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Sinister de Scott Derrickson

Como previa al inminente estreno de Doctor Extraño (Doctor Strange), decidí ver una de las mejores películas de su director Scott Derrickson, Sinister. Y el visionado no puede ser más positivo, confirmando que Marvel hizo una elección perfecta para su última película.

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Scott Derrickson nació en Denver hace 39 años. Se mudó a California y allí obtuvo las licenciaturas de humanidades y de producción cinematográfica. Su primera película como director fue Hellraiser: Inferno en 2000, película que también escribió y que fue estrenada directamente en video.

Tras esta, en 2005 disfrutó de su primer éxito con «El exorcismo de Emily Rose», película cuyos ingresos en taquilla multiplicaron por 4 su presupuesto. La película está inspirada en hechos reales y fue también escrita por él junto a Paul Harris Boardman.

Este éxito le permitió trabajar en una película de gran presupuesto, realizando en 2008 el remake de «Ultimatum a la Tierra», protagonizada por Keanu Reeves y Jennifer Connelly. La película fue una decepción de crítica y taquilla, y es la única de su filmografía que no está escrita por él.

Tras este fracaso, decidió volver al género en el que mejor se mueve, el terror, realizando en 2012 Sinister, que significó otro gran éxito para los productores, al recaudar más de 70 millones en los Estados Unidos a partir de un presupuesto de tan solo 3 millones.

Líbranos del mal (2014), thriller sobrenatural protagonizado por Eric Bana y Edgar Ramirez que está basado en hechos supuestamente reales protagonizados por un policía de Nueva York, fue su última película antes de Doctor Extraño. Esta película también fue escrita por Derrickson y obtuvo unas críticas mayoritariamente negativas y un resultado en taquilla bastante pobre.

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Sinister (2012) es un thriller de terror protagonizado por Ethan Hawke a partir de un guión del propio Derrickson junto a su colaborador habitual C. Robert Cargill. La historia se centra en Ellison Oswalt (Hawke), un escritor que viaja con su familia a lo largo y ancho del país para investigar terribles asesinatos que luego convierte en libros. Cuando llega a una casa donde ha tenido lugar el asesinato de una familia, encuentra una cinta de super 8 que desvela horribles pistas que van más allá del esclarecimiento de la tragedia.

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Una de las cosas que más me gustaron de Sinister es como la película inicialmente parece la típica investigación criminal y en seguida evoluciona hacia algo más aterrador. Al vincular este crimen a otros que tuvieron lugar en otros pueblos de Estados Unidos se crea una sensación de mitología y misterio que van más allá de lo que la historia a priori daba a entender.

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Los sustos no son demasiados, se trata más de crear un mal rollo al espectador que vaya in-crescendo que en sorprendernos una y otra vez con sustos fáciles de manual, aunque alguno hay. Esto hace que el final, que es perfecto, tenga un impacto mucho mayor.

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Además, la película tiene una estructura de puzzle en el que cada elemento va sumando para conseguir desentrañar el misterio. El éxito de la película tiene mucho que ver con que Derrickson consiguió el control del «final-cut», el montaje final de la película que se estrena en cines. Se nota que había una idea muy clara de lo que se quería contar y es una alegría ver en esta época de películas que sufren cambios sustanciales provocados por los productores en el montaje, Sinister consigue su propia voz.

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Comparto el trailer de la película, aunque, como en otras ocasiones, casi os recomendaría que no lo vierais para que la película os sorprenda aún más:

Sinister es un buen film de terror con un gran final que consigue trasmitir una excelente sensación de mal rollo. Una película muy recomendable para todos los amantes del género.

PUNTUACIÓN: 7/10

Stoker – El fin de la inocencia

Stoker, la primera obra del director Park Chan-wook (Old Boy) en los Estados Unidos, no es reciente. Sin embargo, no puedo dejar de recomendar este puzzle de gran belleza estética y clara inspiración hitchconiana, que ha supuesto una excelente experiencia cinematográfica.

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Stoker se estrenó en 2013 y nos cuenta la historia de India Stoker (Mia Wasikowska, protagonista de Alicia en el Pais de las Maravillas de Disney), una adolescente que pierde a su padre (Dermot Mulroney) en un trágico accidente de coche el día en que cumple 18 años. Esto romperá su ordenada y solitaria existencia, ya que su padre era el único que la entendía y con el que era feliz.

La sorpresiva aparición en el funeral de su tío Charlie (Matthew Goode) cambiará para siempre su vida y la de su inestable madre, interpretada por Nicole Kidman. El misterioso Charlie ha llegado a los Estados Unidos tras disfrutar durante años de una vida relajada e itinerante por las principales ciudades europeas. Sin embargo, aunque no la había visto nunca, parece conocer perfectamente el fuego que se oculta bajo la fría apariencia de India.

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Stoker se apoya en 3 elementos principales y en todos acierta. Que el título de la película aluda al creador de Drácula no es nada casual.  Al igual que la historia, que nos cuenta la llegada a un familiar desde Europa con un increíble magnetismo que alterará la monótona vida de una familia tradicional. O los posters promocionales, que trasmiten un feeling muy teatral y nada natural.

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Aunque en palabras del guionista Wentworth Miller, el famoso actor de Prison Break, Stoker (en castellano fogonero) que es aquel que aviva el fuego, lo que también es una definición muy adecuada del significado último de la película.

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Para Miller, Stoker cuenta con una clara inspiración en los thrillers de Alfred Hitchcock y es una historia mezcla de thriller, drama familiar y película de terror. Lo único que puedo decir sin entrar en spoilers es que la película NO es lo que parece. O tal vez sí, según el punto de vista, siendo además casi más importante el cómo que lo que nos cuenta la historia.

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El segundo hallazgo de la película es el visual. Park Chan-wook es un maestro que siempre sabe trasmitir una gran plasticidad, y en Stoker cada escena parece una obra de arte, con una fotografía y una puesta en escena bellísima y muy teatral. El director de fotografía Chung Chung-hoon, colaborador habitual de Park realiza un trabajo sobresaliente en el que cada elemento ayuda a remarcar el simbolismo de la historia.

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Dentro del apartado técnico, la música de Clint Mansell me ha parecido también muy acertada, complementando perfectamente el feeling malrollero que vemos durante toda la película.

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Y por último, Stoker es ante todo una película de actores, y los tres protagonistas están excelentes. Mia Wasikowska personifica  los cambios provocados del paso de niña a mujer. El descubrimiento de la sexualidad, el poder de la sangre y del legado serán parte fundamental de este camino hacia la vida adulta, con un giro final que aunque lógico, me resultó tremendamente inesperado.

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A Matthew Goode reconozco que le recordaba principalmente por Watchmen (2009), adaptación de Zack Snyder de la obra maestra del comic obra de Alan Moore y Dave Gibbons, que fue una película fallida principalmente debido a un casting erróneo. Y dentro del fail general, Goode tampoco consiguió sacar a flote su interpretación de Ozymandias. Así que teniendo esto en cuenta, su interpretación en Stoker ha sido una autentica revelación, irradiando una belleza fría, perfecta e inmortal durante toda la película, como si fuera una estatua de mármol griega. Goode parece más un Dios en la tierra que un ser humano, y sus planes para India marchan en todo momento según lo previsto.

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Nicole Kidman interpreta a una desequilibrada madre que nunca quiso ocuparse de su hija. Aunque es el personaje menos desarrollado de los tres, Kidman sí trasmite la fragilidad de una persona bella en el exterior pero rota por dentro.

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Comparto a continuación el trailer de la película, aunque como en otras ocasiones, casi es mejor si os animais a ver la película habiendo visto lo menos posible..

Stoker me ha parecido una pelicula excelente con grandes interpretaciones e imágenes embriagadoras. Una película diferente que creo que gustará a todos los que buscais obras que os sorprendan.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

Los 7 Magníficos, lo que hay es lo que ves

Los 7 Magníficos es un correcto entretenimiento palomitero que da al espectador junto lo que se espera de ella y que trasmite una excelente química entre el carismático reparto de protagonistas.

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Para bien y para mal, Los siete Magníficos es un remake del clásico western dirigido por John Sturges en 1960, que a su vez adaptaba la obra maestra de Akira Kurosawa Los Siete Samuráis de 1954. Entiendo el interés del estudio en realizar esta actualización, ya que han pasado más de 50 años del original y hay seguro generaciones enteras de espectadores que no han visto la película original y si las innumerables películas inspiradas a partir de su éxito que han usado el mismo argumento de un grupo de héroes diferentes entre si que se unen para defender a un pequeño pueblo del terrateniente / villano de turno.

Pero por otro lado, al ser un remake que sigue totalmente este esquema ya visto hasta la saciedad, no hay ninguna sorpresa ni imprevisto, transcurriendo los 130 minutos de película en todo momento por la senda de lo familiar y lo conocido, por lo que pierde cualquier atisbo de frescura.

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Dada esta esperable falta de novedad, la única posibilidad para conseguir que la película fuera un éxito era reunir un reparto de actores tan carismático como el original capitaneado por Yul Brynner, Steve McQueen, Charles Bronson, James Coburn, Robert Vaughn o el villano Elli Wallach. Y en este aspecto creo que la película acierta, así como la decisión de seleccionar un reparto multiracial que vaya más acorde con los tiempos.

Denzel Washington, Chris Pratt, Ethan Hawke, Vincent D’Onofrio, Byung-hun Lee, Martin Sensmeier y Manuel García-Rulfo sin duda se lo pasaron genial rodando la película, y eso se nota y se trasmite perfectamente en pantalla. Pero aunque intentan que todos tengan más o menos un momento para lucirse, la película está casi monopolizada por Denzel Washinton, sin duda la mayor estrella del reparto.

A Denzel le acompañan en importancia Chris Pratt (Guardianes de la Galaxia y Jurassic World) como el carismático Josh Faraday, un jugador y bebedor que esconde más de lo que socarronería deja entrever, y el veterano Ethan Hawke como Goodnight Robicheaux, un tirador de leyenda en horas bajas que oculta también un trauma que le atormenta. Los demás simplemente están ahí la mayor parte del tiempo, con algún atisbo de Vincent D´Onofrio y poco más.

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Además del potente reparto, hacía falta un director con suficiente experiencia para poder llevar a buen puerto el proyecto. Y para ello contrataron al eficaz Antoine Fuqua, colaborador habitual de Denzel en películas como Training Day o Equalizer. Y sin duda el adjetivo que mejor le va a su trabajo en esta película es eficaz.

Correcto en todo momento, pero sin maravillar. Sabe sacar partido a las típicas escenas de las pelis del oeste de grandes espacios abiertos, pero cuando llega el momento de las gran pelea final no sabe situar del todo bien todas sus piezas y en algunos momentos no sabes donde está cada personaje y como pudo ir de A hasta B sin ser acribillado. Lo que es una lástima, porque el primer tiroteo al llegar los héroes al pueblo sí es modélico y consigue que sepas en todo momento donde están todos y qué van a hacer, consiguiendo una gran escena en la que todo fluye, que por desgracia no se repite en el climax.

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Fuqua trabajó con un guión obra de John Lee Hancock y Nic Pizzolatto (True Detective), que parece que no se atreve o no le dejaron discurrir por sendas nuevas y en todo momento se mantiene por caminos ya transitados en innumerables ocasiones. Quizá su único acierto es que la historia parece planteada para poder hacer una crítica a hombres de negocios poderosos como Donald Trump, omnipresente en la actualidad americana de los últimos meses.

Dado que estamos viendo Los Siete Magníficos, todos esperamos escuchar el mítico tema de Elmer Bernstein. Lamentablemente, solo es utilizado en los títulos de créditos finales, más como un elemento de nostalgia que otra cosa. Por lo demás,  la banda sonora obra del trístemente fallecido James Horner en colaboración con Simon Frangler es solo funcional y cumplidora sin más.

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Parece que solo estoy cosas negativas de la película, pero lo cierto es que película es muy, muy entretenida, visualmente notable que sabe trasladarnos a las tardes de domingo cuando veiamos westerns en la televisión de casa. La película sabe que «solo» es un entretenimiento palomitero ligero y no tiene problema en serlo, sabiendo perfectamente como hacer que el espectador pasemos un buen rato.

Comparto a continuación el trailer de la película por si alguien se lo perdió:

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Los Siete Magníficos es un entretenimiento digno que ofrece justo lo que promete, en ese sentido es 100% honesta y no engaña en ningún momento. Si eres un fan de los westerns protagonizados por tipos carismáticos, no tengo duda que debes ir a verla y te la recomiendo. Para todos los demás, mejor absteneros.

PUNTUACIÓN: 6/10

¡Saludos a todos!

Blood father, conseguir el perdón no va a ser tan fácil, Mel

Blood father significa el retorno a los cines de Mel Gibson con una buena película de cine negro que nos da a los espectadores justo lo que esperamos de ella, teniendo además la historia una entretenida metalectura de la difícil situación por la que ha pasado el actor y director australiano en la última década.

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La película aunque parezca mentira es una producción francesa dirigida por Jean-François Richet (director del remake de Asalto al distrito 13), a partir de un guión de Peter Craig. Además del omnipresente y carismático Gibson,  está protagonizada por Erin Moriaty, William H. Macy y Diego Luna.

El argumento es muy simple y directo al grano. Mel Gibson es John Link, un ex-convicto, ex-alcohólico que tras años entre rejas está intentando rehacer su vida sobrio. Cuando su hija de 19 años Lydia, a la que no ve desde que tenía 9 años, se ve involucrada en un crimen cometido por un cartel mexicano, tendrá que volver a una vida que creía olvidada para salvarla.

La película dura 90 perfectos minutos que van al grano y son un genial ejemplo de cine negro protagonizado por perdedores. Y aunque estamos claramente ante una serie B, es una película honesta que en todo momento sabe lo que es y lo que nos quiere contar, y ha sido rodada con oficio a pesar del bajo presupuesto.

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Mel Gibson pasó de estrella a pariah de forma muy notoria, y esta “fall-from-grace” es imposible de separarla de la historia de Blood Father, que casi parece un ejercicio de metalenguaje para que Mel Gibson pueda volver a pedir perdón por sus pasados pecados ante la sociedad.

Su alcoholismo y su dolor por haberse perdido casi una década de la vida de su hija nos sugieren sus 10 años de ostracismo y su propio pasado y sus excesos con la bebida. Y su personaje se pasa toda la película diciendo explícitamente que va a intentar compensar a su hija de por no haber estado ahí para ayudarla cuando lo necesitó, y que aunque antes no era una buena persona, ahora ha cambiado.

Además, cuando conocemos que durante su estancia en la cárcel no traicionó a su jefe, un líder de un grupo neonazi, que luego no quiere ayudarle y le hace el vacío, esto también sugiere un cambio en su forma de pensar, suavizando su actitud reaccionaria de hace una década y como la ha moderada en sus últimas declaraciones públicas.

La película realiza también dos superdivertidas críticas a la sociedad americana cuando muestran como la hija de Mel Gibson con 19 años puede comprar munición para pistolas, pero no puede comprar tabaco por ser menor de edad. O cuando antes las quejas de Gibson que los mexicanos roban los trabajos a los americanos, su hija le responde que “ningún americano ha recogido nunca una fruta del árbol”, que rompen con los tópicos de la extrema derecha que hemos vito en tantas y tantas películas de serie B de Charles Bronson, Chuck Norris o Steven Seagal…

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De momento, descubro asombrado que esta película solo ha sido estrenada de forma limitada en los cines de los USA y no va a ser distribuida de forma general, pasando casi directamente a venta en Bluray o mediante otras opciones de VOD (Video bajo demanda) en plataformas digitales. Ni olvido ni perdón por parte de la industria, al menos de momento.

En todo caso, Blood Father es una película que muestra la enorme inteligencia de Gibson y su conocimiento de como funciona el actual show-business, ya que realiza esta declaración pública de «disculpas» justo antes del estreno de su nueva película como director, Hacksaw Ridge, para la que ha conseguido financiación 100% independiente y ha rodado en su Australia natal.

Esta película ha recibido super buenas críticas en el pasado Festival de Cine de Venecia  y cuenta la historia real de un objetor de conciencia que se negó a empuñar un arma en la 2ª Guerra Mundial y que recibió la Medalla de Honor por salvar a otros soldados en situaciones de combate en las que entraba completamente desarmado. Algunas críticas incluso llegan a decir que podría competir de nuevo al premio de Mejor Director 21 años después de Braveheart, y podría marcar un punto y aparte definitivo para el futuro de su carrera que le devuelva a la primera división cinematográfica.

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Comparto el trailer de la película que te muestra perfectamente lo que es la película y qué se puede esperar de ella.

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Blood father es una película honesta que sabe cuales son sus puntos fuertes y como explotarlos. Un buen noir de perdedores que tienen que elegir entre tumbarse y morir o levantarse y continuar con su vida, no importa lo mala que sea. Y un buen recordatorio de lo buen actor que es Mel Gibson que nos lo devuelve a la actualidad antes de su próxima película como director, Hacksaw Ridge, ambientada en la 2ª Gerra Mundial y que espero con ganas.

Una película totalmente recomendable para todos los amantes del cine negro.

PUNTUACIÓN: 7/10

¡Saludos a todos!!

Twisted Podcast Episodio 10 – Star Trek Más Allá

Grabamos esta nueva edición del Twisted Podcast justo tras salir del cine de ver Star Trek: Más Allá, la tercera película de la franquicia galáctica tras su relanzamiento en 2009, que ha sido dirigida por Justin Lin a partir de un guión de Simon Pegg y Doug Jung.

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Star Trek Más Allá marca el 50 aniversario de la popular saga galáctica, cuya primera serie de televisión creada por Gene Roddenberry empezó a emitirse en 1966.

J.J. Abrams tomó los mandos del Enterprise en 2009 para relanzar la franquicia, presentando las aventuras de una joven tripulación cuya historia cambió debido a un agujero de gusano. Este argumento consiguió honrar el legado de la primera tripulación y al mismo tiempo abrió un universo de nuevas posibilidades. En 2013, Abrams decepcionó al gran público con Star Trek Into Darkness, una película construida alrededor de un misterio que al final simplemente ocultaba un remake de «La ira de Khan», para muchos la mejor película de la saga original.

Justin Lin (Fast & Furious) recoge el testigo tras la marcha de Abrams a Star Wars (aunque mantiene labores de productor ejecutivo), con la necesidad de ser fiel al espíritu de la franquicia y la vez ofrecer un buen y entretenido espectáculo para el espectador no Trekkie vaya también a verla. ¿Lo habrá conseguido?

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Os paso como siempre el link para que podais escuchar el podcast en Ivoox:

http://www.ivoox.com/12791507

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¿Qué os ha parecido este podcast?

Espero que os haya gustado, y si es así os invito a que os suscribais a los canales de Ivoox y Youtube.

Saludos a todos.