El retorno al dibujo de Nightwing de Bruno Redondo con color de Adriano Lucas nos recuerda que los comics son ante todo diversión y entretenimiento, ofreciendo un comic en el que Tom Taylor sabe echase a un lado para que el dibujo brille.
PUNTUACIÓN: 8/10
¡Las mentes maestras Tom Taylor y Bruno Redondo vuelven a la carga para presentar a los fans de Nightwing otro número especial diseñado exclusivamente para que sean Nightwing por un día!
Esta historia de gran tamaño mostrará a Nightwing desde su punto de vista, ¡permitiendo a los lectores usar sus palos y saltar a través de Blüdhaven! No querrás perderte este número, ya que habrá otras sorpresas por el camino, ¡incluso quién aparecerá a tu lado!
Nightwing 105 es un número especial con 30 páginas de historia y un precio acorde de 4.99 dólares.
En los meses anteriores me quejaba de lo mucho que se notaba cuando Bruno Redondo no dibujaba Nightwing, como pasó en el arco anterior con Neron y los Titanes. Sin embargo, su retorno a la serie resulta un comic que vuelve a situarle saliendo por la puerta grande. Creo haber leído a Redondo comentar que la idea de plantear el comic mostrando las viñetas como si fueran el punto de vista de Nightwing se le ocurrió cuando Tom Taylor estuvo en España el pasado otoño con motivo de la Madrid Comic Pop-Up y estuvieron varios días juntos compartiendo convención y cenas y charlas en Madrid hasta altas horas de la madrugada. Y la verdad es que me parece una idea genial.
Como pasa con toda la etapa de Taylor, lo importante de este comic es el carisma y la química de Dick y Barbara, Nightwing y Batgirl, y no tanto la profundidad de la historia. Y en este comic Taylor plantea una historia que sirva de excusa para ponerlo todo en marcha y permitir el lucimiento de Redondo y de Adriano Lucas al color. Y vaya si se lucen. El dibujo de esta grapa está a otro nivel, es de esos comics que quieres volver una y otra vez a él para admirar los grandes y pequeños detalles del dibujo, que nos regala momentos magistrales. Así da gusto comprar un comic de superhéroes.
La idea de un empresario malvado que hace negocio del sufrimiento de la gente, en este caso con la venta de vacunas para un peligroso virus, no es algo nuevo. De hecho, una parte importante del mundo de los superhéroes es enfrentarse a millonarios malvados, y es una idea muy básica en todo tipo de entretenimiento desde Kung-fu a El Equipo A, por poner dos ejemplos. Lo quizá más novedoso en este mundo políticamente correcto es ver al héroe alinearse con el teórico villano que ha robado un cargamento peligroso (en teoría). Por supuesto, si este villano resulta ser una villana o villanas, por supuesto la redención es posible y es importante entender el punto de vista de la persona a la que te enfrentas. El caso es que todo esto lo veo en la historia, pero hay que reconocer que Taylor plantea la historia de forma super entretenida, así que nunca parece que nos están colando un panfleto y se puede disfrutar.
Lo malo de Nightwing es que este comic es espectacular, pero nada garantiza que Redondo vaya a quedarse varios meses seguidos en la serie, y su falta se nota un montón. Por el momento, hoy hay que felicitarse porque este comic exista y por la calidad de Bruno Redondo. ¡Qué bueno es!
Comparto las primeras páginas del comic:
Así si, Nightwing. Ojalá Bruno Redondo vuelva para una buena tanda de episodios.
PUNTUACIÓN: 8/10
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Los dos primeros episodios de Ahsoka estrenados en Disney+ me llenan de optimismo con la nueva serie de Star Wars creada por Dave Filloni. Por lo visto esta semana, nos esperan unas semanas geniales.
PUNTUACIÓN: 8/10
La antigua jedi Ahsoka Tano investiga una nueva amenaza para una galaxia vulnerable. Nueva serie original de 8 episodios protagonizada por el personaje Ahsoka Tano (Rosario Dawson) y ambientada dentro de la línea de tiempo de The Mandalorian.
Ahsoka Tano fue creada por Dave Filloni en Star Wars The Clone Wars, y la seguimos viendo en Star Wars Rebels, serie creada por él que contó con cuatro temporadas, dando el salto a la imagen real en The Mandalorian. La niña tonta y caprichosa creció hasta convertirse en uno de los mejores personajes de Star Wars, adorado por una generación de fans de la franquicia. Podría decirse que junto a Din Djarin (Mando) son los dos mejores personajes de Star Wars no creados en las películas clásicas.
Ahsoka es la niña bonita de Filloni, por lo que tiene todo el sentido que quisiera encargarse él de esta serie de 8 episodios recién estrenada. Además de creador, Filloni ha escrito toda la serie y ha dirigido el primer episodio que marca el tono y el estilo que va a tener la serie. El segundo episodio está dirigido por Steph Green, una veterana directora que ha trabajado en series como American Gothic, Scandal y The Americans, Billions, American Crime, Preacher, Bates Motel, You’re the Worst,The Man in the High Castle, For the People, Luke Cage, The Deuce, Strange Angel y Watchmen. Green entró en la franquicia de Star Wars dirigiendo el segundo episodio de The Book of Boba Fett, y va a dirigir también el tercer episodio.
De este arranque querría destacar la potentísima música creada por Kevin Kiner, creador de las bandas sonoras de The Clone Wars, Rebels o The Bad Batch. La serie se rodó usando la tecnología de producción virtual StageCraft, con Eric Steelberg y Quyen Tran como directores de fotografía. La serie empezó a rodarse en mayo de 2022 y su rodaje se alargó durante 6 meses.
Rosario Dawson es Ahsoka Tano, la antigua padawan Jedi y aprendiz de Anakin Skywalker que se ha convertido en una feroz guerrera al servicio de la Nueva República, aunque vive una vida nómada y solitaria en su nave, con la única compañía de Huyang, un droide que fabrica sables láser y que fue utilizado por los Jedi durante miles de años, al que pone voz David Tennant. Natasha Liu Bordizzo interpreta a Sabine Wren, la guerrera mandaloriana y grafitera protagonista de Star Wars Rebels, que fue aprendiz de Ahsoka y que tiene grandes conocimientos de armas y explosivos. Mary Elizabeth Winstead es Hera Syndulla, otra de las protagonistas de Rebels y que ahora es una general Twi’lek de la Nueva República, además de la piloto de la nave Fantasma. Aunque se desconoce su paradero o si está vivo o muerto, Eman Esfandi ha puesto la voz de Ezra Bridger, otro de los protagonistas de Rebels.
Ray Stevenson es Baylan Skoll, un antiguo Jedi que sobrevivió a la Orden 66 huyendo a las Regiones Desconocidas y que ahora es un mercenario en busca de poder. Es el maestro de Shin Hati (interpretada por Ivanna Sakhno) y trabaja con Morgan Elsbeth (Diana Lee Inosanto), a la que conocimos en el quinto episodio de la segunda temporada de The Mandalorian que presentó a Ahsoka en imagen real. Y aunque no se le ha visto en estos dos episodios, Lars Mikkelsen interpretará al Gran Almirante Thrawn.
Me ha gustado mucho el arranque de Ahsoka, creo que nos esperan 6 semanas estupendas gracias a la nueva serie de Star Wars. Hay mucho y bueno que comentar, y también algún elemento menos bueno, pero la sensación inicial es super satisfactoria. El primer elemento a destacar es que la Ahsoka Tano en imagen real interpretada por Rosario Dawson que hemos visto desde The Mandalorian es una Jedi, una persona, fría. Y esta frialdad se traslada a esta serie, lo que de momento provoca que no puedas empatizar con ella al ser demasiado perfecta y exigente con la gente a su alrededor. Esta es una característica de Ahsoka, no es en absoluto un problema derivado de la interpretación de Rosario Dawson. Estoy seguro que siendo la niña de Filloni éste la va a dar multitud de oportunidades para brillar y que se convierta en la gran protagonista de la serie que es.
Pero mientras eso llega, la verdad es que Sabine Wren y Hera Syndulla se han convertido en el corazón de la serie y las grandes protagonistas de estos episodios. Entiendo que en parte esto es por las ganas que tenía de ver a las protagonistas de Rebels en imagen real aunque sea en papeles secundarios como estos, pero lo cierto es que con sus diferentes personalidades, estas rebeldes son todo corazón y hacen imposible que no se apropien de un lugar en mi corazoncito de fan. Natasha Liu Bordizzo y Mary Elizabeth Winstead son unos castings espectaculares. Bordizzo clava la Sabine testaruda pero muy capaz de llevar a cabo lo que se proponga, que sigue dolida porque Ahsoka la abandonara sin explicación y dejara de entrenarla como jedi, a pesar que sus habilidades parecen ser escasas. Mientras, mi amada Mary Elizabeth Winstead está increíble como Hera y su actitud maternal y cómo hará lo que sea por sus amigos, pero intentando que todos entren en razón y tomen las decisiones correctas por ellas mismas sin tener que imponerlas ella. Hera es además una general de la Nueva República y sigue siendo una consumada piloto.
La aparición de Sabine, Hera, Chopper y Ezra (en holograma) provocan lógicamente que esta serie se sienta como la continuación sobre todo emocional de Star Wars Rebels. Aparte de Thrawn también salió en esa serie. Y entiendo que algún espectador que no haya visto esta serie de animación pueda sentirse un poco perdido con la familiaridad que tienen todos los personajes. Sin embargo, en general creo que la serie hace un buen trabajo consiguiendo que Ahsoka sea «espectador-friendly», consiguiendo con los títulos de crédito iniciales y unas excesas expositivas bien planteadas que no aburren en absoluto, que nos situemos y conozcamos lo fundamental. Dicho esto, reconozco que la serie me provocó unas ganas tremendas de ver la cuarta temporada de Rebels a la que tanto se alude sobre todo en el primer episodio.
También me gustaron mucho los villanos, los Jedis renegados Baylan Skoll, interpretado por el tristemente fallecido Ray Stevenson, y su aprendiz Shin Hati, Su presentación con el ataque a la nave de la Nueva República que libera a Morgan Elsbeth me parece una pasada, y a lo largo de los episodios me han dado una tremenda sensación de peligro, quedando claro que Ahsoka lo va a tener difícil contra ellos. Stevenson tiene una presencia tremenda en pantalla sin necesidad de realizar ninguna escena que implique fisicidad, imponiendo tan sólo estando allí. Y Shin Hati es una jedi oscura (no se si este término es correcto, ya nos enteraremos, pero no tengo claro claro que sith sea adecuado en este caso) con muchísima habilidad en el manejo del sable laser, como bien comprueba Sabine en el primer episodio. Skoll y Hati, junto con los droides asesinos y el jedi/sith enmascarado que les acompaña nos van a dar momentos geniales hasta que asistamos a la llegada de Thrawn. Por cierto, en relación al guerrero enmascarado que les acompaña, ¿pudiera ser Ezra al que han lavado el cerebro? Sería un puntazo muy guay en caso de confirmarse, aunque realmente lo veo difícil, porque de estar vivo Ezra estará con Thrawn.
Estos dos episodios me parece que transmiten la escala arquitectónica que se espera de una serie de Star Wars, con un uso estupendo del Stagecraft digital de Disney. En algunos momentos intuyes qué escenas incluyen estos fondos digitales, el 99% en realidad, pero es más por la imposibilidad de que determinados elementos sean reales que porque haya algún problema visual, ya que creo que la integración de los personajes en el set digital me parece perfecta. En general, todo el diseño de producción me parece de 10, lo que se espera de una serie de Star Wars con un acabado que provoca vergüenza a películas estrenadas en cine (te miro a ti, Flash o Fast X).
La búsqueda de Thrawn es el hilo conductor de esta serie, y con suerte, la confirmación de si Ezra podría seguir con vida junto al Gran Admirante Chiss. Para ello, la serie plantea una estructura televisiva en la que entiendo que los protagonistas tendrán que realizar diferentes etapas en cada capítulo hasta llegar hasta él, con un feeling de aventura y búsqueda del tesoro (por decirlo de alguna manera, estupendo. Sin ir más lejos, en el primer episodio Ahsoka encuentra el plano encriptado con la localización de Thrawn en un planeta remoto para viajar luego a Lothal para encontrarse con Sabine, mientras que en el segundo episodio viajarán a Corellia siguiendo los pasos de Morgan Elsbeth, conociendo allí su siguiente etapa del viaje. Me gusta que la serie luzca como una serie de TV con una historia pensada para este formato, y Lucasfilm y Disney desechen la idea de la «película ampliada» que vimos (y sufrimos) por ejemplo en Obi-Wan Kenobi.
En positivo también hay que destacar la música de Kevin Kiner que me ha parecido espectacular y con un punto oscuro muy chulo. También diré que igual que me pasaba en Rebels, la historia de Filloni utiliza alguna chorradita conveniente para hacer avanzar la acción, que no es que sean algo problemático, pero si me conectó esta serie de otras maneras con la serie de animación además de con los personajes.
Ahsoka es una serie de 8 episodios. Los dos primeros han sido geniales y nos han dejado con ganas de más tras los estupendos finales de los episodios. Para mi el momento temporal post-Retorno del Jedi en que se ubican The Mandalorian, El libro de Boba Fett y ahora Ahsoka me están dando el disfrute y la maravilla que no consiguieron transmitir en la desastrosa tercera trilogía. Estas series son para mi la fórmula más refinada de Star Wars, y visto lo visto la diversión está más que asegurada en las próximas semanas.
Y aunque yo mismo me digo que es un poco injusta la comparación, el primer episodio de Invasión Secreta me dejó frío con la sensación que algo no acababa de cuadrar, como así terminó siendo. Digo esto porque el problema de algunas series no es tanto de presupuesto, sino de calidad de los profesionales contratados. Y de momento, Favreau, Filloni o Tony Gilroy le están pegando mil patadas a las personas elegidas por Marvel Studios para sus series.
Lo mejor de Ahsoka aparte de todo son las ganas que tengo de que llegue el miércoles que viene para ver el nuevo episodio. ¡Qué guay!
Comparto el trailer de esta serie:
Ahsoka ha empezado de forma modélica y nos promete un entretenimiento de primer nivel. Parece que Star Wars está en las manos correctas con Filloni y Favreau encargándose de este momento temporal post Retorno del Jedi.
PUNTUACIÓN: 8/10
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Mientras espero el tercer y último volumen de BRZRKR, el comic de Keanu Reeves, Matt Kindt y Ron Garney publicado en Boom Studios, he comprado en mi visita a Londres el especial Poetry of Madness con una historia autoconclusiva realizada por Steve Skroce y el color de Dave Stewart.
PUNTUACIÓN: 6.5/10
El primer one-shot especial de BRZRKR enfrenta al inmortal B. a una pesadilla lovecraftiana, disponible este mes de julio, por el aclamado escritor y artista Steve Skroce (We Stand On Guard), y el colorista ganador de un Eisner Dave Stewart (Black Hammer).
Un mar de sangre y devastación aguarda mientras B., a través de un fatídico encuentro fortuito, salvaguarda el avanzado y antiguo reino de Atlantis como su imparable protector. Pero un rey engañado sirve como símbolo de la podredumbre dentro del reino, ya que la seguridad y la paz creadas a través de la violencia de B. son superficiales… Las grietas creadas por un culto secreto podrían significar un final monstruoso para la legendaria ciudad, uno más allá incluso de la capacidad de B. para salvarla.
Si ayer recomendaba el nuevo comic de Conan The Barbarian, hoy me mantengo en la fantasía con otro comic comprado en Londres, el especial de BRZRKR realizado por el artista canadiense Steve Skroce y el colorista super estrella Dave Stewart.
Steve Skroce irrumpió en el mundo del cómic en 1993 con la serie de Clive Barker Ectokid para el sello Razorline de Marvel Comics. Trabajó en las series de Marvel Cable y X-Man antes de pasar a The Amazing Spider-Man en 1996. Trabajó brevemente en los cómics Youngblood de Rob Liefeld y regresó a Marvel Comics para dibujar a Gambito.
Tras trabajar con las autoras Lana y Lilly Wachowski en Ectokid, Skroce fue contactado para crear los storyboards de Matrix, que fueron utilizados por el equipo de guionistas, productores y directores Wachowskis para ayudar a presentar su película a Warner Bros. Skroce regresó brevemente a Marvel en 2000 para escribir y dibujar cuatro números de Lobezno antes de dibujar los storyboards del resto de la trilogía Matrix. Skroce trabaja a menudo en películas con los Wachowski, y ha realizado storyboards para I, Robot (2004), V de Vendetta (2005), Speed Racer (2008), Ninja Assassin (2009), Cloud Atlas (2012) y Jupiter Ascending (2015).
En 2004, co-creó (junto con el dibujante de cómics Geof Darrow) y dibuja Doc Frankenstein para Burlyman Entertainment, escrito por The Wachowskis. Con Brian K. Vaughan en 2015, Skroce fue el cocreador y artista de la serie de ciencia ficción de Image Comics We Stand On Guard.
Hablar de Dave Stewart es hablar de uno de los tres mejores coloristas del medio. Ha sido reconocido por su trabajo con el Premio Eisner de Coloreado en 2003, 2005, 2007-2011, 2013, 2015 y 2020 y ha trabajado con todo el mundo, desde J.H. Williams en Sandman Obertura, Mike Mignola en Hellboy, Darwyn Cooke en DC: The New Frontier, o la pareja creativa de Jeff Lemire y Andrea Sorrentino entre otros muchos. Todo comic en el que Stewart trabaje ya tiene implícita una calidad en el apartado gráfico.
El nombre de Keanu Reeves aparece en portada dado que es el creador de este personaje. Entiendo que es únicamente como reclamo para vender comics dado que Skroce escribe y dibuja este comic, y su nombre para mi también es lo suficiéntemente importante como para comprar este comic. Poetry of Madness es un comic que no engaña a nadie y tiene claro el tipo de entretenimiento que promete al lector. Empezando por su premisa situando la historia en la Atlantis, contando el motivo de su caída debido a una deidad lovecraftiana que desatará la destrucción.
Skroce imprime su loquísimo nivel de detalle a un comic super gore en la que tenemos multitud de páginas de combate. De hecho, de las 45 páginas del comic la mayoría son combates, primero con B. arrasando contra un ejército invasor, y luego contra un dios primigenio gigante que se quiere comer la ciudad y a sus habitantes. Se nota que Skroce quería dibujar las escenas de combate más locas, salvajes y sangrientas, y lo consigue ofreciendo un entretenimiento super over-the-top para un lector como yo que ya sabemos a lo que venimos cuando compramos este comic.
Para resaltar la naturaleza épica y atemporal, Stewart plantea una paleta de colores planos que sin embargo resaltan los numerosísimos momentos gores que Skroce añade a su historia. Este comic creo que entra dentro de la categoría «alimenticia», pero Stewart cumple como siempre con lo que la historia y el dibujo necesitaban.
Como en la miniserie original, B. es una fuerza de la naturaleza que no tiene sensación de amenaza ante nada de lo que se enfrenta, lo cual es el principal problema no tanto de este comic, sino del concepto creado por Keanu Reeves y Matt Kindt. Ya no es que se enfrente él sólo contra un ejército sin problemas, es que ni siquiera Cthulhu resulta más una leve molestia de la que desembarazarse. Dentro de saber donde me metía y disfrutar del gore y la salvajada, que B. sea tan super poderoso hace que el comic no sea todo lo chulo que hubiera podido ser en otras circunstáncias. En todo caso, como digo el concepto es el que es, no se puede cambiar a mitad de partida.
BRZRKR Poetry of Madness en todo caso es un comic que va al grano y que ofrece un entretenimiento super gore que gustará a los aficionados a las historias de acción. Por supuesto, no busques profundidad de personajes ni cada que se le parezca, aunque Skroce sí consigue plantear momentos de humor irónico que me parecen muy adecuados con el tipo de historia que plantea. Por estos motivos tengo que decir que me ha gustado, pero tampoco me ha flipado este comic. Pero tengo claro que me ha dado el nivel de salvajismo que nadie más me puede dar ahora mismo en un comic mainstream, así que no tan mal.
Comparto páginas de este comic:
BRZRKR Poetry of Madness nos da lo que promete, una orgía de sangre y destrucción super over-the-top. Si venías buscando eso, lo vas a disfrutar mucho, si esperas algún tipo de historia compleja has venido al lugar incorrecto. De ti depende.
PUNTUACIÓN: 6.5/10
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Aprovechando mis vacaciones en Londres compré el primer número de la nueva serie Conan The Barbarian en Titan comic, realizado por el equipo super estrella formado por Jim Zub, Roberto de la Torre y José Villarrubia. Y me he encontrado la promesa de la que puede ser una etapa para el recuerdo.
PUNTUACIÓN: 8.5/10
El legendario Conan de Robert E. Howard regresa en una nueva historia de valentía y heroísmo.
Años después de la batalla de Venarium, un cansado Conan regresa a su tierra natal en busca de descanso y soledad. Sin embargo, un misterioso explorador llega a caballo para advertir a los cimerios de una amenaza inminente procedente de las tierras salvajes de los pictos. ¿Serán capaces Conan y su nuevo aliado de contener a esta nueva horda de invasores?
Marvel Comics perdió por segunda vez su licencia de Conan el año pasado, y había expectación por saber quien la iba a explotar. Titan Comics no es una editorial importante o conocida, pero su apuesta por traernos a un Conan canónico que no resultara rompedor respecto a la versión canónica que todos los lectores tenemos del personaje, que para mi es la de John Buscema, no podía resultar más correcta para mi.
El equipo elegido por Titan Comics ha sido el segundo gran acierto de la editorial. El canadiense Jim Zub es un currante del mundo del comic, con más de 20 años de experiencia en el medio. Reconozco que nunca le he visto como un escritor hot, de hecho trabajó en algunos comics de la última etapa de Conan en Marvel que me parecieron bastante normalitos, pero si es un escritor cumplidor al que la fantasía y el D&D siempre le ha apasionado. Dentro de sus obras de creación propia puedo destacar Skullkickers (2010), Wayward (2014) y Glitterbomb (2016) para Image Comics, y escribiendopara Marvel ha realizado etapas para Thunderbolts (2016), Uncanny Avengers (2017), Avengers: No Surrender (2018) y Champions (2018) entre otras.
Roberto Rob de la Torre es un artista español nacido en Madrid que lleva trabajando también 20 años para la industria americana. En Marvel trabajó en Ms. Marvel. Iron Man: Director de SHIELD, Thunderbolts, Capitán América y Daredevil entre otros. También ha trabajado en Valiant y Dark Horse entre otras editoriales. Su Conan me parece perfecto, entre otros motivos por el color deJosé Villarrubia.
José Villarrubia es un artista, fotógrafo y profesor también nacido en Madrid y que es uno de los coloristas más reputados del medio, con demasiados trabajos en sus haber como para resumirlos aquí. Destacar que ha trabajado entre otros muchos con Alan Moore, Paul Pope, J.H. Williams III, Bill Sienkiewicz, Kaare Andrews, Jeff Lemire o Richard Corben entre otros, siendo el segundo volumen de Arrowsmith de Kurt Busiek y Carlos Pacheco uno de los últimos comics que compré con color suyo.
Intento no comprar grapas USA porque luego siempre es un trastorno encontrar los siguientes ejemplares. Sin embargo, cuando vi este Conan The Barbarian en Forbidden Planet en Londres no me pude resistir. Empezando por la portada de Roberto de la Torre que compré y que incluyo en esta reseña, que no es la oficial del comic pero sin duda es la que más me gusta a mi. Esta imagen de Conan peleando contra zombies me atrapó y me devolvió a la niñez cuando las portadas de Conan siempre destacaban entre el resto de comics del kiosko.
Jim Zub hace algo muy interesante para mi, y es empezar esta etapa con un Conan adulto que va a vivir una aventura a lo largo de varios números y que desde luego no necesita presentación para aquellos que compremos este comic. Para los completistas y los amantes de la cronología sitúa esta aventura después del saqueo de Venarium, pero en estas pocas páginas ya nos muestra lo principal de su figura. Empezando por meterse en peleas de bar para echar en cara a un líder de un grupo su cobardía tras una batalla reciente, lo que resalta que Conan puede ser un bárbaro, pero sin duda tiene su propio código de honor.
El ataque de un horda de zombie ofrece la amenaza que Conan necesita en una historia de este tipo y nos presenta a Brissa, una picta de la tribu de Gurian que va a ser una estupenda compañera de aventuras para el cimmerio. Para ser un comic de 22 páginas con un montón de acción la historia lleva un tiempo leerla, y la verdad es que el texto da mucha información sin dar nunca la sensación de ponerse entre el lector y el dibujo de de la Torre y Villarrubia. Además, el cliffhanger con el que nos deja el comic convierte la lectura del segundo número en lectura obligada. La verdad es que no se le puede pedir nada más a un primer número de una nueva colección.
Y si la historia de Jim Zub cumple, la verdad es que el gran éxito del comic lo ofrece Roberto de la Torre junto a José Villarrubia. Su Conan parece hijo del mejor Buscema, con un Conan que transmite su potencia física desde la primera viñeta y que te atrapa hasta el final. La narrativa de de la Torre es perfecta, con un uso magnífico de las splash-pages. El color de Villarrubia transmite además el feeling de aventura épica atemporal que hace que este comic de 2023 podría haberse publicado hace 20 años y seguiría siendo perfecto, y creo que dentro de otros 20 años seguiremos disfrutándolo y no habrá envejecido nada, luciendo espectacular como la primera vez que lo leí.
Lo único malo de este comic es que se acabó y ahora tengo que ver cómo me las arreglo para comprar el siguiente número USA, y luego el siguiente… Esta etapa creo que plantea una vuelta a las esencias sin necesidad de recontar ninguna novela que ya han sido adaptadas en infinidad de ocasiones, con lo que la idea que no vamos a ver una repetición de historias ya conocidas me gusta mucho también de este arranque. Por cierto, que me han gustado los álbumes de Planeta de Conan el Cimmerio con las versiones europeas de las novelas de Howard, pero los cambios en la apariencia gráfica de Conan es lo peor que llevo de esos comics, y tener esta versión tan Buscema me parece una pasada. Y me gustó el Conan de Jason Aaron y Mahmud Asrar en Marvel, pero que tengamos una historia nueva que no parezca el greatest-hits que planteó Aaron también me gusta mucho.
Comparto algunas páginas del comic:
Conan The Barbarian no podía empezar mejor su aventura en Titan Comics, con un primer número modélico que nos promete el retorno a la grandeza del personaje.
PUNTUACIÓN: 8.5/10
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The Bear ha vuelto con una brillante segunda temporada diferente de la inicial pero con todo el carisma y el corazón que han convertido esta serie en una de las mejores de la televisión.
PUNTUACIÓN: 8/10
The Bear sufre una transformación en su segunda temporada, y no sólo porque el restaurante pase de ser un local de bocadillos de la vieja escuela a un establecimiento de alta cocina. A lo largo de los 10 episodios -que siguen a Carmy (Jeremy Allen White), Sydney (Ayo Edebiri) y la misión del equipo de reabrir el antiguo Original Beef de Chicago en un plazo de tres meses-, la serie se centra en la transformación del restaurante pero también e las personas que trabajan en él.
The Bear ha sido creado por Christopher Storer, un productor, director y guionista de cine estadounidense conocido antes de The Bear por Ramy, Eighth Grade y el especial de Netflix ganador del premio Peabody Hasan Minhaj: Homecoming King. La primera temporada de la serie ganó 3 premios Emmy, y en esta segunda temporada Storer dirige 7 de los 10 episodios. Joanna Calo, la showrunner de la serie junto a Storer, dirige 2 episodios además de escribir varios episodios en solitario y junto a Storer.
En los papeles principales encontramos a Jeremy Allen White interpretando a Carmen «Carmy» Berzatto, una galardonado chef de alta cocina de Nueva York que regresa a su ciudad natal, Chicago, para dirigir el restaurante en decadencia de su difunto hermano Michael. Ebon Moss-Bachrach es Richard «Richie» Jerimovich, el gerente de facto del restaurante y antiguo mejor amigo de Michael, considera a Carmy su «primo» aunque no tienen relación familiar. Ayo Edebiri es Sydney Adamu, una talentosa pero inexperta chef que se une a The Beef como su nuevo sous chef a las órdenes de Carmy. Lionel Boyce es Marcus, el panadero de The Beef convertido en pastelero gracias al impulso de Carmy. Liza Colón-Zayas como Tina, una veterana y obstinada cocinera del restaurante y Matty Matheson como Neil Fak, un amigo de la infancia de los Berzatto, y a veces manitas del restaurante también tendrá su importancia en esta temporada. Por último, Abby Elliott como Natalie «Sugar» Berzatto, la hermana menor de Carmy y Michael y copropietaria de The Beef que dará un paso adelante durante durante la reforma del restaurante, mientras que Oliver Platt como Jimmy Cicero, tío de los hermanos Berzatto y principal inversor en el restaurante al que se le debe un montón de dinero, completan este reparto coral.
En esta segunda temporada hemos conocido a Molly Gordon como Claire, una amiga de la infancia de los Berzatto, de la que Carmy estaba enamorada cuando era adolescente. Y también a un montón de invitados de excepción como Jamie Lee Curtis como Donna Berzatto, la madre de Carmen y Nat, Gillian Jacobs como Tiffany Jerimovich, ex-mujer de Richie, Bob Odenkirk como el «tío» Lee Lane, el intrigante novio de Donna y socio de Cicero y del difunto padre de los Berzatto. Sarah Paulson como Michelle Berzatto, prima de Michael, Carmy y Natalie. John Mulaney como Stevie, el novio de Michelle, Robert Townsend como Emmanuel Adamu, el cariñoso y comprensivo padre de Sydney, Olivia Colman como Chef Terry, la chef ejecutiva de Ever, el restaurante de alta cocina donde Richie va a aprender, Will Poulter como Luca, un chef de postres de Copenhague que entrena a Marcus. Y, por supuesto, el regreso de Jon Bernthal como Michael «Mikey» Berzatto, el difunto hermano de Carmy y Nat, que luchó contra la adicción a las drogas antes de suicidarse cuatro meses antes de los acontecimientos de la serie.
The Bear ha cambiado de forma super interesante en esta temporada. Frente al frenetismo de la cocina de la primera temporada ahora los Berzatto se enfrentan al mundo de las reformas integrales de un local que se cae a pedazos. Carmie se debate por su obsesión con que todo sea perfecto con la necesidad de confiar en sus socios del restaurante, y a esto se sumará su inesperado reencuentro con su amiga de la infancia Claire. La posibilidad de ser feliz en una vida privada hasta ahora inexistente para Carmie será un tema importante también de la temporada, algo que se ha negado toda su vida.
The Bear ha aumentado de 8 a 10 episodios en esta temporada, y es una duración super ajustada teniendo en cuenta la naturaleza coral de la serie y como todos los personajes tendrán ocasión de brillar. El episodio de Marcus en Copenhagen aprendiendo a hacer postres de un chef conocido de Carmie, interpretado por Will Poulter me encanta. Tina va a escuela de cocina con jóvenes que podrían ser sus hijos. El protagonismo de Sydney mientras decide cual será el menú que va a preparar el restaurante es fundamental, ya que descubrimos el complejo mundo de la restauración en Chicago (y en general en todos lados), con negocios abriendo y cerrando por todos lados. Ver a Natalie embarazada hacerse cargo de la reforma del restaurante. Todo el reparto se sale en estos episodios, con unos actores en estado de gracia que sudan verdad en todo momento y son el pegamento que mantiene unida a la serie.
De los momentos de los secundarios destacaría el séptimo episodio, en el que Richie va a trabajar como pinche una semana en Ever, uno de los mejores restaurantes del mundo, que me parece una maravilla. Con el plus de tener a Olivia Colman en una escena tremenda. La forma en que este chulo que nunca supo en qué era bueno aprende la importancia del servicio y de darlo todo por los clientes y por el restaurante, poniéndolos a ambos delante de tus necesidades, es un momento definitorio del personaje y de la fuerza de la serie. Porque la idea de las segundas posibilidades y que todos podemos mejorar es un concepto muy potente en The Bear y que deja una impronta de positivismo que me encanta.
Pero ante todo The Bear es un drama familiar, y el sexto episodio «Peces» en el que vemos una cena de navidad de la familia Berzatto antes de la muerte de Mickey es uno de los grandes momentos televisivos del año. Un episodio de más de una hora de duración, el doble de lo habitual, que explica una parte de la locura que vive la familia Berzatto. La sorpresa de todos los cameos me flipa, pero la interpretación de Jamie Lee Curtis como la matriarca de los Berzatto es uno de esos personajes que se recuerdan mucho tiempo.
La primera noche del restaurante dedicado a la familia y amigos que vemos en el último episodio ofrece el nivel de adrenalina y frenetismo que se espera de la serie, con muchos momentazos que se esperan en el climax de la temporada. Ver a Richie tomar el mando demostrando su valía a partir de lo que aprendió es un gran momento que me ha flipado. También ver a la familia y amigos del grupo disfrutar de la cena es super emocionante, con el doloroso plus de la visita de la madre de Carmie y Nat. Además, la serie también se encarga de resaltar la dureza del mundo de la restauración, con muchos buenos restaurantes que acaban cerrando al cabo de unos pocos meses y años por la dificultad de ser rentable. El futuro de The Bear es complejo, y más con el dramático final de la temporada, que ha sido como un puñetazo en el estómago.
Otro de los elementos destacados de la serie es su increíble selección de canciones, empezando por New Noise de Refused, el tema que añadía la sensación de urgencia en la cocina que conocimos desde el primer episodio de la serie. Pearl Jam, Wilco, R.E.M., Counting Crows, Fine Young Cannibals, Otis Redding, Smashing Pumpkins, The Replacements, Ramones, Weezer, Taylor Swift, Pretenders, Nine Inch Nails, AC/DC forman entre otros muchos temas la fantástica banda sonora de la temporada.
Si tengo que comentar algo menos bueno de The Bear es que el final de la temporada no me ha dado sensación de terminar ningún capítulo. Si, la obra del restaurante ha terminado y The Bear ha abierto sus puertas, ya veremos por cuanto tiempo, pero el drama que plantean a costa de Carmie me parece un momento muy cruel. Y es que hay un elemento que para mi es clave que es que una persona puede ser un chef brillante pero eso no significa que deba ser un buen manager o un director de obra competente. Esto es puesto de relevancia una y otra vez en la temporada a costa de Carmie con la excusa de la puerta del frigorífico rota que hay que reparar y él dice que va a llamar en seguida para que se repare. Una y otra vez hasta llegar al momento clave de este episodio.
Otro elemento recurrente de la cultura anglosajona es la idea que una persona NO puede ser feliz en su vida personal y al mismo tiempo tener una profesión exitosa, en este caso aplicado a Carmie y el exigente mundo de la restauración. Pero al mismo tiempo Claire es doctora de urgencias y también tiene unos horarios loquísimos y sin embargo puede y quiere tener una vida personal. Esta idea me parece super perniciosa, y la forma en que han hecho sufrir a Carmie, dentro del obvio elemento de drama televisivo, me parece tremendo.
Por cierto, que se me escapó en el primer visionado, pero lo de Carmie me ha vuelto loco, pero la escena de Marcus contento por haber sacado el servicio que no ha visto las numerosas llamadas de la cuidadora de su madre me parece también otro momento super cruel que refuerza la idea que si quieres tener una profesión exitosa no puedes tener vida privada, una idea con la que no puedo estar de acuerdo.
The Bear fue renovada para una tercera temporada. Es posible soñar con un final feliz, porque estos personajes sin duda lo merecen. Los Berzatto son raros y disfuncionales, pero son todo corazón y me parece que este drama profundamente humano se ha mantenido como uno de los tops televisivos de este 2023.
Comparto el trailer de este segunda temporada de The Bear:
The Bear me ha gustado mucho mucho excepto el final. Espero que estrenen pronto la tercera temporada, porque las cosas no pueden acabar así para el disfuncional Carmen Berzatto y su familia y amigos, todos merecen un final feliz.
PUNTUACIÓN: 8/10
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