Crítica de 28 semanas después de Juan Carlos Fresnadillo (Disney+)

A modo de previa al inminente estreno de 28 años después en los cines, volví a ver 28 semanas después, la película del director español Juan Carlos Fresnadillo secuela de clásico del género de zombies 28 días después de Danny Boyle.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

Seis meses después de que la propagación de un virus haya devastado las Islas Británicas, el ejército de los Estados Unidos declara que, vencida la epidemia, ya se puede acometer la reconstrucción del país. Los evacuados regresan entonces al país y las familias se reúnen de nuevo. Sin embargo, el virus aún no ha sido destruido y es más peligroso que nunca. (FILMAFFINITY)

28 semanas después es la continuación de 2007 del clásico de cine de zombies 28 días después dirigida por Danny Boyle y escrita por Alex Garland. Para esta continuación Boyle no pudo dirigirla al estar ocupado con el rodaje de Sunshine (2007), película también con guion de Garland. Boyle se mantuvo como productor ejecutivo, con el productor de la primera película Andrew Macdonald también involucrado en esta continuación. Garland eligió al director español Juan Carlos Fresnadillo (Tenerife, 1967) para dirigir esta película, tras quedar impresionado del trabajo de Fresnadillo en la película Intacto (2001), protagonizada por Leonardo Sbaraglia.

Fresnadillo de involucró completamente en la película. A partir del primer guion escrito por Rowan Joffé, Fresnadillo y sus colaboradores E.L. Lavigne y Jesus Olmo reescribieron completamente la historia de una familia que vuelve a reunirse tras los inicios de la reconstrucción de la sociedad en Gran Bretaña. La película de 99 minutos de duración cuenta con fotografía de Enrique Chediak, montaje de Chris Gill y música de John Murphy. Con un presupuesto de 15 millones, recaudó más de 60 en las salas comerciales, siendo además un éxito en la venta de DVDs, demostrando el tirón del género de zombies.

En el reparto tenemos a Robert Carlyle como Don, el padre de Tammy (Imogen Poots) y Andy (Mackintosh Muggleton) y marido de Alice (Catherine McCormack). Rose Byrne como Scarlet, una oficial médica estadounidense, Jeremy Renner como Doyle, un francotirador de la Fuerza Delta, Harold Perrineau como Flynn, un piloto de helicóptero e Idris Elba como Stone, un general estadounidense que supervisa el Distrito Uno, completan el reparto en sus papeles principales.

Antes de empezar mi opinión sobre la película, quiero avisaros que dado que hablamos de una película estrenada hace 18 años que todo el que ha querido verla lo ha podido hacer en Disney+ desde hace años, esta reseña va a ser FULL SPOILERS. Seguir leyendo bajo vuestra responsabilidad.

28 semanas después es una película con un montón de cosas super chulas. Empezando por un prólogo acojonante, en el que Don huye de la casa de campo donde se había refugiado con su mujer Alice, a la que abandona presa del pánico. La escena es un prodigio de tensión y dramatismo, con unos momentos bestiales como la icónica escena de Don corriendo por el campo perseguido por decenas de zombies mientras se dirige al río. La imagen de Alice mirando por la ventana mientras Don la abandona también es una pasada. Dentro de la brillantez de este prólogo, del que se dice que Boyle participó en su rodaje, quizá es necesario comentar que posiblemente sea lo mejor de la película, de forma que 28 semanas después da sensación de ir de más a menos.

Me parece curioso cómo la percepción ante este hecho ha cambiado en los espectadores durante estos 18 años. Recuerdo que cuando vi la película en el cine y la comenté con amigos, la idea general era que Don era un cobarde asqueroso que merecía morir por abandonar a su mujer, siendo este su «pecado original». Claramente Fresnadillo y su equipo de guionistas también plantean un efecto moralizante al hacer que el cobarde de la primera escena acabe sufriendo aquello de lo que escapaba. Un elemento moralizante está presente en todo el cine de terror.

Sin embargo, la llegada de The Walking Dead y otras historias y videojuegos de zombies (por ejemplo, pero no solo, The last of us) ha provocado que en la actualidad se imponga una visión más pragmática y egoísta de la vida en medio de un apocalypsis zombie. Viendo la escena, una vez Don y Alice son separados, él no tenía forma de salvarla sin ser mordido. Pensando en que en este tipo de historias los altruistas son quienes mueren primero, cosa que también veremos más adelante en esta película, creo que la visión hacia Don ya no es tan negativa como hace 18 años. En general se entiende mucho mejor que tenga un ataque de pánico y escape para salvar la vida. Esto no le convierte en un ser horrible, simplemente en una persona con las flaquezas que tendriamos todos.

Los zombies de 28 días / semanas después son transformados en segundos tras entrar en contacto con la sangre o saliva de un contagiado. Eso y que son corredores son las principales características de estos monstruos. En la parte del guion, me parece que la primera parte presenta las ideas más interesantes, como el hecho que tras 5 semanas sin alimento, la mayorías de zombies murieron de hambre. Pensando que una persona sólo puede estar ¿2/3 días? sin beber agua, tiene sentido que el cuerpo físico de los zombies muera, aunque siga siendo un arma bacteriológica a punto de estallar. Esto es una idea muy interesante. Que ello sea aprovechado para iniciar la reconstrucción me parece otra idea brillante con la que da inicio la película.

La otra gran novedad de 28 semanas después que marca su principal separación respecto a otras películas de género es el personaje de Alice. Una persona inmune al virus que no murió tras ser abandonada por Don, y que sobrevivió hasta ser encontrada por sus hijos. Frente a la visión utópica de la persona inmune como ser clave para encontrar una vacuna o cura, la película abraza el nihilismo extremo y nuestra que Alice es portadora del virus y en realidad es la que provoca el nuevo estallido de forma involuntaria, al ser besada por su marido y transmitir el virus con su saliva. Esto me parece brillante y explicaría como el virus pudo extenderse fuera de Gran Bretaña por todo el mundo, como se sugiere en el final de la película. Un desastre sin duda provocado por la decisión errónea del piloto Flynn de llevar a Francia a los hijos de Don y Alice, Tammy y Andy, tras ser mordido el niño por su padre y ser portador del virus.

Aunque el General Stone es visto como «el malo» que ordena el exterminio de la población de Londres una vez empieza un nuevo estallido del virus, en perspectiva te das cuenta que estaba haciendo lo correcto. Él tenía razón y la oficial médica Scarlet se equivocó debido a su buenismo. Unas buenas intenciones que han provocado la extensión del apocalipsis zombie por todo el mundo. En lugar de plantear llevarse a los niños a Francia debería haberlos llevado a las instalaciones militares americanas, porque esa decisión entiendo que es lo que provoca la expansión del virus por el continente europeo.

Por cierto, no recodaba que Jeremy Renner aparecía en la película interpretando al francotirador Doyle. Y la verdad es que me gusta mucho su presencia en pantalla, ofreciendo el carisma que ya en ese momento de 2007 todos sabiamos que tenía. Pensando en las fechas de producción y rodaje, diría que esta película se rodó antes que Renner fuera contratado por Marvel para interpretar a Clint Burton, en el que fue uno de los muchos castings acertados que hizo Marvel Studios en esos primeros años. Su muerte resalta la idea de que las personas altruistas mueren primero, al poner la vida de los niños por delante de su seguridad.

Pensando en otros aspectos de la película, creo que es un acierto que los hijos de Don y Alice sean unos críos guays que no quieras ostiar. Tam y Andy son unos chavales con los que empatizas y quieres proteger, a pesar del hecho de abandonar una zona de cuarentena para ir a buscar una foto de su madre, a la que creen muerta, a su casa a kilómetros de distancia. Este es un momento clave de la película que tiene que pasar o si no, no hay película, dado que es en ese momento cuando encontrarán viva a su madre malviviendo en el sótano. Y podría decirse que dado que estuvieron en Canarias de vacaciones y no vivieron el apocalipsis zombie, no saben a lo que se enfrentaban y por eso se marcharon con esa facilidad. Pero diría que es una de tantas muchas conveniencias que tiene la película. Algunas mejores que otras.

Otro de las cosas más positivas de la película es su ajustada duración inferior a los 100 minutos. Me gusta que la película vaya al grano. Tras el caos de estallido zombi, la película nos deja buenos momentos con la muerte de Renner, por ejemplo, o con la escena por el metro de Londres en la que Scarlet acaba muriendo y los niños se mueven sin ver nada ayudados por el visor del rifle de Doyle.

Visualmente, 28 semanas después sigue teniendo momentazos super chulos. Sin embargo, reconozco que por ejemplo el bombardeo del Distrito Uno no es uno de esos momentos, con una expansión del fuego y la destrucción que no ha envejecido demasiado bien. En esos momentos de pánico, entiendo el uso de la «cámara en mano» como herramienta narrativa que ayuda a transmitir el caos del momento. Sin embargo, esos momentos de «no se sabe qué está pasando» ahora me indica que era un truco más o menos apañado para tapar carencias presupuestarias, al mostrar todo con planos super cortos y casi nunca generales. No diré que queda horrible, pero si que se nota el truco. Dicho esto, en realidad estos aspectos tienen un pase.

Con lo que no puedo conectar es con las chorradas y absurdeces de la historia, que es el verdadero problema de la película y lo que impide que la disfrute. De hecho, tras volver a ver la película en Disney+ entendí por qué no había vuelto a verla desde que la vi la primera vez en el cine cuando he visto innumerables veces El amanecer de los muertos o 28 días después.

Hay una obviedad clara en películas de género. Si no hay estallido zombie no hay película. Pero dentro de la obligación de que eso pase, la ejecución, el como y por qué sucede, es bastante mejorable. Hay una primera chorrada muy grande que es más o menos aceptable, entrando en el apartado de «cosas convenientes necesarias para poner en marcha la acción»: Que Don trabaje en mantenimiento y tenga acceso a zonas restringidas. Lo que es menos aceptable es que Alice esté en aislamiento y sea portadora del virus zombi y no tenga vigilancia, lo que permite a Don entrar en la sala de contención y convertirse en zombie tras besar a su mujer. Hasta ahí podemos aceptar estas conveniencias. Lo que es una trampa grosera del guion es que Don convertido en zombi pueda salir de esta zona de aislamiento para la que se necesita una tarjeta magnética que no sabe utilizar. Terrible. Esta chorrada sumada a otras que se suceden a partir de ese momento de alguna manera me arruinaron el visionado e impidieron que disfrutara de la película. De hecho, el estallido empieza porque Don entra en una sala con centenares de civiles a la que no debería haber podido entrar por lo mismo que no debería haber podido escapar de la sala de aislamiento en primer lugar, dándose un festín con la gente indefensa. Esto para mi es un problema, porque no hay nada que odie tanto en una película como una historia que no tiene sentido en un elemento esencial.

Tras este visionado y pensando en mis vacaciones del año pasado en Londres me he dado cuenta de otra cosa. Y es que cuando Doyle, Scarlet, Tam, Andy y otro civil que es carne de cañón escapan del Distrito Uno, tienen la misión de llegar a Regent Park para ser recogidos por el helicóptero de Flynn. En ese momento hay varios planazos con ellos caminando por calles famosas y cerca de monumentos, el Parlamento, etc… Estas imágenes de los protagonistas pasando por espacios míticos de la ciudad es parte del ADN de la serie y como espectador molan. Pero en realidad el paseo que dan no tiene sentido cuando tienen que llegar al parque lo más rápidamente posible. Son momentos muy chulos, pero vacíos narrativamente.

De hecho, que vayan a Regent Park y el piloto no les coja tras matar a casi todos los zombies, obligándoles a cruzar otra vez media ciudad para alcanzar otro espacio seguro para la recogida es otra conveniencia de guion un poco absurda. Y de nuevo, el guion necesita que tras escapar de los zombis, sobrevivir a la nube tóxica y que muera Doyle protegiendo a los niños, los supervivientes entren en el metro huyendo del ejército, lo que nos da toda la escena a oscuras. Pero la ejecución de este nuevo imprevisto es un poco absurda. Como tantas cosas de la película en su segunda mitad.

Descontando estas conveniencias y absurdeces, en realidad la película me parece muy potente y tiene algunas escenas muy chulas. Además, la idea del portador inmune como vehículo de expansión del apocalipsis zombie me parece una idea genial. Pero me sabe mal quedarme con esta sensación de que con un guion un poco más trabajado la película hubiera podido ser super top y se ha quedado en un bien sin más.

A ver si la tercera parte, 28 años después, consigue dejarme con mejor sabor de boca.

Comparto el trailer de la película:

28 semanas después es una buena película que no se puede desembarazar de las tonterías de un guion poco trabajado que debería haber sido mejor.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

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Crítica de El increíble Hulk 21 de Phillip Kennedy Johnson y Danny Earls (Marvel Comics – Panini)

Tras el histórico The Incredible Hulk 800 que Panini publicó el mes pasado, en Junio volvemos a la normalidad con una grapa doble con guion de Phillip Kennedy Johnson y Danny Earls, en el que Jack Russell, el Hombre Lobo, es el invitado especial.

PUNTUACIÓN: 4.5/10

Banner y Charlie vuelven a la carretera y a la clandestinidad… o eso cree él. El Hombre Lobo entra en escena, para advertir a Charlie de las consecuencias del uso de sus nuevos poderes. Mientras tanto, Hulk es perseguido por una de las criaturas más antiguas y poderosas de la Tierra, el demonio lobo inmortal llamado Vârcolac.

Esta grapa doble de Panini incluye The Incredible Hulk 20 y 21 USA.

Debo parecer un disco rallado, pero el dibujo de Danny Earls me parece lamentable. Es que veo todas las páginas de este comic, TODAS, y creo sinceramente que yo podría hacerlo mejor si me pagaran lo que le pagan a él y tuviera un mes para entregar las 20 páginas incluidas en cada grapa USA. Me flipa la falta de detalle de las figuras como si las dibujara mi hijo, el montón de viñetas en las que dibuja a los personajes con una silueta negra o tapando la cara y haciendo que esté en sombra. Lo que dibujar «feos» a los protagonistas casi ni cuenta como problema, pero su estructura de página super anodina transmite lo contrario a «emocionante», lo peor que le puede pasar a un comic. Se que en el fondo el tonto soy yo por comprar un comic con un dibujo que no me gusta, pero la falta de aptitud profesional de Earls me parece alucinante. Cosa que en realidad no es culpa suya, sino del inútil del editor que le contrató y le sigue dando trabajo.

El dibujo de Earls arruina completamente la experiencia lectora. Y es una pena por que Phillip Kennedy Johnson había planteado una historia con elementos de sobre para que el dibujante se luciera. Tras un arranque de etapa en la que todos los monstruos a los que se enfrenta Hulk estaban directamente conectados con la Primogénita, en este arco se enfrentarán a un grupo / secta de licántropos que buscan recuperar la piel cambiaformas de Lycana que Charlie se apropió en el número anterior, que fue lo que hizo que Hulk pudiera liberarse. Además de estos bichos, el gran enemigo es el demonio lobo inmortal llamado Vârcolac, que llevará a Hulk a su infierno particular.

Charlie disfruta de su recién adquirida libertad y de los poderes que le proporciona la piel de Lycana. De momento todo va bien, aunque todos sabemos que esta piel acabará llevando a Charlie hacia su condenación. La aparición de Jack Russell, el Hombre Lobo, se plantea para advertir a la joven del peligro al que se expone Charlie. Este invitado especial me sugiere que Marvel anda a saco intentando promocionar como sea sus series de «clase media» para intentar que sobrevivan. De hecho, me entero aquí que Hulk ya había aparecido en la serie del Hombre Lobo, por lo que podría decirse que Jack Russell le está devolviendo la visita.

El comic es un medio visual. Y simplemente viendo las potentes portadas de Nic Klein podemos ver lo que podría haber sido este comic con un buen dibujo. Sin embargo, dentro tenemos la lamentable realidad que nos hemos encontrado con el dibujo de Earls. Buff, qué malo es.

Comparto las primeras páginas del comic:

Tener a Danny Earls dibujando El Increíble Hulk es un poco como si yo dibujara el comic. Lamentable de principio a fin. Toca esperar un mes para que Nic Klein vuelva a dibujar la colección.

PUNTUACIÓN: 4.5/10

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Crítica de Mountainhead de Jesse Armstrong (Max)

Jesse Armstrong triunfó como creador de Succession, así que tuve cierta curiosidad por ver Mountainhead, película estrenada en Max que plantea una crítica de trazo grueso hacia los magnates tecnológicos.

PUNTUACIÓN: 3/10

Cuatro amigos millonarios se escapan del ojo público cuando explota una crisis internacional.

Jesse David Armstrong (Oswestry, Inglaterra, 1970) es un guionista y productor británico. Conocido por escribir para una serie de varias series de comedia británicas aclamadas por la crítica, así como dramas satíricos, ha recibido numerosos elogios, incluidos dos premios BAFTA de televisión, tres premios Globo de Oro, tres premios WGA y ocho premios Emmy, además de nominaciones a un premio de la Academia y dos premios BAFTA de cine. Fue aclamado por crear la serie de HBO Succession, (2018-2023), con la que ganó cuatro veces consecutivas el premio Primetime Emmy al mejor guionista de una serie dramática.

Tras una vida en televisión, Mountainhead es su primera película como director, aunque no llegue a estrenarse en los cines debido a su estreno directamente en streaming en Max. Armstrong produce, escribe y dirige esta comedia satírica de 109 minutos de duración, que ha contado con fotografía de Marcel Zyskind y montaje de Mark Davies y Bill Henry. A pesar de ser un largometraje, los tiempos de producción recuerdan completamente a los de televisión, porque Armstrong empezó a escribir el guion en enero de este mismo año, realizándose el rodaje en la localización de la mansión de Park City, Utah, en marzo de 2025. La película se estrenó en España el 1 de junio.

En el reparto tenemos a cuatro actores en un espacio cerrado interpretando a 4 magnates tecnológicos. Steve Carell es Randall Garrett, el miembro más veterano y mentor del grupo que recientemente ha recibido un diagnóstico de cáncer incurable. Jason Schwartzman interpreta a Hugo «Souper» Van Yalk, quien, a pesar de su patrimonio neto de 521 millones de dólares, sigue siendo significativamente menos rico que sus amigos billonarios. Cory Michael Smith es Venis «Ven» Parish, propietario de Traam y la persona más rica del mundo, mientras que Ramy Youssef interpreta a Jeffrey «Jeff» Abredazi, propietario de Bilter, una empresa especializada en inteligencia artificial que es codiciada por Ven.

Estaba dudando si ver Mountainhead antes que terminara mi suscripción a Max, una vez terminé de ver The last of us. Y esto me parecía curioso, dado que Succession me gustó muchísimo. Sin embargo, este retrato / crítica satírica de cuatro de los techno-bros más ricos del mundo tenía toda la pinta de ser un panfleto infumable. Finalmente la vi. Y lamentablemente el elemento panfletario se confirmó.

Donald Trump ganó las elecciones americanas en noviembre, recibiendo una importante ayuda de Elon Musk que desmontó muchas de las mentiras de los demócratas. Y viendo los rapidísimos tiempos de producción de Mountainhead, la sensación que deja es que Armstrong pensó deprisa y corriendo una historia con la que «ajustarle cuentas» al dueño de Tesla y Twitter (ahora X). Aunque no es una norma exacta, cuando leo en wikipedia que Armstrong escribió el guion en 10 días me doy cuenta que igual debería haberle dado un par de vueltas a su historia. O a su falta de ella.

Tras ver la película y pensar en ella me doy cuenta que el intento de ataque hacia Elon Musk es evidente. Sin embargo, mientras veía la película, su no-historia me estaba dejando perplejo porque más que a Musk, la sensación que me dejaba era que a quien estaban criticando era a Mark Zuckerberg, el dueño de Facebook (ahora Meta). Que igual también, ojo. Y eso también me pasaba con el personaje interpretado por Steve Carell. ¿Está criticado a Bill Gates, a Jeff Bezos? ¿O la inspiración le vino a Armstrong de Steve Jobs, fallecido de cáncer? Al no estar al tanto de las biografías de los dueños de las empresas tecnológicas, ¿por qué debería?, la sensación era de estarme pendiendo parte de la gracia, lo cual es la peor sensación posible para una película de esta naturaleza. A todo esto, ¿A quién puede interesarle las vidas de estas personas? A mi desde luego no.

Mountainhead tiene un tema evidente. La película es una crítica hacia unos billonarios que viven aislados del mundo real en una burbuja mientras creen que el mundo tiene que plegarse a sus deseos. Estos millonarios son personas inmorales lamentables, y no se inmutan ante el dolor que viven las personas normales por todo el mundo por culpa de situaciones creadas por ellos. Aunque dicen que el dinero no les importa, hacen juegos para dejar claro dentro de este grupo de «amigos» quien es el más rico del grupo y quien el menos rico. Y lanzan todo tipo de ideas ridículas que van desde realizar un golpe de estado en los Estados Unidos o dirigir todo el continente sudamericano. Tan rápido como lanzan las ideas más alucinadas desaparece su interés en ella, pasando a la siguiente «genialidad».

Sin embargo, la película tiene un problema fundamental. Varios, en realidad. Y es que se queda a años luz de Succession a pesar de intentar recrear la mayoría de elementos que hicieron triunfar a su serie. Empezando porque intenta ser graciosa en varios momentos a costa del grupo de techno-bros, sin conseguirlo nunca. La serie tenía por ejemplo montones de momentos incómodos un poco de vergüenza ajena con las ideas ridículas de los hermanos y cómo ridiculizaban a las personas a su alrededor. Aquí esos momentos no funcionan.

Sussession tenía un contraste interesante con unos personajes asquerosos 100% ostiables que también mostraban momentos de humanidad y debilidad. En Mountainhead tampoco existe este matiz. Podría ser que el personaje de Jeff Abredazi, el propietario de la empresa de inteligencia artificial que es codiciada por Ven Parish (Elon Musk), es el único que muestra algún rastro de humanidad. Pero no lo bastante para hacerle interesante. Y mucho menos los demás. De hecho, se ha hecho un suplicio seguir las acciones de este grupo de niñatos asquerosos. Algo que reconozco que no ha ayudado al disfrute de esta película incluso teniendo clara la crítica mediante el intento de humor negro.

La no-historia de Mountainhead gira alrededor de la reunión de fin de semana de los 4 millonarios en un retiro alejado del mundo donde puedan alejarse del stress de sus complicados mundos empresariales. La reunión la organiza Hugo «Souper» Van Yalk (Jason Schwartzman), un rico acomplejado porque «sólo» posee 500 millones de dólares y no sabe como superar los 1000 millones que le convertiría en billonario (según los estándares anglosajones) como el resto de sus amigos.

La reunión tiene lugar coincidiendo con el lanzamiento en Traam, la empresa de Venis «Ven» Parish (Cory Michael Smith), el hombre más rico del mundo, de una aplicación que permite la creación de videos falsos indistinguibles de la realidad, lo que está provocando disturbios en todo el planeta. Estos videos falsos están provocando el inicio de guerras raciales, sociales, culturales y entre países en todo el mundo provocando miles de muertos que no tocan la fibra sensible de estos hombres ridículos y egoistas.

Al mismo tiempo, Randall Garrett (Steve Carell), otro milmillonario que es un poco el mentor del grupo, descubre que tiene un cáncer incurable. Debe ser jodido ser super rico y poder hacer lo que quieras y que no sea suficiente para salvar tu vida. De lo poco salvable de la película situaría la interpretación de Carell, que transmite de forma muy minimalista la sensación de vértigo y de no entender cómo él también va a morir como cualquier persona corriente. Su única tabla de salvación es conseguir que Ven Parish compre la empresa de I.A. de Jeff, con la esperanza que puedan crear la tecnología que les permita descargar la consciencia humana, lo que le convertiría en inmortal al iniciar una sociedad transhumana. Una tecnología que estiman que tardará en crearse alrededor de 5-10 años, el tiempo que le han dado de vida.

Cuando Jeff se niegue a vender, porque no traga a Ven y porque los problemas que la tecnología de Ven está creando en todo el mundo le están convirtiendo en aún más rico, al ser su I.A. lo único que puede distinguir las imágenes reales de las creadas por la tecnología de Traam, empezará el sorprendente y ridículo conflicto que se genera a partir del giro de la película. En ese momento todo lo ridículo que estaba siendo la película alcanza un nivel superior de estupidez. Y tengo claro que en parte esto es buscado para reforzar la idea que son personas ridículas, pero a mi no me funciona.

De los 4 protagonistas, Jeff es el único que parecía tener un poco de empatía ante el drama que se estaba viviendo en el resto del mundo y parecía claro que acabaría enfrentado a los demás. Sin embargo, el último giro final de la película (muy de Succession, a todo esto), sirve para que veamos que estos ricos no son personas normales, no se rigen por las mismas normas ni desde luego tienen los valores morales mínimos exigibles para vivir en sociedad. A todos esto, me hizo cierta gracia como Randall Garrett alude a filósofos y a citas de personajes históricos tergiversando lo que decían para acomodarlo a lo que necesita en cada momento. Ese pensamiento sí es típicamente trumpista y, desde una perspectiva española, totalmente Sanchista. Aunque claro, es lo mismo.

Mountainhead falla completamente en el ritmo, inexistente. En la creación de personajes y incluso tiene unos diálogos mucho menos brillantes de los que disfrutamos en Succession. Falla también en la progresión dramática. Todo parece una sombra de la brillantez que Armstrong nos regaló en la serie de televisión. Incluso diría que incluso la última sorpresa final de la película suena a «Esto ya lo he visto mejor antes».

No diré que he llevado una decepción tremenda con Mountainhead porque en realidad creo que esperaba algo así. Pero si creo que crear una película de este tipo con una fecha de caducidad tan evidente, de ahí las prisas por rodarla y estrenarla cuanto antes, van a ser una mancha en el curriculum de Jesse Armstrong. Tras Succession me dije a mi mismo que vería lo siguiente que hiciera Armstrong. Tras ver Mountainhead, me pensaré volver a ver algo suyo. No digo que no lo vaya a hacer, pero si que veré si es algo que me interesa o es mejor dejarlo correr.

Comparto el trailer de la película:

Mountainhead ha sido una decepción tremenda y un fail como una casa. No lo puedo expresar de otra manera.

PUNTUACIÓN: 3/10

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Crítica de Void Rivals 19 de Robert Kirkman y Conor Hughes (Image Comics)

El número 19 de Void Rivals es el primero con Conor Hughes como dibujante oficial de la serie en sustitución de Lorenzo De Felici. Y me alegra poder decir que el comic escrito por Robert Kirkman perteneciente al Universo Energon apenas se resiente por este cambio.

PUNTUACIÓN: 8/10

NÚMERO AUTOCONCLUSIVO CON UNA EPOPEYA DE SKUXXOID

El gran favorito de los fans del Universo Energon se convierte en el centro de atención. ¿Quién es Skuxxoid? ¿Qué es Skuxxoid? Este número responde a todas tus preguntas y mucho más.

Además, ¡la PRIMERA APARICIÓN de Wreck-Gar y los Junkions!

Cuando un comic pierde al artista que le ha dado la imagen visual y la personalidad, normalmente la calidad se resiente. Y con ello mi disfrute como lector. Sin embargo, me alegra comentar que NO es el caso de Void Rivals, tras leer el estreno de Conor Hughes como dibujante oficial de la serie. Normalmente mis reseñas de Void Rivals eran de los arcos completos, no de números individuales, pero me ha gustado tanto este número que he decidido publicar esta reseña.

Por lo que ha comentado Kirkman en este mismo número, da la sensación que Lorenzo De Felici está trabajando en un comic que se publicará dentro de Skybound. No está claro si será algo dentro del Universo Energon o un comic de creación propia. Pero a poco que sea igual de chulo que Kroma, la compra está asegurada.

El dibujo de Conor Hughes con el color de Patricio Delpeche me ha gustado mucho. Hughes narra perfectamente la historia de Kirkman y tiene un estilo super detallado, más incluso que De Felici. Me gusta mucho como dibuja a los series orgánicos, y también a los autobots que se presentan en este número. Además, Hughes sabe transmitir un feeling humorístico que encaja con el tono que Kirkman quiere transmitir, algo que también me ha gustado mucho.

En realidad no se si la calidad que veo va a ser únicamente para esta grapa al tener Hughes más tiempo para dibujar el comic. Cuando empiecen a apretar las fechas de entrega veremos si mantiene este nivel, pero lo visto aquí no puede resultar más emocionante. Me alegra comprobar que Kirkman no ha perdido el toque eligiendo dibujantes, porque Hughes es muy bueno.

Aparte de la sorpresa positiva del dibujo, otro elemento que quiero destacar es la propia historia de Kirkman. Y antes de nada, habría que decir ¿Pero Skuxxoid no estaba muerto? Reconozco que este cazarrecompensas de pasado extraño era un elemento con el que no conectaba dentro de lo que era la narrativa de Void Rivals. De hecho, no tenía claro qué pintaba dentro de la narrativa de Agorrianos y Zertonios enfrentados en un Anillo creado por los autobots. Pero ahora que conocemos su origen, y sobre todo nos quedamos con el cliffhanger del final de número, las posibilidades se han ampliado de forma increíble. De hecho, ya no es que tengamos humanos, robots y Quintessons, los enemigos de la raza robótica. Es que ahora descubrimos que hay otras facciones dedicadas a la dominación global, lo cual abre un nuevo marco de conflicto en toda la galaxia.

En el próximo número volvemos a la trama principal de Darak y Sollila en el mundo Anillo. Pero este número me ha parecido chulísimo, confirmando otra vez más que para Kirkman NO existen los números de relleno y todo es importante, fundamental, para la historia que nos quiere contar. Es un placer leer un comic tan bien escrito y con un dibujo sobresaliente. No se le puede pedir más.

Comparto las primeras páginas del comic:

OJO, SI SIGUES VOID RIVALS A RITMO ESPAÑOL, LA IMPACTANTE FORMA EN QUE SKUXXOID SOBREVIVE PUEDE SER UN SPOILER:

Void Rivals es un gran comic, y este número autoconclusivo nos muestra que este universo es mucho más grande y extraño de lo que habiamos imaginado.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Blindado de David Yarovesky

David Yarovesky (Brightburn – El hijo) dirige Blindado, thriller con un protagonista confinado en un espacio reducido que ha sido producida por Sam Raimi y está protagonizada por Bill Skarsgård y Anthony Hopkins.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

Un ladrón irrumpe en un todoterreno de lujo y se da cuenta de que ha tropezado con una trampa compleja y mortal tendida por una misteriosa figura.

David Yarovesky es un director curtido en el cine independiente.  The hive (2014), Brightburn – El hijo (2019) y Nightbooks (2021) son las películas previas de este director antes de Blindado, película producida por Sam Raimi que es un remake de la película argentina de acción 4×4 de 2019. Michael Arlen Ross escribe el guion de esta adaptación que ha tenido una ajustada duración de 96 minutos y un presupuesto de 3.6 millones de dólares. Blindado se rodó en Vancouver y ha contado con fotografía de Michael Dallatorre, montaje de Andrew Buckland y Peter Gvozdas, y música de Tim Williams,

Bill Skarsgård y Anthony Hopkins son los protagonistas y casi únicos actores de la película. Skarsgård es Eddie Barrish un ladrón de poca monta que intenta ser un buen padre para su hija Sarah (Ashley Cartwright). agobiado porque no puede pagar la reparación de su furgoneta, decide abrir un cochazo 4×4 para robar lo que encuentre. Por desgracia, ese vehículo pertenece a Williams (Hopkins), un señor cansado de que le hayan robado 4 veces su coche que ha convertido este vehículo en una trampa mortal. El reparto lo completa Michael Eklund como Karl, el mecánico que no deja a Eddie sacar su furgoneta del taller hasta que no le pague lo que le debe.

En muchos sentidos, Blindado es una nueva variación de Buried, la película de Rodrigo Cortés con un protagonista confinado en un espacio diminuto. En el caso de esta película, su protagonista Eddie SI sabe por qué está dentro del 4×4, dado que entró a robarlo. Bill Skarsgård aguanta él solo la película estando en pantalla el 95% del tiempo. Y la verdad es que lo hace muy bien como un perdedor que intenta jugar con las cartas que se le entregan pero que no deja de tomar las peores decisiones en el peor momento. Su ira al descubrirse encerrado y su horror cuando ve que William amenaza con matar a su hija me parece que están muy bien. Y consigue que conectemos y nos preocupemos por él. Buen trabajo.

Anthony Hopkins la verdad es que está mayor. Pero Blindado se apoya en su potente y característica voz para crear a un villano desequilibrado al que todo le da igual y busca que alguien pague por sus desgracias familiares. William, su personaje, no es que sea un villano super profundo, pero la voz de Hopkins consigue que sintamos que Eddie está en una situación en la que su vida corre peligro. Y en la que muy probablemente acabe muriendo. Sin duda, Hopkins cumple con oficio lo que la película le pide.

El rodar dentro de un espacio pequeño plantea numerosos problemas logísticos y visuales. Y me alegra comprobar que David Yarovesky los ha solucionado de forma brillante. Por ejemplo en la primera escena en que Eddie descubre estar encerrado dentro de un coche blindado que anula el wifi que se convertirá en una prisión para los próximos días, Yarovesky hace que la cámara de vueltas alrededor de Eddie DENTRO del coche. Aún no se cómo lo han hecho, pero el resultado final me parece muy acertado. Además, el uso dinámico de las diferentes cámaras consigue que la película no llegue nunca a aburrir.

Además de la tensión que se construye dentro del coche, Yarovesky acierta en la forma en que veremos que William es un psicópata que incluso amenaza a la hija de Eddie a la salida del colegio. El principal problema de estas historias en espacios cerrados es plantear giros que hagan interesante la película sin repetirse. La duración de 96 minutos creo que es ajustada, consiguiendo contar esta historia de forma adecuada hasta llegar al final.

La película muestra la difícil situación que se vive en los Estados Unidos con decenas (¿cientos?) de personas durmiendo en tiendas de campaña en la calle. Esta situación de extrema pobreza que parece ir a más genera una olla a presión social que tiene que acabar explotando por algún lado. Y que el personaje de William fuera robado repetidamente puede ser resultado de ello. Y es por eso que aún sabiendo que está mal, Eddie tiene que buscarse la vida como pueda para sobrevivir. A pesar de esta situación de extrema pobreza que se vive a su alrededor, William no deja de quejarse sobre cómo la ley protege a los delincuentes y los deja en la calle si es que llegan a detenerles para empezar. Estos dos puntos de vista contrapuestos, en los que ambos tienen su parte de razón, plantean un dilema moral interesante, dentro que la película no intenta hacer análisis sesudos de los problemas de la sociedad americana. Sólo plantear una situación de tensión hasta su violenta resolución.

Como ejercicio de tensión en un espacio pequeño, me parece que Blindado es un gran éxito que ofrece una película más que digna que sabe lo que es y qué ofrecer al espectador para que la experiencia sea satisfactoria. La película me ha gustado. No se si volveré a verla (cosa que también me ha pasado con Buried), pero me ha entretenido y me lo que pasado bien. Objetico cumplido.

Comparto el trailer de la película:

Blindado es una película efectiva que me ha entretenido. No le pido más.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

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