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Crítica de Once & Future vol 3 de Kieron Gillen, Dan Mora y Tamra Bonvillain (Boom Studios)

La actualización de los mitos artúricos de Kieron Gillen y Dan Mora, con colores de Tamra Bonvillain, Once & Future, es un comic super entretenido que me drja siempre con ganas de más. Hoy comparto mis impresiones del tercer volumen editado recientemente en Estados Unidos por Boom Studios.

PUNTUACIÓN: 7,5/10

El siguiente capítulo de la serie aclamada por la crítica y nominada al premio Eisner en el que Bridgette, Duncan y Rose deben encontrar la manera de estar un paso por delante de Merlín y mantener las cosas en secreto, pero es una era moderna y los secretos nunca permanecen ocultos por mucho tiempo…

LO PEOR DE AMBOS MUNDOS

Aunque los monstruos de Beowulf pueden haber sido derrotados, la convergencia de historias significa que la conexión entre nuestro mundo y el Otro Mundo se vuelve peligrosamente delgada. Decidida a ir un paso por delante de los planes de Arthur y Merlin, Bridgette y Duncan comienzan con lo que saben, rastreando las últimas conexiones que tenía Nimue: los nacionalistas que usó para resucitar a Arthur y Lancelot. Pero encontrar al legendario caballero puede no ser suficiente, Merlín ha encontrado su última pieza del rompecabezas y llega hasta los niveles más altos del gobierno británico. Para evitar más caos, Bridgette, Duncan y Rose deben luchar más duro que nunca para mantener las cosas en secreto, pero es una era moderna y los secretos nunca permanecen ocultos por mucho tiempo …

El exitoso escritor superventas del New York Times, Kieron Gillen, se une al artista ganador del premio Russ Manning, Dan Mora, y la colorista Tamra Bonvillain para presentar el siguierte capítulo de la serie aclamada por la crítica y nominada al premio Eisner.

Este tercer volumen recopila los números 13-18 USA. Por si te interesa, dejo aquí los links a mis reseñas de los volúmenes uno y dos.

En los últimos meses me he llevado algún que otro chasco con algunos comics editados por sellos independientes como Boom Studios. A pesar de contar con guionistas super estrella, comics como We only find them when they re dead de Al Ewing y Simone Di Meo o Seven Secrets de Tom Taylor y Daniele Di Nicuolo han fallado por un apartado artístico que en mi opinión no ha estado a la altura. Y no hay que irse a Boom, porque podría decir lo mismo de Redneck de Donny Cates y Lisandro Estherren en Image Comics, aunque en este caso la historia de Cates sí me ha enganchado y me ha dejado con ganas de saber cómo termina la historia.

Digo esto porque es un placer poder disfrutar de un comic con un dibujo tan estupendo como este Once & Future, gracias a un Dan Mora en estado de gracia y perfectamente asociado a la colorista Tamra Bonvillain. Si Mora, cuyo Klaus junto a Grant Morrison es también un placer para la vista, dibujara en Marvel o DC, no tengo duda que sería uno de sus artista estrella, porque su narrativa es perfecta y su estilo de línea fina orientada a facilitar la comprensión de la historia siempre contando con un punto de vista espectacular le convierten en un artista perfecto para historias planteadas en el mainstream.

Mora y Kieron Gillen me transmiten con cada tomo que se lo están pasando genial realizando este comic, jugando a subvertir y actualizar los mitos artúricos con esta historia de tono ligero pero que no se corta a la hora de mostrar elementos gores. El rollo aventurero / arqueológico le va perfecto a la historia, y me flipa la inventiva de Gillen a la hora de conectar todo lo conectable del mundo de los caballeros y las leyendas medievales.

Once & future no es un comic sesudo, tiene claro su faceta de entretenimiento ligero y un poco punki. Pero al igual que me pasa con la saga de Misión Imposible, no hay nada malo en plantear un comic de este estilo mientras lo hagas bien y pongas el corazón en el sitio correcto. Y este comic lo tiene. Si un buen comic tiene que tener una buena historia que te enganche y haga que quieras seguir leyendo y conocer cómo termina la historia, todo ello contado con un dibujo estupendo, no se le puede pedir más a este comic.

Comparto las primeras páginas de este tercer volumen:

Once & future me parece super entretenida y una lectura obligada para todos los fans de las historias de aventuras tipo Indiana Jones y de los mitos artúricos. Y lo mejor es que este tercer volumen no levanta el pie del acelerador. Mientras mantengan este nivel, yo lo seguiré comprando encantado.

PUNTUACIÓN: 7,5/10

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¡Saludos a todos!

Crítica de Jungle Cruise de Jaume Collet-Serra

El carisma de Dwayne Johnson y Emily Blunt elevan el nivel de Jungle Cruise, película dirigida por el director español afincado en Estados Unidos Jaume Collet-Serra que significa un viaje a la nostalgia del cine clásico de aventuras y que puede convertirse en la película familiar de este verano.

PUNTUCIÓN: 7,5/10

Principios del siglo XX. Frank (Dwayne Johnson) es el carismático capitán de una peculiar embarcación que recorre la selva amazónica. Allí, a pesar de los peligros que el río Amazonas les tiene preparados, Frank llevará en su barco a la científica Lily Houghton (Emily Blunt) y a su hermano McGregor Houghton (Jack Whitehall). Su misión será encontrar un árbol místico que podría tener poderes curativos. Claro que su objetivo no será fácil, y en su aventura se encontrarán con toda clase de dificultades, además de una expedición alemana que busca también este árbol con propiedades curativas. Película basada en una atracción de Disneylandia.

Disney llevaba bastante tiempo queriendo hacer una película inspirada en su clásica atracción de Disney Land, Jungle Cruise, buscando emular el éxito de Piratas del Caribe de 2003. Tras varios cambios frente a los planes originales, el director de cine acción y terror Jaume Collet-Serra fue el elegido para ponerse detrás de las cámaras. Afincado en Los Angeles desde 1992, comenzó su carrera como director de videos musicales, hasta que en 2005 se estrenó su opera prima La casa de cera. Ha dirigido varias películas de Liam Neeson como Sin identidad y Non-stop, y las cintas de terror La huérfana o Infierno Azul.

Jungle Cruise tiene acreditados como guionistas a Michael Green, Glenn Ficarra y John Requa, pero fue Green el que reescribió el guión de Ficarra y Requa, que a su vez se basaba en una historia de ambos con John Norville y Josh Goldstein. La película inicialmente tenía prevista su estreno en octubre de 2019. Por ello, la producción se inició en mayo de 2018, finalizando el rodaje principal en Hawái en septiembre, contando con fotografía de Flavio Martínez Labiano. Debido a la complejidad de los efectos visuales y al interés de Disney de estrenarla en una fecha importante en verano de cara a la taquilla, ese mismo año Disney anunció que retrasaba el estreno a julio de 2020. El COVID obviamente provocó el retraso de un año de su estreno, y Disney ha decidido emplear el método mixto probado durante este año con Raya y el último dragón y Viuda Negra de hacer coincidir su estreno en cines con el estreno en Disney+ dentro de su taquilla Premium.

La película cuenta como principales reclamos a los carismáticos Dwayne Johnson y Emily Blunt. Johnson interpreta al Capitán Frank «Skipper» Wolff, dueño del bote fluvial en el que embarcarán Emily Blunt como la doctora Dra. Lily Houghton, y Jack Whitehall como el hermano de Lily McGregor. La película plantea la típica estructura de buddy-movie de dos personajes antagónicos que no se soportan pero acaban congeniando y encontrando motivos para seguir justos en esta aventura, y en eso Johnson y Blunt lo bordan.

Junto al trío protagonista, tenemos en papeles más secundarios a los dos villanos de la función, Jesse Plemons como el príncipe alemán Príncipe Joachim que busca también la planta mágica con fines malvados, y Édgar Ramírez como Aguirre, un conquistador español que cayó víctima de una maldición siglos atrás. Los veteranos Paul Giamatti y Verónica Falcón tienen también pequeños papeles, completando el reparto los españoles Dani Rovira y Quim Gutiérrez en dos papeles menores de lugartenientes de Aguirre.

Jungle Cruise cuenta con música de James Newton Howard, que transmite con su estupenda música el feeling del cine clásico de aventuras entre las que Indiana Jones se nota como evidente fuente de inspiración (a todos los niveles, no sólo el musical). A destacar además el sorpresón de encontrarme con una versión instrumental acústica del Nothing else matters de Metallica que encaja de maravilla en la película. Además, saber que la propia banda grabó esta versión para la película me ha volado la cabeza.

Empezando a valorar la película, lo primero y fundamental es que Jungle Cruise ha conseguido que toda la familia pasáramos un rato estupendo, coincidiendo todos en que nos había gustado y la habiamos encontrado super entretenida. Así que ¡Objetivo cumplido!!

Jungle Cruise tiene una intención clara de emular a los clásicos como Indiana Jones con la búsqueda de un tesoro perdido que se convierte en una carrera contra el reloj entre buenos y malos. Unir high-adventure con protagonistas carismáticos inicialmente opuesto es tan obvio que te deja la sensación que cualquiera de nosotros hubiera podido escribir el guión. Si, lo digo con envidia y un poco de mala baba a partes iguales.

Hecha la broma, lo cierto es que todo funciona, y lo hace de principio a fin a lo largo de sus más de dos horas de metraje. La aventura es espectacular, con unos sets de rodaje enormes y chulísimos, en especial el pueblo de Porto Bello creado (aparentemente) físicamente en un río de Hawái, el poblado de la jungla encima de los árboles o todo el set donde se sitúa el climax final. La espectacularidad de muchos momentos hace que merezca la pena ir a verla en pantalla grande.

Además de unas persecuciones y escenas de acción geniales, la película se caracteriza por un humor blanco que encanta sobre todo a los más pequeños. Y sobre todo ello, el carisma de Johnson y Blunt llenan la película en todo momento y elevan lo que sin ellos sería una aventura bastante funcional. En este sentido, entiendo tras ver Jungle Cruise que la intención de Disney es crear una franquicia cinematográfica con este contenido, en la tradición de Piratas del Caribe. Porque no se explica si no la enorme inversión de más de 200 millones de dólares en esta película. Y aunque dudo que en estos tiempos revueltos post COVID la película pueda conseguir los 400/500 millones de recaudación que Disney necesita para recuperar la inversión, en mi caso de espectador que paga una (tres) entrada(s) de cine, la película me ha dejado buen sabor de boca y ha cumplido completamente su cometido.

Dentro de ser una película familiar estupenda que nos gustó a toda la familia, tengo un pero en la forma en que Collet-Serra rodó Jungle Cruise. Y es que toda la acción (las peleas, vamos) está rodada casi con cámara en mano colocándola siempre en medio de la acción entre los personajes, haciendo que en muchos momentos todo quede más confuso de lo que debería. Entiendo que esto puede ser una elección creativa, pero en varios momentos se nota que faltan planos medios o generales que muestren el espacio donde sucede la acción. Esto se suma a los numerosos cortes del montaje que intentan maquillar unas coreografías montoneras, además de ayudar a disimular el CGI, algo que sería entendible en la “clase media” que normalmente dirige Collet-Serra, pero no en una película de gran presupuesto de más de 200M destinada a iniciar una nueva franquicia cinematográfica para Disney.

En este sentido, también me quedó la sensación que Jungle Cruise intenta imitar varias fórmulas de éxito, sin ir más lejos la de Piratas del Caribe, pero las imágenes lamentablemente muestran que Collet-Serra no tiene el talento de Gore Verbinski, de forma que su película de 2003 luce muchísimo mejor en todo. A pesar de contar Jungle Cruise con casi dos décadas de mejoras en los efectos especiales, el CGI de los personajes malditos y en general todo lo demás luce muchísimo mejor en las películas clásicas de los piratas, de forma que lo que debería ser un paso adelante en lo visual se me queda casi como uno atrás. A esto hay que sumarle a su vez unos villanos que no dan la talla interpretados por unos grises Jesse Plemons y Édgar Ramírez a los que le falta carisma pero tampoco la película les da oportunidad de lucirse como se espera de los villanos de la función.

Y esto es una pena, porque la aventura está chula y el carisma de Johnson y Blunt traspasa la pantalla, pero me quedé la sensación que todo podía haber estado rodado y contado mejor de lo que el resultado final nos muestra.

Comparto el trailer de la película:

Jungle Cruise es una estupenda película familiar de aventuras que recomiendo totalmente su visionado sobre todo si lo hacéis con niños pequeños.

PUNTUACIÓN: 7,5/10

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¡Saludos a todos!

Crítica de Seven Secrets Vol. 1 de Tom Taylor, Daniele Di Nicuolo y Walter Baiamonte (Boom Studios)

Cuando un escritor está on-fire, hay que subirse al tren porque todo lo que publica es oro puro. Esta ley del comic es totalmente aplicable a Tom Taylor y su nuevo comic Seven Secrets, cuyo primer volumen ha sido publicado recientemente por Boom Studios, con dibujo de Daniele Di Nicuolo y color de Walter Baiamonte. Comparto mis impresiones de este tomo inaugural.

PUNTUACIÓN: 6,5/10

SIETE SECRETOS CAMBIARÁN EL MUNDO.

Durante siglos, la Orden ha confiado en Guardianes y Poseedores para proteger los Secretos en siete maletines contra todo daño, pero cuando su fortaleza es atacada y los secretos se ponen en peligro, toda la Orden debe enfrentar su mayor temor: un enemigo que sabe demasiado y está dispuesto a matar para conseguir lo que quiere. Ahora, el miembro más nuevo de la Orden, Caspar, debe descubrir la verdad de los Secretos antes de que lo haga el enemigo, o arriesgarse a perderlo todo.

El autor bestseller del New York Times Tom Taylor (DCeased) y el artista favorito de los fans Daniele Di Nicuolo (Mighty Morphin Power Rangers) presentan una nueva serie sobre siete secretos poderosos, palabras, maravillas, armas y cosas peores, con el poder de cambiar el mundo.

Este volumen recopila los números 1-6 de la edición USA.

Las artes marciales vuelven a estar de moda. Esto es algo que me parece super curioso, la verdad. Y aunque cuentan con premisas totalmente diferente, hay un momento mientras leía este comic que no pude más que acordarme del excelente Fire Power de Robert Kirkman, Chris Samnee y Matt Wilson. Volveré a la comparación más adelante, pero no cabe duda que aparte de excelentes series de televisión como Warrior en HBO o escenas puntuales en Érase una vez en Hollywood que han mantenido viva la llama de las artes marciales, fue el anuncio de Marvel de una película de Shang-Chi lo que creo que consiguió asentar esta moda en la que nos encontramos dentro del ámbito mainstream. No es extraño que este verano también se estrene una película protagonizada por Snake Eyes, el G.I. Joe más cool de toda la vida.

Tom Taylor se ha confirmado en los últimos tiempos como un seguro de vida. Lobezna, Dcsos, Hellblazer, su serie más reciente de Nightwing o Escuadrón Suicida (que reseñaré en breve), todos sus comics me parecen una chulada que tienen clarísimo su objetivo de entretenimiento pero que consigue clavar a los personajes casi con una línea de diálogo. Cuando descubrí que tenía un nuevo comic independiente en Boom, tenía claro que lo quería tener, porque hay que “aprovecharse” de los escritores mientras están on-fire y en el momento de máxima creatividad.

Esta premisas de siete secretos, organizaciones secretas y conspiraciones que llevan sucediendo desde hace siglos me parece una premisa quizá no excesivamente original, pero que puede dar mucho juego, la verdad. Aparte del “high-concept”, Taylor marca en este comic las que son sus señas de identidad con una historia planteada desde la acción pero en la que consigue que empaticemos con el protagonista Caspar incluso antes de llegar a aparecer en el comic. La forma en que Taylor consigue que conectemos con él de forma inmediata, además de su complejo árbol genealógico, me parece la principal virtud de este primer volumen y la columna vertebral que va a hacer que nos enganchemos al comic.

Y junto a Caspar, que hayan siete secretos guardados por siete parejas de protectores, llamados a su vez Guardian y Poseedor por la función que realizan cada uno de ellos, puede permitir a Taylor alargar la historia de forma orgánica todo lo que le interese a poco que quiera mostrarnos el origen de estos Guardianes y el misterio del secreto que guardan. Aparte por supuesto de las historias de la Orden y sus enemigos.

Comparaba antes a Sietes secretos con Fire Power. Esto me vino a la mente justo en la página que acabo de compartir en la que Caspar empieza a entrenarse en la escuela secreta de la Orden. Y aunque está claro que son historias totalmente diferentes que llevan a sus personajes por sus propios caminos, de alguna manera las comparaciones son inevitables al tratarse de comics de acción centrados en el entretenimiento con personajes con habilidades marciales en los que organizaciones secretas se enfrentan en la sombra.

Y lamentablemente, en la comparación, Seven Secrets sale perdiendo en casi todo, siendo el elemento más flagrante es el apartado artístico. No me han gustado ni el dibujo de Daniele Di Nicuolo ni los colores de Walter Baiamonte. Y vaya por delante que casi todo el mundo sale perdiendo en la comparación con Chris Samnee, pero el estilo de Di Nicuolo sencillamente no está a la altura de la exigencia, en mi opinión. Sus páginas tienen una influencia clarísima del manga en la narrativa y las expresiones de los personajes, con un tono cartoon que no acaba de funcionarme casi en ningún momento que hace que el 99% de las caras del comic sean siempre la misma sin mostrar una correcta dramatización de las situaciones. El comic queda con una sensación de mezcla de manga y comic infantil / «all-ages» que no acaba de cuadran con la violencia que algunas escenas nos están contando.

Di Nicuolo intenta jugar en varios momentos con la estructura de página creando una narración en apaisado juntando las dos páginas, pero realmente falla a la hora de dotarlas de un mayor dinamismo respecto a una página normal, de forma que momentos pensados para generar un WHOAH!!! se quedan en escenas correctas sin más. Además, utiliza en exceso el uso de primeros planos de caras en mi opinión no con motivos dramáticos, ya digo que sus expresiones son el 95% de las veces las mismas, sino en mi opinión para intentar disimular de alguna manera su evidente falta de fondos y sus escenas sin chispa.

Con el elemento añadido que diría que el primer número está mucho mejor dibujado en todos los sentidos que el resto de números de este tomo, como si hubiera tenido más tiempo en el arranque de la serie pero luego los plazos de entrega le hubieran pillado, obligando casi a entregar lo que fuera con tan de llegar a imprenta.

El color en los comics debe ayudar a contar la historia, no sólo haciendo que luzca más brillante y/o emocionante, sino ayudando a transmitir estados de ánimo según cada momento concreto. En este sentido, valoro a Walter Baiamonte como meramente funcional, con unos colores que ahí están pero no colaboran a la hora de contar la historia ni ayudan a disimular los defectos del apresurado lápiz de Di Nicuolo o su falta de fondos. Hay veces que un color alucinante salva un dibujo montonero, por ejemplo en Wasted Space con un estupendo Jason Wordie, no es el caso de este Seven Secrets.

Y tengo claro que excepto honrosas excepciones, Dan Mora en Klaus, por ejemplo, cuando compro un comic de Boom se que el arte va a ser inferior a la media de un comic Marvel o DC, y lo asumo porque prefiero leer cosas nuevas y diferentes y no quedarme con la misma hamburguesa con queso de siempre (que por otro lado me encanta). Pero la realidad es que el apartado artístico de este comic me ha decepcionado mucho. Y si un comic es 50% historia y 50% arte, o incluso más, no puede puntuar bien un comic con un dibujo que no me gustó.

Por no acertar, Taylor no acierta con el cliffhanger de final del volumen, que es el menos potente de los seis comics que se recopilan en este tomo, algo en lo que Kirkman jamás hubiera fallado, de forma que han cortado aquí como hubieran podido cortar en el comic previo o el siguiente, y me ha parecido un detalle un poco chof.

Y no me entendáis mal, no me ha gustado el dibujo pero creo sinceramente que la historia tiene potencial y como me ha gustado y me ha dejado con ganas de saber como continúa la historia, no tengo duda que compraré el segundo volumen seguro.

Comparto las primeras páginas de este primer volumen, que como digo son algunas de las mejores que vamos a encontrar:

¡Qué pena no haber conectado nada con el dibujo de Daniele Di Nicuolo! Porque tengo claro que la historia de Tom Taylor va a darnos un montón de sorpresas y mucho entretenimiento. En todo caso, me quedo con ganas de saber cómo continúa la historia, ya os comentaré cuando salga el segundo tomo a final de año.

PUNTUACIÓN: 6,5/10

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Crítica de Mortal Engines de Christian Rivers (Prime Video)

Gracias a Prime Video me animé a ver Mortal Engines, película producida por Peter Jackson basada en el libro de Philip Reeve de temática steampunk, que fue dirigida por el debutante Christian Rivers, colaborador de Jackson en King Kong por la que ganó el Oscar a Mejores Efectos Visuales.

PUNTUACIÓN: 5/10

Miles de años después de la destrucción de la civilización por un cataclismo, la humanidad se ha adaptado y, ahora, existen gigantescas ciudades en movimiento que vagan por la tierra sobre enormes ruedas absorbiendo a los pueblos más pequeños para obtener recursos. En una de esas colosales urbes Tom Natsworthy (Robert Sheehan), proveniente de la clase baja de Londres, deberá luchar por su vida junto a la peligrosa fugitiva Hester Shaw (Hera Hilmar). Dos opuestos, cuyos caminos nunca debieron cruzarse, forman una peculiar alianza destinada a cambiar el curso del futuro. (FILMAFFINITY)

Peter Jackson adquirió en 2009 los derechos de Mortal Engines, novela de temática steampunk escrita por Philip Reeve, de cara a llevarla a la gran pantalla. Sin embargo, al embarcarse en la titánica adaptación de El Hobbit (estrenadas en 2011, 2012 y 2013), el proyecto quedó aparcado durante años. Finalmente, Jackson escribió el guión junto a sus colaboradoras habituales Fran Walsh y Philippa Boyen, quedándose como productor ejecutivo de la película mientras daba la oportunidad de dirigir a Christian Rivers, supervisor de efectos especiales y colaborador de Jackson desde los tiempos de Braindead. Aunque el guión definitivo de la película contaba con numerosos cambios respecto al original, su autor Philip Reeve alavó la película indicando que “Christian Rivers ha realizado un trabajo fantástico, es una película de acción enorme y visualmente increíble, con un ritmo perfecto y un centro emocional creíble. A pesar que hay muchos cambios… la historia es fundamentalmente la misma.”

La coproducción americano-neozelandesa tuvo lugar en Nueva Zelanda en 2017, y Jackson contó con muchos de sus colaboradores habituales de El Señor de los Anillos y El Hobbit, empezando por Weta Digital, que se encargó de crear los estupendos efectos digitales de la película. Mortal Engines cuenta con Simon Raby como director de fotografía, montaje de Jonno Woodford-Robinson y música de Junkie XL.

En lo relativo al reparto, Mortal Engines contaba con Hugo Weaving (el Sr. Smith de Matrix, Elron de El Señor de los Anillos, Cráneo Rojo en Capitán América: El Primer Vengador) como única cara conocida, contratando a un casting de jóvenes actores que son uno de los problemas de esta producción. Weaving interpreta Thaddeus Valentine, Cabeza del Gremio de Historiadores y segundo al mando en Londres solo debajo del Lord Alcalde, y tiene un plan para asegurar la supervivencia de la ciudad.

La protagonista de Mortal Engines es Hera Hilmar, que interpreta a Hester Shaw, una asesina y fugitiva que está desfigurada y que lleva a cabo una vendetta personal contra Valentine. Junto a ella encontramos a Robert Sheehancomo Tom Natsworthy, un aprendiz de historiador de Londres de clase baja que será expulsado de la ciudad y compartirá aventuras con Hester Shaw.

El veterano Stephen Lang (Avatar, No respires) da voz y realiza la captura de movimientos para crear a Shrike, un antiguo guerrero cyborg no-muerto que persigue a su vez a Hester. El reparto, en sus papeles principales, se completa con Jihae como Anna Fang, una piloto y líder de la resistencia, Leila George como Katherine Valentine, hija de Thaddeus Valentine y Ronan Raftery como Bevis Pod, un joven aprendiz de ingeniero amigo de Tom.

Empezando por los elementos positivos de la película que me han gustado, destacaría los estupendísimos efectos especiales empleados en la creación de la enormes ciudades móviles, y el resto de elementos de Mortal Engines, como son los aviones pilotados por la resistencia. Para que una película de esta temática distópica funcionara, el aspecto técnico era una de las claves, ya que si esto fallaba el resto se derrumbaría como un castillo de naipes. En este sentido, la decisión de Peter Jackson de darle la dirección a Christian Rivers funciona.

Técnicamente, la película es una pasada y muestra este mundo desolado de temática Steampunk en todo su esplendor, y cuenta con un diseño de producción bestial que saca el máximo partido a un presupuesto de 100 millones de dólares, que lucen mucho mejor de lo que uno podría pensar.

En general, la película es relativamente entretenida y vista en casa gracias a mi suscripción a Prime Video creo que cumple con el objetivo de proveer un correcto entretenimiento. Me doy cuenta que esta última frase no es especialmente positiva, lo cual indica los numerosos elementos que al menos a mi no me han funcionado.

Mortal Engines es una floja historia de aventuras apocalíptica a la que le falla primero y principal el guión, y si a eso le sumamos la falta de carisma y calidad interpretativa del reparto, tenemos todos los ingredientes para entender que en mi opinión sea una película lamentablemente fallida.

Empezando por el guión, no he leído la novela, por lo que no puedo comparar si los cambios efectuados, que a su escritor Philip Reeve aparentemente no le molestaron, fueron buenos o malos. Pero pensando en la historia que vi en pantalla, Jackson, Fran Walsh y Philippa Boyen escriben la típica historia del “Viaje del héroe”, en la que la dura Hester Shar (Hera Hilmar) viajará por todo el mundo, a partir de un pequeño giro inicial, acompañada por el inocente Tom Natsworthy (Robert Sheehancomo) para conseguir su venganza frente al malvado Thaddeus Valentine (Weaving).

Lo malo del viaje de Hester y Tom es que aunque la película intenta imprimir un ritmo frenético cambiando múltiples veces de ubicación para dar una mayor sensación de escala a este mundo, nada de lo que hacen es realmente interesante, y tampoco consiguen que nos importen ni los protagonistas ni los aliados o antagonistas que van conociendo por el camino. Todo va tan rápido que nada tiene tiempo de asentarse para los espectadores.

Con la excepción de Weaving que hace lo que puede con la casi nada que tiene para trabajar, el casting me parece terrible. Hay muchos ejemplos de buenos actores que consiguen sobresalir y mostrar carisma a pesar de un guión normalito, lamentablemente ninguno de esos actores fue contratado para trabajar en Mortal Engines.

Los jóvenes protagonistas Hera Hilmar y Robert Sheehan son un error de casting monumental. Empezando por Hera Hilmar, aparte que su interpretación es super limitada, su personaje Hester Shaw sufre lo que llamo el “síndrome Michael Clayton” (En honor a la película protagonizada por George Clooney), que es cuando te intentan vender un personaje como algo que nunca muestra en pantalla, creánsode una diferencia insalvable entre lo que dicen que es y lo que muestra realmente en pantalla. Sin entrar en spoilers, solo indicar que la película describe a Shaw como “una peligrosa asesina y fugitiva desfigurada que lleva a cabo una vendetta personal”. Pero cuando analizas lo que la película nos cuenta y cual es realmente su misterioso origen, ni es peligrosa, ni era perseguida por Londres (de hecho, ni siquiera sabían de su existencia), ni por supuesto es una asesina. Y así es muy difícil.

Pero no son sólo los protagonistas. Fruto de la moda actual de la multiculturalidad, Jackson contrató a la cantante coreana Jihae para uno de los papeles protagonistas haciendo de una piloto miembro de la Resistencia. Y me parece genial que la productora contrate actores internacionales, pero puestos a buscar a una actriz coreana, podían haber contratado a alguien que supiera actuar y no alguien que está posando en actitud “mira que guay soy” el 100% de sus minutos en pantalla. Aunque debo decir que no fue la única miembro de la Resistencia que me transmitió eso en pantalla.

Hay además otro gran problema en todo lo referido al propio mundo de Mortal Engines. El guión intenta mostrar como la Mega Ciudad móvil de Londres es una sociedad compleja con clases sociales, gente dirigente que explota a trabajadores que hacen todo el trabajo. Digo intenta porque esto queda en un esbozo apenas desarrollado, una nota al pie de página entre una persecución y otra. Pero es que además, estamos ante una ciudad depredadora que vive de apresar y destruir otras ciudades para alimentarse. Que en este contexto, de repente a algunos personajes de la clase dirigente le entren remordimientos o un ataque de consciencia no queda nada justificado y me ha parecido super forzado.

Además, la mera existencia de una “resistencia” se revela absurda viendo el desarrollo de los acontecimientos que iremos viendo durante la película, al igual que los motivos que explican por qué el no-muerto Shrike (interpretado con poca suerte por Stephen Lang) persigue a Hester y busca venganza contra ella. Digo con poca suerte porque el diseño de este guerrero cyborg no-muerto también me parece fallido y rompe completamente la suspensión de credulidad del espectador, mostrando un mal personaje de un videojuego.

Mortal Engines falla en conseguir que empaticemos con los personajes, pero tampoco acierta en la acción, consiguiendo que en varios momentos la película se me hiciera larga y aburrida, y eso que sólo dura 128 minutos. De nuevo, sin un verdadero vínculo emocional, la acción más grande que la vida no sirve de nada ni crea el impacto emocional que debería conseguir en el espectador.

En todo caso, creo que su fracaso en taquilla fue probablemente debido a su extraña premisa de aventura distópica con ciudades móviles, y a la falta de actores conocidos, mostrando que el nombre de Peter Jackson sólo sin un concepto conocido (como fue LOTR o King Kong) no fue suficiente para vender la película. Mortal Engines, con un presupuesto de 100 millones de dólares, sólo recaudó 83 millones en todo el mundo, lo que significó un importante varapalo económico.

Comparto el trailer de la película:

Mortal Engines es una floja historia de aventuras apocalíptica a la que le falla prácticamente todo, haciendo muy difícil que pueda recomendársela a nadie.

PUNTUACIÓN: 5/10

 

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¡Saludos a todos!

 

Crítica de Rocketeer de Joe Johnston (Disney Plus)

Mi suscripción a Disney+ me he permitido recuperar Rocketeer (Joe Johnston, 1991), película de aventuras basado en el comic de Dave Stevens ambientado en el Hollywood de 1938 que ha envejecido de maravilla y que ha sido un gran entretenimiento.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Hollywood, años treinta. Después de robar un arma secreta en Los Ángeles, la mafia la esconde en un aeródromo. Se trata de un propulsor individual que convierte a quien lo utiliza en un auténtico hombre cohete. Los nazis están muy interesados en ella. Fortuitamente llega a manos de Cliff Secord, un piloto acrobático a quien todos intentarán atrapar. (FILMAFFINITY)

El director Joe Johnston comenzó su carrera como diseñador de efectos especiales en la trilogía de Star Wars o las dos primeras películas de Indiana Jones. Su primera película como director fue Cariño, he encogido a los niños (1989), tras la que consiguió el encargo de dirigir Rocketeer, en parte por su conocimiento técnico previo de cara a sacar adelante una película compleja para la época, y cuya principal virtud fue transmitir el feeling del Hollywood clásico.

El guión fue realizado por Danny Bilson y Paul De Meo, haciendo un gran trabajo adaptando a la gran pantalla el comic de Dave Stevens. Stevens se involucró muchísimo con esta película, hasta el punto que prestó al diseñador de producción Jim Bissell su archivo de imágenes de la época, y comentó en más de una ocasión que lo siguieron hasta la última coma en la construcción de los hangares, el restaurante con forma de perro en el que comen los protagonistas y el resto de sets de la película.

Uno de los elementos más recordados y carismáticos de la película es la sobresaliente banda sonora de James Horner, que consigue transmitirnos desde el primer acorde al pasado, a una época de héroes corrientes y gangsters, de personas normales y ¡nazis!!

Joe Johnston tuvo que luchar para que Disney diera el papel al hasta ese momento desconocido Bill Campbell como protagonista. Campbell fue un genial Cliff Secord, un piloto de acrobacias que simboliza al chico normal que se ve metido en una aventura extraordinaria.

Jennifer Connelly rodó la película con tan solo 18 años y se convirtió en el amor platónico de toda una generación. Connelly es Jenny Blake, una aspirante a actriz y novia de Secord. Junto a Connelly, tenemos a Timothy Dalton como la estrella de Hollywood Neville Sinclair que intentará quitarle la chica al protagonista, Alan Arkin como A. «Peevy» Peabody, jefe y amigo de Secord que construye aviones de carreras o Paul Sorvino como el gangster Eddie Valentine.

Destacaría además en el apartado técnico a Hiro Narita como director de fotografía, mientras que el montaje corrió a cargo de Michael A. Stevenson

Rocketeer es un gran entretenimiento. Sus 110 minutos pasan en un suspiro y su visionado nos traslada al Hollywood dorado de los años 30, con grandes decorados y restaurantes de lujo donde bandas de música tocan las canciones de moda. El sentimiento de aventura clásico está asegurado desde los títulos de crédito con la maravillosa música de James Horner.

El diseño de producción y los elementos técnicos siguen siendo una pasada. Excepto por alguna doble imagen super puntual, todas las escenas de vuelos siguen molando.

El reparto cumple de maravilla con su función. Campbell es el prototipo de chico normal metido en una aventura por casualidad, aunque quizá hay que reconocer que «sólo» lo hace bien, no se sale en pantalla. Connelly es una maravillosa «girl-next-door», mientras que Timothy Dalton hace de un genial «Errol Flynn malvado».

Además, otro elemento que creo que merece destacar es la combinación de aspectos fantásticos con figuras reales de la época como Howard Hugues.

Quizá el único pero de la película es que no pasan cosas super espectaculares ya que Rocketeer no es un superhéroe, sino simplemente una persona normal con una mochila que le permite volar. Aunque se enfrenta a nazis y gangsters, ese año tuvo una dura competencia al estrenarse Terminator 2. Rocketeer no pudo competir contra el fenómeno de James Cameron, y su aire retro provocó que el público no quisiera verla al parecer ¿antigua?

En todo caso, estos casi 30 años desde su estreno no le han sentado nada mal a la película y sigue ofreciendo un gran entretenimiento.

Comparto el trailer de la película:

Rocketeer es una excelente película de aventuras que recupera con éxito el espíritu de los clásicos de Hollywood y por la que no ha pasado el tiempo. Una película que no puedes perderte si estás suscrito a Disney+.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

 

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