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Crítica de La sociedad de la Nieve de J.A. Bayona

Aunque en breve se estrenará en Netflix, me he animado a ver en pantalla grande La sociedad de la nieve, la película de J.A. Bayona en la que vuelve a contar la historia de supervivencia de los pasajeros supervivientes a un accidente aéreo que ya vimos en ¡Viven! de Frank Marshall en 1993. Y merece la pena.

PUNTUACIÓN: 8/10

En 1972, el vuelo 571 de la Fuerza Aérea Uruguaya, fletado para llevar a un equipo de rugby a Chile, se estrella en un glaciar en el corazón de los Andes. Solo 29 de sus 45 pasajeros sobreviven al accidente. Atrapados en uno de los entornos más inaccesibles y hostiles del planeta, se ven obligados a recurrir a medidas extremas para mantenerse con vida… Basada en «La sociedad de la nieve», de Pablo Vierci.

Juan Antonio García Bayona (Barcelona, 1975),​ es uno de los directores de cine español más internacional. Es autor de películas como El orfanato (2007), Lo imposible (2012) y Un monstruo viene a verme (2016) en España, y fue elegido por Steven Spielberg para dirigir Jurassic World: el reino caído (2018).

El guion de la película es de Bernat Vilaplana, Jaime Marques, Nicolás Casariego y el propio Bayona, adaptando la novela La sociedad de la nieve de Pablo Vierci. Pedro Luque es el director de fotografía, Jaume Martí realiza el montaje y Michael Giacchino se encarga de la música. El rodaje tuvo lugar en Sierra Nevada, Montevideo, Uruguay y Chile y Argentina en los Andes, incluido el lugar real del accidente. La película tiene una duración de 144 minutos y ha sido seleccionada para representar a España en la edición de los Oscars de este año. Netflix la estrenará en streaming en 4 de Enero.

Bayona dirige a un reparto de actores argentinos y uruguayos para conseguir mayor verosimilitud, entre los que encontramos a Enzo Vogrincic Roldán como Numa Turcatti. Matías Recalt como Roberto Canessa, Agustín Pardella como Nando Parrado, Tomas Wolf como Gustavo Zerbino, Diego Vegezzi como Marcelo Pérez del Castillo. Esteban Kukuriczka como Adolfo «Fito» Strauch, Francisco Romero como Daniel Fernández Strauch, Rafael Federman como Eduardo Strauch, Felipe González Otaño como Carlitos Páez, Agustín Della Corte comos Antonio «Tintín» Vizintín, Valentino Alonso como Alfredo «Pancho» Delgado, Simón Hempe como José Luis «Coche» Inciarte, y Fernando Contigiani García como Arturo Nogueira, entre otros actores.

La sociedad de la nieve tenía dos handicaps a priori. El primero es que a pesar de haber pasado 30 años, recuerdo muchísimo ¡Viven!, la estupenda película de Frank Marshall que contó estos mismos hechos. El segundo es que en apenas 3 semanas la película se estrenará en Netflix. El 4 de enero, en concreto. La suma de ambos elementos me hizo dudar si ver la película en el cine o esperarme a verla en casa. Me alegro de haberla visto en el cine.

J.A. Bayona crea una película llena de drama y emoción que consigue tener al espectador sobrecogido la mayor parte del metraje. La escena del accidente aéreo casi hizo que me diera un ataque al corazón de la tensión. Y la situación de los supervivientes plantea un drama humano de proporciones tremendas. A Bayona a veces se le va la mano a la hora de putear a los personajes para enfatizar el elemento dramático, me acuerdo por ejemplo de Lo Imposible. Pero esta película está contada con muchísimo tacto y respeto a las personas que vivieron esta situación.

El casting de actores sudamericanos está estupendo y consiguen que la idea de hermandad y la emoción de la situación se transmita al espectador. La idea de Bayona, que no se si estaba ya en el libro, de hacer que diferentes supervivientes cuenten determinados tramos de la película mediante la voz en off, me parece un recurso super interesante que me funciona completamente. Por la parte humana, la película me parece que es un éxito monumental.

Aparte de esto que en el fondo es lo fundamental, la verdad es que Bayona ha rodado la película de forma espectacular. Los paisajes nevados son sobrecogedores, y escenas como la avalancha me dejaron aguantando la respiración. No me importa reconocer que las lágrimas surgieron en varios momentos, y es que la película era todo emoción. A pesar de saber el final de la película y que 16 personas fueron rescatadas con vida, la tensión en algunos momentos era bestial, por ejemplo cuando vemos que personas aceptan que estaban a punto de morir y lo hacían sin miedo.

La sociedad de la nieve es una película que lo hace todo bien. El diseño de producción es sobresaliente, y me parece que la música de Michael Giacchino es un éxito que sabe transmitir el elemento humano y las ganas de sobrevivir de las personas que lo hicieron. Me parece una pasada descubrir que una parte de la película se rodó en Sierra Nevada y no en los Andes. Y para durar casi dos horas y media, el visionado se me pasó en un suspiro.

Pensaba en algún elemento menos bueno, pero la verdad es que La sociedad de la nieve es una película que lo hace todo bien. Me parece que el éxito creativo para J.A. Bayona es total. No puedo recomendaros más esta película, dentro que hay que saber a lo que se va, entiendo también que la temática igual no es del agrado de mucha gente o que haya espectadores que no quieran ver una película «para sufrir». En mi caso, yo la he disfrutado muchísimo.

Comparto el trailer de la película:

La sociedad de la nieve es un peliculón que se va a ir a mi lista de mejores películas del año.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Dejar el mundo atrás de Sam Esmail (Netflix)

Cuando me esteré que Netflix había producido la nueva película de Sam Esmail, el creador de Mr. Robot, con un reparto top, su visionado era obligado. Dejar el mundo atrás tiene mucho que comentar.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

Las vacaciones de una familia dan un giro escalofriante cuando dos desconocidos se presentan en plena noche buscando refugio frente a un ciberataque que se va volviendo más y más aterrador. En esta situación, todos deberán asumir su papel en un mundo que se desmorona. (FILMAFFINITY)

Sam Esmail (Nueva Jersey, 1977) es un productor de cine y televisión, director y guionista estadounidense que dirige la productora Esmail Corp. Es conocido sobre todo por ser el creador, guionista y director de la galardonada serie de televisión Mr. Robot. Esmail escribe, dirigie y produce Dejar el mundo atrás, un thriller apocalíptico basado en la novela homónima de 2020 de Rumaan Alam. La película de 141 minutos de duración cuenta con fotografía de Tod Campbell, montaje de Lisa Lassek y música de Mac Quayle.

El reparto de la película es uno de sus principales reclamos. Julia Roberts es Amanda Sandford, Mahershala Ali interpreta a G.H. Scott, Ethan Hawke es Clay Sandford, marido de Amanda, mientras que Myha’la es Ruth Scott, la hija de G.H. Farrah Mackenzie y Charlie Evans son los hijos de Amada y Clay, Rose y Archie. Por último, Kevin Bacon interpreta a Danny, un vecino acaparador de comida y herramientas en caso de la llegada del fin del mundo.

La mejor escena de la película tiene lugar en los últimos 30 segundos de la película. Aunque el mundo parece que se va al garete, Rose, la hija pequeña de los Sandford, ha encontrado la última temporada de Friends en DVD y podrá ver como termina su serie favorita de todo el mundo mundial. Esta crítica del mundo actual en el que a la gente le da igual ver el mundo arder (o que su vecino se muera de hambre enfrente suyo) mientras tenga su entretenimiento disponible, me parece brillante. Además, el elemento metatextual de ver que esta crítica a la sociedad de consumo occidental se hace desde Netflix, una plataforma de streaming que literalmente inunda de contenidos (muchos de ellos basura) al espectador cada semana me parece bestial. Sólo por esto me ha resultado interesante ver la película.

Dejar el mundo atrás es un enorme ejercicio de estilo por parte de Sam Esmail, que plantea un thriller en el que están pasando cosas extrañas a los protagonistas y hasta casi el final no sabes el origen de todo. O al menos, lo que los protagonistas creen que ha causado la situación. La sensación que nuestro ordenado mundo actual está a dos malos pasos de colapsar, es otra de las ideas importantes de la película. Dejar el mundo atrás no es una película de terror y no hay jump-scares, pero si hay una tensión importante en cada una de las situaciones, acrecentada por el ritmo pausado, aunque interesante, con que Esmail va moviendo la cámara en las diferentes localizaciones.

Aunque hay varias situaciones impactantes y perturbadoras, como ver encallar al petrolero en la playa donde se encuentra la familia Sandford o la llegada de decenas de ciervos al jardín de la residencia de G.H. Scott, en realidad Esmail parece plantear un análisis y crítica de la sociedad americana actual a partir de las dos familias protagonistas. Y lo que nos muestra es desolador.

Una de esas frases hechas que siempre se dicen es «los niños son el futuro». Viendo lo que Esmail opina de la juventud de la película, no hay duda que la sociedad occidental se dirige hacia su extinción. En realidad los tres jóvenes más que personajes tridimensionales parecen arquetipos que personalizan la crítica que Esmail quiere hacer de nuestra sociedad. Rose es la niña pequeña de los Sandford y no tiene ningún interés en nada de la vida real, al estar enganchada a Friends, una ficción que no representa la realidad pero para ella sea lo más importante. Pero también es verdad que sobre sus padres la ignoran totalmente y su hermano mayor Archie la putea en lugar de intentar ayudarla o entenderla en una situación en la que es normal tener miedo. Archie es el típico adolescente gilipollas que sólo piensa en si mismo y no tiene ninguna empatía por nadie.

Más interesante es el personaje de Ruth, la hija universitaria de G.H., una joven afroamericana que crítica todo lo que le viene en gana sin ningún rubor ni educación, y que todo el rato proyecta sus propios defectos al que tiene delante, personalizados en los Sandford, a los que tilda de racistas, clasistas y otros calificativos similares. Un momento muy representativo de esto es cuando pregunta a Clay, que es profesor de Universidad, si se ha acostado con alguna estudiante, cosa que él niega tajantemente. Sin embargo, más adelante no duda de señalarle ante su padre como un acosador en potencia simplemente por sus prejuicios, dado que nada de lo que dicho o hecho apoya esta opinión. Ruth representa lo peor de la juventud actual, que no trabaja ni aparentemente estudia mientras «aclara qué quiere hacer con su vida» gracias a que sus padres son ricos y la mantienen, pero quiere hacer creer a los que están a su alrededor que sabe más de la vida que ellos, cuando es una niñata privilegiada. Oh, boy, si el futuro es este, sin duda estamos condenados.

Otro tema que me ha parecido super interesante de la película es que las dos mujeres son las desconfiadas, bordes y desagradables en medio de esta situación de tensión, mientras que los dos hombres adultos, Mahershala Ali como G.H. Scott y Ethan Hawke como Clay Sandford, son los que actúan de manera generosa intentando suavizar la tensión de la situación, confiando en los desconocidos que tienen delante. Julia Roberts interpretando a Amanda Sandford tiene un papel interesante, al ser una mujer borde, paranoica y que juega con el alcoholismo, y la aleja de los papeles de mujer fuerte y con cualidades positivas con los que se convirtió en una estrella de Hollywood. Los choques verbales de ella y la joven Ruth están muy bien, la ser dos mujeres alfa luchando por ser la líder del rebaño, por decirlo de alguna manera. Teniendo en cuenta el empuje de lo políticamente correcto y del feminismo militante en el entretenimiento mainstream americano, me ha resultado muy valiente por parte de Esmail al atreverse a hacer este retrato nada positivo ni favorecedor a las mujeres protagonistas de la historia. En un momento Amanda dice que odia a la gente, pero parece que en realidad se odia a si misma por ser una profesional de éxito pero haciendo un trabajo que no la gusta, y luego proyecta ese odio a los que tiene a su alrededor. Como digo, el repaso que hace a la sociedad americana s demoledor.

A pesar de los rasgos positivos que comentaba antes, Clay (Ethan Hawke) es un cobarde que no ayuda a una mujer hispana que está en la carretera. Un momento en el que más que machismo diría que busca transmitir cierto racismo, al no ayudar a esa mujer al hablar en castellano y no entenderla, mostrando de alguna manera el ¿miedo al diferente? Aunque de carácter amable, Clay se muestra como alguien poco resolutivo, aunque será gracias a él que el momento más tenso de la película entre G.H. y su vecino Danny (Kevin Bacon) no llegará a mayores.

G.H., el personaje interpretado por Mahershala Ali, personaliza muy bien el principal problema de la película. Y es que aunque Roberts, Hawke y Ali están super bien y cumplen lo que Esmail pedía a sus personajes. en realidad estos son arquetipos que ayudan a la crítica que está haciendo de la sociedad americana. En el caso de G.H., es el único personaje positivo puro que no actúa mal a lo largo de la película. Pero en realidad su función es la de ser el «chorro expositivo» que nos explica la realidad del mundo desde el punto de vista de las grandes fortunas y la gente poderosa.

Ante la posibilidad (o no) de estar a las puertas del fin del mundo, Esmail utiliza una anécdota de El Ala Oeaste de la Casa Blanca para explicar el negacionismo actual frente a todo. De nuevo, usando un elemento del entretenimiento mainstream para explicar aspectos del mundo real, como es el uso que hacer de Friends en la película. La anécdota es super chula, y podría aplicarse a casi cualquier cosa empezando con el cambio climático, y sería la forma culta de decir que el vaso está lleno y está empezando a desbordarse aplicado al destrozo que estamos realizando en la Naturaleza y en el medio natural. De igual manera, que se especule con un ataque de algún país a los Estados Unidos y no sepamos cual exactamente «porque hay un montón que querría ver a los Estados Unidos destruido» es también otra crítica a la política internacional de los USA de las últimas décadas, que casi les hace merecedor de lo que les va a pasar.

La película hace un buen uso de la tensión al no saber qué está pasando en realidad. La fotografía y el diseño de sonido me parece que están super bien. Estoy casi seguro que construyeron para la ocasión la casa donde tiene lugar el 80% de la película, de forma que crearon elementos móviles que permite movimientos de cámara maravillosos. A pesar de los 140 minutos de duración, la incertidumbre ante lo que está pasando consigue que no se haga larga en ningún momento, lo cual entiendo que es acierto de Esmail y su puesta en escena.

Sin embargo, la resolución es un porque sí total, demostrando que lo importante era la metáfora final y no tanto lo que les pase a los personajes o el misterio, aunque la historia sugiere que puedan tener un final feliz dadas las circunstancias. De hecho, la explicación de G.H. resulta anticlimática y bastante decepcionante. Y si pensamos en que nada de lo visto tiene un origen sobrenatural, muchos de los sucesos que hemos visto en realidad no tienen demasiado sentido. En todo caso, dado que la deconstrucción de la sociedad americana me ha resultado interesante y que vi la película en casa, no me sabe mal haberla visto, más bien al contrario.

Comparto el trailer de la película:

Como ejercicio de estilo, me ha gustado Dejar el mundo atrás. Pero su catálogo de lugares comunes me ha dejado bastante frío.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

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Reflexiones de Domingo 27/2023: Quinta temporada de El Colmo Podcast

¡Feliz domingo! Hoy he planteado un artículo diferente, al querer recomendaros El Colmo Podcast, en el que colaboro habitualmente.

El Colmo Podcast es la vertiente radiofónica de El Colmo, un grupo de amigos del área de L´Alcora (Castellón) con diversas inquietudes culturales que a lo largo de los años ha sido programa de radio y asociación cultural que editó un fanzine más que interesante. En los últimos años El Colmo se ha centrado en los podcasts, en los que hablamos de todo tipo de entretenimiento, sobre todo cine y televisión, pero también documentales, libros y videojuegos.

Después del verano se inauguró la quinta temporada del podcast, y de momento se han publicado tres programas, en los que he participado, y que quiero compartir con vosotros continuación. Escribir este blog es un gustazo, pero poder charlar con amigos y comentar nuestras impresiones del ocio que disfrutamos es un placer diferente tremendamente adictivo también.

EL COLMO 5X01 ONE PIECE LIVE ACTION NETFLIX

Aaay, el oro, la fama, el poder. Nada de lo que nosotros tenemos pero nos unimos a la tripulación de los Sombreros de Paja y sus aventuras para ver si nos toca algo.

Empezamos la quinta temporada de El Colmo Podcast analizando a fondo la primera temporada de la serie en live action que ha dado la campanada en Netflix y que puede ser una esperanza para los fans de los animes que esperan otras adaptaciones. Además hablamos de Ahsoka a un capítulo de ver el desenlace de la serie de Star Wars.

(03:55) Ahsoka
(16:13) Introducción One Piece
(40:31) Análisis One Piece LA: episodios 1 a 4

EL COLMO 5X02 TERROR RECIENTE

Se acaba octubre y con los días fríos, la lluvia y el otoño dan ganitas de ver películas de terror debajo de una manta. Así que os traemos una selección de películas que han salido en los últimos años y que os pueden servir para animaros a redescubrir el género y todo lo que abarca a día de hoy. Y como no, para un maratón de Todos los Santos o Halloween.

(03:49) ¿Qué estamos viendo?
(11:58) Introducción cine de terror
(28:22) El Extraño (2016)
(49:04) X (2022)
(01:02:12) The Empty Man (2020)

EL COLMO 5X03 HAYAO MIYAZAKI

El estreno de «El Chico y la Garza», la última película del maestro de la animación japonés, Hayao Miyazaki, nos lleva a sumergirnos de lleno en sus mundos y repasar su carrera con una selección de sus obras que más nos gustan.

Con este monográfico queremos rendir homenaje a un director esencial para la historia del cine y que con temáticas como la acción del ser humano sobre la naturaleza o el antibelicismo siempre está de actualidad.

(05:03) Hayao Miyazaki
(33:41) El Chico y la Garza
(01:07:43) Nausicaä del Valle del Viento
(01:27:04) Mi Vecino Totoro
(01:41:16) Porco Rosso
(01:55:48) La Princesa Mononoke
(02:08:40) El Castillo Ambulante
(02:22:48) Ponyo en el Acantilado

Ver las películas de Ghibli es como estar en ese espacio seguro en el que todo es un disfrute, por lo que fue un placer tener una excusa para ver estos peliculones.

En fin, si sois de escuchar podcasts, os invito que descubráis El Colmo Podcast. Creo que pasaréis un buen rato con nosotros.

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Crítica de El Inmortal Thor 1 de Al Ewing y Martín Cóccolo (Marvel Comics – Panini)

Comienza la nueva etapa de Thor de la mano de Al Ewing y Martín Cóccolo, con alucinantes portadas de Alex Ross. Y la propuesta de Ewing me ha conquistado, a pesar de alguna cosa que también comentaré.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Al EwingMartín Cóccolo y Alex Ross dan al Dios del Trueno el tratamiento «Inmortal». Le han llamado de muchas maneras. Los dioses le conocen como el Rey de Asgard, guardián de Mjolnir, héroe de las historias. Cuando las injusticias golpean la Tierra, lucha por aquellos que no pueden hacerlo. Ésta es la historia del Inmortal Thor. 

Al Ewing comenta al final de la grapa cómo conoció al personaje de Thor y su aproximación al personaje de cara a esta nueva etapa que se inaugura con este número. Y fue leerlo y sentir que había clavado lo que se supone que es Thor para mi y lo que le hace grande. Por un lado, sus aventuras no deben ser contra villanos terrenales. Aunque está bien que en algún momento detenga un robo a un banco, su carácter de DIOS le deben lanzar contra amenazas más grandes que la vida, que muestren que no es un héroe como los demás. Sus aventuras deben ser más grandes, mejores. Esto es algo que muchos otros autores han planteado, sin ir más lejos la pasada etapa de Donny Cates en la que planteaba la amenaza del Invierno Negro. La parte que más me ha gustado de esta premisa de Thor es la afirmación de Ewing que le gusta ver a un Thor que ríe. Y esto para mi, tenerle desde una vertiente positiva y optimista incluso cuando se enfrente al Ragnarök, me gusta mucho. Algo que contraste con la etapa de Cates en la que le convirtió en un protagonista desagradable y un poco capullo. Y que al final fue el motivo por el que ese comic no funcionó, incluso cuando Cates lo escribía.

Más allá de la premisa, leyendo esta primera grapa de El Inmortal Thor te das cuenta que Ewing ha clavado al personaje. Su felicidad al ver la reconstrucción de Bifrost, el puente del Arco Iris, es algo contagioso. Como también me gusta mucho la conexión de Thor con Midgard y el importante papel que Ewing plantea para Loki como Contador de Historias además de Dios de las Mentiras. Y por si fuera poco, la presentación de Toranos y la propia existencia de Utgard, el reino de las sombras que son de alguna manera los Dioses de los Aesir, plantea una amenaza más grande que la vida que hace que lectura de las siguientes grapas y en realidad de todo el primer arco sea una obligación. Como primer número de una nueva etapa, este comic me parece modélico.

No todo es bueno en esta grapa, lamentablemente. La premisa de Ewing y en general su guion de esta primera grapa me han gustado mucho mucho. Pero sin embargo, el dibujo de Martín Cóccolo me parece totalmente inadecuado. De hecho, me parece un error tremendo por parte del editor el haberle dado este encargo. Creo que conocí a Cóccolo hace unos meses con el crossover de Thor y Hulk, un arco mediocre como pocos, de historia pero también de dibujo. Y aunque buscando algo positivo que decir creo que está más acertado que en dichos comics, lo cierto es que en este El Inmortal Thor a su dibujo le faltan muchas cosas, empezando por la personalidad. Por cierto, el color de Matthew Wilson sí me parece que está muy bien, sobre todo en la presentación de Toranos.

Se habla mucho de la celebrada etapa de Ewing en El Inmortal Hulk. Pero ese comic es histórico empezando porque tenía a un fuera de serie como Joe Bennet que plasmó como nadie la atmósfera terrorífica de la historia de Ewing con sus toques de body-horror. Con otro dibujante menos bueno, como Cóccolo por ejemplo, el impacto de ese comic no hubiera sido ni la mitad. Y es precisamente el problema que ver en este comic. (Por cierto, un inciso para destacar para mal el texto rastrero de Panini en esta grapa en la que intencionadamente no nombran a Bennet por su nombre al hablar de El Inmortal Hulk, hablando de «y el dibujante que acompañó a Ewing». Lamentable es poco, y confirma que a Bennet está en pleno proceso de cancelación, no recuerdo muy bien por qué declaraciones).

El dibujo de Cóccolo puede ser anatómicamente correcto y no realiza ninguna locura narrativa a la hora de contar la historia, pero a la vez todo es muy plano, incluso a pesar del buen hacer de Wilson en el color. No hay momentos de WHOA!!!, y los que hay son gracias al color. El dibujo debería transmitir la sensación de «más grande que la vida» y no lo consigue, pero tampoco en la narrativa, en la forma de contar la historia no ves más que planos medios «normales» sin nada que haga que flipes y que te haga pensar que este comic es mejor que cualquiera de los otros 100 que Marvel publica todos los meses. En lo referido al dibujo no lo es, y «normal» o «correcto» seguro no es suficiente cuando hablamos de THOR.

Las caras de Thor son super inexpresivas y me da la sensación como si Cóccolo trabajara con photoshop o similar y todas sus caras estuvieran hechas a partir de una plantilla base, de forma que tampoco genera que tengamos conexión emocional con un personaje que por otro lado la historia de Ewing lo pone todo de su parte para que Thor sea el DIOS más grande y este comic el mejor de todo el catálogo de Marvel. Cosa que Cóccolo lamentablemente no aprovecha. Me gusta que Ewing haya optado por un back-to-basics al devolverle a Thor su traje clásico, indicando que no por ser su traje más modernos sus aventuras tienen que ser mejores. Y en ese sentido, si destacaría el enorme portadón de Alex Ross, un dibujante que ya hizo las portadas de El Inmortal Hulk y que en Thor puede darnos las imágenes más grandes que la vida que lamentablemente el dibujo interior no nos va a dar. Me flipa mucho la plenitud creativa en la que se encuentra Ross dentro de Marvel, por ejemplo con las portadas en Doctor Extraño.

Me sabe muy mal que el dibujo de Cóccolo me parezca tan montonero e inadecuado, porque la historia de Ewing si me ha gustado mucho. En todo caso, como comentaba al comienzo, creo que leeré seguro toda la etapa de Ewing. Ojalá Cóccolo con el paso de los meses se entone un poco más de lo que ha estado en esta primera grapa.

Comparto las primeras páginas del comic:

A pesar del dibujo inadecuado, El inmortal Thor ha comenzado de la mejor forma posible. Ganazas de leer las siguientes grapas.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Una nueva semana con Studio Ghibli: Nicky la aprendiz de bruja, Susurros del corazón y El viento se levanta

Ver películas de Studio Ghibli es una actividad contagiosa, porque una vez empecé parece que no puedo parar. Como en los artículos anteriores, hoy voy a compartir mis impresiones a nivel general de tres películas del estudio dirigido por Hayao Miyazaki que entrarían en la faceta más realista del estudio, como son Nicky, la aprendiz de bruja (1989), Susurros del corazón (1995) y El viento se levanta (2013).

Y si te gusta Ghibli, te recomiendo mis artículos previos, en los que hablo de Nausicaä del valle del viento (1984), Mi vecino Totoro (1988) y Porco Rosso (1992) en el primer post, de La princesa Mononoke (1997), El castillo ambulante (2004) y Ponyo en el acantilado (2008) en el segundo, y de El Castillo en el cielo (1986), El viaje de Chihiro (2001) y Cuentos de Terramar (2003) en el tercero.

NICKY LA APRENDIZ DE BRUJA (1989)

Kiki (o Nicky en el doblaje español) es una joven bruja de 13 años, en periodo de entrenamiento, que se divierte volando en su escoba junto a Jiji, un sabio gato negro. Según la tradición, todas las brujas de esa edad deben abandonar su hogar durante un año para saber valerse por sí mismas. Así, ella descubrirá lo que significa la responsabilidad, la independencia y la amistad. En su camino Kiki (Nicky) y Jiji harán un nuevo amigo, Tombo, con el que vivirán extraordinarias aventuras. (FILMAFFINITY)

Pensar que unos padres dejar marchar a vivir su vida sola a una niña de 13 años es la primera clave que esta historia muy muy realista no es. Hecha esta pequeña broma, la verdad es que Nicky aprendiz de bruja es un feel-good de manual y un éxito tremendo de Miyazaki, que escribe el guion y dirige. El director japonés plantea un mundo bastante moderno con tecnología como coches, trenes y dirigibles que convive con la realidad que las brujas existen y son benévolas. La película en realidad no plantea un conflicto emocionante ni el destino del mundo está en manos de Nicky, sino que tenemos un ligero slice-of-life en el que vemos la vida de Nicky en situaciones super mundanas y normales. De alguna manera, esta película conecta con otras películas suyas de target infantil-juvenil como Mi vecino Totoro y Ponyo en el acantilado. Lo cual no tiene nada de malo, de hecho es algo que digo como un cumplido.

Nicky tiene suerte en su viaje, al conocer a una panadera que la dejará quedarse en su casa y la ayudará a montar su negocio de transporte aprovechando su escoba voladora. Las personas que se va encontrando son todas buenas, y en cierto sentido plantean una película bastante episódica mientras encadena un encargo tras otro. Al final hay un pequeño gran problema que acaba siendo resuelto por Nicky gracias a sus habilidades únicas. Nicky la aprendiz de bruja no me cambia la vida pero si me la alegra y me deja con una sensación positiva que me encanta. En realidad, ¡qué bonito es que una película te deje con esta sensación!

SUSURROS DEL CORAZÓN (1995)

Una joven estudiante amante de los libros descubre que todos los libros que ha elegido en la biblioteca han sido previamente elegidos por una misma persona. Cuando descubre quién es conoce a Seiji, un joven que está aprendiendo el arte de fabricar violines. (FILMAFFINITY)

Susurros del corazón está dirigida por Yoshifumi Kondō y escrita por Hayao Miyazaki basándose en el manga homónimo de 1989 de Aoi Hiiragi. Fue la única película de Kondō como director antes de su muerte en 1998. La película de dos horas de duración cuenta con música de Yuji Nomi.

Sururros del corazón es una película romántica adolescente protagonizada por Shizuku Tsukishima, una adolescente de 14 años que tendrá que decidir qué hacer con su vida. La trama se inicia cuando descubre que un joven, Seiji Amasawa, ha leído los mismos libros que ella, pero en realidad tenemos muchos elementos de un típico drama adolescente, que en este caso se nos presenta en formato de animación. Dentro que el género romántico adolescente no me apasiona, la verdad es que la película está bien realizada y la historia se ve con agrado, al asistir no sólo a la relación de los dos chavales, sino al crecimiento de Shizuku como persona que empieza a saber lo que quiere hacer en su vida y lo mucho que cuesta, iniciando un aprendizaje que la llevará toda su vida. Porque la idea de «cumplir con tus sueños» no es algo sencillo ni fácil de conseguir, sino que conlleva muchísimo trabajo y sacrificios, algo que conectar con la filosofía del trabajo de la cultura japonesa.

Una cosa que me resultó muy curiosa de la película es la importancia que tiene la canción «Take me home, country roads» de John Denver, canción que Shizuku adapta al japonés. El momento en el que Shizuku canta su versión de la canción junto a Seiji, el abuelo de Seiji y unos amigos es uno de los mejores momentos de la película. En las dos horas de película conoceremos a la familia de Shizuku, y tendremos momentos de amistad, momentos de amores no correspondidos entre compañeros de clase y una tienda de artesanía que abre la mente a Shizuku a un mundo más creativo del que está costumbrada.

Susurros del corazón tiene una buena animación para una historia realista de este tipo. Hay destellos de fantástico cuando Shizuku escribe su historia que están muy chulos, pero en realidad son escenas secundarias de la película. En general la animación ayuda a contar la historia de forma interesante, algo que achaco al buen hacer en la dirección de Yoshifumi Kondō, el que hubiera sido sucesor creativo de Miyazaki de no ser por su prematura muerte en 1998. Como comentaba, el género del «romance adolescente» no es que me apasione especialmente, pero esta película me ha mantenido interesado de principio a fin. No le puedo pedir más.

EL VIENTO SE LEVANTA (2013)

Jiro Horikoshi, que sueña con volar y diseñar hermosos aviones, se inspira en el famoso diseñador aeronáutico italiano Caproni. Corto de vista desde niño y por ello incapaz de volar, se une a la división aeronáutica de una compañía de ingeniería en 1927. Su genio pronto es reconocido y se convierte en uno de los más prestigiosos diseñadores aeronáuticos. Film biográfico que recrea hechos históricos que marcaron su vida, como el terremoto de Kanto de 1923, la Gran Depresión, la epidemia de tuberculosis y la entrada de Japón en la Segunda Guerra Mundial. (FILMAFFINITY)

El viento se levanta fue primero un manga escrito por el propio Miyazaki, que luego adaptó en esta película. Se trata de una película biográfica de ficción sobre Jiro Horikoshi (1903-1982), diseñador del avión de combate Mitsubishi A5M y de su sucesor, el Mitsubishi A6M Zero, utilizados por el Japón durante la Segunda Guerra Mundial. El amor de Miyazaki por el mundo de la aviación, sector en el que trabajó su padre, aquí cobra su máxima expresión, al plantear una película realista sobre la vida de una persona real.

Debido a la premisa de la película, no tenemos casi elementos fantásticos. Pero Miyazaki plantea que los sueños de Jiro tengan una gran importancia en la historia y casi sirvan de nudo conector de toda la vida de este ingeniero. En estos sueños hay una cualidad onírica tremenda que regala momentazos visualmente apabullantes, que se suman a otros tremendos, como la escena del Terremoto de 1923 que destruyó Tokyo no tanto por el propio terremoto sino por los incendios posteriores. Esta escena cuenta con un montaje de sonido potentísimo que se suma a la perfecta animación del estudio.

La película en realidad está dividida en dos partes. La parte de Jiro como ingeniero conecta con el amor de Miyazaki por la aviación y me gusta, al ver la evolución de la industria japonesa y cómo llegaron a construir en muy poco tiempo aviones que rivalizaron con los alemanes y los americanos. Esta parte está bien, y sigue la vida de Jiro a lo largo de varias décadas. Aquí el contexto histórico, empezando por la expansión militarista de Japón por toda Asia, es un factor que afecta a la historia, pero que se mantiene en un segundo plano casi todo el tiempo.

Pero la parte que realmente me enamora es la historia de amor de Jiro y Nahoko, que se inicia en medio del terremoto y que durante unos años sufren un fuego del gato y el ratón, al no coincidir por escasos minutos. En momento del reencuentro años más tarde es pura magia y puro amor, y me dio momentos super emocionantes. En esto acierta la música de Joe Hisaishi, colaborador habitual de Miyazaki, la maravillosa animación y un diseño de Nahoko que hace que sea super guapísima y maravillosa.

El viento se levanta me parece una fantástica película de madurez de un Miyazaki controlando de forma milimétrica su arte, alternando la lección de historia con elementos emocionantes que para mi son lo que consiguen elevar la historia. Una película imprescindible.

Estas tres películas igual no son lo mejor de Ghibli, que para mi lo formaría el triángulo Mononoke-Chihiro-Nausicaä, pero son películas estupendas que me dejan la mejor de las sensaciones. Y que sin duda cimentan la bien ganada fama que Ghibli ha conseguido a lo largo de los años.

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