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Reflexiones de Domingo 04/2026: Últimos anuncios comiqueros

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¡Feliz domingo! Hoy quiero aprovechar la sección Reflexiones de domingo para compartir los últimos anuncios de nuevos comics durante el evento ComicsPro que tuvo lugar esta semana. Esto me permite comparar el buen momento de algunas editoriales y el terrible momento de la antiguamente conocida como Casa de las Ideas.

Pero antes, quiero compartir con vosotros mi disfrute con el próximo estreno de la película The Mandalorian and Grogu de Jon Favreau, cuyo teaser trailer también se estrenó esta semana.

TRAILER DE THE MANDALORIAN AND GROGU

En un momento en que los estudios y las plataformas buscar ofrecer productos audiovisuales «importantes», me encanta la forma con que Jon Favreau quiere resaltar en el primer trailer de The Mandalorian and Grugu que estamos ante la aventura por la aventura, dar al espectador lo que quiere de una forma que no nos toma por tontos a todos. Disney se encuentra en un momento de encrucijada creativa, y por suerte tienen a un talento como Jon Favreau que tiene claro el objetivo de crear películas cuya única agenda es entretener. Conseguir que los espectadores queramos pagar por verla en el cine. Ojalá lo consiga.

SKYBOUND ANUNCIA TERMINAL, EL NUEVO COMIC DE SUPERHÉROES DE ROBERT KIRKMAN, JOE CASEY, ANDY KUBERT, DAVID FINCH Y ¡ARTHUR ADAMS!!!

Terminal se centra en un conflicto global oculto entre dos facciones violentas de superhumanos cuya batalla difumina la línea entre héroes y villanos. Cuando Marilyn Howe comienza a buscar a su hermana desaparecida, Alessandra, se ve envuelta en medio de esta guerra secreta. Pronto descubre que la clave para salvar el mundo se encuentra en su propio código genético, una transformación que podría costarle todo.

Descrita como una épica de superhéroes violenta e impredecible, Terminal pretende ofrecer un nuevo universo de alto riesgo creado por algunos de los creadores más influyentes del cómic moderno.

Durante la conferencia de Robert Kirkman en la reunión para profesionales ComicsPro, Skybound e Image Comics anunciaron Terminal, una nueva serie de superhéroes que se lanzará este verano con un potente equipo creativo. La serie está coescrita por Robert Kirkman y Joe Casey, con dibujos de Andy Kubert, David Finch y Arthur Adams. El primer número llegará a las tiendas de cómics el 22 de julio de 2026.

«Escucha, he hecho muchas declaraciones para comunicados de prensa, pero nunca para algo tan genial como esto», dijo Robert Kirkman. «Este será el cómic más genial del mercado, creado por el mejor equipo creativo jamás reunido. Te reto a que encuentres un libro con un elenco de talentos artísticos más impresionante. ¡Adelante, te espero! ¡No podrás! ¡Estoy co-creando otro vasto universo de superhéroes y lo estoy haciendo junto con Joe Casey, Andy Kubert, David Finch y Arthur Adams! ¡Va a ser genial!».

El universo Energon de Transformers, G.I. Joe y Void Rivals, junto a comics como Skinbreaker de Kirkman y Finch convierter a Skybound en la mejor editorial americana actual. Y parece que con Terminal van a continuar la senda del éxito. ¿Cómo no comprar un comic dibujado por Kubert, Finch y Adams? Sobre todo el retorno de Arthur Adams a los comics es un notición, como el año pasado lo fue el anuncio de Skinbreaker con David Finch. ¡Qué pasada!

Comparto las páginas de preview dibujadas por Andy Kubert, que lucen fantásticas:

DC ANUNCIA ABSOLUTE GREEN ARROW Y ABSOLUTE CATWOMAN ENTRE OTROS MUCHOS ANUNCIOS

En ComicsPro, DC ha anunciado un montón de proyectos para todos los gustos. Si bien no todos me encajan, si agradezco la variedad de estas propuestas, entre las que encontramos:

Absolute Green Arrow, de Pornsak Pichetshote y Rafael Albuquerque, y Absolute Catwoman, de Che Grayson, Scott Snyder y Bengal. Tanto Albuquerque como Bengal me parece artistas fantásticos, por lo que estas colecciones tienen toda mi atención, aunque reconozco que la que más me interesa es la nueva versión de Green Arrow convertido en un asesino en serie imparable.

Entre los títulos anunciados se incluyen también Barbara Gordon: Breakout, de Mariko Tamaki y Amancay Nahuelpan, que empezará a publicarse en mayo, y The Deadman, de W. Maxwell Prince y Martín Morazzo, en junio. Este anuncio deja claro que DC quedó muy contento con los creadores de Ice Cream Man por su primer proyecto en DC, Superman: The Kryptonite Spectrum. Ver su versión de Deadman se ha convertido en una compra segura.

DC sigue apoyando e estreno de las nuevas colecciones del sello Vertigo. Aunque estas series ya se anunciaron previamente, la editorial demuestra que el segmento para adultos es muy importante para ellos. Lo cual es siempre una buena noticia.

DC cerró sus anuncios editoriales con un avance de «Bad Seeds», un evento en Gotham City que llegará en el tercer trimestre de 2026. El comisario de policía Vandal Savage ha declarado la guerra a la familia Batman y ha desplegado una fuerza paramilitar privada por todo Gotham. Mientras tanto, la alcaldesa Pamela Isley prepara una medida desesperada que podría transformar la ciudad en un paisaje hostil de vegetación primitiva.

MARVEL ANUNCIA AVENGERS: ARMAGGEDON DE CHIP ZDARSKY Y DIBUJADA POR LOS CASI DESCONOCIDOS FRANK ALPIZAR Y DELIO DÍAZ

Tras el final de la etapa de Jed MacKay en Vengadores, llega la revolución que Marvel ha encargado a Chip Zdarsky, un escritor con el que no conecto nada en absoluto. Avengers: Armageddon va a ser una serie de 5 números que empezará en junio. Y va a tener como dibujantes a los artistas de la nueva etapa de Capitán América, Frank Alpizar y Delio Díaz.

¡Qué lejanos se sienten los días en que Marvel encargaba a sus mejores dibujantes sus principales eventos! Pasar de gente como Pepe Larraz, Stuart Immonem y tantos otros a este anuncio es la forma más clara que se me ocurre para que Marvel confirme una vez más que para ellos los dibujantes son secundarios al guionista y totalmente intercambiables. Y no voy a decir que Alpizar ser malo, pero desde luego no es un super estrella que sólo por él los fans probamos a leer el comic. La diferencia es abismal.

MARVEL ANUNCIA HULK WAR, LA CULMINACIÓN DE LA ETAPA QUE PHILLIPS KENNEDY JOHNSON EN HULK

Marvel ha lanzado un nuevo y críptico avance que deja una cosa clara: la siguiente fase de la saga de Hulk tras The Infernal Hulk de Phillip Kennedy Johnson y Nic Klein se encamina hacia una guerra total.

«¡EL UNIVERSO MARVEL SE PREPARA PARA LA IRA INFERNAL DE HULK!».

La editorial ha confirmado que la extensa epopeya Infernal Hulk de Johnson y Klein probablemente concluirá en 2027 con HULK WAR, lo que supone una escalada masiva para una serie que ha transformado progresivamente al Gigante de Jade en algo mucho más antiguo y aterrador que nunca. Los detalles siguen siendo un secreto, dado que no llegará a las librerías hasta al menos un año. Pero el título por sí solo sugiere que el universo Marvel en general pronto se verá obligado a enfrentarse al Padre de los Horrores.

Y dentro que me gustaría pensar que esto es decisión de Phillip Kennedy Johnson, en realidad creo que estamos ante el último ejemplo de una larga historia de creadores a los que la editorial fuerza a convertir su historia en un CROSSOVER con montones de cruces y tie-ins. Y esto no podría significar una noticia peor.

MARVEL ANUNCIA X-MEN: OUTBACK, MINISERIE AMBIENTADA EN LA MÍTICA ETAPA DE CLAREMONT Y SILVESTRI DE LOS 80

Este mes de junio, el guionista Steve Orlando y el dibujante Stephen Segovia regresan al Outback en X-Men: Outback, una serie limitada de cinco números con portadas de Russell Dauterman. El equipo creativo se sumerge de nuevo en la polvorienta sede donde los X-Men protegían a la humanidad desde las sombras y apenas lograban evitar su propia implosión.

MARVEL EN CAÍDA LIBRE

He puesto varios anuncios comiqueros de esta semana que me han llamado la atención. Por supuesto, voy a comprar TERMINAL de Kirkman y compañía. Y dentro que no todos los anuncios de DC me funcionan, al menos si me he encontrado 4 o 5 nuevos comics que me apetece leer. Luego, mi presupuesto marcará si podré comprar todo o alguna colección caerá.

Mientras todos esos anuncios se realizaban, ¿Qué hace Marvel? Refuerza su acoso al lector con innumerables eventos coincidentes en el tiempo, como podéis ver en la fecha de publicación del evento de Veneno Hel on Earth. Este evento está dibujado por Iban Coello, lo cual es una buena noticia, aunque no aguanto a Al Ewing, que me echó de la colección de Veneno. Pero mientras la competencia apuesta por la calidad, de escritores pero por supuesto de DIBUJANTES, cada anuncio de Marvel refuerza la idea que para Marvel los artistas son secundarios e intercambiables. DC vende como churros los comics de Dan Mora. Marvel anuncia eventos «fundamentales» para la editorial dibujados por artistas de segunda. La diferencia en abismal.

Por noticias en redes sociales se sabe que las tarifas que paga Marvel a sus artistas es cada vez menor. Por eso no consigue «engañar» a nadie potente, más allá que en algún momento puntual alguien se anime a dibujar a su superhéroe favorito. Sin embargo, esa limitación presupuestaria no se aplica para las cada vez mayores portadas múltiples, que ahí si contrata a dibujantes interesantes como Russell Dauterman o Dike Ruan. Igual es que hasta ellos saben que lo principal es el factor coleccionismo y la calidad de las historias no está muy allá.

Buenas series como Hulk que creativamente están funcionando muy bien, Marvel las transforma en otro evento, como si tuviéramos pocos. Y al mismo tiempo, siguen reforzando las miniseries «nostalgia» ambientadas en el pasado del Universo Marvel que en general no interesan a nadie. Todas las decisiones de Marvel me parecen pensadas al revés. Es todo un desastre que en lugar de invitar a leer nuevos comics me echan un poquito más.

AVATAR FUEGO Y CENIZA SUPERA LOS 1450 MILLONES DE RECAUDACIÓN

Avatar Fuego y Ceniza ha sido la película de estas navidades. Junto a Zootrópolis 2 y Lilo & Stitch, ha formado un trío que ha asegurado el liderazgo de Disney en la taquilla de todo el mundo. Y aunque su presupuesto de 400 millones de dólares es altísimo, habiendo superado los 1450 millones en todo el mundo no hay ninguna duda que la película es un gran éxito económico y creativo para Disney. Éxito que se va a alargar en cuando empiece su ventana de ventas y alquiler digital, así como de Blu-rays. Y más adelante, en Disney+.

Sin embargo, la independencia de Cameron, el director más exitoso de la historia, sigue molestando al stablishment americano y español, que no acepta que alguien pueda hacer mejores películas que ellos que capten la atención del gran público mejor de lo que lo hacen ellos. Por ello, intentando ponerle puertas al campo, medios como Variety se preguntaban públicamente si a pesar del incontestable éxito económico de Avatar 3, Disney debería producir Avatar 4 y 5. Es cierto que Avatar El sentido del agua recaudó 2300 millones y la tercera parte ha sufrido una caída importante de taquilla. Pero sigue siendo un éxito absoluto. Que Variety se haga esa pregunta en una tribuna tiene poco de análisis «ecuánime» y mucho de seguir intentando pillar en un renuncio a James Cameron cuando ahora tampoco tienen base para ello. Es de vergüenza. Pero en realidad tampoco sorprenden.

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Crítica de Cumbres borrascosas de Emerald Fennell

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Aunque reconozco que Cumbres borrascosas igual no entra en mi zona de interés, me animé a ver con mi madre la nueva versión que ha creado la directora Emerald Fennel (Una joven prometedora, Saltburn), que está protagonizada por Margot Roobie y Jacob Elordi.

PUNTUACIÓN: 5/10

Narra la intensa y romántica relación entre Heathcliff y Catherine Earnshaw en los páramos del condado inglés de Yorkshire. Tras ser criados juntos, su romance se ve pronto frustrado por las barreras sociales, y su pasión prohibida se transforma de romántica a intoxicante en una épica historia de lujuria, amor y locura. (FILMAFFINITY)

Emerald Lilly Fennell (Londres, 1985) es una actriz, escritora, productora y directora inglesa. Como actriz apareción en dramas históricos como Albert Nobbs (2011), Anna Karenina (2012), The Danish Girl (2015). Fennell fue especialmente conocida al ser la showrunner de la segunda temporada de Killing Eve (2019), que consiguió dos nominaciones al premio Primetime Emmy. Fennel ganó el Oscar a Mejor Guion Original con su primera película como directora, Una joven prometedora. Su siguiente película Saltburn (2024) pasó bastante más desapercibida.

Como es habitual en ella, Fennell produce, escribe y dirige esta película de 136 minutos de duración, que se inspira en la famosa novela de Emily Brontë. La película ha contado con un presupuesto de 80 millones de dólares, una cifra muy importante dentro del género de drama romántico de época. Linus Sandgren repite con Fennell como director de fotografía, al igual que Como es habitual en ella, Fennell produce, escribe y dirige esta película de 136 minutos de duración, que se inspira en la famosa novela de Emily Brontë. La película ha contado con un presupuesto de 80 millones de dólares, una cifra muy importante dentro del género de drama romántico de época. Linus Sandgren repite con Fennell como director de fotografía, al igual que Victoria Boidell en el montaje y Anthony Willis en la música. A Willis se le une Charli XCX en las canciones.

En el reparto encontramos a Margot Robbie como Catherine «Cathy» Earnshaw y Jacob Elordi como Heathcliff, los dos enamorados que se harán la vida imposible en este drama histórico. Charlotte Mellington como la joven Catherine Earnshaw y Owen Cooper como el joven Heathcliff, Hong Chau como Nelly Dean, Vy Nguyen como la joven Nelly Dean, Shazad Latif como Edgar Linton, Alison Oliver como Isabella Linton, Martin Clunes como el Sr. Earnshaw y Ewan Mitchell como Joseph, completan el reparto en sus papeles principales.

Antes de empezar a valorar la película tengo que hacer varias aclaraciones previas. La primera es que no soy fan de las películas románticas de época. (Aunque Orgullo y prejuicio de Joe Wright con Keira Knightley es un peliculón). Eso no significa que no vea alguna de vez en cuando si la ocasión lo requiere. Como ha sido este caso, para acompañar a mi madre al cine. Pero no ardo de ganas de ver los Bridgerton, no se si me explico.

El segundo comentario es que no he leído el libro de Emily Brontë, y aunque seguro que he visto alguna de las numerosas adaptaciones previas, no recordaba nada de la historia. De esta manera, no tenía ninguna expectativa previa de lo que iba a ver y no me molesta que Fennell se haya tomado unas enormes libertades con su historia. Si me gusta o me disgusta la película no será por aspectos de «fidelidad», sino simplemente si me funciona lo que me cuentan.

Por último, tengo que lamentar la enorme lacra que supone que el cine donde vi la película no la proyectara bien y se viera todo super oscuro. Algo que afectó al disfrute de la película y que entiendo que ayuda a que mi valoración no sea demasiado buena. Aunque puede que sea muy pesado, que los cines no ofrezcan las películas en las mínimas condiciones exigibles es otro de los problemas por lo que la gente cada vez va menos al cine. De hecho, veo el trailer de la película y lo cierto es que el estallado de color que se ve jamás se percibió en la sala, con una imagen oscura y más apagada de lo que debería. Un desastre.

Entrando a valorar Cumbres Borrascosas, también me llamó la atención que el trailer vendía la película diciendo: «Este San Valentín, inspirada en la mayor historia de amor de todos los tiempos.» Y ostras, la película no es nada de eso. De hecho, estamos ante un drama muy turbio protagonizado por seres mezquinos que no pudiendo tener lo que desean, harán la vida imposible a los que les rodean. No se, si alguien esperaba una película romántica tipo Orgullo y Prejuicio, el shock ha debido ser espectacular.

A grandes rasgos, la historia empieza de forma bastante parecida a la de otras historias románticas del XVIII. Cathy Earnshaw es una joven de una familia empobrecida. Cuando ella era una niña, su padre acogió a un niño abandonado que no sabía casi ni hablar. Cathy le llamó Heathcliff porque ese era el nombre de un hermano que murió cuando era un bebé. Al crecer, la familia está acuciada por los problemas económicos. Y aunque Cathy ama a Heathcliff, aunque nunca se lo dice, decide casarse con el vecino rico Edgar Linton, como haría cualquier joven de su época. Heathcliff se marcha enojado al descubrir que Cathy cree que no es lo bastante bueno para ella. Desde luego, no lo bastante para poder mantenerla.

Cathy vive varios años de una existencia monótona y sin amor pero llena de regalos y comodidades. En ese momento, Heathcliff vuelve a su vida convertido en una persona rica. En ese momento se produce una explosión de pasión y desenfreno, rodado de forma extremadamente beata y limpia, y un choque de personalidades tóxicas que decidirán hacer la vida imposible al otro si no obtienen lo que desean. Pasan muchas otras cosas, pero hasta aquí puedo leer. Y desde luego, lo que acabo de ver es lo contrario al ideal romántico que se podría esperar. Que no es bueno ni malo en si mismo, pero que explica parte del problema que he tenido con esta versión de Cumbres borrascosas.

Jacob Elordi me gustó mucho en Frankenstein, pero en Cumbres borrascosas me parece un palo que no transmite nada. De hecho, mi madre me comentó con razón al terminar la película que el actor estuvo toda la película con la misma cara, daba igual es estuviera enfadado, triste o enamorado. Que el 50% de una película romántica no funcione hace muy difícil que la película pueda funcionar. Pero en realidad creo que igual no es del todo problema de Elordi, dado que Fennell ya trabajó con él en Saltburn, película en la que era un rico repelente con una interpretación que hacía en todo momento lo que Fennell pedía de él. Imagino que habrá sido igual en Cumbres borrascosas y la interpretación estoica e inexpresiva es lo que se le pidió.

Unido a que Elordi no me gustó está el hecho que me parece que tiene una nula química con Margot Robbie. O Robbie no tiene química con él, como queráis. Entre otros motivos, la diferencia de altura entre ambos hace que exageradamente habiten planos separados entre si. No se el motivo, pero si la idea era transmitir que comparten un amor inmortal, no lo han conseguido.

Y el caso es que Margot Robbie si me parece que hace un trabajo espectacular. Dentro que Cathy es un «caramelo» que la permite plantear un rango enorme de emociones desbordantes. Robbie tiene una mirada que hace que veas que está colada hasta las trancas por Heathcliff pero en el momento que no recibe amor incondicional, responde con crueldad hacia la otra persona, demostrando ser una persona super tóxica. Cathy y Heathcliff se comportan de forma mezquina como si fueran unos niños caprichosos que se enfadan cuando no reciben lo que desean. Algo que hace muy difícil que puedas conectar con ellos.

Pero no son solo ellos. Además tenemos a Nelly Dean, la Dama de compañía de Cathy que se convierte a la gran villana de la historia de Fennell. Debido a su enfado con Cathy porque la dice que no sabe lo que es el amor, provocará que Heathcliff se marche al forzar a Cathy a decir mientras el joven les oye que casarse con él sería degradante porque no quiere morirse de hambre. De forma que Heathcliff no oye la parte en que ella afirma amarle, pero si cuando le rechaza y se va a casarse con el vecino rico aunque no le quiere. Más adelante, Nelly acabará con la aventura sexual de la pareja al decírselo al marido de Cathy. Incluso podría decirse que Cathy muere por culpa de Nelly, que no llamó al médico para que curara su enfermedad. Cuando pienso en Nelly, me da la sensación que Fennell busca crear un chivo expiatorio que de alguna manera exima de su responsabilidad a los amantes separados. Para que su comportamiento no sea tan grave. No se si soy sólo yo, pero he visto Cumbras borrascosas y sólo he visto personas tóxicas y personas aleladas que permiten que les mangoneen. Imposible empatizar con nada de lo que veía.

La posible potencia visual de la película quedó diluida por la mala proyección del cine, provocando que la película fuera oscura y sin brillo. Las canciones de Charli XCX son un poco anacrónicas, pero en realidad no me molestaron dentro del exceso naïf de la parte central de la película en la que Cathy vive una vida llena de regalos exagerados de todo tipo. A todo esto, los diseñadores del vestuario se han lucido con un conjunto de vestidos a cual más llamativos que resaltaban la belleza de Robbie. Creo que todo lo relativo al diseño de producción está estupendo.

La perfección técnica no impide que la película se me hiciera demasiado larga. Si hubiera sido 15 minutos más corta creo que todos hubiéramos aprovechado más. En especial la última parte en la que Heathcliff se lanza a un frenesí masoquista con su esposa, mientras que Cathy está en cama, es otro de los muchos over-the-top de la película que se podrían haber ahorrado completamente, y que terminaron de hacer repelentes a todos los protagonistas incluyendo por supuesto a Nelly. Me han vendido una historia romántica, y me he encontrado una historia de una relación super tóxica protagonizada por gente mezquina. Y esto es un debe en el casillero de Fennell, el «fallo» es todo suyo.

Reconozco que dentro que no esperaba nada a priori, seguro no era esto. Pero entre la mala proyección y la historia que plantea Fennell, fue imposible conectar con la película. Una historia, por cierto, que en realidad cambia montones de elementos claves del libro, lo que hace que se sienta otra cosa. Que no me importa, ojo. Pero que provocó que a mi madre no le gustara tampoco nada la película. Y es algo curioso, porque Guillermo del Toro también cambió muchísimo su Frankenstein cuando lo comparas con la novela. Pero al menos del Toro acierta en crear empatía, que podría ser el principal defecto de esta versión de Cumbres borrascosas.

Comparto el trailer de la película:

Reconozco que no era público objetivo de Cumbres borrascosas, pero esperaba que me fuera a gustar más. Una pena.

PUNTUACIÓN: 5/10

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Crítica de Sin piedad de Timur Bekmambetov

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En redes sociales los «profesionales» habían masacrado Sin piedad, la película de Timur Bekmambetov (Wanted, Abraham Lincoln: Vampire Hunter) protagonizada por Chris Pratt y Rebecca Ferguson. Al final me animé a verla para ver si realmente era tan mala como la pintaban. Por supuesto, no lo era.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

En un futuro próximo, un detective (Chris Pratt) es acusado de asesinar a su esposa. Tiene 90 minutos para demostrar su inocencia ante la Jueza de la I.A. avanzada (Rebecca Ferguson), a la que él mismo defendió en su día, antes de que esta decida su destino.

Timur Nuruakhitovich Bekmambetov (Unión Soviética, 1961) es un cineasta y empresario tecnológico kazajo-ruso. Es conocido principalmente por la épica fantástica Night Watch (2004), el thriller de acción Wanted (2008) y la película de terror histórico Abraham Lincoln: Vampire Hunter (2012), así como por las películas de screenlife Unfriended (2015), Searching (2018), Profile (2018) y War of the Worlds (2025).

Sin piedad es una película producida por Amazon MGM Studios (Prime Video), estudio con el que Chris Pratt mantiene una buena relación profesional, con Sony Pictures encargándose de la distribución internacional. La película nace a partir de un guion de Marco van Belle y tiene fotografía de Khalid Mohtaseb, montaje de Austin Keeling y Lam T. Nguyen, con música de Ramin Djawadi. El rodaje tuvo lugar en Los Ángeles, con un montaje final de 100 minutos de duración. El presupuesto estimado es de 60 millones de dólares.

En el reparto tenemos a Chris Pratt como el detective Christopher «Chris» Raven, un agente de la policía de Los Ángeles que está siendo juzgado por el asesinato de su esposa; Rebecca Ferguson como la jueza Maddox, una IA que forma parte del programa Mercy; Kali Reis como Jacqueline «Jaq» Diallo, la compañera de Chris; Annabelle Wallis como Nicole Raven, la difunta esposa de Chris; Chris Sullivan como Robert «Rob» Nelson, el padrino de Alcohólicos Anónimos de Chris y compañero de trabajo de Nicole; Kylie Rogers como Britt Raven, la hija de Chris, y Kenneth Choi como Ray Vale, el difunto compañero de Chris.

Sin piedad es un thriller efectivo que parte de una premisa interesante que hace a la película diferente, pero que también plantea una limitación que podía significar el principal problema de la película. La premisa de ciencia ficción anticipatoria es que debido al aumento exponencial de crímenes violentos en los Estados Unidos, en los casos en los que las evidencias parece irrefutables los acusados son juzgados por un sistema dirigido por un I.A., y en caso de encontrarle culpable el acusado muere en ese mismo momento. Para demostrar su inocencia y poder salvar la vida, la I.A. pone a disposición del acusado un poder casi ilimitado, al poder entrar sin limitación en cualquier teléfono, cámara u ordenador que esté conectado en línea con la I.A. para buscar pruebas de su inocencia. De momento, todos los casos hasta la fecha han acabado confirmando la condena del acusado.

La limitación actoral es brutal, porque Chris Pratt se pasa el 99% del metraje atado a una silla de ejecución en una habitación cerrada. Y se despierta borracho sin saber lo que ha pasado, lo que plantea la duda inicial sobre si él realmente pudo matar a su mujer. Junto a él Rebecca Ferguson interpreta a la I.A. que le juzga, de forma que sólo la vemos de medio cuerpo y en primeros planos, y su interpretación debe ser lo más austera de movimientos y sentimientos posible. Sin embargo, me alegra poder decir que estas limitaciones no impidieron que disfrutara de la película.

En especial Chris Pratt demuestra que es uno de los pocos actores que ahora mismo puede decirse que es una ESTRELLA de cine. Pratt consigue transmitir toda la confusión inicial y la duda ante un pasado que le muestra como un policía alcohólico que no se ha portado bien con su esposa. A pesar de la limitación de movimientos, Pratt demuestra que no los necesita una vez se pone en marcha la investigación, porque su personalidad se adueña de la pantalla. En positivo también, dentro que Rebecca Ferguson interpreta a una I.A. a priori sin sentimientos, Ferguson añade un toque de ironía en su interpretación, incluso de duda cuando se plantea que igual puede haberse equivocado con su primera valoración del caso. En una película en la que la pareja protagonista está presente en pantalla el 90% del tiempo, me alegra que ellos sean los artífices del éxito de la película.

Pero ojo que Sin piedad dista mucho de ser perfecta. El principal problema es su guion. A pesar de que la película es super entretenida, lo cierto es que se plantean una serie de trampas que resultan un poco ridículas una vez te paras a pensar un poco en lo que acabas de ver. Esa sensación de trampa, empezando porque Chris Pratt no recuerde lo que hizo en los momentos previos a la muerte de su mujer, no la tuve durante el visionado sino una vez terminó la película y me puse a pensar en ella. Luego a lo mejor no está tan mal, si pensamos en lo que opinaba al respecto Alfred Hitchcock. Bueno, en realidad cuando se descubre todo el pastel es una locura tan grande, y sobre todo, una casualidad sobre una imposibilidad sobre una locura, que un poco sí que pensé que los giros finales eran un poco demasiado.

En positivo, Timur Bekmambetov plantea un ejercicio narrativo diferente con esta película, creo que influido en los videojuegos de primera persona y los videos corto de Youtube o TikTok. Cuando Pratt empieza a investigar la muerte de su mujer, muchas de las escenas se ven desde las cámaras personales de policías, con lo que tienes la sensación de estar siempre en medio de la acción, con unas imágenes a menudo caóticas. Por ejemplo, cuando seguimos una persecución desde una de esas cámaras. El resultado a veces me gusta y otras veces no tanto, pero me parece interesante que se intente plantear un lenguaje visual diferente al de los thrillers tradicionales.

El presupuesto de 60 millones de la película puede parecer exagerado pensando que la mayoría del tiempo tenemos a dos personas hablando en un espacio cerrado. Pero la película plantea numerosos elementos de ciencia ficción empezando por unos vehículos voladores que usa la policía. Además de varias explosiones y recreaciones digitales. Dicho esto, vería normal que la mayor partida de gasto haya sido para pagar a Pratt y a Ferguson, porque la película se estrena en cines debido a su presencia y ellos son el principal reclamo que provocó que quisiera verla. Así que sin saber lo que han cobrado, seguro lo merecen.

Con los tiempos que corren, uno pensaría que la mala de la película sería la I.A. Pero me ha llamado la atención también la idea positiva que se transmite de ella, porque incluso equivocándose está aprendiendo para mejorar y hacerlo mejor la próxima vez. Lo que no es sorpresa es que cuando se conozcan todos los misterios, resulte que el eslabón débil sea el ser humano, en concreto la policía, que son los que proporcionan la información a la I.A. para que juzgue. Y claro, si las pruebas son incorrectas el veredicto no puede acertar.

Sin piedad dista mucho de ser perfecta. Pero es una película más que digna que se atreve a plantear cosas diferentes y que tiene una duración y un ritmo que me parecen perfectos. No va a ser la mejor película para nadie, pero estoy seguro que van a estrenarse películas mucho peores y con historias mucho más trilladas y con sensación de «esto ya lo he visto».

Sin embargo, la crítica americana y las redes sociales se tiraron en contra de la película. Y más concretamente, de Chris Pratt. Y hay que ser sinceros, el hecho que sea un cristiano practicamente  que no se ha unido al coro progresista contra los republicanos y Donald Trump, le ha granjeado el odio de muchas personas de izquierdas en los Estados Unidos. Y puedo equivocarme, pero diría que Pratt no ha dicho nunca que apoye a los republicanos, o que haya votado a Trump. Pero tampoco ha dicho que vote demócrata, y eso es suficiente para ser puesto en la picota por los «buenistas» de izquierdas. Unas personas que se han propuesto boicotear sus películas, porque ya se sabe que o estás conmigo al 100% o estás contra mi sin término medio. En España hay críticas de todo tipo, buenas y malas. Pero en USA las críticas fueron exageradamente malas, y no tengo duda que fueron por ideología, no por un análisis sincero de los pros y contras de esta película.

Chris Pratt ha protagonizado películas malas, claro que sí. Pero la virulencia de algunos comentarios me hizo sospechar que había más campaña organizada en su contra que problemas reales de la película. Por eso me animé a verla incluso cuando la cosa no pintara demasiado bien. Por cierto, si os animáis a ver la película, NO veáis el trailer, ya que destripa algunos de los giros más importantes de la película. Y lo cierto es que una vez vista, creo que Sin piedad es una película más que digna que cuando la veas en casa cuando se entrene en Prime Video, estoy seguro que diréis «pues no es tan mala, ha sido entretenida».

Comparto el trailer de la película, que os recoiendo que NO leáis:

Sin piedad me ha parecido un curioso experimento narrativo que no sale tan mal parado como las críticas especializadas hacen creer.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

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Crítica de Marty Supreme de Joshua Safdie

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Sigo con mi visionado de las películas nominadas a los Oscars 2026. Hoy es el turno de Marty Supreme, la película de Joshua Safdie protagonizada por Timothée Chalamet que ha recibido 9 nominaciones, entre ellas Mejor película, Mejor director y Mejor actor.

PUNTUACIÓN: 5/10

Marty Mauser, un joven buscavidas que juega al ping pong con una ambición desmesurada, está dispuesto a todo para cumplir su sueño. Con ayuda, entre otros, de la estrella de cine Carol Dunne, demostrará al mundo entero su grandeza.

Joshua Henry Safdie (Nueva York, 1984) es un cineasta estadounidense. Es conocido principalmente por escribir y dirigir las películas de suspense y crimen Good Time (2017) y Uncut Gems (2019) junto a su hermano menor Benny Safdie, formando los hermanos Safdie. Marty Supreme es el primer trabajo como director en solitario de Safdie desde The Pleasure of Being Robbed (2008).

Safdie coescribió el guion junto con Ronald Bronstein, basándose libremente en la vida de Marty Reisman, pero realizando numerosos cambios durante la esrit escritura. El director de fotografía Darius Khondji rodó la película en película de 35 mm, y Daniel Lopatin, colaborador habitual de Safdie, compuso la banda sonora. Safdie y Bronstein montaron ellos mismo la película de 150 minutos de duración, que ha contado con un presupuesto cercano a los 70 millones de dólares.

En el reparto tenemos a Timothée Chalamet como Marty Mauser, un aspirante a campeón de tenis de mesa, ferozmente decidido a ser el mejor en este deporte. Gwyneth Paltrow como Kay Stone, una rica actriz retirada y miembro de la alta sociedad que mantiene una relación sexual con Marty. Odessa A’zion como Rachel Mizler, una amiga de la infancia de Marty, casada, que mantiene una aventura con él. Kevin O’Leary como Milton Rockwell, un influyente hombre de negocios y marido de Kay que se interesa por Marty y el tenis de mesa. Tyler Okonma como Wally, un taxista y amigo de Marty, también experto en tenis de mesa. Abel Ferrara como Ezra Mishkin, un delincuente con el que Marty se cruza; y Fran Drescher como Rebecca Mauser, la madre de Marty.

Marty Supreme ha recibido 9 nominaciones, Mejor película y Mejor Director, Mejor actor, Mejor guion original, Mejor casting, Mejor fotografía, Mejor diseño de producción, Mejor montaje y Mejor vestuario.

Conocí a Joshua Safdie junto a su hermano Benny con Uncut gems (2019), una película sobre un protagonista asqueroso que empleaba casi todo su tiempo para hacer sentir mal al espectador con las cosas chungas que hacía y le pasaban. Es por esto que no tenía demasiadas ganas de ver Marty Supreme, porque apuntaba a que Marty Supreme iba a ser justo esto. Finalmente me animé a verla debido a mi próxima participación en el podcast de El Mundo.

También tengo que reconocer algo. Timothée Chalamet me cae como el culo. Igual es buen actor, pero ha demostrado que es un trepa asqueroso que mataría a su madre para conseguir un Óscar, como vimos con la forma asquerosa en que trató a Woody Allen. No porque creyera nada de lo que le acusaron, sino porque pensaba que hacerlo le beneficiaría en la carrera hacia los premios.

Empezando ya con la película, Joshua Safdie ha acertado completamente con el casting de Timothée como protagonista, porque tenemos una película siguiendo a un personaje de ficción, Marty Mauser, que es un asqueroso que hará lo que sea pisoteando a quien sea para conseguir el éxito en el ping-pong. El argumento dice que Marty Mauser es un «buscavidas», pero hay formas y formas de serlo. Y en esta película, Marty es un cacho de mierda que trata mal a todo el mundo y se comporta casi como un enfermo mental que cree que el mundo le debe algo.

Dentro que la película se me ha hecho super larga, al menos Safdie plantea muchas situaciones, o al menos yo interpreto que lo hace, desde el humor negrísimo, consiguiendo que momentos bochornosos se conviertan casi en gags. Lo malo es que son situaciones que realmente son super chungas, mientras Marty roba un perro de un anciano herido para ganar dinero, por ejemplo, para luego perderlo. O acostarse con una antigua estrella de cine (Paltrow) aburrida con su matrimonio, como forma de llegar al marido para que le financie el viaje al Campeonato del Mundo en Japón. Son situaciones que no son graciosas y el mero hecho que se planteen así muestra una brújula moral bastante cuestionable. En positivo, habría que agradecer que un director como Safdie se atreva a hacer algo tan a contracorriente, al no pretender pontificar ni vendernos un panfleto.

En realidad, no es sólo Marty el que es un ser humano lamentable, porque parece que todos los personajes cometen todos los errores imaginables. De hecho, parece que casi lo hagan a propósito, el tomar siempre la decisión equivocada en todo lo que hacen. La película se divide entre las malas personas sin un atisbo moral y unas teóricamente víctimas que son mostrados como gilipollas que un poco merecen lo que les va a pasar. O al menos, lo que a Marty le gustaría que pasara. Como digo, temáticamente la película es extraña, siempre moviéndose entre el drama y la comedia negra. Y reconozco que no he conectado nada con ella.

Buscando cosas positivas, al menos el casting es super acertado y todos los actores y actrices lo hacen genial. Timothée Chalamet hace un despliegue de tics desagradables que ayudan a que una persona que no gusta acabe siendo una abominación. Gwyneth Paltrow y Odessa A’zion, las mujeres en la vida de Marty, son egoístas y traicioneras, y por eso conectan tan bien con Timothée.

Dentro de una película a contracorriente que busca alterar al espectador con la inmoralidad de Marty, el intento de blanqueamiento del protagonista al final me parece casi hasta deshonesto. Entre otros motivos porque sabes que aunque la película quiera dejarle haciendo una buena acción, no va a durar y al día siguiente les va a dejar a todos en la estacada como siempre ha hecho. Aparte que Marty no aprende ni evoluciona para convertirse en mejor persona sino que vuelve porque no tiene donde ir.

Se ha criticado mucho la duración de los blockbusters palomiteros. Sin embargo, no entiendo cómo la ridícula duración de 150 minutos de Marty Supreme no ha sido objeto de crítica, porque la película se me ha hecho larguísima. Y es que todas, TODAS las escenas están alargadas de más. Y entiendo que en parte es algo hecho a propósito para generar la sensación incómoda en el espectador sobre la que hablaba antes. Pero esto son anécdotas sin gracia que deberían haberse cortado para que la película no superara las dos horas de películas. Porque en realidad la historia no daba para tanto.

Otro elemento curioso es el uso de CGI en las partidas de ping-pong para la bola, que me ha sacado completamente de la película. Creo que hay escenas alargadas que acaban siendo ridículas al hacer que los jugadores jueguen puntos imposibles que rompen la sensación de verosimilitud de la película, antes incluso de analizar si el CGI de la bola está bien o mal. que en una película supuestamente dramática se planteen estas escenas resulta ridículo. Al menos a mi me lo pareció. Y, de nuevo, me hace pensar en las masivas críticas hacia los blockbusters por sus efectos especiales, mientras que parece que por ser una película «de autor» se le debe permitir hacer cualquier ridiculez. Y luego además hay que aguantar ridiculeces durante la promoción de la película como que Timothée ha entrenado durante años, «jugando con sus amigos entre rodajes» y ha alcanzado un nivel casi de campeón de este deporte. Si es que te tienes que reir. En realidad, el ping-pon sólo aparece en dos momentos puntuales, el primero en el campeonato en Londres y luego en el climax final en Japón. Pero son escenas que pierden todo el dramatismo que deberían tener porque me tenían pensando lo inverosímil que eran. Esto es un problema muy grande.

A pesar que no me gustó Marty Supreme, al menos tengo que agradecer haber visto algo diferente al 99% del resto de los estrenos que veré este año. Es raro ver una película planteada para boicotear toto el rato el protagonista mostrándole como un ser patético mientras sigue teniendo delirios de grandeza. En eso si aplaudo a Joshua Safdie, porque creo que hay que ser un poco kamikaze para plantear esta historia.

Dicho esto, espero que la película no gane ningún Oscar. Desde luego, ojalá Timothée no lo gane, a ver si conseguimos entre todos que el enorme ego que tiene se le desinfle un poco.

Comparto el trailer de la película:

Marty Supreme se me ha hecho larga. Y no creo que Timothée esté tan bien. Con todo, lo que plantea tiene cierta gracia, dentro de lo asqueroso que me caiga el protagonista.

PUNTUACIÓN: 6/10

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Películas

Crítica de Hellboy: El hombre retorcido de Brian Taylor

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Aunque no esperaba nada, me fui al cine a ver Hellboy: El hombre retorcido, película dirigida por Brian Taylor (Crank) estrenada en 2024 que llega a España con muchísimo retraso.

PUNTUACIÓN: 7/10

Hellboy y una agente novata del BPRD se quedan varados en los Apalaches rurales de los años cincuenta. Allí descubren una pequeña comunidad embrujada, liderada por el Hombre Torcido. (FILMAFFINITY)

Brian Taylor es un director estadounidense conocido principalmente por colaborar con Mark Neveldine en el equipo de guionistas y directores Neveldine/Taylor, directores de Crank, Crank: High volume y Ghost Rider: Spirit of Vengenace.

Taylor dirige Hellboy: El hombre retorcido a partir de un guion que escribió junto con Mignola y Christopher Golden, adaptando la serie limitada The Crooked Man escrita por Mignola. La película producida por Millennium Media, Dark Horse Entertainment, Nu Boyana Film Studios y Campbell Grobman Films, es el segundo reinicio de la serie de películas Hellboy después de las dos dirigidas por Guillermo del Toro, y la cuarta entrega de acción real de la franquicia. Con un presupuesto de 20 millones de dólares y una duración de 99 minutos, la película cuenta con una fotografía de Ivan Vatsov, montaje de Ryan Denmark y música de Sven Faulconer.

En el reparto encontramos al desconocido Jack Kesy como Hellboy, al que acompañan Martin Bassindale como El Hombre Retorcido, una entidad sobrenatural que acecha en los Montes Apalaches. Jefferson White como Tom Ferrell, un exsoldado que se encontró con El Hombre Torcido durante su infancia. Adeline Rudolph como Bobbie Jo Song, una agente novata de la B.P.R.D. y compañera de Hellboy. Joseph Marcell como el reverendo Nathaniel Armstrong Watts, un pastor religioso. Leah McNamara como Effie Kolb, una acólita del Hombre Torcido, y Hannah Margetson como Cora Fisher, una bruja y exnovia de Tom.

Resulta llamativo que un personaje como Hellboy, importante dentro del indy pero a muchas leguas de la popularidad de Marvel o DC tenga 4 películas en imagen real. No entro en la calidad. Mientras, iconos como Wonder Woman o Iron Man tienen muchas menos. El caso es que no puedo decir que sea fan de los comics de Mignola. Compré las primeras miniseries allá por el siglo XX, pero la idea misma de resolver a ostias problemas sobrenaturales tengo que reconocer que nunca me ha funcionado del todo.

No tenía ninguna expectativa, pero leer unas declaraciones de Mignola afirmando que esta película era la que mejor trasladaba el tono y la intención de los comics a la gran pantalla me llenó de cierta curiosidad. Aunque también recordé que Mignola SIEMPRE ha hablado muy bien de las películas anteriores antes de su estreno, porque toca promocionarla. Y no es hasta más tarde que descubrimos que en realidad Mignola no estuvo demasiado contento del tono de las películas de del Toro, y por eso se puso él a intentar producir y controlar las siguientes películas.

Hellboy: El hombre retorcido en realidad se estrenó en 2024, pero por esas cosas raras de la distribución independiente no llegó a España hasta ahora. De hecho, ahora descubro en Wikipedia que en realidad la película no se estrenó en cines en USA, y pasó a distribuirse directa a video. Eso claramente no es una buena noticia. A pesar de todo, me encontré con una tarde libre mientras mi hijo estaba en un cumpleaños, así que finalmente me animé a verla en el cine.

Y me alegro un montón de haber visto Hellboy: El hombre retorcido en pantalla grande. Lo primero a destacar es SI es la adaptación más fiel del tono y el estilo de historias de los comics. Pensando que Mignola con su colaborador habitual Christopher Golden son los que adaptaron el comic a la gran pantalla. Había que ser optimista, pero a veces las cosas se tuercen, cosa que no sucede en esta película.

Hellboy es un bravucón que se las da de duro y que pega un puñetazo antes de pensar lo que está sucediendo, lo que le mete en numerosos problemas. La socarronería que muestra en sus diálogos está clavada a los comics, y desde el principio pensé que el tono estaba perfecto.

Luego hay que destacar el trabajo del director Brian Taylor, que saca oro del presupuesto. Comparado con otras películas de terror, 20 millones es un presupuesto importante, pero hay que pagar la prótesis de Hellboy y algunos planos digitales como son el tren, la araña y la serpiente gigantes, con lo que creo que le quedó poco para todo lo demás. Y con lo que tiene, plantea una película visualmente potentísima, y a la vez, extraña.

Hellboy: El hombre torcido es una historia de brujas y hechiceros. Taylor plantea una gran multitud de escenas con desenfoques tremendos que sirven para transmitir la sensación de confusión que sienten las víctimas de las brujas, al ver cómo su mundo se desmorona por cosas que desafían la lógica y la razón. Además, la película es calculadamente oscura, lo que ayuda a ahorrar en decorados pero también tiene un propósito narrativo. Si a eso sumamos unos planos imaginativos con contrapicados y soluciones que se alejan de la narrativa de plano medio de serie de televisión que abunda en muchas películas, tenemos una película que transmite personalidad y ganas de salirse de lo convencional.

Como buena historia de brujas y de Hellboy, me gusta que la película no haga concesiones y muchos personajes sufran una muerte cruel. También me gusta la sensación de aventura pequeña en la que el destino del mundo NO está en juego, que es justo lo que eran muchos de los comics de Hellboy. Esto es otro elemento que hace que la película sea tan satisfactoria.

Dicho esto, a pesar de la nula explicación de la historia de Hellboy, algo que podría ser un problema para algunos espectadores, la película plantea una subtrama con la madre de Hellboy que me da que se planteaba como una posible historia que pudiera continuarse en una eventual quinta película. Lo chulo de esto es que viendo cómo se plantea, queda la duda de si es algo que Hellboy ha vivido en realidad o si era una pesadilla provocada por el villano para matar a los protagonistas.

Hablando de los villanos, me ha gustado la representación en pantalla de El hombre retorcido. Cuando has visto tanto cine como he visto yo, nada o casi nada consigue dar miedo en realidad. Pero dicho esto, la sensación malsana que trasmite cada vez que aparece es genial. Este villano y las brujas que le siguen son un grupo que realmente dan una buenísima sensación de peligro.

En lo referido al reparto, sólo conocía a Jefferson White por su papel del cowboy atontado de Yellowstone. White hace un buen trabajo en su papel de Tom Ferrell, un joven traumatizado que huyó del pueblo hace años y que vuelve ahora para enfrentarse a los demonios que pueblan esta zona rural. No conocía a Jack Kesy, pero creo que es un Hellboy estupendo. Adeline Rudolph como Bobbie Jo Song, la compañera de Hellboy en esta aventura, Joseph Marcell, Leah McNamara y Hannah Margetson cumplen perfectamente con lo que la película necesita de ellos.

Por ponerle un pero que para mi no lo es, la película es café para los muy cafeteros, hasta el punto que todo empieza sin dar la mínima explicación de nada más allá que se encuentran en el año 1957. Para mi no es un problema porque conozco al personaje, pero en la sesión es la que estuve al menos 6 personas se salieron de la sesión, lo que indica que la propuesta no les funcionó. Desde el punto de vista de hacer una película «amigable» para el espectador, no hubiera costado nada haber explicado en algún momento el origen de Hellboy y dos pinceladas de su trabajo en el B.P.R.D.

Hellboy en el cine nunca ha terminado de triunfar, pero en los comics hablamos de un personaje cuyos tomos se llevan vendiendo como churros en los últimos 30 años. Eso quiere decir que debe haber decenas de miles de personas (o más) que le conocen y han leído sus aventuras. De alguna manera creo que Mignola ha hecho esta película para ellos. Y aunque no ser amigable para el espectador casual puede ser un problema, en mi caso creo que Mignola ha sido muy valiente al tener claro que esta película es un producto de nicho que no busca contentar a un público masivo que abandonó al personaje en las películas previas en imagen real.

Por todo ello, la valoración que hago de esta película es muy positivo. Encuentro que todo lo que he visto, todo lo que el director y Mignola han planteado está muy bien resuelto. Claramente nada es de sobresaliente, pero he conectado con todo desde el minuto uno. Si eres fan de Hellboy, la diversión está asegurada.

Comparto el trailer de la película:

Hellboy: El hombre retorcido ha sido una película perfecta en todo lo que plantea, ofreciendo un entretenimiento perfecto para los fans muy cafeteros.

PUNTUACIÓN: 7/10

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