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Crítica de Rocketeer de Joe Johnston (Disney Plus)

Mi suscripción a Disney+ me he permitido recuperar Rocketeer (Joe Johnston, 1991), película de aventuras basado en el comic de Dave Stevens ambientado en el Hollywood de 1938 que ha envejecido de maravilla y que ha sido un gran entretenimiento.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Hollywood, años treinta. Después de robar un arma secreta en Los Ángeles, la mafia la esconde en un aeródromo. Se trata de un propulsor individual que convierte a quien lo utiliza en un auténtico hombre cohete. Los nazis están muy interesados en ella. Fortuitamente llega a manos de Cliff Secord, un piloto acrobático a quien todos intentarán atrapar. (FILMAFFINITY)

El director Joe Johnston comenzó su carrera como diseñador de efectos especiales en la trilogía de Star Wars o las dos primeras películas de Indiana Jones. Su primera película como director fue Cariño, he encogido a los niños (1989), tras la que consiguió el encargo de dirigir Rocketeer, en parte por su conocimiento técnico previo de cara a sacar adelante una película compleja para la época, y cuya principal virtud fue transmitir el feeling del Hollywood clásico.

El guión fue realizado por Danny Bilson y Paul De Meo, haciendo un gran trabajo adaptando a la gran pantalla el comic de Dave Stevens. Stevens se involucró muchísimo con esta película, hasta el punto que prestó al diseñador de producción Jim Bissell su archivo de imágenes de la época, y comentó en más de una ocasión que lo siguieron hasta la última coma en la construcción de los hangares, el restaurante con forma de perro en el que comen los protagonistas y el resto de sets de la película.

Uno de los elementos más recordados y carismáticos de la película es la sobresaliente banda sonora de James Horner, que consigue transmitirnos desde el primer acorde al pasado, a una época de héroes corrientes y gangsters, de personas normales y ¡nazis!!

Joe Johnston tuvo que luchar para que Disney diera el papel al hasta ese momento desconocido Bill Campbell como protagonista. Campbell fue un genial Cliff Secord, un piloto de acrobacias que simboliza al chico normal que se ve metido en una aventura extraordinaria.

Jennifer Connelly rodó la película con tan solo 18 años y se convirtió en el amor platónico de toda una generación. Connelly es Jenny Blake, una aspirante a actriz y novia de Secord. Junto a Connelly, tenemos a Timothy Dalton como la estrella de Hollywood Neville Sinclair que intentará quitarle la chica al protagonista, Alan Arkin como A. «Peevy» Peabody, jefe y amigo de Secord que construye aviones de carreras o Paul Sorvino como el gangster Eddie Valentine.

Destacaría además en el apartado técnico a Hiro Narita como director de fotografía, mientras que el montaje corrió a cargo de Michael A. Stevenson

Rocketeer es un gran entretenimiento. Sus 110 minutos pasan en un suspiro y su visionado nos traslada al Hollywood dorado de los años 30, con grandes decorados y restaurantes de lujo donde bandas de música tocan las canciones de moda. El sentimiento de aventura clásico está asegurado desde los títulos de crédito con la maravillosa música de James Horner.

El diseño de producción y los elementos técnicos siguen siendo una pasada. Excepto por alguna doble imagen super puntual, todas las escenas de vuelos siguen molando.

El reparto cumple de maravilla con su función. Campbell es el prototipo de chico normal metido en una aventura por casualidad, aunque quizá hay que reconocer que «sólo» lo hace bien, no se sale en pantalla. Connelly es una maravillosa «girl-next-door», mientras que Timothy Dalton hace de un genial «Errol Flynn malvado».

Además, otro elemento que creo que merece destacar es la combinación de aspectos fantásticos con figuras reales de la época como Howard Hugues.

Quizá el único pero de la película es que no pasan cosas super espectaculares ya que Rocketeer no es un superhéroe, sino simplemente una persona normal con una mochila que le permite volar. Aunque se enfrenta a nazis y gangsters, ese año tuvo una dura competencia al estrenarse Terminator 2. Rocketeer no pudo competir contra el fenómeno de James Cameron, y su aire retro provocó que el público no quisiera verla al parecer ¿antigua?

En todo caso, estos casi 30 años desde su estreno no le han sentado nada mal a la película y sigue ofreciendo un gran entretenimiento.

Comparto el trailer de la película:

Rocketeer es una excelente película de aventuras que recupera con éxito el espíritu de los clásicos de Hollywood y por la que no ha pasado el tiempo. Una película que no puedes perderte si estás suscrito a Disney+.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

 

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Crítica de La canción del mar de Tomm Moore (Prime Video)

La canción del mar es una maravillosa película de animación dirigida por Tomm Moore que está disponible en Prime Video y que no deberías perderte sobre todo si estás en casa con niños pequeños.

PUNTUACIÓN: 8/10

La historia del viaje a casa del último Niño Foca. Después de la desaparición de su madre, Ben y Saoirse son enviados a vivir con su abuela a la ciudad. Cuando deciden volver a su casa junto al mar, su viaje se convierte en una carrera contra el tiempo a medida que se internan en un mundo que Ben sólo conoce a través de las leyendas que le narraba su madre. Pero éste no es un cuento para dormir; estas criaturas llevan en nuestro mundo demasiado tiempo. Ben pronto se da cuenta de que Saoirse será la clave para su supervivencia. (FILMAFFINITY)

Tomm Moore es un director de animación irlandés.La canción del mar fue estrenada en 2014, y antes había realizado en 2009 El secreto del libro de Kells, y tenía previsto estrenar este año Wolfwalkers, aunque no se si debido al confinamiento llegaremos a verla este año. Es el fundador del estudio de animación Cartoon Saloon que produce esta película junto a Digital Graphics, y es una coproducción irlandesa, danesa, belga y luxemburguesa.

El guión de esta película es de Will Collins a partir de una historia del propio Moore, y obtuvo una nominación al Oscar a mejor película de animación en 2014, consiguiendo el Premio del Cine Europeo a Mejor film de animación.

 

Lo primero que sorprende en La canción del mar es su animación, creada con técnicas tradicionales 2D, que transmiten un feeling a los cuentos infantiles de toda la vida. Los niños y los seres positivos están creados con formas muy básicas redondeadas, mientras que todo lo que significa amenaza de construye con formas rectas y líneas cortantes. Estos hace que los niños pequeños sepan en seguida si algún personaje es bueno o malo.

Pero por detrás de esta aparente simplicidad, Moore construye unos fondos maravillosos de gran colorido y expresividad, que crean un mundo mágico que existe alrededor de los niños y les manda a una misión inspirada en los cuentos y mitos irlandeses. Además, nos estamos acostumbrando tanto a la perfección de la animación de Disney, Pixar o DreamWorks que supone una sana novedad ver una película como está con una animación «imperfecta» pero maravillosa que transmite artesanía y trabajo manual.

Estamos ante una historia para niños en la que Ben, el hermano mayor tendrá que aprender a querer a su hermana pequeña a la que culpa de la muerte de su madre. El viaje emocional del personaje está muy bien contado de forma que consigue emocionar a padres y a hijos.

Además, La canción del mar tiene una cualidad atemporal como los mejores cuentos para niños, que hace que aunque sea una historia original puede llegar a hacernos creer que es un mito que siempre existió en las leyendas irlandesas.

No conocía a Tomm Moore y he descubierto esta película gracias a la recomendación de un amigo. Debo decir que me ha maravillado su capacidad narrativa creando historias que son todo corazón. Sin duda tengo que ponerme a buscar a su película anterior, El secreto del libro de Kells.

Comparto el trailer de la película:

La canción del mar es una maravillosa película llena de emoción y magia que consigue maravillar a niños y mayores. Un must-see absoluto para todos los fans de la animación.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

 

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Crítica de Midway de Roland Emmerich (Prime Video)

Midway es la mejor película de Roland Emmerich de la última década, una estupenda película bélica que recrea la batalla naval que en 1942 cambió el rumbo de la Segunda Guerra Mundial y que está disponible en Prime Video.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Año 1942, Segunda Guerra Mundial. Después del devastador ataque sorpresa que destruyó Pearl Harbor, la Armada Imperial Japonesa se prepara para un nuevo ataque. Pero el Almirante Nimitz (Woody Harrelson) y Dick Best (Ed Skrein), el mejor piloto de la armada estadounidense, preparan un contraataque al imponente ejército japonés. Así, Best encabezará un ataque masivo que hará que Japón se dé cuenta de su error. Una decisión que cambió el curso de la historia para siempre. Mientras estos dos titánicos enemigos emprenden una letal batalla para cambiar el rumbo de la guerra, todas las miradas se vuelcan hacia la remota isla de Midway, donde una serie de contundentes ataques aéreos y marítimos pondrán a prueba la potencia y la fortaleza de ambas naciones. (FILMAFFINITY)

La película cuenta con guión de Wes Tooke, fotografía de Robby Baumgartner y música de Harald Kloser y Thomas Wanker. Con un presupuesto de 100 millones, es una de las películas independientes de mayor presupuesto jamás realizada, ya que Emmerich tuvo casi que ir puerta a puerta con inversores privados para conseguir financiación al no conseguirla de los grandes estudios, consiguiendo los últimos 25 millones de productoras chinas. Y debo decir que estos 100 millones lucen de maravilla en pantalla, de hecho, me parece increíble que pueda lucir todo tan bien teniendo en cuenta este presupuesto.

El reparto está plagado de grandes actores entre los que encontramos a Ed Skrein, Patrick Wilson, Dennis Quaid, Woody Harrelson, Luke Evans y AaronEckhart, todos ellos interpretando a figuras reales que participaron en la guerra y son considerados héroes americanos.

La película dura 138 minutos y cuenta de forma perfectamente entendible lo que fue la contienda en el océano Pacífico desde el ataque a Pearl Harbor en 1942 hasta esta batalla que marcó el principio del fin del Imperio de Japón.

Había leído algunas críticas negativas de esta película y cuando se estrenó en el cine el año pasado reconozco que me dió pereza verla, en parte por la propia figura de Roland Emmerich y sus películas de catástrofes. Una vez vista gracias a mi suscripción a Prime Video me dió pena no verla en pantalla grande, porque todo luce genial. Emmerich rodó en Haway en escenarios reales y las escenas de batallas aéreas lucen super espectaculares.

Sobre las críticas negativas, me recuerda el viejo refrán «si no quieres polvo no vayas a la era». Creo que es absurdo ver una película a sabiendas que no te va a gustar para poder quejarse luego y decir que es «una americanada». Es cierto que para Emmerich una parte fundamental de la película es homenajear a los héroes americanos que son personas normales que se levantaron ante circunstancias excepcionales. Esa es toda la construcción de personajes que necesitamos, en este tipo de películas no buscamos ni son necesarios profundos estudios psicológicos, y no pasa nada si es así.

Lo cierto es que lo que cuenta Emmerich lo hace de maravilla y consigue que un hecho conocido, los americanos ganan, esté envuelto en tensión al no saber qué va a pasar y quién va a sobrevivir.

Otro hecho importante es su controlada duración. Conseguir contar tanto en tan solo 138 minutos me parece un milagro, más en estos momentos en que se ha convertido casi en habitual el estrenar películas de 3 horas. Emmerich triunfa en el uso de la economía narrativa centrándose en aquellos hechos históricos realmente relevantes. Pero recordando Pearl Harbor (Michael Bay, 2001) en la que la batalla duraba más de una hora, o al menos a mí me lo pareció, Emmerich no se recrea en las muertes o las explosiones, sino en la historia que quiere contar. Narrativamente, este Midway le pega mil vueltas a la película de Bay.

Normalmente siempre comento algo menos bueno de todas las películas, pero en este caso creo que todo está en función de la historia y dentro de su modestia y falta de pretensiones, Emmerich triunfa en todo lo que se propuso con esta película.

Comparto el trailer de la película:

Midway es una estupenda película bélica que transmite el encanto de los clásicos del género, con un gran reparto y excelentes escenas bélicas que satisfará a todos los fans del género y que, ahora que está en Prime Video, nadie debería perderse.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

 

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Crítica de Train to Busan, de Yeon Sang-ho (Prime Video)

Escribiendo ayer la crítica de Seoul Station, me di cuenta que no había hablado en el blog sobre la estupenda Train to Busan (Yeon Sang-ho, 2016) dado que no pude verla hasta varios años después que se estrenara. Aprovechando estos días de confinamiento y que está disponible en Prime Video, quiero aprovechar para recomendarla, no hay excusa para no verla.

PUNTUACIÓN: 8/10

Un virus letal se expande por Corea del Sur, provocando violentos altercados. Los pasajeros de un tren KTX que viaja de Seúl a Busan tendrán que luchar por su supervivencia. (FILMAFFINITY)

Yeon Sang-ho (1978) es un director y escritor surcoreano que empezó en el mundo de la animación con películas como The King of Pigs (2011) y The Fake (2013). Consiguió el reconocimiento a nivel mundial gracias a su ópera prima en imagen real, la notable Train to Busan (2016), dirigiendo a continuación de nuevo en animación Seoul Station (2017), película que sirve de precuela de esta, tras la que estrenó Psychokinesis (2018), una película en imagen real de superhéroes desde el punto de vista coreano. Peninsula (2020) es su última película, no tanto una continuación de Train to Busan como una nueva historia ambientada en el mismo universo.

Train to Busan cuenta con un guión del propio Yeon Sang-ho junto a Park Joo-suk, y cuenta con fotografía de Lee Hyung-deok, montaje de Yang Jin-mo y música de Young-gyu Jang.

Los principales protagonistas de la película son Gong Yoo como Seok-woo, un broker obsesionado con su trabajo, Kim Su-an como Su-an, la hija pequeña de Seok-woo que tiene que ir en tren a Busan para estar con su madre, Ma Dong-seok como Sang-hwa, un duro trabajador de clase media-baja, Jung Yu-mi como Seong-kyeong, la esposa embarazada de Sang-hwa, Choi Woo-shik como Yong-guk, un adolescente jugador de baseball, Sohee como Jin-hee, amiga de Yong-guk y cheerleader del equipo y Kim Eui-sung como Yon-suk, un rico y egoista empresario que consigue subir al tren antes de que estalle el ataque zombie.

Train to Busan se convirtió en un verdadero fenómeno en Corea en 2016, convirtiéndose en la primera película que consiguió más de 10 millones de espectadores, un éxito brutal que vino acompañado además de unas críticas mayoritariamente positivas.

Es curioso como el visionado de Seoul Station y Train to Busan me hace ver que la película de animación realiza una crítica social mucho más despiadada, mientras que Train to Busan se queda en una película más genérica centrada en el entretenimiento zombie. Yeon comenta que quería representar la ira colectiva de la sociedad de una «manera simple y poderosa» al hacer una película de zombis en la que los zombis se encuentran entre las personas que protestan por el empeoramiento en la situación social del pais. Obviamente, en toda película del género hay algo de crítica social, y en Train to busan tenemos por ejemplo al rico empresario que manipula en el tren a la gente asustada en su propio beneficio, pero creo que sirve para el argumento general y no se plantea como un intento de hacer “sangre” con los defectos de la sociedad y el país (si me permitís la metáfora), como sí parece que intenta hacer Seoul Station.

Visualmente, Train to Busan tiene momentos super chulos durante todo el metraje. En lo relativo a los zombies, merece la pena destacar que Yeon Sang-ho plantea unos muertos vivientes corredores como vimos en Guerra Mundial Z y que parece que se ha impuesto en otras películas recientes. Esto aleja a la película de las versiones más clásicas del género pero consigue amplificar la sensación de peligro y que todos pueden morir.

En conexión con The Walking Dead (el comic y la serie de televisión), el verdadero problema no está en un zombie aislado, sino que la formación de mareas de zombies corriendo al unísono crea una amenaza imparable que arrasa con todo. Las escenas en las estaciones de trenes son unos notables ejemplos que dejan momentos para el recuerdo.

La principal novedad de Train to Busan ese encuentra en las escenas dentro del tren, que suponen un espacio cerrado pequeño y claustrofóbico y que permiten mostrar escenas brillantemente resueltas que transmiten las ganas de hacer cosas diferentes dentro de un género que parecía muy trillado y condenado a la repetición.

Quizá el elemento menos bueno son los personajes, que tal vez debido al gusto coreano no tienen una verdadera personalidad, quedándose en arquetipos: El duro y seco trabajador que ama sobre todo a su mujer, el broker que no tiene tiempo para su hija, el jugador de baseball y la grupie… En una película de zombies ya se sabe que la mayoría de personajes no van a sobrevivir, pero al no conseguir que empaticemos con nadie (con casi nadie, pero no digo con quién por los spoilers), la mayoría de muertes se me quedaron bastante planas.  Destacar eso si en la trama el papel de las dos hermanas ancianas, que ofrecen uno de los climax de la película.

Además, como ya me pasó en Seoul Station, la película muestra el machismo de la sociedad coreana con unos personajes femeninos que no hacen nada proactivo y tienen que ser siempre salvadas por los hombres. En este sentido, entendería que hubiera gente a la que este aspecto pudiera incluso molestarla. En todo caso, creo que este hecho es un tema menor conociendo la idiosincrasia cultural del pais, algo que los fans del cine asiático sin duda conocen de sobra, y que no impide el difrute de la película.

En resumen, Train to Busan resuelve de forma brillante todos los desafíos narrativos que plantea y que ofrece un más que buen entretenimiento para estos días de confinamiento.

Comparto el trailer de la película:

Train to Busan significó un interesante añadido a los mitos del cine de zombies planteado desde el punto de vista coreano. Una película que ningún fan del género de zombies debe perderse.

PUNTUACIÓN: 8/10

 

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Crítica de Seoul Station de Yeon Sang-ho (Prime Video)

Gracias a Prime Video he descubierto Seoul Station (2017) película de animación que sirve de precuela de la mítica película coreana Train to Busan (2016) que ha sido escrita y dirigida por su director Yeon Sang-ho.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Es de noche en Seúl, y la estación central se convierte en un hogar para los mendigos. Uno de ellos muestra síntomas de lo más extraños. Mientras, una chica rompe con su novio y busca refugio en la estación, pero ahí solo encuentra una horda de vagabundos convertidos en zombis. Su padre y su novio deberán encontrarla en medio del caos. (FILMAFFINITY)

Esta película de animación ha sido escrita y dirigida por Yeon Sang-ho, el director de Train to Busan, y cuenta con música de Young-gyu Jang.

Entrando en materia, aunque la acción de la película nos remite a una historia típica de zombies, bajo la superficie Yeon Sang-ho lanza unos proyectiles super certeros a la línea de flotación de una sociedad cada vez deshumanizada que merece lo que le está a punto de suceder.

En muchos momentos Seoul Station parece gente tonta haciendo tonterías por las decisiones que parecen tomar. Y desde el punto de vista occidental diría que resulta hasta bastante machista dado que la única protagonista femenina se pasa llorando toda la película y necesitando que otras personas, hombres todos, la salven. Entiendo que esto muestra la sensibilidad asiática en general y coreana en particular, bastante más atrasado que el que tenemos en España, además que dejar claro que es una película de 2017 anterior a la explosión del feminismo actual.

Pero frente a este comentario superficial, lo cierto es que bajo el paraguas de la historia de zombies se desliza una crítica social bestial. En general ante una sociedad que mira hacia otro lado ante los pobres y los sin techos, dándole igual si viven o mueren. Además, Yeon Sang-ho es especialmente crítico contra una juventud vaga y pusilánime a los que muestra como unos inútiles y unos parásitos que no hacen nada productivo y no saben reaccionar cuando empiezan los problemas.

Y por si fuera poco, frente a un desarrollo crítico pero bastante genérico, Yeon Sang-ho se guarda un giro final bestial que sirve de tiro de gracia a esta sociedad que merece ser arrasada a ver si lo que venga después es mejor. El final es super duro y cínico, y consigue dejarte en lo más alto.

En lo relativo a la animación, aunque no me parece ninguna maravilla, me parece que cumple correctamente las necesidades narrativas que exige la historia, sin recrearse en detalles gores tipo The Walking Dead. De hecho, Seoul Station tiene una calificación por edades de +13 frente al +16 que tenía Train to Busan, que obviamente me parece que tiene momentos mucho más sangrientos que esta.

Comparto el trailer de la película:

Seoul Station es una más que correcta película que comparte el mismo tono crítico con nuestra sociedad actual, sirviendo de perfecto complemento de Train to Busan mientras esperamos noticias de su continuación cinematográfica. En estos días de confinamiento, estamos ante una película muy recomendable para los fans del cine de zombies.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

 

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