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Crítica de El Hoyo de Galder Gaztelu-Urrutia (Netflix)

El hoyo, dirigida por Galder Gaztelu-Urrutia, supuso una de las sorpresas del pasado festival Internacional de Sitges 2019 al conseguir el Premio a Mejor Película y del Público, entre otros galardones. Aprovechando que se acaba de estrenar en Netflix aproveché para verla y no puedo ocultar mi decepción ante esta producción española de ciencia ficción distópica.

PUNTUACIÓN: 5/10

El futuro, en una distopía. Dos personas por nivel. Un número desconocido de niveles. Una plataforma con comida para todos ellos. ¿Eres de los que piensan demasiado cuando están arriba? ¿O de los que no tienen agallas cuando están abajo? Si lo descubres demasiado tarde, no saldrás vivo del hoyo.

El Hoyo es la ópera prima del director vasco Galder Gaztelu-Urrutia. David Desola y Pedro Rivero escriben el guión de esta película planteando una metáfora de la sociedad occidental y la lucha de clases sociales, algo que hemos visto en los últimos años en películas como Snowpiercer (Bong Joon-ho, 2013), High-rise (Ben Wheatley, 2015) o más recientemente, la multipremiada Parásitos (2019), de nuevo dirigida por el coreano Bong Joon-ho.

De El Hoyo habría que destacar sobre todo su diseño de producción, muy cuidado en todo momento y que ayuda a transmitir el feeling claustrofóbico que la historia precisaba. También son dignos de mención la fotografía de Jon D. Dominguéz, la música de Aránzazu Calleja y el montaje de Haritz Zubillaga y Elena Ruiz.

El Hoyo ha recibido múltiples premios a nivel internacional, entre los que se encuentran El Premio del público en la sección “Midnight Madness” del Festival Internacional de Cine de Toronto, o los premios a Mejor Película, Mejor Director Revelación, Mejores Efectos Especiales y premio del público en el Festival de Cine de Sitges 2019. Además, en los pasados Premios Goya consiguió el premio a Mejores Efectos Especiales. Pocas veces ¿nunca? Una película de género española había conseguido tantos premios.

El reparto está liderado por Iván Massagué como Goreng, el nuevo preso de El Hoyo, que llega (ligeros spoilers a partir de ahora) a cumplir una pena de seis meses que a cambio le permitirá conseguir un título académico. ¿La primera metáfora sobre lo que tienen que hacer los pobres para conseguir una beca y terminar los estudios? Su personaje es el centro de toda la película y está presente en todo momento, transmitiendo Massagué de maravilla la confusión al llegar a este ecosistema enloquecido en el que las cosas no parecen tener sentido, más allá de machacar a los de abajo.

Junto a Massagué, El Hoyo cuenta con Zorion Eguileor como Trimagasi, el veterano preso compañero de nivel de Goreng que le explicará como funciona todo. Antonia San Juan es Imoguiri, otra compañera de Goreng durante su estancia en el hoyo, igual que Emilio Buale como Baharat. La Wild-Card de la película es Alexandra Masangkay como Miharu, una interna que busca a su hija por la prisión, a pesar de que las normas indican que eso es imposible.

Entrando en materia, El Hoyo entra en el grupo de películas en las que los autores solo tienen el concepto, la metáfora general que buscan transmitir, pero se han dejado sin pensar cómo resolver de forma satisfactoria la historia.

En positivo, que una producción española se atreva a hacer una distopía que intenta ofrecer un mensaje potente (aunque luego veamos que fallido) es de agradecer y la película consigue enganchar e interesar con su premisa inicial. Además, creo que las interpretaciones, el diseño de producción y todos los apartados técnicos cumplen con nota.

Sin embargo, esta metáfora de la sociedad actual y la lucha de clases en la que unos privilegiados están arriba y se aprovechan de todos los recursos mientras los pobres de abajo sufren su avaricia y su desprecio por el resto de conciudadanos ya la hemos visto antes en películas como Parásitos, Snowpiercer o High-rise mucho mejor planteada y resuelta.

La película empieza bien pero se desinfla demasiado rápidamente, y eso que dura 94 minutos. Y es que más allá de esta metáfora y su interesante puesta en escena, el guión no da casi de si, algo grave para una historia de ciencia ficción que intenta hacer crítica social.

Además, como espectador me molesta muchísimo cuando una película plantea unas reglas (sea o no ciencia-ficción) para luego saltárselas de forma tramposa. Y en este sentido, el final planteado por el guión de David Desola y Pedro Rivero me parece una tomadura de pelo y un todo-vale impropio de una película que busca ser seria y tocar temas importantes. La sensación que me transmite es que lo importante para ellos era llamar la atención y el cómo terminar la historia era totalmente secundario y no está bien trabajado.

Respetando todas las opiniones, no me caben en la cabeza los numerosísimos elogios que estoy leyendo sobre la película en general y su guión en particular. También es cierto que hay muchas críticas que indican igual que yo que empieza bien pero acaba desinflándose, pero en mi opinión una película que hace trampas y que no respeta mi inteligencia no puede calificarse jamás como que tiene un buen guión. Y niego la mayor, si los guionistas quieren que el final que va bien con el mensaje con que quieren que nos quedemos los espectadores (el cambio solo puede ser realizado por los jóvenes), deberían haber trabajado más el guión para poder llegar a ese punto de forma lógica y sin crear este antológico WTF! En todo caso, esto es relativo al guión, entiendo que si ponemos en la balanza el resto de elementos positivos de la producción, la puesta en escena, montaje o interpretaciones, al final quedaría una película que consigue un aprobado justito.

Comparto el trailer de la película:

No me arrepiento de haber visto El Hoyo y sin duda tiene elementos interesantes, pero creo que es una película mejor planteada que resuelta que consigue aprobar por los pelos. En todo caso, dado que está disponible en Netflix, entiendo que es una película para aquellos espectadores que busquen historias diferentes. Aunque vuelve a demostrarse que nuevo no es igual a mejor. Al menos, no de forma automática.

PUNTUACIÓN: 5/10

 

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¡Saludos a todos!

Cine de Verano: La autopsia de Jane Doe, de André Øvredal

He aprovechado el flojo mes de Agosto cinematográfico para recuperar algunas películas que no pude ver en su día. Y tenía muchas ganas de ver La autopsia de Jane Doe, realizada por el director noruego André Øvredal y que ganó el Premio Especial del Jurado del pasado Festival de Sitges 2016. Y me ha parecido que el hype estaba plenamente justificado.

PUNTUACIÓN: 8/10

El dueño de una funeraria de una pequeña localidad, el forense Tommy Hilden (Brian Cox), y su hijo Austin (Emile Hirsch), que trabaja con él, reciben un día el cadáver de la víctima de un misterioso crimen: una bella joven que no tiene ninguna causa aparente de muerte. Ambos intentarán desvelar los intrigantes motivos del fallecimiento de la joven.

Además del premio de Sitges, La autopsia de Jane Doe ganó el año pasado el Premio de Mejor película en el Fantastic Fest y el 2º Premio (Premio del Público – Midnight Madness) en el Festival de Toronto. Lo curioso es que hasta que llamó la atención del director noruego André Øvredal, el guión de esta película, obra de Ian Goldberg y Richard Naing, estaba en la lista negra de guiones imposibles de vender comercialmente. El motivo era muy obvio, como su nombre indica, estamos ante una película de 86 minutos en la que asistimos en directo a la autopsia del cadáver de una joven. Un tema escabroso y complicado que Øvredal consigue que funcione gracias a unas grandes dosis de tensión fruto de los numerosos elementos sorprendentes y aterradores que los forenses van aprendiendo durante la autopsia.

Aunque supongo que lo sabeis, Jane Doe es el nombre que se les da en los Estados Unidos a las mujeres cuya identidad es desconocida, vivas o muertes, cuando son encontradas por la policía o las autoridades sanitarias. Esto hace que el propio título de la película destaque las dos preguntas fundamentales de la película: ¿Quién es Jane Doe? y ¿cómo murió? Otro dato interesantes es que aunque estamos ante un cadáver, que obviamente ni habla ni se mueve, está interpretada por la actriz Olwen Kelly. Øvredal comenta que quería que el público sintiéramos pena por esta chica y empatizáramos con ella, a la vez que nos transmitiera el mal rollo que los descubrimientos iban provocando en los protagonistas. Esto no se hubiera podido conseguir con un muñeco o un efecto digital, por lo que la muerta permanece en la camilla durante casi toda la película, mientras a su alrededor van pasando un montón de cosas. También es de agradecer que Øvredal ruede con buen gusto y mucho tacto, huyendo de cualquier connotación escabrosa y sexual que pudiera perjudicar el visionado de la película.

La asepsia de la morgue y el comportamiento frío y profesional de los Hilden durante la autopsia está perfectamente conseguido. No estamos ante un estudio de personajes, pero el guión consigue con dos pinceladas darnos los detalles justos para que podamos empatizar con padre e hijo. Brian Cox es un perfecto forense cansado tras una larga vida profesional, que intenta enseñarle el negocio a su hijo para que continúe la tradición familiar. Mientras, Emile Hirsch es su hijo Austin, que se debate entre su deber con su padre y el amor hacia su novia Emma (Ophelia Lovibond) y sus ganas de disfrutar una vida “normal”.

Quizá el único pero de la película es que tras una hora brillante, el guión cae en una serie de sustos de manual de película de terror que desmerecen algo la originalidad vista hasta el momento. Pero en mi opinión, la película sigue siendo de notable, como indica mi nota. Además, la película tiene la duración perfecta para lo que nos están contando. Sus 86 minutos están casi en el límite de lo admitido en el cine comercial actual, pero condensa a la perfección la trama y su resolución, y entiendo que todo lo que hubieran alargado hubiera sido “paja” sin interés que no mejoraría el producto tal y como fue estrenado.

Comparto el trailer de la película, pero te recomiendo que NO LO VEAS, y que veas esta original película ante de que alguien te spoilee más de la cuenta.

La autopsia de Jane Doe es una refrescante muestra de buen cine de terror que demuestra que el género sigue reinventándose año a año, y que todo fan a las películas de género debería ver.

PUNTUACIÓN: 8/10

Cine de verano – Bone Tomahawk

Tras disfrutar del carisma de Kurt Rusell en The Hateful 8 de Tarantino, tenía ganas de ver Bone Tomahawk, western fronterizo también protagonizado por el genial actor, ganador del Premio al Mejor Director (S. Craig Zahler)  en el pasado festival de Sitges 2015. Esta película no se llegó a estrenar en los cine de mi ciudad, así que he aprovechado las vacaciones para verla en casa y ha resultado una interesante sorpresa.

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Bone Tomahawk es una película independiente escrita y dirigida por S. Craig Zahler, que realiza un buen trabajo en su debut en la gran pantalla. Y me ha sorprendido también muy positivamente el casting de la película, repleto de buenos actores como Patrick Wilson (al que acabo de ver por duplicado en las películas de Expediente Warren), Matthew Fox, Richard Jenkins y Lily Simmons, que acompañan perfectamente a Russell.

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El argumento es muy simple. Un pequeño grupo de habitantes del pueblo fronterizo de Bright Hope liderados por el Sheriff Hunt (Kurt Russell) salen en busca de una tribu de indios canívales que han secuestrado a la mujer de Arthur O´Dwyer (Patrick Wilson), junto a uno de los ayudantes del sheriff y a un forajido al que habían detenido y llevado a la prisión del pueblo.

El giro de la historia es que O´Dwyer está herido en una pierna y lleva una muleta, lo que no le impide querer ir en busca de su esposa pero ralentizará la persecución que les llevará a las tierras indias, y que en último término se revelará fundamental para el desenlace de la acción. A Hunt y O´Dwyer les acompañan Chicory (Richard Jenkins), un anciano ayudante del Sheriff que aún quiere ayudar en lo que pueda, y John Brooder (Matthew Fox), un tirador que odia a los indios y quiere aprovechar este rescate para matar a todos los indios que pueda.

Pero estos cuatro hombres no se pueden ni imaginar el terror que les espera cuando lleguen a territorio indio.

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La película transcurre con un ritmo muy lento y pausado al que hay que sumar la cojera de O´Dwyer. Pero esta lentitud se rompe en varias ocasiones con momentos muy violentos, y en especial hay una escena super gore no apta para todos los públicos que me dejó alucinado por el nivel de violencia extrema y explícita, y que casi rozaría el torture-porn.

En general la película es correcta y se salva especialmente gracias a la buena labor de todo el reparto y a la interesante mezcla de western con el terror, que desde luego no te esperas. Pero  globalmente me ha perecido plana y monótona, con un momento gore que parece puesto simplemente para shockear a la audiencia y que se hable de ella en festivales, no porque narrativamente aporte nada.

Por estos motivos el premio al Mejor Director del pasado Festival de Sitges me parecen exagerado (aunque tampoco se contra qué películas competía), y no creo que sea una película que vaya a pasar a la historia del género. Aunque en todo caso sí es una buena carta de presentación del director Craig Zahler, un escritor y director cuyas próximas películas habrá que ver.

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Comparto con vosotros el trailer de la película para que veais qué podeis esperar.

Bone Tomahawk es una correcta película que posiblemente no sea para ir al cine a verla pero que ha resultado perfecta para una calurosa noche veraniega y que me ha proporcionado varios momentos de sorpresa y shock bastante interesantes.

Si eres un aficionado al western y eres de estómago duro para aguantar las 2 escenas supergores, creo que la película te entretendrá.

Puntuación: 6.5/10