Crítica de Conan Battle of the Black Stone 1-4 de Jim Zub y Jonas Scharf (Titan Comics)

La miniserie Conan Battle of the black stone de  Jim Zub y Jonas Scharf, publicada por Titan Comics, ya está completa. Y me ha gustado mucho esta unión de personajes creados por Robert E. Howard.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Conan de Cimmeria es perseguido por sombras, pesadillas vivientes conectadas a un misterioso símbolo ocular grabado en piedra negra.

Un mal indescriptible se cierne sobre la Era Hiboria y todas las eras relacionadas con ella… y hará falta algo más que un bárbaro solitario para detener su implacable marcha sobre el tiempo, el espacio y la cordura.

La Batalla de la Piedra Negra, un nuevo y épico evento de Conan de Heroic Signatures y Titan Comics, comienza de la mano de Jim Zub (Conan el Bárbaro, Dragones y Mazmorras) y el artista Jonas Scharf (Dark X-Men, Basilisk).

Tras el preludio de esta historia visto en los anteriores arcos de Conan The Barbarian, el especial Conan: Battle of the Black Stone FCBD 2024 y en The Savage Sword of Conan 4, el crossover de los personajes creados por Robert E. Howard se ha desarrollado en esta miniserie de cuatro números que ha tenido un ritmo endiablado y un montón de momentazos en cada grapa.

Jim Zub ha planeado una estupenda amenaza a través del tiempo y el espacio que ha servido de excusa perfecta para la unión de estos personajes creados por Rober E. Howard: Conan, Solomon Kane, Dark Agnes, Conrad & Kirowan y El Borak son los protagonistas de esta historia a través del tiempo. Un detalle muy chulo que tienen las cuatro grapas de esta miniserie son los textos al final del comics en los que Jeffrey Shanks ofrece el contexto histórico de los personajes menos conocidos de esta miniserie, así como de la entidad / deidad que lanzó a la Tierra la Piedra Negra y su sirviente demoniaco. Estos textos ayudan a que entendamos el valor de unos personajes que Howard creó al mismo tiempo que Conan.

Esta aventura tiene una protagonista adicional: Brissa, la picta que protagonizó el primer arco de Conan The barbarian junto al cimmerio, y que tras descubrir en el especial del Día del Comic Gratis que seguía con vida vuelve para tener una participación clave para resolver la amenaza. La química de Brissa con Conan me parece estupenda, y su fuerza moral y física la convierten en un estupendo añadido al mundo de Conan.

Titan Comics ha planteado una narrativa de arcos de 4 números. De momento es lo que hemos visto en los primeros 4 arcos de la renovada colección Conan The Barbarian. Y Jim Zub traslada esta estructura a esta miniserie-evento, planteando una buena historia que bebe de todos los mitos de Howard, ofreciendo momentazos y sorpresas impactantes en cada grapa. El cuarto número nos da el climax con la gran pelea que esperábamos, y la acción es brutal y super espectacular, puro Conan. Globalmente me parece una buena historia bien realizada por Zub, con el pero que luego comentaré.

Me ha gustado el dibujo de Jonas Scharf con color de Joao Canola. Podéis ver a continuación las primeras páginas del primer número. Creo que Scharf hace un trabajo notable estableciendo el tono aventurero de la historia con un toque de terror Lovecraftiano, y creando a unos personajes reconocibles desde su primera viñeta. Me gusta la figura imponente que tiene Conan y la naturaleza malsana que la amenaza del monstruo de la Piedra Negra adquiere a medida que se van produciendo bajas en el grupo.

Brissa fue creada por Roberto de la Torre, pero creo que Jonas Scharf ha clavado al personaje, haciéndola bella pero dura y físicamente robusta, una guerrera peligrosa acostumbrada a una vida de dificultades y penurias que no necesita parecer hermosa para serlo. El resto de personajes incluido Solomon Kane están bien, pero reconozco que no tengo conexión emocional, por lo que su participación, vida o muerte me daba un poco igual.

El climax final con el gran combate permite a Scharf lucirse en los momentos de acción con unas splash-pages increíbles. Estos momentos me parecen lo mejor de esta miniserie, con unas coreografías brutales con cabezas cortadas que permiten a Conan y al resto de protagonistas lucir como queriamos verles, ayudando a que el final sea super satisfactorio. Si la historia de Zub me parece buena, el dibujo ayuda a que el conjunto sea mejor.

Dentro que Conan Battle of the Black Stone me ha gustado, tengo que reconocer que la estructura de 4 números ha perjudicado el resultado final. Y el caso es que el guion de Zub me parece más que adecuado teniendo en cuenta las escasas 90 páginas que ha tenido para contar su historia, estando todo justificado de forma suficiente y con unos personajes con personalidad. Sin embargo, el problema es que todo es demasiado breve para conseguir que tengamos alguna conexión emocional con el resto de personajes que no son Conan y Brissa. De forma que aunque sean creaciones de Howard, que maten a un personaje que apenas le vimos en 4 páginas hace imposible que su muerte importe. Y es una pena, porque ya digo que la historia de Zub me ha gustado.

Y creo que Titan Comics tenían claro que la falta de conexión emocional era un problema que podía afectar a los personajes menos conocidos. Por eso plantearon que aparecieran primero en el especial Conan: Battle of the Black Stone FCBD 2024 y luego protagonizaran varias historias cortas en The Savage Sword of Conan 4, un número que servía prólogo de esta miniserie. Sin embargo, esto es demasiado poco. Si por ejemplo Dark Agnes hubiera protagonizado una miniserie antes del evento y no una historia de 8 páginas en el número de La Espada salvaje de Conan, su final hubiera sido mega épico, y queda como un momento un poco deslucido (respecto a lo que debería haber sido).

Esto es algo que he sentido y por eso lo comento, pero he vuelto a leerme estos comics en una sentada mientras escribía estas líneas y creo que este Conan Battle of the Black Stone ha sido una historia estupenda bien ejecutada con un dibujo super adecuado para las aventuras de Conan. Desde luego, estamos en un momento maravilloso para ser fan del Conan, hay que aprovecharlo.

Comparto las primeras páginas del comic:

Conan Battle of the black stone ha sido un comic estupendo que he disfrutado una barbaridad.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de Green Lantern 16-18 + Civil Corps Special de Jeremy Adams, Xermánico y Salvador Larroca (DC Comics)

Tras el tie-in del evento Absolute Power, el comic de Green Lantern de Jeremy Adams vuelve a ponerse cósmico con el arco Civil Corps, que inaugura la nueva etapa DC All In. Unos comics con dibujo del español Xermánico y color de Romulo Fajardo Jr.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

Las semillas de la guerra han sido sembradas, ¡y ahora una batalla masiva se extiende por toda la galaxia! Hal Jordan, John Stewart y Guy Gardner deben correr para desvelar el misterio de la resurrección de la Estrella Oscura, lo que significa para su querido amigo Kilowog y cómo luchar contra un planeta entero. ¡La furia roja de Mogo llueve sobre nuestros héroes mientras Civil Corps se calienta!

Desde el inicio de la actual etapa de Green Lantern de Jeremy Adams, la amenaza de Thaaron, el lider de la recién formada coalición de planetas que ha tomado el control tras la desaparición de los Guardianes de Oa, planteaba que estábamos ante la posibilidad de una guerra total. Y es eso lo que tenemos en este arco de 4 números, tres de la serie regular y el especial Civil Corps que lanza la historia.

Empezando por este especial realizado por Adams con Phillip Kennedy Johnson, y dibujo del español Salvador con color de Luis Guerrero, lo primero que tengo que decir es que veo a Larroca muchísimo más acertado respecto a sus últimos años en Marvel. La gran mayoría del tiempo parece que realmente él dibuja, frente a sus comics previos en los que las muletas de photoshop eran demasiado evidentes y me sacaban completamente de la lectura. Se que decir que ver a un dibujante dibujar es lo mínimo que se debería pedir a cualquier comic, pero ese era el lamentable nivel previo de Larroca, así que cualquier mejora es más que bienvenida. No se si perder el contrato en exclusiva de Marvel le ha hecho ver las orejas al lobo a Larroca, pero la verdad es que si lo hace bien, hay que decirlo.

Pero si hablamos de lo verdaderamente destacado de este arco Civil Corps en lo referido al dibujo, es el impresionante dibujo de Xermánico con color de Romulo Fajardo Jr. Xermánico tiene un sentido de la épica alucinante, algo que resulta imprescindible para que la historia de Adams triunfe como lo ha hecho. Me parece alucinante la forma en el español consigue que cada personaje sea super reconocible y la acción sea memorable, con numerosos hallazgos viduales en cada número.

Otra cosa que me ha llamado la atención es que pasan tantas cosas en este arco Civil Corps que en numerosas ocasiones Xermánico tiene que plantear páginas con 8 viñetas o más para poder mostrar las diferentes situaciones de esta guerra a varias bandas. Tener unos comics con tantas viñetas, unido a una historia super comprimida que cuenta en tres grapas lo que hubiera dado para una mega saga, ayuda a dar la sensación de estar ante unos comics de una época anterior. Y es una sensación que me gusta mucho.

Pero no os penséis que estamos ante un comic de viñetas apretadas, porque Xermánico tiene un capacidad narrativa increíble, y sabe plantear splash-pages bestiales, unido además a una estructura de página super atractiva que me vende completamente este comic.

Y es que toca destacar a un Jeremy Adams excelso que en los números previos demostró que conocía perfectamente a todos los miembros de los Corps, y cuando toca ponerse cósmico con una acción más grande que la vida con el destino de la galaia en juego, parece el alumno destacado del mejor Geoff Johns. Destacaba antes la enorme cantidad de cosas que pasan en apenas tres grapas, pero es que me parece increíble que en los tiempos que corren Adams plantee una historia a esta escala y consiga resolverla de forma tan satisfactoria en apenas tres números.

Por la parte de los villanos, la sorpresa es que al malvado Thaaron armado con el anillo Dark Star hay que sumar a Star Shroud, enemigo presentado en la colección de John Stewart, lo que hace que la amenaza tremenda, incluso cuando inicialmente estos villanos peleen entre ellos por la supremacía de la galaxia. El final es super satisfactorio, pero dejando la puerta abierta para que en cualquier momento del futuro puedan ser recuperados.

Hal Jordan era el protagonista absoluto de esta colección, pero otra cosa que me ha encantado es la forma en que ha evolucionado a una historia coral. Empezando con el protagonismo de Carol Ferris, convertida (de nuevo) en una Star Sapphire. Kyle Rayner, Guy Gardner o Jessica Cruz están muy bien en esta historia.

Como me pasa con Jed MacKay en Marvel, me gusta mucho poder disfrutar de un guionista que tienen claro que esto es un comic de superhéroes y triunfa planteando una historia que sirva para destacar a los protagonistas, y a la vez permita el lucimiento de sus dibujantes. Jeremy Adams es el nuevo gran nombre de DC Comics, y se encuentra en un momento en que creo que voy a comprar todo lo que tenga su nombre. Porque un buen comic lleva a comprar otros comics.

Comparto las primeras páginas del número 16 USA, que empiezan por todo lo alto y pueden ser SPOILER. Sigue leyendo bajo tu responsabilidad:

Green Lantern ha vuelto a la grandeza gracias a un estupendo guion de Jeremy Adams pero también gracias al dibujo alucinante de Xermánico.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

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Crítica de Star Wars Tripulación perdida temporada 1 (Disney+)

Star Wars Tripulación perdida ha sido una serie super satisfactoria que ha devuelto a la galaxia la aventura y el sense-of-wonder que nunca debería haber perdido. Hoy quiero transmitir mi alegría por la serie creada por Jon Watts.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

Episodio 8. Los buenos de verdad.

Un viaje lleno de aventuras llega a su sorprendente final.

El último episodio de Star Wars Tripulación perdida ha sido dirigido por Jon Watts, el creador de la serie junto a Christopher Ford. Ambos escriben el guion de este episodio final que ofrece el climax espectacular y emocional que nos mereciamos en apenas 41 minutos (contando el resumen inicial y los títulos de créditos finales). La serie utilizó la tecnología StageCraft Volume además de animación stop-motion, dirigida por Phil Tippett, y matte paintings con uno de los antiguos pintores de Industrial Light & Magic. Además, hay que destacar el trabajo de Mick Giacchino (hijo de Michael Giacchino) creando una música que es maravillosa, 100% Star Wars y 100% aventura pirata.

En el reparto tenemos como siempre a Jude Law como Jod Na Nawood, el líder de los piratas adepto en la Fuerza que ha sido el amigo-enemigo de los críos perdidos a lo largo de toda la temporada. Ravi Cabot-Conyers es Wim, un joven humano que tiene sueños de aventura lejos de su perfecto y aburrido planeta At Attin. El resto de jóvenes perdidos son Ryan Kiera Armstrong como Fern, una joven demasiado lista para su propio bien, Kyriana Kratter como KB, amiga de Fern que lleva un visor cibernético conectado a un implante conectado a su cabeza y Robert Timothy Smith como la voz de Neel, un joven alienígena no identificado con aspecto de elefante y amigo de Wim. Además, Nick Frost hace la voz de SM-33, el decrépito droide primer oficial de la Onyx Cinder, la nave perteneció al famoso pirata Tak Rennod.

Star Wars Tripulación perdida me parece un éxito absoluto. Tras siete episodios estupendos era muy difícil que Joan Watts y Christopher Ford no acertaran con el final de esta serie. Y me alegra que el climax final sea todo lo que se podía esperar, y posiblemente más. Tripulación perdida ha sabido combinar de forma perfecta la premisa de «Los Goonies en el espacio» con una trama que en realidad recuerda completamente a La isla del tesoro de Robert L. Stevenson. Todo ello aderezado con el feeling de las películas para toda la familia de la Amblin de Steven Spielberg de los años 80 que recupera el sense-of-wonder para toda la familia. El resultado es una serie con el corazón en el sitio adecuado que es además 100% Star Wars.

En este climax tenemos de todo, empezando por el enfrentamiento de Fern y Wim contra Jod, con la ayuda de los padres de los chavales. En este momento, reconozco que equivoqué en mi predicción, más bien deseo, ante lo chulo que hubiera sido que el pirata Tak Rennod siguiera con vida y hubiera reemplazado al Supervisor. Esto fue un whishful-thinking de libro, y At Attin es lo que parecía desde el comienzo, un mundo gobernado por máquinas que vive en una paz perfecta aprovechando su aislamiento. De hecho, en realidad Rennod murió hace décadas o casi un siglo, por lo que este deseo mío era imposible.

Aparte de la lucha de los buenos contra el malo Jod, hay dos aspectos que me han gustado mucho. El primero es el conflicto de los niños con sus padres, que en realidad quieren que nada cambie y que At Attin siga aislado y feliz en su burbuja. Contra esto Fern tiene un diálogo muy potente cuando le dice a su madre que el espacio puede ser aterrador, pero incluso en los peores lugares encontraron a gente buena que intentó ayudarles. Frente al Brexit (ya ha llovido) y los comentarios en el mundo real sobre promover políticas aislacionistas en los Estados Unidos, o separatistas de algunos partidos dentro de la Unión Europea, Tripulación perdida lanza un mensaje optimista sobre que a pesar de los problemas, siempre es mejor mirar hacia el exterior y buscar lo bueno de los demás. El mensaje puede ser un poco inocente, pero ¿acaso Star Wars no nació como la lucha pura del bien contra el mal? Me parece genial que se premien las buenas intenciones en este tipo de historias. Como también me gusta mucho el canto a la aventura y al descubrimiento que los niños deben mantener aunque crezcan, y que los padres a veces ayudamos a que pierdan. Tripulación perdida ha sido una historia sencilla pero que funciona a varios niveles, en función de la edad del espectador. Y eso explica el éxito de la serie.

Por otro lado, la revelación de la historia de Jod muestra a una persona egoísta por culpa de un mundo cruel que no dejó nunca de golpearle. Jod comenta que una maestra Jedi vio potencial en él, pero fue asesinada (se entiende que por la Orden-66) cuando él era aún un niño y apenas había empezado a enseñarle, por lo que sólo sabe hacer el par de trucos que le hemos visto a lo largo de la serie. Jod tuvo que sobrevivir siendo un niño que estaba sólo ante lo peor que la galaxia lanzó contra él, y esa lucha por sobrevivir es lo que le ha convertido en alguien amoral y egoísta. Pero la sensación que tengo es que en otro contexto hubiera podido ser un héroe, si su vida no le hubiera dado los golpes que le dio. Esto sin duda es gracias a un extraordinario Jude Law, que tiene una presencia arrolladora, y creo que consigue que a pesar de todo Jod sea un malvado que da un poco de pena. Además, aunque los piratas son derrotados, el final ambiguo de la serie plantea la posibilidad que Jod pueda escapar con el botín, siempre que encuentre una nave que le permita marcharse de At Attin. Así que ni tan mal..

Una de las cosas que me gustan mucho del climax de este episodio es que aunque el peso emocional lo han tenido siempre Wim y Fern, KB y Neel tienen papeles clave para el éxito de su plan para derrotar a los piratas invasores. Que implica recordar situaciones que vimos en los episodios anteriores. La inteligencia de Neel recordando su aventura en At Achrann le permite encontrar el cañón que usará para defender a KB cuando escapa con el Onyx Cinder para pedir ayuda a la Nueva República. Una KB ayudada por SM-33, al que ha podido parchear tras arrancarlel Jod la cabeza con el sable laser.

La forma en que se siente lo que se juega el mundo de At Attin ante el ataque de los piratas, y al mismo tiempo el tono sigue siendo de una historia para todos los públicos, es otro de los éxitos de la Tripulación perdida. Además, me gusta que la serie termine en el final perfecto para los niños, al haber vencido a los piratas y volverse a reunir sanos y salvos. Pero la historia de At Attin queda completamente abierta tras desaparecer el camuflaje que les permitió vivir aislados durante décadas o siglos. At Attin es ahora un banco con las puertas abiertas y ningún guardia de seguridad. La forma en que tendrá que enfrentarse a los nuevos desafíos, entre los que se encuentra su relación con la Nueva República, es algo que me genera interés y querría que se contara en un futuro. No en una segunda temporada de Tripulación perdida, esa historia ya se contó y se contó bien. Pero si en otra serie. Mientras Jon Watts esté involucrado, creo que no habría problema.

Por decirlo todo, hay un par de conveniencias muy convenientes en la historia, que veo que están ahí pero que no me molestaron durante el visionado. Por supuesto, la mala puntería de los piratas, que rivaliza con la de los soldados de asalto. (Un comentario muy atinado de mi hijo). Luego está el que KB pide ayuda a Kh’ymm, a la que conocimos en el tercer episodio, y aparte que la comunicación es inmediata, luego ella convence a la República para enviar X-Wings casi inmediatamente. Esto es un pequeño glitch si pensamos en los problemas que vimos en la tercera temporada de The Mandalorian para conseguir ayuda de la Nueva República. Pero en el contexto de esta serie ligera y positiva, no es algo que sea un «fallo». La tercera conveniencia es que Jod se rinda simplemente porque Wim coja el sable laser, porque en realidad no sabe manejarlo. Desde luego, no sabría parar un disparo laser, aunque en el fondo Jod nunca ha hecho daño a los niños y no creo que fuera a empezar ahora. Pero recordando el espíritu de la Amblin, se perdona y yo no lo veo como un problema. Sobre todo porque Wim, Fern y sus padres se marchan de la torre para buscar a KB, por lo que Jod podría escapar, como comentaba antes. Recordando La isla del tesoro, me gustaría pensar que en una escena post-créditos no emitida de la serie, Jod escapa en una nave llena de créditos, por lo que puede vivir el resto de sus días sin recurrir a la piratería. Eso sí sería la guinda del pastel.

Me acuerdo también de la maravillosa música de Mick Giacchino, que enlaza de maravilla todas las claves de la serie, empezando por la idea de aventura juvenil, la historia pirata y por supuesto, que SUENE como Star Wars. La banda sonora de esta serie me ha flipado, lo que me hace pensar que le espera un futuro buenísimo al hijo de Michael Giacchino. El rodaje en el StageCraft Volume de Disney también ayuda a crear el feeling perfecto que debe tener una historia de Star Wars. Los diseños, las naves, los aliens, todo me parece una maravilla.

Por último, Star Wars Tripulación perdida me parece una de las mejores series de los últimos tiempos, la satisfacción ha sido total. Como comentaba antes, espero que Disney no insista en continuar una historia que emocionalmente está cerrada, al volver los chavales a su planeta y ayudar a derrotar a los piratas. Lo cual no significa que esta vaya a ser la única vez que veamos el planeta At Attin. Este planeta fábrica de moneda seguro que puede dar mucho juego en el futuro de Star Wars.

La próxima serie de Star Wars que se estrena es la segunda temporada de Andor. Una serie que recibió una aclamación casi total pero para mi no tenía el tono ni el feeling de lo que para mi es Star Wars, con esa premisa de «los buenos no son tan buenos», a lo que habría que sumar la casi total ausencia de aliens. Aunque veré Andor, creo que Tripulación perdida es la serie que junto a The Mandalorian mejor ha reproducido el tono de las películas originales. Espero que Lucasilm siga por el camino marcado por Jon Favreau, Dave Filloni y ahora Jon Watts y Christopher Ford.

Y en lugar de empezar a hacer elucubraciones del futuro, algo muy de las redes sociales, creo que prefiero quedarme con todo lo bueno que nos ha dado esta serie. Qué disfrute tan maravilloso me ha dado Star Wars Tripulación perdida.

Comparto el trailer de la serie:

Star Wars Tripulación perdida ha sido un enorme éxito. El entretenimiento y disfrute ha sido máximo, me ha encantado ver esta serie de Star Wars con mi hijo. Así si.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

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Crítica de El misterio de Salem´s Lot de Gary Dauberman (Max)

Aprovechando las vacaciones navideñas me animé a ver la nueva versión del clásico de Stephen King El misterio de Salem´s Lot, realizado por el director y guionista Gary Dauberman, que Max ha estrenado recientemente.

PUNTUACIÓN: 6/10

El escritor Ben Mears regresa a Jerusalem’s Lot, la casa de su infancia, en busca de inspiración para su próximo libro. Allí descubre que su ciudad natal está siendo presa de un vampiro sediento de sangre.

Gary Dauberman es un guionista y director estadounidense más conocido por escribir las películas de terror del universo The Conjuring Annabelle (2014), Annabelle: Creation (2017), The Nun (2018) y Annabelle Comes Home (2019). Con esta última película debutó como director. Dauberman también coescribió la película de terror sobrenatural It (2017), y escribió su continuación It Chapter Two (2019), basadas en la novela de Stephen King.

Dauberman está muy unido al mundo de Stephen King, y también al universo de terror creado por James Wan. De hecho, Wan produce esta nueva versión del clásico de King a través de su empresa Atomic Monster, que la ha producido junto a New Line Cinema, que vendieron los derechos a Max. La película de 113 minutos de duración ha contado con fotografía de Michael Burgess, montaje de Luke Ciarrocchi y música de Nathan Barr y Lisbeth Scott.

En el reparto tenemos a Lewis Pullman como Ben Mears, Makenzie Leigh como Susan Norton, Alfre Woodard como Dr. Cody, John Benjamin Hickey como Padre Callahan, Bill Camp como Matthew Burke, Jordan Preston Carter como Mark Petrie, Nicholas Crovetti como Danny Glick, Spencer Treat Clark como Mike Ryerson, William Sadler como Sheriff Parkins Gillespie, Pilou Asbæk como el vampiro Richard Straker y Alexander Ward como su vasallo Kurt Barlow.

Hacer una nueva versión de El misterio de Salem´s Lot es un empeño muy arriesgado, pensando que es una de las novelas de King que más veces se ha adaptado. Previamente se han hecho dos series, la super icónica de 1979 y una segunda en 2004. La serie de 1979 la vi cuando era muy pequeño y es una de las series (y películas) que más miedo me provocó en toda mi vida. Esta familiaridad con las obras previas, aparte de la propia novela de King, un clásico del terror, es lo que hizo que inicialmente no me animara a ver esta película, estrenada en Max aprovechando Halloween. Por cierto, esta es la primera vez que El misterio de Salem´s Lot se adapta en película.

Y empezando por los elementos positivos, la película tiene el feeling correcto que se espera de esta historia de vampiros situada cronológicamente a finales de los años 70 o principio de los 80. Al ser una historia conocida, la primera mitad se mueve por situaciones conocidas, y tengo que reconocer que me gusta mucho el terror que Dauberman imprime a varias escenas. Sobre todo las primeras muertes y las apariciones del vampiro Straker me parece que están super bien y nos dan momentazos visuales super potentes.

Además, Dauberman plantea una novedad que recuerda a la espada de Frodo en el Señor de los Anillos, Dardo, que se iluminaba ante la llegada de trasgos, trolls y otros monstruos. En esta película las cruces se iluminan en la presencia de vampiros, lo que permite que, unido a unos ojos de los vampiros que también se iluminan en la oscuridad, las escenas de terror tengan una potencia mucho mayor de la habitual.

El reparto creo que está bastante bien en una historia super conocida en la que prácticamente todo el mundo acaba muriendo. (Esto no es spoiler pensando que estamos ante una historia de vampiros de Stephen King). Quizá los jóvenes protagonistas Lewis Pullman y Makenzie Leigh están correctos, pero sufren de no tener un carisma que si tienen secundarios de lujo como Bill Camp o Alfre Woodard, aunque su aparición sea mucho menor. En todo caso, creo que es un buen reparto que da lo que la película necesitaba.

Otro tema importante es que tras una primera hora y pico modélica, la película tiene que acelerar para llegar al climax, lo que no acaba de funcionar todo lo bien que debería. Hay momentos visualmente alucinantes, como la visión de los vampiros en el tejado de la casa de Burke o el ataque a la iglesia, pero el clímax resulta super decepcionante a partir que Dauberman se desvía de la historia de la novela. Y no lo entiendo. No se si porque Dauberman consideró que el final es hiper conocido y por eso plantea algo diferente, pero situar el climax final en el auto-cine provoca una escena completamente fallida que no está a la altura de lo visto hasta ese momento.

Otro cambio que me parece super fallido es hacer que sea Mark Petrie, el chaval de ¿11 años?, el que sea el puto amo mata vampiros, mientras que Ben Mears y el resto de adultos son bastante pringados. Este cambio no sólo es una chorrada, sino que quita la sensación de verosimilitud que debe tener cualquier historia. No sólo las de terror, todas. Y que con decisiones como esta provocan que la suspensión de credulidad saltara por lo aires.

Además, la novela de King terminaba de forma muy nihilista, al matar al vampiro jefe pero no al resto de vampiros del pueblo, lo que planteaba un final feliz casi imposible. Sin embargo, este final de Dauterman parece que se plantea para poder decir «sí hemos matado a todos los vampiros», aunque en realidad sea imposible saberlo. Y veo todos estos cambios y me pregunto para qué público dirigía Max y el director esta película. ¿Estaban buscan captar al público adolescente que quiere ver películas de terror en Halloween? (Y que seguro nos han visto la serie clásica de 1979). Es algo que no sería del todo descartable.

Pero es una pena, porque creo que el director Gary Dauberman nos da 80/90 minutos estupendos de terror puro de la vieja escuela, que se ven malogrados por un climax absurdo que no funciona en absoluto. Una pena. Visto lo visto, creo que Dauterman tiene buen ojo para el terror como director, pero por favor que alguien impida que se crea más listo que Stephen King para atreverse a cambiarle el final. Quien podría imaginar que no acabaría bien.

Comparto el trailer de la película:

Con lo bien que empieza esta nueva versión de El misterio de Salem´s Lot, me da pena el fallido climax final. En todo caso, una película para los muy fans del terror.

PUNTUACIÓN: 6/10

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Crítica de Creature Commandos temporada 1 (Max)

James Gunn ha creado Creature Commandos, la primera serie de animación de la nueva etapa del universo DC audiovisual. Hoy analizo la primera temporada de siete episodios recién emitida en Max.

PUNTUACIÓN: 7/10

1 temporada. 7 episodios. En esta serie de animación de DC, un equipo secreto de monstruos son el última opción para misiones que son demasiado peligrosas para los humanos.

Producida por DC Studios y Warner Bros. Animation, es la primera serie de televisión y la primera entrega del nuevo Universo DC (DCU) dirigido por James Gunn y Peter Safran. Los siete episodios de esta primera temporada han sido escritos por el creador de la serie James Gunn, con Dean Lorey como showrunner e Yves «Balak» Bigerel como director supervisor. La serie fue renovada para una segunda temporada antes de la finalización de la emisión de esta primera.

En las voces originales tenemos a Indira Varma como la Novia, Sean Gunn como G.I. Robot y Comadreja, Alan Tudyk como Alex Sartorius / Doctor Fósforo, Zoë Chao como Nina Mazursky, David Harbour como Eric Frankenstein, Frank Grillo como Rick Flag Sr., Maria Bakalova como la princesa Ilana Rostovic de Pokolistán, Anya Chalotra como Circe y Viola Davis como Amanda Waller.

James Gunn es un creador muy listo que tiene claro su punto fuerte como escritor: La creación de personajes a priori penosos que sin embargo consiguen impactar al espectador en cuanto conocemos su origen y sus dramáticas circunstancias. Lo consiguió con Guardianes de la Galaxia, la trilogía de películas de Marvel Studios que cimentó su popularidad dentro del mainstream. Para mi gusto, no tuvo tanto éxito ni en Suicide Squad (2020) ni en Peacemaker (2022), al reirse de los personajes, no con los personajes, lo cual es una distinción importante. Pero en el caso de estos Creature Commandos, creo que la caracterización de los personajes es el gran punto fuerte de la serie.

James Gunn ha planteado esta serie corta tan sólo 7 episodios con dos líneas argumentales. La acción principal tiene lugar en Pokolistán, país europeo que es atacado por la supervillana Circe (una villana de Wonder Woman). Ante la petición de ayuda, Amanda Waller decide enviar una escisión del Escuadrón Suicida. Como el gobierno le ha prohibido enviar a seres humanos en sus misiones, ejem, suicidas, Waller decide utilizar los seres no humanos que tiene encerrados. Si los que mueres son montruos, ¿A quién le importa? De ahí el término Creature Commandos. El equipo está liderado por Rick Flagg Sr. (padre del Rick Flagg asesinado por Peacemaker es Escuadrón Suicida), y está formado por La Novia (de Frankenstein), G.I. Robot, Doctor Fósforo, Comadreja y Nina Mazursky, un ser acuático que necesita un traje para poder caminar por la tierra.

A partir del segundo episodio la acción se desdobla, ya que además de los múltiples giros y sorpresas que tiene la historia en Pokolistán, conoceremos en cada episodio el origen de un miembro del grupo, al que hay que sumar el origen del Monstruo de Frankenstein, que en esta versión es un psicópata asesino obsesionado con La Novia y que hará lo que sea para conseguir que sea suya. Estos orígenes son super dramáticos, en especial el de Comadreja y el de Nina, y nos muestran que aunque la sociedad los ha catalogado de «monstruos», en realidad son unas víctimas inocentes que no hicieron daño a nadie. El objetivo de estos orígenes es rompernos el corazón a los espectadores, y la verdad es que el éxito es total.

El origen de Doctor Fósforo, un villano clásico de Batman, también es super dramático, al ver morir a su familia de forma cruel por culpa de la mafia de Gotham que quiere obligarle que trabaje para ellos. Estos asesinatos y el accidente que le convierte en un ser radioactivo con culpa de la mafia le rompió por dentro y provocó unas ansias de venganza que le convirtió en el super villano que fue apresado por Batman. Por su parte, el origen de G.I. Robot nos ofrece un episodio super divertido y over-the-top al llevar su programación de «matar nazis» de la 2ª Guerra Mundial hasta sus últimas consecuencias en el pasado reciente.

Por su parte, La Novia tiene que enfrentarse a un novio abusivo que es el monstruo de Frankenstein, aparte del drama de ser ensamblada sin su consentimiento para que fuera el disfrute de la primera criatura del doctor Frankenstein, que es un loco desequilibrado. Ver que todos los miembros del Comando son en cierto sentido víctimas de la sociedad o de unas circunstancias super crueles e injustas consigue que empaticemos totalmente con ellos. Y es el principal éxito de la serie.

Los personajes son el gran punto fuerte de esta serie. Pero Creature Commandos no es ni mucho menos perfecta. En realidad, la trama de Gunn en Pokolistán me parece bastante fallida, al plantear unos giros un poco absurdos que no me han funcionado demasiado bien. El shock final de la serie si me parece que está bien y funciona, y refuerza la idea de base de Escuadrón Suicida que todos los miembros son carne de cañón que puede morir en cualquier momento.

Por la parte de la animación, me parece el estilo de animación correcto que cuenta la historia sin más. NO aporta valor a la serie pero diría que tampoco resta, mostrando sin tapujos la violencia explícita de esta serie. Esto me lleva al concepto de «serie para adultos» sobre el que se ha planteado Creature Commandos. Esta serie plantea una historia para adultos en la misma línea de Deadpool y Lobezno. Es decir, no es que se planteen tramas complejas o adultas, sino que simplemente es una serie que no es para niños debido a la ultraviolencia que adorna cada escena de acción, y a una escena sexual de «mira que malote soy». Cabezas partidas, miembros quemados por radiación y mucho gore son otra de las señas de identidad de esta serie. Una ultra-violencia que nos da varios momentos divertidos, aunque en general me parece un aspecto que puede llegar a cansar por la repetición.

Al ser apenas 7 episodios de entre 20 y 25 minutos, la historia da para lo que da. Y dentro de todo, me gusta que la acción vaya al grano y no sintamos que nos han metido mucha paja argumental. Además, Gunn se las apaña para dejarnos en un momento interesante a estos personajes, cerrando correctamente esta misión y dejándolo todo listo para la siguiente. Dentro que me ha gustado ver Creature Commandos, me queda la duda de si una segunda temporada podrá ser igual de interesante una vez ya conocemos los orígenes de estos personajes. Dado que para mi esto fue lo mejor de la serie, me falta por ver si Gunn sabrá crear otra misión más interesante de lo que ha sido esta.

Comparto el trailer de esta temporada de Creature Commandos:

James Gunn se ha mostrado como un estupendo creador de personajes penosos a los que sabe dotar de una vena dramática alucinante. Lo menos bueno es que su historia me ha dejado bastante frío. En todo caso, me alegro de haber visto esta serie y creo que veré seguro la segunda temporada.

PUNTUACIÓN: 7/10

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