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Crítica de La tierra prometida de Nicolaj Arcel

Cualquier película que protagoniza Mads Mikkelsen es de visionado obligado. Y más si nos encontramos con la reunión de Mikkelsen con Nicolaj Arcel, director de A Royal Affair. Hoy recomiendo La tierra prometida (The bastard en el original danés).

PUNTUACIÓN: 8/10

En 1755, el empobrecido capitán Ludvig Kahlen se dispone a conquistar los duros e inhóspitos páramos daneses con un objetivo aparentemente imposible: crear una colonia en nombre del rey. A cambio, recibirá un nombre real que anhela con desesperación. Sin embargo, el único gobernante de la zona, el despiadado Frederik de Schinkel, cree arrogantemente que esa tierra le pertenece. Cuando de Schinkel se percata de que su criada Ann Barbara y su servil marido han escapado para refugiarse con Kahlen, el privilegiado y rencoroso gobernante jura venganza y promete hacer todo lo que esté a su alcance para ahuyentar al capitán. Pero Kahlen no se deja intimidar y emprende una batalla tan desigual que pondrá en riesgo no solo su vida, sino también a la familia de personas marginadas que se ha formado a su alrededor. (FILMAFFINITY)

Nikolaj Arcel (1972) es un cineasta y guionista danés. Es conocido sobre todo por su película de 2012 A Royal Affair, en la que ya trabajó con Mikkelsen y Alicia Vikander, que ganó dos premios en el Festival Internacional de Cine de Berlín y que fue nominada a mejor película de habla no inglesa en los Óscar, así como por la decepcionante adaptación de La Torre Oscura de 2017. A raíz de esa decepción, Arcel volvió a su Dinamarca natal.

Arcel y Anders Thomas Jensen escriben el guion basado en la novela El capitán y Ann Barbara de la escritora danesa Ida Jessen, que está inspirada en personas reales de la época (de los que en realidad se sabe muy poco de ellos). La película de 127 minutos de duración cuenta con fotografía de Rasmus Videbæk, montaje de Olivier Bugge Coutté y música de Dan Romer. La tierra prometida se estrenó mundialmente en la 80ª edición del Festival Internacional de Cine de Venecia y fue seleccionada por Dinamarca como mejor película internacional en la 96ª edición de los Oscar, aunque no pasó el corte final.

La película tiene a Mads Mikkelsen como principal reclamo, interpretando al Capitán Ludvig Kahlen, un ex-militar que busca convertirse en colono de una tierra inhóspita. Amanda Collin (Madre en Raised by wolves) es Ann Bárbara, la mujer de Johannes Eriksen (Morten Hee Andersen) una pareja de agricultores que escapan del odio del juez y terrateniente local Frederik de Schinkel (Simon Bennebjerg), que aspira a quedarse con la riqueza de ese páramo, en caso que Kahlen consiga algo. Melina Hagberg como Anmai Mus, una huérfana de color criada por nómadas, Kristine Kujath Thorp como Edel Helene, hija de un noble noruego y prima de Frederik de Schinkel que aspira a casrse con ella, Gustav Lindh como el padre Anton Eklund, responsable de la Iglesia en la comarca, completan el reparto en sus papeles principales.

Me ha gustado mucho La tierra prometida, así da gusto ir al cine. Mads Mikkelsen es uno de los actores de mayor carisma que puede aparecer en una pantalla de cine actualmente, y estos papeles de hombre duro y estoico que hace lo que cree correcto le vienen como anillo al dedo, realizando un trabajo soberbio. Cuando pasó por el festival de Venecia leí un comentario de que la película trasladaba la sensibilidad del western a una película de época ambientada en la mitad del siglo XVIII en la Dinamarca rural. Y la verdad es que es una apreciación que encuentro acertada, dentro de ser en muchos momentos mucho más cruel, al conectar con las prácticas casi medievales de sometimiento de los siervos a los nobles locales.

Una cosa que me gusta mucho de la película es que el personaje interpretado por Mads Mikkelsen es el protagonista de la película y alguien heroico para los estándares del siglo XVIII, pero con un pensamiento actual resulta casi hasta repulsivo. Y es que durante la película le vemos aprovecharse de la pareja de agricultores huidos para conseguir trabajadores sin sueldo o más adelante golpeando a una niña que sobrevive como puede en el bosque con unos nómadas. Digo esto porque en realidad hay que entender el contexto antes de juzgar algo con unos criterios que no se aplicaban en la época de la película. Porque si la sociedad danesa de la época era super racista, es normal que él lo sea al principio de la película en relación con la niña de color, que es vista como una fuente de mala suerte. Dicho esto, me gusta mucho la evolución que tiene hacia las protagonistas femeninas durante la película y cómo tiene que plantearse que por buscar la gloria y la riqueza se está perdiendo la felicidad que tiene delante.

Es interesante que el Capitán Ludvig Kahlen en realidad aspira a un título nobiliario que obtendrá si consigue convertir en tierra cultivable el páramo danés y establecer un asentamiento de población. No busca ser un héroe, sino convertirse en un rico igual que los asquerosos villanos de la película. La clave está en una ley feudal que establece que todo terreno no cultivado es propiedad del Rey de Dinamarca. Y es el Rey (sus ministros en realidad) el que autoriza a Kahlen a intentar cultivar el páramo y establecer un asentamiento. El conflicto viene cuando el noble terrateniente local Frederik de Schinkel, que además es el juez del condado, quiere poseer esos terrenos en caso que Kahlen consiga cultivarlos, aprovechándose de su trabajo y esfuerzo. Kahlen sabe que tiene la razón legal, pero eso no impide que vaya a sufrir problemas de todo tipo provocados por los sirvientes del villano y por las propias fuerzas de la ley local, en un momento en el que De Schinkel tiene casi total impunidad.

El contexto de la película hace que odies profundamente a los nobles y ricos terratenientes que explotaban al pueblo, hasta el punto de desear verles muertos a todos. De hecho, incluso el Rey es mostrado como un incompetente más preocupado por el alcohol que el bienestar de su pueblo, y que es manejado por unos ministros que actúan a su antojo, no teniendo un conocimiento de como vive su pueblo en realidad. Mads Mikkelsen está genial y está perfectamente acompañado por Simon Bennebjerg como el malvado Frederik de Schinke, que cumple perfectamente su papel de malo al que odiar y desear ver muerto. De Schinke es asqueroso a todos los niveles, por supuesto por su chulería ante la gente que cree inferior, pero también con unos actos abominables, como torturar a siervos o violar sistemáticamente a sus doncellas. Actos que eran perfectamente legales en esa época.

Las mujeres de la película tienen papeles fundamentales en esta historia y añaden el corazón y el sentimiento que posiblemente le falte al personajes interpretado por Mikkelsen. Comentaba la asociación que algunos críticos hacían con el western, pero el papel fundamental de estas mujeres en el climax de la historia rompe con los convencionalismos del género. Un final que me ha gustado mucho, por cierto. Otro detalle interesante ha sido ver que la película no termina donde lo haría en caso de ser un western, sino que la acción se sigue desarrollando hasta años más tarde.

La tierra prometida tiene una historia estupenda y unas interpretaciones maravillosas. Pero hay que destacar además al director Nicolaj Arcel por su sobresaliente narrativa y su capacidad de síntesis. La forma en que vemos la dureza del páramo al que llega Mads Mikkelsen, apoyado también por un montaje espectacular, me parece una pasada. La película tiene una duración superior a las dos horas, pero en ningún momento se hace larga o pesada porque la forma en que cuenta elementos mundanos como el arado de las tierras o la lucha contra la escarcha resulta siempre interesante. La música, la fotografía, el diseño de producción, el vestuario, los bellos y duros parajes naturales, etc… me parece que está genial, consiguiendo que la película sea un éxito en todos los aspectos.

Da gusto ver en pantalla una película tan redonda como es La tierra prometida. Una película que ofrece un entretenimiento estupendo pero que me hizo pensar en las desigualdades y crueldades que eran norma no hace tanto tiempo. Y que en muchos aspectos seguro que puede trasladarse al mundo actual con el poder de las grandes fortunas que juegan con las vidas de la gente normal por un aumento mísero de su beneficio.

Comparto el trailer de la película:

La tierra prometida es una película notable en la que todo destaca para bien. Así da gusto ir al cine.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Otra ronda, de Thomas Vinterberg

Me ha dejado muy pillado Otra ronda, la película de Thomas Vinterberg sobre la cultura del alcohol en Dinamarca, con un Mads Mikkelsen en modo DIOS de la interpretación y que ganó el Oscar a Mejor Película de Habla No Inglesa.

PUNTUACIÓN: 8/10

Cuatro profesores de instituto se embarcan en un experimento sociológico en el que cada uno de ellos deberá mantener la tasa de alcohol en su cuerpo al mismo nivel, durante su vida diaria, intentando demostrar de esa manera que pueden mejorar en todos los aspectos de su vida.

Thomas Vinterberg es un director de cine danés y cofundador del movimiento cinematográfico Dogma junto a Lars Von Triers. Un movimiento que buscaba emular a François Truffaut y sus ensayos en la revista francesa Cahiers du Cinéma que buscaron y en parte consiguieron cambiar la forma académica en que se valora el cine, algo que llega hasta nuestro días.

El Manifiesto del Dogma 95 y el Voto de Castidad planteaban una vuelta a los orígenes del cine y al naturalismo más extremo, rechazando todo lo que no fuera natural y rodado y grabado en ese mismo momento, no sólo el uso de efectos especiales visuales o la edición de sonido, sino incluso el uso de decorados, propugnando que todo debía rodarse el localizaciones reales, para dar el foco a las historias de personas reales.

Vinterberg es especialmente conocido por la celebración (1998), premio del jurado en el Festival de Cannes y aclamada por la crítica y el público. Esta película y Los Idiota de Lars Von Trier puede decirse que son las películas que inauguraron este estilo cinematográfico. It’s All About Love (2003), Querida Wendy (2005), En mand kommer hjem (2007), Submarino (2010), The Hunt (2012), Far from the Madding Crowd (2015) y La comuna (2016) forman el resto de su filmografia previa, en la que merece la pena indicar que en en muchas ocasiones no cumplió con los preceptos que él mismo desarrollo en sus “votos de castidad”, como es el uso de iluminación “cinematográfica” y no realista en varios momentos.

Otra ronda cuenta con guión de Vinterberg y Tobias Lindholm. El germén de la historia nace en una obra de teatro escrita por el propio Vinterberg, que fue modificada con historias de la cultura del alcohol de la juventud danesa que le contó a Vinterberg su propia hija Ida, que falleció durante el rodaje en un accidente de tráfico. Esta desgracia provocó que se modificara la historia para que no fuera sólo «una celebración del alcohol basada en la tesis de que la historia mundial habría sido diferente sin el alcohol» para convertirlo en una celebración de la vida: «No debería tratarse solo de beber. Se trataba de despertar a la vida», en palabras del propio director.

La película de producción danesa cuenta con fotografía de Sturla Brandth Grøvlen, montaje de Anne Østerud y Janus Billeskov Jansen y música de Janus Billeskov Jansen. Otra ronda ha sido universalmente alabada por la crítica, consiguiendo además del Oscar a Mejor Película de Nabla No Inglesa, premios en el London Film Festival, en el Festival de San Sebastian, en el European Film Awards o en el British Academy Film Awards, entre otros galardones.

Mads Mikkelsen está espectacular como Martin, el deprimido protagonista sumido en una crisis de los cuarenta de libro. Sus tres amigos con los que compartirá experimente son Tommy (Thomas Bo Larsen), Peter (Lars Ranthe) y Nikolaj (Magnus Millang), junto a los que destacaría a Maria Bonnevie como Anika, la esposa de Martin, una mujer que vive una relación estancada por la monotonía.

Empezando por los elementos positivos, Mads Mikkelsen es una barbaridad y en esta película su despliegue interpretativo planteado desde el minimalismo me ha dejado loquísimo. Independientemente de todo lo demás, sólo verle a él ya justifica pagar el precio de la entrada para ver Otra ronda. Su personaje es el típico depresivo y víctima de la crisis de los 40, y vive una vida gris y desgraciada en la que dejó que sus sueños murieran por las preocupaciones de la vida real y su matrimonio está a punto de hacerlo también. Su cambio vital debido al experimento y el consumo de alcohol son el hilo conductor de toda la historia y permiten que Mikkelsen se luzca con una interpretación antológica.

Otro elemento loquísimo que me ha dejado muerto es ver la forma en que la cultura danesa no sólo tolera sino que casi alienta el consumo de alcohol entre la juventud y en general cómo está asentado en su sociedad, y no tanto en la danesa sino en toda la nórdica en general. Porque ese es el tema, inicialmente la película se planteó como una celebración del alcohol pero ha terminado siendo vendida como «No debería tratarse solo de beber. Se trataba de despertar a la vida.» Pero la gente aquí bebe, bebe muchísimo. Y también recuerdan que la vida merece ser vivida y disfrutada, pero con una copa en la mano.

La premisa del experimento me parece interesantísima de inicio y ver cómo al estar en el punto «chispa» los cuatro amigos son más brillantes, inteligentes y creativos me ha dejado muy loco. Además, la película nos recuerda a Hemingway o Churchill, grandes personajes cuyas vidas y creatividad estuvieron claramente ligados al alcohol, pero se olvida de todas las muertes que provoca el alcohol directamente por enfermedades derivadas de su consumo excesivo, o los los suicidios provocados por depresiones y otro tipo de enfermedades mentales directamente relacionadas con el alcohol.

Y el caso es que la película es super entretenida y me ha gustado verla a pesar que a priori por la temática no me llamaba mucho, con grandes interpretaciones y momentos impactantes dentro de la sensación de cotidianedad que tiene todo. Pero la apología del consumo de alcohol me parece casi hasta insultante.

De hecho, agradezco que el guión no caiga en atajos tramposos y nos muestre que aunque al principio el experimento funciona de maravilla y ellos son mejores personas y más brillantes, al final el experimento fracasa por el exceso de consumo de los cuatro, y que Martin no consigue salvar su matrimonio, que ya estaba condenado previamente. Además, que de cuatro personas una, el 25%, acabe alcoholizada y muerta, da igual si es por un accidente o por suicidio, es una barbaridad que no debería tomado con tanta ligereza y desparpajo.

Ahora bien, lo que me parece super asqueroso es cómo usan el alcohol para que un chaval apruebe un examen, lo que unido a la por otro lado brillante escena final vendría a resaltar la idea clave de la película, que el alcohol es bueno si se usa con moderación. Y si bebes en compañía, pues todos son más felices y no hay problema ninguno. Y no soy un santo y reconozco que en mi juventud salía de fiesta y alguna vez me emborraché, algo de lo no me siento orgulloso, pero no se si porque tengo un hijo pre-adolescente y este tema me preocupa, pero la banalización del consumo social excesivo del alcohol me preocupa, la verdad. Y el mensaje de la película es 100% ese.

Esto para mi supone un problema grave de la película, pero más allá de lo cuestionable de su mensaje, la verdad es que la película me gustó mucho. Me parece que está maravillosamente bien interpretada y rodada, con unas escenas que se sienten super reales y que podrían suceder sin duda en cualquier instituto o ciudad del norte de Europa. De hecho, quizá por la influencia del Dogma, esta película transmite verosimilitud y realismo por los cuatro costados, por lo que entiendo que el éxito de Vinterberg es bestial.

Comparto el trailer de la película:

Otra ronda me ha volado la cabeza y me ha hecho pensar sobre muchas cosas del mundo en que vivimos. Independientemente de que no esté de acuerdo con algunas de sus ideas claves, me parece un éxito rotundo.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Van Gogh, a las puertas de la eternidad, de Julian Schnabel (Prime Video)

Pudiera parecer que Van Gogh está de moda en 2020, teniendo en cuenta que en las últimas fechas se han estrenado en las plataformas online dos estupendas películas inspiradas en su figura, la excelente Loving Vincent estrenada en Netflix, y la película que hoy quiero recomendar, Van Gogh, a las puertas de la eternidad, con un excelente Willen Dafoe, que acabo de descubrir en Prime Video.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

El pintor holandés post-impresionista, Van Gogh (Willem Dafoe), se mudó en 1886 a Francia, donde vivió un tiempo conociendo a miembros de la vanguardia incluyendo a Paul Gauguin (Oscar Isaac). Una época en la que pintó las obras maestras espectaculares que son reconocibles en todo el mundo hoy en día. (Filmaffinity)

El pintor y director neoyorkino Julian Schnabel dirigió esta película inspirado en la biografía Van Gogh: The Life, obra de Steven Naifeh y Gregory White Smith en la que se cuestionaba versión establecida de la muerte del artista, planteando que en lugar de un suicidio hubiera podido morir de forma accidental en un accidente con compañeros de bebida.

Schnabel planteaba la película como una historia sobre la relación entre el pintor y su obra, y como se relacionaba con la realidad a su alrededor. Schnabel escribió el guión con Jean-Claude Carrière y Louise Kugelberg, y además participó en el montaje de la película junto a Louise Kugelberg.

La película se rodó en 2017 en localizaciones de Arles, Bouches-du-Rhône y Auvers-sur-Oise, Francia, lugares donde Van Gogh vivió durante sus últimos años, contando con fotografía de Benoît Delhomme. Por último, merece también la pena destacar de música de Tatiana Lisovkaia.

La película se eleva de la media gracias a un reparto espectacular encabezado por Willen Dafoe, que realizó una extraordinario interpretación que fue premiada con la Copa Volpi al Mejor Actor en el 75 ° Festival Internacional de Cine de Venecia. Además, fue nominado para el Oscar al Mejor Actor y en los Globos de Oro al Mejor Actor en la categoría de drama.

Junto a Dafoe, tenemos a Rupert Friend como Theo van Gogh, hermano del artista, Mads Mikkelsen como El Sacerdote, Mathieu Amalric como el Dr. Paul Gachet que trató a Vicent, Emmanuelle Seigner como La Mujer de Arles/Madame Ginoux y por último, un ubicuo Oscar Isaac como Paul Gauguin.

Frente a la versión carismática, explosiva y airada de la versión de Kirk Douglas en la icónica película El Loco de pelo rojo (Vincent Minelli, 1956), lo que más me ha sorprendido de esta versión de Julian Schnabel es que retrata a un Van Gogh introspectivo y solitario, cuyo principal dolor provenía de la soledad, de no tener con quien hablar y compartir su arte, y de la incomprensión de los vecinos del pueblo donde vivió sus últimos meses, que le tomaban por un loco al no entender su arte, llegando a dudar incluso si realmente su obra tenía algún valor. Además, la película nos mete en la mente del pintor, sin rehuir su enfermedad mental y la confusión que le provocaba, aumentada por el abuso de la bebida.

Willen Dafoe expresó en varias entrevistas que “al interpretar a Vincent van Gogh , la pintura era la clave del personaje. Tenía que saber lo que estaba haciendo. El director, Julian Schnabel, decía: «Sostenga el pincel como una espada» y «No hay tal cosa como una mala marca». Empecé a pensar que pintar es hacer una acumulación de marcas. Actuar es lo mismo: creas un personaje escena por escena. Es una serie de marcas que comienzan un ritmo, y ese ritmo te envía a donde necesitas ir».

Rodar es escenarios reales me parece también un gran acierto, al poder mostrar los paisajes que probablemente vivió Van Gogh y que le sirvieron de fuente de inspiración, consiguiendo su excelente fotografía meternos de lleno en su obra.

La película me ha gustado y no le veo realmente nada negativo. Por decir algo, el visionado de dos películas tan similares en lo relativo a la historia como son Loving Vincent y esta Van Gogh, a las puertas de la eternidad, aunque visualmente sean super diferentes, hizo que varios elementos de la historia me resultaran un poco redundantes. No es problema de la película, que creo que cuenta todo muy bien, sino mío como espectados.

Comparto el trailer de la película:

Van Gogh, a las puertas de la eternidad es una notable película que arroja una nueva luz a la icónica imagen que tenemos del genial artista Vincent Van Gogh, y la recomiendo completamente, sobre todo si eres un amante de su obra.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

 

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Crítica de Casino Royale, de Martin Campbell

En Abril tendría que haberse estrenado Sin tiempo para morir, la última película de Daniel Craig como James Bond. Aunque aún tendremos que esperar unos meses para verla, es un buen momento para recuperar Casino Royale, la primera película de Craig como 007 dirigida por el veterano Martin Campbell, que es una de las mejores películas de toda la serie.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

Fecha de estreno: 2006

Director: Martin Campbell

Guión: Neal Purvis, Robert Wade y Paul Haggis, basado en la novela Casino Royale de Ian Fleming

Interpretado por: Daniel Craig, Eva Green, Mads Mikkelsen, Judi Dench, Jeffrey Wright y Giancarlo Giannini.

La primera misión del agente británico James Bond (Daniel Craig) como agente 007 lo lleva hasta Le Chiffre (Mads Mikkelsen), banquero de los terroristas de todo el mundo. Para detenerlo y desmantelar la red terrorista, Bond debe derrotarlo en una arriesgada partida de póquer en el Casino Royale. Al principio a Bond le disgusta Vesper Lynd (Eva Green), la hermosa oficial del Tesoro que debe vigilar el dinero del gobierno. Pero, a medida que Bond y Vesper se ven obligados a defenderse juntos de los mortales ataques de Le Chiffre y sus secuaces, nace entre ellos una atracción mutua. (FILMAFFINITY)

La decisión de Pierce Brosnan de abandonar el papel de James Bond tras Die Another Day (2002, Lee Tamahori), su cuarta película protagonista, provocó que los productores Michael G. Wilson y Barbara Broccoli tuvieran que replantearse el futuro de la serie. Aprovechando el cambio de protagonista, decidieron actualizar completamente la franquicia aprovechando el argumento de la primera novela de Ian Fleming Casino Royale. Poder ver la primera misión de James Bond como 007, algo inédito hasta la fecha, crearía una nueva cronología que sería continuada por las siguientes películas.

Wilson y Broccoli contrataron a los guionistas , que ya habían escrito The world is not enough (1999), Die another day (2002) y que tras Casino Royale, también escribieron los guiones de Quantum of Solace (2008), Skyfall (2012) y Spectre (2012). El guión de Purvis y Wade fue afinado por Paul Haggis, director y guionista de Crash (2004) ganadora del Oscar a Mejor Película y Mejor Guión Original.

Martin Campbell fue elegido como director de Casino Royale debido a su solvencia como director de éxitos como La máscara del Zorro (1998), unido a su conocimiento del mundo de Bond al haber dirigido Golden Eye (1995), la primera película de Pierce Brosnan como 007.

Daniel Craig se ha convertido en el James Bond del siglo XXI para toda una generación, pero su contratación en 2005 estuvo rodeada de bastante polémica. No tanto por ser el primer James Bond rubio, sino porque Craig, hasta ese momento actor de teatro y secundario en Tomb Raider (2001, Simon West) o Camino a la perdición (2002, Sam Mendes), no transmitía en pantalla el carisma que se le supone a un icono como James Bond. Frente al irónico gentleman al que estábamos acostumbrados, Craig nos muestra a un Bond frío que es más una bola de demolición que un escalpelo, y supuso una auténtica revolución respecto a las versiones previas del personaje. Además, su salida del mar en la playa de Bahamas, un claro homenaje a la icónica escena de Ursula Andress en 007 contra el Doctor No (1962, Terence Young), le convirtió en un sex-symbol internacional.

Casino Royale significó un enorme éxito de crítica y público. Casino Royale consiguió sorprender ya desde la típica aventura inicial de Bond antes de los títulos de créditos, rodada en blanco y negro para transmitir la idea de vuelta a los orígenes. A continuación, una espectacular persecución en Madagascar con una de las demostraciones de parkour más alucinantes visto en pantalla grande hasta ese momento remarcaba el mensaje de realismo. Se habían acabado los efectos especiales exagerados, lo que encajaba perfectamente con la interpretación seca y directa de Craig.

Aunque creo que Daniel Craig en el apartado físico cumple de sobra con las exigencias del papel, le veo muy limitado en el aspecto emocional, hasta el punto de pensar que su contratación fue un error de casting. Su James Bond solo tiene un registro, el frío asesino, y cuando intenta mostrar sentimientos fracasa completamente, algo que se confirmó en las siguientes películas.

Por suerte, en el terreno del carisma la serie de James Bond siempre ha tenido de sobra, y en Casino Royale destacan las interpretaciones de Mads Mikkelsen como el villano Le Chiffre y la siempre perfecta Eva Green como Vesper Lynd. Junto a ellos el reinicio de la franquicia nos presentó a una nueva M mujer, excelentemente interpretada por Judi Dench, así como al agente de la CIA Felix Leiter interpretado por el afroamericano Jeffrey Wright.

El momento clave de Casino Royale parecía que iba a ser la partida de poker, que está excelentemente rodada y mantiene en tensión al espectador durante todo el metraje. Sin embargo, descubriremos que tras esta partida y el posterior cara a cara de Bond y Le Chiffre aún faltan 25 minutos de película, con un último giro inesperado y un set de acción en Venecia. Esto provoca que el ritmo de la película que hasta ese momento era perfecto, se resienta durante varios minutos. En todo caso, es un elemento menor dentro de una película excelente que dejó a los espectadores con ganas de más.

Casino Royale tiene un montón de elementos icónicos, pero no quiero dejar de destacar la excelente música de David Arnold, que además escribió junto al tristemente fallecido Chris Cornell el tema “You know my name”, una de las mejores canciones de James Bond.

A falta de ver Sin tiempo para morir y comprobar si esta etapa de Daniel Craig como James Bond se cierra de forma satisfactoria, diría que Casino Royale es una de las 5 mejores películas de toda la serie que explica por qué para mucha gente el estreno de una nueva película de 007 es un acontecimiento y una cita obligada para verla en pantalla grande.

Comparto el trailer de la película:

Casino Royale es, además de una gran película por si misma, un perfecto ejemplo de gran reinicio de una franquicia con más de 40 años de historia que lanzó al nuevo James Bond al siglo XXI. Una excelente película que merece ser revisada durante estos días.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

 

* Este texto se publicó originalmente en el nº4 del Fanzine El Colmo publicado este mes de abril.

 

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Reseñas Express: Creed II, La Lego Película 2 y Polar

No me da tiempo a comentar todas las películas, comics y series que veo, así que esta semana voy a aprovechar el formato de reseñas express para comentar tres películas muy diferentes entre si y cuyo visionado se ha saldado con resultados desiguales.

 

CREED II, de Steven Caple Jr.

¿De qué va? Adonis Creed se debate entre las obligaciones personales y el entrenamiento para su próxima gran pelea, con el desafío de su vida por delante. Enfrentarse a un oponente que tiene vínculos con el pasado de su familia solo intensifica su inminente batalla en el ring. Afortunadamente Rocky Balboa está a su lado a lo largo de todo el camino, y juntos se cuestionarán por lo que vale la pena luchar y descubrirán que nada es más importante que la familia… Secuela de «Creed», el spin-off de Rocky que en 2015 obtuvo muy buenas críticas y dio inicio a una nueva saga.

Valoración: Empezando por lo positivo, el carisma de los protagonistas Michael B. Jordan, Sylvester Stallone y Tessa Thompson consigue mantener a flote la película y hacer que Creed 2 sea bastante entretenida. Para esta secuela, Ryan Coogler no repite en la dirección, manteniendo labores de producción, y deja el trabajo al solo cumplidor Steven Caple Jr., que no sabe mantener el excelente nivel de la primera película. Globalmente, creo que la película cumple correctamente su función de entretenimiento, y gustará sobre todo a los fans de Rocky o en general al cine deportivo y de boxeo.

Dicho esto, pocas veces he visto una película que repita tantos tópicos del género y en general del mundo de Rocky al que pertenece, hasta el punto que su visionado sea una sucesión de escenas previsibles que se ven venir a la legua , con una nula sorpresa de principio a fin. Esto es lo más negativo de una película que va sobre seguro y no se atreve a ofrecer nada novedoso.

Otra cosa que me sorprendió negativamente es que Dolph Lundgren  (Ivan Drago) solo tiene una escena compartiendo diálogo con Stallone. En el resto de película habla en ruso sin subtítulos, por lo que aunque se entiende el sentido de lo que pasa, no entiendo quien decidió no subtitularle. Para mi, es algo incomprensible y es una decepción para los espectadores que vimos Rocky IV por primera vez en 1986 y que la hemos visto en infinidad de ocasiones.

En resumen, aunque Creed 2 es una película moderadamente entretenida, salí de verla con sensación de decepción.

PUNTUACIÓN: 6/10

 

LA LEGO PELÍCULA 2, de Mike Mitchell

¿De qué va? Después de cinco años de tranquilidad aparece una nueva amenaza: invasores de LEGO DUPLO del espacio exterior que lo destrozan todo antes de que dé tiempo a reconstruirlo. Emmet, Lucy, Batman y sus amigos unirán fuerzas para librar una batalla que les llevará a mundos inexplorados.

Valoración: Como era de esperar, La Lego Película 2 es inferior a su sobresaliente y sorprendente primera parte, con un guión bastante confuso hasta que llega al mensaje final clave. Pero eso no quita que esta película sea un espectáculo super chulo para los niños y un festival de referencias cinéfilas para los papas que asegura una diversión total durante su visionado.

La película está dirigida por Mike Mitchell, aunque sigue contando con los excelentes Phil Lord y Christopher Miller como productores. Esto hace que además de una gran diversión para los niños con los icónicos juguetes de construcción, la película está plagada de meta-referencias al mundo del entretenimiento, con algunos gags antológicos como los referidos a  Vengadores Infinity War o la Liga de la Justicia. En este sentido, aunque mi hijo se lo pasó cañón viéndola, no es la primera vez que me quedo con la sensación de que esta y otras películas de animación están más pensada para el disfrute de los papás frikis que el de los niños. Es imposible que los más pequeños entiendan o conozcan la mayoría de referencias cinéfilas, por ejemplo las de Regreso al futuro, Doctor Who, Matrix y tantas y tantas otras.

Además, flipé mucho con que una película de animación de Warner apueste por transmitir como idea central de su película que los niños deben seguir siendo niños y no abandonar la imaginación y el juego, frente al grim-n-gritty y las películas «adultas» de Warner y Zack Snyder con los personajes de DC Comics. En este sentido, el mensaje final de que hay diferentes formas de jugar y hay que entender a los demás mola mucho.

La Lego Película 2 creo que gustará a todos los fans de la animación, y sobre todo a cualquier niño que en algún momento haya construido un Lego.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

 

POLAR, de Jonas Åkerlund

¿De qué va? Duncan Vizla, el asesino más letal del mundo, conocido como Black Káiser (Mads Mikkelsen), está a punto de jubilarse. Pero su antiguo jefe le ha puesto precio a su cabeza. Y, en contra de su voluntad, tiene que plantarle cara a un grupo de sicarios más jóvenes, rápidos y despiadados, dispuestos a todo para eliminarlo. Adaptación de la novela gráfica «Polar: Came From the Cold» de Victor Santos.

Valoración: Por ir directo al grano, lamento decir que Polar, dirigida por Jonas Äkerlung, basada en el genial cómic de Víctor Santos es bastante mala. De hecho, lo único bueno de su visionado fue que como la vi en casa gracias a mi suscripción a Netflix, no me costó dinero.

Y es una pena, porque tiene destellos puntuales en algunas escenas del último tercio de lo que hubiera podido ser. Y hubiera sido más entretenida si no optaran desde el principio por irse al lado mas «macarra», arruinando las posibilidades que el comic les ofrecía. Mads Mikkelsen y Vanessa Hudgens me parecieron sin duda lo mejor de la película y creo que están bastante bien para el papel que tienen y las líneas de diálogo que deben expresar. Pero en muchos momentos, el problema es que tienen que lidiar con escenas que rayan el ridículo.

Y es que la película es un espectáculo videoclipero vacío que se pasa con la carnaza sexual en casi todas las escenas, con una mal entendida «inspiración» en el mundo de los comic a la hora de plantear su fotografía, montaje o banda sonora.

Un problema recurrente de Netflix en su vertiente cinematográfica es que con su necesidad de ampliar su oferta de contenidos, están dando luz verde a películas que igual deberían haber sido mejor planteadas o realizadas. Ha pasado ahora en Polar, pero lo hemos sufrido en bodrios como Bright con Will Smith, Mute de Duncan Jones, y tantas otras películas que una vez vistas se entiende por qué los estudios tradicionales decidieron no producir.

En serio, incluso si eres un fan del cine de acción, no pierdas tu tiempo en esta película teniendo tanta y tan buena oferta disponible.

PUNTUACIÓN: 4/10

https://www.youtube.com/watch?time_continue=2&v=aPSbueTcShQ

 

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