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Crítica de The Creator de Gareth Edwards

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Siete años después de Rogue One Gareth Edwards estrena su nueva película también situada en la ciencia ficción, The Creator.

PUNTUACIÓN: 5.5/10

En medio de una guerra futura entre la raza humana y las fuerzas de la inteligencia artificial, Joshua, un duro exagente de las fuerzas especiales que llora la desaparición de su esposa es reclutado para cazar y matar al Creador, el escurridizo arquitecto de la IA avanzada que ha desarrollado una misteriosa arma con el poder de acabar con la guerra… y con la propia humanidad. (FILMAFFINITY)

Gareth James Edwards (1975) es un cineasta británico que se dio a conocer gracias a Monsters (2010), una película independiente en la que trabajó como guionista, director, director de fotografía y artista de efectos visuales. Posteriormente dirigió Godzilla (2014), y Rogue One: Una historia de Star Wars (2016). Tras los múltiples problemas que sufrió durante el rodaje de la película de Star Wars, en la que no dirigió los reshoots ni controló el montaje final estrenado en los cines, que incluye sin ir más lejos la ya super icónica final de Darth Vader, Edwards ha tardado 7 años en poder sacar adelante esta nueva película, de la que también es autor del guion junto a Chris Weitz a partir de una idea suya.

The creator es una película de 133 minutos de duración y un presupuesto de 80 millones de dólares, que ha sido producida por 20th Century Studios. La película fue rodada en localizaciones en Tailandia y cuenta con fotografía de Greig Fraser (durante la preproducción) y Oren Soffer durante el rodaje en si, montaje de Hank Corwin, Joe Walker y Scott Morris y música de Hans Zimmer.

En el reparto encontramos a John David Washington (el hijo de Denzel) como Joshua Taylor, un sargento y agente encubierto del ejército estadounidense. Madeleine Yuna Voyles es Alpha-O / «Alphie», un «simulante» robótico con la capacidad de controlar la tecnología a distancia. Gemma Chan es Maya Fey-Taylor / Nirmata, la hija de Nirmata («El Creador») y esposa de Taylor. Allison Janney es Howell, una coronel del ejército estadounidense que recluta a Taylor, Ken Watanabe interpreta a Harun, un soldado simulante en Nueva Asia y Sturgill Simpson es Drew, antiguo camarada y mejor amigo de Taylor.

Empezando por los elementos positivos, The creator es una película con una fotografía y un diseño de producción alucinantes. Me he quedado muerto al descubrir que el presupuesto de la película ha sido de tan sólo 80 millones de dólares, porque la verdad es que luce como el mayor blockbuster de Hollywood de este año. Los efectos especiales entre otros de IL&M son espectaculares y lucen increíbles, sobre todo con el diseño de los simulantes robóticos que albergan una Inteligencia Artificial. El diseño de la nave Nomad del ejército de los Estados Unidos aporta un elemento de Gran Hermano sobre todos nosotros que en cualquier momento puede acabar con quien se les opone que da una buena sensación de amenaza y peligro inminente durante toda la película. Y en general me gusta toda la tecnología, los vehículos y armas que veremos durante la película.

Gareth Edwards se muestra como un creador de potentes imágenes, ayudado por las localizaciones reales en Tailandia y por un buen ojo para crear momentos para el recuerdo con unos planos super bonitos que combinan con habilidad los elementos reales con los insertados digitales mediante los efectos visuales.

Lo malo es que todo lo bueno que tiene Edwards como director y creador de imágenes potentes no se traslada a su guion, que es una mezcla mal ensamblada de un montón de clásicos del cine de ciencia ficción. En The Creator tenemos un poco de Akira, unas gotas de Blade Runner, por supuesto el viaje de descubrimiento que Steven Spielberg planteó en I.A. (y en general, cualquier película en las que dos personas opuestas emprenden un viaje que les unirá), toques antibelicistas con una estética de Apocalypsis Now, o la consciencia de los robots / Inteligencia Artificial de Yo, Robot. Y sobre todo, mucha inspiración en el cine de Neill Blomkamp, tanto en el diseño de naves y robots de Distrito 9, como de argumento de Elysium.

Y tener unas fuentes de inspiración claras no es un problema en si mismo si consigues que tu historia conecte con el espectador, y esto es algo que nunca sucede. La historia plantea un viaje del protagonista Joshua Taylor para encontrar a su esposa, a la que creía muerta hace cinco años por culpa suya. Durante este viaje aprenderá a querer a una I.A. con forma de niña con habilidades que podrían decantar la guerra a favor de las I.A.s. La misión de Taylor era encontrar esta arma y entregarla al ejército si podía o destruirla si no tenía más remedio. Cuando descubra que el arma es la niña, aunque sea robótica, todo su mundo se derrumbará.

El problema es que para ser una película de apenas 130 minutos, se me ha hecho larga en varios momentos. Aunque Edwards intenta plantear una historia de amor (en la distancia) que aporte cierto romanticismo y poesía en algunas escenas, lo cierto es que la película es una persecución incesante que no deja a los protagonistas (y al espectador) un segundo de respiro, intentando ocultar la endeblez de la historia. Cosa que se nota demasiado. De esta forma, Taylor y la I.A. Alphie escapan del ejército de los USA, ayudándose de alguien que acaba muriendo, para cambiar de localización ayudado por otra persona para volver a ser encontrados y volver a escapar viendo morir a alguien. Hay elementos sugeridos durante el metraje que podían haber estado bien si hubieran podido ser desarrolladas mejor, como la posibilidad que las I.A.s tengan sentimientos y estén vivas y merezcan no ser exterminadas, o el contraste entre el militarismo violento de los humanos americanos, que por supuesto se confirman como los malos de la historia, con los pacíficos granjeros e I.A.s que conviven en harmonía en los poblados de Asia. El elemento de industrialización occidental «mala» frente a indigenismo «bueno» es otro elemento muy claro a lo largo del metraje.

A pesar de la perfección visual, esta persecución no acaba de funcionar como enganche emocional. Y no creo que sea un problema del reparto, que hace lo que puede con las herramientas a su disposición, sino de la historia de Edwards y de unos diálogos demasiado funcionales y muy poco emocionales. Para empeorar las cosas, la película termina descarrilando en el tercio final a partir de que Taylor y Alphie llegan a su destino. A partir de ahí se suceden una serie de absurdeces que terminaron echándome de la película. No quiero spoilear elementos claves, pero la inspiración de Elysium, cuyo tercer acto tampoco funcionaba, se hace demasiado evidente. Hay películas correctas que un buen final consiguen elevarla. Sin querer poder el dedo en la llaga, Rogue One es un ejemplo perfecto. Sin embargo, The Creator descarrila y nos plantea un final que intenta ser romántico y emocional como final del camino de Taylor, pero que resulta una ridiculez.

Hay otros elementos que me han incomodado a lo largo del metraje. Antes comentaba que el diseño de las I.A.s con la parte trasera del cráneo abierta me ha flipado. Pero eso es una cosa, y otra que TODOS los simulantes giren sus cabezas de forma artificial para que veamos su cráneo robótico, algo que empezó a sacarme de la película cuando volví a verlo por trigesimocuarta vez sin aportar nada a la trama más allá de «mira qué chulo queda». Tampoco he acabado de entender la geopolítica de este mundo y cómo se supone que los Estados Unidos están en guerra contra Asia pero luego actúan sin oposición todo el rato, excepto en una de las primeras escenas. Y entiendo la inspiración en la guerra de Vietnam, pero es otro elemento que tampoco me ayudo a entrar en la película.

Me gustaría poder decir que me ha gustado más The creator de lo que lo ha hecho, pero lamentablemente me ha parecido fallida en muchos momentos y una ocasión perdida de darnos LA PELÍCULA de sci-fi del 2023. Una pena.

Comparto el trailer de la película:

Es una pena que The Creator no acabe de saber crear una historia interesante que nos atrape emocionalmente y evite que veamos las clarísimas fuentes de inspiración de Gareth Edwards,

PUNTUACIÓN: 5.5/10

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Crítica de Nadie te salvará de Brian Duffield (Disney+)

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Tras leer buenas críticas de Nadie te salvará del guionista y director Brian Duffield, me he animado a verla aprovechando su estreno en Disney+. Y me he encontrado un ejercicio de estilo sumamente interesante que merece la pena su visionado.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Brynn es una joven brillante que vive aislada de un vecindario que la ha apartado. Solitaria pero optimista, encuentra consuelo en la casa donde creció, hasta que unos extraños ruidos la despiertan. Proceden de intrusos que parecen ser sobrenaturales. Brynn se enfrenta a extraterrestres que amenazan su futuro y la obligan a enfrentarse a su pasado. (FILMAFFINITY)

Brian Duffield (1987) dirigió la comedia negra Spontaneous (2020) antes de esta película escrita y dirigida por él que mezcla ciencia ficción y terror. Como guionista encontramos trabajos como Love and Monsters (2020), la entretenidísima Underwater (2020) y la pasada de rosca The Babysitter (2017).

Nadie te salvará es una película de 93 minutos de duración, 88 sin los títulos de créditos finales. Cuenta con fotografía de Aaron Morton, montaje de Gabriel Fleming y música de Joseph Trapanese. La película ha sido producida por 20th Century Studios, ahora propiedad de Disney, con un presupuesto de 22 millones de dólares. Aunque tuvo una premiere la semana pasada en Los Ángeles, en los Estados Unidos se ha estrenado en HULU, mientras que en España lo ha hecho dentro del catálogo de Disney+.

Kaitlyn Dever, a la que descubrí en la maravillosa Booksmart (Super empollonas) y que también tuvo un interesante papel en Dopesick, Historia de una adicción, es la espectacular protagonista de esta historia en la que está presente en pantalla en el 95% del tiempo. Dever es Brynn, una joven que vive aislada acosada por un pecado de su pasado que enfrentará a una invasión de su domicilio diferente a todo lo visto hasta la fecha. Junto a Dever encontramos en el reparto a Elizabeth Kaluev como la joven Brynn, Zack Duhame como el cartero, Lauren L. Murray como la madre de Brynn, Geraldine Singer como la Sra. Collins, Dane Rhodes como el jefe de policía Collins, Daniel Rigamer como el Sr. McCreary, Dari Lynn Griffin como Maude, la amiga de Brynn fallecida hace 10 años, y Evangeline Rose como la joven Maude.

Nadie te salvará ha resultado toda una sorpresa y sobre todo, un interesante ejercicio de estilo. Porque el principal hecho distintivo es disfrutar de una película planteada prácticamente SIN DIÁLOGOS. Esto no quiere decir que no haya sonido, claro, lo cual genera un marco narrativo poco habitual que es lo que va a conseguir que se hable de esta película en las próximas semanas.

En muchos aspectos, la historia de Brian Duffield parece sacada de un episodio de Twilight Zone, porque la mezcla de ciencia ficción muy loca con una historia de terror en la que una joven huye de varios stalkers, con la peculiaridad que son alienígenas, permite a Duffield plantear una colección de escenas repletas de tensión. La mención a Twilight Zone viene también la puesta en escena y sus efectos especiales, que resultan ajustados pero con alguna escena un poco más cutrilla de lo esperable. Para resolver la problemática presupuestaria Duffield plantea en la mayoría de momentos que no se vea bien al alien, presentándolo en segundo plano desenfocado al centrarse la cámara en la protagonista. El sugerir más que mostrar sobre todo en la primera mitad creo que funciona mejor que cuando luego la película se lanza a un frenesí de aliens atrapa-humanos, pero creo que el conjunto queda bastante equilibrado, teniendo en cuenta que este aumento de escala se corresponde con lo esperado en un típico climax final.

Kaitlyn Dever es la omnipresente protagonista. A la sobre aparición en pantalla, prácticamente diría que está en el 95% de planos con una acción siempre gira a su alrededor, hay que sumar el problema añadido de no tener diálogos para construir a su personaje. Sin embargo, Dever está increíble, planteando una expresividad no verbal sobresaliente, por ejemplo cuando sufre para intentar no hacer ruido mientras el primer alien invade su casa y ella está hiperventilando. Dever consigue que te pongas en la piel de Brynn y que sufras ante un destino que parece inevitable debido a los poderes y número de los aliens que parece que han invadido la localidad. La película me parece un éxito total, pero justo por eso hay que destacar que con otra actriz menos capaz la película hubiera naufragado. Dever me gustó en sus trabajos previos, y tras verla en esta película se confirma que habrá que estar atento a sus próximos proyectos.

Brynn se encuentra atormentada por un pecado del pasado relacionado con su amiga fallecida Maude. Un hecho que la ha convertido en una apestada en su pueblo y la obliga a vivir casi en soledad. La resolución de la historia con un final feliz bizarro en el que algunos elementos quedan a la interpretación del espectador, con alguna cosa que según se mire no tiene sentido, es otro elemento que también me recordó a Twilight Zone, dicho en este caso con connotación positiva.

Otra cosa que me ha gustado es la duración de la película. Descontando los títulos de crédito iniciales y finales la historia no llega a los 90. Esto también lo hace parecer un episodio de televisión ampliado, pero me gusta que la historia es la que es y no se busque alargar artificialmente algo que por otro lado no da más de si. El ritmo es perfecto, así como la tensión que se va creando con cada nueva escena a medida que avanza la película, ofreciendo un final inesperado respecto a lo que es el entretenimiento más mainstream, pero que de nuevo es típicamente Twilight Zone.

Si a esto le sumamos la comodidad de poder verla en casa gracias a su estreno en Disney+, nos encontramos con una combinación ganadora. Y es que reconozco que hay muchas posibilidades que una película vendida por la peculiaridad de no tener diálogos NO me hubiera llamado suficientemente la atención como para pagar por verla en el cine. Pero al tenerla en casa la cosa cambia. Cambia completamente, porque me alegro de haberla visto. Y la recomiendo completamente.

Comparto el trailer de la película:

Nadie te salvará me ha resultado un interesante ejercicio de estilo resuelto con habilidad y calidad por el director Brian Duffield gracias entre otras cosas al espectacular trabajo de su protagonista Kaitlyn Dever.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de Misterio en Venecia de Kenneth Branagh

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El actor y director británico Kenneth Branagh ya tiene su trilogía de películas de Hercules Poirot con el estreno de Misterio en Venecia, una entretenida y super interesante película que conecta el whodunnit con una ambientación casi de terror.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

En la Venecia posterior a la Segunda Guerra Mundial, Poirot, ahora retirado y viviendo en su propio exilio, asiste a regañadientes a una sesión de espiritismo, cuando uno de los invitados es asesinado, por lo que depende del ex detective descubrir una vez más al asesino.

Tras Asesinato en el Orient Express (2017) y Muerte en el Nilo (2022), Kenneth Branagh vuelve al mundo de Agatha Christie con esta película que cuenta con guion de Michael Green (guionista de las dos películas anteriores) basado en Hallowe’en Party de Agatha Christie. Misterio en Venecia cuenta con fotografía de Haris Zambarloukos, montaje de Lucy Donaldson y música de Hildur Guðnad. La película de 103 minutos de duración ha tenido un presupuesto de 60 millones de dólares y fue rodada en localizaciones de Venecia (obvio) y en los estudios Pinewood de Inglaterra.

Kenneth Branagh vuelve a interpretar a Hércules Poirot, el detective belga de fama mundial que se encuentra retirado y sin ilusión por continuar sus investigaciones. Kelly Reilly (a la que recuerdo por su papel de Beth Dutton en Yellowstone) es Rowena Drake, una cantante de ópera retirada y madre de Alicia (Rowan Robinson), su hija fallecida hace algún tiempo. Tina Fey interpreta a Ariadne Oliver, amiga de Poirot y escritora de novelas policíacas que le convence a asistir a una sesión de espiritismo que se complicará. Kyle Allen es Maxime Gerard, un buscavidas ex prometido de Alicia, Camille Cottin es Olga Seminoff, la ama de llaves de Rowena, Jamie Dornan es el Dr. Leslie Ferrier, un médico que sufre un trauma psicológico tras participar en la 2ª Guerra Mundial, Jude Hill es Leopold Ferrier, el hijo precoz del Dr. Ferrier, Ali Khan es Nicholas Holland, ayudante de Reynolds y hermanastro de Desdemona (Emma Laird), Riccardo Scamarcio interpreta a Vitale Portfoglio, guardaespaldas de Poirot y ex policía, y Michelle Yeoh hace de Joyce Reynolds, una supuesta médium cuya sesión de espiritismo pondrá en marcha el drama de la película.

Debido al cambio de tono y estética de Misterio en Venecia, tengo que reconocer que lo he pasado muy bien, bastante más de lo que esperaba. Y es que el principal hecho distintivo de la película es el acierto con el que Branagh plantea lo que podría haber sido un whodunit convencional convirtiéndolo casi en una historia de terror sobrenatural gracias a una puesta en escena realmente acertada.

Hercules Poirot no cree en lo sobrenatural o en el más allá, solo en la lógica y lo que puede explicarse con la razón. Sin embargo, sucesos que vivirá tras la sesión de espiritismo en Venecia desafiarán todas sus creencias. ¿Realmente existe el alma, y por consiguiente los fantasmas y las maldiciones? ¿O acaso hay una explicación más terrenal? Esto se ve amplificado por una fotografía en algunos momentos casi en blanco y negro, un montaje que toma muchos trucos del terror y un diseño de producción y una fotografía brillantes que amplifican la sensación de casa encantada del palacete de Venecia donde tienen lugar los hechos.

Al final, una historia de Hercules Poirot es un whodunit en el que como siempre, aquel que menos aparezca y que menos podría parecerlo a priori se confirmará como el asesino. O la asesina, claro. Sin embargo, en diversas fases esto queda casi en segundo lugar ante los problemas de Poirot de distinguir lo que es real de la imaginación o la locura, añadiendo una dosis de incertidumbre a la que no estamos acostumbrados en películas de este tipo. Y que yo celebro completamente.

Uno de los principales valores de Orient Express y Muerte en el Nilo era su enorme y estupendo casting de grandes estrellas. En ese sentido hay que reconocer que Misterio en Venecia no tiene un casting tan potente. Y dentro de que todos están más que correctos y cumplen con lo que la historia necesita de ellos, en cierto sentido quedan opacados por la puesta en escena y el desequilibrio que los espectadores sentiremos al igual que Poirot, de forma que no tienen unas historias especialmente memorables.

En ese sentido, la duración de 100 minutos, en comparación con los 130 minutos de Muerte en el Nilo, obligan a ir al grano y no emplear ni un segundo de más en la construcción de los diferentes sospechosos de los crímenes. Por cierto, aunque esto último puede ser entendido como un problema, para mi no lo es. Se están poniendo tan de moda las películas imposiblemente largas que celebro poder disfrutar de una película de 100 minutos bien planteada y resuelta de forma super satisfactoria.

Tengo que reconocer que NO leí el relato original de Agatha Christie. Lo digo porque había leído que una de las principales fuentes de críticas que se han hecho fue debido a que esta historia no tienen nada que ver con la original. Por motivos obvios, no es algo que me haya supuesto ningún problema,

Otro elemento que me llamó la atención de la película es que viendo las imágenes de la ciudad de los canales me dejó pensando que películas de este tipo son el mejor reclamo publicitario que Venecia podría desear. Una ciudad que parece está de moda, pensando que un segmento grande de la última película de Misión Imposible también se rodó allí. Y no me extraña, porque ¡Qué bonita es Venecia! Sobre todo si la puedes ver en imágenes casi sin gente como en esta película, en contraste con las mareas de turistas que inundamos la ciudad en los periodos vacacionales.

En resumen, Misterio en Venecia no inventa nada en cuanto a historia, pero ofrece un entretenimiento estupendo gracias a las elecciones creativas de Kenneth Branagh y a incorporar este tono terrorífico.

Comparto el trailer de la película:

El cambio de estética ha conseguido que Misterio en Venecia no sea más de lo mismo, algo que es claramente éxito de su director Kenneth Branagh.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de Elemental de Peter Sohn (Disney+)

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Aprovechando su estreno en Disney+ he visto Elemental, la última película de animación de Pixar que ha sido dirigido por Peter Sohn (El viaje de Arlo).

PUNTUACIÓN: 6.5/10

Ambientada en Ciudad Elemento, donde conviven habitantes de fuego, agua, tierra y aire. La protagonista de la historia es Ember (Candela), una joven fuerte, ingeniosa y con carácter, cuya amistad con un chico sensible, afable y tranquilo llamado Wade, cambia su perspectiva sobre el mundo en el que viven. (FILMAFFINITY)

Peter Sohn (Nueva York, 1977) es un animador, cineasta y actor de doblaje estadounidense, más conocido por su trabajo en Pixar Animation Studios. Aunque él nació en Estados Unidos, es hijo de emigrantes coreanos, y esta experiencia vital ha querido trasladarla a Elemental. Mientras estudiaba consiguió un trabajo de verano en el clásico de animación de Brad Bird El gigante de hierro. Tras graduarse, trabajó en The Walt Disney Company y Warner Bros. antes de incorporarse a Pixar en los departamentos de arte e historia de Buscando a Nemo. También trabajó en Los Increíbles, Ratatouille y WALL-E. Dirigió su cortometraje Partly cloudy (2009) y su primer largometraje The Good Dinosaur (2015).

Sohn además de dirigir la película es responsable de la idea para esta película que luego fue desarrollada en guion por John Hoberg, Kat Likkel y Brenda Hsueh. Pete Docter, directo de Pixar director de Monsters, Inc. (2001), Up (2009), Inside Out (2015) y Soul (2020) actúa como productor ejecutivo. La película cuenta con fotografía de David Bianchi y Jean-Claude Kalache, montaje de Stephen Schaffer y música de Thomas Newman. Al tratarse de una película de Disney / Pixar, estamos hablando de una película con un importante presupuesto superior a los 200 millones de dólares, lo que ha complicado su rentabilidad comercial en su paso por las salas comerciales, al recaudar tan sólo 484 millones en la taquilla mundial, por debajo del multiplicador x2.5. Con su estreno en Disney+ la película va a tener una segunda vida, con mucha gente como yo y supongo que muchas familias con niños pequeños animándose a verla.

En la parte del reparto de voces en la versión original tenemos a Leah Lewis poniendo la voz a Ember Lumen, una elemental de fuego que trabaja en la tienda de su familia en el barrio Ciudad del Fuego de Element City. Mamoudou Athie es Wade Ripple, un elemental de agua que trabaja como inspector municipal y conocerá a Candela por accidente. Ronnie del Carmen y Shila Ommi interpretan a los padres de Candela Bernie y Cinder. Wendi McLendon-Covey es Gale Cumulus, una elemental de aire que es la jefa de Nilo, mientras que Catherine O’Hara es Brook Ripple, la madre de Nilo.

En lo referido a la animación, Elemental es un triunfo absoluto, algo en lo que no había ninguna duda. El diseño de los seres elementales me parece una pasada, empezando por los protagonistas, una elemental de fuego con problemas para controlar su temperamento y un elemental de agua que tiene las emociones a flor de piel, o en la superficie. Las llamas de Ember están siempre en movimiento creando ondas super chulas, al igual que las formas fluidas de Wade, que hacen que su forma cambien en función de la situación o de los sentimientos que tenga en ese momento. Pixar siempre ha sido un referente en la animación y el diseño de los personajes vuelve a demostrarlo.

La creación de Element City también me parece una pasada. Hay un nivel de detalle tan alucinante que me vuela la cabeza, y siento que hay un montón de detalles de la ciudad y sus habitantes que me he perdido por la sobrecarga sensorial que tienen algunas escenas. La idea de una ciudad habitada por seres antropomórficos de los cuatro elementos (Fuego, Agua, Aire y Tierra) permite la creación de ambientes muy diferentes, lo que ha permitido a los animadores dar rienda suelta a su creatividad.

Elemental coge muchos elementos de la comedia romántica, llevando la típica estructura de «personas opuestas que aprenderán a quererse al tener más cosas en común de lo que ellos pensaban en un principio» un paso más allá al ser seres de Fuego y Agua, literalmente lo más opuesto posible en el mundo físico. Esta comedia romántica comparte importancia con la también típica historia de Pixar (y en general de la animación maintream) sobre una joven que debe darse cuenta que lo que quieren sus padres no tiene que ser lo que quiere ella, llegando a entender lo quiere hacer con su vida. En este caso, la ruptura no se hace de forma dramática, dado que Sohn también incorpora un elemento de homenaje y reconocimiento a los padres y familias emigrantes que viajaron a otros países para ofrecer una vida mejor a sus hijos. Obviamente pensando en sus padres emigrantes coreanos.

A nivel general, la película se ve con agrado y gustará a todos los amantes de la animación, dado que hay un montón de elementos que resultan sorprendentes y super chulos. Dado que vi la película en casa gracias a mi suscripción a Disney+, creo que el objetivo de entretenimiento ligero está cubierto con la película.

Elemental tiene un problema fundamental, y es que se ha estrenado después de la brillante Zootrópolis de Disney Animation. Con razón la sensación era de una película derivativa y una repetición del mismo concepto general de una ciudad habitada por seres diversos que tienen que aprender a convivir, cambiando los animales por seres elementales. Y en la comparación Elemental sale perdiendo en todo. En casi todo, porque hay que reconocer que la animación de esta película es increíble, permitiendo estos seres elementales que Pixar cree unos fuegos artificiales super espectaculares, aunque vacíos.

Zootrópolis nos trajo una película de animación increíble con unos personajes maravillosos super carismáticos que además tenía una sorprendente historia de género negro con un potente contenido social. Elemental sólo tiene la animación, flojeando muchísimo con una historia que diría no estuvo suficientemente trabajada. La parte de comedia romántica es flojita y casi planteada con plantilla, a lo que hay que añadir un misterio (que luego se convierte en problema) derivado de la aparición de agua en Ciudad de Fuego que es directamente una chorrada. Diría que el director Peter Sohn estaba tan centrado en el elemento de diversidad centrado en el homenaje de sus padres, que se olvidó de hacer más interesante y atractivo el resto de elementos.

Ember y Wade están chulos, no sólo sus diseños sino también sus papeles en la película, aunque en realidad sólo Ember evoluciona y cambia, mientras que Wade en lo fundamental se mantiene igual que era al principio, aunque al final con novia. Aunque en realidad forman una buena pareja y el momento en que deciden tocarse por primera vez resulta super emocionante. Lo malo es que el resto de reparto excepto quizá el padre de Ember parecen muebles de atrezzo puestos ahí sin interés, el carisma del conjunto y lo que hacen en la película se queda a años luz de la personalidad y la gracia que disfrutamos en Zootrópolis.

Esto me lleva a otro elemento importante, y es que a pesar del estupendo diseño de todo y la animación espectacular, Peter Sohn no sabe sacar el partido que tenía una ciudad de elementales. De hecho, los elementales de aire y tierra no pintan prácticamente nada, y quizá excepto en el brillante prólogo inicial en la estación (como en Zootrópolis) no llegamos a ver la ciudad es toda su majestuosidad. En muchos aspectos, Elemental parece una oportunidad perdida.

En todo caso, dentro que la historia me ha parecido flojita, tampoco es que no me haya gustado la película. La imaginación de algunas situaciones y personajes superan de sobra los aspectos que me han funcionado menos. Además, al verla en casa y no haber pagado una entrada de cine el entretenimiento que me ha ofrecido Elemental me vale, dentro que me deja la sensación que hubiera podido ser mucho mejor con que se hubieran esmerado un poco más con la historia. Dentro de ser una película correcta, creo que se va a quedar como una de las flojas del estudio.

Además, merece la pena destacar que tenemos una nueva película de Pixar que elige un tema y una historia que NO es para niños, alejando con este intento de comedia romántica de enredo al público infantil/juvenil que es un porcentaje fundamental de público. Una comedia sin demasiado gracia que hasta el último tramo es muy poco romántica y cuyo enredo como decía es una chorrada. En mi caso a mi hijo no le apeteció verla ni en el cine ni siquiera ahora que se estrenó en casa. Y si una película no le apetece muchos a los niños, los padres no se molestan en ir el cine a hacer el gasto.

Esto me lleva a otro aspecto importante a comentar. Cuando Disney apostó por Disney+ frente al cine en salas se ha cargado la viabilidad comercial de muchas de sus películas mainstream. Lo hemos visto con La Sirenita y también ha pasado con Elemental. Saber que en pocas semanas Elemental se estrenará en Disney+ claramente ha provocado que mucha gente entre la que me incluyo nos esperemos a verla en Disney+. Y es que Elemental se estrenó en los cines el pasado 14 de Julio, han pasado apenas dos meses y ya la tenemos «gratis» en streaming. Para mi esto es un gran problema que va a afectar no a esta película concreta, sino a toda la parrilla de estrenos de Disney / Pixar. Si Disney quiere que sus películas ganen dinero en los cines deberían distanciar los estrenos de Disney+ al menos tres meses. Y cuanto más semanas hubieran más incentivos tendriamos los espectadores en querer verla en los cines. Desde luego 2 meses es un plazo ridículo. Pero ya sabrá Disney lo que hace.

Comparto el trailer de la película:

Elemental está bien, pero sin más. Pixar mantiene la perfección alucinante de su animación pero ha perdido el toque que tenía ofreciendo una historia que no está al nivel de otras joyas del estudio.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

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Crítica de The Equalizer 3 de Antoine Fuqua

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Denzel Washington vuelve a interpretar a Robert McCall en la tercera entrega de The Equalizer, de nuevo dirigida por Antoine Fuqua. Hoy analizo esta entretenida película.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Desde que renunció a su vida como asesino del gobierno, Robert McCall (Denzel Washington) ha luchado para reconciliarse con las cosas horribles que ha hecho en el pasado y encuentra un extraño consuelo en hacer justicia en nombre de los oprimidos. Mientras se encuentra en su casa en el sur de Italia, descubre que sus nuevos amigos están bajo el control de los jefes del crimen local. A medida que los acontecimientos comienzan a complicarse, McCall entiende lo que tiene que hacer: convertirse en el protector de sus amigos enfrentándose a la temida mafia.

Antoine Fuqua es un veterano director especializado en el cine de acción que ha trabajado en multitud de ocasiones con Denzel Washington, empezando con Training day, el peliculón de 2001 con el que Washington ganó el Oscar. Fuqua ha dirigido Rey Arturo, La lágrimas del sol, Shooter, Objetivo: La Casa Blanca, el remake de Los siete magníficos (también con Denzel), además de la dos anteriores películas de The Equalizer.

The Equalizer 3 es una película de 108 minutos de duración que tiene a Denzel y a Fuqua como productores. El guion de la película lo firma Richard Wenk, colaborador habitual de Fuqua, y además la película cuenta con Robert Richardson como director de fotografía, que trabajó con Fuqua en Emancipation, el montaje de Conrad Buff y la música de Marcelo Zarvos. Como puede imaginarse por la premisa, la película ha sido rodada en localizaciones en la coste de Italia y en Nápoles, y ha contado con un presupuesto de 70 millones de dólares.

En el reparto tenemos al gran Denzel Washington como Robert McCall, un super agente de operaciones especiales del gobierno retirado, que se dedica a ayudar a gente que lo neceia por puro altruismo desintereado. La dorpresa y el guiño de la película viene de la aparición de Dakota Fanning interpretando a Emma Collins, una capaz agente de la CIA que entrará en contacto con McCall. El guiño viene porque Washington y Fanning trabajaron juntos hace19 años en El fuego de la venganza de Tony Scott, y ahora con la niña convertida en mujer vuelven a reunirse. El reto del reparto en sus papeles principales están interpretados por Eugenio Mastrandrea como Gio Bonucci, David Denman como Frank Conroy, Sonia Ben Ammar como Chiara Bonucci, Remo Girone como Enzo Arisio y Gaia Scodellaro como Aminah.

The Equalizer (2014) me parece una película super buena que situó a Denzel Washington en la órbita de los héroes de acción de forma notable. Su continuación 4 años más tarde (2018) no supo estar a la altura, empezando por un guion poco trabajado con múltiples chorradas que cometía además el error de no asumir la edad que tenía Denzel en el momento de rodarla. Me alegra comprobar cinco años después la que probablemente sea última película de The Equalizer analizó estos problemas y ha sabido resolverlos de forma notable.

El viaje de Robert McCall a Italia le pone en contacto con una realidad en la que los habitantes de un pueblo pequeño están necesitados de ayuda por culpa de la Camorra. Que McCall sea herido en la brillante escena inicial sirve para que Denzel pueda interpretar la edad que tiene, limitando sus escenas de acción y haciendo que no tenga que hacer stunts complejos, al convertirse casi en un ninja que ataca desde las sombras de forma inesperada. La película le plantea la pregunta «¿Crees que eres un hombre bueno?» McCall responde que no lo sabe, lo que es la confirmación para su interlocutor que sí lo es. El protagonista se confiesa como no creyente, pero en muchos aspectos su llegada a este pueblo podría ser considerado un milagro, porque hasta ese momento nadie pudo oponerse a los criminales y vivir para contarlo.

En este momento, tengo que reconocer que todo en The Equalizer 3 es esperable y se ve venir. Excepto en lo referido a las imaginativas muertes de los mafiosos y el papel del personaje interpretado por Dakota Fanning, todo se mueve por los clichés y las situaciones esperables del género. Empezando con un McCall llegando a un pueblo pequeño del que se irá enamorando poco a poco mientras se cura de sus heridas. Del pueblo y sobre todo de sus habitantes, claro. Descubrir el poder de la Camorra en la región y ponerle remedio vendrán justo a continuación.

Que la película no sea novedosa ni rompedora no es un problema cuando todo está realizado con el acierto que tiene The Equalizer. Hablando con mi hermano tras verla comentamos que el problema del cine comercial no son las historias esperables, sino la falta de calidad de la gente que las tiene que convertir en imágenes. The Equalizer es un ejemplo de gran trabajo de todo el equipo, empezando por Antoine Fuqua, mientras que otros blockbusters fallidos como Blue Beetle serían ejemplo de realización lamentable de una historia que podría hacer lucido mejor en manos más capaces.

La fotografía de la película está super chula, y rodar en localizaciones tan bonitas sin duda ayuda a que la historia luzca mejor de lo que quizá sea. En este sentido, la llegada de los drones ha cambiado el mundo del cine para estas producciones de presupuestos ajustados, porque las imágenes aéreas son una pasada. Además, la habilidad como narrador de Fuqua destaca en escenas de acción como el prólogo inicial, el atentado en Nápoles o el climax final. Pero también me ha gustado en los momentos tranquilos en los que McCall va descubriendo el pueblo y a sus habitantes, consiguiendo mantener el interés a lo largo de todo el metraje.

Dentro de los elementos esperables me gusta a forma en que hacen que los miembros de la Camorra sean odiosos para que luego te alegres cuando llegue su muerte. Unido a esto, el elemento gore de muchas muertes es otro plus de la película, con unos creadores que entienden los espectadores queremos verles morir de la forma más truculenta posible. Por ponerle un pero, quizás el climax final estando bien y siendo lógico con lo planteado se me ha quedado un pelín corto, incluso con el intento de Fuqua de Fuqua de imitar a Francis Ford Coppola con las dos escenas sucediendo al mismo tiempo en el climax final.

Como digo, no hace falta querer reinventar la rueda para poder disfrutar de una película de acción tan bien realizada como este The Equalizer 3. Entre lo bien rodado que está todo y el carisma de Denzel, el resultado me parece estupendo. Conocer el motivo por el que McCall viajó en primer lugar resultará la guinda del pastel de una película que lo hace todo bien.

Comparto el trailer de la película:

Da gusto ver una película tan bien hecha como The Equalizer 3. Con tantos contenidos mediocres a nuestro alrededor, ver el cuidado que se ha tenido en todo y lo bien ejecutado que está me parece notable. Desde luego, ha sido un entretenimiento mas que digno.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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