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Crítica de Irati de Paul Urkijo

Tras su paso por el festival de Sitges, tenía ganas de ver Irati, mezcla de fantasía y épica creada por el director Paul Urkijo inspirado en el comic El ciclo de Irati de J. Muñoz Otaegui y Juan Luis Landa y en las historias populares del norte de España.

PUNTUACIÓN: 6/10

Siglo VIII. El cristianismo se extiende por Europa mientras las creencias paganas desaparecen. Ante el ataque del ejército de Carlomagno atravesando los Pirineos, el líder del valle pide ayuda a una diosa ancestral. Mediante un pacto de sangre, derrota al enemigo dando su vida a cambio, pero antes, hace prometer a su hijo Eneko que protegerá y liderará a su pueblo en la nueva era. Años más tarde, Eneko afronta esa promesa con una misión: recuperar el cuerpo de su padre enterrado de forma pagana junto al tesoro de Carlomagno. Pese a su fe cristiana, necesitará la ayuda de Irati, una enigmática pagana de la zona. Los dos jóvenes se adentrarán en un extraño e inhóspito bosque donde “todo lo que tiene nombre existe”.

Paul Urkijo Alijo nace en 1984 en Vitoria-Gasteiz (Pais Vasco). Desde muy pequeño le apasionan el cine, la ilustración, la literatura, y los cómics, con predilección por el género fantástico, siendo un gran aficionado a la lectura de mitología y cuentos tradicionales. En 2008 Se licencia en Bellas Artes y profesionalmente se dedica a la realización de audiovisuales, la ilustración y la infografía. Así comienza a escribir y realizar sus propios cortometrajes de ficción y animación. Los cortometrajes que ha escrito y dirigido han ganado 85 premios nacionales e internacionales y más de 400 selecciones por todo el mundo. En 2016 escribe, produce y dirige su primer largometraje titulado Errementari, una película de género fantástico basada en el cuento del folclore vasco “Patxi Errementaria”.

Urkijo  escribe el guion adaptando libremente el comic El ciclo de Irati de J. Muñoz Otaegui y Juan Luis Landa. La película de 111 minutos de duración ha contado con un presupuesto superior a los 4 millones de €uros, siendo una coproducción española-francesa. El rodaje tuvo lugar en 2021​ en diferentes localizaciones de Álava, Guipúzcoa, Vizcaya, Navarra y Huesca. Irati cuenta con fotografía de Gorka Gómez Andreu, montaje de Elena Ruiz y música de Aránzazu Calleja y Maite Arroitajauregi. En el pasado festival de Sitges consiguió el Premio del Público y el premio a los Mejores Efectos Especiales. Irati obtuvo además 5 nominaciones para los Goya, aunque finalmente no ganó ninguno.

La película está protagonizada por Eneko Sagardoy como Eneko Haritza, Edurne Azkarate como Irati, Itziar Ituño como Mari, Elena Uriz como Luxa, Kepa Errasti como Belasko, Ramón Agirre Lasarte como Virila y Nagore Aranburu como Oneka. Por cierto, se me olvidaba comentar la particularidad que la película se ha rodado en euskera.

Empezando a comentar la película, la primera sorpresa fue comprobar que en el único cine donde se estrenó Irati había traído una copia doblada, por lo que no puede escuchar la versión original en euskera que yo esperaba. De hecho, no se porqué pensaba que se iba a distribuir únicamente en euskera, algo que obviamente ha resultado incorrecto. Y entiendo que igual parte de la epicidad y la guturalidad de los personajes se ha perdido en la traducción al no escucharles en euskera, pero no diría que el doblaje sea malo ni muchísimo menos.

Ya entrando a la película en si, hay que aplaudir que se hagan películas tan originales y diferentes a nada que se haya hecho en el cine español que yo recuerde ahora mismo, si exceptuamos la anterior película del director vasco, Errementari, inspirada en el folclore vasco, o El laberinto del fauno de Guillermo del Toro. Ver una película española que mezcle fantasía heroica con cuentos populares en una historia ambientada en el medievo español del siglo VIII resulta una refrescante sorpresa, incluso a pesar de algunos elementos menos buenos que luego comentaré también.

Viendo la película, tengo que decir que la fotografía de Gorka Gómez me ha volado la cabeza. Hay que decir que rodar en localizaciones naturales permite unas imágenes super poderosas con las figuras en penumbra mientras cruzan bosques de increíble belleza con unas entradas de luz entre la vegetación espectaculares. La verdad es que en la parte de las localizaciones naturales Gómez está espectacular, aunque al mismo tiempo también debo decir que la decisión de Paul Urkijo de rodar con iluminación naturalista todo el rato provoca que en algunas escenas nocturnas o en interiores no se acabe de ver bien a los personajes, lo cual no es algo tan positivo.

Para ser una película fantástica con numerosos elementos mitológicos y un buen puñado de efectos digitales, la verdad es que estos seres y estas escenas lucen fantásticas. También es cierto que hay varios efectos de fuego que no acaban de estar del todo bien conseguidos, pero globalmente creo que hay que quitarse el sombrero ante esta película de 4 millones de presupuesto, que consigue en muchos momentos lucir estupenda casi al nivel de otras producciones con presupuestos muy superiores.

Todo lo referido al diseño de producción, el vestuario o la música me parecen que están geniales y consiguen meterte completamente en esta historia fantástica medieval. También aquí encuentro elementos de los que estar contento. Conectando con el diseño de producción, hay algunas escenas que tienen lugar en grutas naturales que lucen de maravilla. En el lado técnico la verdad es que no le pongo un pero.

Aprovecho para destacar además el poster de la película, que me transmitió una épica y una fuerza casi como si lo hubiera pintado Drew Struzan. El feeling a Conan me parece la bomba, me ha gustado mucho. Lástima que de alguna manera la historia no ha estado a la altura de lo que este poster invitaba a soñar, cosa sobre la que entraré más adelante.

La película plantea una lucha entre las tradiciones ancestrales navarras frente al empuje del cristianismo. En este sentido, es importante la idea que las cosas existen mientras quede alguien que las recuerde, de forma que no sólo se pierden las tradiciones y folclore con la muerte de los ancianos, sino que también los dioses primigenios están condenados a desaparecer. (Una idea que por otro lado no es realmente original, habiéndosela leído a Neil Gaiman o a J.M. Strazynski, por poner dos ejemplos del mundo del comic).

Una parte importante de la película que parece estar construida casi con estructura de cuento o historia mítica, que también me parece un elemento original de Irati. Tengo que reconocer que no he visitado el bosque de Irati en Navarra, y lo digo porque seguro los habitantes de la zona habrán disfrutado un montón de esta película, además de por los bellísimos espacios naturales, por ver en imagen real el recuerdo de las tradiciones de la zona.

Como comentaba, hay un montón de elementos super chulos en Irati, por ejemplo muchísimos planos de la película los veo clarísimos dentro de unas semanas en el «One Perfect Shot» de Twitter. Sin embargo, me quedo con la sensación que el folclore navarro y los paisajes de ensueño son mucho más interesantes que la historia que Paul Urkijo ha planteado. No sólo eso, es que todo está rodado de la forma menos interesante posible, rompiendo la épica que la película nos vendía a priori. Por ejemplo, el trailer muestra una batalla multitudinaria que parecía mega épica, y su realización real, que para más inri es justo el principio de la película que marca de alguna manera el tono de todo, es un bajón, al ser mostrada siempre con planos cerrados de combates dos a dos que no pueden resultar más montoneros. Y entiendo el problema logístico de mostrar planos generales de una batalla multitudinaria además del propio presupuestario. Pero o se hace mal o se hace bien, y esta escena no está bien resuelta en pantalla. Y como eso prácticamente todo, a pesar de los hallazgos visuales, todo está rodado de la forma menos atractiva posible, lo que me ha producido un bajonazo increíble.

Irati tiene otro problema muy grande, y son los actores protagonistas. Eneko Sagardoy como el príncipe Eneko me ha parecido terrible. Nos reímos de la inexpresividad de gente como Steven Seagal, pero lo de este chaval me ha parecido un desastre que ha hecho imposible empatizar con nada de lo que le pasa. Y entiendo que el rodar en euskera ha limitado el número de actores de complexión física fuerte que exige el papel, pero este chico me parece limitadísimo. Pero no sólo en la interpretación, el combate a espada tampoco lo hace creíble, como si él mismo no se lo acabara de creer. Aparte de una deficiente coreografía, claro.

Edurne Azkarate, la actriz que interpreta a Irati, es también super limitada. He visto una actriz de una única pose en toda la película, mostrando igual el enfado que la preocupación, el odio del el amor. Sin embargo, al lado de Eneko Sagardoy parecía Cate Blanchett. A esto hay que añadir que no llegué a empatizar con nadie, porque más que personas son arquetipos, el malo malísimo que quiere robar el trono, el cura cristiano, la anciana pagana que busca mantener las tradiciones, o unos esbirros varios, todo lo veo excesivamente funcional. Es posible que la película pierda por no haberla visto en euskera, pero las interpretaciones montoneras lo son a pesar del idioma en que la escuche.

Y todo esto me sabe muy mal, porque tenía muchas ganas de que Irati me gustara. Sin embargo, estaba viéndola y la sensación de «funcional» y «mediocre» me vino más veces a la cabeza de lo que me hubiera gustado. En todo caso, me alegro que una producción española se haya atrevido a producir un fantástico medieval, y me gustaría que el rango de temas e historias se ampliara cada vez más.

Comparto el trailer de Irati:

Dentro que aplaudo la originalidad de la propuesta de Irati y que he encontrado numerosos elementos interesantes, no puedo decir que me haya parecido una gran película. Una pena. En todo caso, ojalá se puedan hacer más propuestas tan diferentes como esta.

PUNTUACIÓN: 6/10

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Crítica de Sin novedad en el frente de Edward Berger (Netflix)

Termino mi repaso a las películas nominadas a Mejor Película en los Oscars 2023 con Sin novedad en el frente, la película alemana dirigida por Edward Berger que muestra una nueva versión de la novela de Erich Maria Remarque, y que está disponible en Netflix.

PUNTUACIÓN: 8/10

Relato de las terribles experiencias y la angustia de un joven soldado alemán en el frente occidental durante la Primera Guerra Mundial.

Edward Berger (nacido en 1970 en Wolfsburgo) es un guionista y director de cine alemán con una carrera de más de 20 años principalmente en televisión. Berger dirige la primera adaptación cinematográfica en idioma alemán del libro homónimo de Erich Maria Remarque de 1929, que había contado con otras adaptaciones cinematográficas previas.

A partir de un guion del propio Berger con Ian Stokell y Lesley Paterson, la película de 147 minutos de duración cuenta con fotografía de James Friend, montaje de Sven Budelmann y música de Volker Bertelmann.

La película ha recibido 9 nominaciones: Mejor película, Mejor película internacional, Mejor guion adaptado (Edward Berger, Lesley Paterson, Ian Stokell), Mejor fotografía (James Friend), Mejor banda sonora (Volker Bertelmann), Mejor diseño de producción (Christian M. Goldbeck, Ernestine Hipper), Mejor maquillaje y peluquera (Heike Merker, Linda Eisenhamerova), Mejor sonido (Viktor Prasil, Frank Kruse, Markus Stemler, Lars Ginzel, Stefan Korte) y Mejores efectos visuales (Frank Petzold, Viktor Muller, Markus Frank, Kamil Jaffar).

La película está protagonizada por Felix Kammerer como Paul Bäumer, el joven que se alista voluntario para servir a su patria en la Gran Guerra y que servirá de punto de vista de la película. Albrecht Schuch como Stanislaus «Kat» Katczinsky, Moritz Klaus como Frantz Müller, Aaron Hilmer como Albert Kropp, Edin Hasanovic como Tjaden Stackfleet y el siempre estupendo Daniel Brühl como Matthias Erzberger completarían el reparto.

Tengo que reconocer que vi la película en octubre cuando Netflix la estrenó, pero por unas cosas o por otras no me animé a escribir la reseña correspondiente, al haber siempre otra cosa que parecía tener prioridad. De hecho, el propio estreno en streaming sería la única queja que se me ocurre de esta película, dado que estamos ante una puesta en escena y una historia que sin duda hubiera merecido verse en pantalla grande. Es posible que el propio estreno en Netflix de alguna manera sirviera para desmerecerla, tan cansados como estamos (estoy) por la avalancha de contenidos mediocres, de forma que cuando se estrena uno bueno parece que lo colocamos en el mismo saco.

Entrando a valorar la película en si, la verdad es que el mensaje antibelicista está super bien conseguido, consiguiendo que la clave de «la guerra es una mierda» queda grabada en el ADN del espectador. Aunque toda la película me ha gustado mucho, podría decirse que su brillante media hora inicial presenta quizá los momentos más potentes y simbólicos. El primer combate y como las ropa sucia y ensangrentada de los soldados muertos es limpiada y arreglada para ser entregada a una nueva generación que va engañada al frente pensando que se dirigen a una guerra heroica, me parece sencillamente brillante. También resulta terrible es comprobar como los poderosos se llenan la boca hablando de «HONOR» cómodamente en sus despachos mientras mandan a la muerte a centenares de soldados por nada. Otro momento de la película que me encogió el corazón.

Aparte del mensaje antibelicista en el que jóvenes inocentes se pegan un terrible golpe de realidad en las trincheras, la película consigue equilibrar bastante bien el drama tremendo de la guerra con los momentos de descanso y hermanamiento entre soldados, ofreciendo destellos de paz entre tanta muerte. Aquí se aplica el clásico «lucho por el hermano que combate a mi lado» que tantas veces hemos visto en la última generación de películas bélicas americanas. Las casi dos horas y media de película están muy equilibradas y la verdad es que no se me hizo larga en ningún momento.

Sin novedad en el frente tiene unos valores de producción que no tienen nada que envidiar a otros blockbusters bélicos recientes americanos/británicos. El diseño de producción es sencillamente perfecto, trasladándonos totalmente a 1918. La fotografía y el montaje me parecen brillantes, metiéndonos en el mundo gris de las trincheras donde cualquier momento puede ser el último. Y además destacaría el sonido de la película, con una sensación brutal de estar en medio del combate. En este sentido, la música de Volker Bertelmann también me parece una pasada, sobre todo con unas notas ¡PUM PUM!! repetidas durante toda la película que añade una tensión y una sensación de peligro creciente alucinante.

Para estar ante una película alemana llena de actores para mi desconocidos excepto Daniel Brühl, la verdad es que todos lo hacen genial. En especial el protagonista Felix Kammerer como Paul Bäumer, el joven cuyos pasos seguiremos en esta contienda, y que muestra de forma impactante todo el horror de la guerra y cómo las personas son hojas movidas por un viento sobre el que no tienen control y que puede provocar tu muerte o la de la persona que se encuentra a tu lado. Hablando de Daniel Brühl, su papel es pequeño pero él está muy bien como el político que busca la paz a pesar del rechazo de unos militares a los que no les importa la pérdida de miles de vidas alemanas.

Mencionaba antes a otras películas bélicas, y siendo cosas diferentes, creo que en la comparación Sin novedad en el frente me ha gustado mucho más que 1917, por ejemplo. De hecho, es que me ha gustado mucho.

Otra cosa es el tema de las nominaciones a los Oscars. Aunque no descarto que pueda ganar algún premio técnico, creo que es imposible que pueda ganar el Oscar a Mejor Película. Sin embargo, justo por eso creo que el premio a Mejor Película Extranjera lo tiene casi asegurado, y eso a pesar de lo mucho que me gustó también Argentina 1985. En todo caso, que una película alemana consiga 9 nominaciones ya es un premio en si mismo. Desde luego, Netflix puede darse por super satisfecha.

Al estar disponible en Netflix, no se si queda mucha gente que no haya visto Sin novedad en el frente. Pero la recomiendo sin duda.

Comparto el trailer de la película:

Sin novedad en el frente es un peliculón que sirve par resaltar lo terribles que son todas las guerras y como son siempre los jóvenes los que más la sufren.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de La Ballena (The Whale) de Darren Aronofsky

Tras el shock bíblico que supuso Mother!, la nueva película de Darren Aronofsky The Whale (La Ballena) es un brillante y complejo retrato que da a Brendan Fraser la oportunidad actoral soñada por todo actor.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

Un solitario profesor de inglés con obesidad severa (Brendan Fraser) intenta reconectar con su hija adolescente en una última oportunidad de redención.

The Whale es la octava película de Darren Aronofsky tras Pi (1998), Réquiem por un sueño (2000), La fuente (2006), El luchador (2008), Cisne negro (2010), Noé (2014) y ¡Madre! (2017). Aronosfky es uno de mis directores favoritos y en su nueva película no decepciona. La película de 117 minutos ha sido escrita por Samuel D. Hunter, basada en su novela de 2012. Para esta película, Aronofsky ha contado además con la colaboración de Matthew Libatique (fotografía), Andrew Weisblum (montaje) y Rob Simonsen (música).

El reducido reparto está formado por Brendan Fraser como Charlie, el obeso protagonista, un personaje lleno de matices super complejo y maravilloso. Sadie Sink interpreta a Ellie Sarsfield, la hija de Charlie que le odia por abandonarla a ella y a su madre cuando comprendió que era homosexual al conocer a su pareja. Hong Chau es Liz, una amiga enfermera de Charlie que cuida de él al negarse a ir al hospital. Ty Simpkins es Thomas, un misionero de la secta New Life que conoce a Charlie y pretende salvar su alma. Por último, Samantha Morton es Mary, la madre de Ellie y ex-esposa de Charlie, mientras que Sathya Sridharan es Dan, el pizzero que le lleva la comida a Charlie.

La película ha tenido una acogida crítica bastante variada, pero prácticamente todo el mundo normal alaba la brillante interpretación de Brendan Fraser, que ha ganado varios premios por esta película. Un grupúsculo de gente ha criticado a Aronosfky por no contratar a un homosexual o a una persona obesa mórbida para el papel de Charlie, al no ser Fraser ni una cosa ni la otra. El comentario se descalifica sólo. En lo relativo a los Oscars de este año, The Whale ha conseguido tres nominaciones: Mejor Actor (Fraser), Mejor Actriz Secundaria (Hong Chau) y Mejor Maquillaje y Peluquería. Y visto lo visto, es muy posible que los gane los tres.

Comentaba que Aronosfky es uno de mis directores favoritos, pero tengo que reconocer que a punto he estado de NO ver esta película, ya que me temía una sobredosis de pornografía emocional a costa de un personaje homosexual aquejado de obesidad severa. La sorpresa ha sido mayúscula al asistir a un drama, eso iba por descontado, pero planteado desde la visión positiva de la vida que intenta transmitir el protagonista. Whoah! La premisa y el tono de The Whale me parecen muy valientes por parte de Aronosfky, que realiza un retrato complejo lleno de facetas de una persona con depresión por la muerte de un ser querido que se encuentra en una ruta autodestructiva que él sabe que no tiene vuelta atrás.

Brendan Fraser es la película. Su interpretación está a otro nivel, ofreciendo un trabajo super contenido en muchos momentos, y a la vez super expresivo y empático. La forma en que intenta ver siempre la parte positiva de todas las personas, aún sabiendo su situación real, me parece una pasada. Pero Charlie no es un ser de luz, porque durante su vida tomó decisiones que hicieron daño a su familia. La forma en que muestra a una persona de carne y hueso con cosas positivas pero también con zonas grises me parece uno de los retratos más potentes y humanos que recuerdo en muchísimo tiempo. Y además, la historia toca temas sobre la soledad, la depresión y de conductas autodestructivas que nos infligimos a nosotros mismos. Y a la vez, que es posible intentar ver las cosas positivas de la vida y de las personas incluso en la peor de las circunstancias.

Frente a algún comentario negativo hacia las elecciones y el trabajo de Aranosfky, creo que su trabajo es brillante. De hecho, creo que el director respeta muchísimo al espectador y por eso no toma una actitud condescendiente hacia nosotros, no buscando que Charlie nos de pena de forma automática, sino que busca mostrarnos toda su complejidad, mostrada desde múltiples matices positivos y negativos. Hay que felicitar también a la película por resultar tan potente y emocionante a pesar de estar rodada el 99% en una única localización. Además, las prótesis usadas por Fraser para mostrar la obesidad mórbida que sufre su personaje me han parecido impresionantes, ofreciendo una figura de Charlie que no puede evitar que sintamos repulsión hacia él, pero que queda compensado con su tremenda humanidad.

Junto a Fraser, la verdad es que el reparto está genial. Pero destacaría a Hong Chau, la amiga enfermera de Charlie que intenta ayudar a alguien que no se deja ayudar y que intentar compensar la pérdida de un ser querido al que tampoco pudo salvar, siendo un personaje super trágico dentro del contexto de la película. Sadie Sink como Ellie, la hija de Charlie, está también muy bien como una adolescente gilipollas que trata mal a todo el mundo. Este personaje me parece también espectacular, porque muestra una cuestión interesante. ¿Cuánto tiempo se puede aceptar que una persona que sufrió un trauma de niña se comporte como una asquerosa? ¿Puede una víctima que sufre convertirse de alguna manera en un «verdugo» emocional que ataca a todo el mundo? No hay respuestas sencillas, y si personajes complejos que me han enamorado. Como esta hija que en el fondo quiere sentir que su padre la quiere y ella mostrarle su amor.

A parte de un trabajo actoral impresionante, la historia me parece que está super bien hilada, empezando por el ensayo que Charlie lee cuando está nervioso para tranquilizarse y evitar tener un ataque al corazón. La forma en que todo queda conectado al final de la película me parece sencillamente brillante. Ofreciendo además al espectador un final extrañamente positivo, dadas las circunstancias que vive Charlie en su día a día, que me parece espectacular.

Me alegro muchísimo de haber visto The Whale. Y entiendo que mucha gente igual no le apetece ver una película a priori «de sufrir» como me pasó a mi. Sin embargo, quiero recomendárosla y a invitaros que si podéis, no os la perdáis.

Comparto el trailer de la película:

The Whale es un peliculón que consigue a pesar del drama que nos cuenta mantener al espectador con una sensación positiva. Que grande es Darren Aronosjky.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

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Crítica de Ellas hablan de Sarah Polley

Ellas hablan de Sarah Polley fue una de las sorpresas de las nominaciones de los Oscars, al ser nominada a Mejor película y Mejor guion adaptado. Por esto no pude evitar ir a verla para compartir mis impresiones.

PUNTUACIÓN: 6/10

Un grupo de mujeres, en una colonia religiosa aislada en medio de Bolivia, luchan por reconciliarse con su fe tras una serie de agresiones sexuales cometidas por los hombres de la colonia.

Sarah Ellen Polley (1979) es una cineasta, activista política y actriz retirada canadiense. Aunque llamó la atención por primera vez como actriz infantil, yo la conocí por Las aventuras del Barón Munchausen (1988). Trabajó como actriz en películas tan variadas como Exótica (1994), El dulce más allá (1997), Ginebra (1999), Go (1999), El peso del agua (2000), No Such Thing (2001), Mi vida sin mí (2003), El amanecer de los muertos (2004), Splice (2009) y Mr. Nobody (2009).

Polley debutó como directora de largometrajes con Lejos de ella (2006), por la que ganó el Canadian Screen Award a la mejor directora y fue nominada al Oscar al mejor guión adaptado. También dirigió Take This Waltz (2011), su primer documental, Stories We Tell (2012) y escribió la miniserie Alias Grace (2017), basada en la novela homónima de Margaret Atwood de 1996. Con Women talking Polley ha conseguido su segunda nominación a Mejor Guion Adapatado, además del premio que supone que la película esté nominada a Mejor Película.

Women Talking es un drama escrito y dirigido por Sarah Polley basada en la novela homónima de 2018 de Miriam Toews, inspirada en hechos reales ocurridos entre 2005 y 2009 en la Colonia Manitoba, una remota y aislada comunidad menonita de Bolivia donde un grupo de hombres realizaron violaciones masivas utilizando anestésico para ganado para dormir a sus víctimas. Violaron a más de 100 mujeres, pero también a niñas de 5 años y ancianas. Los hijos de p&%$ fueron condenados en 2011 a 25 años de prisión por las autoridades bolivianas, además de condenar también a 8 años de prisión al veterinario que les facilitó el somnífero.

La película de 104 minutos de duración cuenta con fotografía de Luc Montpellier, montaje de Christopher Donaldson y Roslyn Kalloo, y música de Hildur Guðnadóttir.

El brillante reparto femenino está formado en los papeles principales por Rooney Mara como Ona, Claire Foy como Salomé y Jessie Buckley como Mariche y Judith Ivey como Agata. Otras actrices que participan son Sheila McCarthy como Greta, Michelle McLeod como Mejal y Kate Hallett como Autje. Frances McDormand, productora de la película, se guarda un pequeño papel en la película, mientras que Ben Whishaw es el único hombre, August, la persona que tomará nota de las decisiones que toman las mujeres al no saber ellas escribir.

La película empieza con un letrero que indica que estamos ante «un acto de imaginación femenina». Esto que no acabé de entender cuando empecé a ver la película tiene su sentido en algo que comentaré más adelante.

Más que una película, Ellas hablan parece una obra de teatro planteada a modo de tesis. Aunque las películas panfletarias en general no me suelen enganchar, en este caso las fantásticas interpretaciones de todo el reparto me han atrapado. Rooney Mara , Claire Foy, Jessie Buckley y todas en general firman una película espectacular en lo actoral que es lo que sostiene la película. Las actrices transmiten tan bien el dolor de una mujer tras ser violada y la esperanza por dar a sus hijos una vida mejor que me sentí sobrecogido en muchos momentos. Casi de principio a fin, la verdad, porque la situación que sufren estas mujeres es muy fuerte. Un drama, el de la violación, cuyos efectos son mostrados en todas sus vertientes: Ira, dolor, negación, búsqueda del olvido, etc… De forma que cada mujer más que un ser de carne y hueso parece el arquetipo de la reacción que una mujer puede sentir ante esta agresión.

La película muestra una larga conversación ante la decisión imposible que deben tomar las mujeres. Tras ser detenidos los supuestos violadores, fueron llevados ante las autoridades ante el miedo que las mujeres les mataran (¿para protegerles de ellas?). Y ante su inminente salida de prisión tras pagar la comunidad la fianza, los jefes religiosos exigen a las mujeres que perdonen a estos hombres (que no han pedido perdón para empezar) bajo amenaza de ser expulsadas de la comunidad y poner en riesgo la salvación de su alma tras excomulgarlas.

Ante esta situación, las mujeres pueden a) perdonar a los violadores y seguir con su vida asumiendo que para la comunidad son seres de segunda categoría que los hombres pueden usar a su conveniencia. b) quedarse en la comunidad y luchar por sus derechos y contra los delincuentes y los que miran hacia otro lado, por difícil que eso parezca. c) Marcharse de la comuna ante la imposibilidad de poder garantizar que estas violaciones no se volverán a producir, para buscar en otro lugar donde ser felices y poder criar a sus hijos en libertad y con más derechos. La decisión que acaban tomando en este contexto creo que es obvia.

Las fantásticas interpretaciones, la música de Hildur Guðnadóttir y una ajustada duración de 100 minutos consiguen que el visionado pasara volando a pesar que el guion es redundante y repetitivo, al quedar claros en los primeros 15 minutos de película las diferentes opciones y los sueños a los que aspiran las mujeres, dando vueltas sobre lo mismo a partir de ahí. La suerte es que el reparto está de 10, consiguiendo que empatizara totalmente con el dolor que sienten sus personajes ante unas situaciones que son muy bestias. Y una vida en esta secta religiosa que las considera seres de segunda, empezando por ejemplo porque no se las permitió ir a la escuela y no saben leer. ¡Qué fuerte, por Dios!! Suele hablarse de la «cultura de la violación», y esta película se esfuerza en mostrar todas las posibilidades en que esto sucede, contando entre otras historias la de una mujer (McDormand) que a pesar de todo se niega a unirse al resto de mujeres al tener esta cultura demasiado metida dentro de su ADN, entendiendo que su obligación es estar con su marido y obedecerle a pesar de todo.

Tengo que alabar a la directora Sarah Polley, porque a pesar de la cualidad teatral de la historia, consigue rodar estas conversaciones de forma super emocionarse. ¿Quién no va a empatizar ante una madre que sólo aspira a que no violen a su hija? (buff, es que todo es fuertísimo). Y además de emocionar, la película como digo resulta interesante porque entiendo que Polley realiza un trabajo estupendo. Ellas hablan tenía todos los números para que me hubiera aburrido soberanamente, cosa que no llegó a suceder.

Como digo, la película me ha gustado. ¿Cómo no sufrir por unas mujeres cuya única aspiración en la vida es que no violen a sus hijas y que estas puedas aprender a leer cosa que ellas no han podido? La película y su etiqueta de «inspirada en hechos reales» hizo que me cagara en los muertos de las sectas y las religiones que denigran y tienen a las mujeres como personas de segunda subyugadas por el marido que las dice lo que pueden o no pueden hacer. Cosa que pasa y va a seguir pasando en el mundo de 2023 en grandes zonas del mundo, no sólo en una pequeña comuna fundamentalista situada en Bolivia. En cierto sentido, si la película sirviera para mostrar esta realidad a mucha gente, mostrando por supuesto lo erróneo de estas sociedades, habría que darse por satisfecho.

Sin embargo, hablaba del «acto de imaginación femenina» y de mi no apetencia por los panfletos. Y antes incluso de conocer los hechos reales que inspiraron a la novela que adapta esta película, me pareció muy fuerte la tesis de la película, según la cual las mujeres tienen que crear su propia sociedad alejada de los hombre para poder vivir seguras . Una tesis repetida machaconamente durante todo el metraje, indicando que los hombres somos unos violadores o consentimos estos hechos por acción u omisión. Excepto, claro, unos pocos aliados que se callan cuando hablan las mujeres y aprenden de sus experiencias. Y que para sorpresa de nadie precisamente es un aliado porque su madre y él fueron expulsados de la comuna por luchar contra la doctrina oficial, por lo que podría ser considerado un outsider del sistema.

Los hechos reales son que los violadores fueron condenados a 25 años de prisión por estos delitos terribles. Pocos me parecen. Además, que yo sepa, diría que las mujeres de esta comuna jamás la abandonaron y siguen viviendo allí con sus maridos, padres y hermanos. Puestos a crear una obra de ficción, Polley podía haber planteado un John Wick y hacer que este grupo de mujeres masacraran a estos HdP con hachas, cuchillos y azadas. O una historia de terror Lovecraftiano en la que un dios primigenio bebiera la sangre de los culpables en copas hechas de cráneos a partir de la invocación de las víctimas, que vivirían felices a partir de ese momento en una orgía sin fin. Y pongo estos ejemplos extremos para resaltar que puestos a inventarse algo, la escritora Miriam Toews y luego Polley plantean una historia que conecta con las teorías del feminismo radical que grita a los cuatro vientos que los hombres somos todos culpables del pecado original del machismo y el patriarcado que explota y subyuga a las mujeres. Ante lo cual la única opción lógica es derribar la sociedad actual para construir otra segregada. ¿Cómo se os queda el cuerpo?

El drama de las mujeres está super bien interpretado y con eso me ganan, pero la parte del panfleto es tan evidente que me deja perplejo y hasta preocupado. Y obviamente la situación de las mujeres en estas sectas religiosas (y en algunas religiosas mayoritarias, las cosas como son) es terrible y me parece bien que se denuncie a estas sociedades que parece se han quedado ancladas en el siglo XVIII. Pero dentro de esto, tengo claro que las metáforas que se desprenden de esta película no están pensadas únicamente para los menonitas, sino con la intención de que se trasladen a la sociedad occidental, generando una especie de enmienda a la totalidad. Por eso la línea de «acto de imaginación femenina» inicial, porque a partir de unos hechos reales, éstos se utilizan para transmitir un discurso político identitario muy muy concreto. Y muy radical. Y que sin embargo parece que es aceptado como si tal cosa por cada vez más personas que sufrimos el bombardeo de ideas radicales que van camino de convertirse en mainstream.

Y entiendo que tendría que estar hablando únicamente de la película y sus méritos, que los tiene. Pero es que su intención pontificadora es tan obvio que me parece una pasada.

En relación a los Oscars, me parece imposible que pueda ganar el premio a Mejor película, que esté en alguna quiniela en realidad, siendo la propia nominación premio en si mismo. Sin embargo, dada la corrección política extrema de la Academia de Cine, creo que tiene muchas posibilidades de ganar en la categoría de Guion Adaptado. En dos semanas saldremos de dudas.

Comparto el trailer de la película:

Ellas hablas es un potente alegato político y una película emocionante gracias a unas actrices impresionantes. Tú decides con qué te quedas.

PUNTUACIÓN: 6/10

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Crítica de El piloto de Jean-François Richet

El piloto, la nueva película de Gerard Butler, en este caso acompañado por Mike Colter y dirigido por el director francés Jean-François Richet, me ha resultado super entretenida.

PUNTUACIÓN: 7/10

En la noche de fin de año, el piloto experto Brodie Torrance (Gerard Butler) realiza un arriesgado aterrizaje cuando su avión, repleto de pasajeros, es alcanzado por un rayo. Perdidos en medio de una isla devastada por la guerra, Torrance se dará cuenta que sobrevivir al vuelo sólo ha sido el principio de una terrible aventura llena de peligros. El piloto deberá usar todo su ingenio para intentar llevar a los pasajeros a sus destinos sanos y salvos.

Jean-François Richet (1966) es un guionista, director y productor de cine francés. Su opera prima Inner City (1995) fue nominada en la 21ª edición de los Premios César en la categoría de director nobel. Sus siguientes películas fueron Ma 6-T va crack-er (1997) – película que caricaturiza la guerra entre bandas, el remake de Assault on Precinct 13 (2005), Mesrine (2008), One Wild Moment (2015), la estupenda Blood Father (2016) y El emperador de París (2018)

La película cuenta con un guión de Charles Cumming y J. P. Davis, a partir de una historia de Cumming, un guionista y escritor de novelas especializado en el género de espionaje. En el resto de apartados tenemos la fotografía de Brendan Galvin, el montaje de David Rosenbloom y la música de Marco Beltrami y Marcus Trumpp. La película de 107 minutos de duración fue rodada en localizaciones de Puerto Rico y ha contado con un presupuesto de 25 millones de dólares.

En el reparto tenemos de principales ganchos a Gerard Butler como Brodie Torrance, un piloto comercial capitán del vuelo accidentado, y Mike Colter (Luke Cage en las series de televisión de Netflix) como Louis Gaspare, un prisionero que está siendo extraditado acusado de homicidio en su juventud, que escapó para formar parte de la Legión Extranjera Francesa .

En resto del reparto estaría formado en sus papeles principales por Yoson An como Samuel Dele, el copiloto de Torrance, Tony Goldwyn como Scarsdale, un antiguo oficial de las Fuerzas Especiales que lidera los esfuerzos de rescate, Daniella Pineda como Bonnie Lane, la jefa de azafatas, Paul Ben-Victor como Terry Hampton, el propietario de la aerolínea, Remi Adeleke como Shellback, un mercenario encargado de liderar el equipo de rescate en el terreno, Joey Slotnick como Matt Sinclair, un hombre de negocios malhumorado y uno de los pasajeros y Evan Dane Taylor como Datu Junmar, señor de la guerra local y líder terrorista en Jolo, la isla donde aterriza el avión accidentado.

El piloto me ha sorprendido muy positivamente. Tengo que reconocer que vi la película gracias a que mi hermano Fernando me comentó que le había gustado. Y me alegro que lo hiciera, porque últimamente no veo en el cine demasiadas películas de acción de «clase media», por así decirlo. Está claro que no nos da la vida ni el presupuesto para verlo todo y con ciertas películas con feeling a serie B uno pensaría que no pasa nada por esperarse para verla en casa cuando se estrene en alguna plataforma. Pero al final si estas películas no son rentables dejarán de producirse, y creo que sería una pena, porque al menos esta funciona de maravilla de principio a fin.

El piloto funciona desde el primer fotograma consiguiendo con las pinceladas básicas que empaticemos con el protagonista interpretado por Gerald Butler, un piloto veterano que decidió cambiar su trabajo y trabajar en líneas de segunda para poder estar más cerca de su hija que vive en Hawai. Su drama está claro, tiene que sobrevivir para volver a verla, y a ser posible, conseguir que el resto de tripulación y el pasaje también lo haga. El personaje interpretado por Mike Colter también es alguien de pocas palabras, una persona sin duda peligrosa que cometió un pecado en su juventud que le ha perseguido hasta el presente. Dentro que ninguno tiene interpretaciones dramáticamente intensas, la verdad es que tanto Butler como Colter tienen presencia en pantalla, que es más que muchos intentos de estrellas que los ves y notas que no tienen nada.

Al fiarme de mi hermano, realmente no sabía nada de la película más que había un avión y pasaba algo. Esto ha hecho que las numerosas sorpresas de la historia me han sorprendido para muy bien. El guion funciona como un tiro sin dar casi un segundo de respiro, consiguiendo que todo parezca plausible y sin locuras o giros absurdos. Bueno, quizá lo del climax final es un poco over-the-top, pero como está bien planteado, realmente a mi me funcionó sin problema. La forma en que la tensión avanza a medida que pasa el metraje me ha gustado, como también el hecho que la película empieza pareciendo una cosa transformándose en su segunda mitad.

Hay pocas escenas de acción en la película, pero las que hay están super bien rodadas, mostrando una fisicalidad estupenda. Casi diría que Butler interpreta un combate cuerpo a cuerpo que está muy bien. Como digo, sin grandes alardes, todo lo que plantea está muy bien resuelto.

El piloto es una película que sabe en que liga juega y que diría que hace bien todo lo que se plantea. La dosis de entretenimiento escapista está más que conseguida con esta película. De hecho, aparte del tirón de Gerald Butler, creo que el personaje de Mike Colter tiene también posibilidades. Aunque esta película está consiguiendo unas taquillas más bien discretas, estaría curioso que se planteara algún tipo de continuación a esta historia que volviera a reunirles. O para el caso, que hagan otra película que no tenga nada que ver, pero que trabajen juntos.

Comparto el trailer de la película:

El piloto me ha parecido una estupenda película de acción que creo que está pasando super desapercibida y que merece el tiempo de los fans de los thrillers y del cine de acción.

PUNTUACIÓN: 7/10

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