El segundo número de la nueva etapa de G.I. Joe dentro del Energon Universe del sello Skybound realizado por Joshua Williamson, Tom Reilly y el color de Jordie Bellaire, marca el standard de calidad que deberían tener todos los comics maimstream USA, ya sean de superhéroes o no.
PUNTUACIÓN: 8.5/10
¡CONTINÚA EL MAYOR LANZAMIENTO DE CÓMICS DE LA DÉCADA!
El Comandante Cobra desvela la siguiente fase de su plan: conoce a LAS VALKYRIAS, la nueva unidad de operativos especiales de Cobra. Y mientras corren para recuperar la nueva y misteriosa arma, ¿sufrirá Duke su primer fracaso como líder de G.I. Joe?
Tengo que empezar comentando que en realidad no pensaba escribir una reseña de este segundo número de G.I. Joe. Tras comentar mis impresiones del primer número, que me gustó mucho, la idea era ya volver a hablar de esta colección una vez el primer arco se hubiera publicado. Si he cambiado de opinión ha sido por dos motivos. Por un lado, porque he disfrutado como un enano con esta grapa. El segundo motivo viene provocado por mi insatisfacción con los comics que compro a Marvel. Y es que fue terminar de leer esta grapa y pensar que ya le gustaría a las colecciones que compro actualmente de Marvel ser la mitad de buenas de lo que me ha parecido G.I. Joe. Estar igual de bien dibujados como lo está este comic y tener una historia que acierta en todo lo que plantea, teniendo claro el tipo de comic que es y lo que necesita la historia para enganchar a los lectores.
Empezando por el dibujo, es un placer leer un comic tan bien dibujado como este G.I. Joe. Tom Reilly me parece un fuera de serie, se nota que su obsesión es contar la historia de la forma más clara posible. Unido a esto, su estructura de página y sus viñetas consiguen que todo luzca super dinámico, con unos planos de cámara atractivos que refuerzan el carisma de los protagonistas y las apuestas del juego. Unos protagonistas mostrados en su versión más icónica y reconocible.
Tengo un pequeño pero con el color de Jordie Bellaire. En mi reseña del primer número comentaba que se notaba que habían planteado unos colores planos que recordaran los comics clásicos de los años 80. Como tal, el objetivo está más que conseguido. Sin embargo, en este segundo número creo que continuando con el mismo objetivo, en varios momentos me provocó una sensación extraña mientras leía el comic. No es algo malo malo, pero «extraño» no es un calificativo que quiero asociado a mis comics favoritos.
En todo caso, por no desviarme, si Duke me flipó gracias al dibujo de Reilly, G.I. Joe está siendo su consagración. Con lo que estoy viendo en esta colección, Reilly se une al grupo de autores cuya compra es obligada da igual lo que hagan. Por suerte para mi, el compromiso de Reilly con G.I. Joe parece a largo plazo, lo que nos asegura un disfrute total durante mucho tiempo.
Entrando en la historia de Joshua Williamson, me flipa todo lo que consigue contarnos en apenas 20 páginas. El primer elemento destacado es que con apenas dos grapas ha situado el nivel de amenaza a niveles nunca antes vistos. Me encanta el comic clásico de G.I. Joe de Larry Hama, que también está publicando Skybound. Pero en ese comic tenemos a los mismos Joes (y villanos) en el número 301 que los que vimos en su primer número de los años 80. Esto provoca cierta sensación de falta de peligro, como sabemos que Spiderman nunca morirá en su colección. Y si lo hace, será resucitado al poco tiempo. Esto ha saltado por los aires en esta colección con lo que acabamos de ver en los dos primeros números. Ahora nadie está a salvo, cualquiera puede morir y la sensación de amenaza y de que cualquier cosa es posible me parece una pasada. Como ya vimos en Transformers, el Universo Energón ha empezado desde cero este universo compartido, pero la idea no es volver a contar las mismas historias del pasado, sino plantear nuevas historias. Y el éxito es monumental.
Otra cosa que me gusta mucho es la forma en que en estos primeros números Cobra es una máquina perfectamente engrasada que está pasando por encima de los recién formados Joes, que se encuentran totalmente en inferioridad y con problemas de falta de potencia de fuego. Esto ayuda a que la sensación de peligro sea todavía más clara. Y la idea de un «David contra Goliat» me parece un acierto total. Porque de momento no tenemos a dos organizaciones que se miran de tu a tu en igualdad de condiciones, Cobra es mucho más poderosa. El contraste del poderío de Cobra lo tenemos en unos Joes que están recién formados y están envueltos en problemas de egos y de personalidades enfrentadas. Si quieren derrotar a Cobra antes tendrán que ponerse de acuerdo y dejar de pelear entre ellos. Algo que hace que el terreno de juego lo tenga todo a favor para los Cobra.
Junto a todo lo anterior, esta grapa de G.I. Joe termina con un cliffhanger alucinante que me ha dejado con unas ganas bestiales de leer el siguiente número. El objetivo de hacer que esta grapa te invite a comprar la siguiente es otro éxito absoluto, algo en lo que se nota la mano de Robert Kirkman, presidente de Skybound.
Hacía antes la comparación de esta grapa de G.i. Joe con los comics Marvel actuales. Y la realidad es que G.I. Joe es el ideal al que aspiramos todos los lectores de superhéroes. Una grapa con un dibujo TOP y una historia notable que plantea buena acción en la que nadie está a salvo, con buenas caracterizaciones y un cliffhanger que te hace querer seguir leyendo. No le puedo pedir más.
Comparto varias páginas de este comic:
Los comics de G.I. Joe no es que me estén gustando, me están flipando. No puedo recomendar más efusivamente esta colección y en general todo el Universo Energón del sello Skybound.
PUNTUACIÓN: 8.5/10
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Disney+ ha estrenado la tercera temporada de What if?, una temporada que de momento va a ser la última. Una serie que ofrece un estupendo entretenimiento si bien no llega a superar la excelencia que mostró en su primera temporada.
PUNTUACIÓN: 6.5/10
La temporada está producida por Marvel Studios Animation, con Matthew Chauncey como guionista principal, junto a Bryan Andrews, Ryan Little y A.C. Bradley, y con Bryan Andrews y Stephan Franck en la dirección. La animación de esta temporada de 8 episodios, uno menos que en temporadas anteriores, corre a cargo de Flying Bark Productions y Stellar Creative Lab, con Scott Wright como jefe de animación.
La peculiaridad de esta temporada de What if? es que se ha estrenado entre el 22 y el 29 de diciembre, a razón de un episodio diario. Teniendo en cuenta el periodo vacacional y que los niños no tienen clase (y yo tampoco), esta idea que ya tuvimos en la segunda temporada me parece super acertada. Todos los episodios se mueven entre los 28 y los 34 minutos de duración.
Como ya hice en las reseñas de la primera y segunda temporada de What if?, voy a comentar mis impresiones de cada uno de los episodios, al ser historias más o menos autoconclusivas e independientes.
EPISODIO 1. ¿QUÉ PASARÍA SI HULK SE ENFRENTARA A LOS MECHA-AVENGERS?
Un nuevo equipo de Maches Vengadores se enfrenta a un Hulk mejorado accidentalmente.
En las voces originales del episodio encontramos uno de los puntos fuertes de la serie, al tener a Anthony Mackie como Sam Wilson / Capitán América, Mark Ruffalo como Bruce Banner / Hulk, Teyonah Parris como Monica Rambeau, Sebastian Stan como Bucky Barnes, David Harbour como Alexei Shostakov / Guardián Rojo, Simu Liu como Xu Shang-Chi y Oscar Isaac como Marc Spector / Caballero Luna. Sin lugar a dudas, un All-Star de talento de Marvel.
Por temática y por voces, este debería haber sido EL EPISODIO de esta temporada. De hecho, es normal que Marvel decidiera arrancar la temporada con él. Sin embargo, lo que sobre el papel molaba 1000, la posibilidad de tener un Mechas vs Kaijus en el Universo Marvel queda un poco empañado por una historia sólo correcta a la que le falta punch por todas partes. El episodio es entretenido, pero sin más.
EPISODIO 2. ¿QUÉ PASARÍA SI AGATHA FUESE A HOLLYWOOD?
La estrella de Hollywood Agatha Harkness tiene un coprotagonista en la ópera prima de Howard Stark.
En las voces originales tenemos a Kathryn Hahn como Agatha Harkness, Kumail Nanjiani como Kingo, Dominic Cooper como Howard Stark, James D’Arcy como Edwin Jarvis y David Kaye como Arishem.
Hablando de episodios chorras, este episodio con Agatha Harkness y Kingo de los Eternals en el Hollywood de la época dorada es probablemente el episodio más chorra de toda la serie. Aparte de plantearse el episodio casi como el rodaje de un musical, una idea arriesgada que no consiguen que cuadre. Sin duda este es el peor episodio de la temporada. La unión de estos personajes es como agua y aceite, el humor no funciona y la aparición de los Celestiales es un chof. Es todo muy flojo, y tengo claro que en el propio concepto del What if? entran ideas locas y otras absurdas, pero creo que no he conectado para nada con este episodio.
EPISODIO 3. ¿QUÉ PASARÍA SI EL GUARDIÁN ROJO DETUVIERA AL SOLDADO DE INVIERNO?
El Guardián Rojo interfiere en la misión del Soldado de Invierno: matar a Howard Stark.
En las voces originales tenemos a David Harbour como Alexei Shostakov / Guardián Rojo, Sebastian Stan como Bucky Barnes / Soldado de Invierno, Laurence Fishburne como Bill Foster / Goliath, America Ferrera como Ranger Morales, Piotr Michael como Dreykov, Gene Farber como Karpov y Kiff VandenHeuvel como Obadiah Stane.
Una idea curiosa del episodio anterior es la forma en que colocaba a las series de Marvel Studios al mismo nivel que las películas, al dar el protagonismo al personaje cuya serie acaba de terminar hace unas pocas semanas. En este tercer episodio de What if? casi parece que los productores han sido sugeridos para que hagan un episodio que en cierto sentido pueda servir de anticipo de la inminente película Thunderbolts que se estrenará el próximo mes de Mayo. Y dentro de ser otro episodio un poco «chorra», aspecto compartido por los primeros episodios de la serie, la verdad es que la química entre David Harbour y Sebastian Stan mola y el episodio nos deja algunos diálogos muy buenos que me hicieron gracia. Con este episodio, las cosas empezaron a mejorar.
EPISODIO 4. ¿QUÉ PASARÍA SI DARCY LEWIS SE CASARA CON HOWARD EL PATO?
De vacaciones, Howard el Pato y Darcy Lewis se enfrentan a peligrosas facciones de toda la galaxia.
En este episodio tenemos otro tremendo casting de voces, al contar conKat Dennings como Darcy Lewis, Seth Green como Howard el Pato, Samuel L. Jackson como Nick Fury, Tom Hiddleston como Loki, Clark Gregg como Phil Coulson, Michael Rooker como Yondu Udonta, Matt Friend como el Gran Maestro, Josh Brolin como Thanos, Rachel House como Topaz, Jared Butler como Kaecilius, Andrew Morgado como Laufey, Darin De Paul como Zeus,[5] Chris Hemsworth como Thor.
Lo reconozco, en lo referido a factor «chorra», este episodio se lleva la palma. Pero dicho esto, creo que este episodio es de largo el más divertido de toda la serie. Que Howard El Pato y Darcy Lewis se casen ya tenía su aquel. Pero que Darcy de a luz un HUEVO y que todas las fuerzas de la galaxia quieran hacerse con su control por el teórico poder superior que tendrá este niño/niña, es de traca. Y nos da algunos de los momentos más ridículamente satisfactorios de toda la serie. Este es el nivel de locura que queriamos ver cuando empezamos a ver la serie. El final del episodio presenta a Byrdie, la hija de Darcy y Howard, y no será la última vez que la veamos.
EPISODIO 5. ¿QUÉ PASARÍA SI EL SURGIMIENTO DESTRUYESE LA TIERRA?
Riri Williams se embarca en una peligrosa misión: derrocar al autoritario Quentin Beck.
En las voces originales tenemos a Dominique Thorne como Riri Williams / Ironheart, Alejandro Saab como Quentin Beck / Mysterio, Emily VanCamp como Sharon Carter / Power Broker, Kenna Ramsey como Okoye, David Chen como Wong, Tessa Thompson como Valkyrie, Michelle Wong como Ying Nan y Jason Isaacs como la Eminencia.
Reconozco que Riri Williams me cayó muy gorda en Black Panther: Wakanda Forever. Esto provoca que el episodio tenga este problema inicial que no ayuda a que conecte con el episodio. Y de alguna manera me molestó la sensación de tener otro episodio que sea un teaser / anuncio de un futuro producto de Marvel Studios, en este caso la serie Ironheart de imagen real protagonizada por Riri, que se supone que se estrenará en algún momento de 2025.
La conexión Riri Williams con el villano Quentin Beck (Misterio) es más bien endeble, como el hecho que la humanidad sobreviva aunque el planeta explotara con el nacimiento del Celestial. (Por cierto, estamos ante la segunda conexión de la serie a la película de Eternals, que fue el primer fracaso de taquilla de Marvel). Esto no se si es bueno o malo, pero es otro elemento que explica que el episodio no me funcione demasiado bien.
El elemento positivo del episodio es que pone en marcha la que será la amenaza final de la temporada. Y es que Uatu ayuda a Riri a vencer, tras haber visto en miles de realidades como su muerte provocaba el final de la humanidad. Y esta intervención provoca el disgusto de otros tres Vigilantes que están observando las acciones de Uatu.
EPISODIO 6. ¿QUÉ PASARÍA SI FUESE 1872?
Los legendarios Shang-Chi y Kate Bishop buscan al Encapuchado en el Salvaje Oeste.
En las voces tenemos a Simu Liu como Xu Shang-Chi / Diez Anillos, Hailee Steinfeld como Kate Bishop, Wyatt Russell como John Walker / Agente de EE.UU., Meng’er Zhang como Xu Xialing / El Encapuchado, Walton Goggins como Sonny Burch, Allen Deng como Kwai Jun-Fan, y Jason Isaacs como la Eminencia.
Este episodio nos devuelve una rama de los What if? que vimos en la segunda temporada, que es tener historias en otros momentos temporales, como fue la presentación de Kahhori (una nativo americana durante la época del descubrimiento de América por los españoles, un episodio realmente vergonzoso que me molesta sólo con pensar en él), o conocer el mundo de 1602 (inspirado en la miniserie de Neil Gaiman). En este caso, la aventura es en el Salvaje Oeste de 1872, que fue el año y el título de un comic surgido durante las últimas Secret Wars.
Hablando de carisma y química, una buddy-movie de Shang-Chi y Kate Bishop no debería funcionar, pero Simu Liu y Hailee Steinfeld son geniales y consiguen que el episodio sea genial. Me gusta además que Marvel Studios utilice al Encapuchado, el villano creado por Bryan K. Vaughan que Brian Michael Bendis utilizó durante su etapa en Los Vengadores. ¿Le veremos en imagen real en próximos proyectos de Marvel? No me extrañaría.
Además de estar ante un buen episodio, la guinda viene cuando Uatu vuelve a intervenir para salvar a un inocente, lo que es la gota que colma el vaso de la paciencia de los Vigilantes liderados por la Eminencia, que parece el líder de toda la raza de los vigilantes. Estos vigilantes aprisionan a Uatu, lo que provoca que varias astillas de realidad caigan hacia lo desconocido.
EPISODIO 7. ¿QUÉ PASARÍA SI DESAPARICIESE EL VIGILANTE?
El vigilante es juzgado por sus numerosas intromisiones.
El climax final de la temporada empieza en este séptimo episodio, que cuenta con las voces originales de Hayley Atwell como Peggy Carter / Capitán Carter, Jason Isaacs como Eminencia, Devery Jacobs como Kahhori, Alison Sealy-Smith como Ororo Munroe / Tormenta la Diosa del Trueno, Natasha Lyonne como Byrdie, Karen Gillan como Nebula, Kat Dennings como Darcy Lewis, Seth Green como Howard el Pato, Taika Waititi como Korg y Ross Marquand como Ultrón Infinito.
Me encanta el personaje de Captain Carter, la versión del Capitán América en la que fue Peggy Carter la que recibió el suero del super soldado, y que conocimos en el primer episodio de la serie. Una Capitán Carter que tras el final de la segunda temporada se hizo amiga de Uatu y le ayudaba a resolver problemas en el multiverso. Recordando el final de la segunda temporada, en este episodio conocemos que la Capitán Carter ha formado un equipo junto Kahhori (la nativo americana presentada en la segunda temporada), una Tormenta poseedora del martillo Mjolnir, y Byrdie, la hija de Darcy y Howard que ha crecido a una velocidad de vértigo. Cosas del multiverso.
Mientras Uatu es juzgado y condenado por los otros Vigilantes, Carter y sus amigas descubren los fragmentos multiversales, entendiendo que Uatu tienen problemas. La forma de llegar hasta la quinta dimensión que es el hogar de estos Vigilantes será una locura, lo que implica contactar con un Ultron Infinito de una realidad donde no descubrió al Vigilante y lleva eones en sand-by tras haber aniquilado toda la vida de su universo. Este episodio funciona de maravilla preparando el clímax de último episodio.
EPISODIO 8. ¿QUÉ PASARÍA SI…?
El final del principio..
En las voces, tenemos a Hayley Atwell como Peggy Carter / Capitán Carter, Jason Isaacs como la Eminencia, Devery Jacobs como Kahhori, Alison Sealy-Smith como Ororo Munroe / Tormenta la Diosa del Trueno, Natasha Lyonne como Byrdie, Ross Marquand como Ultrón Infinito, D. C. Douglas como el Encarnado, y Darin De Paul como el Verdugo.
El clímax final de la temporada es un episodio lleno de acción en el que se ejecuta el plan de la Capitana Carter a la perfección. Un plan que implica transportar a los Vigilantes Supremos a la realidad que creó Stephen Strange al final de la segunda temporada antes de morir. Una realidad en la que el espíritu de Strange es supremo y podría anular los poderes de los villanos. En lo referido a Uatu y los Vigilantes, el episodio da un final satisfactorio a esta historia, aunque por supuesto el concepto siempre puede dar pie a nuevas historias.
Lo que no me ha gustado es la parte de la Capitana Carter. Empezando porque es totalmente innecesario y aleatorio. Y lo que es peor, que la serie luego no se para dar el tributo que el personaje merecía. ¿Ha hablado Hayley Atwell para hacerles saber que no quería volver a interpretar al personaje? Aunque fuera con la voz. El sacrificio de la Capitana Marvel me ha parecido un bajonazo que no está justificado únicamente porque la serie no ha sido renovada. Está claro que Marvel Studios ha infrautilizado a Hayley Atwell, con apenas el cameo en Doctor Strange en el multiverso de la locura de Sam Raimi. Pero lo que han hecho con el personaje de Capitana Carter es incomprensible.
En resumen, como entretenimiento ligero que ver durante las navidades, la tercera temporada de What if? ha cumplido de sobre su función. Pero me quedo con que esta temporada ha sido muy muy inferior a la brillante primera temporada, que me pareció brillante. En positivo, esta temporada no tiene un episodio de vergüenza ajena como tuvo la segunda temporada. Pero si parece claro que la serie ha perdido su chispa inicial, no sabiendo sacar el partido al increíble casting de voces con el que contaban.
Comparto el trailer de esta temporada:
What if? temporada 3 no ha estado mal y nos ha dado un final estupendo. Pero la veo sin el impulso que tuvo en su arranque.
PUNTUACIÓN: 6.5/10
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No se qué ha pasado con la etapa de J. Michael Straczynski en Capitán América, pero me apena la sensación que me han dejado los números 9 al 13 de la edición de Panini, dibujados por Jesús Saiz y Carlos Magno. Que es que los editores han cortado en seco esta etapa, obligando al escritor a cerrar en falso su historia.
PUNTUACIÓN: 5.5/10
¡Firme ante la muerte! El Capitán América tiene una nueva misión: reunir a seis nuevos agentes de cambio bajo la protección del misterioso Cabaret Entrada Principal antes de que los encuentren aquellos que los quieren erradicar. ¡Pero su primer recluta ya está en peligro!
¡El precio de la libertad! El Capitán América ha conseguido encontrar a uno de los agentes de cambio que figuran en su lista. Ahora parece sencillo ofrecerle toda la protección del Cabaret Entrada Principal. Pero ¿cómo se puede proteger a alguien que no quiere tu ayuda?
El Centinela de la Libertad ha encontrado al último Agente del Cambio. Se trata de alguien que puede modificar el rumbo del planeta para siempre… una vez que muera. Mientras Steve valora los condicionantes morales de su misión, alguien de su círculo interno le traicionará…
La Muerte ha venido a la Tierra y trata de barrer a la humanidad del tablero de juego. El Capitán América ha reunido a los Agentes del Cambio, aquellos que pueden salvar a todo el mundo. Pero quizás sea demasiado tarde. ¿Lo es?
Mientras la Muerte hace todo lo posible por destruirlo, el Capitán América debe tomar una decisión: proteger a los Agentes del Cambio o proteger su propio futuro. Pero uno de los mutantes rescatados tiene sus propias ideas y la intención de que nadie decida por él.
El primer arco de Capitán América de J. Michael Straczynski se desarrolló en los números 1-6 de la colección que fue relanzada por Marvel para destacar la importancia del retorno a Marvel del autor de etapas muy celebradas en Spiderman y Thor. Después tuvimos un interludio (Intermezzo) de dos números en los que Steve Rogers conocía que el demonio Asmodeo era el menor de sus problemas, ya que Lyra, la personalización de la VIDA se está enfrentando a su hermano MUERTE.
En este segundo arco tenemos el desarrollo de lo que se nos había sugerido en los números previos. Para conseguir la supervivencia del Cabaret Entrada Principal de Lyra, Steve Rogers tiene que viajar por todo el mundo para encontrar a 4 personas superdotadas cuyas habilidades son claves en todo lo que está por venir. Así tenemos viajes a Chile, Londres y Chicago antes del combate final en Nueva York. Y lo que es una historia interesante con unos nuevos personajes que se intuía que podrían dar mucho juego en el futuro de la colección ha quedado cortado de raiz de forma para mi incomprensible.
Straczynski es un escritor super veterano, y me resisto a pensar que la historia publicada por Marvel fuera la que él pensó inicialmente. Porque lo que empieza como la presentación de una nueva faceta del universo Marvel con personajes ambiguos e interesantes ha quedado en nada con dos últimos números imposibles de calificar que terminan con la desaparición del Cabaret y todos sus ocupantes, de facto todo lo novedoso que el guionista presentó en su etapa. El papel de la traidora, la ambigüedad de Piélez o incluso la posibilidad que los planes de Lyra pudieran provocar situaciones que fueran incómodas para Steve se fueron al traste. Un arco que hubiera podido llegar hasta el número 20 USA ha terminado de mala manera en su número 13. Y no lo entiendo.
En la parte positiva, si algo ha quedado claro es que Straczynski conoce a la perfección a Steve Rogers / Capitán América, y sabe presentar dilemas morales interesantes para Steve que resolverá siempre de la manera correcta. El combate final de Steve contra MUERTE en el que renuncia a un final feliz alejado de la guerra para ponerse delante de un enemigo invencible, con el único plan de dar tiempo a sus protegidos para que puedan ponerse a salvo, me parece un momento muy puro que deja clara la naturaleza heroica de Capitán América y cómo pone siempre su vida al servicio de los demás.
Estoy pensando todo el rato que ha sido Marvel la que ha recortado la etapa de Straczynski en esta colección. La idea de un Cabaret de artistas y seres extraordinarios en un plano adyacente de la realidad y tener a la VIDA y la MUERTE peleando por el destino del mundo ha podido ser una temática que no le ha funcionado a Marvel. Quien sabe si esta opinión se vio confirmada por una caída de ventas abrupta que puso en pánico a los editores.
En ese sentido, tras el coutus-interruptus del final de este arco, aún quedan tres números guionizados por Straczynski, en los que reunirá a Steve con sus dos personajes fetiches de Marvel: Spiderman y Thor. Un team-up que claramente es más del agrado de Marvel respecto a lo que estaba haciendo con el Cabaret. Y que seguro provocan el aumento puntual de las ventas.
Pero también es posible que sea Straczynski el que no haya estado a gusto en Marvel, igual su trato con su editor provocó algún desencuentro, y haya decidido acortar su trabajo en esta colección. Es posible que sea el caso, no lo se. Pero en realidad eso chocaría con que aún se quede tres números más para el team-up. Si estás desagusto, abandonas el comic inmediatamente, no lo haces en diferido dentro de unos meses. Por eso no me cuadra.
En cualquier caso, ya sea por un motivo u otro, el resultado es que un comic que empecé a comprar con muchas ganas se ha ido al traste de una forma lamentable en dos meses. Igual en menos tiempo.
Otra muestra de la pérdida de interés de Marvel en esta colección viene del hecho que Marvel separó a Jesús Saiz, el artista oficial de Capitán América, de esta colección quedando apenas un número para terminar este arco. Esto en todo caso me parece una enorme falta de respeto por parte de Marvel hacia sus clientes, los lectores compradores. Y también hacia la propia colección y su guionista. Saiz, con el color de Matt Hollingsworth, es un artista que siempre me ha gustado. El diseño de los nuevos personajes me parece que está muy guay, y su narrativa siempre muestra la acción de la forma más clara posible, lo que hace que sus comics sean un placer de leer. Con Saiz dibujando un comic, es difícil que le pueda poner un pero al apartado artístico.
El sustituto de Saiz para el último número es Carlos Magno, con color de Espen Grundetjern. Magno dibujó los números 7 y 8 de esta colección y me parece un buen dibujante con un estilo adecuado para un comic del Capitán América. En esa parte no tengo queja. El problema es la falta de respeto de Marvel al quitar al artista oficial de una colección a falta de una grapa para terminar el arco en curso. La primera señal de que una colección está en peligro viene cuando Marvel quita a los dibujantes «buenos» para no quemarlos en comics que no lee nadie o que están a punto de ser cancelados. Y este cambio de Saiz realmente me ha molestado desde todos los punto de vista posibles.
Otro problema que le veo a estos comics viene de las portadas de Taurin Clarke para los números 10 a 13. Cuando veo la portada del número 9 de Jesús Saiz, veo una pose icónica del Capitán América que me resulta super potente. Incluso cuando le vemos de espalda. Sin embargo, veo las otras cuatro portadas y no qué nos quiere contar, ni desde luego por qué este comic es especial y debería pagar por leerlo. Las librerías están tan abarrotadas que a menudo las editoriales buscan ilustradores que llamen la atención con imágenes poco convencionales. Pero en el caso de Clarke, veo un artista que no tiene clara la primera convención del género, y es que la portada debe provocar que el lector quiera comprar este ejemplar. Ver al Capitán América leyendo unos expedientes es lo contrario a esto. Aunque las cuatro portadas me parecen flojas, quizá la mejor sea la del número 11 con Steve dirigiéndose hacia ese ser de luz. Pero las portadas del número 12 y 13 me parecen especialmente malas. ¿Quién es ese ser en segundo plano del número 12? Da igual. ¿Qué sensación de peligro da? Ninguna. Y lo mismo para la flojísima portada del número 13 en la que ni siquiera es capaz de mostrar a estos personajes en una pose dinámica. Aparte, de nuevo, con la incorporación de personas en segundo plano que no se sabe quien son y no aportan nada. Si acaso, añadiendo una sensación estática a una imagen realmente floja. Acepto que el gusto es particular de cada uno, pero no entiendo que un editor de Marvel vea estas portadas y crea que son adecuadas para un comic Marvel. Me resulta incomprensible.
Me he llevado un buen chasco con el final abrupto de la etapa de J. Michael Straczynski. Este no-final ha sido tan decepcionante que me sabe mal haber comprado este comic. Y vais a pensar que estoy un poco tonto, pero a pesar de todo quiero comprar los 3 últimos números para ver qué plantea el guionista para el Capi, Thor y Spiderman, y tener completa esta corta etapa de Capitán América. Espero que al menos estos tres últimos números consigan dejarme con buen sabor de boca. Porque este número 16 desde luego no lo ha conseguido.
Comparto las primeras páginas del número 9 de la edición de Panini:
Me sabe muy mal la forma en que Marvel ha cortado este arco de J. Michael Straczynski y nos han dejado compuestos y sin historia.
PUNTUACIÓN: 5.5/10
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La actual etapa de Veneno de Al Ewing parece que llega a su punto culminante con La Guerra de Veneno, la miniserie-evento de Ewing, el español Iban Coello y Frank D´Armata en el color que parece que va a enfrentar a Eddie Brocl contra su hijo Dylan por el control del simbionte Veneno.
PUNTUACIÓN: 6/10
El simbionte de Veneno se ha ligado a Eddie Brock y a su hijo Dylan en diferentes momentos. Ahora, ambos Brock entran en colisión por el nombre de Veneno. El choque de padre contra hijo amenaza con romper su mundo en pedazos. Al Ewing e Iban Coello narran la batalla de simbiontes que no esperabas.
Este primer número de la edición de Panini incluye FCBD 2024 Spider-Man/Ultimate Universe y Venom War 1 USA.
Empecé con muchas ganas con la actual etapa de Veneno de Al Ewing, en la que planteaba dos narrativas diferentes con dos protagonistas, Eddie Brock y su hijo Dylan. Pero tengo que reconocer que el paso de los meses y del alargamiento de estas tramas paralelas me han dejado bastante desencantado con este comic. Llega ahora este evento La Guerra de Veneno que se supone que va a cerrar estos casi tres años de historias.
Y empezando por los elementos positivos de este primer número de la miniserie, dentro que tenemos un enoooooorme número expositivo, Al Ewing se las apaña para contar los aspectos principales de su arco actual y la historia del simbionte Veneno, para que posibles lectores que no hayan comprado su comic puedan ponerse al día y no sentirse perdidos a la hora de leer esta miniserie. El comic está dibujado por el estupendo Iban Coello con color del veterano Frank D´Armata. Y por la parte del dibujo el comic luce estupendo, a pesar de toda la plancha expositiva que tenemos a lo largo del comic.
Esta miniserie La Guerra de Veneno van a ser 5 números publicados por Panini con ritmo mensual entre enero y mayo. Y aparte de la miniserie, Marvel ha planteado esta guerra de simbiontes como un evento de la franquicia arácnida de Marvel, con múltiples especiales y miniseries adicionales. Leyendo en el Spot-On, Julián Clemente comenta que Al Ewing ha planteado su historia de forma que pueda ser entendida perfectamente únicamente leyendo esta miniserie. El resto de comics pueden ampliar la escala del evento, pero no son imprescindibles. Y esto creo que es un acierto total, porque viendo que los tie-ins del evento de la colección de Veneno van a estar escritos por Torunn Grønbekk, creo que es mejor si me los puedo ahorrar.
En la parte negativa, dentro de pensar que estamos ante un buen comic de inicio de evento, la verdad es que no he conectado con varias partes de la historia de Ewing, empezando en situar la acción en medio de un combate de WWE, con personajes de cuarta categoría desconocidos que no suponen ni media amenaza para Eddie Block. La forma en Eddie que tortura y destroza a varios de esos villanos le pone casi en el lado de los villanos. Los verdaderos villanos de Roxxon tienen planes que seguro que van a arruinar los intentos de acercamiento entre el bando de Eddie y el de Dylan, con Peter Parker situado en medio intentando mediar para que haya paz. Estando como estamos en un comic Marvel, ya sabemos que Peter no va a tener éxito y al menos en el próximo número tendremos enfrentamiento entre simbiontes antes que tengan que unirse contra el enemigo común.
La lucha libre parece que está de moda en el mundo del comic desde que Daniel Warren Johnson nos volara la cabeza a los lectores con esa maravilla que es Do a powerbomb. Pero que Ewing sitúe la acción en un ring es un elemento un poco ridículo que no ayuda a que entre en lo que nos quiere contar. Aparte, este evento pone de manifiesto un problema recurrente de muchos comics Marvel. En el momento en el que Marvel hace que hayan muchos personajes con las mismas habilidades, le están quitando a los protagonistas aquello que les hace grandes en primer lugar. Si es problemático ver a Eddie con las diferentes versiones de si mismo de la corriente temporal, ver a los simbiontes amigos de Dylan refuerza la idea de personajes redundantes y repetitivos.
Voy a comprar esta miniserie de La Guerra de Veneno, pero en realidad es mi plataforma de salida de la colección de Veneno. Al Ewing tiene una forma de escribir que me parece lo contrario a entretenida, y ha quemado todo el interés que hubiera podido tener por el personaje. Por cualquiera de los dos protagonistas de la familia Brock. Me sabe mal porque son ya varios años comprando ininterrumpidamente Veneno, pero Ewing no es un escritor que tenga nada que me interese leer. Espero que al menos este evento esté entretenido, dentro que sólo voy a comprar esta miniserie, y consiga darnos un buen final.
Comparto las primeras páginas del comic:
La Guerra de Veneno arranca de forma correcta explicando las apuestas del juego para cada bando, pero mostrando el agotamiento que sufre la actual historia de Ewing.
PUNTUACIÓN: 6/10
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El séptimo episodio de Star Wars Tripulación perdida emitido en Disney+ vuelve a ofrecernos un entretenimiento de primer nivel mientras lo deja todo listo para el climax final de la semana que viene.
PUNTUACIÓN: 8/10
Episodio 7. Vamos a estar en un buen lío
Nuestros héroes nunca se han sentido tan lejos de casa.
Lee Isaac Chung, director de Minari y Twisters, es el director de este séptimo episodio de Tripulación perdida. El episodio de 37 minutos cuenta con guion de los showrunners Christopher Ford y Jon Watts. La serie terminará la próxima semana con su octavo episodio.
En el reparto tenemos como siempre a Jude Law como Jod Na Nawood, el antiguo líder de los piratas que persiguen a los chavales desde el primer episodio. Ravi Cabot-Conyers es Wim, un joven humano que tiene sueños de aventura lejos de su perfecto y aburrido planeta At Attin. El resto de jóvenes perdidos son Ryan Kiera Armstrong como Fern, una joven demasiado lista para su propio bien, Kyriana Kratter como KB, amiga de Fern que lleva un visor cibernético conectado a un implante conectado a su cabeza y Robert Timothy Smith como la voz de Neel, un joven alienígena no identificado con aspecto de elefante y amigo de Wim. Además, Nick Frost hace la voz de SM-33, el decrépito droide primer oficial de la Onyx Cinder, la nave perteneció al famoso pirata Tak Rennod.
Me gusta mucho todo lo que nos ha contado hasta el momento Star Wars Tripulación perdida. Los showrunners Christopher Ford y Jon Watts han planteado una historia increíble que está acertando con todo, empezando con la premisa de recuperar el espíritu de la Amblin de los años 80, actualizando la idea de los Goonies en el espacio viviendo una aventura pirata. Y los piratas espaciales es un concepto que conecta perfectamente con los mitos de Star Wars, aprovechando a un Jude Law pletórico con un personaje ambiguo que le va como anillo al dedo.
El ritmo que está teniendo la serie me parece modélico. Cada episodio se ha sentido como un capítulo satisfactorio de una historia que claramente nos llevaba al momento en que nos encontramos en este momento, con todos los jugadores ya en At Attin. Y me ha gustado la forma en que hemos conocido la forma en que este planeta del tesoro ha estado oculto de la galaxia durante todo estos años, siendo la forma de llegar al planeta la clave del episodio. Dentro de lo espectacular que ha sido todo, sigo pensando que aún nos queda al menos una gran sorpresa por conocer, que será la identidad del Supervisor de At Attin, que me gustaría que tuviera relación con el pirata Tak Rennod cuya nave Onyx Cinder ha causado todo este embrollo cuando los chavales la activaron.
Star Wars Tripulación perdida es ante todo una historia de chavales. Y me encanta el tono para todos los públicos, planteado como una historia que apela y está gustando a espectadores de todas las edades. Me gusta la relación que establecen los chicos con el droide SM-33, que se ha convertido en su protector contra los piratas. Esto no quita que en varios momentos sufran ante la confirmación que unos niños como ellos están indefensos cuando los adultos de empeñan en hacer el mal.
Y junto a ellos, Jude Law se quita la careta y acaba como el villano principal de lo que queda de serie. Un Jod Na Nawood que se muestra como un pirata sin escrúpulos que hará lo que sea para llegar al tesoro que se oculta en At Attin. No sólo por el tesoro en sí, sino por la capacidad de acuñar las monedas de oro de la Antigua República. E incluso tras lo visto en este episodio, aún me queda la ilusión que Jod al final tendrá ciertos escrúpulos hacia los niños, similares a lo que Long John Silver sintió en La isla del tesoro de Robert L. Stevenson.
El séptimo episodio de Tripulación perdida ha sido pura diversión, y nos ha dejado en el momento justo para el climax que viviremos la semana que viene.
Comparto el trailer de esta serie:
El episodio de esta semana de Star Wars Tripulación perdida lo ha dejado todo listo para el climax final. Y mi disfrute es absoluto.
PUNTUACIÓN: 8/10
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