Crítica de La muerte de Estela Plateada 2 de Greg Pak y Sumit Kumar (Marvel Comics – Panini)

Segundo número de la miniserie La muerte de Estela Plateada, con Greg Pak, Sumit Kumar y el color de Frank D´Armata.

PUNTUACIÓN: 7/10

Estela Plateada, temido y odiado por los humanos a los que su corazón anhela ayudar, se enfrenta a un sinfín de rivales empeñados en su aniquilación total. Pero en su arrogancia y codicia por un poder sin explotar, la humanidad despierta una antigua amenaza surgida de Galactus.

El primer número de la miniserie La muerte de Estela Plateada me dejó intrigado y con ganas de más. El comic nos presentó a la Oficina de Neutralización Alienígena (ONA), una organización dedicada a acabar con aliens que amenazan la Tierra. La mejor asesina de ONA es la Comandante Kelly Koh, una mujer que se intuye que tiene un trauma probablemente debido a que algún alien mató a alguien de su familia. Y aunque desde el principio tenemos claro que el Director Harmon, el empresario dueño de O.N.A., es malvado y sólo busca conseguir más poder, no salvar a los inocentes, parece que a Koh le da igual mientras ella consiga la venganza que busca.

En este segundo número asistimos al plan de Harmon, que pasa por absorber energía del ¿cadáver de Galactus? para sus propios fines. Mientras, Koh tiene la misión de apresar y tal vez matar a Skaar, el hijo de Hulk. Algo que puede conseguir gracias a la potencia de fuego alienígena que controla ONA. Aunque esta misión parece ser una cortina de humo para que Estela no pueda impedir la misión de Harmon en el cadáver de Galactus. Dado que se trata de una miniserie de 5 números, Pak va a tope y no tiene ni un segundo de respiro.

El dibujo de Sumit Kumar con color de Frank D´Armata me ha gustado menos respecto a la grapa inicial. No diré que es malo, pero la historia de Greg Pak ofrece varios momentazos de WHOA!, y los lápices de Kumar hace que simplemente estén bien. Se que Estela Plateada no es un superventas, nunca lo fue, pero en realidad creo que este personaje y la historia que se supone están contando, la muerte de Norrin Radd, merecían un dibujo mejor. Lo que SI me está flipando son las maravillosas portadas de Dike Ruan. La primera me voló la cabeza, y esta segunda me parece super icónica también.

Reconozco que no siendo un mal comic, la lectura de esta grapa me deja con la sensación que este comic me debería estar gustando mucho más de lo que lo ha hecho. Está claro que el dibujo tiene mucha importancia en esta apreciación, pero también espero que Greg Pak ofrezca una historia satisfactoria. A ver qué tal el próximo número.

Comparto las primeras páginas del comic:

La muerte de Estela Plateada está bien, pero tengo que reconocer que ha bajado un poco el nivel respecto a su notable primer número.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Crítica de Void Rivals 19-24 de Robert Kirkman y Conor Hughes (Image Comics)

Void Rivals de Robert Kirkman ha estrenado nuevo dibujante en el cuarto volumen que comprende los números 19-24, Conor Hughes. Un dibujante brillante que nos ha hecho olvidar a Lorenzo de Felici.

PUNTUACIÓN: 8/10

¿COMPLETARÁN SOLILA Y DARAK SUS MISIONES?

Después de todo lo que han hecho juntos, ahora Solila y Darak están solos. ¿Podrán encontrar el camino de vuelta el uno al otro? Mientras tanto, los secretos de Skuxxoid se revelan… justo a tiempo para que el infame Wreck-Gar y los Junkions lleguen al Anillo Sagrado. El revolucionario equipo formado por Robert Kirkman (The Walking Dead, Invincible) y Conor Hughes (White Ash) continúa su aclamada serie explorando los rincones más inesperados del universo Energon.

Una de las cosas que más me gustan de Robert Kirkman es la forma que tiene de romper las expectativas manteniendo a la vez la lógica de las dinámicas que ha planteado. Un ejemplo perfecto es el número 19 con el que se inicia este cuarto volumen en el que conocemos la sorprendente historia de Skuxxoid, el secundario de esta serie que durante muchos números no estaba claro por qué Kirkman estaba dando tanta importancia en la serie. Aparte que ¿No estaba muerto? La historia de Skuxxoid y la forma en que Kirkman ha conseguido convertirle en uno de los personajes favoritos de esta serie es un ejemplo maravilloso de la magia que Kirkman ofrece en cada grapa. Aparte de servir para que los lectores descubramos que la galaxia está poblada por muchos más que los humanos y los robots de Cybertron.

En la parte principal, el final del tercer arco de Void Rivals nos dejó con el cliffhanger del posible enfrentamiento entre Darak y Solila, aparentemente situados de nuevo en bandos opuestos. Sin embargo, cuando llega el momento de combatir, lo que plantea Kirkman es lógico y coherente, con personajes que creen que tienen razón, pero pueden estar equivocados. La forma en que Kirkman ha llevado la trama de Goliant, el ser atrapado en el agujero negro que rodea el anillo donde viven los Zertonios y los Agorrianos, y como el objetivo de Zerta Trion es despertarle ahora para poder matarle mientras está débil, me parece super acertado.

Este arco vuelve a tener un montón de acción pero también sucesos que alteran el mundo para siempre. Empezando por el descubrimiento de los Quintessons del anillo donde está prisionero Goliant, lo que nos llevará al siguiente arco, «The Quintesson War», cuyo título no deja lugar a la duda. La forma en que Kirkman empezó una historia que parecía pequeña inspirada en la película Enemigo mío, y ha ido ampliando el universo y las amenazas a las que Darak y Solila tendrán que enfrentarse, me parece brillante.

Cuando un comic pierde al creador que le dio la personalidad gráfica, siempre sufre. Sin embargo Kirkman en su faceta editor ha encontrado oro con Conor Hughes, el nuevo dibujante de la serie. Hughes añade una expresividad a los protagonistas que me gusta mucho, y su fluidez narrativa en las escenas de acción son también un acierto total. Junto al color de Patricio Delpeche, me parece que es la primera vez en muchos años que un artista de reemplazo me gusta casi más que el creador de la serie. Esto dice mucho y todo muy bueno de la calidad que Hughes ha traído a la colección. Aunque Hughes no va a dibujar The Quintesson War, me gusta que Kirkman ya haya anunciado que Hughes volverá a dibujar a partir del número 31, lo que significa que va a dar margen de sobra para que pueda ofrecer su mejor trabajo mientras esté trabajando en Void Rivals. Esta forma de proceder me parece perfecta, ya me gustaría que Marvel planteara algo así para sus colecciones regulares.

Para Kirkman no existen los fill-ins. Todos los números son importantes. Da gusto leer un comic a ritmo mensual cuando el escritor tiene muy claro la obligación de ofrecer un entretenimiento satisfactorio TODOS los meses que te hagan querer volver a por más el mes siguiente. Y Void Rivals es eso y mucho más. El final de este arco nos sitúa en el comienzo de la Quintesson War en el número 25, que será el quinto y apasionante arco de la serie. Una serie que no deja de reinventarse y crecer con cada arco. Y creo a Kirkman cuando comenta en las páginas finales que por él estaría escribiendo Void Rivals durante muchos años, sin un final a la vista a corto plazo. Cuando lees un comic tan bueno, esa noticia me parece una pasada.

Comparto las primeras páginas del número 20 USA:

Void Rivals está siendo uno de los comics más sorprendentes y entretenidos que estoy leyendo en la actualidad. ¡Y el futuro pinta aún mejor!

PUNTUACIÓN: 8.5/10

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Crítica de La larga marcha de Francis Lawrence

La larga marcha es una adaptación de una novela de Stephen King, dirigida por Martin Lawrence (Constantine, Soy leyenda, Los juegos del hambre).

PUNTUACIÓN:8/10

En un futuro distópico, cien adolescentes participan en una brutal competición conocida como «La larga marcha», donde deben caminar sin descanso: si se detienen o reducen la velocidad de la marcha, mueren. Solo uno sobrevivirá. Adaptación cinematográfica de la novela de Stephen King.

Francis Lawrence (Viena 1971) es un director y productor de cine estadounidense. Tras consolidarse como director de vídeos musicales y anuncios publicitarios, Lawrence debutó como director de largometrajes con Constantine (2005). Desde entonces, ha dirigido Soy leyenda (2007), el drama romántico Agua para elefantes (2011), y la serie de películas de Los juegos del hambre (2013-presente). Además, dirigió el thriller de espionaje Red Sparrow (2018), que me gustó mucho.

La larga marcha es una novela de Stephen King que J.T. Moliner se ha encargado de adaptar para este versión cinematográfica. La película de 108 minutos de duración y un presupuesto de 20 millones de dólares ha contado con fotografía de Jo Willems, montaje de Mark Yoshikawa y música de Jeremiah Fraites.

La película tiene un reparto joven formado entre otros por Cooper Hoffman como Raymond «Ray» Garraty (n.º 47), David Jonsson como Peter «Pete» McVries (n.º 23), Garrett Wareing como Billy Stebbins (n.º 38), Tut Nyuot como Arthur «Art» Baker (n.º 6), Charlie Plummer como Gary Barkovitch (n.º 5), Ben Wang como Hank Olson (n.º 46), Jordan Gonzalez como Richard Harkness (n.º 49), Joshua Odjick como Collie Parker (n.º 48). Junto a ellos Mark Hamill interpreta al Mayor.

Stephen King escribió esta novela a finales de los años 60, siendo publicada en 1979. Me resulta muy curioso descubrir que esta historia de King es previa, y posiblemente influyó, en muchas obras posteriores que han adquirido una enorme popularidad, como por ejemplo Battle Royale (Koushun Takami, 1999) y Los juegos del hambre (Suzanne Collins, 2008,–). Leo que King se inspiró en el drama de Vietnam en el que miles de jóvenes se veían obligados a ir a morir a una tierra lejana por un sistema que no habían elegido y no podían cambiar.

La película ofrece una visión nihilista y sin esperanza del futuro de los Estados Unidos. Tras una guerra civil, el país está sumido en la pobreza y es controlado por un régimen militar totalitario que ha limitado las libertades y prohibido la literatura y todo aquello que ellos consideran anti-patriota. En este mundo de pobres, todos los años se hace una competición con 50 jóvenes elegidos por sorteo, uno por cada estado. El juego es sencillo, andar por encima de los 5 km por hora hasta que sólo quede uno. El ganador podrá elegir el premio que prefiera. Los demás serán asesinados uno a uno.

El tema es tremendamente dramático, y el director Francis Lawrence no duda en mostrar muchas de las ejecuciones con todo detalle, viendo como soldados pegan un disparo en la cabeza al joven que se para. Hay muchos momentos tremendos, y en cierto sentido puede decirse que Lawrence se recrea con esta violencia del estado opresor hacia jóvenes que no pueden hacer nada para evitarla.

Sin embargo, lo que más me ha gustado de La larga marcha es que Lawrence plantea la historia como una celebración de la amistad y del espíritu humano incluso en las peores circunstancias. Aunque los participantes saben que sólo uno va a sobrevivir y todos los demás van a morir, la historia no plantea una rivalidad para ver quien gana la carrera, sino un intento sincero de los protagonistas por ser buenas personas y ayudar al que tienen a su lado, si está en su mano hacerlo.

Los regímenes totalitarios como el comunismo se aprovechan de la desigualdad del poder del estado, con su policía y ejército opresores, contra el individuo que no puede hacer nada contra ellos para defenderse. En este sentido, los participantes nos plantean que cuando el sistema es corrupto, en realidad nadie participa por voluntad propia, aunque quieran pensar que es así. Y por tanto, aunque no sirvan de nada hay que celebrar los pequeños actos de desafío que puedan realizar a lo largo de sus vidas.

Martin Lawrence triunfa absolutamente con La larga marcha. A pesar de ser una película con un argumento sencillo, consigue que la narración sea siempre emocionante, consiguiendo que nunca me aburriera. A pesar que como digo el patrón de andar, hablar entre ellos y que uno de los participantes muera, se repite a lo largo de toda la película. Lawrence realiza unos planos super currados que resaltan el drama tremendo que viven los chavales con la celebración de la amistad y la camaradería incluso en la peor de las circunstancias, como vemos aquí. Su dirección me parece notable, consiguiendo que la película tenga drama, emoción y mucha incertidumbre ante el desenlace de la película.

Los chavales protagonistas me han gustado mucho. La película se apoya en la amistad que entablan Ray (nº 47, interpretado por Cooper Hoffman) y Pete (Nº23, David Johnson). Ambos están increíbles y transmiten una humanidad y unas ganas de sobrevivir que me parecen increíbles. Cuando veo la metáfora del Vietnam que planteaba King en su novela, puedo sentir la conexión con los pelotones de soldados formados por personas muy diferentes de diferentes partes de los Estados Unidos que lucharon por sobrevivir y crearon vínculos para toda la vida entre ellos.

Ben Wang (protagonista de Karate Kind Legends) es Hank (nº46) y Tut Nyuot interpreta a Art (nº6). Ellos 4 formarán «Los mosqueteros» que intetarán ayudarse durante la marcha. Todos los chavales están geniales transmitiendo lo que la historia necesita de cada uno de ellos, ya sean algunos momentos divertidos, dramáticos o directamente terroríficos cuando todos vayan muriendo.

La sorpresa de la película es ver a Mark Hamill (Luke Skywalker) interpretar al Mayor, el villano de la película. No vi la película en versión original, así que no pude disfrutar de la voz de Hamill, pero creo que es un buen villano que representa lo más aterrador de los totalitarismos que convierten a seres mediocres en líderes que pueden decidir la vida y la muerte de seres humanos por motivos totalmente egoístas. El Mayor no es un gran hombre, pero su voluntad es ley, lo que le convierte en un ser terrorífico. Hamill lo hace genial, lo que hace que me pregunte qué pasó para que Hamill estuviera fuera las películas durante varias décadas, limitando su aparición a la del doblaje de series de animación como la de Batman: The Animated Series. Igual algún día lo descubriré.

La música, el montaje y la fotografía de La larga marcha me parecen sobresalientes. Reconozco que es una historia que hay que ver con el estado mental adecuado, porque el drama y la muerte sin sentido es la constante de la película. Pero que en medio de esta historia de terror los chavales decidan intentar ser buenas personas lo cambia todo. Incluso en un sistema corrupto como este ofrece un rayo de esperanza. Uno muy pequeño, pero ahí está.

El final es sorprendente y me ha gustado. No voy a spoilearlo porque creo que merecéis llegar sin que os chafen esta sorpresa. Las historias de los protagonistas y sus motivos para apuntarse a la carrera son super emocionantes. Aunque el final podría decirse que rompe con el intento de ser buenas personas, de alguna manera es el único posible para dejar una cierta sensación satisfactoria, dentro de lo horroroso que es todo. Y que en realidad no está en su mano cambiar la dictadura que controla el país. Me he enterado que Lawrence ha cambiado el final respecto a la novela de King, pero me gusta. Y además podría ser que plantea un última escena metafórica que implica más de lo que la imagen muestra, que en ese caso si está copiado del final de King.

No sabía qué esperar de La larga marcha, pero me ha parecido una película super emocionante y recomendable.

Comparto el trailer de la película:

La larga marcha me ha gustado mucho. Dentro de lo macabro de la temática, su historia de superación y de amistad me ha emocionado.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Ice Cream Man vol. 11 de W. Maxwell Prince y Martín Morazzo (Image Comics)

Ya tenemos cuatro nuevas historias en Ice Cream Man, el indescriptible comic del escritor W. Maxwell Prince, el artista Martín Morazzo y Chris O´Halloran en el color. Como siempre, una experiencia única en el mainstream americano.

PUNTUACIÓN: 8/10

¿Qué es exactamente el «terror»? Me temo que aquí no encontrarás las respuestas. (Espera… ¿ME TEMO? ¡No, qué va! Aunque… hay cuatro historias más del Ice Cream Man en este undécimo volumen… y esas cosas siempre me dejan un poco ATORMENTADO, por así decirlo. Quizás SÍ que tengo miedo. Quiero decir, hay una historia de espías de Graham Greene con un espantoso monstruo bovino; una historia de una casa encantada llena de microfichas; una entrada especial con estrellas que incluye historias de una página de escritores como GRANT MORRISON, PATTON OSWALT, MATT FRACTION, KELLY SUE DECONNICK y muchos más. Ah, y no me olvido: ¡la evaluación del rendimiento de Craig! ¡Uf! ¿Sabes qué? Retiro lo dicho: estoy totalmente, inequívocamente horrorizado. Y sí, tal vez no sé exactamente lo que eso significa, pero mira los pelos de mis brazos… ¡están erizados! ¡Disfrútalo!

Este volumen 11 recopila ICE CREAM MAN #40-44 USA.

W. Maxwell Prince escribe en Brooklyn y vive con su esposa, su hija y dos gatos llamados Mischief y Mayhem. Es autor de ONE WEEK IN THE LIBRARY (Image), The Electric Sublime (IDW) y Judas: The Last Days (ibíd.). Cuando no está escribiendo, intenta plasmar toda la experiencia humana en forma de gráficos.

El artista argentino Martín Morazzo hizo su gran debut en los cómics estadounidenses con la saga de ciencia ficción ambiental de 2012, Great Pacific, la primera serie de Image Comics que co-creó con Joe Harris. Desde entonces, Martín ha co-creado Snowfall, una epopeya de ciencia ficción, nuevamente con Joe Harris e Image Comics, y la elegante serie de aventuras criminales, The Electric Sublime, con el escritor W. Maxwell Prince en IDW Publishing. Ice Cream Man, su nueva colaboración con W. Maxwell Prince, está siendo publicada por Image Comics. She Could Fly, una miniserie con el escritor Christopher Cantwell, co-creador y showrunner de Halt and Catch Fire de AMC, y la editora Karen Berger, también está siendo publicada por Berger Books, una editorial de Dark Horse Comics.

Ice Cream Man es un tortazo de nihilismo y desesperanza para los lectores que estamos enganchados a esta antología de historias indescriptibles que nos muestran lo peor de la sociedad y las pesadillas que acosan a la gente corriente. Uno de las mejores cosas que tiene este comic es su capacidad de sorprender con cada historia. Aunque el tono y el drama existencial predomina en las historias de W. Maxwell Prince, en realidad cada historia es super diferente entre si.

Por ejemplo, en el número 41 tenemos la versión de W.M. Prince de las historias de espías tipo James Bond. Y en muchos aspectos, es como si David Cronenberg hiciera una película de Bond, porque la historia no tiene demasiado sentido. Por cierto, no me ha resultado inesperado que en medio de un nuevo drama existencial Prince presenta una visión idealizada de La Habana. Para sorpresa de nadie, la capital de la Cuba comunista es un lugar maravilloso que lucha por la malvada influencia de los Estados Unidos. Con todo, la locura de este comic me ha resultado super entretenida. Dentro del elemento hililista del conjunto, claro.

El número 42 es otra declaración de intenciones por parte de de W.M. Prince. Horror House plantea «quizá deberiamos hablar de lo que DE VERDAD asusta». Prince plantea una historia que realmente no deje lugar a la duda sobre su posicionamiento político. Y el caso es que creo que no había ninguna duda que el escritor se encuentra a la izquierda del partido demócrata. Algo que no me supone ningún problema, dado que lo importante es la calidad de su trabajo artístico, que me gusta mucho. Pero resulta llamativo que haya leído una historia que plantea que lo que cuente un comic como este nuna puede ser aterrador cuando en el mundo real el cambio climático va a destruir el planeta y Trump es presidente de los Estados Unidos. Planteamientos apoyados por recortes de periódicos reales con noticias publicadas en los USA.

Y digo que es llamativo porque hace apenas unos días salió la noticia que Bill Gates rechaza la visión apocalíptica del Cambio Climático que se ha extendido (en gran parte gracias a él) durante la última década de forma errónea. El mundo NO se va a destruir en este siglo, y sería bueno que el foco cambiara a mejorar la vida de la gente que vivimos ahora. En lugar de buscar convertirnos a todos más pobres para de alguna manera «proteger el planeta». Y conectando esta noticia con Ice Cream Man, tenía claro que W.M. Prince es uno de esos activistas de izquierda que viven asustados por todo pensando que su vida va a acabar porque la civilización occidental está condenada a desaparecer.

Con todo, este número 42 me parece una historia bien planteada y resuelta, con múltiples sorpresas a lo largo de sus 20 páginas. Me ha gustado bastante, la verdad.

El número 43 USA es otro de los regalos narrativos que Ice Cream Man ofrece a sus lectores cada poco tiempo. En el volumen 10 tuvimos la histórica «Descompresión de un accidente» en dos partes. Este número se titula «Historias de terror de una página» y deja claro lo que vamos a encontrarnos. Aparte de W. Maxwell Prince en el guion de algunas páginas y que Martín Morazzo dibuja la mayoría de páginas, Ice Cream Man ha invitado a GRANT MORRISON, PATTON OSWALT, GEOFF JOHNS, KELLY SUE DeCONNICK, JEFF LEMIRE, MATT FRACTION, ZOE THOROGOOD, DENIZ CAMP Y CARLO BARBIERI para que plantean pequeñas historias de terror. Incluso el rotulista Good Old Neon escribe una página de la historia que no necesita dibujos.

Y lo cierto es que estos guionistas invitados ayudan a que el comic tenga historias muy llamativa que ayudan a añadir un sabor especial para un comic que no deja de ofrecer historias sorprendentes y super llamativas.

Por último, el número 44 nos muestra una «Evaluación del rendimiento» en una gran empresa. Otro comic excelente que resalta el sinsentido que existe en las grandes empresas, con normas absurdas y una burocracia que anula al ser humano. Esta comic es un ejemplo perfecto del tipo de historias deprimentes, nihilistas y sin esperanza en los que los personajes muestran lo peor de la condición humana en medio de una sociedad que solo busca su autodestrucción. A pesar de lo que acabo de decir, en realidad tengo que decir que este número me ha gustado mucho.

El dibujo de Martín Morazzo y Chris O´Halloran me parece que está tan acertados como siempre. Nadie como ellos transmiten el drama existencial de estas historias y a unos personajes perdidos, sin esperanza y desamparados ante unos elementos que parece que juegan con ellos. Las expresiones faciales y corporales adquieren una cualidad casi kafkianas en estas páginas, complementando perfectamente a las historias de Prince. Y por si fuera poco, Morazzo se sale en cada uno de los desafíos narrativos que le sugiera el guionista, o tal vez es él el que le sugiere ideas visuales que luego desarrollan hasta tener clara la historia, lo veo como una posibilidad. Pero ya sea una u otra opción, la verdad es que acaban formando una dupla perfecta para el tipo de historias que se plantean en esta antología.

Hay que ir con cuidado con Ice Cream Man y dejar varios meses entre un volumen y el siguiente. O de lo contrario, la sobredosis de desesperanza puede provocarnos una crisis nerviosa o algo peor. Hecha la broma, la verdad es que este comic me da algo que no leo en ningún otro sitio, justificando de sobra su compra. Si buscas comics con historias diferentes, Ice Cream Man sin duda lo es. Eso si, prepárate a leer este comic con el estado mental adecuado.

PUNTUACIÓN:8/10

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Crítica de Predator: Badlands de Dan Trachtenberg

Me gustó mucho Predator: La presa, así que tener la oportunidad de ver la siguiente película en imagen real de Dan Trachtenberg en la franquicia Predator: Badlands, era de visionado obligado en pantalla grande.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Un joven Predator marginado de su clan encuentra un improbable aliado en su viaje en busca del adversario definitivo.

Dan Trachtenberg (1981) es un director de cine y presentador de podcasts estadounidense. Dirigió en 2016 la brillante 10 Cloverfield Lane, que le valió una nominación al Premio del Gremio de Directores de América por Dirección Destacada de un director nobel. Trachtenberg fue uno de los tres presentadores del podcast The Totally Rad Show y fue copresentador del podcast Geekdrome. También dirigió episodios del podcast Ctrl+Alt+Chicken. También el director del cortometraje de 2011 Portal: No Escape, de un episodio de Black Mirror titulado «Playtest» y del episodio piloto de The Boys. En 2021, dirigió el episodio de estreno de la serie de Peacock The Lost Symbol, donde también hace funciones de productor ejecutivo. El éxito volvió a alcanzar a Trachtenberg en 2022 con el estreno en 2022 en Disney+ de la entretenidísima Predator: La presa , que dio un nuevo impulso a la franquicia de Predator. A modo de previa de esta película Disney+ estrenó este verano la película de animación Predator: Asesino de asesinos, que me parece un buen añadido a la franquicia de Depredador.

Además de producirla, Trachtenberg creó la idea de esta película junto a Patrick Aison, que escribió el guión definitivo. La película de 107 minutos de duración y un presupuesto cercano a los 100 millones de presupuesto ha contado con fotografía de Jeff Cutter, montaje de Stefan Grube y David Trachtenberg, y música de Sarah Schachner y Benjamin Wallfisch.

En el reparto tenemos a Elle Fanning interpreta a Thia, una sintética dañada de la Corporación Weyland-Yutani que se alía con Dek (Dimitrius Schuster-Koloamatangi), un joven depredador marginado por ser pequeño.

Predator: Badlands me ha parecido una película super entretenida. Uno de los principales éxitos de la película empieza con la propia premisa, al hacer que un joven Predator (la raza se llama Yautja, pero se me hace raro utilizarlo) se encuentre de cacería en el planeta Genna, en el que todos los seres que lo habitan son igual de peligrosos que él o más. Encontrándose en la cima me la pirámide de depredadores el Kalisk, un ser que generaciones enteras de predators han intentado cazar y han muerto en el intento, hasta el punto que el planeta ha sido renombrado por los Yuatja como «Death Planet». Estamos tan acostumbrados a ver a un predator cazando a gente a lo largo de la historia que este cambio es interesante y coloca a la película en territorio inexplorado.

Dan Trachtenberg plantea además una ampliación tremenda de lo que conocemos de la cultura Yautja, al conocer los motivos que impulsan a Dek a cazar a este ser invencible. De alguna manera y para sorpresa de nadie los Yautja tienen ideas similares a las de los espartanos que descartaban a los recién nacidos que mostraban deformidades al nacer. Y esto provoca un arranque super potente para la película, con una intensidad que en realidad no baja en ningún momento.

Predator: Badlands tiene una duración perfecta de 100 minutos, que sirve para que tengamos mucha acción, sorpresas y traiciones y un climax que me parece estupendo. La conexión que hace Trachtenberg de Predator con el mundo de alien a través de la corporación Weylan Yutami me parece también super acertada. También hay que decir que esta película tiene un estupendo sabor a la serie B, entre otros motivos no teniendo inconveniente de añadir algún que otro elemento «tonto » a la historia, por ejemplo en lo referido al cuerpo de la sintética Thia. Detalles que por otro lado no impiden en absoluto el disfrute de la película.

Me ha gustado Elle Fanning como la sintética Thia. Un papel que viene con sorpresa incorporada. El predator Dek se la encuentra sin piernas tras haber sido atacada por el Kalisk, y convencerá al predator que su conocimiento del planeta y sus habitantes puede serle útil, cosa que se confirmará más adelante. Thia es una sintética dañada que tiene gracia en sus apreciaciones y la forma en que intenta llegar a Dek. Su papel, y sobre todo la sorpresa de la película, son otro de los grandes éxitos de la propuesta planteada por Trachtenberg.

Dimitrius Schuster-Koloamatangi interpreta al Yautja Dek, pero con todo el maquillaje y las prótesis no se le llega a ver, aunque hay que decir que hace una interpretación muy atlética que conecta con lo que se espera de un predator. Aunque no vaya a ser nunca un papel de premio, creo que realiza un trabajo estupendo transmitiendo lo que el personaje alienígena tenía que transmitir en cada momento.

La película tiene un presupuesto de 100 milones de dólares, y la verdad es que hay muchísimo trabajo de efectos especiales con la creación de los distintos reinos alienígenas repletos de hábitats y series peligrosos. El visionado de la película tuvo un gran problema, que comento a continuación, pero visualmente diría que la película luce genial y hará las delicias para todos los amantes de la ciencia ficción. Como digo, la película me ha gustado mucho.

Dentro del disfrute general, si algo menos bueno tengo que comentar es la propia premisa y algunas inconsistencias en la forma en que vemos la sociedad yautja. Por ejemplo, choca un poco que tras ver durante montones de películas que los predators son los principales asesinos de la galaxia por encima de los aliens, resulta que exista un planeta que no se atrevan a pisar. La sociedad Yautja también tiene alguna cosa que no aguanta un análisis demasiado intenso, dentro que como en realidad no hemos visto casi nada de esta sociedad, Trachtenberg tenía via libre para plantear lo que quisiera. En todo caso, estos son detalles menores que como digo no me han impedido disfrutar de la película.

Lamentablemente, tuvimos un problema tremendo con el visionado de la película en los cines Ocines de Castellón. La sala vende una experiencia «Premium» y sus entradas son más caras que las del resto de cines cercanos. Pero su Sala 3 proyectó la película tan oscura, entiendo que debido a que su bombilla ha perdido potencia, por lo que bastantes partes de la película no pudimos verlas en condiciones.

En Disney+ ofrecen un avance de 5 minutos de la película, y la diferencia de lo que vimos en la tele de casa o en el móvil con lo que nos encontramos en los Ocines fue abismal. Y ya no es que la película se viera super oscura, que también, es que entiendo que debido a la falta de intensidad, las imágenes no tenían profundidad ni contraste, con lo que no se distinguían las texturas ni se veían los colores que si vimos en casa cuando volvimos frustrados del cine.

Mi hermano puso una hoja de reclamación, pero me parece lamentable que los cines sepan que están proyectando mal una película y lo hagan igualmente porque el público en general no nos vamos a quejar. De hecho un empleado si reconoció que la película no se había proyecto bien, pero luego bajó la cabeza cuando su jefa le dijo que todo estaba correcto.

Predator: Badlands creo que es una película que hubiera disfrutado muchísimo si la hubiera podido ver en condiciones. De hecho, de alguna manera me siento estafado porque me han hurtado la posibilidad de ver correctamente una película que tenía muchas ganas de ver.

Hablamos del problema de la falta de público en los cines y como la afición cinéfila parece estar herida de muerta. Y una parte está claro que es debido a los cambios en las modas y en la forma en que consumimos el ocio en la actualidad, siempre a través de smartphones. Pero una parte del problema también viene de ir al cine y no tener una buena experiencia, ya sea por la gente maleducada que habla durante la película o enciendo el móvil. Y sin duda porque muchas salas proyectan las películas de forma inadecuada. En mi caso, tengo claro que no voy a volver a pisar la sala 3 de estos cines, y ya veremos si esto no aumenta al cine en su conjunto.

Ya está bastante fastidiado el mundo real como para encima ni nos dejen ver una película en paz. ¡Qué desastre!

Comparto el trailer de la película:

Predator: Badlands me parece una serie B super entretenida. Lástima que la deficiencia de la pantalla donde la vi me privó de disfrutarla en condiciones.

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