Hellboy: El hombre retorcido a partir de un guion que escribió junto con Mignola y Christopher Golden, adaptando la serie limitada The Crooked Man escrita por Mignola. La película producida por Millennium Media, Dark Horse Entertainment, Nu Boyana Film Studios y Campbell Grobman Films, es el segundo reinicio de la serie de películas Hellboy después de las dos dirigidas por Guillermo del Toro, y la cuarta entrega de acción real de la franquicia. Con un presupuesto de 20 millones de dólares y una duración de 99 minutos, la película cuenta con una fotografía de Ivan Vatsov, montaje de Ryan Denmark y música de Sven Faulconer.

En el reparto encontramos al desconocido Jack Kesy como Hellboy, al que acompañan Martin Bassindale como El Hombre Retorcido, una entidad sobrenatural que acecha en los Montes Apalaches. Jefferson White como Tom Ferrell, un exsoldado que se encontró con El Hombre Torcido durante su infancia. Adeline Rudolph como Bobbie Jo Song, una agente novata de la B.P.R.D. y compañera de Hellboy. Joseph Marcell como el reverendo Nathaniel Armstrong Watts, un pastor religioso. Leah McNamara como Effie Kolb, una acólita del Hombre Torcido, y Hannah Margetson como Cora Fisher, una bruja y exnovia de Tom.

Resulta llamativo que un personaje como Hellboy, importante dentro del indy pero a muchas leguas de la popularidad de Marvel o DC tenga 4 películas en imagen real. No entro en la calidad. Mientras, iconos como Wonder Woman o Iron Man tienen muchas menos. El caso es que no puedo decir que sea fan de los comics de Mignola. Compré las primeras miniseries allá por el siglo XX, pero la idea misma de resolver a ostias problemas sobrenaturales tengo que reconocer que nunca me ha funcionado del todo.

No tenía ninguna expectativa, pero leer unas declaraciones de Mignola afirmando que esta película era la que mejor trasladaba el tono y la intención de los comics a la gran pantalla me llenó de cierta curiosidad. Aunque también recordé que Mignola SIEMPRE ha hablado muy bien de las películas anteriores antes de su estreno, porque toca promocionarla. Y no es hasta más tarde que descubrimos que en realidad Mignola no estuvo demasiado contento del tono de las películas de del Toro, y por eso se puso él a intentar producir y controlar las siguientes películas.

Hellboy: El hombre retorcido en realidad se estrenó en 2024, pero por esas cosas raras de la distribución independiente no llegó a España hasta ahora. De hecho, ahora descubro en Wikipedia que en realidad la película no se estrenó en cines en USA, y pasó a distribuirse directa a video. Eso claramente no es una buena noticia. A pesar de todo, me encontré con una tarde libre mientras mi hijo estaba en un cumpleaños, así que finalmente me animé a verla en el cine.

Y me alegro un montón de haber visto Hellboy: El hombre retorcido en pantalla grande. Lo primero a destacar es SI es la adaptación más fiel del tono y el estilo de historias de los comics. Pensando que Mignola con su colaborador habitual Christopher Golden son los que adaptaron el comic a la gran pantalla. Había que ser optimista, pero a veces las cosas se tuercen, cosa que no sucede en esta película.

Hellboy es un bravucón que se las da de duro y que pega un puñetazo antes de pensar lo que está sucediendo, lo que le mete en numerosos problemas. La socarronería que muestra en sus diálogos está clavada a los comics, y desde el principio pensé que el tono estaba perfecto.

Luego hay que destacar el trabajo del director Brian Taylor, que saca oro del presupuesto. Comparado con otras películas de terror, 20 millones es un presupuesto importante, pero hay que pagar la prótesis de Hellboy y algunos planos digitales como son el tren, la araña y la serpiente gigantes, con lo que creo que le quedó poco para todo lo demás. Y con lo que tiene, plantea una película visualmente potentísima, y a la vez, extraña.

Hellboy: El hombre torcido es una historia de brujas y hechiceros. Taylor plantea una gran multitud de escenas con desenfoques tremendos que sirven para transmitir la sensación de confusión que sienten las víctimas de las brujas, al ver cómo su mundo se desmorona por cosas que desafían la lógica y la razón. Además, la película es calculadamente oscura, lo que ayuda a ahorrar en decorados pero también tiene un propósito narrativo. Si a eso sumamos unos planos imaginativos con contrapicados y soluciones que se alejan de la narrativa de plano medio de serie de televisión que abunda en muchas películas, tenemos una película que transmite personalidad y ganas de salirse de lo convencional.

Como buena historia de brujas y de Hellboy, me gusta que la película no haga concesiones y muchos personajes sufran una muerte cruel. También me gusta la sensación de aventura pequeña en la que el destino del mundo NO está en juego, que es justo lo que eran muchos de los comics de Hellboy. Esto es otro elemento que hace que la película sea tan satisfactoria.

Dicho esto, a pesar de la nula explicación de la historia de Hellboy, algo que podría ser un problema para algunos espectadores, la película plantea una subtrama con la madre de Hellboy que me da que se planteaba como una posible historia que pudiera continuarse en una eventual quinta película. Lo chulo de esto es que viendo cómo se plantea, queda la duda de si es algo que Hellboy ha vivido en realidad o si era una pesadilla provocada por el villano para matar a los protagonistas.

Hablando de los villanos, me ha gustado la representación en pantalla de El hombre retorcido. Cuando has visto tanto cine como he visto yo, nada o casi nada consigue dar miedo en realidad. Pero dicho esto, la sensación malsana que trasmite cada vez que aparece es genial. Este villano y las brujas que le siguen son un grupo que realmente dan una buenísima sensación de peligro.

En lo referido al reparto, sólo conocía a Jefferson White por su papel del cowboy atontado de Yellowstone. White hace un buen trabajo en su papel de Tom Ferrell, un joven traumatizado que huyó del pueblo hace años y que vuelve ahora para enfrentarse a los demonios que pueblan esta zona rural. No conocía a Jack Kesy, pero creo que es un Hellboy estupendo. Adeline Rudolph como Bobbie Jo Song, la compañera de Hellboy en esta aventura, Joseph Marcell, Leah McNamara y Hannah Margetson cumplen perfectamente con lo que la película necesita de ellos.

Por ponerle un pero que para mi no lo es, la película es café para los muy cafeteros, hasta el punto que todo empieza sin dar la mínima explicación de nada más allá que se encuentran en el año 1957. Para mi no es un problema porque conozco al personaje, pero en la sesión es la que estuve al menos 6 personas se salieron de la sesión, lo que indica que la propuesta no les funcionó. Desde el punto de vista de hacer una película «amigable» para el espectador, no hubiera costado nada haber explicado en algún momento el origen de Hellboy y dos pinceladas de su trabajo en el B.P.R.D.

Hellboy en el cine nunca ha terminado de triunfar, pero en los comics hablamos de un personaje cuyos tomos se llevan vendiendo como churros en los últimos 30 años. Eso quiere decir que debe haber decenas de miles de personas (o más) que le conocen y han leído sus aventuras. De alguna manera creo que Mignola ha hecho esta película para ellos. Y aunque no ser amigable para el espectador casual puede ser un problema, en mi caso creo que Mignola ha sido muy valiente al tener claro que esta película es un producto de nicho que no busca contentar a un público masivo que abandonó al personaje en las películas previas en imagen real.

Por todo ello, la valoración que hago de esta película es muy positivo. Encuentro que todo lo que he visto, todo lo que el director y Mignola han planteado está muy bien resuelto. Claramente nada es de sobresaliente, pero he conectado con todo desde el minuto uno. Si eres fan de Hellboy, la diversión está asegurada.

Comparto el trailer de la película:

Hellboy: El hombre retorcido ha sido una película perfecta en todo lo que plantea, ofreciendo un entretenimiento perfecto para los fans muy cafeteros.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Películas

Crítica de Sueños de trenes de Clint Bentley (Netflix)

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Siguiendo con las películas nominadas a los Oscars, por fin he visto en Netflix Sueños de trenes, la película de Clint Bentley protagonizada por Joel Edgerton y Felicity Jones, que ha recibido 4 nominaciones, entre ellas Mejor Película.

PUNTUACIÓN: 8/10

Robert Grainier es un jornalero que trabaja talando árboles en Idaho durante la construcción del ferrocarril en el Oeste americano a principios del siglo XX. Golpeado por la tragedia, lucha por adaptarse a su nuevo entorno.

Clint Bentley (Florida, 1985) es un director y guionista estadounidense. Entre sus trabajos como director se encuentran Jockey (2021) y Train Dreams (2025). Por su trabajo como guionista, Bentley ha sido nominado dos veces al Óscar al mejor guion adaptado, primero por Sing Sing (2023) y ahora por Sueños de trenes. Además de Mejor Película y Mejor Guion Adaptado, la película tiene nominaciones a la Mejor Fotografía (Adopho Veloso) y Mejor Canción (Train Dreams de Nick Cave y Bryce Dessner).

Bentley coescribió el guion junto con Greg Kwedar, basado en la novela corta de Denis Johnson publicada en 2011. La película cuenta con fotografía de Adolpho Veloso, montaje de Parker Laramie y música de Bryce Dessner. La película de 102 minutos de duración se estrenó en el Festival de Cine de Sundance el 26 de enero de 2025. Poco después, Netflix adquirió los derechos de distribución de la película.

En el reparto tenemos a Joel Edgerton como Robert Grainier, el protagonista cuya vida conoceremos. Felicity Jones es Gladys Olding Grainier, la esposa de Robert, Kerry Condon interpreta a Claire Thompson, una trabajadora forestal, William H. Macy es Arn Peeples, un experto en explosivos que trabaja con Robert, Nathaniel Arcand es Ignatius Jack, un tendero y amigo de Robert, John Diehl interpreta a Billy, un viejo leñador, y Will Patton es el narrador.

Sing Sing me gustó cuando la vi, pero no conocía la faceta de Clint Bentley como director antes de esta película. Y me verdad es que me ha gustado mucho Sueño de trenes. Leyendo cosas sobre la película, Bentley se declara fan de Terrence Malick, y es algo que se transmite en la película. Sueño de trenes es la historia de una persona sin importancia que nunca hizo nada importante o reseñable. Pero que tuvo una mujer a la que amó y una hija a la que adoró durante el tiempo en que pudieron estar juntos.

Bentley plantea una película llena de poesía en la que las imágenes son mucho que más que la narración de sucesos, sino que transmiten estados de ánimo y la sensación que el hombre es insignificante ante la naturaleza en la que viven, trabajan y mueren. La nominación de la fotografía es totalmente merecida, porque cada imagen y cada plano podría formar parte de los hilos de One perfect shot de Twitter.

Es muy complicado rodar una película en la que de alguna manera no pasa nada importante, y sin embargo, la película me atrapó de principio a fin. Sueño de trenes claramente se sale mi zona de confort cinéfila, acostumbrado a los thrillers y al cine de acción, y me ha encantado.

Para interpretar al protagonista Robert Grainier hacía falta un actor estoico, y Joel Edgerton está fantástico. Edgerton es uno de esos actores que no son super estrellas pero sabes que sus trabajos son siempre sólidos. Grainier es una persona que casi no habla, al tener la película a un narrador con la voz de Will Patton contándonos los hechos clave de la historia. La naturaleza impasible de Grainier tiene que ver con que nunca ha tenido que expresar sus sentimientos en voz alta, y a pesar de todo sientes la tristeza que sintió una gran parte de su vida. El trabajo de Edgerton me ha parecido increíble. Y me sabe mal que no tenga mas reconocimiento en una industria que sólo premia los papeles histriónicos que se construyen a partir de la pornografía emocional.

El resto del reparto me parece que están brillantes dentro de lo cortos que son la mayoría de papeles. Felicity Jones como Gladys, la esposa de Robert, es un amor que transmite la alegría de vivir. Me encanta Jones, creo que siempre está bien, y de alguna manera me supo que su papel fuera tan corto, dentro que la historia es la que es. Kerry Condon y William H. Macy son también caras conocidas y aportan su carisma en momentos clave de la película.

Además de la belleza y crueldad de la Naturaleza, que seguirá existiendo cuando nos hayamos extinguido, hay otro tema en Sueño de Trenes sobre la insignificancia de las personas también centrado en las empresas madereras en las que trabaja Grainier, que usa a una persona pero le da igual si vives o mueres, y seguirán con su actividad cueste lo que cueste. También se muestra la crueldad del ser humano que mata a un trabajador sin más motivo que el ser chino, y a nadie le importa ni nadie hace nada por evitarlo.

Estoy escribiendo esta reseña y me vienen a la cabeza innumerables imágenes de la película. Imágenes que cuentan la historia y me transmitieron una belleza y una poesía que me acompañarán siempre, cada vez que piense en Sueños de trenes. Me alegro de que Netflix compara los derechos y hiciera posible que pudiera verla. Se habla mucho de que Netflix está matando el cine, pero sin ellos jamás hubiera visto este película. Desde luego, hubiera sido imposible que una película de estas característica se estrenara en mi localidad. Me alegro de haberla visto.

Comparto el trailer de la película:

Sueño de trenes me ha parecido una gran película. Me alegro por los reconocimientos que ha conseguido la película, son totalmente merecidos.

PUNTUACIÓN: 8/10

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