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Crítica de Cobra Commander 1 de Joshua Williamson, Andrea Milana y Annalisa Leoni (Image Comics)

Tras el estupendo arranque de la colección de Duke, el origen de los G.I. Joe se desdobla para ver también el origen de los villanos, un origen que además está conectado con los Transformers, al formar parte del Energon Universe de Skybound Entertainment, el sello de Robert Kirkman. Hoy toca hablar de Cobra Commander 1 (de 5), comic escrito por Joshua Williamson, con dibujo de Andrea Milana y color de Annalisa Leoni.

PUNTUACIÓN: 8/10

Estreno de la miniserie. El ascenso de Cobra comienza AQUÍ.

En un mundo en el que la organización Cobra aún no se ha formado, los siniestros planes de un hombre para utilizar la misteriosa sustancia alienígena conocida como Energon causan conmoción en todo el mundo. ¿Quién es el Comandante Cobra? ¿De dónde viene? ¿Y qué horrores planea desatar que sacudirán el mundo -y quizá el universo- hasta sus cimientos? El guionista JOSHUA WILLIAMSON (Superman, DUKE) y la dibujante ANDREA MILANA (IMPACT WINTER: ROOK) dan el pistoletazo de salida a la segunda de cuatro miniseries repletas de acción que presentarán lo mejor y lo peor que la humanidad puede ofrecer en el Universo Energon.

Cobra Commander es una miniserie de 5 números.

Compré los comics de G.I. Joe que Comics Forum publicó en los años 80 en España. Y en ellos y en los dibujos de la serie de televisión el Comandante Cobra no dejaba de ser un villano genérico super malvado sin matices. En cierto sentido, la parte débil de conjunto siempre era él, al tener más adelante otros villanos como la Baronesa, Destro o Storm Shadow que resultaban, dentro de no ser tampoco especialmente complejos, mucho más interesantes.

Llegamos al Universo Energón de Skybound, y lo primero que se me ocurre es que el sello de Robert Kirkman está acertando completamente con la construcción de este mundo compartido por humanos y robots gigantes. Un mundo en el que todavía no existen Cobra ni los G.I. Joe y que está lleno de conexiones orgánicas que enriquecen un montón la lectura sin resultar problemáticas de ninguna manera. Me parece super chulo que de alguna manera Duke conectaba su historia con los thrillers conspiranoicos, y en paralelo la sorpresa del origen del Comandante Cobra nos muestra que SI existe un mundo más allá de nuestra comprensión oculto de las sociedades occidentales. En este punto, el cambio del comic convirtiéndose en una ciencia ficción muy loca me ha resultado sorprendente, dando una complejidad al Comandante Cobra que igual antes no tenía al ser el típico villano con planes de dominación mundial. Y ojo que su objetivo también acabará siendo ese en este comic, pero de momento estamos en una fase muy inicial de su viaje iniciático. Un viaje de una persona amoral y asocial que hará lo que tenga que hacer sin importarle la cantidad de cadáveres va dejando en su camino. En el entretenimiento mainstream hay una tendencia en los últimos años de «humanizar» a los villanos. Esto es algo que hemos visto en multitud de comics Marvel, por ejemplo. Y de momento, me gusta mucho que NO sea el caso de lo que Joshua Williamson está planteando en este comic. Si algo queda claro leyendo este estreno es que estamos en la historia del villano, de una mala persona.

El comic tiene además un cameo de los Transformers que aparte de dar mucho juego en este comic va a tener muchísima importancia para el futuro del comic de Daniel Warren Johnson. Como decía al principio, estamos en un momento emocionante para los lectores en el que la interconexión está super bien planteada y resulta fácil de seguir, al estar hablando de tan sólo tres comics: Duke, Comandante Cobra y los Transformers. Porque Void Rivals es el mismo universo pero está ambientado en otros planetas y por tanto va más a la suya. Igual dentro de unos años el Universo Energón ha crecido tanto que la continuidad es complicada de seguir entre las diferentes colecciones, pensando cuando la franquicia mutante ha tenido cerca de 10 colecciones mensuales. Pero ahora mismo me resulta un lujo poder asistir a estos primeros pasos, sobre todo porque todos los comics están siendo super entretenidos y diferentes entre si.

Una parte importante del éxito del comic viene del apartado artístico, gracias al buen hacer de la dibujante Andrea Milana y del color de Annalisa Leoni. Milana y Leoni aciertan en el prólogo (que podéis ver abajo) transmitiendo la sensación de espacio desolado donde arranca la historia. Pero cuando el comic da un giro hacia la ciencia ficción, la imaginación desbordante de Milana resulta más interesante si cabe, con un color de Leoni enfatizando la ambientación de ciencia-ficción. En este comic hemos conocido el origen de las heridas que provocan que el Comandante Cobra lleve siempre su casco y un uniforme que le tapa completamente el cuerpo. Esto provoca una obvia falta de expresividad del villano protagonista, pero al tratarse de un villano cuyos actos van a hablar por él, no creo que vaya a ser un problema.

En algunos comics mainstream el dibujo no ayuda a la experiencia de lectura, pero Andrea Milana ha resultado una sorpresa super positiva que me hará estar atento a lo siguiente que publique. A la que ya conocía es a la colorista Annalisa Leoni (Oblivion Song), y su trabajo en este comic me parece que no baja del notable.

El objetivo de cualquier número 1 comiquero es provocar que el lector quiera comprar el siguiente. Cobra Commander es un gran éxito, porque confirmo que voy a seguir esta miniserie hasta su finalización. Aparte de lo interesante de esta historia, poder conocer nuevas conexiones con el Universo Energón es también la guinda de este estupendo pastel.

Comparto las primeras páginas del comic:

Cobra Commander es un comic estupendo centrado en el origen del villano que nos va a mostrar por qué los Joes deben estar preocupados por los planes de este asesino de masas en potencia. Muchas ganas de leer cómo continúa.

PUNTUACIÓN: 8/10

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¡Saludos a todos!

Crítica de Action Comics 1061 de Jason Aaron y John Timms (DC Comics)

Jason Aaron está disfrutando el final de su contrato en exclusiva con Marvel. Tras empezar hace unas semanas Batman: Off-world junto a Doug Mahnke, tenía curiosidad por leer su primera historia de Superman, que ha empezado a publicarse en el Action Comics 1061, con el equipo artístico de John Timms (Young Justice, Superman: Son of Kal-El) y color de Rex Lokus.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

¡COMIENZA SUPERMAN SUPERSTARS!

JASON AARON ESCRIBE SUPERMAN POR PRIMERA VEZ, ¡JUNTO AL ARTISTA FAVORITO DE LOS FANS JOHN TIMMS! ¡EL MAGO BIZARRO!

Jason Aaron escribe Superman por primera vez y se une al artista estrella John Timms para presentar una nueva y sorprendente visión del enemigo más extraño del Hombre de Acero. Cuando el doppelgänger de Superman descubre un oscuro secreto sobre sí mismo, se desata la versión más peligrosa de Bizarro que el mundo haya visto jamás.

No existen los malos personajes, sólo autores mediocres que no saben qué hacer con ellos. Este axioma es algo que tengo muy claro que es de aplicación para el mundo del comic mainstream americano. Y lo más destacado que para mi tiene este comic es la forma en que Jason Aaron consigue dar una nueva vida a uno de los villanos clásicos de Superman: Bizarro. Un personaje con el que nunca he conectado demasiado, en realidad. Aaron utiliza de forma novedosa una de las señas de identidad de Bizarro, ser el opuesto a Superman, para plantear un giro alucinante al vincular las mejoras de Bizarro con una de las mayores debilidades de Superman. Y este giro es algo que podría verse como una idea muy loca, pero sin embargo funciona de maravilla para esta historia. No es el único cambio que aplica a Bizarro, al añadir un elemento de pérdida personal que hace que las apuestas aumenten y que en parte sientas pena por la pérdida que ha sufrido.

Aparte de Bizarro, me gusta mucho la forma en que Aaron presenta a Superman / Clark Kent. Si algo queda claro con esta grapa es que Aaron sabe cómo hacer que el Hombre de Acero mole siendo fiel a la esencia atemporal del personaje. Además, cuando llega la acción, me flipa que el comic plantee una escala de poder a nivel cósmico, con unas páginas estupendas que resaltan la idea de «más grande que la vida» que deberían tener todas las aventuras de Superman. En lo referido al guion de Aaron, esta grapa me deja más que satisfecho.

En lo relativo al dibujo de John Timms, me gusta la forma en que dibuja a Superman y a Bizarro. Superman tiene un aspecto poderoso y protector, como se supone que tiene que lucir el Hombre de Acero en las páginas de un comic, mientras que Bizarro parece corpulento y tallado en mármol, con una tremenda sensación de amenaza. La narrativa de Timms también me parece correcta, ofreciendo un buen comic de superhéroes. Junto a Timms tenemos a Rex Lokus en el color, y creo que también hace un gran trabajo marcando el contraste entre el luminosos mundo de Superman con la oscuridad que se cierne sobre Metrópolis con la llegada de Bizarro. El color tiene que apoyar al dibujo y ayudar a la lectura y el disfrute del comic, y en ambos aspectos creo que Lokus saca buena nota.

Por ponerle un pero pequeñito, creo que Timms tiene la capacidad de convertirse en uno de los grandes dibujantes de pijameo a medida que mejore y crezca como artista. Digo esto porque el dibujo está bien, por ejemplo, refleja de maravilla la escala galáctica del combate entre Superman y Bizarro. Pero en algunas viñetas los personajes tienen poca expresividad y parecen un pelín demasiado rígidos. Esto no es un problema grave, y desde luego creo que a base de trabajar se mejora, cosa que Timms tiene más que asegurado.

Por ponerle otro pero a esta grapa, descubro que I. Bizarro va a ser una historia de tan sólo 3 números. En el lado positivo, la compra de estas dos grapas adicionales está más que asegurada. Pero en realidad me sabe mal que un concepto que podía dar tanto juego, sobre todo pensando en el estupendo cliffhanger con el que termina esta grapa, vaya a ser despachado en tan pocas entregas. En todo caso, este comic ha conseguido llamar mi atención, algo que para mi significa mucho pensando que hacía bastantes años que no compraba una grapa de Superman.

Comparto las primeras páginas del comic:

Buen arranque de la historia de Jason Aaron para Superman, me da dejado con muchas ganas de saber cómo continúa. Saber que se trata de un arco de tres números la convierte en compra segura.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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¡Saludos a todos!

Crítica de Veneno 17-23 de Al Ewing, CAFU y vv. aa. (Marvel Comics – Panini)

Tras la marcha de Bryan Hitch de Veneno, toca repasar mis impresiones de los últimos números de Veneno de Al Ewing, con dibujos de CAFU, Ramón F. Bachs, Sergio Dávila, y otros artistas, que han supuesto una nueva vuelta de tuerca al viaje de Eddie Brock y su hijo Dylan como Veneno.

PUNTUACIÓN: 7/10

¡Locura y más allá! Eddie Brock se ha enfrentado con muchos monstruos en su vida, pero ninguno tan terrible como el que ha nacido de su propia rabia: Locura. En este número, contempla el regreso de Locura al Jardín del Tiempo y en qué se convierte Eddie tras «Red Oscura».

Los números 17 a 23 de Panini incluyen Venom 17-25 USA, más las páginas correspondientes a Veneno del especial Free Comic-Book Day 2023: Spiderman/Venom One-Shot.

Tras Bryan Hitch, el artista español CAFU (Carlos Alberto Fernández Urbano) se convirtió en artista oficioso de la colección con el color de Frank D´Armata, que colorea toda la serie. CAFU ha dibujado los números 17, 18, 20, 21 (con Pere Pérez) y algunas páginas del número 25 USA, además del especial del Día del Comic Gratis.

Además de CAFU, Rogê Antonio dibuja el número 19 USA, Ramón F. Bachs el 22, Ken Lashey con Bachs dibujan el 23, Sergio Dávila con entintado de Sean Parsons el 24 y en el especial 25 tenemos además de a CAFU a Sergio Dávila con Sean Parsons, Ken Lashey y Julius Ohta.

Junto a esto, comentar también que Al Ewing guioniza todos estos números excepto el 23 USA que cuenta con guion de Torunn Grønbekk, que se encargará de guionizar la nueva etapa que empezará a partir del 26 USA con una nueva portadora del simbionte Veneno.

Veneno de Al Ewing parece un comic salido de la Marvel de los 70-80. Y pensando que toda su trama discurre con Eddie a través del tiempo, igual no es una idea tan descabellada. Y digo esto porque frente a la tendencia del comic mainstream actual de agrupar sus historias en arcos más o menos cerrados que ofrezcan una lectura satisfactoria en tomo, Al Ewing sigue con su historia río en la que no hay puntos en inicio (más allá del obvio, el primer número de su reinicio) y, sobre todo, no se le ve un final a la vista. En lo relativo a las colecciones de Marvel y DC que sigo, suelo esperarme a tener un arco completo para reseñarla, pero en el caso de Veneno he tardado mucho en decidir a hacer este artículo precisamente porque en estos meses no me encontraba nunca ese cierre de arco que me diera la oportunidad de hacerlo. Tener el especial 25 USA este mes en la edición de Panini me ha dado por fin ese momento.

A esto se le añade la complejidad de tener a dos protagonistas, que Ewing soluciona dividiendo el comic en dos. Unas grapas están centradas en la epopeya de Eddie a través del tiempo para recuperar su cuerpo y con ello su vida, intentando derrotar a su versión oscura futura Meridius, mientras que en otras grapas diferentes intercaladas su hijo Dylan sigue con sus aventuras en Nueva York en el presente, captando amigos para que se unan a su lucha, como es el caso del nieto de Norman Osborn.

Esta narración está resultando muy exigente para el lector. O al menos, para mi. Porque en las 9 grapas USA publicadas por Panini, además de la historia del Día del Comic Gratis, nos hemos encontrado con una distribución de 2 grapas para Eddie (números 17-18 USA) con el renacimiento de Eddie tras el cruce con Red Oscura, la siguiente (no. 19) centrada en Dylan contra Duende Dorado y la presentación de Flexo, otras 2 con Eddie (20-21) en las que controla a su versión oscura y enfadada de Locura, dos con Dylan (22-23) siguiendo con Flexo y una historia con Toxina con guion de Torunn Grønbekk, y las dos últimas (24-25) centradas por Eddie buscando apoderarse de la máquina del tiempo del Doctor Muerte para ir al futuro a enfrentarse a Meridius.

Esta distribución quizá es lo menos bueno de una historia que en todo caso se nota muy pensada por Ewing. Porque aunque deberían ser igual de importantes, en realidad la historia que me interesa es la de Eddie, de forma que las grapas intercaladas de Dylan aparte de estar peor dibujadas y tener muchísimo menos interés, provocan que se pare la narración de la historia principal. Hasta el punto que cuando volviamos tras una grapa de Dylan con Eddie me tenía que volver a leer lo anterior porque me encontraba despistado por lo contado hasta ese momento. Y diría que esto mismo lo siente también Panini al agrupar en una única grapa española (nº 21) dos grapas USA con dos historias de Dylan (nos. 22 y 23), para no parar dos meses la historia de Eddie. Y tengo claro que para Ewing sus dos protagonistas son importantes en su historia, y cuando llegue la convergencia de ambos resultará fundamental haber leído el viaje de Dylan igual que el de Eddie. Pero en mi caso me está provocando una dificultad inesperada para seguir esta colección, porque como digo el interés y el disfrute no es el mismo cuando protagoniza Eddie que cuando lo hace Dylan. Nada que ver.

En la parte de Eddie Ewing plantea soluciones narrativas alucinantes, como el momento en el limbo en que la acción se desdobla en dos realidades diferentes con dos finales diferentes para Eddie, una de las cuales conectando con el cruce de hace unos meses con Thor, mientras que la otra provoca el renacimiento de la consciencia de Eddie. Ver a Ewing jugando con la realidad y el tiempo me está resultando superchulo. Sin embargo, aparte del menor interés de Dylan, ver que Torunn Grønbekk parece que ha sido contratada para escribir estas historias resulta un bajón tremendo. Porque tras haberla leído en Jane Foster: Valquiria, Thor y Jane Foster y El Poderoso Thor veo a una escritora bastante mediocre, que a pesar de sus conocimientos en cultura nórdica cuenta sus historias de una forma que no las hace interesantes.

Otro tema es el apartado artístico. Que Bryan Hitch dibujara 16 grapas consecutivas de Veneno fue un hito alucinante. Sin embargo, tras la marcha de Hitch Marvel ha recaído en sus vicios actuales, iniciando un baile de dibujantes que me parece lamentable. Empezando por lo positivo, me gusta mucho CAFU, su narrativa y personalidad ayudan a que los comics protagonizados por Eddie molen mucho, trasladando las locuras de guion de Ewing a imágenes de forma modélica. Intentando mirar en positivo la situación, que Marvel dejara a CAFU el arco de Eddie y a otros artistas el de Dylan no es mala idea en principio. Sin embargo, al final tenemos que en 9 grapas USA CAFU sólo ha dibujado 4 grapas USA, más el especial del Día del Comic Gratis y algunas páginas del especial 25 USA. Muy poca producción. De hecho, me resisto a pensar que CAFU no pueda mantener un ritmo mensual de publicación ni 3 meses seguidos, de forma que estos cambios de dibujantes son cosa de Marvel, no del artista en cuestión. Aparte que tras dibujar el 21 USA, tendría que haber dibujado el 24 USA que volvía a estar protagonizado por Eddie, y sin embargo lo dibuja Sergio Dávila, que es muuuuuuy inferior. Luego en realidad no se puede decir que CAFU sea el artista «oficial» de Eddie Brock, es uno más de los diferentes artistas de paso que han pasado por esta cabecera. De hecho, compruebo en la solicitación que las próximas tres grapas las dibuja Julius Ohta, de forma que sus páginas en el especial 25 USA han servido de presentación en esta colección.

Y aquí viene lo negativo, porque Rogê Antonio, Ramón F. Bachs, Ken Lashey, Sergio Dávila con entintado de Sean Parsons y Julius Ohta dibujan el resto de números e historias de esta etapa. Y me gusta el estilo de Ramón F. Bachs, pero los demás artistas están a un nivel muy inferior al de CAFU. En especial, Ken Lashey es terrible. Y todo lo chulo que tenía la lectura inicial de esta colección con su consistencia artística se ha convertido en un sin-dios en el que no sabes lo que te espera en la siguiente grapa. Lo cual es la realidad actual en Marvel, pero no deja de ser un bajón que hace que la lectura no sea tan satisfactoria como antes.

Marvel ha decidido que Bryan Hitch siga realizando las portadas de Veneno, que he acompañado al artículo. Y dentro que las portadas me parecen modélicas y en general me gustan, en realidad me generan cierto rechazo. Porque Marvel intenta transmitir una consistencia artística que en realidad no existe en el interior. Y además, porque el Eddie Brock de Cafu tiene un feeling diferente al de Hitch, y sin embargo Marvel de alguna manera le desmerece al seguir anclados en lo que de facto es el pasado del personaje que no va a volver a páginas interiores. De hecho, no me sorprende que la portada del 25 USA (nº23 de Panini) sea la última de Hitch. (Por cierto, por eso mismo, que Cafu vaya a hacer las portadas de los números de Grønbekk y Ohta me genera la misma duda que estas de Hitch).

En general el Veneno de Al Ewing me gusta. Pero se me plantea un importante dilema de cara a los próximos meses. Y es que compruebo que Torunn Grønbekk se va a encargar de guionizar las tres próximas grapas USA, con dibujo de Julius Ohta, con una historia de Dylan que servirá de presentación de la Viuda Negra como la nueva Veneno. Y por lo visto hasta ahora ya digo que no conecto nada con Grønbekk, no creo que esta historia sea nada del otro mundo como ya no lo fue el número 23 USA. ¿Qué hago? ¿Me salto estas tres grapas y vuelvo para el 29 USA en el que Ewing y CAFU vuelven para seguir contando la historia de Eddie enfrentado a Meridius en el Jardín del Tiempo? La duda está ahí, aparte del problema de comprobar que tras las dos grapas de Ewing y CAFU empieza un crossover de Veneno y Matanza de nuevo con guion de Grønbekk y dibujo del terrible Lashey. Si empezamos con eventos mal vamos, la verdad.

Me resisto a no ver cómo cierra Ewing su historia. Eso me interesa. Pero la idea de comerme un montón de comics mediocres de Grønbekk con otros personajes que no sean Eddie me reconcome también. No tengo claro qué voy a hacer, pero que entre dentro de las posibilidades dejar de comprar Veneno ya muestra el problema que ha surgido en los últimos meses. Y ahora mismo no tengo respuesta.

Comparto las primeras páginas del número 17 de Panini:

Veneno de Al Ewing es un buen comic cuando tenemos a Eddie Brock de protagonista y cuando lo dibuja CAFU. Pero cae muchos enteros cuando la historia se centra en Dylan. Y sobre todo cuando no guioniza Ewing.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Crítica de Rogue Sun vol. 1 de Ryan Parrott y Abel (Image – Norma Editorial)

Tras leer los primeros volúmenes de Radiant Black, me he animado a comprar otros comics del Massive-Verse, empezando con Rogue Sun, el comic de Ryan Parrott y Abel que muestra una nueva visión del concepto de legado superheroico y de la difícil relación entre padres e hijos.

PUNTUACIÓN: 7/10

ARRANCA UNA NUEVA SAGA SUPERHEROICA DENTRO DEL MASSIVE-VERSE

Ayer: El gran héroe de Nueva Orleans, Rogue Sun, fue asesinado. Hoy: el adolescente rebelde Dylan Siegel descubre que Rogue Sun era su padre ausente, Marcus… y que de él ha heredado la Piedra Solar que le concede poderes.

Con la tarea de proteger nuestro mundo de las fuerzas de lo sobrenatural (y resolver el asesinato de su padre), Dylan se verá obligado a aceptar al hombre que se ha pasado la mayor parte de su vida odiando.

¡Del aclamado guionista Ryan Parrott (Mighty Morphin Power RangersDead Day) y el artista revelación Abel (Harley QuinnCrimes of Passion) llega un misterio sobrenatural que explora la complicada relación entre padre e hijo e irrumpe con fuerza dentro del Massive-Verse!

Me ha gustado mucho el guion de Ryan Parrott de este primer volumen. Me parece que Rogue Sun es una fantástica idea que no deja de sorprender al lector y llevarle por caminos poco o nada explorados en el medio super heroico. Empezando porque los dos supuestos poseedores del poder de Rogue Sun, Marcus Bell y su hijo Dylan, que asumirá sus poderes tras su muerte en la primera escena del comic, son ambos gilipollas. Resulta terrible ver la justificación de Gwen, la madre de Dylan, a que su marido las abandonara: «Pensaba que tu padre nos dejó para protegernos, para no ponernos en peligro. Hasta que se casó por segunda vez y formó otra familia». Y al mismo tiempo, Dylan ha podido sufrir una infancia triste sin padre, pero eso no es excusa para ser un imbécil en el instituto que acosa a chavales más pequeños que él. Hay que ser muy valiente en presentar a los protagonistas desde una óptica tan poco favorecedora, y yo lo he agradecido un montón.

Al mismo tiempo, creo que Parrott ha creado un worldbuilding estupendo para Rogue Sun. Las impresiones de los protagonistas principales son las que son, pero al mismo tiempo diría por como se han contado las cosas que hay mucho más en el pasado de esta familia, y las nuevas revelaciones nos mostrarán a Marcus con una óptica trágica que confío le rehabilite parcialmente. La segunda familia de Marcus formada por Juliette y sus hijos (hermanastros de Dylan) Aurie y Brock son unos personajes geniales que ya han dado mucho juego y estoy seguro que lo seguirán haciendo en el futuro.

Y luego tenemos el efecto Invencible. Y es que Rogue Sun no da un segundo de respiro y en este mismo volumen tenemos la confirmación de la identidad del asesino de Marcus. Algo que en realidad es un WTF? de libro, pero a la vez tiene sentido y da otro momentazo que muestra lo jodido que lo tiene Dylan para ser el héroe que necesita Nueva Orleans. En lo relativo a la historia, Rogue Sun me ha encantado.

En el dibujo tenemos a Abel, que dibuja este tomo con las seis primeras grapas de la serie, excepto los interludios que tenemos en algunos números y que están dibujados por Francesco Mortarino. Junto a Abel tenemos a Simone Ragazzoni en las páginas de flashback del número cinco, y en el color tenemos a Chris O´Halloran en los cuatro primeros números y a Natalia Marques en los números 5 y 6. Y la verdad es que no me ha gustado demasiado.

El estilo de Abel es super montonero, no sabiendo narrar la historia de forma interesante en ningún momento y con unos diseños de los personajes muy muy flojos. Rogue Sun, como Radiant Black, sufre del virus de ser un comic publicado por una indy que no puede pagar bien a sus autores, por lo que la calidad de los que trabajan allí es cuestionable. De hecho, Image no paga, sino que publica comics en los que los autores conservan los derechos, de forma que también asumen los riesgos y tienen que pagar todos los costes.

El dibujo tira para atrás y no es nada atractivo a la hora de contar la historia. De forma que tengo que decir que el comic me ha gustado a pesar del dibujo. Ni el dibujo es dinámico, ni las figuras están mostradas de forma atractiva, destacando para mal también la falta de fondos en montones de momentos. Por no hacer, no siquiera las splash-pages son espectaculares. Abel es un artista muy muy flojo. Me gustaría pensar que hay margen de mejora a medida que siga Pero también creo que el color de Chris O´Halloran y Natalia Marques tampoco es adecuado, tapando el dibujo en muchos momentos y haciendo que las páginas parezcan «muteadas«, apagadas y con aún menos chispa de la que tienen los lápices de Abel.

A pesar del deficiente dibujo, la historia de Ryan Parrott me justifica de sobra la compra de este volumen. De hecho, si encuentro una buena oferta del segundo volumen, lo compraré inmediatamente.

Comparto las primeras páginas del comic:

Rogue Sun ha empezado de la mejor forma posible y me ha dejado con ganas de más, a pesar de un dibujo que no está a la altura de la historia. Con todo, me apetece saber cómo continúa la historia de esta familia super disfuncional.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Crítica de Transformers 4 de Daniel Warren Johnson (Image Comics)

Cuarto número de Transformers de Daniel Warren Johnson, con color de Mike Spicer, y cuarto comicazo increíble. El mejor comic que se está publicando en la actualidad.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

«DANIEL WARREN JOHNSON está lleno de sorpresas». -ComicsOnline

Cuando los Decepticons atacan a los Autobots en su momento de mayor debilidad, ¡un insólito nuevo héroe se une a la batalla! Con las vidas de humanos y robots Transformers en juego, ¿podrá Optimus Prime desvelar el verdadero poder que se esconde tras la Matriz del Liderazgo para salvar a ambos?

Me parece increíble la capacidad de Daniel Warren Johnson de ofrecernos con cada grapa aún más emoción, más combates super molones y momentazos que en las grapas anteriores, que ya eran buenas de por si y me habían volado la cabeza. En las 22 páginas de esta grapa pasan un montón de cosas y todas son alucinantes.

La versión compasiva de Optimus Prime me parece de largo lo mejor de esta nueva etapa de los Transformers en Skybound. Verle usar su matriz para ayudar a los humanos del hospital aunque él mismo se encuentra herido y apenas puede rechazar a los Decepticons es un momento increíble que me puso los pelos de punta mientras lo leía. Pero el detalle posterior cuando entretiene a un niño enfermo o herido del hospital cuando apenas se tiene en pie muestra a un Prime con más humanidad que muchas personas. Es super reconfortante ver a un héroe tener la brújula moral en el lugar adecuado y ponga la seguridad de los inocentes por encima de los demás.

Si Optimus Prime es el bueno, el comic no deja de mostrar de todas las formas posible lo malos que son los Decepticons. No hay matiz en esto tampoco. El ataque al hospital simplemente porque pueden y porque saben que eso afectará a Prime me parece un momentazo terrible de esta grapa. Como lo es también ver la crueldad de Starscream y Soundwave a la hora de conseguir piezas de repuesto, mostrando que harán lo que sea mientras sirva a sus intereses egoistas.

Por el lado de los demás personajes, me ha flipado el momento de Carly y Cliffjumper en el que es ella la que quiere dar cera a los Decepticons. Luego, cuando conocemos que ambos han sufrido la pérdida de seres queridos por culpa de los Decepticons, tenemos otro detalle lleno de emoción, como lo es la conversación entre Prime y el padre de Spike después del combate, con el germen de la que espero sea el inicio de la colaboración entre los humanos y los Autobots. La aparición de Ratchet y Jazz en el momento justo es otro momento genial de un comic perfecto de principio a fin.

Y hablando del final, sin spoilear nada, tras leer las últimas páginas me encontré gritando HELL YEAH!!! en el comedor de mi casa. ¡Qué momentazo!! (Aparte que no lo vi venir). Me flipa la habilidad y conocimiento de Daniel Warren Johnson del medio comiquero, y su capacidad de regalarnos unos chiffhangers alucinantes mes tras mes que convierten la compra del próximo número una obligación. Me encanta gastarme mi dinero en comics así.

Hasta ahora he comentado lo más destacado de la historia, pero si Transformers es el mejor comic americano actual, es en gran parte debido al dibujo alucinante de Daniel Warren Johnson. Los combates tienen una fuerza y son mostrados con unos planos super dinámicos increíbles. DWJ consigue además que el ataque al hospital sea sobrecogedor. Aparte de todo, me flipa la narrativa visual de Johnson, utilizando muchas viñetas pequeñas en muchas páginas que cuentan de forma perfecta, dejando espacio para los grandes momentos visuales de esta grapa.

Otro detalle que me chifla es la forma en que DWJ resalta lo machacados que están los Autobots, estando todos llenos de arañazos, abolladuras y quemaduras tras los combates que han soportado. En especial Optimus está hecho polvo, pero eso no le impide hacer siempre lo correcto, aunque ello le ponga un poco más cerca de la muerte.

Transformers es el mejor comic actual, con un Daniel Warren Johnson pletórico. No se cuando se publicará este comic en España, pero su compra en grapa USA mensual está más que justificada, porque el disfrute que nos está dando este comic se sale de la escala.

Comparto las primeras páginas del comic:

Transformers de Daniel Warren Johnson con Mike Spicer es uno de los mejores comics que estoy leyendo actualmente, si no el mejor. No hay más.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

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