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Crítica de The ghost in you – A Reckless book de Ed Brubaker y Sean Phillips

Ya tengo en mis manos The ghost in you, la cuarta novela gráfica de la serie Reckless de Ed brubaker y Sean Phillips, con color de su hijo Jacob Phillips, editada por Image Comics, lo cual es siempre motivo de alegría.

PUNTUACIÓN: 8/10

Ya está aquí el cuarto libro de la exitosa serie RECKLESS. Los maestros del crimen negro ED BRUBAKER y SEAN PHILLIPS presentan otra novela gráfica original protagonizada por el alborotador a sueldo Ethan Reckless. Es el invierno de 1989 y Ethan está fuera de la ciudad, así que esta vez, Anna tiene que afrontar el trabajo por su cuenta. Cuando una reina del cine le pide que demuestre que la mansión que está renovando no está embrujada, Anna se verá envuelta en el misterio de décadas de una de las casas de asesinatos más infames de Hollywood… un lugar con muchos secretos oscuros, algunos de los cuales podrían matarla. Otro éxito de los galardonados creadores de Pulp, Mis héroes siempre han sido yonkis, Criminal y Kill or be killed, ¡y una obra imprescindible para todos los fans de ED BRUBAKER y SEAN PHILLIPS!

The Ghost in you es la cuarta novela gráfica de 144 páginas que el dúo Brubaker + Phillips ha publicado en apenas 17 meses, un hito alucinante en el mercado americano, y más incluso si lo comparamos con el mercado europeo en el que con suerte tenemos un tomo al año de los diferentes álbumes. Tras las estupendas Reckless, Friend of the Devil: A Reckless Book, y Destroy all Monsters: A Reckless Book, se nota que Bru+Phillips han buscado con esta historia protagonizada por Anna, la amiga y compañera de trabajo de Ethan, fórmulas para no repetirse y mantener fresca su creatividad.

Brubaker repite la jugada de obras anteriores, aprovechando un caso que enlaza con la historia de Los Angeles para hacer un retrato del protagonista de esta novela gráfica. En este sentido, me gusta la forma en que construye a Anna mientras intenta resolver un problema de una antigua actriz de Hollywood que recuerda a Elvira, Mistress of the Dark, una presentadora de televisión que adquirió cierta fama gracias a su programa emitido entre 1981 y 1988 en la que se emitían clásicos de la Serie B y que llegó a protagonizar una película en 1988.

El caso es realmente la excusa para conocer los problemas de Anna con su madre, que en palabras del propio Brubaker representan a mucha gente de su generación, la primera que tuvo que enfrentarse de forma generalizada al divorcio de sus padres y el descubrimiento que sus padres (en este caso su madre) cometen más errores que los niños, provocando que en muchos casos sean los hijos los que tengan que preocuparse de sus mayores. La narración de Brubaker con la omnipresente voz en off me funciona de maravilla y además de meternos en el mundo de Anna ayuda que la historia se sienta 100% noir.

Me ha gustado mucho The ghost in you y me lo he leído de una sentada, pero también reconozco que el caso que pone en marcha la historia acaba siendo una anécdota menos interesante de lo que pintaba a priori. De hecho, el prólogo que compartiré a continuación es lo más dramático, violento y potente de toda la novela gráfica, invitando a pensar en un tipo de historia que no llegamos a ver. Lo cual reconozco que aparte del carisma de Anna me dejó con sensación de no haberme acertado del todo la historia.

En el apartado artístico, Sean Phillips con su hijo Jacob en los colores transmite que se encuentra super a gusto recreando el mundo de Los Ángeles de los años 80. El personaje de Anna me resulta super interesante, y las páginas de flashback en las que conocemos la historia de la casa encantada y de algunos personajes permiten a los Phillips desplegar toda su potencia narrativa empezando por un uso muy interesante del color y una sucesión de momentos super icónicos. La simbiosis de Sean y su hijo Jacob me parece alucinante, encajando como anillo al dedo, mostrando que Jacob ha crecido profesionalmente leyendo sobre todo a su padre, asimilando y haciendo suyo todas sus virtudes y sensibilidad noir.

Siendo super efectivo, Phillips no es el mejor narrador del medio, las cosas como son. Sin embargo, su estilo de dibujo un pelín estático ofrece una sensibilidad atemporal que consigue sentirse actual y a la vez, dar la sensación que esta novela gráfica podría haberse publicado en los años 90, 80 o incluso en los 70. Y es quizá esta sensación atemporal lo que creo que va a provocar que esta serie Reckless vaya a convertirse en un superventas para la pareja.

De hecho, vistas en perspectiva las cuatro novelas gráficas de esta serie Reckless, me alegro de estar disfrutando la obra de unos artistas en la cúspide de su creatividad, que están sacando el máximo partido a una asociación que para mi es historia viva del comic mainstream americano.

Comparto las primeras páginas de este comic:

The Ghost in You mantiene la solidez de las obras anteriores de la serie Reckless, convirtiendo esta serie de novelas gráficas en compra obligada para todos los fans del género negro.

PUNTUACIÓN: 8/10

Y me alegra que en Octubre Bru+Phillips publicarán Follow me down, la quinta novela gráfica de la serie Reckless, en la que veremos el caso que obligó a Ethan a ausentarse de Los Angeles durante esta historia. ¡Otra compra obligada!! ¡Qué buenos son Ed Brubaker y Sean Phillips!!

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Crítica de Stillwater vol. 2 de Chip Zdarsky y Ramón K. Pérez (Image Comics)

Hoy quiero recomendar el segundo volumen de Stillwater, el estupendo comic de Chip Zdarsky y Ramón K. Pérez, con color de Mike Spicer sobre un pueblo en el que sus habitantes no pueden morir, que está siendo editado por Image Comics, dentro del sello Skybound de Robert Kirkman.

PUNTUACIÓN: 7/10

El caos estalla en Stillwater. Con el juez fuera de servicio, Ted y su milicia asaltan la ciudad y toman el control. Pero en este pequeño pueblo donde nadie puede morir, hay otros dispuestos a ir aún más lejos… «El ritmo, el guión y las ilustraciones son dinamita». -¡Vuelve la sensacional serie de terror de CHIP ZDARSKY (Daredevil) y RAMÓN K PÉREZ (Tales of Sand, Jane)!

Este segundo volumen recopila STILLWATER BY ZDARSKY & PÉREZ #7-12 USA.

El comics de Chip Zdarsky y Ramón K. Pérez fue una de las sorpresas comiqueras del año pasado. La historia de un pueblo en el que por motivos nunca aclarados sus habitantes no pueden morir ofrece una historia muy diferente a lo esperado que tiene claro el elemento de entretenimiento. La historia de Zdarsky no da un momento de respiro y me asombra comprobar lo diferente que el el pueblo de Stillwater tras tan sólo 12 números. De hecho, creo que hay varias situaciones con cambios de status-quo en el pueblo que hubieran agradecido que Zdarsky se hubiera tomado un poco más de tiempo para establecer estos cambios, de forma que no llegamos a saber si son buenos o malos cuando llega la siguiente revolución al pueblo. La historia está bien, pero en cuanto a ritmo, no tienen nada que ver por ejemplo con el Kirkman de The Walking Dead. Y obviamente no tiene porque ser igual a TWD, de hecho claramente Zdarsky transmite que está contando la historia que quiere contar en cada momento, pero me quedo con la sensación que habían muchos elementos interesantes en Stillwater que Zdarsky ha decidido no contar en aras del ritmo non-stop.

Dentro que cuentan la historia perfectamente, el dibujo de Ramón K. Pérez con color de Mike Spicer me ha parecido un poco por debajo de lo esperado, o al menos de lo que recordaba del primer volumen. Sobre todo el color plantea muchas páginas casi monocromáticas, como pueden verse en la preview que incluyo a continuación, lo que genera una elección estilística interesante pero que acaba restando en lo referido a la fuerza dramática de la historia. Junto a esto, me gusta la narrativa de Ramón K. Pérez , pero en varias ocasiones hay personajes que me generan confusión ya que no acabo de reconocerlos, al ser muy parecidos entre si. Dicho esto, no creo ni mucho menos que el arte esté mal, ni mucho menos, pero si que diría que Pérez y Spicer han levantado un poco el pie del acelerador, no se si debido a los plazos de entrega.

Me estoy leyendo y me está quedando una entrada bastante negativa, y lo cierto es que me ha gustado la lectura de este segundo volumen de Stillwater. De hecho, tuve que obligarme a dejar de leerlo y guardarme la segunda mitad para otro día, porque la historia está planteada para leerse de una sentada y resulta super adictiva. Parte de mi afición comiquera la planteo buscando comics diferentes a los de Marvel o DC que me ofrezcan cosas diferentes. En ese sentido Stillwater es puro entretenimiento y no tengo duda que voy a comprar el tercer volumen en cuanto se publique.

Comparto las primeras páginas de este segundo volumen:

Stillwater sigue contando su historia a toda velocidad sin dejar un segundo de respiro. Un comic estupendo a cuya premisa creo que se le puede sacar mucho más jugo.

PUNTUACIÓN: 7/10

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¡Saludos a todos!

Crítica de Die Vol. 3 de Kieron Gillen y Stephanie Hans (Panini)

He vuelto al mundo de Die, el comic de fantasía creado por Kieron Gillen y Stephania Hans inspirado en el mundo de los juegos de rol. Comento mis impresiones del tercer volumen.

PUNTUACIÓN: 7/10

En 1991, seis adolescentes desaparecieron en un juego de rol de fantasía. Solo volvieron cinco. En 2018, cinco adultos se ven arrastrados de vuelta al juego, para descubrir que el sexto quiere que terminen la partida…

En el mundo de DIE, el juego es real y el tablero amenaza con cubrirse de sangre. ¿Quién es la reina y quiénes son sus peones? ¿Quien juega para ganar? ¿Quién ha olvidado para qué está jugando? ¿Y qué harán cuando se les recuerde lo que está en juego? El gran éxito de fantasía oscura aclamado por la crítica se vuelve épico en su tercer volumen.

Kieron Gillen (Once and future, Journey into Mistery, Star Wars) y Stephanie Hans (The Wicked+The Divine, Batwoman) nos transportan a un universo de fantasía y emociones humanas, en el que las únicas opciones son jugar o morir.

Este volumen recopila nos números 11 a 15 USA, publicados por Image Comics.

Compré en 2020 los volúmenes uno y dos de Die, y aunque me gustó la recreación que Gillen y Hans hacían del mundo de los juegos de rol, tampoco es que me volara la cabeza por varios motivos, empezando porque no soy jugador. Es por esto que no compré el tercer volumen el año pasado cuando Panini lo publicó en España. Sin embargo, la noticia de la publicación del cuarto y último volumen que cierra la historia me ha animado a ponerme de nuevo con este comic en previsión de la compra inminente del último tomo.

Y en este tercer volumen me he encontrado más de lo mismo para bien y para mal. Empezando por lo bueno, Gillen sigue desarrollando su historia con la precisión de un relojero suizo. La sorpresa de este tomo sobre la creación del mundo de Die, que confirma algo que ya fue sugerido en el tomo anterior, lleva la historia a un nuevo nivel de cara al climax final que tendrá lugar en el próximo tomo. Aunque Die sigue con la tónica de centrar cada grapa en uno de los cinco protagonistas vivos, Gillen plantea este comic como una lectura de tomo, de forma que los números 11 a 15 contenidos en este volumen se sienten como un arco con inicio y final dentro de la historia general.

Gillen está planteando Die además de para jugar con los arquetipos de los juegos de rol, en muchos casos para darles la vuelta, para rendir homenaje a los que él considera que son los padres (aunque sea a nivel de inspiración) de los juegos de rol. Si en el primer tomo Tolkien nos sorprendió con su presencia y en el segundo conocimos la historia de la familia Brönte, en este tercer tomo hay un nuevo invitado que me voló la cabeza. Este padre de la ciencia ficción moderna cuyo nombre no revelaré por si alguien no ha leído este tomo, es utilizado por Gillen para lanzarnos un pegote expositivo que le permita explicar la realidad (y el giro) de mundo de 20 caras donde los protagonistas viven sus aventuras. Y aunque en parte la sorpresa de la propia identidad del personaje y su conexión con los juegos de rol molan, realmente este tercer número sufre por el exceso expositivo y porque se nota que la función del personaje es precisamente esa.

En lo relativo a los protagonistas, hay que reconocer que Gillen se esfuerza en convertirles en seres complejos con defectos y problemas a los que deben sobreponerse si quieren volver a la Tierra. La complejidad de sus caracterizaciones me parecen dignas de elogio y me parece genial que alguno de ellos se comporten como el villano de la función, pero debo de reconocer que a pesar de todo no he logrado empatizar con ninguno, lo cual al final acaba siendo un problema. En este sentido, siento que al no haber sido jugador de rol me estoy perdiendo una parte fundamental del subtexto del arquetipo que representan, cosa que también me da una sensación decepcionante, al no triunfar los personajes como esperaba dentro de la experiencia lectora.

Stephanie Hans me parece una ilustradora increíble y sus imágenes me transmiten una tremenda expresividad, sobre todo con la utilización del color en cada escena. Pero ahora que me he leído los tres volúmenes de un tirón, parece como si estuviera sufriendo una involución mientras dibuja (pinta) Die, porque me da la sensación que cuenta cada vez peor la historia, con una nula fluidez narrativa a todos los niveles, entre viñetas y en si entre las diferentes páginas. No tengo claro si fue por los plazos de entrega o si hay un motivo concreto, pero la cosa va a peor con cada número. Y es una pena, porque como ilustradora ya digo que me parece brillante, pero esto resalta lo difícil que es contar una historia y cómo no es suficiente con dibujar bonito o saber crear momentos icónicos para ser una buena dibujante de comics.

Me está quedando una reseña negativa en esta última parte, pero existiendo estos elementos menos buenos, la verdad es que tengo ganas de conocer el final de la historia y si todos los protagonistas van a poder regresar a nuestro mundo. En breve compraré el cuarto volumen y os comentaré que tal estuvo el final.

¡Ah, por cierto! Comentar además que aunque es lo menos importante, me ha sabido mal que en este tercer tomo no hubieran los textos de Gillen en los que explicaba y daba contexto a diferentes elementos del comic. Entiendo que si no están es porque Gillen dejó de publicarlos en la versión USA, lo cual es una pena porque me parecían muy interesantes. En este sentido, las entrevistas a creativos del mundo del rol que si están incluidas en este tomo no podían interesarme menos, aunque sí me gusta la explicación de Hans sobre la paleta de color que utiliza en cada página y que le ayuda a crear el tono emocional que estima más conveniente.

Comparto las primeras páginas de este volumen:

Die se dirige al final y no ha dejado de ofrecer sorpresas y giros interesantes que me dejan con ganas de saber cómo termina la historia, incluso a pesar de un dibujo con el que cada vez conecto menos.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Crítica de Echolands vol. 1 de J.H. Williams III, W. Haden Blackman y Dave Stewart (Image Comics)

Acaba de publicarse el primer volumen de Echolands de J.H. Williams III, W. Haden Blackman y Dave Stewart, con los seis primeros números de la serie regular publicada por Image Comics. Buen momento para volver a recomendar el que probablemente sea uno de los comics con mejor dibujo de la actualidad.

PUNTUACIÓN: 8/10

La historia de la última guerra de la Tierra comienza con un pequeño robo.

El multipremiado equipo de Batwoman formado por J. H. WILLIAMS III (Promethea, The Sandman: Overture, Batman) y W. HADEN BLACKMAN (Star Wars, Elektra) se reúne de nuevo. Les acompañan de nuevo el colorista supremo DAVE STEWART y el maestro de las letras TODD KLEIN.

En un extraño mundo futuro que ha olvidado su historia, la imprudente ladrona Hope Redhood tiene la clave para excavar su oscuro y extraño pasado, si ella y su tripulación pueden escapar de un tirano mago y su imparable hija. Pero el destino los enviará a todos por un camino que conduce a una guerra entre mundos.

ECHOLANDS es una epopeya de ficción mítica en formato horizontal donde todo es posible; una trepidante aventura mezcla de géneros que combina todo, desde vampiros de películas de terror hasta mafiosos clásicos y elfos cyborg, semidioses romanos y cohetes retro. ¡Va a ser un viaje increíble!

Cuando hace unos meses aluciné con el primer número de esta serie ya comentaba como la serie transmitía la idea que J.H. Williams había planteado junto a su colaborador habitual W. Haden Blackman una historia ambientada en un mundo fantástico que le permitiera dibujar literalmente cualquier cosa que le gustara. Tras leer este primer volumen con los seis primeros números, no hay duda que el éxito es monumental. Cada página está abarrotada de detalles y personajes que recuerdan elementos clave del entretenimiento de todas las épocas, convirtiéndose en un auténtico “¿donde está Wally?” mientras intentas identificar a cada personaje, cada referencia. Como fan de la fantasía y la ciencia ficción, las páginas de Echolands son un regalo maravilloso repleto de easter-eggs.

Otro de los grandes éxitos de Echolands viene a partir del formato horizontal del comic, que permite a Williams realizar un nuevo despliegue narrativo a la hora de distribuir las imágenes en la página, algo en lo que Williams es un autentico maestro. La doble página horizontal permite un flow super diferente al que estamos acostumbrando con los comics verticales, que suponen el 99,99% de los que se publican, con un diseño original que permite grandes sets en los que se mueven los personajes, y una acción que fluye en la página a su propio ritmo.

Aparte de la propia calidad de Williams, verle colaborar de nuevo con el colorista Dave Stewart nos regala unas páginas alucinantes. Stewart se une al despliegue artístico con páginas en las que todo es posible, explosiones de color junto a personajes dibujados en blanco y negro ¡en la misma viñeta! La exuberancia creativa es claramente una de las señas de identidad de este comic, y me encanta.

En la reseña del primer número ya comentaba que el único pero que le veía a Echolands es que estábamos ante un comic para leer en tomo más que en grapa como he hecho yo, dado que la historia en si prácticamente no había avanzado nada. Ahora que tengo en mis manos los seis primeros números, esta opinión no sólo se confirma, sino que me sorprende lo poco que nos han contado Williams y Blackman dentro del viaje en el que se han embarcado los protagonistas les ha llevado por numerosos reinos cada cual más diferente del anterior. Un hecho aparte es que estos seis números son el primer volumen porque así van a ser recopilado, pero en lo relativo a la historia no han alcanzado ningún hito ni estamos ante un momento de giro, de forma que podrían haber cortado aquí como en el número cuatro o cinco (o siete) y la sensación de no ha pasado casi nada seguiría estando ahí.

Es curioso que dentro de que el dibujo me parece una pasada, también me ha provocada cierta saturación sensorial debido a todo lo que Williams añade a cada imagen. En este sentido, me llama la atención que en medio de la polémica del “fan-service” en Spiderman No Way Home o en El libro de Boba Fett, este comic es puro fan-service, con decenas de seres y objetos en segundo plano que nos recuerdan a algo pero no tienen, de momento, ninguna importancia en lo relativo a la trama, más allá de resaltar que estamos ante un mundo en el que todo es posible.

Aunque me sabe un poco mal lo poco que la historia ha avanzado y lo poco que seguimos sabiendo de la protagonista Hope Redhood, en el momento que entendí y asumí que este comic no va de historia sino de permitir que Williams se desate, el disfrute es total. Y no tengo duda que los próximo números van a seguir ofreciendo muchas alegrías con apariciones especiales que me van a volar la cabeza.

Comparto algunas páginas del primer número para que alucinéis:

Solo por tener de vuelta a J.H. Willams III al mundo de la narrativa serializada, Echolands es un gran triunfo, con un dibujo sobresale muy por encima del resto de comics publicados en Estados Unidos. Super recomendable.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Crossover de Donny Cates, Geoff Shaw y Dee Cunniffe

Panini acaba de publicar uno de los comics más anticipados de los últimos tiempos, Crossover, el comic de Donny Cates y Geoff Shaw con color de Dee Cunniffe y diseño de John J. Hill que es un canto de amor al mundo del comic de superhéroes mainstream americano.

PUNTUACIÓN: 8/10

Después de que El Acontecimiento altere el mundo tal y como lo conocemos, Ellie, Otto y Ava se embarcan en una odisea través del mágico Colorado. Unos misteriosos (¿y conocidos?) superhéroes se unen a nuestro intrépido equipo de héroes en busca del modo de romper la cúpula y descubrir la verdad. ¡El primer acto de una nueva aventura que romperá tu realidad!

El primer volumen de Crossover publicado por Panini es un tomo en tapa dura de 176 páginas que recopila los seis primeros números de la serie regular publicada actualmente por Image Comics.

En el mundo de los comics de superhéroes el crossover tiene una connotación muy particular, al tratarse de una reunión de personajes que poseen comic propio para compartir una aventura en común contada en las páginas de sus colecciones, cruzando los argumentos de un comic a otro. Esto es diferente a cuando un personaje aparece en el comic de otro (team-up) y en los primeros años de Marvel en los 60 estas aventuras tenían una connotación muy especial, casi de acontecimiento. La idea del crossover evolucionó con el paso de los años para dar lugar a los eventos, que son comics planteados como miniseries que cuenten una historia protagonizada por múltiples personajes, que se supone tan grande e importante que no puede ser contada en la colección “normal” de un personaje concreto. La Guerra de los Reinos, Rey de Negro o Imperio son ejemplos de eventos recientes de Marvel, pero lo mismo podría decirse de DC y los cruces anuales entre la JLA y la JSA, por poner un ejemplo clásico.

No cabe duda que desde el título de Crossover, Donny Cates y Geoff Shaw buscan transmitir una connotación muy comiquera a los lectores que abrace el sense-of-wonder, la sensación que todo es posible en estas páginas y porqué aman (amamos) el mundo del comic. Y de momento las sensaciones no pueden ser mejores en este primer volumen. Donny Cates se luce con esta historia con elementos originales y familiares a la vez. Como ya estamos acostumbrados los lectores de Cates, la obra lanza un montón de ideas al aire que consiguen sorprender y están pasando cosas interesantes que atrapan al lector, no dejando un momento de respiro, con unos cliffhangers al final de cada grapa USA me parecen estupendos.

Cates también acierta al no dotar de un excesivo dramatismo a la historia. Al menos a mi la sensación principal que me deja el comic es «vamos a disfrutar siendo muy locos», y es ese sentido diría que el hecho de no tomarse excesivamente en serio a si mismo le viene muy bien a una historia que realmente si es muy loca. Hay un importante elemento metatextual en todo el comic, con elementos muy reconocibles de la historia del medio como el cura que busca quemar comics o la camiseta de Otto el librero, que son café para los muy cafeteros. La sensación de homenaje al medio, incluso haciendo sufrir a los protagonistas, está presente en Crossover de principio a fin, y me encanta.

Por si fuera poco, haciendo gala de su nombre, el comic está repleto de apariciones especiales. La mayoría son apenas cameos de una página e incluso una viñeta, pero hay un par que me ha parecido super buenos y me han dejado con la sonrisa en la cara. De igual modo, me parece modélica la forma en que Cates conecta Crossover con el mundo que creó en God Country. Prefiero dejarlo aquí y no comentar nada más para no chafaros las sorpresa, pero sobre todo si eres un lector veterano, vas a disfrutar un montón algunas de las apariciones que nos vamos a encontrar.

En el apartado artístico, ¡cómo ha crecido Geoff Shaw como artista desde que le conocí en God Country! El dibujante realiza un estupendo trabajo en esta serie, casi como si supiera que es este comic el que puede conseguir que se reconozca su trabajo como se merece. Sus lápices han mejorado muchísimo tras abandonar la narración «sucia» que tenían en God Country. Ahora, la historia fluye de maravilla entre las viñetas y se ve todo de forma clara, los personajes tienen personalidad propia y sabe aprovechar las splash-pages y las melés con múltiples personajes para lucirse, Decir que el apartado artístico es uno de los puntos fuertes del comic no es más que hacerle justicia y resaltar lo evidente.

Parte del éxito del comic está también en los estupendos colores de Dee Cunniffe, que ayudan a establecer el tono que la historia necesita y mejoran y embellecen los lápices de Shaw. Uno de los elementos más llamativos del comic es la forma en que replica el antiguo coloreado de los comics en los años 60 y 70 con puntos de colores como forma para distinguir la procedencia de los personajes, ya sea los habitantes de la Tierra normal con coloreado modernos, y los habitantes del otro mundo. Este elemento es muy interesante, ya que aunque sirve para esa labor de diferenciación de los personajes que necesita la narrativa de la historia, a la vez homenajea la historia del mundo del comic y cómo se hacían en el pasado.

En este sentido, me parece curioso y necesario comentar que este elemento del coloreado antiguo no se corresponde con el mundo de los años 90 en el que nació Image Comics y muchos de los personajes que cuentan con aparición sorpresa en este volumen, unos años y unos comics dominados ya por el coloreado digital que rompió definitivamente con los antiguos procesos de coloreado. Quiero decir que en muchos casos entiendo que están usando un elemento que muchos lectores, desde luego todos los que tengan menos de 30 años, no habrán conocido en sus comics favoritos actuales, y que sólo les sonará si han buscado / leído comics clásicos.

El caso es que dentro que el comic me ha gustado, veo tan claras las referencias que Cates utiliza a la hora de presentar los elementos metatextuales, empezando por gran parte de la obra de Grant Morrison y en especial su Supergods, que no ha llegado a volarme la cabeza en ningún momento, ya que parte de estas ideas ya las he leído antes y las conozco. De hecho, la idea de un mundo real que se cruza con otro fantástico es la misma idea de partida de Oblivion Song de Robert Kirkman y Lorenzo de Felici. Y aunque obviamente el desarrollo es totalmente diferente, esto me sirve para resaltar que este Crossover tiene una familiaridad que no lo convierte en especialmente original. Dentro que sí que lo es.

Comparto las primeras páginas del primer número:

Crossover no me ha parecido revolucionario pero sí me ha gustado mucho y me ha dejado con ganas de más. Como entretenimiento para un lector de comics veterano como yo me ha parecido modélico, ojalá más historias originales de este tipo.

PUNTUACIÓN: 8/10

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