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Crítica de Abigail de Matt Bettinelli-Olpin, Tyler Gillett

Me animé a ver Abigail, la película de Matt Bettinelli-Oplin y Tyler Gillet (Scream, Ready or not) a pesar de conocer el giro de la historia. Y me lo he pasado muy bien.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

A una banda de delincuentes se les ha encargado secuestrar a Abigail, una bailarina de doce años hija de una poderosa figura del inframundo. Su misión requiere también vigilarla durante la noche para poder cobrar un rescate de 50 millones de dólares. En una mansión aislada, los captores comienzan a desaparecer, uno por uno, y descubren, para su creciente horror, que la pequeña niña con la que están encerrados no es normal y está mostrando su verdadera naturaleza.

Los directores Matt Bettinelli-Olpin (California, 1978) y Tyler Gillett (Arizona, 1982) son cocreadores de los colectivos cinematográficos Chad, Matt & Rob y Radio Silence. Antes de Abigail, se dieron a conocer por su trabajo en películas de terror V/H/S, Southbound, Ready or Not, Scream y Scream VI.

Abigail es una reimaginación de la película de 1936 La hija de Drácula, a partir de un guion escrito por Stephen Shields y Guy Busick. La película de 109 minutos de duración fue rodada en Dublín y ha contado con un presupuesto de 28 millones de dólares. Cuenta con fotografía de Aaron Morton, montaje de Michael Shawver y música de Brian Tyler, habitual colaborador de estos directores.

La película cuenta con un casting reducido al plantearse la historia como un grupo de gente encerrada en una localización misteriosa. Además de la niña Abigail, interpretada por Alisha Weir, el grupo de secuestradores está formado por Melissa Barrera como Joey, Dan Stevens como Frank, Kathryn Newton como Sammy, Will Catlett como Rickles, Kevin Durand como Peter y Angus Cloud como Dean. Además, en papeles secundarios apenas cameos tenemos a Giancarlo Esposito como Lambert y Matthew Goode como el padre de Abigail.

Quiero empezar mi reseña hablando de la premisa y la promoción de la película, y para ello es inevitable referirme a ella CON SPOILERS, aunque no tengo claro que quede alguien que no sepa el giro de la película, viendo por ejemplo el poster de la película. Sigue leyendo bajo tu responsabilidad.

Abigail me parece que tiene un guion muy chulo planteado a partir de la premisa que la niña inocente secuestrada no es en absoluto inocente, al tratarse de una vampira centenaria que lo ha preparado todo para tener alimento y diversión. Tras unos años con numerosas películas de terror dedicadas al «home invasion», en los últimos tiempos se han estrenado varias películas subvirtiendo este concepto, convirtiendo a los agresores en víctimas propiciatorias. Recuerdo Dont´t breathe (Fede Álvarez, 2016) como una de las primeras. De forma que la mansión del padre de Abigail se convierte en una trampa mortal contra los secuestradores, que se verán envueltos en un terror que nadie podía haber imaginado.

Y la película plantea prácticamente la primera mitad de la película para construir el que se supone que es el impactante giro de la película, al mostrarnos el secuestro de Abigail, la llegada a la casa que ha preparado Lambert, el organizador del tinglado, y el inicio de unos sucesos extraños en la casa. Esta parte creo que está bien planteada, presentando de forma adecuada a los 6 secuestradores para intentar más o menos que nos importen de cara a su futura muerte. Sin embargo, dentro que este giro narrativamente funciona en la película y da el toque de sorpresa y gore que requiere la historia, toda la experiencia tiene un problema fundamental de base: LOS ESPECTADORES YA SABEMOS QUE ABIGAIL ES UNA VAMPIRA. Por ello, en esta primera mitad se da la circunstancia que nosotros sabemos más cosas que los personajes, algo que es una lástima, dado que esta sorpresa no la tenemos.

Esto me lleva a la promoción de Abigail. Por un lado entiendo que si hubiera visto esta película en Sitges sin que el público supiera nada de la trama y sin haber visto trailers o posters, el shock hubiera sido histórico. Sin duda hubiera sido una de las películas más comentadas de ese año. Pero al mismo tiempo entiendo que los estudios tienen que vender la película para provocar que el público quiera verla, y la parte del secuestro de una niña sin spoilers no da para vender la película. Sin embargo, el pitch de «niña vampira masacrando criminales» resulta una idea muchísimo más golosa y sorprendente como para dejarla correr. No se cuánta gente hubiera visto Abigail si hubieran mantenido el tema del vampirismo oculto, pero con el auge del streaming tienes que vender muy bien una película para incitar a los espectadores a verla. Y aunque es una pena no descubrir el giro a la vez que los protagonistas, entiendo que el estudio se encontró en una situación imposible. Que resolvió de la forma que estimó mejor. Dentro de la pena que supuso no tener esta sorpresa, no puedo decir que no entienda los motivos, dado que los mejores momentos implican momentos super gores asociados al vampirismo y a la masacre que realiza.

Otro elemento que me ha resultado curioso son las muertes que tenemos en esta película. Pensando que en realidad hay 6 secuestradores más Lambert, el cerebro de la operación que se descubre que trabaja para Abigail, estaba claro que NO podía haber una masacre, al estar ante una película de pocos personajes en un espacio cerrado. Pero lo que sí sorprende es descubrir las pocas muertes que son causadas por la vampira Abigail, que queda claro a lo largo de la película que es una asesina sanguinaria a la que le gusta jugar con la comida. Pensando en el giro final, me doy cuenta que no es casualidad que las dos primeras muertes causadas por Abigail se produzcan fuera de plano para no ver a la niña matar a nadie, de forma que sea más fácil empatizar con ella. Sobre todo, debido al segundo giro de la película que convierte a Frank (Dan Stevens) en un vampiro que desafía a Abigail y es presentado como alguien aún peor que la niña.

Y es que entrando a valorar al reparto, Dan Stevens roba completamente la película con su creación de un ex-policía al que le gusta el poder sin control, y que se convierte encantado en un vampiro que le dispute el nivel de maldad y sadismo a Abigail. Stevens está on-fire en los últimos tiempos, y la verdad es que cumple siempre da igual el papel que interprete, como acabamos de ver en Godzilla y Kong: El nuevo imperio. Pensando en Don´t breathe que comentaba antes, en la película de Fede Álvarez también había un personaje femenino dentro del grupo de ladrones con la que acababas empatizando. En Abigail ese personaje es Joey, interpretado por Melissa Barrera. Una ladrona adicta a las drogas que intenta compensar el dolor que causó, para lo que necesita el dinero del golpe. Y Barrera lo hace muy bien dando el toque bienintencionado que necesita la película, primero intentando proteger a Abigail cuando piensa que es una niña normal, y luego intentando sobrevivir en una situación de «guatemala o guatepeor.» Completando el trío protagonista, creo que la niña Alisha Weir como la niña vampira Abigail lo hace muy bien, sobre todo en la primera mitad. Cuando se confirma que es una vampira, las prótesis en los dientes y los ojos hace que su interpretación se pierda, al convertirse en varios momentos en un perro rabioso. En lo referido al resto del reparto, creo que todos cumplen con lo que la película necesitaba de ellos, con papeles que tampoco les daban demasiado margen para lucirse, al ser corderos camino del matadero.

Aunque hay pocas muertes, me ha gustado mucho ver las explosiones de sangre que tuvimos en algunas. Ya que hay pocas, que sean impactantes, debieron pensar los directores. Y lo verdad es que me han funcionado de maravilla, dándome las explosiones de sangre que tenemos en el tramo final el toque se salvajismo (y diversión) que me justifica el haber pasado por taquilla para ver la película en pantalla grande. Otro aspecto que creo que merece destacarse de Abigail es el control del tempo de la película que tienen los directores Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett, creando una tensión estupenda a lo largo de todo el metraje y planteando buenas sorpresas y giros impactantes más allá de la propia premisa de la niña vampira. Abigail es una película que se nota está creada por profesionales que tienen claro que lo primero es el elemento de entretenimiento, cosa que ofrecen más que de sobra.

La verdad es que Abigail me ha gustado, me ha dado dos horas estupendas de entretenimiento. No le pido más. Y dentro que todo me gusta y está suficientemente justificado en la película, puestos como siempre a buscar algo menos bueno, me llama la atención como la historia se las apaña para dejar viva a Abigail a pesar de ser un ser sádico que lleva años llevando a gente a su casa para masacrarlos. Como digo, creo que la idea de hacer que Frank sea un vampiro aún peor que Abigail funciona adecuadamente en el contexto como nos lo presentan. Además que ya indican que si matan a Abigail su padre, un super capo criminal, les encontrará da igual donde se encuentren, por lo que la opción de Joey es intentar no matarla, cosa que consigue no hacer finalmente. Pero no dejo de pensar que estamos ante un último ejemplo de sororidad femenina en el ámbito cinematográfico. Al menos, es uno que no chirría tanto como en otras películas recientes, y no me molestó durante el visionado.

Como digo, Abigail sabe en qué liga juega y nos da un estupendo entretenimiento para todos los fans del terror y el cine de acción.

Comparto el trailer de la película:

Abigail me ha parecido una película super entretenida que me ha dado lo que le pedía. Todo bien.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de El especialista de David Leitch

El especialista de David Leitch (Deadpool 2, Hobbs & Shaw, Bullet Train) es una carta de amor a la profesión, con unos estupendos Ryan Gosling y Emily Blunt.

PUNTUACIÓN: 8/10

Es doble de acción y, como todo el mundo en la comunidad de dobles de acción, explota, recibe disparos, se estrella, atraviesa ventanas y cae desde las mayores alturas, todo para nuestro entretenimiento. Y ahora, recién salido de un accidente que casi acaba con su carrera, este héroe de clase trabajadora tiene que localizar a una estrella de cine desaparecida, resolver una conspiración e intentar recuperar al amor de su vida sin dejar de hacer su trabajo diario. ¿Qué podría salir bien?

David M. Leitch (Wisconsin, 1975) es un director, especialista, coordinador de especialistas y actor estadounidense. Debutó como director en la película de acción de 2014 John Wick junto a Chad Stahelski, aunque solo Stahelski fue acreditado. Leitch dirigió en 2017 Atomic Blonde, protagonizada por Charlize Theron, dirigiendo a continuación Deadpool 2 (2018), el spin-off de la franquicia Fast & Furious Hobbs & Shaw (2019) y Bullet Train (2022), protagonizada por Brad Pitt. Si algo caracteriza sus películas es la unión de acción y humor, algo que se cumple también en esta película.

El especialista cuenta con un guion de Guy Pierce, guionista de Iron Man 3 que conoció a Leitch en Hobbs & Shaw, que también guionizó él. Pierce se inspira o adapta la serie de los años 80 The Fall Guy creada por Glen A. Larson, creador de series míticas de los 70 y 80 como Battlestar Galactica, Magnum, P.I. y Knight Rider (El coche fantástico). La película de 126 minutos de duración fue rodada en Sydney (Australia) y cuenta con un presupuesto de 125 millones de dólares . En la película han trabajado Jonathan Sela (director de fotografía), Elísabet Ronaldsdóttir (montaje), con música de Dominic Lewis, que trabajó con Leitch en Bullet train.

La película casi se vende sola gracias al carisma de la pareja protagonista por Ryan Gosling y Emily Blunt, y la idea de comedia de acción romántica. Gosling es Colt Seavers, un experimentado pero envejecido doble de acción, mientras que Blunt interpreta a Jody Moreno, ex novia de Colt y directora primeriza.

Aaron Taylor-Johnson como Tom Ryder, una famosa estrella del cine de acción, Winston Duke como Dan Tucker, el mejor amigo de Colt y coordinador de dobles, Hannah Waddingham como Gail Meyer, la productora ejecutiva de Jody, Stephanie Hsu como Alma Milan, la asistente personal de Tom, y Teresa Palmer como Iggy Starr completan el reparto. Cabe mencionar que Lee Majors, protagonista de la serie de televisión original, también tiene un cameo en la película.

Entrando a valorar la película, El especialista me ha parecido una película super divertida llena de escenas alucinantes. El director David Leitch ha comentado siempre que ha podido que esta película la planteaba como una carta de amor a una profesión, la de stunt, a la que él perteneció muchos años. Y en ese sentido el éxito es total. Otro elemento importante de esta película es que la historia se plantea como una comedia de acción con un importante toque romántico. O igual es una comedia romántica con muy acción. Lo importante en cualquier caso es que hay mucha mucha comedia además de mucha acción, y está todo rodado de forma primorosa y a mi me funciona.

El elemento del humor y no tomarse muy en serio al protagonista es una de las señas de identidad de la película, y entiendo que eso puede que no le funcione a algunos espectadores. En mi caso entré a tope en la película y me pareció que tiene el tono perfecto para conseguir que las diferentes locuras que hacen los personajes me fliparan. No estamos ante un humor de reir a carcajadas, sino de plantear situaciones extravagantes a las que estamos poco habituados. Como por ejemplo la primera reunión de Colt Seavers y Jody Moreno, o el gag del unicornio. Viendo la filmografía de Leitch, esta conexión de acción y comedia puede decirse que es una de sus señas de identidad. Y dentro de este tono humorístico, la verdad es que Ryan Gosling se mueve como pez en el agua, confirmando que estamos ante un actor todoterreno que puede hacer que funcione cualquier cosa.

Para un fan del cine de acción como yo, ver la enooooorme cantidad de escenas en las que se plantean situaciones reales en las que personas de carne y hueso tienen que realizar los stunts me ha encantado. La cantidad de caídas, algunas desde gran altura, explosiones, choques y peleas me ha encantado. Y en realidad casi diría que sólo por estos stunts ya está más que justificado ir al cine a ver esta película. Porque tenemos coches, camiones, lanchas e incluso un helicóptero. Hay acción por un tubo, y Leitch ofrece momentos super originales que no se sientes vistos infinidad de veces en otras escenas de acción.

El elemento publicitario pone al mismo nivel a Ryan Gosling y a Emely Blunt, pero en realidad es Gosling el que lleva todo el peso de la historia, al tener que investigar un misterio alrededor de la producción que será el hilo conductor de la historia. Aparte de la parte de homenaje a la profesión de especialista con un importante elemento de «cine dentro de cine». Gosling (y sus dobles) están geniales en esta película, siendo él el que aguanta completamente la película. Emily Blunt da gusto verla en cualquier cosa que haga, pero como digo su papel es más secundario, siempre a la sombra del personaje de Gosling. En todo caso, la química que tienen ambas estrellas en pantalla es estupenda, y creo que el papel de «chica inocente algo inexperta» parece pensado para Blunt, porque se ajusta a sus puntos fuertes actorales.

El papel de Hannah Waddingham (a la que todos recordamos por Ted Lasso) como la productora de la película es un over-the-top super exagerado que confirma el tono de comedia que no se toma en serio a si misma. Y lo mismo para el personaje de Aaron Taylor-Johnson, que interpreta a Tom Ryder, una famosa estrella del cine de acción al que Colt le hacía sus escenas peligrosas, y que es mostrado como un imbécil redomado. En ese sentido, la verdad es que el giro de la película me gustó mucho y no lo vi venir, funcionándome completamente.

Que la acción tenga lugar en Australia ha sido una sorpresa, pero permite tener algunas localizaciones super icónicas que son geniales. Desde luego, el diseño de producción me ha parecido un acierto absoluto y un disfrute como espectador. Estoy pensando en algo menos bueno que decir de la película, pero la verdad es que la película me gustó bastante, y creo que todo lo que plantea lo ejecuta razonablemente bien en pantalla.

Viendo su presupuesto de 125 millones me queda la duda de si el público va a abrazar esta comedia romántica de acción, porque es mucho dinero que tiene que ser amortizado. Veremos si el carisma de la pareja protagonista funciona y ayuda a vender la película. Porque si queremos que se hagan más películas como El especialista, estas necesitan de presupuestos importantes. Y si esta película no tiene éxito, los grandes estudios no se animarán a dar luz verde a otras producciones similares de presupuesto importante.

En todo caso, si te gusta el cine de acción con un toque al cine de los 80 que no se tomaba muy en serio a si mismo, creo que El especialista merece mucho la pena y te va a hacer pasar un buen rato. Que al final es de lo que se trata.

Comparto el trailer de la película:

He conectado completamente con El especialista, me parece una película super entretenida que te recomiendo.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Civil War de Alex Garland

Estaba dudando si ver o no Civil War, la nueva película de Alex Garland (Ex Machina, Aniquilación) con una elevada carga política. Y me alegro de haberlo hecho incluso a pesar de no ser ni mucho menos perfecta.

PUNTUACIÓN: 7/10

En un futuro cercano donde América está sumida en una cruenta guerra civil, un equipo de periodistas y fotógrafos de guerra emprenderá un viaje por carretera en dirección a Washington DC. Su misión: llegar antes de que las fuerzas rebeldes asalten la Casa Blanca y arrebaten el control al presidente de los Estados Unidos.

Alexander Medawar Garland (Londres, 1970) es un escritor, guionista y director inglés. Saltó a la fama con su novela La playa (1996), que fue adaptada por Banny Boyle en 2000 con Leonardo DiCaprio. Garland empezó una fructífera colaboración con Boyle en sus siguientes películas 28 días después (2002) y Sunshine (2007). Tras eso escribió los guiones de Never Let Me Go (2010) y Dredd (2012). Y en videojuegos, coescribió Enslaved: Odyssey to the West (2010) y ejerció de supervisor de historias en Devil May Cry (2013).

Garland debutó como director al escribir y dirigir Ex Machina (2014). La película de ciencia ficción le valió una nominación al Oscar al Mejor Guion Original, y le valió tres Premios del Cine Independiente Británico, incluyendo Mejor Guion, Mejor Director y Mejor Película Independiente Británica. Su segunda película, Aniquilación (2018), una adaptación de la novela homónima de 2014, también fue un éxito de crítica aunque a mi me dejó bastante frío. Garland pasó a escribir, dirigir y producir ejecutivamente la notable miniserie Devs (2020), a la que le siguió el thriller de terror Men (2022), que no llegué a ver.

Galand escribe y dirige Civil War a partir de una idea original suya. La película de 109 minutos de duración ha contado con un presupuesto de 50 millones, el mayor de una película de la productora A24 que busca dar un salto de calidad cinematográfica, estando hasta ahora especializado en películas de bajo presupuesto. La película cuenta con fotografía de Rob Hardy, montaje de Jake Roberts y música de Ben Salisbury y Geoff Barrow, y ha sido rodada en localizaciones de Atlanta y en Londres.

Kirsten Dunst es Lee Smith, una reputada fotoperiodista de guerra de Colorado. Wagner Moura interpreta a Joel, un periodista de Reuters de Florida y colega de Lee. Cailee Spaeny es Jessie Cullen, una joven aspirante a fotógrafa de Missouri que acompaña a Lee y Joel en su viaje. Stephen McKinley Henderson como Sammy, un veterano periodista de The New York Times y mentor de Lee, Nick Offerman como el Presidente de los Estados Unidos, un presidente dictatorial que actualmente cumple su tercer mandato, Sonoya Mizuno como Anya, una reportera británica incrustada en el avance de las fuerzas occidentales sobre la capital, Jefferson White como Dave, el cámara de Anya, Nelson Lee como Tony, un reportero hongkonés que es buen amigo de Lee y Joel, Evan Lai como Bohai, un reportero hongkonés colega de Tony y Jesse Plemons como un militante ultranacionalista que encañona a los periodistas completarían el reparto.

Estuve pensando si ver en el cine Civil War porque estoy un poco sensibilizado contra los panfletos ideológicos que han invadido el entretenimiento mainstream en los últimos años. Sin embargo, leí varias críticas sobre que esta película realmente planteada cuestiones complejas de formas no maniqueas, así que decidí darle una oportunidad. Y me alegro de haberlo hecho. La clave principal de la película es que Garland evita conscientemente hablar de republicanos y demócratas, hasta el punto que los dos bandos podrían ser de ambos partidos. Porque en el momento en que estalle la guerra, ya no será un tema de buenos o malos, sino que todos pierden, sobre todo la población civil.

Lee Smith, la protagonista interpretada de forma magistral por Kirsten Dunst, da la clave de la película cuando afirma que ellos, los fotoperiodistas, no están para juzgar, sino para dar fe de unos hechos que tendrán que ser interpretados por otros. Además, afirma que cuando era corresponsal de guerra en el extranjero pensaba que cada foto suya de una masacre o un hecho terrible era un toque de atención para que la gente se viera afectada por las imágenes, e impidiera que lo mismo ocurriera en su hogar. En la película obviamente Lee no tuvo éxito, pero diría que eso mismo es lo que Garland plantea con esta película, al crear una historia sin moraleja que da por bueno limitarse a mostrar escenas terribles de americanos luchando con americanos casi sin sentido ni objetivo más allá de la lucha en si misma. Casi como modo de llamar la atención para una sociedad americana dividida como nunca entre demócratas y republicanos, ante una situación que ahora mismo es ficción, pero está demasiado cerca de la realidad de lo que nos gustaría.

Civil War empieza en medio de todo, y me resulta super interesante que Garland en realidad no quiere darnos ningún contexto de lo que sucedió antes. Por conversaciones entre el grupo de periodistas sí sabemos que la guerra estalló tras romper la ley el presidente y tomar posesión del cargo un tercer mandato, lo que provoca la independencia de varios estados entre los que están California y Texas. También se dice que el presidente eliminó el FBI y ha bombardeado a población civil, se entiende que en el contexto de la guerra civil. Sin embargo, el bando independentista en realidad no puede ser calificado de ser «el bueno» dado las cosas que hacen sobre todo en la parte final de la película.

Otra de las cosas que más me ha gustado de Civil War es que presenta a unos periodistas muy alejados de visiones idílicas de la profesión. Uno de los grandes males del periodismo hoy en día es que la mayoría han abandonado la búsqueda de la verdad y se han convertido en unos activistas de las ideas que defienden y que intentan imponer de forma igual de fanática que las ideas que dicen combatir. De esta forma, estamos viendo innumerables ejemplos de periodistas y medios que evitan informar de cosas ciertas si creen que va a afectar negativamente a «su bando». Me alegra comprobar que Garland NO plantea a los protagonistas de esta manera, siendo unas personas que se sienten reales, con elementos positivos y negativos, buenas intenciones y demonios en su pasado.

Me ha flipado ver a unos periodistas junkies de la adrenalina para los que meterse en una situación de combate les da claramente un subidón que es tan importante para ellos como informar de los hechos. Tener una versión tan humana y a la vez tan poco favorecedora para la profesión me parece uno de los principales hallazgos que plantea Garland. Algo que supongo ha escocido a más de uno.

Junto a Kirsten Dunst, la dura fotógrafa curtida en mil batallas, tenemos a un alucinante Wagner Moura como Joel, un periodista amigo de Lee que quiere conseguir como sea la exclusiva de la última entrevista al presidente antes que sea detenido y quizá asesinado. Moura tiene también una humanidad bestial, con todos sus defectos también, que convierten a Joel en un personaje espectacular. El trío lo completa Cailee Spaeny como Jessie Cullen, una aspirante a fotógrafa de guerra que será nuestros ojos al ser la novata que verá por primera vez situaciones tremendas. Los tres actores están estupendos en sus papeles, dentro que Dunst es la que más fuerza y brillantez transmite a lo largo de la película, y Spaeny la más flojita. Dentro de cumplir todos con el rol que plantea Garland en la historia.

Otra de las claves de la película es que Garland nos golpea en varios momentos con escenas de gran violencia y una tensión bestial. Civil War tiene una fuerza visual alucinante, con montones de planos increíbles, lo que sorprende en parte pensando que Garland fue escritor antes que director. Comentar además que Garland me ha ganado con un recurso que emplea en muchísimos momentos, al mostrar en medio de escenas frenéticas de acción el resultado de una foto de los protagonistas, que hace que veamos la acción con una imagen estática sin ningún sonido durante ese segundo, lo que aumenta la fuerza dramática de esa escena.

Además, comentaba al principio que Civil War ha costado 50 millones, y la verdad es que lucen estupendos en pantalla, al tener una historia con múltiples localizaciones, destacando la batalla de Washington que tiene lugar en el climax de la película. Aparte de la fuerza de la historia, visualmente la película tiene muchísima fuerza, siendo una de esas historia que merece la pena ver en pantalla grande.

Lamentablemente, la película dista mucho de ser perfecta. Está genial la intención de Garland de avisar a los americanos que esta ficción está más cerca de la realidad de lo que a la mayoría nos gustaría. Pero al final la historia se reduce a la idea fuerza que en una guerra todos son malos y se van a cometer grandes desastres en nombre de la libertad. Y me ha resultado demasiado poco, demasiado endeble todo el conjunto. Civil War está planteada como una historia episódica en el que el grupo de protagonistas encuentra varias situaciones durante su viaje. Estructura que en si misma no es un problema.Pero quizá un problema es que la mayoría de veces muestran no algo que realiza un bando o el otro, sino personas particulares que no saben por qué luchan ni qué defienden, más allá de atacar a otros.

En ciertos momentos estas escenas recuerdan el cine de zombies, al mostrar lo peor de la raza humana cuando hay escasez de recursos. Sin embargo, como digo, la mayoría de escenas no tienen un elemento político al ser hechos de personas individuales no se sabe con qué ideología. Por ejemplo, en la escena inicial del atentado en Nueva York, en la gasolinera en la que vemos cómo tratan a los ladrones o durante la tensa escena del francotirador en una casa cercana a la carretera. Todas son escenas super tensas que te ponen el corazón en un puño, pero en realidad son momentos sin demasiado sentido más allá de que la violencia engendra violencia. La tremenda escena protagonizada por Jesse Plemons es la única que puede decirse que se trata claramente de una persona de ideas cercanas a la Asociación Nacional del Rifle o los Republicanos. Pero como comentaba me gusta que esto no sea una situación de señalar a uno de los dos principales partidos políticos de los Estados Unidos.

Civil War tiene una historia y un mensaje tan endeble que provoca que muchos momentos visualmente poderosos como el incendio en el bosque se sienta como una escena bonita pero vacía, siendo una sensación que sobrevuela en muchos momentos. Por cierto, dada la complejidad a priori de una película de esta naturaleza, me ha encantado poder ver una historia contada en 110 minutos, yendo al grano con lo que nos quiere contar desde el minuto uno, lo que evita que la película llegue a hacerse larga, cosa que no sucede.

Tengo que expresar también que Garland plantea un giro en relación con uno de los protagonistas que no me ha gustado nada, al ser una situación que sale de la nada, no me parece lógica con lo visto hasta ese momento y va contra natura de ese personaje. Esa parte no me ha gustado nada. Por contra, la evolución del personaje de la fotógrafa novata sí me ha gustado mucho y refuerza la visión nada idílica que la película hace de la profesión.

Estaba leyendo además que la película ha sido criticada en los Estados Unidos precisamente por no plantear la idea de buenos (demócratas) frente a malos (los republicanos), demostrando que Garland tenía razón en plantear su historia en los términos en que lo ha hecho. Y por supuesto, dejando a la vista la gran mentira del periodismo activista que está arrasando con los valores del periodismo de ética y búsqueda de la verdad, caiga quien caiga. Aunque sean los míos.

He visto muchos elementos interesantes en Civil War y me alegro de haberla visto en pantalla grande. Sin embargo, me hubiera gustado una mayor profundidad en una historia que se me ha quedado super corta. Dentro que agradezco la intención de Garland (o así lo veo yo) de plantear una serie de escenas potentes para que cada uno las interprete como quiera, como si él fuera también un corresponsal de guerra. De hecho, esta es mi interpretación, pero entiendo que la película está abierta a otros puntos de vista, lo cual puede ser una buena excusa para iniciar un debate de ideas que resulte enriquecedor, al no querer dar soluciones fáciles ni una moraleja simplista.

Comparto el trailer de la película:

Civil War es impactante e imperfecta a partes iguales. Me alegro de haberla visto pero no creo que la vuelva a ver de nuevo. Pero en todo caso la recomiendo para que tú también puedas tener tu propio criterio ante una historia que se siente demasiado cercana a la realidad de lo que debería.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Crítica de Monkey Man de Dev Patel

Fui con ganas de pasar un buen rato con el debut en la dirección del actor Dev Patel. Y quizá por eso el chasco que me he llevado con Monkey Man haya sido tan grande.

PUNTUACIÓN: 4:10

Kid es un delincuente que acaba de salir de prisión y vive en la India, intentando adaptarse a un mundo marcado por la avaricia y carente de valores espirituales. Allí luchará por buscar venganza por la muerte de su madre y defender a las clases más desfavorecidas. (FILMAFFINITY)

Dev Patel (Harrow, Londres, 1990) es un actor y ahora director británico. Además de destacar el hecho que Patel nació en Inglaterra, sus padres son hindúes gujarati pero ambos nacieron en Nairobi (Kenia), donde existía una importante comunidad. Patel comenzó su carrera en la serie juvenil Skins (2007). Su consagración llegó con el papel protagonista en Slumdog Millionaire (Danny Boyle, 2008), por el que Patel fue nominado al premio BAFTA al mejor actor protagonista. La carrera de Patel se amplió con papeles protagonistas en las comedias-dramas El mejor hotel exótico Marigold (2011) y El segundo hotel exótico Marigold (2015), el thriller de ciencia ficción Chappie (2015) y un papel secundario en la serie de HBO The Newsroom (2012-2014). Por su interpretación en el drama Lion (2016), Patel ganó el premio BAFTA al mejor actor de reparto y fue nominado al Oscar al mejor actor de reparto. Posteriormente protagonizó las películas independientes Hotel Mumbai (2018), The Personal History of David Copperfield (2019) y The Green Knight (2021). Monkey Man supone su debut en la dirección.

Además de dirigirla, Monkey Man es una idea de Patel que fue desarrollada en guión por Paul Angunawela, John Collee y el propio Patel. La película de 121 minutos de duración cuenta con fotografía de Sharone Meir, montaje de Dávid Jancsó y Tim Murrell, y música de Jed Kurzel. Me resulta curioso comprobar que la película no se rodó en India, sino en una pequeña isla de Batam, Indonesia. Además, Monkey Man cobró cierta relevancia al comprar Netflix los derechos de emisión, que fueron recomprados por Jordan Peele al no ver el canal de streaming potencial en la película, que tuvo un presupuesto de 10 millones de dólares.

Dev Patel interpreta a Kid / Bobby / Monkey Man (con Jatin Malik como él de niño). Sharlto Copley es Tigre, la única cara reconocible además de la de Patel. El resto del reparto lo forman Pitobash como Alfonso, Vipin Sharma como Alfa, Sikandar Kher como Rana Singh, Sobhita Dhulipala como Sita, Ashwini Kalsekar como Queenie Kapoor, Adithi Kalkunte como Neela, Makarand Deshpande como Baba Shakti y Zakir Hussain como el maestro.

Queriendo buscar cosas positivas que decir de Monkey Man, hay que reconocerle a Dev Patel que lo ha dado todo durante el rodaje de la película. Por lo que se ha comentado, Patel se rompió una mano al comenzar la grabación y sufrió varias heridas durante las diferentes coreografías de acción. Y aunque la ejecución haya fallado, a priori la intención de crear una historia de venganza que conectara con la cultura hindú y los problemas sociales que sufre el país podría habernos dado una película muy chula. Lamentablemente, esto es todo lo positivo que puedo decir de Monkey Man.

Monkey Man es uno de los mayores fracasos creativos que recuerdo en lo referido a cine de acción. Desde Los Mercen4rios no he sufrido una decepción igual en una sala de cine, y al menos en ese caso fui mentalizado que lo que me esperaba no sería demasiado bueno. (Fue peor). Y es que quitando la intención, en la ejecución creo que Patel ha fallado a todos los niveles con una película en la que no me ha gustado casi ninguna de las decisiones creativas que ha tomado.

Empezando por la fallida decisión que toma para rodar las escenas de acción. Patel emplea una «shaky-camera» situada el 99% del tiempo en medio de la acción, literalmente. De forma que no acaba de verse bien lo que está pasando prácticamente nunca. Creo haber leído que ha rodado algunas cosas con un iPhone e incluso con GoPros, y más allá de la posible novedad técnica, la triste realidad es que el resultado final no funciona. Resulta curioso que justo la mejor escena de acción de la película sea la de la cocina del restaurante, justo porque la cámara parece dar dos pasos atrás y permite que los espectadores entendamos lo que está pasando. Si unimos esta cámara temblorosa en medio de la acción a un montaje demencial con miles de cortes, tenemos un ejemplo casi para una tesis doctoral de cómo NO rodar escenas de acción y, yendo más allá, qué NO hacer a la hora de montar una película que se va a estrenar en salas comerciales.

Por supuesto, que una película de acción falle en la representación de la acción es un problema importante. Vital. Pero Patel falla en todo lo demás, empezando por la historia. Monkey Man tiene una duración de dos horas que resulta ridículamente larga, y el guion provoca que la película se me hiciera super larga y aburrida. En lugar de mostrar la muerte de la madre desde el principio que es lo que provoca la historia de venganza, Patel plantea una idea ridícula que es plantear esta muerte como si fuera un misterio que hay que desentrañar, creando una narrativa fragmentada que no nos muestra el suceso en sí hasta bien pasada la primera hora y pico de película. Lo cual es ridículo, porque ya sabemos lo fundamental, la madre murió asesinada y el jefe de policía corrupto lo hizo y merece la muerte. Tener que llegar hasta tan lejos en la historia para ver cómo lo hizo convirtió este camino en momento insufribles y repetitivos, provocando el aburrimiento más absoluto. Apoyado, de nuevo, con un montaje demencial que igual alguien pensó equivocadamente que daba una estética o un ritmo rompedores. NO lo hace, todo mal.

Esto me recuerda algo que ya he sentido en otras películas o comics, y es que a priori está bien pensar hacer cosas no habituales para no caer en el tópico, pero que sea «diferente» no lo hace automáticamente mejor. Dependerá de la ejecución. Y esto es lo que le pasa a Patel. No quiere mostrar la muerte de la madre al comienzo porque es un cliché del género de acción, pero lo que hace alarga una película que no tendría que hacer superado los 100 minutos, perjudicando el ritmo y el disfrute. En este sentido, más allá de la frase publicitaria calificando Monkey Man como un «John Wick con ADN hindú», también Patel comenta que ha intentado conscientemente no copiar a las películas de John Wick, planteando cosas diferentes. Y dentro que está bien no copiar a otras películas recientes, lo que queda claro es que el resultado final palidece totalmente en la comparación.

Volviendo a la historia, hay un elemento de crítica hacia el poder político y religioso en la India que aplasta a los pobres y los masacra por intereses económicos. Pero esta parte que he leído en Filmaffinity que es de las cosas más celebradas de la película en realidad es uno de los tópicos más típicos del cine de acción, que es hacer que los pobres tengan que levantarse ante el poderoso. En todo caso, esto en si mismo no es un problema, claro. Pero el caso es que Patel plantea una idea super cuestionable, ya que hace que el protagonista falle un primer ataque porque se supone que lo hizo con motivos egoístas. Sin embargo, tras ser rescatado al borde de la muerte por el clérigo de la casta inferior, dan a entender que si lucha por el pueblo podrá vencer a los enemigos, cosa que acaba sucediendo (obviamente). Sin embargo, él no está luchando por el pueblo, sino que sigue queriendo vengarse de los que mataron a su madre. Nada de lo que hace Monkey Man va a redundar en una mejora de la vida de los pobres, y lo normal es que al día siguiente sean machacados igual que siempre. Lo único, eso si, es que las personas malas han muerto, pero el status-quo se mantiene igual, viendo que el títere político de estos malvados ha ganado las elecciones. Por lo que esta idea de «héroe de los pobres» en realidad no es lo que la película muestra, aunque este grupo acuda a ayudarle en el climax de la película, con lo que se pone de relevancia otra vez la diferencia entre la posible intención y el resultado final.

Luego además, la película tiene chorradas a mansalva, como que Monkey Man se gane la vida en peleas amañadas y cuando apueste a su favor nadie vea nada raro. O el absurdo interés de hacer que empaticemos con el traficante y delincuente al que Monkey Man engaña para entrar en el círculo de los poderosos. Porque aunque tuvo una vida dura, como todo el mundo por otra parte, es escoria como todos los demás criminales. Es curioso que centro que todos los personajes son unidimensionales sin matices, este criminal es lo más parecido a personaje con evolución a lo largo de la película. Lo cual es otra muestra de lo mucho que falla el guion. Porque Monkey Man es igual de unidimensional que los demás, dentro que su objetivo en la vida es obtener la venganza y ya luego lo demás le da igual.

Aunque hay algún plano interesante aquí y allá y alguna muerte imaginativa, he visto mucha pretenciosidad en Dev Patel en ¡una película de venganza! Por ejemplo, con los aburridísimos y repetitivos planos de la madre y Monkey Man de niño andando por la jungla viendo sus pies, como si estuviera copiando a Terrence Malik en una situación que no pega. En otra escena ante unas muertes super explícitas y violentas de Monkey Man, Patel coloca una canción pop ¿noventera? que no pega nada con el tono hiper violento de la película, como si buscara hacer más digeribles las muertes que causa, lo cual para mi es otra decisión fallida por parte de Patel. Y como véis, van unas cuantas.

Aunque no quiero alargarme, dado que queda claro que no me ha gustado la película, sólo diré que hay que ser muy mal director, o en realidad no entender los esquemas del cine de acción, para hacer una escena de entrenamiento que en lugar de dar subidón al espectador resulte soporífera. Es que es de primero de cine de acción / artes marciales, es lo mínimo que se debería exigir a un director novel. Y en esto Patel fracasa como en todo lo anterior. Y no, que Monkey Man entrene mientras el clérigo de la casta inferior toca dos tambores tradicionales, resaltando el elemento étnico, no es suficiente para hacer que esta escena mola. Cosa que no lo hace. Por cierto, para plantear una película huyendo de tópicos, Patel plantea una escena con una persecución en un carricoche que más típica no puede ser, y con una ejecución igual de mala que todo lo demás.

Esta reseña me ha quedado muy negativa, pero os podéis creer que fui al cine seguro que la película me iba a gustar. Evito ir al cine a ver una película sabiendo que no me va a gustar, para eso me la ahorro y no me gasto mi dinero. Y problema solucionado. Por eso me sabe tan mal que Monkey Man no me haya gustado nada.

Por supuesto, Patel tiene todo el derecho a tomar todas las decisiones creativas que estime oportuno, pero de igual manera yo tengo la suficiente libertad para poder decir si creo que dichas decisiones fueron acertadas o erróneas. Y hay más de los segundo que de lo primero. Por todos estos motivos, en este caso NO os recomiendo que vayáis a verla en el cine.

Comparto el trailer de la película:

La decepción que me he llevado con Monkey Man no tiene nombre, ¡qué mal me sabe!! Lamentablemente, en este caso no os la puedo recomendar.

PUNTUACIÓN: 4/10

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Crítica de La primera profecía de Arkasha Stevenson

Mi hermano Fernando me persuadió para que fuéramos a ver La primera profecía, opera prima de la directora Arkasha Stevenson que hace de precuela del clásico de terror de Richard Donner. Y me alegra decir que me ha gustado mucho.

PUNTUACIÓN: 8/10

Cuando una joven estadounidense es enviada a Roma para iniciar una vida de servicio a la Iglesia, se topa con una oscuridad que pone en cuestión su propia fe y descubre una conspiración aterradora que espera provocar el nacimiento de la encarnación del mal. Precuela de ‘La profecía’ (1976). (FILMAFFINITY)

Arkasha Stevenson es una cineasta y ex periodista estadounidense. Ha dirigido episodios de Legion y Briarpatch, así como la tercera temporada de Channel Zero. La primera profecía supone una brillante opera prime de una directora a la que habrá que seguir con interés.

El guión ha sido escrito por Tim Smith, Keith Thomas y Arkasha Stevenson, a partir de una historia de Ben Jacoby basada en los personajes creados por David Seltzer para el clásico La Profecía (Richard Donner, 1976). La película de 119 minutos de duración ha contado con un importante presupuesto de 30 millones de dólares, altísimo dentro del género de terror. Rodada el localizaciones de Roma, tiene fotografía de Aaron Morton, montaje de Bob Murawski y Amy E. Duddleston y música de Mark Korven.

La protagonista Nell Tiger Free (Londres, 1999) ha sido para mi el gran descubrimiento de esta película además de su directora. Pero en realidad ya la conocía, dado que ha Nell ha aparecido en series como Servant (Apple TV) y Too Old to Die Young (Prime Video). También interpretó a Myrcella Baratheon en las temporadas 5 y 6 de Juego de tronos (HBO), aunque este es su primer gran papel para el cine. La actriz británica interpreta a como Margaret Daino, una estadounidense enviada a Roma para trabajar en un orfanato antes de tomar el velo y convertirse en monja.

El resto de actores principales de la película son Sônia Braga como Sor Silvia, la abadesa del orfanato Vizzardeli de Roma donde trabajará Margaret, Ralph Ineson como el Padre Brennan, Bill Nighy como el Cardenal Lawrence, un alto cargo de la iglesia católica, Tawfeek Barhom como el padre Gabriel, miembro del clero católico que trabaja en el orfanato y María Caballero como Luz Valez, compañera de piso de Margaret en Vizzardeli. Nicole Sorace como Carlita Scianna, una niña mayor de Vizzardeli, Ishtar Currie Wilson como la hermana Anjelica, una monja perturbada en Vizzardeli, Andrea Arcangeli como Paolo, un hombre que se encuentra con Margaret y Charles Dance como el padre Harris completarían el reparto.

La primera profecía me ha encantado. Y tengo que reconocer que a priori no era una película que me apeteciera ver. Por supuesto he visto La profecía de Richard Donner, pero pueden haber pasado fácil más de 25 años desde la última vez que la vi. Y en general la moda actual de explotar IPs conocidas, como se dice ahora, en muchos casos no me llama especialmente la atención. Sin embargo, como decía al principio, me alegro que mi hermano me convenciera para ir a verla, porque me ha parecido un peliculón. Por lo que acabo de comentar, aunque conozco el argumento de La profecía y que generó varias secuelas protagonizadas por Sam Neill, en realidad no tenía en mi mente esta película ni había pensado en ella dado que como os digo no pensaba verla y lo de ir al cine fue casi pensado y hecho. Y la verdad es que lo he agradecido un montón durante el visionado.

Entrando ya en materia, me parece una bendita maravilla lo que acaba de hacer la directora Arkasha Stevenson en su primera película. La primera profecía es una película modélica que todo lo hace bien. Que tiene claras las influencias pero sabe crear su propia historia y su propia mitología. Que sabe que es una película de terror pero no se averguüenza de ello y saca todo el partido a las posibilidades expresivas que se le proporcionan. El guion me parece muy acertado, sobre todo por la forma de plantear el principio de la película, que recuerda poderosamente a La profecía original, pero luego lleva la película por otros derroteros. Hay que decir que aunque plantea una sorpresa que sea el giro del tercer acto, en realidad este giro es algo que es evidente y se ve venir. Pero esto no creo que sea un problema del guion sino que los espectadores hemos visto ya mucho cine y llegamos muy guerreados. Dicho esto, si hubieron varios elementos de la historia que me sorprendieron, entre otros el propio final.

La puesta en escena con localizaciones en Roma ayuda a crear la atmósfera que se espera en una historia de terror satánico. Stevenson plantea una película con el ritmo perfecto que hace que estés super intrigado de principio a fin. Además de una fotografía perfecta y un montaje que resalta la naturaleza satánica de la historia, con numerosos momentazos, quiero destacar el montaje de sonido que incorpora elementos espeluznantes super chulos. Y aunque no es una película de sustos fáciles y jump-scares, hay varios momentos que casi consiguieron que apartara la cabeza porque me resultaron super perturbadores, sobre todo referidas a las visiones de Margaret y las escenas de partos. Y además, la película añade el mítico «Ave Satani» de Jerry Goldsmith, el tema principal de la película clásica, lo cual fue también un puntazo.

Como comentaba, la interpretación de Nell Tiger Free me ha encantado no, lo siguiente. Su creación de Margaret es tan alucinante que creo que puede ser una de las grandes interpretaciones del año y que debería recibir como mínimo una nominación a los Oscars. Y sin embargo, tengo claro que al ser una película de terror clásico, nada de un «elevated horror» o castañas similares de directores gafapastas acomplejados, su trabajo será ninguneado por el stablishment cinematográfico como tantas veces ha sucedido en el pasado. Margaret tiene unos matices bestiales, y en los momentos de sus visiones construye momentos potentísimos. Vimos la película en versión original, y los matices en su voz ayudaron a meterme aún más en la película.

El resto del casting cumple muy bien con lo que la historia requiere de ellos, destacando los veteranos Sônia Braga, Ralph Ineson y Bill Nighy, pero también la joven Nicole Sorace que interpreta a Carlita Scianna, una huérfana adolescente que sufre castigos continuados por parte de las monjas y que a Margaret le recuerda su propia infancia en otro orfanato en este caso en Estados Unidos. En realidad nadie diría que está super bien, pero que ayudad con su buen hacer a que la película sea tan satisfactoria.

Por cierto, me ha encantado que en el final se muestra una foto de archivo de Gregory Peck, lo que reafirma que esta película se plantea como precuela del clásico del cine de terror, y no como un reboot del concepto que lleve a los productores a plantear una nueva franquicia cinematográfica. Cosa que igual pasa, que tampoco se puede poner la mano en el fuego por nadie y menos por un estudio de Hollywood. Pero en realidad sí que me gustaría me cuanta más gente posible se animara a ver esta película porque de verdad que lo merece.

La primera profecía me ha parecido un peliculón. No pensaba verla y me ha dejado super satisfecho. No le pido más a una película de terror, te la recomiendo sin duda.

Comparto el trailer de la película:

La primera profecía es una película modélica que todo lo hace bien y destaca por su alucinante protagonista. Super recomendable.

PUNTUACIÓN: 8 /10

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