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Crítica de Seven Secrets Vol. 1 de Tom Taylor, Daniele Di Nicuolo y Walter Baiamonte (Boom Studios)

Cuando un escritor está on-fire, hay que subirse al tren porque todo lo que publica es oro puro. Esta ley del comic es totalmente aplicable a Tom Taylor y su nuevo comic Seven Secrets, cuyo primer volumen ha sido publicado recientemente por Boom Studios, con dibujo de Daniele Di Nicuolo y color de Walter Baiamonte. Comparto mis impresiones de este tomo inaugural.

PUNTUACIÓN: 6,5/10

SIETE SECRETOS CAMBIARÁN EL MUNDO.

Durante siglos, la Orden ha confiado en Guardianes y Poseedores para proteger los Secretos en siete maletines contra todo daño, pero cuando su fortaleza es atacada y los secretos se ponen en peligro, toda la Orden debe enfrentar su mayor temor: un enemigo que sabe demasiado y está dispuesto a matar para conseguir lo que quiere. Ahora, el miembro más nuevo de la Orden, Caspar, debe descubrir la verdad de los Secretos antes de que lo haga el enemigo, o arriesgarse a perderlo todo.

El autor bestseller del New York Times Tom Taylor (DCeased) y el artista favorito de los fans Daniele Di Nicuolo (Mighty Morphin Power Rangers) presentan una nueva serie sobre siete secretos poderosos, palabras, maravillas, armas y cosas peores, con el poder de cambiar el mundo.

Este volumen recopila los números 1-6 de la edición USA.

Las artes marciales vuelven a estar de moda. Esto es algo que me parece super curioso, la verdad. Y aunque cuentan con premisas totalmente diferente, hay un momento mientras leía este comic que no pude más que acordarme del excelente Fire Power de Robert Kirkman, Chris Samnee y Matt Wilson. Volveré a la comparación más adelante, pero no cabe duda que aparte de excelentes series de televisión como Warrior en HBO o escenas puntuales en Érase una vez en Hollywood que han mantenido viva la llama de las artes marciales, fue el anuncio de Marvel de una película de Shang-Chi lo que creo que consiguió asentar esta moda en la que nos encontramos dentro del ámbito mainstream. No es extraño que este verano también se estrene una película protagonizada por Snake Eyes, el G.I. Joe más cool de toda la vida.

Tom Taylor se ha confirmado en los últimos tiempos como un seguro de vida. Lobezna, Dcsos, Hellblazer, su serie más reciente de Nightwing o Escuadrón Suicida (que reseñaré en breve), todos sus comics me parecen una chulada que tienen clarísimo su objetivo de entretenimiento pero que consigue clavar a los personajes casi con una línea de diálogo. Cuando descubrí que tenía un nuevo comic independiente en Boom, tenía claro que lo quería tener, porque hay que “aprovecharse” de los escritores mientras están on-fire y en el momento de máxima creatividad.

Esta premisas de siete secretos, organizaciones secretas y conspiraciones que llevan sucediendo desde hace siglos me parece una premisa quizá no excesivamente original, pero que puede dar mucho juego, la verdad. Aparte del “high-concept”, Taylor marca en este comic las que son sus señas de identidad con una historia planteada desde la acción pero en la que consigue que empaticemos con el protagonista Caspar incluso antes de llegar a aparecer en el comic. La forma en que Taylor consigue que conectemos con él de forma inmediata, además de su complejo árbol genealógico, me parece la principal virtud de este primer volumen y la columna vertebral que va a hacer que nos enganchemos al comic.

Y junto a Caspar, que hayan siete secretos guardados por siete parejas de protectores, llamados a su vez Guardian y Poseedor por la función que realizan cada uno de ellos, puede permitir a Taylor alargar la historia de forma orgánica todo lo que le interese a poco que quiera mostrarnos el origen de estos Guardianes y el misterio del secreto que guardan. Aparte por supuesto de las historias de la Orden y sus enemigos.

Comparaba antes a Sietes secretos con Fire Power. Esto me vino a la mente justo en la página que acabo de compartir en la que Caspar empieza a entrenarse en la escuela secreta de la Orden. Y aunque está claro que son historias totalmente diferentes que llevan a sus personajes por sus propios caminos, de alguna manera las comparaciones son inevitables al tratarse de comics de acción centrados en el entretenimiento con personajes con habilidades marciales en los que organizaciones secretas se enfrentan en la sombra.

Y lamentablemente, en la comparación, Seven Secrets sale perdiendo en casi todo, siendo el elemento más flagrante es el apartado artístico. No me han gustado ni el dibujo de Daniele Di Nicuolo ni los colores de Walter Baiamonte. Y vaya por delante que casi todo el mundo sale perdiendo en la comparación con Chris Samnee, pero el estilo de Di Nicuolo sencillamente no está a la altura de la exigencia, en mi opinión. Sus páginas tienen una influencia clarísima del manga en la narrativa y las expresiones de los personajes, con un tono cartoon que no acaba de funcionarme casi en ningún momento que hace que el 99% de las caras del comic sean siempre la misma sin mostrar una correcta dramatización de las situaciones. El comic queda con una sensación de mezcla de manga y comic infantil / “all-ages” que no acaba de cuadran con la violencia que algunas escenas nos están contando.

Di Nicuolo intenta jugar en varios momentos con la estructura de página creando una narración en apaisado juntando las dos páginas, pero realmente falla a la hora de dotarlas de un mayor dinamismo respecto a una página normal, de forma que momentos pensados para generar un WHOAH!!! se quedan en escenas correctas sin más. Además, utiliza en exceso el uso de primeros planos de caras en mi opinión no con motivos dramáticos, ya digo que sus expresiones son el 95% de las veces las mismas, sino en mi opinión para intentar disimular de alguna manera su evidente falta de fondos y sus escenas sin chispa.

Con el elemento añadido que diría que el primer número está mucho mejor dibujado en todos los sentidos que el resto de números de este tomo, como si hubiera tenido más tiempo en el arranque de la serie pero luego los plazos de entrega le hubieran pillado, obligando casi a entregar lo que fuera con tan de llegar a imprenta.

El color en los comics debe ayudar a contar la historia, no sólo haciendo que luzca más brillante y/o emocionante, sino ayudando a transmitir estados de ánimo según cada momento concreto. En este sentido, valoro a Walter Baiamonte como meramente funcional, con unos colores que ahí están pero no colaboran a la hora de contar la historia ni ayudan a disimular los defectos del apresurado lápiz de Di Nicuolo o su falta de fondos. Hay veces que un color alucinante salva un dibujo montonero, por ejemplo en Wasted Space con un estupendo Jason Wordie, no es el caso de este Seven Secrets.

Y tengo claro que excepto honrosas excepciones, Dan Mora en Klaus, por ejemplo, cuando compro un comic de Boom se que el arte va a ser inferior a la media de un comic Marvel o DC, y lo asumo porque prefiero leer cosas nuevas y diferentes y no quedarme con la misma hamburguesa con queso de siempre (que por otro lado me encanta). Pero la realidad es que el apartado artístico de este comic me ha decepcionado mucho. Y si un comic es 50% historia y 50% arte, o incluso más, no puede puntuar bien un comic con un dibujo que no me gustó.

Por no acertar, Taylor no acierta con el cliffhanger de final del volumen, que es el menos potente de los seis comics que se recopilan en este tomo, algo en lo que Kirkman jamás hubiera fallado, de forma que han cortado aquí como hubieran podido cortar en el comic previo o el siguiente, y me ha parecido un detalle un poco chof.

Y no me entendáis mal, no me ha gustado el dibujo pero creo sinceramente que la historia tiene potencial y como me ha gustado y me ha dejado con ganas de saber como continúa la historia, no tengo duda que compraré el segundo volumen seguro.

Comparto las primeras páginas de este primer volumen, que como digo son algunas de las mejores que vamos a encontrar:

¡Qué pena no haber conectado nada con el dibujo de Daniele Di Nicuolo! Porque tengo claro que la historia de Tom Taylor va a darnos un montón de sorpresas y mucho entretenimiento. En todo caso, me quedo con ganas de saber cómo continúa la historia, ya os comentaré cuando salga el segundo tomo a final de año.

PUNTUACIÓN: 6,5/10

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¡Saludos a todos!

Crítica de Mortal Engines de Christian Rivers (Prime Video)

Gracias a Prime Video me animé a ver Mortal Engines, película producida por Peter Jackson basada en el libro de Philip Reeve de temática steampunk, que fue dirigida por el debutante Christian Rivers, colaborador de Jackson en King Kong por la que ganó el Oscar a Mejores Efectos Visuales.

PUNTUACIÓN: 5/10

Miles de años después de la destrucción de la civilización por un cataclismo, la humanidad se ha adaptado y, ahora, existen gigantescas ciudades en movimiento que vagan por la tierra sobre enormes ruedas absorbiendo a los pueblos más pequeños para obtener recursos. En una de esas colosales urbes Tom Natsworthy (Robert Sheehan), proveniente de la clase baja de Londres, deberá luchar por su vida junto a la peligrosa fugitiva Hester Shaw (Hera Hilmar). Dos opuestos, cuyos caminos nunca debieron cruzarse, forman una peculiar alianza destinada a cambiar el curso del futuro. (FILMAFFINITY)

Peter Jackson adquirió en 2009 los derechos de Mortal Engines, novela de temática steampunk escrita por Philip Reeve, de cara a llevarla a la gran pantalla. Sin embargo, al embarcarse en la titánica adaptación de El Hobbit (estrenadas en 2011, 2012 y 2013), el proyecto quedó aparcado durante años. Finalmente, Jackson escribió el guión junto a sus colaboradoras habituales Fran Walsh y Philippa Boyen, quedándose como productor ejecutivo de la película mientras daba la oportunidad de dirigir a Christian Rivers, supervisor de efectos especiales y colaborador de Jackson desde los tiempos de Braindead. Aunque el guión definitivo de la película contaba con numerosos cambios respecto al original, su autor Philip Reeve alavó la película indicando que “Christian Rivers ha realizado un trabajo fantástico, es una película de acción enorme y visualmente increíble, con un ritmo perfecto y un centro emocional creíble. A pesar que hay muchos cambios… la historia es fundamentalmente la misma.”

La coproducción americano-neozelandesa tuvo lugar en Nueva Zelanda en 2017, y Jackson contó con muchos de sus colaboradores habituales de El Señor de los Anillos y El Hobbit, empezando por Weta Digital, que se encargó de crear los estupendos efectos digitales de la película. Mortal Engines cuenta con Simon Raby como director de fotografía, montaje de Jonno Woodford-Robinson y música de Junkie XL.

En lo relativo al reparto, Mortal Engines contaba con Hugo Weaving (el Sr. Smith de Matrix, Elron de El Señor de los Anillos, Cráneo Rojo en Capitán América: El Primer Vengador) como única cara conocida, contratando a un casting de jóvenes actores que son uno de los problemas de esta producción. Weaving interpreta Thaddeus Valentine, Cabeza del Gremio de Historiadores y segundo al mando en Londres solo debajo del Lord Alcalde, y tiene un plan para asegurar la supervivencia de la ciudad.

La protagonista de Mortal Engines es Hera Hilmar, que interpreta a Hester Shaw, una asesina y fugitiva que está desfigurada y que lleva a cabo una vendetta personal contra Valentine. Junto a ella encontramos a Robert Sheehancomo Tom Natsworthy, un aprendiz de historiador de Londres de clase baja que será expulsado de la ciudad y compartirá aventuras con Hester Shaw.

El veterano Stephen Lang (Avatar, No respires) da voz y realiza la captura de movimientos para crear a Shrike, un antiguo guerrero cyborg no-muerto que persigue a su vez a Hester. El reparto, en sus papeles principales, se completa con Jihae como Anna Fang, una piloto y líder de la resistencia, Leila George como Katherine Valentine, hija de Thaddeus Valentine y Ronan Raftery como Bevis Pod, un joven aprendiz de ingeniero amigo de Tom.

Empezando por los elementos positivos de la película que me han gustado, destacaría los estupendísimos efectos especiales empleados en la creación de la enormes ciudades móviles, y el resto de elementos de Mortal Engines, como son los aviones pilotados por la resistencia. Para que una película de esta temática distópica funcionara, el aspecto técnico era una de las claves, ya que si esto fallaba el resto se derrumbaría como un castillo de naipes. En este sentido, la decisión de Peter Jackson de darle la dirección a Christian Rivers funciona.

Técnicamente, la película es una pasada y muestra este mundo desolado de temática Steampunk en todo su esplendor, y cuenta con un diseño de producción bestial que saca el máximo partido a un presupuesto de 100 millones de dólares, que lucen mucho mejor de lo que uno podría pensar.

En general, la película es relativamente entretenida y vista en casa gracias a mi suscripción a Prime Video creo que cumple con el objetivo de proveer un correcto entretenimiento. Me doy cuenta que esta última frase no es especialmente positiva, lo cual indica los numerosos elementos que al menos a mi no me han funcionado.

Mortal Engines es una floja historia de aventuras apocalíptica a la que le falla primero y principal el guión, y si a eso le sumamos la falta de carisma y calidad interpretativa del reparto, tenemos todos los ingredientes para entender que en mi opinión sea una película lamentablemente fallida.

Empezando por el guión, no he leído la novela, por lo que no puedo comparar si los cambios efectuados, que a su escritor Philip Reeve aparentemente no le molestaron, fueron buenos o malos. Pero pensando en la historia que vi en pantalla, Jackson, Fran Walsh y Philippa Boyen escriben la típica historia del “Viaje del héroe”, en la que la dura Hester Shar (Hera Hilmar) viajará por todo el mundo, a partir de un pequeño giro inicial, acompañada por el inocente Tom Natsworthy (Robert Sheehancomo) para conseguir su venganza frente al malvado Thaddeus Valentine (Weaving).

Lo malo del viaje de Hester y Tom es que aunque la película intenta imprimir un ritmo frenético cambiando múltiples veces de ubicación para dar una mayor sensación de escala a este mundo, nada de lo que hacen es realmente interesante, y tampoco consiguen que nos importen ni los protagonistas ni los aliados o antagonistas que van conociendo por el camino. Todo va tan rápido que nada tiene tiempo de asentarse para los espectadores.

Con la excepción de Weaving que hace lo que puede con la casi nada que tiene para trabajar, el casting me parece terrible. Hay muchos ejemplos de buenos actores que consiguen sobresalir y mostrar carisma a pesar de un guión normalito, lamentablemente ninguno de esos actores fue contratado para trabajar en Mortal Engines.

Los jóvenes protagonistas Hera Hilmar y Robert Sheehan son un error de casting monumental. Empezando por Hera Hilmar, aparte que su interpretación es super limitada, su personaje Hester Shaw sufre lo que llamo el “síndrome Michael Clayton” (En honor a la película protagonizada por George Clooney), que es cuando te intentan vender un personaje como algo que nunca muestra en pantalla, creánsode una diferencia insalvable entre lo que dicen que es y lo que muestra realmente en pantalla. Sin entrar en spoilers, solo indicar que la película describe a Shaw como “una peligrosa asesina y fugitiva desfigurada que lleva a cabo una vendetta personal”. Pero cuando analizas lo que la película nos cuenta y cual es realmente su misterioso origen, ni es peligrosa, ni era perseguida por Londres (de hecho, ni siquiera sabían de su existencia), ni por supuesto es una asesina. Y así es muy difícil.

Pero no son sólo los protagonistas. Fruto de la moda actual de la multiculturalidad, Jackson contrató a la cantante coreana Jihae para uno de los papeles protagonistas haciendo de una piloto miembro de la Resistencia. Y me parece genial que la productora contrate actores internacionales, pero puestos a buscar a una actriz coreana, podían haber contratado a alguien que supiera actuar y no alguien que está posando en actitud “mira que guay soy” el 100% de sus minutos en pantalla. Aunque debo decir que no fue la única miembro de la Resistencia que me transmitió eso en pantalla.

Hay además otro gran problema en todo lo referido al propio mundo de Mortal Engines. El guión intenta mostrar como la Mega Ciudad móvil de Londres es una sociedad compleja con clases sociales, gente dirigente que explota a trabajadores que hacen todo el trabajo. Digo intenta porque esto queda en un esbozo apenas desarrollado, una nota al pie de página entre una persecución y otra. Pero es que además, estamos ante una ciudad depredadora que vive de apresar y destruir otras ciudades para alimentarse. Que en este contexto, de repente a algunos personajes de la clase dirigente le entren remordimientos o un ataque de consciencia no queda nada justificado y me ha parecido super forzado.

Además, la mera existencia de una “resistencia” se revela absurda viendo el desarrollo de los acontecimientos que iremos viendo durante la película, al igual que los motivos que explican por qué el no-muerto Shrike (interpretado con poca suerte por Stephen Lang) persigue a Hester y busca venganza contra ella. Digo con poca suerte porque el diseño de este guerrero cyborg no-muerto también me parece fallido y rompe completamente la suspensión de credulidad del espectador, mostrando un mal personaje de un videojuego.

Mortal Engines falla en conseguir que empaticemos con los personajes, pero tampoco acierta en la acción, consiguiendo que en varios momentos la película se me hiciera larga y aburrida, y eso que sólo dura 128 minutos. De nuevo, sin un verdadero vínculo emocional, la acción más grande que la vida no sirve de nada ni crea el impacto emocional que debería conseguir en el espectador.

En todo caso, creo que su fracaso en taquilla fue probablemente debido a su extraña premisa de aventura distópica con ciudades móviles, y a la falta de actores conocidos, mostrando que el nombre de Peter Jackson sólo sin un concepto conocido (como fue LOTR o King Kong) no fue suficiente para vender la película. Mortal Engines, con un presupuesto de 100 millones de dólares, sólo recaudó 83 millones en todo el mundo, lo que significó un importante varapalo económico.

Comparto el trailer de la película:

Mortal Engines es una floja historia de aventuras apocalíptica a la que le falla prácticamente todo, haciendo muy difícil que pueda recomendársela a nadie.

PUNTUACIÓN: 5/10

 

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¡Saludos a todos!

 

Crítica de Rocketeer de Joe Johnston (Disney Plus)

Mi suscripción a Disney+ me he permitido recuperar Rocketeer (Joe Johnston, 1991), película de aventuras basado en el comic de Dave Stevens ambientado en el Hollywood de 1938 que ha envejecido de maravilla y que ha sido un gran entretenimiento.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Hollywood, años treinta. Después de robar un arma secreta en Los Ángeles, la mafia la esconde en un aeródromo. Se trata de un propulsor individual que convierte a quien lo utiliza en un auténtico hombre cohete. Los nazis están muy interesados en ella. Fortuitamente llega a manos de Cliff Secord, un piloto acrobático a quien todos intentarán atrapar. (FILMAFFINITY)

El director Joe Johnston comenzó su carrera como diseñador de efectos especiales en la trilogía de Star Wars o las dos primeras películas de Indiana Jones. Su primera película como director fue Cariño, he encogido a los niños (1989), tras la que consiguió el encargo de dirigir Rocketeer, en parte por su conocimiento técnico previo de cara a sacar adelante una película compleja para la época, y cuya principal virtud fue transmitir el feeling del Hollywood clásico.

El guión fue realizado por Danny Bilson y Paul De Meo, haciendo un gran trabajo adaptando a la gran pantalla el comic de Dave Stevens. Stevens se involucró muchísimo con esta película, hasta el punto que prestó al diseñador de producción Jim Bissell su archivo de imágenes de la época, y comentó en más de una ocasión que lo siguieron hasta la última coma en la construcción de los hangares, el restaurante con forma de perro en el que comen los protagonistas y el resto de sets de la película.

Uno de los elementos más recordados y carismáticos de la película es la sobresaliente banda sonora de James Horner, que consigue transmitirnos desde el primer acorde al pasado, a una época de héroes corrientes y gangsters, de personas normales y ¡nazis!!

Joe Johnston tuvo que luchar para que Disney diera el papel al hasta ese momento desconocido Bill Campbell como protagonista. Campbell fue un genial Cliff Secord, un piloto de acrobacias que simboliza al chico normal que se ve metido en una aventura extraordinaria.

Jennifer Connelly rodó la película con tan solo 18 años y se convirtió en el amor platónico de toda una generación. Connelly es Jenny Blake, una aspirante a actriz y novia de Secord. Junto a Connelly, tenemos a Timothy Dalton como la estrella de Hollywood Neville Sinclair que intentará quitarle la chica al protagonista, Alan Arkin como A. “Peevy” Peabody, jefe y amigo de Secord que construye aviones de carreras o Paul Sorvino como el gangster Eddie Valentine.

Destacaría además en el apartado técnico a Hiro Narita como director de fotografía, mientras que el montaje corrió a cargo de Michael A. Stevenson

Rocketeer es un gran entretenimiento. Sus 110 minutos pasan en un suspiro y su visionado nos traslada al Hollywood dorado de los años 30, con grandes decorados y restaurantes de lujo donde bandas de música tocan las canciones de moda. El sentimiento de aventura clásico está asegurado desde los títulos de crédito con la maravillosa música de James Horner.

El diseño de producción y los elementos técnicos siguen siendo una pasada. Excepto por alguna doble imagen super puntual, todas las escenas de vuelos siguen molando.

El reparto cumple de maravilla con su función. Campbell es el prototipo de chico normal metido en una aventura por casualidad, aunque quizá hay que reconocer que “sólo” lo hace bien, no se sale en pantalla. Connelly es una maravillosa “girl-next-door”, mientras que Timothy Dalton hace de un genial “Errol Flynn malvado”.

Además, otro elemento que creo que merece destacar es la combinación de aspectos fantásticos con figuras reales de la época como Howard Hugues.

Quizá el único pero de la película es que no pasan cosas super espectaculares ya que Rocketeer no es un superhéroe, sino simplemente una persona normal con una mochila que le permite volar. Aunque se enfrenta a nazis y gangsters, ese año tuvo una dura competencia al estrenarse Terminator 2. Rocketeer no pudo competir contra el fenómeno de James Cameron, y su aire retro provocó que el público no quisiera verla al parecer ¿antigua?

En todo caso, estos casi 30 años desde su estreno no le han sentado nada mal a la película y sigue ofreciendo un gran entretenimiento.

Comparto el trailer de la película:

Rocketeer es una excelente película de aventuras que recupera con éxito el espíritu de los clásicos de Hollywood y por la que no ha pasado el tiempo. Una película que no puedes perderte si estás suscrito a Disney+.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

 

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¡Saludos a todos!

Atomic Robo Volumen 1: Atomic Robo y los científicos de acción de Tesladyne, de Brian Clevinger y Scott Wegener #Reseñoviembre Día 20

¿No sabes qué comic leer con tu hijos? Hoy en mi #reseñoviembre tengo una propuesta perfecta para todas las edades, Atomic Robo de Brian Clevinger y Scott Wegener

#RESEÑOVIEMBRE Día 20: Atomic Robo Volumen 1: Atomic Robo y los científicos de acción de Tesladyne, de Brian Clevinger y Scott Wegener

Guión Brian Clevinger

Dibujo Scott Wegener

Color Ronda Pattison

Primera publicación: Atomic Robo vol. 1 1-6 (2007)

Edición Española: Norma Editorial 2010

RESUMEN: DESCUBRE LAS AVENTURAS DEL ROBOT MÁS DIVERTIDO DEL CÓMIC INDEPENDIENTE AMERICANO. En 1923 el genio científico Nikola Tesla creó el primer, y hasta ahora único, robot con inteligencia automática: ¡ATOMIC ROBO!

Desde entonces, ATOMIC ROBO se ha dedicado a la investigación científi ca de sucesos extraños y a la defensa de la humanidad ante amenazas imposibles por medio de su organización TESLADYNE. Acompaña a Robo y a sus científicos de acción en sus misiones contra el malvado científico nazi Helsingard, hormigas gigantes en el desierto de Nevada y pirámides móviles en Egipto. Además, con la participación estelar de Carl Sagan, Stephen Hawking, Thomas Edison y el espíritu de Rasputín. No te pierdas el primer volumen de esta divertidísima serie llena de aventuras trepidantes y diálogos ingeniosos… todo eso que echabas de menos en un cómic.

 

Poniendo las cartas encima de la mesa desde el principio: SI, Atomic Robo es un poco como Hellboy, un ser sobrehumano que investiga casos “especiales” por todo el mundo. No es casual que Brian Clevinger y Scott Wegener hicieran que Nicola Tesla creara a este robot en 1923, lo que les permite contar historias de gangsters, de la segunda guerra mundial y todo aquello que se les ocurra en este marco temporal de más de 90 años.

Estos comics ofrecen unas aventuras para todos los públicos super entretenidas y variadas que trasmiten un feeling de las historias de aventuras de toda la vida. Además, cada tomo cuenta una historia completa con varias historias cortas de complemento que pueden ser leídas de forma independiente y casi en cualquier orden.

El dibujante Scott Wegener comienza este tono buscando su estilo, algo que también se nota en la historia de Clevinger, de forma que este primer volumen se queda en un buen comic con algunos buenos momentos sin más. En el lado positivo, hay que decir que la mejora de Atomic Robo en los tomos dos, tres y en adelante es exponencial, de forma que mi único pero sería precisamente que este primer tomo es el más flojo de toda la serie y podría provocar que un lector ocasional no siguiera comprándola.

Atomic Robo es un comic que puedes leer con tus hijos y que disfrutaréis todos por igual. En el actual panorama comiquero, no es algo que sea aplicable a todos los casos.

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Crítica de Murder Falcon, de Daniel Warren Johnson

Daniel Warren Johnson se ha convertido en uno de los nombres más interesantes del actual panorama comiquero. Tras su excelente Extremity, he disfrutado un montón de Murder Falcon, su última serie de 8 números publicada por Image Comics.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

El mundo está siendo atacado por monstruos horribles, y la vida de Jake se está desmoronando, hasta que se encuentra con Murder Falcon. Fue enviado desde The Heavy para destruir todo el mal, pero no puede hacerlo sin que Jake desate la tormenta del Heavy Metal. Ahora, con cada acorde que toca Jake en su guitarra, el poder del metal alimenta a Murder Falcon en una furia de kung fu contra los que buscan conquistar la Tierra.

¡De DANIEL WARREN JOHNSON, creador de EXTREMITY, nominado a Eisner, llega MURDER FALCON! ¡PREPÁRATE PARA CANTAR! Este tomo recopila los ocho números de la serie publicada por Image Comics.

“Metal will destroy all evil” puede ser el mejor lema del mundo, y ya solo con esta frase ya me habían vendido el comic, que combina el Heavy Metal como única forma de vencer al mal, un protagonista que debe reconciliarse con sus errores del pasado, y un Halcón gigante con un brazo de metal que lucha contra Kaijus superpoderosos, ¿Qué más se puede pedir?

Leyendo la sinopsis del comic, me esperaba un comic ligero, y aunque hay que reconocer que tiene ideas muy muy locas, el protagonista Jake es todo corazón y consiguió emocionarme en la forma en que se levanta y lucha a pesar de haber dejado de lado a todos sus amigos y a la chica que ama.

En la introducción de este comic, el propio Daniel Warren Johnson nos cuenta que “Murder Falcon cuenta con todo lo que ama: el heavy, las viejas furgonetas, cervezas y los bares antiguos. Pero es también sobre ser valiente, lo bastante valiente para coger un instrumento y crear algo más grande que las cosas que nos acechan”.

La forma en que Daniel Warren Johnson nos cuenta como la enfermedad afecta no solo al enfermo sino también a sus seres queridos es otro elemento importante de este comic, y es tan inesperado que me emocionó.

Daniel Warren Johnson tiene un estilo muy influenciado por el manga, y especialmente por Otomo, que transmite toda la fuerza y la energía de las peleas más grandes que la vida contra monstruos super poderosos. Pero también sabe construir a unos grandes personajes que no son perfectos, que sufren y que a pesar de todo intentan hacer lo correcto. Mi definición de héroe sin duda.

Y que la acción se traslade de los Estados Unidos a Japón para el climax final creo que muestra claramente el nivel de cariño y respeto que tiene por la cultura japonesa.

Además, Murder Falcon es la mezcla perfecta de ideas locas, emoción pura y acción widescreen más grande que la vida como sólo se puede encontrar en un comic, que ha conectado conmigo de forma increíble desde la primera viñeta.

Si me aficioné a leer comics fue precisamente por historias como esta que consiguen emocionar gracias a unos personajes geniales y muestran una acción espectacular que sólo puede ser vista en las páginas de los comics.

Narrativamente, Johnson crea un ritmo perfecto en este comic, jugando con los tamaños de viñetas, las sorpresas al girar las páginas, splash pages super bestiales y guardando tiempo para que los personajes cuenten su historia. Sin duda, un gran comic desde cualquier punto de vista.

Comparto las primeras páginas de este comic, que me encantan, pero he elegido deliberadamente no mostras ninguna de las bestiales splash-pages que tiene este comic, ni los momentos más emocionantes, porque prefiero que los descubras igual que lo hice yo. Si después de verlas no compras inmediatamente Murder Falcon es que no tienes corazón:

 

Murder Falcon es super loco, emocionante y con acción más grande que la vida. Un gran comic que he disfrutado de principio a fin, y que te recomiendo sin duda.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

 

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