Crítica de Sangre Bárbara Edición Salvaje de El Torres y Joe Bocardo (Karras Comics)

Había oído un montón de cosas buenas de Sangre Bárbara, el comic de Conan de El Torres y Joe Bocardo, con color de Manoli Martínez, publicado por Karras Comics. Aprovechando la nueva Edición Salvaje en blanco y negro me animé a comprarlo, y el disfrute ha sido máximo.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

Fue guerrero, mercenario, ladrón, pirata, saqueador, general de reyes… y al final, rey por su propia mano. Su hijo lleva sobre sus hombros la responsabilidad del reino de Aquilonia,la ambición de tallar su nombre en las piedras de la Historia…Y el amargo rencor hacia su padre.
Su nombre es CONAN.

Al fin, la aclamada obra de EL TORRES y JOE BOCARDO, junto a MANOLI MARTÍNEZ, en la edición de lujo que los aficionados al bárbaro cimmerio esperaban, donde nos adentramos una aventura que profundiza sobre los conflictos entre civilización y barbarie, entre padre e hijo, además de un sentido homenaje, junto a un profundo estudio sobre los personajes creados por ROBERT E. HOWARD.

Edición especial limitada, 136 páginas en blanco y negro a tamaño 18,20x28cm, lomo en tela con estampación plateada. Cuatro páginas inéditas en su interior.

El Torres (Málaga, 1972) prolífico guionista y emprendedor editor malagueño, con una notable trayectoria internacional, especializado en historias de terror y de aventuras. Algunas de sus obras más reseñadas han sido The Veil (El Velo, 2009), la serie Nancy in Hell (2010-2014) y The Suicide Forest (El Bosque de los Suicidas, 2010), que fue premiado con tres Premios Haxtur y ha llamado la atención de las compañías cinematográficas. En 2015 recibió el Premio al Mejor Guionista, en Expocómic, por la novela gráfica El Fantasma de Gaudí, que también fue premiado en el Salón de Barcelona 2016 como Mejor Obra Nacional. En 2017, recibió también el I Premio Carlos Giménez por el guión de Camisa de Fuerza, libro que también recibió el Premio del Salón del Cómic de San Sebastián. Actualmente está inmerso en varios proyectos destacando la trilogía basada en personajes creados por Robert E. Howard de los que ya ha publicado Sangre Barbara y El Puritano.

Joe Bocardo, nació en Cádiz (España) en 1980, actualmente reside en Sevilla, con su mujer e hijos. Siempre le ha fascinado el dibujo y los cómics, pero ser padre fue lo que le empujó a lograr su sueño de ser artista. Ha publicado: -“1937, la desbandá”, Carmona en viñetas. -“Phantasmagoria”, Karras Comics (España) y Scout comics (EEUU). -“Sangre Barbara” Karras Comics, ambos con guion de El Torres (el velo, IDW). -“The Recount”, Scout Comics. -“The Shepherd”, Scout comics. -“West Moon Chronicle”, Scout comics. -“Nightwalkers”, Source Point Press comics.

Hay una idea que se transmite en cada página de este comic, y es el amor que El Torres y Joe Bocardo profesan a Conan en sus diferentes versiones a lo largo de los años. Y aprovechando que el personaje entró en el dominio público hace algunos años se animaron a publicar esta historia que tiene la esencia perfecta de lo que los lectores queremos leer y ver cuando abrimos un comic del personaje creado por Robert E. Howard. Curiosamente, el personaje literario puede ser de dominio público, pero Conan, Conan The Barbarian, etc… son marcas registradas que no pueden utilizarse, de ahí tener un maravilloso comic de Conan que no puede anunciar en su portada que lo es.

De la historia de El Torres me gusta mucho que tenga tantas capas y todas ellas sean interesantes. Por un lado tenemos al anciano (pero ni mucho menos indefenso) Rey Conan de Aquilonia buscando la forma de escapar a sus obligaciones, mientras su hijo Conan se esfuerza para demostrar a todos pero ante todo a si mismo que está a la altura de la leyenda de su padre. Y la guinda de todo es que de alguna manera esta historia puede ser considerada una continuación emocional del relato de Howard «Más allá del Río Negro«. La caracterización de padre e hijo me parece una maravilla, con una interesante reflexión sobre la lucha entre la civilización y la naturaleza salvaje y los pueblos indígenas. La voz del narrador igual no es tan florida como los relatos de Robert E. Howard nos tenían acostumbrados, o los texto de Roy Thomas, pero a mi me han funcionado de maravilla transmitiendo la dureza de esta era, los valores de los protagonistas y cómo la muerte puede llegar a cada paso que dan los personajes.

El Torres plantea una narración fragmentada en la que el príncipe Conan es más protagonista que su padre, que se encuentra en otro lugar enfrentándose a otros desafíos. Y ambas historias son estupendas, pero cuando por fin llega el climax con la reunión de padre e hijo, la escena tiene una fuerza y una emoción bestial, dándonos el cierre que este comic se merecía. No se le puede poner un pero a El Torres, que realiza un trabajo super conseguido que se siente correcto en todo, aunque no sea una traslación de un relato de Howard.

He comprado la Edición Salvaje en blanco y negro, por lo que sólo puede valorar el trabajo del dibujante Joe Bocardo. Y tengo que reconocer que su dibujo «sucio» te obliga a tener que entrar en su estilo para disfrutar del comic. Pero una vez el ojo se acostumbra a él, el disfrute fue máximo. La representación del Conan Rey anciano y cansado y del valiente e inteligente príncipe me parece espectacular. Por comentar algo menos bueno, en algunas páginas toma algún «atajo» en cuanto la narración, como una de las primeras peleas en las que sólo se ven los pies de los guerreros para empezar a caer cabezas de enemigos de Conan. Estas páginas son diferentes a las típicas peleas de Conan, pero en realidad creo que no me acaban de funcionar, y podría haberse planteado otra opción más violenta y satisfactoria. Pero esto es un pero pequeño, dado que Bocardo triunfa en lo más importante, la personalidad de los dos protagonistas y con la fuerza que imprime a la narración.

Aparte, el comic imita más a la Espada Salvaje de Conan que a la versión en los comic-books de Conan The Barbarian. Lo digo por el nivel de salvajismo de algunos combates y por unas bellas mujeres ligeras de ropa, algo que es de agradecer en una historia de Conan de esta naturaleza. Sangre Bárbara cumple ampliamente con todas las cosas que espero de una historia de Conan. ¡Si hasta aparece un monstruo en la parte final!

Tenía mucha curiosidad con Sangre Bárbara. Y aparte de ser un comic maravilloso, quiero que destacar la fantástica edición en tapa dura de Karras Comics, que resalta de forma increíble la edición en blanco y negro incluida en esta Edición Salvaje. Desde luego, el comic vale cada €uro que me ha costado, y es una de esos comics que justifican de sobra su compra.

Comparto páginas del comic:

Sangre Bárbara me ha gustado mucho. Qué gozada tener un comic español de Conan que puede mirar de tú a tú a muchos comics americanos o europeos.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

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Crítica de Star Wars: La remesa mala temporada 3 (Disney+)

Star Wars: La remesa mala ha terminado de la mejor manera posible en la tercera temporada que Disney+ acaba de emitir esta semana.

PUNTUACIÓN: 7/10

La lucha de la Fuerza Clon 99 por sobrevivir al nuevo Imperio llega a una conclusión épica.

La historia comienza justo donde lo dejamos en la segunda temporada, con Omega y Crosshair encarcelados en las instalaciones imperiales de Monte Tantiss y el resto de sus hermanos -Hunter, Wrecker y Echo- desesperados por recuperarla con la Fuerza Clon 99.

Tras The Clone Wars, Dave Filloni creó esta serie de animación ambientada entre el final del Episodio III y el inicio de la trilogía original, el momento temporal de Star Wars más querido para Filloni. Esta tercera temporada de 15 episodios ha contado con Jennifer Corbett y Brad Rau como showrunners. Todos los episodios han sido dirigidos por Stewart Lee, Nathaniel Villanueva y Saúl Ruiz, mientras que los guiones han sido escritos por un equipo dirigido por Jennifer Corbett, con Matt Michnovetz, Ezra Nachman, Amanda Rose Muñoz y Brad Rau.

En esta temporada Dee Bradley Baker vuelve a poner las voles de todos los miembros de La Remesa Mala -Hunter, Wrecker, Echo y Crosshair, mientras que Michelle Ang pone voz a Omega. Otras voces de esta temporada son Jimmi Simpson como Royce Hemlock, el director de la División de Ciencia Avanzada (ASD) del Imperio, y Keisha Castle-Hughes como Emerie Karr, una clon adulta hermana de Omega que trabaja con Hemlock.

Lucasfilm ha decidido terminar la serie de animación La remesa mala, y me alegra que este final haya sabido dar el final perfecto que estos personajes merecían. La serie siempre ha tenido a Omega de protagonista, con el resto de clones de la fuerza 99 a su alrededor. Y de estos 15 últimos episodios me ha gustado especialmente la forma en que la joven clon devolvió al lado de la luz a Crosshair, que empezó la serie quedándose en el lado imperial y fue viendo poco a poco como el Imperio sólo utilizaba a los clones como si fueran maquinaria averiada. El viaje de Crosshair ha sido de largo lo mejor de la serie en su conjunto, siendo un personaje que se merecía un final feliz.

La serie ha mantenido la naturaleza episódica, creando pequeñas misiones que hicieran avanzar la trama, primero mostrando como Hunter, Wrecker y Echo buscan a Omega mientras ella intenta escapar de la base imperial de Monte Tantiss, luego una vez escapada para descubrir qué es lo que el Doctor Hemlock necesita de Omega y esa misteriosa «M-count» en su sangre, para construir el climax final de nuevo en Tantiss. Como serie de televisión de formato semanal, creo que La remesa mala te daba suficientes elementos para querer volver la semana siguiente, algo que no todas las series de Star Wars consiguieron.

Junto a una buena progresión dramática, la serie ha añadido pequeños easter-eggs con la aparición de otros personajes de Star Wars que conocemos de otras series o incluso juegos, algo que hará las delicias de todos los fans hardcore de la franquicia. En mi caso, estos invitados especiales no me parecen ni bien ni mal, me suelen dejar más bien frío. Está todo bien, pero bien sin más.

Por la parte de los villanos, el doctor Hemlock ha resultado ser un villano a la altura, personificando la villanía del Imperio. Hemlock es una persona fría que bajo su apariencia educada y calmada se encuentra alguien que no ve a las personas como seres humanos sino como recursos que explotar. Y que descartar cuando dejan de tener utilidad. Dentro de ser un buen villano, me he encontrado algunos problemas derivado de la naturaleza de serie de animación con un target juvenil. Digo esto porque para ser tan listo, deja que la científica Kaminoana Nala Se le paralice su investigación durante bastante tiempo sin que se de cuenta. Y lo mismo para la eventual traición de la doctora Karr, una clon hermana de Omega criada por Hemlock que se ve a la legua que va a terminar traicionándole. Aparte que Karr tampoco muestra tener muchas luces cuando Nala Se le boicotea muestras repetidamente sin que se de cuenta.

En positivo, las versiones mejoradas de los clones que ha creado Hemlock han resultado ser unos villanos estupendos que daban una sensación de peligro real y de que podían derrotar a los protagonistas. Unos clones que se encuentran cada vez más cascados, todo hay que decirlo. La forma en que se ha ido construyendo la tensión me ha parecido que estaba bien, con un último episodio que ha creado un climax final a la serie que me ha parecido super satisfactorio.

Por comentar lo menos bueno, la idea de los Midiclorianos fue una pifia por parte de George Lucas. No se puede expresar de otra manera. Que algo como es la Fuerza se pudiera medir por un índice en un análisis de sangre eliminaba toda la parte mítica y mística que tenía la Fuerza y con ello, los Caballeros Jedi. Si. George Lucas la cagó con esto. (Y con más cosas, pero no es momento de entrar a ello ahora). Ser el creador de Star Wars no significa que fuera un ser infalible.

Digo esto porque la serie vuelve a este concepto fallido de los midiclorianos, pero sin atreverse a nombrarlos porque sabe que el concepto nunca ha gustado. De ahí lo de «M-count» y que Hemlock busca niños con un nivel alto de midiclorianos se entiende para avanzar en las investigaciones de clonación del Emperador que se vieron en el terrible Episodio IX. Y claro, igual que no funcionaba en La amenaza fantasma, por mucho que Dave Filloni y su equipo de Lucasfilm se empeñen en reivindicar todos los conceptos de la trilogía precuela de Lucas, sigue siendo un concepto fallido. En todo caso, la forma en que vencen los clones al final y se destruye toda la investigación de Hemlock es una forma adecuada de cerrar esta historia sin entrar en contradicciones con las películas o con otras series cronológicamente posteriores.

Otra cosa que encuentro menos buena es la forma en que fuerzan que los clones realicen pequeñas misiones sucesivas para poder encontrar pistas para llegar hasta el Monte Tantiss donde se encuentran Hemlock y Omega. Estas misiones de los últimos tres/cuatro episodios en realidad me han parecido «minutos de la basura» que alargaban la espera para llegar al momento que queriamos ver, que sucede todo en el último episodio. No es que fueran malos episodios, pero tampoco me han encantado.

En todo caso, lo mejor de La remesa mala es que siempre ha tenido el corazón en el sitio adecuado. Omega siempre fue el corazón de la serie y el resto de clones transmiten lo mucho que la quieren y cómo es como una hija para ellos por la que harían cualquier cosa. La idea de familia y que nunca dejan a nadie atrás es otra gran idea de la serie que es llevada hasta sus últimas consecuencias en este temporada. Esto hace que el climax final me haya parecido perfecto por el lado emocional, si bien con el problema de las series juveniles de animación, todo resulta demasiado conveniente y hasta facilón en todos los episodios.

Esta conveniencia y en general la animación de la serie, dentro que estoy super acostumbrada a ella, es lo que hacen que dentro que todo me ha gustado, en realidad no haya nada que me parezca notable o me haya flipado. Dicho esto, tengo que reconocer que la parte emocional del final de la serie SI que me ha gustado mucho, al igual que la forma en que estos viejos soldados pueden tener su final feliz y su merecido descanso. Por cierto, el epílogo en el que se añade que la lucha contra el imperio continúa y alguien coge el relevo es otro detalle super chulo de este finalo.

Si eres un fan de Star Wars, creo que seguro disfrutarás de La remesa mala. Aunque por todo lo anterior creo que poco o nada probable que alguien no iniciado en la franquicia vaya a animarse a ver esta serie.

Comparto el trailer de este temporada:

Star Wars: La remesa mala ha sido una estupenda serie de Star Wars que han sabido terminarla de la mejor manera posible.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Crítica de Farmhand vol. 3 de Rob Guillory (Image Comics)

Tercer arco de Farmhand, el inclasificable comic de Rob Guillory (Chew) sobre una granja de órganos que esconde un oscuro secreto.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

VOL. 3: LAS RAÍCES DE TODOS LOS MALES

Jedidiah Jenkins es un simple agricultor. Pero su cultivo comercial no es el maíz o la soja. Con la Semilla de Jedidiah filtrándose en el ecosistema local a un ritmo cada vez mayor, la búsqueda de una cura por parte de los Jenkins les llevará a las raíces mismas de la creación de la semilla. Lo que allí encuentren sacudirá Freetown y destrozará a su familia. No hay vuelta atrás.

Este volumen recopila FARMHAND #11-15 USA, publicados originalmente entre 2019 y 2020.

Rob Guillory (Lafayette, Luisiana, 1982) es un dibujante de cómics estadounidense conocido por Chew, serie de la que es co-creador junto a John Layman, publicada por Image Comics. Farmhand, también en Image Comics es una serie de creación propia en la que él realiza labores de autor completo. Además, ha creado Mosley, comic publicado por Boom! Studios.

Farmhand es una lectura super loca y divertida con la que he conectado un montón. Y en este tercer volumen, de cuatro que forman esta colección, tenemos las respuestas a preguntas que me hacía desde el comienzo del comic, al mostrarnos el pasado de Freetown cuando Jedidiah Jenkins, la doctora Monica Thorne, el que será el futuro alcalde Randall Lafayette y el pastor John Moore, con sus esposas respectivas, eran amigos y planeaban cómo iba a mejorar la vida del pueblo gracias a las investigaciones de Jenkins y Thorne. Una investigación que se torció cuando Thorne enfermó y Jedidiah se negó a crear cerebros vegetales, lo que la condenaba a la muerte. Una muerte que como podéis imaginar no llegó, por los sucesos que vemos en este arco.

Una cosa que me gusta mucho de Guillory es que aparte de todas las situaciones super peculiares, tenemos una buena construcción de los diferentes personajes, teniendo en todas las grapas varios momentos que te hacen empatizar con todos y preocuparte por ellos incluso cuando se equivocan o toman malas decisiones. Me gusta también la idea que transmite el comic de ser una historia cerrada con un final claro desde antes incluso que se publicara el primer número.

El estilo de dibujo de Guillory conecta con el cartoon y es perfecto para transmitir el humor freak que tiene el comic. Guillory aporta un montón de personalidad y expresividad a los personajes con este estilo, consiguiendo que conectemos inmediatamente con ellos. Aparte de las caracterizaciones me gusta mucho como añade muchos detalles super locos y divertidos en el fondo de las imágenes que aumentan el disfrute del comic. Aparte del humor, cuando se pone gore Guillory también sabe crear imágenes super impactantes. Por ejemplo, que el árbol «maldito» de la doctora Thorne del que brotan los órganos ¿contaminados? tenga la forma de un órgano reproductor femenino me parece un puntazo tremendo. Y hay detalles así en todos los números de este volumen.

En este tercer volumen Taylor Wells realiza el color en los números 11 y 12 USA, con Jeremy Treece en el número 13 y Rico Renzi en el 14 y 15. Y la verdad es que al menos yo no noto la diferencia, ayudando todos ellos a que la lectura sea fluida y satisfactoria.

Me lo estoy pasando genial con Farmhand. Y la lectura de este volumen me ha dejado con muchísimas ganas de comprar cuanto antes el cuarto y último volumen, para saber como cierra Guillory esta historia.

Comparto las primeras páginas del número 11 USA:

Farmhand ha dado muchas de las respuestas a las preguntas que la serie llevaba planteada desde el primer número. Y lo ha hecho de forma super entretenida.

PUNTUACIÓN: 7.5 /10

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Crítica de Grandes Tesoros Marvel. Doctor Extraño: Amanecer de Otoño de Tradd Moore y Heather Moore (Marvel Comic – Panini)

Tras volarme la cabeza con Estela Plateada: Negro, tenía que comprar el siguiente comic de Tradd Moore. Y descubrir que se trataba de una miniserie del Doctor Extraño, Amanecer de Otoño, publicada por Panini en formato extra-grande, lo convirtió en el combo perfecto.

PUNTUACIÓN: 9/10

¡De la alucinante mente de Tradd Moore, llega una nueva obra maestra como sólo el creador de Estela Plateada: Negro podría producir! El Doctor Extraño se encuentra atrapado en un mundo distante. Rodeado de peligro, el Hechicero Supremo debe explorar esta tierra de espadas y misterio para desentrañar secretos arcanos y escapar de los terrores que lo acechan.

Tradd Moore (Georgia, 1987) es un dibujante y creador de cómics estadounidense que ha publicado con Marvel Comics, Image Comics y DC Comics. Cuando aún estaba en la universidad, fue descubierto por el escritor Justin Jordan, quien le propuso el guion de un nuevo cómic, The Strange Talent of Luther Strode, publicada en 2011 por Image Comics. DC Comics le pidió que ilustrara un número de la antología de Batman Legends of the Dark Knight antes de dar el salto a Marvel en 2013. Moore dibujó los cinco primeros números de All-New Ghost Rider que presentaron al personaje de Robbie Reyes. También colaboró en las portadas de toda la serie de Aleš Kot Secret Avengers, con el que ya había colaborado en Image en un número de su Zero. En 2019 Moore colaboró con su colega Donny Cates, al ser ambos antiguos alumnos del Savannah College of Art, en la serie de cinco números Estela Plateada: Negro, que me voló la cabeza. Amanecer de Otoño es su siguiente comic de importancia, y la primera obra de importancia en la que es autor completo. (Dicho esto por el propio Moore, cuyas historias cortas que creó en solitario no las pone al mismo nivel que este trabajo).

Echando la vista atrás mientras redactaba el resumen de la obra de Tradd Moore, me hace gracia recordar lo rompedor que resultó en su momento el relanzamiento de Ghost Rider. No sólo por crear a Robbie Reyes y que llevara un coche y no una moto, resaltando las múltiples acepciones de «rider», sino sobre todo por un dibujo de Moore que rompía todos los convencionalismos del género de superhéroes. Un dibujo que reconozco que no me acababa de gustar a pesar del alucinante sentido de la velocidad que imprimía a sus páginas. Tras esto probé a leer su Luther Strode y era un desfase super over-the-top, un comic super influido por el manga y el anime con unas exageradísimas escenas de acción y grandes dosis de gore. Algo con lo que tampoco llegaba a conectar, aunque en realidad yo debería ser claramente público objetivo de un comic como ese. No fue hasta Estela Plateada: Negro en que Moore encontró el vehículo perfecto para que su psicodelia pudiera explotar en la página impresa. Ese comic SI me gustó, y convirtió en inevitable la compra de este, que a priori prometía que Moore iba a desatarse aún más.

Y empezando a comentar mis impresiones de este comic, la acepción de «Obra de arte» está más que justificada para valorar este comic. ¡Qué locura! El comic es una explosión de formas y colores que transmite una poesía y una belleza a la que los lectores de comics de super héroes no estamos acostumbrados. Es interesante leer que para Moore esta es la primera vez en que crea una obra completa que siente totalmente suya. Incluso en el trabajo colaborativo que fue Luther Strode (o el resto de comics), aunque colaboró con los guionistas a todos los niveles, al final está trasladando a la página la idea del escritor. Cosa que en este comic ya no pasa y todo es 100% suyo.

Leyendo una super interesante entrevista a Moore en el Comics Journal, el autor comentaba que «En el arte y la literatura, no voy a decir que sea más fácil comunicarme allí, pero me siento más cómodo trabajando las ideas y los sentimientos en su plenitud en ese espacio tranquilo y aislado. El terror, la angustia, el odio, el amor. La confusión. Todas estas cosas; cada pequeño hilo tenue. No se trata de encontrar respuestas -a menudo es todo lo contrario-, sino de desarrollar y exponer un pensamiento completo. Una persona puede expresarse de forma abstracta en el arte, que se siente como en casa. Me siento más en paz y más yo mismo cuando no hablo ni intento dar sentido a nada.» Y es interesante leer esto, porque estas ideas se transmiten en el comic, en el que la abstracción y las ideas más-grandes-que-la-vida cobran vida en su forma más pura, superando las limitaciones del dibujo figurativo.

Una de las cosas que más me alucina de este comic y que hace que se diferencia de cualquier otro comic que haya leído, es que el arte de Moore plantea imágenes potentísimas en las que parece que no ha empleado ninguna línea recta, creando todas las figuras siempre con líneas curvilíneas que transmiten una sensibilidad única. Además de este detalle, que ya es importante de por si, me flipa como esta historia sólo podía haberse creado como comic, sacando todo el partido de las posibilidades expresivas y narrativas del medio. Digo esto porque Moore juega constantemente con la estructura de la página, el número de viñetas, la orientación de la acción, ayudando a crear tensión y ritmo como sólo se puede hacer en un comic. El propio Moore comenta que cuando quiere acelerar la historia coloca pocas imágenes por página y al revés, cuando quiere crear tensión o dar sensación que varias cosas están pasando al mismo tiempo, crea páginas abarrotadas con viñetas pequeñas. Al mismo tiempo, para que el impacto visual de una splash-page sea mayor, en las páginas previas juega también con el número y tamaño de las viñetas, de forma similar a la estructura de una canción rock / heavy / dance / etc… que construye un climax que estalla en una explosión para que la gente bailemos en la discoteca o en el concierto.

Amanecer de Otoño plantea una historia con grandes ideas y aspectos filosóficos y teológicos. Es una historia que habla de madres e hijos, de moralidad, virtud, valor, desesperación, crueldad y aceptación. Pero en un comic con un arte tan abstracto, en contraste con el arte figurativo al que estoy acostumbrado, imagino que cada lector podrá sacar otras claves relacionadas con la fe y cualquiera de las diferentes religiones. Dicho esto, en lo que a mi respecta Tradd Moore podría estar hablando del partido de futbol de su pueblo, que abrir cada una de las páginas me hubiera volado la cabeza igual. Puestos a comentar algo menos bueno, este comic es 95% dibujo, de forma que la historia queda en muchos momentos en un plano secundario. Una historia que a mi parecer se entiende a pesar de la sobrecarga sensorial del dibujo de Moore, pero que puede provocar la desconexión por algún lector que se acerque a esta obra sin tener el estado mentar adecuado para disfrutar de este comic.

Amanecer de Otoño es un comic que transmite la sensibilidad creativa de Tradd Moore. Pero es importante destacar el trabajo de la colorista Heather Moore, que ha creado una explosión de color alucinante y obviamente sin ella el comic no tendría la fuerza visual que tiene este comic. Por cierto, no he conseguido saber si Tradd y Heather son pareja, hermanos o no están relacionados en absolutos, pero han formado un equipo creativo maravilloso y transmiten una personalidad única. Ganazas de saber cual será su próximo trabajo juntos, pero Heather Moore lo está petando también en la colección regular de Doctor Extraño junto a Pasqual Ferry.

Doctor Extraño: Amanecer de Otoño es un comic único, y si te gusta el arte, no deberías tener dudas en darle una oportunidad. A mi me ha flipado de manera increíble.

Comparto algunas páginas del comic:

Doctor Extraño: Amanecer de otoño es una obra de arte. El despliegue visual de esta colección se sale de la escala, resultando en una sobrecarga sensorial que me ha volado la cabeza.

PUNTUACIÓN: 9 /10

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Crítica de Intemporal 2024 de Collin Kelly, Jackson Lanzing y Juann Cabal (Marvel Comics – Panini)

Llega Abril y con él un nuevo especial de Intemporal, el comic con el que Marvel adelante a modo de teaser algunas de las principales tramas que veremos en los próximos meses en el Universo Marvel. Un especial que ha sido realizado por Collin Kelly, Jackson Lanzing y Juann Cabal.

PUNTUACIÓN: 5.5/10

En un futuro devastador nacido de las decisiones que se están tomando ahora, el tiempo y el espacio se ven amenazados por la ascensión de un antiguo mal. ¡La pesadilla que en otro tiempo fuera el Caballero Luna ha renacido, y ahora toda la Tierra se inclina ante su poder abrumador! Pero un hombre se opone a la próxima ola de caos: Power Man, el último superhéroe vivo del Universo Marvel. ¿Qué conflicto oscuro y profundamente personal sustenta este apocalipsis alucinante? ¡Además, un vistazo a lo que encontrarás en el próximo año de historias de Marvel!

Intemporal es un especial de 48 páginas que Panini ha publicado con una oferta de 2.50 €uros dada la naturaleza de teaser de las próximas tramas que veremos a lo largo del Universo Marvel. Este detalle del precio resulta clave, porque reconozco antes de hablar del comic en si que si lo he comprado es precisamente por este precio reducido. Podéis estar seguros que a 5.50 €uros, el precio de una grapa doble de Panini, seguro no lo hubiera comprado. Y esto me viene a la cabeza porque el precio claro que influye en la compra de un comic. Y viendo la crisis de Panini que comenté hace unos días, merece resaltarse siempre que se puede que si pones precios abusivamente caros, es normal que cada vez menos gente compre tus comics. Y sobre toco, que cada vez menos lectores prueben comics diferentes.

En los dos últimos años estos especiales Intemporal estuvieron escritos por Jed MacKay y tenían como protagonista a Kang, presentando una trama que se está desarrollando ahora mismo en la colección de los Vengadores. Para este especial de 2024 parece que Marvel ha decidido un cambio de concepto al darle el encargo a la pareja de escritores formada por Collin Kelly y Jackson Lanzing, guionistas de la anterior etapa de Capitán América y la actual de Thunderbolts o Guardianes de la Galaxia, que han trabajado también en Superman y Outsiders en DC Comics. Y diría que el cambio le ha sentado bien al especial.

Intemporal está ambientado en un futuro más o menos lejano. Está protagonizada por un anciano Luke Cage se va a realizar una última acción para intentar detener el dominio de Khonshu, el Dios de la Luna, que ha esclavizado a lo que queda de raza humana. Aunque Cage no lo va a tener fácil, al enfrentarse al Inmortal Caballero Luna, un guerrero con una conexión con el pasado de Luke. Lo malo de este comic es que no puede quitarse la sensación de What if? que no va a tener ninguna repercusión. Pero en realidad creo que como comic de superhéroes con una historia autoconclusiva con momentos espectaculares, resulta satisfactoria. En este sentido, hay que agradecer que Collin Kelly y Jackson Lanzing muestren un buen conocimiento del mundo de Luke Cage y sus aliados.

Por la parte de los teaser de las próximas líneas narrativas de Marvel, la verdad es que igual que en anteriores especiales, resulta super decepcionante, al limitarse a viñetas sin ningún contexto dentro de splash-pages en mitad de la historia. En positivo, Collin Kelly y Jackson Lanzing consiguen que la inclusión de estas imágenes no rompa demasiado la historia principal, pero resulta sintomático que Panini haya tenido que emplear toto el Spot-On de este comic para que Julián M. Clemente nos cuente qué era cada cosa. Si alguien dijera que va a comprar el comic de Miles Morales por ser el protagonista de una de estas viñetas, por ejemplo, le diría que me miente de forma descarada. Si el objetivo de este especial era crear hype hacia el futuro del Universo Marvel, en eso diría que el comic es un fracaso total. Ahora bien, como entretenimiento de acción sin más pretensiones, creo que cumple razonablemente bien.

Por suerte, el comic está dibujado por el español Juann Cabal, que cuenta con Edgar Delgado en el color. Me canso de decir que el dibujo es clave para que un comic triunfe o fracase. Y este especial es un ejemplo excelente. Por empezar con lo menos bueno, diría que son precisamente las splash-pages con los teaser, en los que no tiene margen para presentar algo atractivo. Pero fuera de estas 4 páginas, creo que Cabal realiza un buen trabajo en este especial, dentro que no puede hacer milagros.

Por cierto, el comic cuenta con una portada de Kael Ngu, un artista que no conocía de nada antes de ahora y que realiza un trabajo sólo correcto, de los que no invitan a comprar el comic viendo la portada, cosa que si pasa con Alex Ross, Javier Garrón o Daniel Acuña, por nombrar varios artistas de portadas de comics que he comprado este mes que tienen muchísima más personalidad y fuerza que este ilustrador.

Intemporal es lo que es. Pero aún y con todo el buen dibujo de Juann Cabal consigue que la sensación sea satisfactoria.

Comparto páginas de este comic:

Intemporal 2024 es un comic al que le falta chispa debido a su naturaleza de What if?, y que no puede dar más de lo que tiene, pero al menos cuanta con un buen apartado artístico que consigue hacer satisfactoria la experiencia.

PUNTUACIÓN: 5.5/10

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Repaso a mi Sci-fi favorito: comics, películas, TV y libros