Crítica de Los Rose de Jay Roach

Los Rose es una nueva versión del clásico de los años 80 La guerra de los Rose, basada en la novela de Warren Adler. En esta nueva versión el director Jay Roach dirige a Benedict Cumberbatch y Olivia Colman en una supuesta comedia que no me ha convencido.

PUNTUACIÓN: 4.5/10

La vida parece fácil para la pareja perfecta que forman Ivy y Theo: carreras de éxito, un matrimonio feliz y unos hijos estupendos. Pero detrás de la fachada de su supuesta vida ideal, se avecina una tormenta: la carrera de Theo se desploma mientras que las ambiciones de Ivy despegan, lo que desencadena una caja de Pandora de competitividad y resentimiento ocultos… Reinterpretación del clásico de 1989 «La guerra de los Rose», basada en la novela de Warren Adler.

Mathew Jay Roach (Albuquerque, Nuevo México, 1957) es un cineasta estadounidense. Es conocido principalmente por dirigir la serie de películas Austin Powers, Meet the Parents, Dinner for Schmucks, The Campaign, Trumbo y Bombshell. Los Rose cuenta con un guion de Tony McNamara basado en la novela La guerra de los Rose, de Warren Adler. Esta novela ya tuvo una exitosa adaptación cinematográfica en 1989 que contaba con Michael Douglas, Kathleen Turner y Danny DeVito como protagonistas. La película de 105 minutos de duración ha contado con un presupuesto de 19 millones de dólares y tiene fotografía de Florian Hoffmeister, el montaje es de Jon Poll y la música de Theodore Shapiro.

Benedict Cumberbatch y Olivia Colman interpretan a Theo e Ivy Rose, él arquitecto y ella una prometedora restauradora.

Hala Finley y Delaney Quinn interpretan a Hattie Rose, hija de los Rose en diferentes momentos temporales, igual que Wells Rappaport y Ollie Robinson interpretan a Roy, el hijo de la pareja. El resto del reparto lo completan Andy Samberg como Barry, amigo de los Rose, abogado de divorcio de Theo y marido de Amy (Kate McKinnon). Ncuti Gatwa interpreta a Jeffrey, gerente del restaurante de Ivy, Sunita Mani es Jane, segunda chef de Ivy, Zoë Chao hace de Sally, amiga de los Rose y esposa de Rory (Jamie Demetriou).

La guerra de los Rose es una de las películas míticas de los años 80. Tras varias película de aventuras como Tras el corazón verde o La joya del NIlo, Michael Douglas y Kathleen Turner se convirtieron en una de las parejas más conocidas de Hollywood y con mayor éxito. El cambio de verles como una pareja que vivía aventuras y se enamoraba a ser un matrimonio que termina tirándose los trastos a la cabeza por su divorcio fue un shock en su momento. Y tengo que reconocer que me acerqué a ver esta nueva versión sin acordarme de casi nada excepto su mítico final.

Esta nueva versión tenía a su favor contar con una fantástica pareja de actores como son Benedict Cumberbatch y Olivia Colman interpretando a el matrimonio formado por Theo e Ivy Rose. Cumberbatch y Colman son actorazos y me han encantado siempre que les he visto en la gran pantalla o en la pequeña. Como creía que Los Rose iba a estar bien, invité a mi madre de 82 años a que me acompañara. Y menudo chasco me me llevado. Yo y mi madre, a ella tampoco le gustó nada.

Un primer gran problema de Los Roses es que se supone que es una comedia, pero nada de lo que presenta tiene gracia. De hecho, hay varios gags a cuenta de que Ivy (Colman) sufre un problema alérgico por comer algo prohibido en el que Theo la chantajea con no darle la medicación para que se pueda recuperar a no ser que firme el contrato de divorcio. Se supone que debe ser un gag ocurrente y muy bestia, pero jamás es divertido, más bien genera un rechazo absoluto hacia el que lo hace, al ser una situación muy turbia que sólo una mente perturbada podría realizar. Y como esa hay unas cuantas. Que una película no sea divertida y produzca rechazo es un problema muy gordo, indica que el director Jay Roach ha equivocado completamente el tono y la historia.

Buscando cosas positivas, creo que en realidad Benedict Cumberbatch y Olivia Colman cumplen con lo que el director necesitaba de ellos. Lo malo es que eso significa convertirse en unas personas odiosas que se comportan de las peores formas posibles hacia su pareja.

Theo e Ivy Rose son una pareja británica que se escapa de su vida rutinaria británica para vivir una aventura en Estados Unidos. Theo es un arquitecto de éxito que ha diseñado un museo marítimo en su localidad costera de California. Ivy se dedica a cuidar de los niños y ha aparcado su pasión por la cocina hasta que Theo le compra un local para que pueda abrir su propio restaurante. Durante una tormenta, debido a una error o incompetencia de Theo, el museo queda destruido mientras que el restaurante de Ivy se llena de gente escapando de la tormenta. Una de esas personas es una crítica culinaria famosa, lo que hace que el negocio de Ivy sea un éxito fulgurante, convirtiéndose en una afamada chef que empieza a abrir restaurantes por toda California.

Theo no puede trabajar debido al destrozo a su reputación que tuvo que su edificio se cayera y a un video que le grabaron en ese momento que se hizo viral, que terminó de ridiculizarle y destruir su reputación. Por eso, la pareja hace un cambio de roles y él se queda en casa cuidando a los niños mientras ella se hace rica con sus restaurantes. Ivy se centra en los negocios y no acaba de estar de acuerdo con la forma en que Theo educa a sus hijos centrados en el ejercicio físico y la salud. Pero tampoco está en casa para cambiar nada. Los años pasan y los niños reciben un beca de estudios en Miami centrada en la actividad física, por lo que se mudan dejando sólo al matrimonio.

Aunque intentan reconducir la relación, de hecho Ivy paga la construcción de la que se supone va a ser la casa ideal de la familia que ha diseñado Theo, llega un momento de no retorno en el que Theo pide el divorcio. A pesar de poder aspirar a recibir la mitad de la fortuna de Ivy, Theo sólo quiere quedarse la casa que él diseño y construyó. Ivy, por supuesto se niega t si algo quiere es precisamente la casa. Con lo que empezará la «Guerra de los Rose» al que aludía la película de los 80. Una guerra literal con violencia física y momentos tremendos que son todo menos «graciosos». Comentaba que Cumberbatch y Colman están bien, pero lo cierto es que lo están siendo odiosos. Y claro, eso es un problema muy grande.

Y no son los únicos que caen mal. Excepto los niños que interpretan a los hijos de la pareja, que están bien y son niños encantadores, aunque obsesionados con el ejercicio físico, el resto de adultos amigos de la pareja son super repelentes y asquerosos. Aparte de estar ante una comedia que no hace gracia, todos los adultos son gente despreciable que caen mal y entran en la categoría de «ostiable». En concreto Andy Samberg como Barry y Kate McKinnon como su mujer Amy están todo el rato provocando situaciones embarazosas dicho con la peor de las connotaciones posibles.

Hay otra situación que me ha parecido lamentable. Mientras veía la película no me cuadraban varias cosas, aparte de lo odioso y perturbador de pensar que el director pensaba que las situaciones embarazosas eran remotamente divertidas. Y es el elemento WOKE, que termina de arruinar la película.

En la película de Michael Douglas y Kathleen Turner él era un abogado de éxito y ella una ama de casa. Esta película cambia los roles, sobre lo que no tengo ningún problema. Pero lo que si es un problema es que La Guerra de los Rose mostraba a los dos atacando a su pareja, pero no les calificaba previamente, haciendo lo que cada uno pensaba que es mejor para él / ella. Y en realidad, comportándose ambos de forma muy similar.

Pero esta nueva película la historia SI toma partido. Ivy es una empresaria de éxito y una cocinera magistral, mientras que Theo es un incompetente al que se le hundió un edificio diseñado por él. No se dedica a los niños por convicción sino porque no tiene otra posibilidad, mientras que ella es una mujer exitosa. Los intentos de humor desagradable giran sobre el fracaso profesional de Theo, mientras que la película nunca hace humor a costa de Ivy o sus aptitudes profesionales. La diferencia entre ambas películas es abismal. Y me ha molestado esta falta de neutralidad. De hecho, me parece tremendo.

En lo que si son iguales es en la forma en que se comportar uno con la otra y viceversa. Algo que provoca situaciones desagradables por lo mal que se tratan y lo mezquinos que son. Sin embargo, cuando llega el climax final, el que recordaba de la película original, asistimos a una situación accidental provocado de nuevo por la incompetencia de Theo. La forma en que plantean este final me rompió la cabeza para mal. Porque si al principio mostraron a un miembro de la familia siendo un incompetente, lo lógico para igualar las cosas sería que la otra cometiera el error. Pero no, la incompetencia sólo va en una dirección. De vergüenza.

Peor que no me gustara Los Rose es pensar que llevé a mi madre a verla. El vocabulario soez y sexualmente explícito tampoco ayudó a que pudiéramos conectar con la película. En el visionado de Los Nore se ha juntado una tormenta perfecta en la que todo me ha volado la cabeza para mal. Y aunque es el menor de los problemas, señalar también que Michael Douglas y Kathleen Turner eran mitos sexuales, actores guapísimos. Sin embargo, aunque Colman es una gran actriz, es lo contrario a un a una belleza. Y en realidad, cuando vamos al cine queremos ver una versión idealizada del mundo corriente con gente guapa. Cumberbatch lo es, pero está centrado en el humor a su costa, y Colman desde luego no lo es. Otra cosa que no funciona. Y van…

Comparto el trailer de Los Rose:

No me ha gustado Los Rose. Creo que su director Jay Roach equivoca todo el planteamiento y la ejecución. Aparte de plantear unos cambios que no mejoran el original.

PUNTUACIÓN: 4.5/10

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Crítica de Escape 1 de Rick Remender y Daniel Acuña (Image Comics)

Rick Remender es uno de mis escritores de comic favoritos, y su colaboración con el increíble Daniel Acuña para un comic bélico, Escape, protagonizado por animales antropomórficos, era algo demasiado bueno como para dejarlo escapar.

PUNTUACIÓN: 9/10

DERRIBADO. CAZADO. SIN TIEMPO.

LA NUEVA ÉPICA GUERRA DE DOS PUNTOS DE REMENDER Y ACUÑA COMIENZA AQUÍ.

Del equipo creativo formado por el autor superventas del New York Times RICK REMENDER (DEADLY CLASS, Uncanny X-Force) y el poderoso DANIEL ACUÑA (Capitán América, Black Panther), el dúo responsable de Uncanny Avengers de Marvel, llega un thriller bélico salvaje y trepidante en el que la supervivencia no se da por sentada… hay que ganársela.

Milton Shaw es un piloto de bombardero curtido en mil batallas que vuela en misiones sobre un mundo devastado por la guerra y gobernado por un imperio despiadado. Pero cuando su avión es derribado, Milton despierta tras las líneas enemigas, en las ruinas humeantes de una ciudad que él mismo ayudó a incendiar. Y en menos de 24 horas, su propio bando lanzará la bomba definitiva para acabar el trabajo. Ahora, herido, desarmado y perseguido por las calles enemigas, la única oportunidad de escapar de Milton proviene del lugar más inesperado: un padre afligido y su hijo, civiles destrozados por el mismo régimen fascista que gobierna esta tierra con mano de hierro. Enemigos por sangre. Aliados por circunstancias. Juntos, tendrán que luchar para escapar antes de que la bomba caiga y lo borre todo… y a todos.

Ambientada en un mundo brutal y completamente pintado de animales antropomórficos —imagine una mezcla entre Malditos bastardos y Blacksad—, ESCAPE es un viaje crudo y plagado de balas a través de las secuelas devastadoras de la guerra. Trata sobre la violencia que infligimos, las almas que intentamos salvar y el valor que se necesita para salir del fuego.

Rick Remender está on-fire en los últimos meses. A través de su sello Iron Generator lleva una temporada espectacular con comics muy variados entre si: La fantasía oscura crítica a las religiones de The Sacrificers con Max Fiumara; la rallada super divertida The Holy Roller, junto a Andy Samberg, Joe Trohman, y Roland Boschi, en el que un superhéroe pelea contra neonazis con bolas de bolos; o The Seasons, el comic junto a Paul Azaceta en el que plantea una historia con un feeling a Studio Ghibli. Ahora tenemos Escape con Daniel Acuña, una historia bélica que recuerda a la 2ª Guerra Mundial protagonizada por animales antropomórficos.

Remender comenta que su abuelo, al que no conoció, combatió en la 2ª Guerra Mundial como piloto de bombardero. Unido a la historia de la familia de Acuña en la Guerra Civil española, ambos autores tenían una conexión y ganas de contar una historia bélica como la que han planteado en Escape.

En primer éxito de Escape son las páginas pintadas de Daniel Acuña, que está a un nivel estratosférico. Está claro que Acuña no es el primero en hacer historias con animales antropomórficos (¿verdad, Blacksad?), pero este recurso lleva utilizándose desde siempre en animación. Según Remender, la idea de estos animales antropomórficos es que sea más fácil empatizar con todos los personajes, aunque sean los malos. El trabajo de caracterización de Acuña me parece maravilloso, como lo es también el diseño de los aviones que vemos en este primer número, que recuerdan completamente a los aviones reales de la 2ª Guerra Mundial. Cada una de las imágenes tiene una personalidad bestial y consigue que este mundo te atrape desde la primera viñeta.

Aunque el comic empieza como una historia bélica con un bombardeo a una factoría enemiga, la historia va a tomar un giro mucho más interesante. Y el caso es que una historia bélica «normal» ya me valía, pero Remender y Acuña tiene planteado algo diferente. Alfo más. Empezando con la conversación que tiene lugar en el bombardero sobre que las dictaduras no nacen de la nada y que muchos soldados del bando enemigos en realidad son gente «inocente» atrapada en un sistema terrible contra la que una simple persona sola no tiene ninguna esperanza de derrotar. Las ideas que Remender plantea en este comic plantean una complejidad inusual en una historia bélica.

Por supuesto, esta complejidad aumenta cuando nuestros protagonistas bombardean una ciudad con miles de inocentes para poder llegar a alcanzar la factoría que tenían que destruir. Las muertes y la destrucción causada será uno de los temas de la colección una vez la historia pase del cielo a la tierra, mientras seguimos al protagonista Milton Shaw. Porque que sean del bando de los «malos» no significa que no sean víctimas o sus muertes no sean terribles para sus familias.

Este primer número cuenta con 40 páginas que se leen en un suspiro y me han enganchado completamente. Lo mejor es la sensación que el comic va a moverse de formas inesperadas y la historia no va a parar de evolucionar. Lo cual es una buenísima noticia. Si a eso le sumamos un dibujo que me vuela la cabeza, el éxito es espectacular.

Comparto las primeras páginas del comic:

Escape 1 es un inicio fantástico para un comic que se siente completamente nuevo. Me ha dejado con ganazas de leer la continuación.

PUNTUACIÓN: 9/10

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Crítica de Alien: Planeta Tierra 1×05 (Disney+)

El quinto episodio de Alien: Planeta Tierra emitido esta semana en Disney+ es el mejor hasta la fecha.

PUNTUACIÓN: 8/10

Episodio 5. En el espacio, nadie…

Una nave espacial en peligro desencadena una peligrosa confrontación.

Noah Hawley (Fargo, Legion), el creador de Alien: Planeta Tierra escribe y dirige este quinto episodio que nos muestra lo que sucedió en la USCSS Maginot antes de que se estrellara contra la Tierra. Este episodio cuenta con una duración de 65 minutos, igual que el episodio piloto de la serie que también fue escrita y dirigida por Hawley.

El episodio, dentro del contexto de narrativa televisiva, puede considerarse el «episodio de Morrow». Interpretado por Babou Ceesay, este episodio arroja una nueva luz sobre el cyborg a sueldo de la corporación Weyland-Yutani. El resto de la tripulación del Maginot está interpretada por Richa Moorjani como Zoya Zaveri, la oficial ejecutiva y posteriormente capitana en funciones, Amir Boutrous como Rahim, oficial médico, Karen Aldridge como Chibuzo, oficial científico, Michael Smiley como Shmuel, ingeniero, Jamie Bisping como Malachite, aprendiz de ingeniero, Andy Yu como Teng, navegante, Max Rinehart como Bronski, oficial científico, Enzo Cilenti como Petrovich, ingeniero jefe, Tom Moya como Clem, un oficial de seguridad subalterno, Victoria Masoma como Sullivan, un miembro de la tripulación, y Tanapol Chuksrida como Dinsdale, el capitán del USCSS Maginot.

En los extras del episodio Noah Hawley comenta que este episodio no estaba inicialmente previsto en su primer desarrollo de la serie. Sin embargo, a medida que empezaron el rodaje, Hawley se dio cuenta que hacía falta contar la historia de la tripulación del USCSS Maginot y cómo cayó a la Tierra. Es más, tras una primera mitad de una serie con «ALIEN» en el título que había tenido muy poco de xenomorfos, Hawley quería quitarse la espinita rodando lo que sería una historia clásica de Alien localizada en una nave espacial. Para Hawley, este episodio ha sido un sueño hecho realidad. Y afortunadamente, esto ha conseguido que el disfrute con este episodio haya sido máximo.

En el primer episodio de Alien: Planeta Tierra ya descubrimos que todos los tripulantes de la USCSS Maginot excepto el cyborg Morrow habían fallecido. De forma que Hawley tenía un primer problema a resolver, que era conseguir que los tripulantes no parecieran corderos camino del matadero. La forma en que vemos los últimos momentos de Zoya Zaveri, la oficial ejecutiva y posteriormente capitana en funciones,el oficial médico Rahim, la oficial científico Chibuzo, el ingeniero y hombre para todo Shmuel y su ayudante Malachite me parece que está muy bien.

Morrow parecía un chungo que había sacrificado a sus compañeros de tripulación. Este episodio sirve un poco de reivindicación, dado que conoceremos más detalles de su historia. Aparte de su fidelidad a Weyland-Yutani, que provocó que dejara en la Tierra a su hija adolescente, que murió mientras Morrow estaba en la misión, Hawley plantea un elemento super interesante al descubrirse la existencia de un traidor que está saboteando la Maginot y ha liberado a los aliens. La identidad de este saboteador y sus intenciones resulta uno de los elementos más chulos del episodio, sobre todo con el descubrimiento de para quien trabaja este traidor, que cambia todo lo que creiamos saber de la serie hasta ese momento.

Mi principal queja de Alien: Planeta Tierra ha sido lo poco que hemos visto a los xenomorfos. Y en realidad la serie mantiene su premisa de evitar momentos gore o realmente aterradores, debido supongo a su naturaleza de serie de Disney. Aunque haya sido producida a través de FX. EN este episodio por fin vemos al xenomorfo en toda su gloria y nos da varias escenas maravillosas. ¡Qué ganas tenía de verlo en toda su gloria!

La otra gran sorpresa viene con lo otros alienígenas a bordo de la Maginot. El alien ojos cuerpo de pulpo demuestra tener ser un ser inteligente, lo cual plantea elementos que pueden ser muy guapos de cara al final de la serie. La forma en que distrae a Chibuzo para que el otro alien se escape me parece terrorífico. El combate del bicho ojos contra un xenomorfo, controlando el cuerpo de un tripulante de la Maginot es tremendo porque parece que el xenomorfo teme a este ser parasitario.

También lo que sabemos del alien lombriz chupa sangre plantea una amenaza insospechada, dado que este alien se ha multiplicado y múltiples ejemplares deberían estar sueltas por la Maginot cuando se estrelló, lo que plantea una situación también nueva y peligrosa.

Este episodio de casi una hora de duración se ha sentido casi como una película, y tanto lo que nos ha contado como las revelaciones que hemos conocido que lo cambian todo, hacen que estemos ante el mejor episodio ante la fecha. Ahora si que me han convencido.

OJO SPOILER A CONTINUACIÓN:

Porque la revelación de que la caída de la Maginot no fue un accidente sino que Kavalier lo planeó todo, contratando al saboteador para que derribara la nave y así poder hacerse con los aliens, incluso a costa de la muerte de centenares o miles de habitantes de su continente, es un puntazo acojonante. Kavalier parecía el niño rico tonto, pero este nivel de planificación y su falta de empatía por las vidas que se iban a perder le sitúan en un nuevo nivel de psicopatía y maldad.

Hasta ahora Morrow parecía el amoral que hacía lo que fuera por proteger el cargamento de la Maginor para sus jefes. Tras lo visto en este episodio, es normal que quiera cargarse a Kavalier dado que fue el que provocó la muerte de sus compañeros en la Maginot. Visto lo visto, Morrow es un hombre que no se detendrá ante nada para cumplir su misión, y su expedición con fuerza de Weiland-Yutani a la isla de Kavalier apunta que podemos estar en una guerra abierta en un espacio en el que los aliens van a liberarse. El caos y la muerte parecen garantizados en los tres episodios que nos quedan. Por fin Alien: Planeta Tierra nos ha mostrado las posibilidades que tenía este concepto, dándonos un festival de ciencia ficción y bichos que me ha encantado.

Comparto el trailer de la serie:

Alien: Planeta Tierra no deja de mejorar. Y los descubrimientos que nos ha ofrecido este episodio sugiere que los 3 episodios restantes van a ser una pasada.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de DC Premiere. Amanecer de DC. Superman vol. 1 Supercorp de Joshua Williamson y Jamal Campbell (DC – Panini)

Volví a comprar grapas USA de Superman a partir del relanzamiento editorial de DC All In, con Joshua Williamson y Dan Mora en la colección. Y me ha gustado tanto que me he animado a comprar los cómics previos de la etapa de Williamson en la colección gracias a la publicación por parte de Panini del primer volumen de DC Premiere. Amanecer de DC. Superman vol. 1 Supercorp, un comic que cuenta con un fantástico dibujo de Jamal Campbell.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

Joshua Williamson y Jamal Campbell inician un nuevo capítulo en la historia de Superman. El héroe regresa a Metropolis con su mayor enemigo, Lex Luthor, por fin tras las rejas. ¡El futuro de la familia de Superman nunca fue tan brillante! Clark Kent se hace a su nueva vida, no sin que nuevos y viejos enemigos esperen en las sombras, pero esta vez es diferente gracias a… ¡¿Supercorp?!

Este cómic incluye Superman 1-5 y Annual 2023 USA.

Joshua Williamson AHORA es un guionista on-fire, alternando dos comics que me flipan como son Superman y G.I. Joe. Pero en 2023 tengo que reconocer que era el autor de la polémica Crisis Oscura en Tierras Infinitas, lo que hizo que no me animara a comprar la grapa USA. Aparte que en 2023 apenas compraba unas pocas grapas USA de DC, por lo que no me apetecía meterme en la siempre compleja continuidad de Superman (y de DC).

Ahora que ya se por el DC All In que el comic de Superman de Williamson y Mora está super bien me he animado a recuperar los comics previos de esta etapa, aprovechando que Panini los ha recuperado en el primer DC Premiere. Amenecer de DC. Superman vol. 1 Supercorp. Y son unos comics estupendos. Williamson recupera la sensación que Metrópolis y sus habitantes son un protagonista más de la colección, dando importancia a un montón de secundarios de Superman, tanto amigos como enemigos. Superman / Clark Kent es menos interesante sin sus amigos, y me gusta mucho la forma en que Williamson ha planteado esta historia.

Lois Lane es la actual editora en jefe del Daily Planet, dado que Perry White compite para ser el nuevo alcalde de Metrópolis. Y tenemos el retorno de Jimmy Olsen, Cat Grant o Steve y Lisa Lombard. Jimmy tiene una nueva novia que es sorprendente pero encaja con la naturaleza loca e impredecible de Jimmy. En Lexcorp / Supercorp, la ayudante de Luthor Mercy Graves se muestra demasiado dispuesta a ayudar a Superman, lo que también plantea una duda importante sobre si sus intenciones son sinceras.

Por la parte de los villanos, en estos comics tenemos enemigos clásicos como Livewire, Parásito o Silver Banshee, que dan el sabor que esperamos en un comic de Superman. La etapa presenta a un nuevo personaje, Marilyn Moonlight que no está clara si va a ser amiga o enemiga de Superman, una ambigüedad que le va muy bien a este nuevo personaje. Los nuevos villanos que mueven los hilos en la sombra Doctor Pharm e Injerto son el enemigo inteligente que plantea un desafío tremendo no sólo a Superman, sino a Lex Luthor. Porque esa es otra de las grandes novedades de esta etapa, dado el cambio que se plantea al pretender Lex Luthor convertirse en ¿aliado de Superman? Las interacciones de Superman y Lex son estupendas, y plantean una duda filosófica importante, al plantearse si un villano de este calibre es capaz de cambiar. La altanería de Lex y que sigue creyendo que es más inteligente que los demás se transmite en cada una de las interacciones, y es un acierto absoluto. En el comic de superhéroes me gustan los combates y las peleas, pero también los enfrentamientos filosóficos y de formas de comportarse. En ese sentido, me gusta que Superman siendo como es Superman, esté dispuesto a darle una oportunidad a su principal némesis.

El dibujo con color incluido de Jamal Campbell me parece fantástico. Campbell dibuja los 5 primeros números de Superman excepto unas páginas en el número 4 con la historia secreta de Lex Luthor, que fue dibujada por Nick Dragotta (Absolute Batman) con color de Frank Martin. Y me ha encantado el estilo de Campbell, al igual que su narrativa y su capacidad de crear páginas super icónicas de Superman. La caracterización de los personajes es otro de sus puntos fuertes, hasta el punto que me ha parecido un dibujante perfecto para esta colección. Dan Mora me gusta mucho, pero la fluidez y la expresividad de Campbell me parece sobresaliente también.

El Annual 2023 cuenta con dibujos de Mahmud Asrar, Edwin Galmon, Jack Herbert, Max Raynor y Caitlin Yarsky, con color de Alex Guimaraes, Edwin Galmon y Dave McCaig. Y aunque suelo ser muy crítico con el baile de dibujantes, en el caso de este Annual tiene sentido al encargarse cada dibujante de dibujar una de las historias cortas incluidas, que está protagonizado por un personaje diferente.

En resumen, tenemos un cómic redondo con un dibujo espectacular y una muy buena historia que te deja con ganas de leer más. De hecho, el comic nos deja con un cliffhanger antológico que está super bien pensado y resulta lógico con la inteligencia extrema de los nuevos villanos de la colección. Ojalá todos los relanzamientos fueran tan potentes y satisfactorios como el de Superman. El éxito es tremendo.

Comparto las primeras páginas del comic:

DC Premiere. Amanecer de DC. Superman Vol. 1 es un comienzo fantástico para una nueva etapa de Superman que nadie debería perderse.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

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Crítica de Eden de Ron Howard

Aunque el éxito comercial le ha abandonado, Ron Howard me parece un director maravilloso. Eden, su última película con un reparto estelar, es el ejemplo más reciente de una película estupenda que no ha podido encontrar ni siquiera distribución en España.

PUNTUACIÓN: 8/10

En 1932, un grupo de europeos busca una nueva vida en una isla deshabitada del archipiélago de las Galápagos. Ellos y quienes les siguen creen haber encontrado el paraíso, pero descubren que el infierno son los demás.

Ron Howard (Oklahoma, 1954) es uno de los grandes nombres del cine comercial de los últimos 40 años. Niño actor en sus inicios, y aunque trabajó en películas como American Grafitti (George Lucas, 1973), en seguida dirigió sus pasos hacia la dirección, donde ha dirigido clásicos como Willow (1982), Llamaradas (1991), Apollo 13 (1995), ganando el Óscar al mejor director y el Óscar a la mejor película por Una mente maravillosa (2001), volviendo a ser nominado a los mismos premios por el drama histórico Frost/Nixon (2008).

Entre sus películas se encuentran las comedias Night Shift (1982), Splash (1984) y Cocoon (1985), el dram sobre el mundo periodístico The Paper (1994). Howard ha dirigido además Cinderella Man (2005), Rush (2013), En el corazón del mar (2015) y Thirteen Lives (2022). La película fantástica infantil El Grinch (2000), la comedia The Dilemma (2011), el drama espacial Solo: Una historia de Star Wars (2018), así como la serie de películas de Robert Langdon: El código Da Vinci (2006), Ángeles y demonios (2009) e Inferno (2016).

Eden está basada en la historia real de unos colonos europeos que llegaron a la isla Floreana, en las Islas Galápagos, Ecuador. A partir de una historia de Howard junto a Noah Pink, Pink escribió el guion de esta película de 129 minutos de duración y un presupuesto de 40 millones de dólares. La película se rodó en localizaciones en Australia, con un pequeño equipo rodando localizaciones en el archipiélago de las Galápagos. Eden cuenta con fotografía de Mathias Herndl, montaje de Matt Villa y música de Hans Zimmer. Destacar a modo negativo que la película se estrenó en el Festival de Toronto de 2024, no encontrando distribución en los Estados Unidos hasta este mes de agosto. Aunque en Alemania SI se estrenó, debido a la procedencia de los protagonistas reales de la historia, en España de momento, no tiene prevista su estreno en cines en España. Posiblemente porque Prime Video adquirió los derechos de la película para varios países.

Pocas veces puede encontrarse en una película el reparto que tiene Eden. Jude Law interpreta al Dr. Friedrich Ritter, un «loco» que abandonó la civilización para vivir en soledad junto a su compañera Dora Strauch (Vanessa Kirby), Daniel Brühl es Heinz Wittmer, un pobre traumatizado por la 1ª Guerra Mundial que abandona Alemania para unirse al doctor, llevando a su joven mujer Margret Wittmer (Sydney Sweeney). Por último Ana de Armas es la baronesa Eloise Bosquet de Wagner Wehrhorn, que también llega a la isla con la intención de construir un resort de lujo para millonarios.

Jonathan Tittel como Harry Wittmer, hijo de Heinz y Margret; Richard Roxburgh como Allan Hancock; Toby Wallace como Robert Phillipson, y Felix Kammerer como Rudolph Lorenz completan el reparto.

Eden es una historia inspirada en hechos reales que cuenta la pesadilla en que se convirtió la vida de varias personas que llegaron a la isla de Floreana en las Galápagos, esperando encontrarse con un paraíso y que sufrieron un desastre provocado por las duras condiciones de vida y la imposible convivencia que tuvo lugar entre ellos. El drama acabó con la muerte de varias personas, y se generaron dos versiones diferentes de estos hechos, en los que se culpaba a personas diferentes de los crímenes. Esta película toma partido, al contar la película desde el punto de vista de una de esas versiones, aunque indica al final que existen dos versiones de estos hechos, para que cada uno elija lo que prefiere creer.

Ron Howard es un director magistral. Me sabe fatal que de alguna manera haya perdido el favor del público. O más bien diría de las distribuidoras, hasta el punto que esta película no se vaya a estrenar en salas comerciales. De hecho, si no recuerdo mal, la excelente Trece vidas ya se estreno directamente en Prime Video.

Entrando en Eden, esta película explica lo que hace que ame el cine y su capacidad de contar una historia que no conocía de forma sintética con principio y final satisfactorios. Con un reparto estelar que hace que el visionado sea un placer y una narrativa espectacular que hace que la película nunca se haga larga o los temas repetitivos. El primer éxito de la película sin duda gira en la capacidad de Howard de contar una historia de forma atractiva y interesante. En ese sentido, siento que hay que celebrar que Howard se encuentra en un momento de plenitud creativa como este.

Luego tenemos a un reparto espectacular con Jude Law, Vanessa Kirby, Sydney Sweene, Ana de Armas y Daniel Brühl. En mi opinión Eden podía plantear para estos actores y actrices un desafío actoral que les saque se su zona de confort, dándoles un vehículo dramático para la temporada de premios. Y aunque fueron completamente olvidados, creo que todos están geniales con lo que sus personajes demandaban. (Por cierto, si Eden se ha estrenado en USA este me de agosto, no se si eso la convierte en elegible para los premios de este año).

Jude Law es Dr. Friedrich Ritter, un profesor que se alejó del mundo contemporáneo y se fue a crear una nueva sociedad MEJOR, en el confín del mundo y en total soledad. Ritter se ha convertido en una celebridad en la Alemania pre-Nazi, al publicar los periódicos sus diarios, que muestran una versión edulcorada y auto indulgente de lo que supone la dura vida en la naturaleza, donde todo es un desafío. Empezando por encontrar agua. A Ritter le acompaña su compañera Dora Strauch (Vanessa Kirby), una fría mujer para lo único importante es que Ritter termine de escribir su manifiesto que cambiará la vida de la sociedad. O eso creen ellos. Strauch sufre de esclerosis múltiple y esperaba que el clima de las Galápagos la ayudara (no lo hace), y a pesar de esto ella hace muchas de las tareas de la casa en medio de la nada.

La feliz vida de Ritter y Strauch será alterada por la llegada de una pareja con un niño pequeño. Heinz Wittmer (Daniel Brühl), un veterano de la 1ª Guerra Mundial que bordeando la pobreza decidió venderlo todo para comprar un pasaje para Floreana con su familia para acompañar al Doctor Ritter, del que es un fiel seguidor. Con Wittmer viaja su joven mujer Margret (Sydney Sweeney), que está embarazada, y Harry, su hijo de un matrimonio anterior. Wittmer esperaba encontrar un paraíso para su familia, aunque le espera un terrible choque de realidad.

Ritter es una persona amoral y nada empático, mientras que Strauch es super altiva, y en lugar de ayudarles a establecerles les engañan para que se establezcan en el que creen es el peor lugar de la isla, con la esperanza que en unos meses el hambre les obligará a marcharse, dejándoles de nuevo la isla para ellos solos. Lo que no esperaban es que el trabajo duro y la necesidad al no tener otro lugar donde ir hace que los Wittmer tengan éxito. Más éxito encontrando agua y cultivando que el que tuvo Ritter, lo que provoca que el doctor se vaya amargando aún más de lo que ya estaba, al darse cuenta que igual él no lo sabe todo ni es el mejor en lo que hace.

El siguiente conflicto se produce con la llegada de la baronesa Eloise Bosquet de Wagner Wehrhorn (Ana de Armas), una supuesta rica que es realidad es una buscavidas, que llega a la isla con dos amantes y la intención de construir un hotel de lujo para super millonarios. Lo malo es que la baronesa no está acostumbrada a trabajar, sino que busca aprovecharse de todo el mundo, lo que convertirá a la isla en un polvorín.

La película muestra momentos muy chungos, como que los amantes de la baronesa roben a la familia Wittmer mientras Margret está de parto y es atacada en la granja por unos perros salvajes. Para luego tener la cara dura de preparar una cena especial a sus vecinos con las latas robadas. A sabiendas que ellos saben que lo son.

Eden triunfa gracias a que el reparto triunfa transmitiendo lo que los personajes experimentan. La principal ganadora es Sydney Sweeney como Margret. La película en realidad nos muestra su punto de vista, y es tremendo ver lo que sufre con su marido para crear un hogar, para ver cómo una mujer amoral intenta robárselo todo. Margret refleja la historia de muchas mujeres de su época, que no amaban a sus maridos y simplemente se casaron con el primero que llegó y las sacó de su hogar familiar. Que vivió una historia de penurias en la que el «amor» no fue nunca un factor y las obligaciones eran el pan de cada día. Pero que supo salir adelante a pesar de todos los problemas.

Jude Law está genial en el viaje a la locura de su personaje, que ve que su ordenada vida se desmorona y desafía todas sus creencias, como ser vegetariano cuando tu cosecha se echa a perder y empiezas a pasar hambre. Ana de Armas es la sensualidad y la amoralidad hecha mujer, alguien que tiene claro que hará lo que sea y pisará a quien sea con tan de salirse con la suya. Daniel Brühl tiene un papel más gris (como en otras películas en general), haciendo del hombre que es un poco simple y sólo sabe trabajar, pero que llegará un momento en que no se dejará pisotear y defenderá lo que es suyo. Del quinteto protagonista quizá la que brilla menos es Vanessa Kirby, pero diría que es porque es el personaje con menos chica del grupo. Dentro de todo, Kirby transmite muy bien esa altivez y esa sensación de creerse mejor que los demás, aunque los demás tengan comida y tu no.

Aunque Eden puede verse como una historia de supervivencia sin más, mientras la veía me sugirió en varios momentos como una alegoría de la lucha de clases y como en un ambiente hostil, mientras una familia trabajadora busca sobrevivir gracias a su trabajo y esfuerzo, deben enfrentarse primero al rechazo de la familia de un estrato cultural superior, que no deja de mirarles por encima del hombro como si ellos fueran mejores simplemente por ser profesores y haber llegado antes.

La parte de lucha de clases se acentúa aún más con la llegada de la baronesa, una «rica» que no hace más que aprovecharse del trabajo de los demás y que con tal de no trabajar es capaz de todo, por supuesto de robar las pertenencias de los Wittmer. El mensaje final es que la clase proletaria NO necesita ni a los «profesores» ni a los «nobles» para sobrevivir, mientras que los otros dos SI necesitan de su esfuerzo para no morirse de hambre. Este mensaje me parece muy interesante.

Desde la perspectiva americana guiada por el individualismo, los Wittmer son una familia hecha a si misma, el ideal soñado. Que tiene que enfrentarse con estratos sociales superiores al suyo que no les van a dejar prosperar. Y mirando desde Europa, esta historia puede verse como anticapitalista, dentro que aparte de las etiquetas yo como espectador estaba pidiendo que los Wittmer se levantaran y no se dejaran pisotear. En todo caso, el final estaba marcado de antemano, al tratarse de hechos reales. Lo que no esperaba es la forma en que se plantea, resultando un climax final super potente que me gustó mucho.

Eden me ha gustado mucho. Y aunque todo el reparto está muy bien, creo que la película sirve para reivindicar a Sydney Sweeney, que claramente no es sólo una cara bonita (y dos cosas más), sino que es una pedazo de actriz espectacular. Aparte del casting, creo que la película supone un nuevo éxito para la carrera de un Ron Howard que está componiendo una carrera super ecléctica con una idea principal: Siempre entretener al espectador. Algo que Eden consigue de principio a fin.

Comparto el trailer de la película:

Eden me ha gustado mucho. Una historia super potente con el extra de estar inspirado en hechos reales, unas interpretaciones espectaculares y un director en modo top. No le pido más al cine comercial.

PUNTUACIÓN: 8/10

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