Tenía ganas de ver en el cine Napoleón, la nueva película de Ridley Scott con Joaquin Phoenix, que nos ofrece un espectáculo cinematográfico de primer orden que merece la pena verse en pantalla grande.
PUNTUACIÓN: 7.5/10
Los orígenes del líder militar francés y su rápido y despiadado ascenso a emperador. La historia se ve a través de la lente de la relación adictiva y volátil de Napoleón Bonaparte con su esposa y único amor verdadero, Josefina. (FILMAFFINITY)
Sir Ridley Scott va a cumplir 86 años esta semana. Y ya me gustaría llegar a su edad con la vitalidad y la cabeza del director inglés, uno de los grandes directores del cine comercial de los últimos 40 años. Debutó como director de cine con Los duelistas (1977) y obtuvo un mayor reconocimiento con su siguiente película, Alien (1979). Sus películas abarcan un amplio abanico de escenarios históricos, desde la Roma del siglo II en Gladiator (2000), la Jerusalén del siglo XII en El reino de los cielos (2005), la Inglaterra medieval en Robin Hood (2010), la antigua Menfis en Éxodo: dioses y reyes (2014), la Mogadiscio contemporánea en Black Hawk derribado (2001) y los paisajes urbanos futuristas de Blade Runner (1982) y diferentes planetas en Alien, Prometheus (2012), The Martian (2015) y Alien: Covenant (2017). Varias de sus películas también son conocidas por sus fuertes personajes femeninos, como Alien, Thelma & Louise (1991) o La Teniente O´Neil (1997). Y en general ha demostrado que puede hacer lo que quiera, con películas como Black Rain (1989), Legend (1985), Hannibal (2001) o American Gangster (2007). Aunque en alguna ocasión parecía perder el rumbo como con Prometheus (2012), luego se saca de la manga peliculones como The Martian (2015) que demuestran que quien tuvo retuvo. En los últimos años y ya sobrepasando los 80 años, Scott parece que se encuentra en una madurez creativa en la que no quiere parar, quien sabe si por el temor de no poder rodar más adelante. El último duelo (2021), La Casa Gucci (2021), Napoleón (2023) y Gladiator 2 (2024) se han rodado una detrás de la otra sin casi un segundo de respiro.
Napoleón está escrita por David Scarpa, colaborador habitual de Scott, basándose en la historia real de Napoleón Bonaparte, que describe principalmente el ascenso al poder del líder francés, así como su relación con la emperatriz Josefina, la película está protagonizada por Joaquin Phoenix y Vanessa Kirby. Aunque se dice que existe una versión de cuatro horas de la película, la versión estrenada en los cines tiene una duración de 157 minutos. La pelicula tiene fotografía de Dariusz Wolski, montaje de Claire Simpson y Sam Restivo, y música de Martin Phipps. La película ha sido producida por Apple Studios, con un presupuesto superior a los 150 millones de dólares. Y aunque parezca mentira, ninguna de las escenas fue rodada en Francia, siendo la mayoría de localizaciones inglesas, además de rodarse en Malta y en el desierto de Marruecos.
No. Napoleón no va a estar en el Top-5 de mejores películas del director inglés de ningún espectador. Quería decir esto de inicio para resaltar que quien dice esto de Napoleón parece olvidarse que Ridley Scott tiene más obras maestras, peliculones, o como lo quieras decir que probablemente ningún director vivo (si exceptuamos a Steven Spielberg) o muerto. Así que quien diga esto está diciendo una chorrada como la copa de un pino, empezando porque no es necesario que alguien haya una obra maestra para que su película pueda ser super entretenida y disfrutable. Que es precisamente el caso de Napoleón.
Cuando Ridley Scott se pone épico, Napoleón tiene unas escenas impresionantes. Poder ver el combate en la fortaleza de Toulón (1793), la batalla de Austerlitz (1805) y sobre todo la batalla de Waterloo (1815) por si solas ya merecen la pena pagar por ver la película en el cine. Aunque seguro Scott ha empleado efectos especiales CGI para rodarlas, ver escenas con cientos de soldados y caballos, cañones, explosiones y estrategias militares me ha parecido una pasada. Aunque Napoleón no es una película bélica, estas escenas son lo mejor que veremos en este campo en 2023 sin duda ninguna.
Otro elemento que me ha gustado mucho de Napoleón es que quizá por ser una película de unos ingleses retratando al Emperador francés, Napoleón no sale especialmente bien parado de la película. La película se centra en la tormentosa relación de Napoleón y Josefina, magníficamente interpretados por Joaquin Phoenix y Vanessa Kirby. En cierto sentido parece una relación tóxica por parte de los dos, al parecer que se aman y se odian e intentan putearse a partes iguales. Napoleón parece en varios momentos un niño enchochado más que el Emperador de toda Francia y un consumado estratega militar que puso en jaque a toda Europa. Phoenix y Scott parecen empeñados en quitarle toda capa de brillantez a Napoleón, mostrándole como alguien dubitativo al que en su vida familiar era más cordero que león.
Las infidelidades de Josefina fueron un asunto de la máxima actualidad en la época, y se habló de ello en los periódicos de la época. Este elemento parece un primer ejemplo histórico del fenómeno de los paparazzis, con una opinión pública pendiente de cada cotilleo. Que se robaron y se hicieron públicas la correspondencia entre la pareja es un elemento histórico conocido y me parece también muy interesante. Como también que Napoleón se divorciara de ella al no poder darle un heredero, cosa que sí consiguió con su siguiente esposa. Aunque queda un poco en segundo plano, un elemento que se transmite sobre el odio que recibió Napoleón en toda Europa viene del hecho que no era alguien de Sangre Real, sino un militar que tomó el poder por la fuerza, algo que le convertía en indigno para las casas reales de la época, una muestra de ¿racismo por ser corso?¿clasismo de la nobleza?¿Ambas cosas? En cualquier caso, es algo muy interesante.
La película de casi tres horas en ningún momento se hace larga, y resulta super entretenida de principio a fin. Aunque no soy un experto en historia, si conozco muchos de los hechos básicos de la biografía de Napoleón que aparecen en la película, como su mítica autocoronación como Emperador. Se ha criticado mucho a la película por sus inconsistencias históricas, pero creo que la película realiza una correcta narración de su historia. Por cierto, dentro de los aspectos positivos de la película quiero destacar el trabajo de algunos de los colaboradores habituales de Scott, como es el músico Martin Phipps, el montaje de Claire Simpson y Sam Restivo y, sobre todo, la fotografía de Dariusz Wolski. Una fotografía que transforma en algunos momentos a Napoleón en una película casi en blanco y negro, una decisión estilística arriesgada que creo que le sale bien en el contexto de la desastrosa campaña militar de Napoleón en Rusia.
Dentro que la película me ha gustado bastante, creo que el montaje de 4 horas mejorará bastante la película, explicando mucho mejor todo. Esto se aprecia muy claramente en personajes que aparecen y desaparecen, como el hermano de Napoleón. Desde una perspectiva española, me deja perplejo que la película no haga ni siquiera una mención a la ocupación francesa de la Península Ibérica, algo que me parece un error que se explica desde el corte del montaje, prefiriendo eliminar completamente elementos menos importantes con tal de contar bien lo que para Scott es más importante. En el corte estrenado en cine Napoleón crea una alianza con Austria primero y luego con Rusia para a continuación ser traicionado sin ninguna explicación, más allá de ser alguien indigno para poseer el trono de Francia. Como decía, esto no ha impedido que disfrutara de la película mientras la disfrutaba en el cine, pero que ahora que estoy pensando sobre ella vea obligatorio ver el montaje que se estrenará dentro de unos meses en Apple TV no es una buena sensación para una película que acabo de ver en el cine.
Y dentro de lo interesante que es la relación de amor-odio entre Napoleón y Josefina, y lo bien que lo hacen los dos protagonistas, la verdad es que me sabe un poco mal terminar de ver esta película y no saber qué pensaba el Emperador y estratega militar sobre infinidad de temas, aparte de su amor por Francia. Hubiera estado bien haber sentido que estuvimos dentro de la cabeza de Napoleón, algo que el director y el guionista eligen no hacer, al plantear su película de otra manera. Como si estuviera bien inventarse elementos para hacer la película más interesante y cinematográfica, pero no querer poner en boca de Napoleón cosas que no dijo realmente. O no se muy bien el motivo. Es curiosos que la frase «no tengo problema en reconocer cuando me equivoco, pero es que nunca lo hago» sea algo que dice prácticamente al final de la película, cuando de hecho ya había sido derrotado en Waterloo.
Dentro de las luces y sombras de la película, Napoleón nos da un entretenimiento basado en hechos reales que me ha gustado mucho mucho. De hecho, es una de esas películas que justifican de sobre el gastar tiempo y dinero para verla en pantalla grande. La espectacularidad y grandiosidad de numerosos momentos bien merecen este formato. Y esto no siempre es algo que siento con todas las películas que veo en el cine, sin ir más lejos con el visionado de The Marvels, una película «sin más» que hubiera sido mejor esperarme a ver en Disney+.
Napoleón es cine comercial en el mejor sentido, y me encantó ver la sala llena cuando la vi, con públicos de todas las edades, pero sobre todo muchas personas mayores. algo que indica que el público acude a los cines si les das algo que les interesa. Espero que consiga una buena taquilla al estar seguro que se mantendrá en pantalla todo el mes de diciembre. Ridley Scott se mantiene en perfecta forma, y cuantos más años podamos disfrutar de su trabajo, mejor para todos. Desde luego, el cine saldrá ganando.
Comparto el trailer de la película:
Napoleón justifica más que de sobre el pagar por verla en la pantalla más grande posible.
PUNTUACIÓN: 7.5/10
Gracias por leer este post. Espero tus comentarios. Y si te gustó el artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales y que te suscribas para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones. Y si quieres, puedes invitarme a un café.
Segunda parte de mi repaso a algunas de las películas más representativas de Studio Ghibli de Hayao Miyazaki, que volví a ver por la grabación del podcast especial de El Colmo. Por si os interesa, os dejo aquí el link a la primera parte, con mis impresiones de Nausicaä del Valle del Viento, Mi vecino Totoro y Porco Rosso.
LA PRINCESA MONONOKE (1997)
Con el fin de curar la herida que le ha causado un jabalí enloquecido, el joven Ashitaka sale en busca del dios Ciervo, pues sólo él puede liberarlo del sortilegio. A lo largo de su periplo descubre cómo los animales del bosque luchan contra hombres que están dispuestos a destruir la Naturaleza. (FILMAFFINITY)
La princesa Mononoke es LA PELÍCULA DE GHIBLI.En ninguna otra hay esta mezcla de magia y comentario social, defensa de la naturaleza y crítica al egoísmo de los seres humanos y los desmanes de la industrialización salvaje, todo ello con personajes complejos, imperfectos e inolvidables. Son más de dos horas de perfección que va más allá del cine de animación, estamos hablando de una de las mejores películas que recuerdo.
El joven príncipe Ashitaka, salva a su aldea del ataque de un Tatarigami, un demonio que destruye todo lo vivo con tan solo tocarlo, siendo herido por este. El demonio resulta ser el dios jabalí Nago, corrompido hasta convertirse en un tatarigami tras ser herido por un objeto de metal. Al no tener curación la herida que ha sufrido, y ante la extensión de la maldición, Ashitaka accede a abandonar su pueblo para nunca volver, iniciando un viaje hasta el gran bosque donde vive el Dios Ciervo, al que intentará persuadirle para que le cure, mientras descubre qué enloqueció al dios jabalí.
Durante su viaje conocerá a Jiko-bō, un monje mercenario con el forja amistad durante su viaje, pero que resulta estar a sueldo del Emperador, con órdenes que pueden destruir lo que queda del bosque. Finalmente llegará a la Ciudad de Hierro liderada por Lady Eboshi, una mujer fuerte que posee armas de fuego y ha liberado de la esclavitud y la prostitución a centenares de mujeres que viven en igualdad con los hombres de la ciudad. Cada sexo realiza trabajos diferentes dentro de esta sociedad, que vive en harmonía interna. Su pueblo la quiere y gracias a la forja y la construcción de las armas de fuego han conseguido independencia respecto de señores feudales. Pero para conseguir materias primas, no dudan en talar el bosque cercano poniendo en riesgo el orden ancentral.
San es una hija del bosque y fue criada por los lobos. Es despiadada y no se detendrá ante nada para evitar la destrucción del bosque, aunque para ello tenga que arrasar con la Ciudad de Hierro y con todos los que allí se encuentran. En medio de una situación de guerra abierta de todos contra todos, Ashitaka intentará salvar a todo el que pueda, aunque ante el avance de la industria y la guerra, la naturaleza parece abocada a su destrucción.
La mezcla de magia, mitología y elementos históricos como la gran foja y las armas de fuego ofrecen el marco perfecto para contar una historia maravillosa en la que todos excepto Ashitaka muestran grises y matices interesantes. De todos los personajes, probablemente Lady Eboshi sea el más interesante y complejo, mostrando que puedes ser un héroe que busca lo mejor para los tuyos y al mismo tiempo provocar el apocalipsis con su egoísmo y por sólo mirar el corto plazo frente al bien mayor que simboliza la naturaleza. Eboshi en algunos momentos es la heroína de su historia, seguro de su pueblo, y a ratos la villana de la historia y la culpable de la maldición de Ashitaka. La metáfora hacia la actuación de los países industriales contaminando el medio ambiente mientras buscan el progreso económico y alimentar a sus habitantes es evidente viendo la película.
La animación de La princesa Mononole probablemente sea la mejor que haya visto en una película de Ghibli, y eso que hay películas sobresalientes como Mi vecino Totoro o El viaje de Chihiro que van también sobradas en lo relativo a la animación. La fluidez de los movimientos de todos los personajes, la iconicidad de los diseños, en especial el de San con sus hermanos lobos, y unos fondos impresionantes hacen que cualquier fotograma de la película merecería enmarcarse.
En muchos aspecto es también la película más oscura y adulta del Studio, con temas que seguro se les escapan y que interesan a los adultos. Me gusta mucho el mensaje de esperanza sobre que a pesar de todo lo que la estamos haciendo, la naturaleza siempre encuentra la forma de curarse a si misma. Pero dentro de este elemento positivo, que San no pueda perdonar a los humanos por su crimen y no acepte irse con Ashitaka es otro elemento super adulto que me parece maravilloso, al no caer en el sentimentalismo barato.
He comentado sobre otras películas de Ghibli que Miyazaki siempre incorpora elementos extraños en sus argumentos. No es el caso de La princesa Mononoke (más allá del título de la película), la complejidad de la historia me ha flipado de principio a fin. ¡OBRA MAESTRA ABSOLUTA!
EL CASTILLO AMBULANTE (2004)
Narra la historia de Sophie, una joven sobre la que pesa una horrible maldición que le confiere el aspecto de una anciana. Sophie decide pedir ayuda al mago Howl, que vive en un castillo ambulante, pero tal vez sea Howl quien necesite la ayuda de Sophie. (FILMAFFINITY)
El castillo ambulante es un feroz relato antibelicista en un mundo similar a la Europa de comienzos del siglo XX, en el que la ciencia y la magia conviven sin problemas. Junto a potentes aviones y bombarderos que extienden la destrucción existen magos y brujas que son un recurso más en la guerra entre dos reinos enfrentados, sin un motivo aparente más allá de la propia guerra. Me pareció curioso descubrir en su momento que esta historia no es original de Hiyazaki, sino que se trata de una adaptación del libro El castillo ambulante de Diana Wynne Jones.
En este contexto, la protagonista absoluta de la película es Sophie, una joven que trabaja en una sombrerería y cae víctima de una maldición por parte de la Bruja del Páramo que le hace tener la apariencia de una mujer de noventa años. De carácter tímido y cerrado, tendrá que enfrentarse a sus propios miedos para poder romper el maleficio que se ha desatado sobre ella y ayudar a Howl mientras lucha por parar la guerra entre los dos reinos enfrentados. Howl Jenkins Pendragon es el amo y señor del castillo ambulante. Es un mago dotado de un gran poder, a pesar de su apariencia joven que la aborrece la guerra y trata de sabotear las naves de guerra de ambos bandos para así evitar la masacre de inocentes, a costa de perder su propia humanidad. La Bruja del Páramo es una malvada bruja que persigue a Howl para adueñarse de su corazón y que ha lanzado una maldición contra Hattie. Markl es el joven discípulo de Howl. Cálcifer un demonio de fuego, encargado de mantener la energía del castillo ambulante.
Sophie es un personaje maravilloso, y su amor hacia Howl es más que evidente. Ayudarle se convierte en su prioridad incluso por encima de liberarse de la maldición de la Bruja. La forma en que entra en el mundo mágico de Howl me gusta mucho, con unos Markl y Cálcifer que me parecen super divertidos. Hay detalles muy chulos en la historia, como por ejemplo la magia que hace que la puerta de Howl lleve a diferentes ciudades con girar la llave. También que el egoísmo de la Bruja esconda también un dolor que se fue gangrenando hasta convertirla en lo que es.
La animación es increíble como siempre. Las ciudades son super detalladas, hasta el punto de casi ver cada uno de los ladrillos de los edificios. La tecnología es estupenda y casi real, y los seres mágicos transmiten poder y peligro para la gente normal. Las transformaciones de Howl le vuelven un ser terrorífico capaz de cualquier cosa, y los momentos de vuelo son alucinantes, recordando una vez más el amor de Miyazaki por la aviación y el mundo aéreo.
La historia es profundamente pacifista, y aunque es su elemento distintivo dentro de Ghibli, quizá muestra la guerra de forma demasiado maniquea, con dos países enfrentados no se sabe muy bien por qué que parece que luchan y destruyen porque pueden, no buscando un objetivo concreto. En este sentido, Madame Suliman, la mayor Hechicera del reino, se muestra como un ser altivo al que no le importa el bienestar del país y sus habitantes, como si la guerra fuera un tablero de ajedrez y no afectara a vidas. El otro elemento que muestra que la guerra es mala es que Howl se arriesga a perder su humanidad cada vez que lucha aunque sea para salvar vidas. Algo que seguro sienten muchos veteranos de las diferentes guerras.
Está bien ser pacifista, pero a la vez podría decirse que hay guerras que deben lucharse, como la defensa de Ucrania frente a la agresión rusa. Digo esto por no irnos al recurso fácil de la 2ª Guerra Mundial y la lucha de los Aliados contra la Alemania nazi. Porque la alternativa es permitir que el agresor se quede con todo. El pacifismo en muchos aspectos es una opción de ricos ociosos, los pobres de Ucrania, por seguir con el ejemplo, no tienen mucha opción, ya que estamos hablando de luchar o morir.
Hecho este inciso, la verdad es que el castillo ambulante también me parece un peliculón. El romanticismo de sus imágenes y el carisma de los protagonistas hacen que esta película sea un disfrute de principio a fin.
PONYO EN EL ACANTILADO (2008)
La historia se centra en Sosuke, un chico de 5 años, y su relación con una princesa pez que ansía convertirse en un ser humano. Libre adaptación de «La sirenita».
Es curioso que justo la película más moderna de las que he revisionado sea la más infantil. Lo cual no quiere decir que no me guste, todo lo contrario. Ponyo en el acantilado es pura magia que nos devuelve lo mejor de la infancia, cuando todo era descubrimiento y aventura, y nuestro corazón todavía era puro. Un canto a la amistad y a la familia que me chifla.
Ponyo es un despliegue de imaginación mientras Miyazaki nos muestra el mundo marino, un mundo que ha estado mayoritariamente ausente de la obra de Miyazaki. En el mar conocemos a Fujimoto, un mago que antes fue humano y nos desprecia por nuestra contaminación y destrozos al medio ambiente. Es el padre de unos peces muy especiales, y Ponyo es la mayor y la más curiosa, y se aventurará a lo desconocido, encontrando a Sosuke, un chico de 5 años que vive en una casa al borde del mar. Ponyo es un niño imaginativo que disfruta conociendo cosas nuevas, y vive una vida feliz con su madre Lisa, cuidadora en un hogar de la 3ª edad cercano, a pesar que su padre está ausente la gran mayoría del tiempo por ser marino. Su amistad con Ponyo y la lucha de ella por convertirse en humana, aunque para ello tenga que renunciar a su magia, es el hilo conductor de la historia.
Dada la temática infantil, en realidad no hay un villano en esta película. Como mucho podemos decir que Fujimoto es sobreprotector, algo que no es tan extraño si pensamos en como somos los padres actuales. La lucha de Ponyo por ser humana tiene momentos super divertidos mientras va conociendo por primera vez elementos mundanos, como una cuchara o una sopa. O dormir en un sofá. También hay momentos dramáticos como en Totoro, cuando Sosuke y Ponyo van a buscar a Lisa, temiendo que la haya podido pasar algo tras la tormenta. El miedo a perder una madre (o un padre) es lo más terrorífico que puede imaginar un niño, y es una constante en la filmografía más infantil de Miyazaki.
La animación resalta en muchos momentos la sensibilidad infantil con diseño redondeados y formas básicas sin demasiados detalles. Algo adecuado con lo que la película quiere contar. Pero junto a eso está llena de momentazos visuales alucinantes. Empezando por todo lo que tenga que ver con el mar y las escenas de tormenta en la que el mar inunda el pueblo de Sosuke y de Lisa. La llegada de la Diosa madre de Ponyo es otro momentazo que te deja con la boca abierta, con un tamaño enorme que resalta que estamos ante la personificación de la Vida misma. Hay un montón de hallazgos visuales que hacen que la película sea super disfrutable y se vea en un suspiro.
Ponyo puede no ser igual de OBRA MAESTRA que Mononoke, pero es un peliculón que me encanta y que tengo claro que seguiré viendo con mi hijo mientras me deje. Y cuando él ya no quiera porque es mayor o ya no vive conmigo, yo la seguiré viendo y disfrutando.
Dentro que todas las películas de Ghibli me gustaron, si tuviera que hacer un ranking de estas 6 películas, mi orden de preferencia sería:
1- La Princesa Mononoke
2- Mi vecino Totoro
3- Nausicaä del valle del viento
4- El castillo ambulante
5- Ponyo en el acantilado
6- Porco Rosso
Con esto termina esta serie de microreseñas, espero que os hayan gustado. Aunque tengo que reconocer que me he quedado con ganas de ver otras películas de Ghibli, así que no descarto hacer alguna entrada adicional, aprovechando que no hablé de El viaje de Chihiro y que hace tiempo que no veo El castillo en el cielo, Cuentos de Terramar o Nicky, la aprendiz de bruja. O la colina de las amapolas… Si, sin duda, hay para un par de artículos más de Ghibli…
Gracias por leer este post. Espero tus comentarios. Y si te gustó el artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales y que te suscribas para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones. Y si quieres, puedes invitarme a un café.
Con motivo del estreno de El chico y la garza de Hayao Miyazaki, los amigos de El Colmo Podcast nos quisimos reunir para grabar un podcast especial con nuestras películas favoritas de Studio Ghibli. Por este motivo me pasé casi una semana viendo las seis películas del estudio seleccionadas para el podcast (hablar de todas es literalmente imposible), aprovechando que están todas disponibles en Netflix.
Quiero plantear dos posts especiales dedicados a estas películas, sobre las que escribiré en orden cronológico, aunque no fuera así cuando las ví por primera vez. Hoy incluyo Nausicaä del valle del viento (1984), Mi vecino Totoro (1988) y Porco Rosso (1992), y en el post de mañana escribiré sobre La princesa Mononoke (1997), El castillo ambulante (2004) y Ponyo en el acantilado (2008). Si, al final El viaje de Chihiro no entró en el podcast. Voy a compartir mis impresiones generales tras volver a verlas, pero no quiero poner puntuaciones numéricas a algunas películas que son obras maestras absolutas de la animación.
NAUSICAÁ DEL VALLE DEL VIENTO (1984)
En un futuro lejano, mil años después de una guerra de carácter apocalíptico, la Tierra aparece cubierta de bosques plagados de hongos venenosos y de insectos gigantescos. Los hombres han sido diezmados; los supervivientes viven en algunos poblados aislados y sobreviven a duras penas en las cercanías de un bosque contaminado con gases tóxicos e insectos mutantes gigantes, que cubren gran parte de la Tierra. Nausicaä es la princesa de El Valle de Viento, un reino minúsculo, rodeado de reinos más poderosos y hostiles. Es una guerrera que sabe pilotar naves, pero es también compasiva, tanto que se resiste a ver a los insectos como enemigos, sobre todo a los Ohms, artrópodos gigantescos y temibles por los que siente una extraña simpatía. La crisis estalla cuando el reino vecino de Tolmekia, encabezado por la princesa Kushana, invade El Valle del Viento. (FILMAFFINITY)
He visto Nausicaä un montón de veces, pero cada vez que la veo de nuevo me vuela la cabeza por un motivo u otro. Lo primero que me alucina es que una de las mejores películas de Ghibli en realidad no es del estudio. De hecho, fue precisamente el éxito de la película, animada por el estudio Topcraft y distribuida por Toei Company, lo que animó y dio fuerzas a Miyazaki a fundar Ghibli.
Nausicaä fue escrita y dirigida por Hayao Miyazaki adaptando su manga de 1982. En ella encontramos una imaginación desbordante al plantear un mundo desolado diferente a todo lo visto hasta ese momento, en el que la Naturaleza está intentando curarse a si misma aunque para ello use elementos que los seres humanos no entendemos, como son el bosque tóxico y los seres gigantes Ohms con forma de pulga gigante. La humanidad intenta salir adelante cultivando las pocas zonas fértiles que quedan, como en el Valle del Viento del que proviene la protagonista, la compasiva princesa Nausicaä. Sin embargo, incluso en este mundo roto, la humanidad mostrará su peor versión, representado por el expansionista reino de guerrero de Tolmekia, que se encuentra en guerra contra el reino de Pejite y que llevarán el conflicto al valle.
La ciencia ficción y la fantasía se entremezclan en una película que desafía toda clasificación. Por supuesto hay una parte de ecologismo y respeto del medio ambiente, incluso del desolado. Hay crítica hacia el militarismo y la guerra sin sentido, y por encima de todo hay una protagonista que es todo corazón y que llena la película con su filosofía de respeto hacia todos los seres vivos, incluso a los Ohms, a los que todo el mundo ve como un parásito (gigante) que exterminar. Y que será la clave para el final pacífico de todo.
La animación es increíble. Por un lado con el diseño del mundo tóxico, pero también en lo referido a la vida de la humanidad en el Valle, las naves de combate y en general la tecnología. Las escenas de acción y los vuelos de las naves son increíbles, y los paisajes tienen una belleza hipnótica. Puede que con ojos de 2023 algunos planos generales del ataque de los Ohms quede un pelín cutrillo, ahí se nota la limitación del dibujo a mano previo al ordenador, pero el conjunto me encanta porque han conseguido que conecte emocionalmente.
Y es que Nausicaä de alguna manera pide que la sintamos más que la analicemos intelectualmente, y el triunfo es absoluto cuando la protagonista es tan emotiva y resolutiva a la vez, y su viaje tan interesante. En ese sentido, en la filmografía de Miyazaki hay siempre algún elemento un poco extraño, por decirlo de alguna manera. En el caso de Nausicaä, tenemos el descubrimiento que el planeta se está curando poco a poco usando para ello el bosque tóxico. Lo raro viene que esta curación lleva miles de años, y al ritmo que se extiende el bosque tóxico, para cuando la Tierra esté curada del todo probablemente la raza humana haya sido erradicada por la falta de alimentos al quedarse sin terreno cultivable. Este pero resulta algo muy pequeño dentro de una película super satisfactoria. La primera obra maestra de Miyazaki.
Por cierto, un detalle curioso es ver como la película termina de forma un tanto abrupta, pero sigue contando la continuación de la historia en los títulos de crédito. Algo que por cierto también hemos visto en películas de Pixar (UP, por ejemplo) y Disney.
¡Menudo peliculón!!
MI VECINO TOTORO (1988)
En los años 50, una familia japonesa se traslada al campo. Las dos hijas, Satsuki y Mei, entablan amistad con Totoro, un espíritu del bosque. El padre es un profesor universitario que estimula la imaginación de sus hijas relatándoles fábulas e historias mágicas sobre duendes, fantasmas y espíritus protectores de los hogares, mientras la madre se encuentra enferma en el hospital. (FILMAFFINITY)
Hablando de obras maestras, Mi vecino Totoro es magia pura. En mi casa la vemos casi cada año porque es una película maravillosa. Totoro es una de las películas de Ghibli con mayor la aclamación absoluta de la crítica, y es algo totalmente merecido. La historia de unas niñas que se mudan al campo para estar cerca de su madre enferma que está ingresada en un hospital conecta con la infancia del propio Miyazaki. Esta mirada nostálgica al mundo de su infancia con el añadido del elemento fantástico basado en las tradiciones japonesas es uno de los grandes aciertos de una película que en realidad es redonda en todo. Y a pesar de todo el fantástico y la maravilla que es Totoro, las niñas sólo quieren que su madre se cure, con el miedo que pueda fallecer alejada de ellas, un miedo que es entendible por cualquier espectador, incluso los más pequeños.
Una constante de la obra de Miyazaki es mostrar que la magia y la fantasía existen a nuestro alrededor, pero es una magia que sólo los niños pueden ver. En ese sentido, que sean las niñas nuestro punto de vista que nos abre las puertas a este mundo maravilloso es otro acierto. Pensar que el mayor drama viene cuando Mei, la niña pequeña de 5 años, se pierde intentando llegar al hospital pensando que ha empeorado de salud, puede ser una anécdota a ojos adultos pero es un drama a escala shakespeariana para las niñas, que temen que todo su mundo puede venirse abajo sin su madre. que los adultos podamos sentir de nuevo la magia gracias a las películas de Ghibli me parece una maravilla.
Aunque son películas muy diferentes en todo, diría que la animación de Totoro es superior a la de Nausicaä, empezando porque Miyazaki la hizo antes de Ghibli y entiendo que con menores recursos de los que tuvo una vez fundó su estudio. En la película las niñas son una maravilla que te enamoran desde el primer fotograma, los paisajes poesía pura y los seres fantásticos me tienen con la sonrisa en la cara de principio a fin. Totoro es el ideal de diseño perfecto y super icónico que nos vuela la cabeza a los padres y se convierte en el favorito de los niños no necesita hablar para que todos queramos quedarnos dormidos en un peludo pecho.
Además, que la historia de ambiente en el Japón de los años 50 ayuda a transmitir el feeling de cuento atemporal alejado de las modas del momento que seguiremos disfrutando dentro de 30 años igual que lo hacemos ahora. El retrato costumbrista de la vida en el campo también es otro elemento que ayuda a que conectemos y empaticemos emocionalmente. Es que todo lo hacen bien.
Mi vecino Totoro es otro peliculón. Que curiosamente tiene también un final abrupto, aunque no llega a empañar una experiencia super satisfactoria.
PORCO ROSSO (1992)
Periodo de entreguerras. Porco es un cerdo aviador que frustra todos los actos de piratería perpetrados por los piratas aéreos del Adriático. Éstos, decididos a acabar con el valiente y hábil aviador, se ponen de acuerdo para contratar a un aventurero americano cuya misión será eliminarlo. (FILMAFFINITY)
De la tres películas que hoy recuerdo, Porco Rosso es de largo la película de Ghibli que menos veces he visto y la que para mi es menos buena de las tres, dentro que es super entretenida.
Por tratarlo primero y quitármelo de en medio lo antes posible, la película tiene la mítica frase «prefiero ser un cerdo que un fascista» que tan de actualidad está en la política española los últimos años. Y dentro que es una frase obvia que entiendo que cualquier persona normal suscribiría sin problemas, hay que destacar la triste realidad en nuestro país en la que se le ha vaciado de sentido, desde el momento en que cualquiera que no opine como tu es «fascista».
En realidad la película no intenta ser un tratado histórico ni un manifiesto político, sino que aprovecha el marco temporal del Mar Adriático en 1929, con una Italia ya gobernada por Mussolini que se estaba anexionando territorios de lo que ahora es Croacia, para establecer un marco idílico en la que situar desde una perspectiva bucólica una aventura ligera que celebra elementos como la aviación y el mundo de los forajidos que no aceptan el poder establecido. Algo evidente en la figura de Porco Rosso pero también aplicable a los piratas a los que se enfrenta y luego convierte en amigos.
La película comienza con un asalto de unos piratas que roban el dinero de un barco y secuestran a unas niñas. Que las niñas se lo tomen como una fiesta y hagan lo que quieran con los piratas es una escena buenísima que siempre me saca una sonrisa. Y que marca el tono infantil de la película. Por supuesto Porco Rosso rescatará a las niñas, sin que nadie resulte herido, a pesar de encontrarnos con una batalla aérea con armas automáticas. La película es para todos los públicos y no tiene problema en demostrarlo siempre que tiene ocasión. Algo que para mi no es un problema.
Tengo claro que a Hayao Miyazaki le encanta el mundo de la aviación y la sensación que libertad que transmite. No es casualidad que Nausicaä sea piloto, y en Porco Rosso los pilotos son los aventureros definitivos. En ciertos momentos encontraba cierta conexión con clásicos del cine de aventuras como Robin Hood de Errol Flynn, y en Porco encuentro similitudes con Rick de Casablanca. Hay muchas referencias posibles, y creo que cada espectador encontrará cosas diferentes. Y todos tendrán razón.
Como siempre, la película tienen un elemento extraño que puede chocar con el espectador. En este caso, la maldición que sufre el protagonista, que fue piloto de caza en la 1ª Guerra Mundial. Una maldición que nunca se aclara el motivo ni su origen y que es un porque si total ¿se siente culpable al no morir con sus compañeros de armas? Pero en realidad da igual, aunque sea un elemento mágico y sobrenatural en una historia que es bastante mundana y «realista», sobre todo en lo referido a los aviones que veremos.
Además de Porco la gran personaje de la película es Fio, la ingeniera de 17 años nieta del maestro mecánico Piccolo y que se enfrentará al machismo de Porco (y de los piratas) demostrando su valía construyéndole su nuevo avión y acompañándole en su primer vuelo y su primera aventura. Fio es genial, y me encanta. Por contra, el «villano», el americano Donald Curtis me parece bastante flojete. Eso si es que hay villano en una película en la que aunque al principio se enfrentan al final todos encuentran la paz entre hermanos del aire, tal vez por la verdadera villanía que significaba el fascismo de Mussolini que está en el marco de la historia.
En lo referido a la animación, en Porco Rosso se aprecian elementos reales del Mar Adriático, como son puertos italianos y croatas. También el diseño de los aviones se inspira en aviones reales de la época, aunque aplicando un filtro fantástico en algunos aeroplanos. Los combates aéreos y en general todos los vuelos resaltan la sensación de libertad y de aventura que la película plantea desde su primer fotograma, y es otro de los elementos super chulos de la película. Todo en Porco Rosso me gusta y me parece super divertido, incluso cuando el climax final se resuelve de la forma más tonta e infantil, al enfrentarse a tortazos los pilotos enfrentados. En todo caso, Porco Rosso es otra película super disfrutable, aunque para mi se encuentre un peldaño por debajo de las obras maestras de Ghibli.
Aquí termina la primera parte de mis artículos especiales dedicados a Hayao Miyazaki y a su Studio Ghibli. Mañana publicaré la segunda parte.
Gracias por leer este post. Espero tus comentarios. Y si te gustó el artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales y que te suscribas para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones. Y si quieres, puedes invitarme a un café.
Capitana Marvel es una de las películas más flojas del MCU y Ms. Marvel, una de las series más flojas de Disney+. A pesar de las dudas, al final me acerqué al cine a ver The Marvels con mi hijo, y así puedo valorar la película dirigida por Nia DaCosta. Con sus cosas buenas, que las tiene, y las cosas con las que no he conectado.
PUNTUACIÓN: 5/10
Carol Danvers, alias Capitana Marvel, ha recuperado la identidad que le arrebataron los tiránicos kree y se ha cobrado su venganza contra la Inteligencia Suprema. Pero una serie de consecuencias imprevistas la obligan a cargar con el peso de un universo desestabilizado. Cuando el deber la lleva hasta un anómalo agujero de gusano vinculado a una revolucionaria Kree, sus poderes se conectan con los de su superfán de Nueva Jersey Kamala Khan, también conocida como Ms. Marvel, y con los de su distanciada sobrina, ahora astronauta en S.A.B.E.R., la capitana Monica Rambeau. Juntas, las integrantes de este insólito trío tendrán que unir fuerzas y aprender a trabajar en equipo como The Marvels para salvar el universo. (FILMAFFINITY)
Nia DaCosta (Nueva York, 1989) es una cineasta estadounidense. Escribió y dirigió la película de suspense criminal Little Woods (2018), ganadora del Premio Nora Ephron en el Festival de Cine de Tribeca. También ha dirigido el remake de Candyman (2021) y tras terminar The Marvels actualmente se encuentra en fase de producción de una adaptación de Hedda Gabler. DaCosta es la directora más joven en dirigir una película del MCU y la cuarta mujer en hacerlo, tras Anna Boden (Capitana Marvel), Cate Shortland (Viuda Negra) y Chloé Zhao (Eternals). DaCosta escribe también el guion, junto a Megan McDonnell (guionista de un episodio de Wandavision) y Elissa Karasik (guionista en la primera temporada de Loki).
The Marvels tiene una duración de 105 minutos (contando los títulos de crédito), siendo la película más corta de todo el MCU hasta la fecha. La película tiene un presupuesto orientativo superior a los 220 millones, un importe al nivel de otras producciones previas del MCU pero que puede ser su principal losa a la hora de lograr la rentabilidad. La película tiene además fotografía de Sean Bobbitt, montaje de Catrin Hedström y Evan Schiff, y música de Laura Karpman.
En el reparto encontramos a Brie Larson como Carol Danvers/ Capitana Marvel,Iman Vellani como Kamala Khan / Ms. Marvel, y Teyonah Parris como Monica Rambeau, una astronauta que trabaja para S.A.B.E.R. con Nick Fury (Samuel L. Jackson) y tiene la habilidad de manipular todas las longitudes de onda del espectro electromagnético. Rambeau fue presentada en Wandavision y es la hija de la difunta amiga y compañera de Danvers, Maria Rambeau (vista en Capitana Marvel). La villana de la película es Dar-Benn, interpretada por Zawe Ashton, una guerrera Kree revolucionaria. Zenobia Shroff y Mohan Kapur retoman sus papeles como los padres de Kamalan Muneeba y Yusuf Khan. Además Saagar Shaikh es Aamir, el hermano mayor de Kamala.
Antes de empezar a comentar la película, un disclaimer. Como comentaba al comienzo, estuve a punto de NO ver en el cine esta película de Marvel Studios. Capitana Marvel es una de las películas más flojas del MCU y la serie de Ms. Marvel probablemente sea la peor serie de Marvel en Disney+, disputándole el puesto a la terrible Invasión secreta protagonizada por Nick Fury. Por no ponerlo todo negro, si me gustó la presentación de Monica Rambeau en Wandavision. Con estos elementos previos, reconozco que no tenía ningún interés en ver una película cuyos trailers iniciales, a pesar de usar la supermolona música de Beastie Boy, sugería una comedia tonta que directamente no me interesaba. Sin embargo, le pregunté a mi hijo y me comentó que sí quería verla, dado que hemos visto en el cine todas las películas del MCU. Ahí que se acabó el debate. A esto se unió que mi a amigo Luis Enrique también le apetecía verla, así que maté dos pájaros de un tiro y nos fuimos los tres a verla. Ya puestos a pagar para verla, me acerqué al cine con una predisposición positiva y ganas de dejarme entretener para intentar pasar un buen rato.
Empezando por los aspectos positivos, lo primero que hay que decir es que The Marvels NO es el desastre absoluto que algunos lanzaron a las redes sociales antes incluso de ver la película. Las tres actrices protagonistas están estupendas, en especial Iman Vellani (Kamala Khan) que es la M.V.P. de la película. Junto a ella, que es todo frescura, sentido del humor y corazón en pantalla mientras Kamala conoce a su adorada Capitana Marvel, hay que destacar también a Brie Larson como Carol Danvers y Teyonah Parris como Monica Rambeau, que forman un trío con una química estupenda y que generan una empatía digna de elogio. En este caso tenemos a unas buenas actrices muy por encima del material con el que tienen que trabajar, que no las da demasiados momentos para el lucimiento. Algo sobre lo que luego volveré. Como digo, los problemas que pueda tener The Marvels NO son responsabilidad de las actrices.
Dentro de los elementos positivos hay que destacar también a la familia de Kamala, a los que conocimos en la serie de televisión, y que están geniales. El humor de la película no siempre funciona, pero las caras de la madre de Kamala con miradas de «como le pase algo a mi hija te la vas a cargar» a Nick Furia y de «estas super castigada» a Kamala son impagables. El elemento de comedia que aportan a la película, además de la conexión emocional, son momentos muy chulos. Hablaba por cierto del humor, y en la primera parte de la película la parte de fan-girl de Kamala hacia Carol está también muy graciosa. Sin embargo, un problema que tiene la película es que hay varios elementos que son «chistes de un único uso» que lamentablemente se sobredimensionan hasta que dejan de tener gracia. Luego comento también.
El mcguffin de la película es el accidente que provoca que las tres heroínas intercambien su posición cuando usan sus poderes a la vez. Como ya comenté de la escena post-créditos de la serie de Ms. Marvel, como fan comiquero me flipa que se hayan atrevido a plantear en imagen real un «Rick Jones«. Ampliado además al ser tres personajes y no dos los que se intercambian. Esto provoca algunas coreografías de acción imaginativas y bien disfrutonas que me parece que están bien, sobre todo las primeras en las que además tenemos el plus de la novedad. Dentro de ser un elemento chulo de la película, también tengo que reconocer que el recurso terminó por agotarse a medida que se repetía en pantalla. En todo caso, dado que Capitana Marvel es demasiado poderosa y nada es una amenaza para ella, provocar una situación en la que no puede utilizar sus poderes me resultó una buena idea.
Hay también algunos elementos en relación a los efectos especiales que no me han gustado demasiado. Pero en concreto los cambios de las chicas de una ubicación a otra me parece que están geniales, y elementos como los poderes de Carol y los de Monica, como el pasar en fase a través de objetos y gente, me parecen que que molan en pantalla. También me gustan los trajes de las protagonistas, aunque igual que digo esto creo que el primer traje de Ms. Marvel es mucho mejor que el dorado con el que termina. Pero aceptaré pulpo. Otra cosa son la representación de los poderes de Kamala, que no me gustaron en la serie de TV porque quedaban super cutres y es algo que no he visto que hayan arreglado para la película. Quiero ser lo más justo posible, porque esto no es algo achacable a Nia DaCosta, la directora, sino a los productores de Marvel Studios que lo vieron y lo consideraron aceptable. Otros elementos menos buenos los dejo para la sección negativa.
Como las protagonistas tienen carisma y hay un cierto desarrollo de sus historias, aunque sea mínimo, entiendo que haya espectadores/as que hayan conectado con las heroínas y The Marvels les haya gustado. Como entretenimiento super ligero, posiblemente cumpla con su objetivo, entre otros motivos por su brevedad e ir al grano desde el primer momento.
Sin embargo, empezando por las cosas menos buenas, en realidad no es suficiente que las protagonistas generen empatía si lo que hacen durante la película carece de interés. Y es ahora cuando tengo que criticar un guion flojísimo que es una sucesión de escenas sin chispa que ni construyen una historia interesante ni tiene una villana decente. Se lleva hablando algún tiempo sobre los cortes del montaje, que han provocado que esta sea la película más corta del MCU, y también sobre los extensos reshoots que se rodaron en su momento. Y no se si lo que había inicialmente era mejor (o peor) que esto, pero la realidad por la que debemos valorar The Marvels, que es la versión estrenada, ha quedado como una mediocridad.
Empezando por esto último, Dar-Benn, interpretada por Zawe Ashton, va a quedar como la peor y más mediocre villana de la historia del MCU hasta la fecha. De hecho, se me hace difícil pensar que un villano en las próximas 10 películas o 10 años vaya a tener la falta de carisma, la intrascendencia y la nadería total que tiene esta villana de la que nunca aprendí su nombre ni lo voy a hacer aunque escriba ahora estas líneas. Un primer aspecto que odio del actual entretenimiento mainstream superheroico es que casi no existen los villanos MALVADOS, todos tienen que tener una motivación que les haga ser, a sus ojos desquiciados, el héroe de su historia. Sobre todo si son mujeres o pertenecen a alguna minoría social. En ese sentido, me gusta mucho Kang porque es un villano malvado simplemente porque puede. En el caso de Dar-Benn, busca conseguir los recursos naturales que eviten la extinción de los Kree de Hala. La ejecución y, de nuevo, la absoluta mediocridad que es su plan hacen que esta parte de la película no funcione en absoluto. Otra cosa es el trabajo de Zawe Ashton, que está fatal como villana. Una cosa que le achaqué a Brie Larson en Capitana Marvel es que nunca parecía natural, parecía que estaba posando todo el rato e intentando que no se notara que lo hacía. Esa parte Brie la ha mejorado en The Marvels y ella está guay, pero lamentablemente Ashton trajo este problema a la pantalla cada vez que aparecía. En lugar de SER peligrosa parece una niña tonta en una pasarela intentando lucir malota, con unas expresiones faciales que más que transmitir dureza la hacía parecer que estaba desquiciada y un poco retrasada. Muy mal todo lo relativo a Dar-Benn, suspenso sin paliativos.
El otro suspenso total es todo lo relativo a Nick Furia y la estación de S.A.B.E.R. De hecho, tiene delito que hagan la película más corta del MCU e inviertan tiempo en toda la ridiculez intrascendente que es todo lo que allí pasa. Hablando de las bromas de un único uso, lo del gato Goose, que en realidad es una Flerken que se come a los enemigos de Furia o Carol, era una broma de un único uso ya agotada en Capitana Marvel. Ya no es que aquí no sorprenda ni haga gracia, es que además se sobreexplota de forma lamentable convirtiéndolo en un elemento clave del climax de este subargumento, usando además unos efectos especiales que parecen de The CW de lo cutres que lucen en pantalla. Da hasta rabia que hayan quitado minutos de desarrollo de las protagonistas o en hacer que su conflicto con los Kree resulte interesante para plantear esto. Qué mal.
Esto me lleva a algo que he notado en algunos momentos, y es que la película no tiene claro qué historia quiere contar o a qué juega. Se supone que la relación entre Kamala, Carol y Monica es el centro emocional. Pero el conflicto entre Carol y Monica queda poco interesante porque no hay casi elementos con los que emocionarse durante la corta película. De hecho, aunque Monica es la científica, en realidad no hace cosas interesantes hasta los últimos 5 minutos de película donde ya por fin realiza un uso espectacular de sus poderes que acaban salvado la situación. De las tres, Monica es el eslabón débil del trío, pero al menos tiene una evolución al hacer las paces con Carol. Sin embargo, más allá de conocer a su ídolo Kamala no evoluciona nada en la película, termina igual que entró. La parte fan-girl de Kamala empieza molando, pero hay un momento en que deja de hacerlo por su exceso. Y los motivos por los que Carol quedó traumatizada y no volvió a la Tierra dejando «tirada» a Monica son endebles siendo generosos. (De hecho, es una ridiculez, al plantearse que es culpa suya que tras acabar Carol con la Inteligencia Suprema los Krees empezaran una guerra civil por el poder. Guerra sobre la que ella no tiene responsabilidad ninguna y que acabó destruyendo los recursos naturales del planeta, que es lo que intenta remediar la villana cuyo nombre ya no recuerdo).
Hablando de sobre-explotación, el cambio de ubicación de las chicas ya comentaba que mola. Esto provoca que tengan que enfrentarse a esbirros sin usar sus poderes para evitar que se produzca un nuevo cambio. Pero The Marvels se recrea demasiado en esto y provocan que una escena que mola, la llegada de dos soldados Kree a la casa de los padres de Kamala y el combate posterior, se alargue muchísimo, hasta provocar que canse y pierda el interés. Sobre todo al añadir otra pelea simultánea en la nave de Nick Furia con otros dos Kree, resultando el conjunto excesivo, repetitivo y un tanto redundante, pensando que son esbirros sin interés. En ese sentido, el climax con la pelea final de las tres contra la villana Kree no mejora lo visto en la primera escena, aunque las chicas ya controlen mejor sus cambios.
Había escuchado a gente decir que la escena en el planeta Aladna con número musical incluido era una genialidad. Y la verdad es que no lo he sentido así, la verdad es que aporta más bien poco. Igual como no vimos la película en V.O. nos perdimos esa genialidad, pero en la versión española es un momento que no incorpora nada interesante y que de hecho para la acción. Con unos combates posteriores entre las fuerzas de Aladna y los Kree que no puede ser más random. Por cierto, una convención del género es que los/as buenos/as ganan las peleas a los malos, sin eso no hay película y no te puedes quejar por eso. Pero en realidad, si valoramos la narrativa de lo que nos cuenta la película, las chicas entrenan para intercambiarse en el espacio pero no para combate cuerpo a cuerpo. Que se pongan a dar pana a curtidos guerreros Kree sin usar sus poderes, sobre todo Kamala pero también Monica, superó la suspensión de credulidad en algunos momentos, en especial aquí en Aladna.
Es una pena que con el potencial que tenían las tres protagonistas la película no acabe de generar un conflicto emocional a la altura. De hecho, durante gran parte de la película el problema a solventar no es la amenaza de la villana (sin nombre que recuerde), sino enfrentarse a los problemas que los cambios espaciales provocan cuando usan sus poderes. El aspecto de entretenimiento ligero se cumple si no exiges demasiado a The Marvels, pero en muchos aspectos se siente como una ocasión perdida y una decepción. Por cierto, se me había olvidado comentar la olvidable música de Laura Karpman, que es tan intrascendente como para que no recuerde nada sobre ella. Otro suspenso.
Luego hay una cosa que igual no es tan importante, pero que me ha molestado bastante durante el visionado, y es que la película contradiga elementos mostrados en la serie de Ms. Marvel, cuando se supone que todo es MCU con la misma importancia. ¿Por qué digo esto? En Ms. Marvel aprendimos que Kamala es la nieta de una djinn, un ser de otra dimensión diferente a la de la Tierra 616. Cuando Kamala toca el brazalete de su abuela despierta sus poderes latentes dormidos, y se indica que este brazalete y su pareja son la clave para que los djinn puedan volver a su hogar al proceder de esa dimensión. Sin embargo, en esta película resulta que estos brazaletes son Bandas Cuánticas, que según las leyendas Kree fueron la clave para la creación de las puertas de salto estelar que conocemos desde Guardianes de la Galaxia, nada que ver con un origen en otra dimensión. O al menos, es una omisión demasiado llamativa si has visto la serie de Ms. Marvel. (O piensan que nadie lo hizo, o en su caso, que a nadie le importa este detalle). Igual la explicación de porqué ambas explicaciones no cuadran tenga que ver con los recortes realizados en el montaje, pero cada vez que ofrecían información sobre las bandas, me molestaba que no encajara con lo que recordaba de una serie estrenada hace apenas un año.
Luego tenemos a Nick Furia. En The Marvels aparece un grupo de refugiados Skrulls rescatados por las heroínas que acaban en la Tierra. (Porque van a la Tierra, ¿no?Otro elemento ambiguo). Sin embargo, no se hace ni media mención a Invasión Secreta, en la que los skrulls tienen un papel clave. De hecho, por no saber no sabemos si esta película cronológicamente tiene lugar antes o después de la serie. Que no haya ni media mención en ningún sentido, ningunea a la serie y el teórico interés con que se vendía que estas series tendrían en conexión con las películas y dentro del MCU en su conjunto. Y para mi Invasión secreta es para mi la peor de todas las estrenadas en Disney+, pero eso no justifica este ninguneo, que resulta impropio. Una cosa es que Shang-Chi no mencione sucesos de por ejemplo Viuda Negra porque hablamos de personajes diferentes que viven en puntos alejados del planeta. Pero, ¡es Nick Furia! Menudo sinsentido. Y a todo esto, desde Wandavision sabemos que existe algo llamado S.A.B.E.R. y que Nick Furia y Monica trabaja allí. Pero lo que hacen exactamente, que es más bien poco, es otro de los problemas de las actuales fases 4 y 5 del MCU. Las interconexiones del MCU siempre ha sido uno de sus puntos fuertes, pero en The Marvels se siente un problema, no un recurso.
A todo esto, yo si vi las series y película previas, e incluso así creo que The Marvels no acaba de presentar bien a las protagonistas, quedándose en lo mínimo exigible dado el poco metraje disponible. Casi parece como si los creativos de Marvel contaban que todos conocemos a las protagonistas, cuando no tiene por qué ser así. Con el resultado que sobre todo con Monica no acabas de saber qué poderes tiene y como los usa. Por ejemplo, mi amigo Luis Enrique no sabía nada de Monica y me preguntó al final sobre ella, y eso que había visto Wandavision hace dos años y la película de Capitana Marvel en 2019. Pero no puedes pretender que los espectadores recuerden a cada uno de los secundarios de cada película o serie.
En este momento quiero entrar en las dos escenas post-créditos, una de las cuales se ha colocado para cerrar la película. He intentado hacer la reseña lo más reader-friendly posible para no chafar ninguna sorpresa importante pensando en lo mostrado en los trailers, pero a partir de ahora, comento cosas CON SPOILERS.
El climax de la película termina con Monica salvando el continuo espacio-temporal cerrando los portales defectuosos, desapareciendo sin dejar rastro, transportada a otro lugar. Antes, las chicas han derrotado a la villana, o más concretamente, la villana se ha derrotado a si misma al consumirse al no poder controlar las energías necesarias para abrir los portales y absorber la energía del Sol 616 y trasladarla a Hala. Algo que Monica y Carol ya la advirtieron que pasaría. Carol con sus poderes y Kamala, usando las dos Bandas Cuánticas, energizan a Monica para que pueda cerrar los portales con el poder combinado de las tres. Tras esto, Carol vuelve a Hala y despierta el Sol del planeta, devolviendo las posibilidades de subsistencia a la raza de Kree y dejando en la irrelevancia más absoluta todo el plan de la villana. (A todo esto, Carol enciende un sol moribundo porque puede, qué pasa…)
Tras volver Carol y Kamala a la Tierra, la familia Khan ayuda a Carol a mudarse a casa de Monica en Louisiana, supongo que para pensar en acciones para encontrarla y para cuidar la casa en su ausencia. Por algún motivo nunca aclarado que también provoca extrañeza, Kamala ya no lleva las dos Bandas sino sólo una, entiendo que la de su abuela, teniendo Carol la otra cuando en realidad no la necesita al ser ya la superheroína más poderosa del MCU. Lo acabamos de ver. Sin más explicación, igual es otro gap del montaje. O no. Otro negativo. Lo que parece que es el final con Carol y Kamala lamentando la pérdida de Monica pero consolidando su amistad da paso a la primera sorpresa de la película. La segunda en realidad, la primera fue la entrada de Tessa Thompson (VALQUIRIA) para salvar a los Kree supervivientes y llevarles ¿A la Tierra? Tessa Thompson siempre está bien, así que ningún problema con esto.
Volviendo a la escena post-créditos, la genial Kate Bishop (Hailee Steinfeld) presentada en la serie de Ojo de Halcón, llega a su casa de una noche de misión y se encuentra a Kamala dentro. Kamala ¿ha robado una tablet de S.A.B.E.R.? y está buscando a héroes jóvenes para crear su propio grupo. Aunque ver a Kate Bishop en pantalla grande mola, esto de la tablet es taaaaan chorra que provoca un poco de bochorno. Luego nos extrañaremos que las identidades de los héroes caigan en manos de los malos, empezando por los skrulls. Aunque no llega al nivel de bochorno, me recordó el ridículo de Batman V Superman en el que Luthor tenía la info de todos los héroes, logos incluidos. Obviando esto, la posibilidad de tener un equipo de jóvenes Vengadores como en la etapa de Mark Waid y Mahmud Asrar no puede molar más a priori. Luego ya veremos la ejecución, pero por el momento, alegría por esta sorpresa.
La segunda escena entre-créditos muestra a Monica despertándose en una sala aséptica que resulta estar en el complejo subterráneo de la Mansión Xavier, hogar de la Patrulla-X de una tierra alternativa. En esta realidad su madre Maria (Lashana Lynch) está viva y es la superheroína Binaria, y habla con Hank McCoy (Bestia) interpretado por Kelsey Grammer como en X-Men 3: Le decisión final (2006). Aunque la sorpresa mola, en realidad NO están en la Tierra 616 sino en una realidad alternativa similar a la vista en Doctor Strange en el multiverso de la locura, donde también aparecía Lashana Lynch como la Capitana Marvel de esa realidad. De hecho, Bestia lo verbaliza en la escena. Marvel Studios lleva varias series y películas anticipando la presentación de los X-Men en la tierra 616 del MCU, pero está empezando a quedarse en balas de fogueo, porque esto que muestran no significa que lo que vayan a hacer siga esta línea, y desde luego NO con estos actores. Por cierto, comentar que el traje de Binaria es terrible, no le han sabido pillar el toque que si tiene el de Monica, Carol y Kamala. Monica volverá al MCU tarde o temprano, y la oportunidad puede ser en las próximas películas de los Vengadores: Dinastía de Kang y Secret Wars, A ver con qué nos sorprenden.
Las escenas post-créditos tienen que generar expectación por los próximos estrenos, y en este caso creo que cumplen perfectamente su función.
The Marvels se ha estrellado en la taquilla. En su primer fin de semana ha recaudado tan sólo 46 millones en Estados Unidos, y 63 millones en el resto del mundo, apenas 110 millones totales que aseguran un descalabro financiero para Marvel Studios, el primero realmente grave del MCU. The Marvels recaude en su estreno menos que The Incredible Hulk de 2008 es un dato que resalta el nivel de desastre teniendo en cuenta su presupuesto superior a 220 milones de dólares.
Los motivos de este fracaso son múltiples. Empezando porque los que no fueron al cine no saben si la película es buena o mala. El primer corte que se produce cuando los espectadores deciden ir al cine y pagar por ver una película, The Marvels no lo ha pasado. Desde 2019 llevo comentando que Capitana Marvel no era demasiado buena, algo que iba en contra de la doctrina dominante que quería hacernos creer que si la película recaudó 1000M era porque gustó mayoritariamente al «gran público». Algo que para mi no era correcto, pero que no podía demostrarse de ninguna manera porque en realidad era una cuestión de gustos particulares de cada uno. Ahora, bien, una clave para salir de dudas es ver la recaudación de la segunda parte. Si aumenta taquilla o se mantiene dando beneficios al estudio significa que el público que vio la primera quiso volver a ver la siguiente. Si la segunda fracasa como le ha pasado a The Marvels, significa que la mayoría de ese público no quiso repetir, porque no gustó tanto para empezar. Hay muchos ejemplos de esto, desde Alicia en el País de las maravillas 1 y 2, el reboot de TMNT producido por Michael Bay, y muchos más. Una película puede funcionar si su promoción es buena, pero los espectadores difícilmente se dejan engañar dos veces con el mismo concepto si no gustó la primera vez.
Otro tema a considerar es el problema que ha generado Disney+ para los estrenos cinematográficos. Tras varios años, creo que ya puede afirmase que Disney+ desincentiva a sus clientes a ir al cine cuando hablamos de películas «normales» que no son vistas por los clientes como «importantes». Una gran parte de los consumidores ha decidido que para pagar para ver una película «mala» en el cine, se quedan en casa y la ven en Netflix. Con el añadido que todos sabemos que Disney+ estrenará el último estreno de Pixar o Marvel en 3-4 meses. Si no tienes un ansia especial por ver algo, lo normal es esperarse y verla en casa.
El otro gran problema de Disney+ viene del plan de Marvel de usar las series para presentar personajes que luego participarían en las películas ayudando a transmitir la idea de EVENTO. Y pudiendo ahorrarse el origen del héroe. Esto que si se hace bien era una gran idea se ha convertido en un problema cuando las series SON MALAS, de forma que los espectadores que vimos Ms. Marvel o Invasión secreta no nos dejaron con ganas de ver más cosas de Kamala y Nick Furia. En lugar de vender la película, las series malas están desincentivando también ir a los cines.
Y una vez que he dicho esto, otra clave que merece una reflexión sobre el fracaso de The Marvels es que en realidad la película no ha fracasado porque hombres blancos adultos la intenten boicotear, sino porque las han ignorado a la película ha sido el público femenino al que teóricamente se dirigía Marvel con esta historia de sororidad y mujeres fuertes que no necesitan a los hombres para salvar al mundo. El mismo público que hizo de Barbie la película más taquillera del año no ha querido saber nada de esta película hecha por mujeres para mujeres. Qué curioso. Y no deja de ser algo que llevamos viendo desde años en el mundo del comic.
Por cierto, en medio del drama que The Marvels supone para Marvel Studios, antes de ver la película no dejé de leer a gente durante el fin de semana publicando comentarios en defensa de la película que decían haber disfrutado mucho de la película al ser «como un comic ligero de toda la vida». Y ante todo, respeto máximo para todas las opiniones, me alegro que la hayan disfrutado algunos de los tres gatos que fuimos al cine a verla. Pero, desde el respeto, creo que esas personas no están entendiendo del todo bien las claves para que un blockbuster mainstream palomitero sea rentable.
En los comics, de vez en cuando tenemos una grapa «tranquila» donde los personajes simplemente hablan y crecen emocionalmente. Algunas de esas grapas son las favoritas de mucha gente, empezando por mi. También tenemos alguna aventura «chorra» con elementos divertidos sin más trascendencia. Y esas grapas funcionan, entre otros motivos, porque al mes siguiente tienes la siguiente aventura «normal», no todos los comics puedes ser acción-más-grande-que-la-vida con el destino del universo en juego. Por ejemplo, Marvel publica 3 grapas de Spiderman al mes, puedes crear una grapa así de tanto en tanto sin problemas, tienes un montón de aventuras antes y después que complementan la experiencia de lectura. La narrativa periódica te permite esa opción.
Pero, ¿Sabéis qué? El cine NO puede ni debe copiar literalmente los esquemas de los comics porque no funcionan igual al ser medios diferentes. Marvel publica 12 grapas al año de Capitana Marvel y ahora lo hará de Ms. Marvel. Una grapa o dos flojas flojas no afectan a la colección en su conjunto. Pero Capitana Marvel se estrenó en 2019, y excepto la aparición de Endgame no había vuelto a aparecer ¡en 4 años! (También apareció en la escena post-créditos de Shang-Chi, pero básicamente para no hacer nada aparte de estar). Su siguiente película debería plantear lo mejor de lo mejor porque si fracasa en taquilla, ¡NO habrá una tercera! Un «comic ligero» en el cine NO vale para esto.
Como comentaba antes, en los últimos años muchos espectadores piensan que para ver una película «chorra» se quedan en casa, la ven en Netflix y se ahorran la pasta de la entrada. Aparte que una película del MCU en 3/4 meses estará gratis en Disney+. Y una serie «malilla» de Disney+ no invita tampoco a ir al cine a continuación. De nuevo, un comic ligero NO vale para el cine.
Los fans comiqueros no pagamos los blockbusters, se necesita al público generalista. Empezando por las mujeres y niñas que no han acudido como si hicieron con Barbie. Y a ese le pierdes en cuanto transmites la idea de aventura «ligera» como así vendieron la película en los primeros trailers. ¿Sabéis que otras películas recientes se comentaba como halago que eran «super comiqueras»? Black Adam y Shazam 2. La primera de The Rock no me gustó, la segunda me gustó más dentro de su target casi infantil . Y resultó que NADIE (casi nadie) fuera del público comiquero las vio en el cine. ¿Queremos que el desastre total de Warner se repita en el MCU? Yo no. Sobre todo cuando hablamos que The Marvels ha tenido un presupuesto superior a 220 millones. Es un blockbuster de primer nivel que necesita recaudar más de 550 millones únicamente para cubrir costes. Una película de Blumhouse o A24 (dicho con el máximo respeto), puede producir una idea «chorra» porque sus presupuestos no superan los 10 millones y a poco que recauden la película les dará beneficios. Marvel no debe conformarse con cualquier cosa, porque si pierden dinero no podrán hacer la siguiente película.
Por contra, si nada cambia Daredevil Born Again va a tener 24 episodios. Dentro de su estructura de «caso de la semana» podrían presentar sin ningún problema alguna trama más ligera o «chorra». Por que en una semana los espectadores tendremos otro episodio más potente. En ese sentido, también me gustan los especiales de Halloween y de Navidad que se estrenaron en Disney+. Precisamente el streaming sirve para dar una oportunidad a contenidos más diferentes o «extraños». Dicho esto desde el mejor sentido. Pero en el cine el MCU tiene que dar espectáculo con corazón, no valen medias tintas como ha pasado con The Marvels. Ya no vale cualquier cosa, la idea que Marvel Studios tiene un público fiel (casi cautivo) que pagará por ver cualquier cosa ya no existe. Toca convencer a la audiencia con buenas historias y mejores entretenimientos para que vayan a ver cada una de sus propuestas. Sin creerse que la pelea la tienen ganada sin salir a combatir.
En este caso, Marvel puede decirle que los retrasos provocados por las huelgas de guionistas y actores les pueden venir muy bien para afinar al máximo sus próximos estrenos. De hecho, en 2024 Marvel tan sólo va a estrenará una película, Deadpool 3. Película que si han controlado los gastos puede resultar super rentable. Para 2025 ya quedan Capitán América 4 – 14 de febrero-, Fantastic Four – 2 de mayo-, Thunderbolts – 25 de julio- y Blade – 7 de noviembre-. Tienen mucho trabajo por delante, pero también tiempo para reflotar la situación.
Comparto el trailer de la película:
Marvel Studios se ha estrellado en la taquilla con The Marvels, siendo el primer gran fracaso de taquilla del MCU. Y no puedo decir que los espectadores estén equivocados.
PUNTUACIÓN: 5/10
Gracias por leer este post. Espero tus comentarios. Y si te gustó el artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales y que te suscribas para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones. Y si quieres, puedes invitarme a un café.
Tenía muchas ganas de ver El asesino (The Killer), la nueva película de David Fincher adaptando el comic de Alexis «Matz» Nolent y Luc Jacamon. Lamentablemente, al no estrenarse en los cines de mi ciudad me tuve que esperar a su estreno en Netflix, pero desde luego no ha decepcionado.
PUNTUACIÓN: 8.5/10
Después de un fatídico error, un asesino se enfrenta a sus jefes y a sí mismo en una persecución internacional que, según él, no es personal. (FILMAFFINITY)
David Fincher es uno de mis directores favoritos, con una filmografía llena de peliculones (por no decir obras maestras). Director de videoclips, hizo su debut en la dirección con Alien 3 (1992) y obtuvo éxito comercial y de crítica con Seven (1995), The Game (1997), El club de la lucha (1999), La habitación del pánico (2002), Zodiac (2007), La chica del dragón tatuado (2011) y Gone Girl (2014). Fincher recibió nominaciones a Mejor Director en los Oscars por El curioso caso de Benjamin Button (2008), La red social (2010) y Mank (2020). Fincher es uno de los directores que veré siempre cualquier cosa que haga.
The Killer está dirigida por David Fincher a partir de un guion de Andrew Kevin Walker, colaborador habitual de Fincher en muchos de sus peliculones, basado en el comic francés del mismo nombre escrito por Alexis «Matz» Nolent e ilustrado por Luc Jacamon. La película producida por Netflix tiene una duración de 118 minutos y cuenta con fotografía de Erik Messerschmidt, montaje de Kirk Baxter y música de Trent Reznor y Atticus Ross. La película se rodó en localizaciones en Paris, República Dominicana e Illinois, entre noviembre de 2021 y marzo de 2022.
En el reparto tenemos a Michael Fassbender como El Asesino, Arliss Howard como El Cliente, Charles Parnell como El Abogado, Kerry O’Malley como Dolores, la asistenta de Hodges, Sala Baker como El Bruto, Sophie Charlotte como Magdala, la novia del Asesino y Tilda Swinton como La Experta.
¡Fua chaval! David Fincher ha creado un nuevo peliculón metiéndonos en la cabeza de un ser frío y amoral, un auténtico hijo de perra que se dedica al asesinato por encargo. Si tengo que valorar la película con una única palabra lo primero que se me ocurre es PRECISIÓN. Porque The Killer es un prodigio en todos los aspectos, empezando por un Michael Fassbender en modo DIOS que sin embargo se muestra en las casi dos horas de película como un témpano de hielo sin sentimientos. Fassbender tiene un atractivo magnético que hace que quieras ver lo que hace, aunque lo que haga sean los actos de una mala persona.
El guion de Andrew Kevin Walker también brilla en este aspecto, eliminando los elementos que él y Fincher consideraron más superfluos del comic original, como son el origen del asesino y cómo pasó de persona normal a un ser amoral que hará lo que sea por dinero. Tampoco vemos cómo llegó a establecer un refugio en la República Dominicana y empieza una relación con Magdala, porque en realidad no es importante. El guion de Walker va directamente al grano y es un prodigio de síntesis, mostrando de forma fría y despojada de artificios la mecánica de trabajo del Asesino sin nombre, cuya voz interior es nuestro narrador a lo largo de la película. Y es curioso, pero a pesar de la frialdad buscada de todo, el contenido ha sido tan atractivo que me ha tenido sin pestañear de principio a final.
“Stick to your plan. Anticipate, don’t improvise.” Este es el mantra del asesino que repite una y otra vez antes de un asesinato, como si intentara convencerse que todo va a ir bien. Algo que podría servirle también al propio Fincher, porque la película es, de nuevo, un prodigio de planificación. La fotografía y los planos que escoge para contarnos esta historia sin moraleja me han volado la cabeza. De hecho, viendo la película no dejaba de pensar lo bien contado que está todo y cómo parece fácil, como si lo hubiera rodado en una única toma y cualquiera pudiera contar la historia igual que Fincher. Cosa que obviamente no es posible.
La película está dividida en seis capítulos, empezando por el golpe en París que sale mal y las repercusiones que eso provoca, que inicia un baño de sangre mientras el Asesino va siguiendo el rastro de los que le atacaron debido a su error. Esta separación de alguna manera provoca una sensación de tragedia al estar contada en varias partes. En ese sentido, es curiosa la deshumanización de todos los personajes importantes importantes de la película, empezando por un Asesino del que nunca llegamos a conocer su nombre real. Que sus presas sean El Abogado, El Bruto o La Experta es un síntoma de ello.
Y hablando de El Bruto, Fincher transmite un sentimiento de frialdad y en muchos momentos hasta asepsia mientras al asesino realizar su trabajo sin dejar nada detrás que pueda incriminarle. Pero entonces la película te golpea en la cara con un combate brutal y sangriento en el que llegas a creer que el asesino puede perder y morir. La brutalidad del combate mientras se desplazan por una vivienda y ambos asesinos usan los objetos que tienen a su alcance es acojonante. Y muestra lo bueno que es Fincher no sólo en la narrativa o el ritmo que plantea, sino también con esta coreografía sangrienta y brutal.
He leído como crítica que la historia de El asesino podría haber sido mejor película con una historia un poco más compleja de lo que es. En mi opinión, eso no es un problema sino una virtud, porque como decía antes en una alegría ver una película sin moralejas ni mensajes buenistas en la que el malo se sale con la suya. Como por otro lado es lo que suele pasar en el mundo real. Y espero que me creáis cuando digo que no voy a cambiar de profesión a corto plazo tras haber visto esta película. En este sentido, lo que pasa cuando el Asesino llega al final de su camino y encuentra para vengarse al capitalista que financió su golpe fallido en Paris, es también un golpe de realidad que me parece más realista que cualquier película actual en la que la mente maestra o el organizador acaba pagándolo con sus esbirros.
He disfrutado mucho con The Killer. Tras las polémicas por el aumento de precios y por no poder compartir cuentas reconozco que pensé en darme de baja de la plataforma, pero tengo que reconocer que Netflix en este último mes y pico está on-fire con un montón de contenidos que me han gustado mucho. A ver si seguimos la racha.
Comparto el trailer de la película:
The Killer es el nuevo éxito de David Fincher, una película que me veo disfrutando en múltiples ocasiones. No os la podéis perder.
PUNTUACIÓN: 8.5/10
Gracias por leer este post. Espero tus comentarios. Y si te gustó el artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales y que te suscribas para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones. Y si quieres, puedes invitarme a un café.
¡Saludos a todos!
Repaso a mi Sci-fi favorito: comics, películas, TV y libros
Debe estar conectado para enviar un comentario.