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Crítica de Spider-Noir temporada 1 (Prime Video)

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Tenía cierta curiosidad con Spider-Noir, la serie de Prime Video en Imagen real que recupera al personaje interpretado por Nicolas Cage en las películas de animación de Miles Morales. El resultado es como la misma serie, lleno de luces y sombras.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

Ben Reilly, un experimentado investigador privado en mala racha en el Nueva York de los años 30, se ve obligado a enfrentarse a su pasado tras una tragedia profundamente personal, mientras la ciudad cuenta con un único superhéroe.

En los comics, el personaje de Spider-Noir ha tenido una vida más bien corta. Fue creado en 2009 por David Hine, Fabrice Sapolsky y Carmine Di Giandomenico como parte del universo Marvel Noir (Tierra-90214), una versión alternativa de Spider-Man en una reinterpretación del personaje inspirada en el cine negro que surge en Nueva York durante la Gran Depresión. Dan Slott aprovechó al personaje incorporándolo al Spiderverso, pero su verdadera popularidad no llegó hasta que  Phil Lord y Christopher Miller no lo incorporaron al reparto de la brillante película de animación Spider-Man: Un nuevo Universo (2018), acertando al conseguir que Nicolas Cage pusiera la voz para el personaje de Ben Reilly.

Mientras esperamos al estreno de la segunda parte de Spider-Man: Cruzando el multiverso (2023), que no llegará hasta 2027, los productores decidieron dar luz ver a esta serie en imagen real, que ha contado con Nicolas Cage para protagonizarla. Lord y Miller han mantenido funciones de productores, aunque el creador de la serie es Oren Uziel, que comparte labores de showrunner junto a Steve Lighttfoot. La serie de 8 episodios ha sido dirigida por Harry Bradbeer, Nzingha Stewart, Alethea Jones y Greg Yaitanes. Los guiones corren a cargo del propio Uziel con Christopher Chen, Megan Liao, Steve Lightfoot, Tori Sampson, Jennifer Frazin, Jack Henderson y Bruce Marshall Romans.

La serie tiene la peculiaridad de haberse estrenado en dos formatos diferentes. En blanco y negro, que es como se había pensado originalmente, y en color. La sensación es que los productores no confiaban que el público generalista aceptara ver una serie en blanco y negro, motivo del desdoblamiento de la serie. La serie se creó para su emisión tanto en blanco y negro como en color. Para conseguir las dos versiones, las imágenes rodadas en el plató se capturaron digitalmente para luego dividirlas y procesarlas por separado. El equipo acuñó el término «True-Hue» para referirse al proceso mediante el cual crearon su versión en color, similar al Technicolor; Cage afirmó que esa versión se hizo para que pareciera «super saturada», y Uziel señaló que era como si la película en blanco y negro se hubiera coloreado.

En el reparto tenemos a Nicolas Cage como Ben Reilly / The Spider, una versión más madura y curtida de Spider-Man, un investigador privado en horas bajas y superhéroe procedente de un mundo alternativo basado en la Nueva York de los años 30. Cage es el gran reclamo de la serie y el personaje de Reilly le permite desplegar toda una serie de movimientos histriónicos marca de la casa que harán las delicias de sus fans.

Lamorne Morris es Joe «Robbie» Robertson, amigo de Ben y un periodista independiente muy trabajador que persigue las historias más arriesgadas para llamar la atención y avanzar en su carrera. Li Jun Li interpreta a Cat Hardy, una cantante de club nocturno con aire de femme fatale que será el interés amoroso tanto de Ben como de Flint Marko, que trama matar a Silvermane (Brendan Gleeson), el jefe de la mafia irlandesa que controla los elementos criminales de la ciudad. Karen Rodríguez como Janet Ruiz, secretaria de Ben y compañera de investigación; Jack Huston como Flint Marko / Sandman, guardaespaldas y amante de Cat que se convierte en secuaz de Silvermane y tiene la capacidad de transformar su propio cuerpo en arena, Abraham Popoola como Lonnie Lincoln / Tombstone, amigo de Marko y secuaz de Silvermane, que posee una piel blindada casi indestructible que le otorga fuerza y resistencia sobrehumanas, Andrew Lewis Caldwell como Dirk Leyden / Megawatt, un criminal con la capacidad de absorber y liberar electricidad, y Jack Mikesell como Jimmy Addison, un criminal con habilidades piroquinéticas, completan el reparto en sus papeles principales.

Muchas veces, los espectadores nos enredamos en temas de producción, de costes y de la parte del negocio que rodea el mundo del cine y la televisión. Yo el primero. Pero en realidad, como espectador no puedo más que levantarme y aplaudir porque una serie freak como este Spider-Noir haya llevado a hacerse realidad. Porque en realidad, esta serie es un bendito milagro incluso cuando hay cosas con las que no he conectado.

El primer elemento a destacar es la propia visión de hacer un Spider-Noir en blanco y negro, para igualarlo a la aparición del personaje en las películas de animación. El blanco y negro hace que la serie conecte con los clásicos del noir de los años 30, y me parece un elemento muy interesante para construir el tono que se quería crear. Visualmente creo que el blanco y negro es un acierto, incluso cuando el efecto provoca que las pocas escenas de efectos especiales queden apagadas y sin chispa. Como son las apariciones del Electro de este universo, Megawatt. Dicho esto, globalmente me alegro de haber podido ver la serie en blanco y negro.

Vi un episodio en color y lo cierto es que el efecto queda extraño y poco natural. Para escribir esta reseña he leído que se buscaba provocar la sensación visual que provocan las películas coloreadas, y lo cierto es que en ese sentido, el objetivo está super conseguido. Lo malo es que como las películas coloreadas, el color no resulta natural y queda extraño para la vista. Pero como decía antes, si Amazon acepta el sobre coste de hacer la serie en color y en blanco y negro, ¿Por qué tendría que ponerle un pero yo como espectador? De hecho, es mejor, porque nos ofrece la posibilidad de ver la serie como cada uno prefiera.

Entrando en la serie en si, otro elemento clave es que Spider-Noir NO es una historia de superhéroes con toques noir, sino una de detectives en la que algunos personajes tienen habilidades especiales en momentos concretos. Esto es clave, porque en parte yo esperaba ver lo primero, y me he encontrado lo segundo. En función de las expectativas de cada uno, el visionado puede ser más o menos satisfactorio. Y por eso creo que es importante que se avise a los espectadores, sobre todo a los comiqueros.

Luego tenemos a Nicolas Cage. Él es lo mejor y casi lo peor de la serie. Por un lado, su contratación tras poner la voz en las películas de animación era algo obligado, en eso no tengo dudas. Y Cage ha encontrado en Ben Reilly un vehículo fantástico para sus excentricidades actorales, aunque él las justifique al tratar de imitar el movimiento real de los arácnidos. El elemento torturado de Reilly tras la muerte de su amada antes de empezar la serie, que justifica que se encuentre torturado y casi alcoholizado, encaja como anillo al dedo en el rango interpretativo de Cage. Además, no se puede negar que él es el principal reclamo de la serie en lo referido al star-power de Hollywood. Cage es la única estrella de cine de la serie y su mera presencia vende la serie y anima a una parte de los espectadores a verle. Así que por esa parte, me parece perfecta la contratación de Cage para el papel de Ben Reilly.

Pero en realidad, Cage es un mal casting para la versión en imagen real de Ben Reilly. Cage era perfecto cuando se trataba de ponerle la voz en las películas de animación, pero el actor tiene 62 años y es demasiado mayor para el papel. Y ya no es que no pueda hacer las escenas de acción, que obviamente no puede. Es que cuando se plantea una relación amorosa con Cat Hardy, interpretada por la actriz Li Jun Li, no te puedes creer que esa femme fatale pueda enamorarse del anciano Reilly. Partiendo que obviamente Reilly en la serie no tiene 60 años, sino como mucho 40. Cosa en lo que Cage ya no resulta creíble. Y por mucho que Cage me encanta, el problema de este casting provoca una disociación que provocó que no conectara en muchos momentos con el drama del protagonista.

Esta situación creo que viene provocada por los propios estudios y su incapacidad de encontrar a la siguiente generación de estrellas de cine, que provoca que al final tengan que contratar a las mismas estrellas envejecidas de siempre. Algo que acaba siendo un problema evidente.

La serie usa algunos convencionalismos del noir, unidos a otros elementos que conectan con la sensibilidad identitaria woke que ha contaminado el mundo del entretenimiento americano.

Un Ben Reilly quemado es contratado para encontrar a un persona, que resulta ser un mutante con poderes piroquinéticos que quemó la casa del mafioso Silvermane. Reilly descubrirá que hay un grupo de personas con poderes que conectan con su propia historia y cómo consiguió él los poderes. Que esto conecte con la Primera Guerra Mundial y unos experimentos en un campo de prisioneros alemán me resulta una idea original que aleja a los personajes de los clichés más trillados del comic. Lo cual está bien.

Reilly conocerá a Cat Hardy, cantante y dueña de un club que en realidad es propiedad del mafioso Silvermane, interpretado por el veterano Brendan Gleeson. Hardy conecta con el arquetipo de femme fatale y son sus acciones las que provocan toda la serie. En los últimos años ha habido un cambio en el tratamiento y lo que simbolizaban las femme fatales, hasta el punto de quitarles la parte malvada para convertirlas en mujeres que siguen su propio destino y toman sus decisiones. Ejemplo de empoderamiento, vamos. Cosa que es exactamente lo que vamos a ver en esta serie, con Hardy tomando decisiones según su propio interés que benefician o perjudican a Reilly. Pero que no se toman desde un punto de vista de ser la villana de la serie, cosa que Hardy no es en absoluto.

Dentro que Silvermane es claramente el villano, en realidad la serie intenta humanizarle, al mostrarle como alguien que sufrió el hambre en la depresión antes de levantarse para convertirse en quien es. Algo que acaba provocando que tengamos a un villano muy poco imponente con una nula sensación de peligro. De alguna manera, la serie humaniza a la mayoría de teóricos villanos, como son las versiones de este mundo del Hombre de Arena y Tombstone. El único ser con poderes realmente malvado es la versión de Electro. En general, resulta super llamativo el intento consciente de la serie porque nadie sea realmente «malvado» en la serie.

La serie mantiene el misterio de cómo Ben consiguió sus poderes, cosa que no descubriremos hasta el quinto episodio. Ben se encuentra en medio de la lucha de poder de Silvermane y Alfred Morris, el alcalde de la ciudad que aspira a la reelección. A pesar de su manifiesta incapacidad y problemas con el alcohol, Reilly va saliendo adelante gracias a la ayuda de su amigo el periodista Robbie Robertson, que le pone en la pista de los crímenes de la ciudad, y de Janet Ruiz, su secretaria que es además una investigadora sagaz con contactos en la policía.

Aparte del problema de edad de Cage, el otro gran problema argumental de la serie es que Reilly en varios momentos se convierte en secundario de su propia serie. Sobre todo durante un climax final en el que son otros personajes los que resuelven la amenaza de Silvermane mientras The Spider (que ese es su nombre de superhéroe en esta Tierra) se enfrenta a los supervillanos en una descafeinada pelea final. Si a eso le sumamos el problema de unos villanos muy poco carismáticos y visualmente terriblemente sosos, tenemos una serie con problemas serios.

Comentaba al principio que Spider-Noir NO es una historia de superhéroes. Pero dicho esto, la serie destaca para mal en muchos momentos por lo cutre que luce todo. Hay un elemento llamativo que en realidad no es demasiado grave, pero que se ve. Y es que dentro de recrear la Nueva York de los años 30, los productores hacen que el 99% de las escenas «de calle» tengan lugar en la misma calle. Dentro que está rodado en estudio, claro. Esto no es super grave, pero provocó que la sensación fuera de una sitcom de los 80 y 90, y no de una serie de gran presupuesto de 2025. En realidad, esta sensación de sit-com es evidente porque el 80% de la serie está rodado en las mismas 5 localizaciones: La calle de Nueva York, el club de Cat y su habitación, el despacho de Ben y alguno más.

Es evidente que Spider-Noir NO es una serie barata. Pero en muchos momentos lo parece. El climax final de la serie en la calle delante de un teatro es super cutre. Y una parte puede ser por el efecto del blanco y negro en el CGI que comentaba antes. Pero otra parte es debido a unas escenas de acción super cutres con unas coreografías lamentables que no se si se pueden calificar como tales.

Luego tenemos a The Spider. Hay sólo un par de escenas con él balanceándose por la ciudad, y quedan pobres y sin chispa. Pero es que además por no ver ni siquiera vemos a Reilly escalar paredes o hacer las cosas que se suponen a un héroe arácnido. Su habilidad de tirar redes orgánicas es lo único que hace que Reilly se salga de la normalidad. Dentro que en realidad, los minutos en pantalla de The Spider son super escasos, porque tenemos el 95% del tiempo a Cage en su identidad de Ben Reilly.

Decía al principio que los espectadores tenemos que alegrarnos porque una serie como Spider-Noir se haya estrenado. Luego quien quiera que la vea y quien no, no. Pero una vez esto es así, lo cierto es que esta serie me ha parecido cutre y decepcionante en muchos momentos. Me da la sensación que este serie debería haber sido mucho mejor de lo que lo ha sido en realidad.

Mientras escribo estas líneas aún no se sabe si Spider-Noir va a tener una segunda temporada. En positivo tengo que decir que esta temporada ofrece una historia cerrada con un final satisfactorio a partir del arco de redención de Reilly, que termina aceptando que es The Spider y su obligación es ayudar a la ciudad. Si no hay más, al menos el final es el correcto. En caso de que se planteen hacer una segunda temporada, les recomendaría que pensaran bien la historia que quieren contar, y si realmente merece la pena.

Comparto el trailer de esta serie:

Spider-Noir es un experimento curioso que me parece increíble que haya llegado a hacerse realidad.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

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Películas

Crítica de Longlegs de Osgood Perkins

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Había leído muchas alabanzas a Longlegs, la película de Osgood Perkings (hijo de Anthony Perkins) que destaca por tener a Nicolas Cage en el papel de teórico serial killer, así que me acerqué al cine para verla.

PUNTUACIÓN: 6/10

A Lee Harker, una nueva y talentosa agente del FBI, le han asignado un caso sin resolver de un asesino en serie. A medida que la investigación se complica y se descubren pruebas ocultas, Harker se da cuenta de que existe un vínculo personal con el despiadado asesino y debe actuar con rapidez para evitar otro asesinato.

Osgood Robert «Oz» Perkins II (Nueva York, 1974) es un actor, guionista y director estadounidense. Es el hijo mayor del actor Anthony Perkins. El primer papel como actor de Perkins fue en Psicosis II (1983), en la que aparecía brevemente como la versión de doce años del personaje de Norman Bates que interpretaba su padre. Desde entonces, participó en varias películas en papeles secundarios, como Seis grados de separación (1993), Legalmente rubia (2001), No es otra película de adolescentes (también de 2001) y Secretary (2002), entre otras. En su faceta de escritor y director, escribió y dirigió las películas de terror The Blackcoat’s Daughter (2015), I Am the Pretty Thing That Lives in the House (2016) y esta Longlegs (2024), además de dirigir la nueva versión de Gretel & Hansel (2020).

La película de 101 minutos de duración cuenta con fotografía de de Andrés Arochim, montaje de Greg Ng y Graham Fortin, y musica de Zilgi (seudónimo de Elvis Perkins, hermano del director). Se rodó en Vancouver (Canadá) entre enero y febrero de 2023. Destacar también que Nicolas Cage produjo la película a través de su productora Saturn Films. Longlegs ha sido un gran éxito para sus productores, ya que a partir de un presupuesto inferior a 10 millones de dólares, la película ha recaudado más de 80 millones sólo en Estados Unidos.

Maika Monroe (conocida sobre todo a partir de It follows) interpreta a Lee Harker, una agente del FBI con habilidades extrasensoriales asignada al caso de Longlegs, un caso con aterradoras conexiones con su pasado. (Lauren Acala interpreta a Lee Harker de niña). Nicolas Cage es Longlegs, un escurridizo asesino en serie con conexiones demoníacas que le permite a Cage un nuevo festivas de over-the-top y momentos perturbadores. Blair Underwood es el agente William J. Carter, uno de los superiores de Lee, Alicia Witt interpreta a Ruth Harker, la ultra religiosa madre de Lee, Michelle Choi-Lee como la agente Browning, una de las superiores de Lee, Dakota Daulby como el agente Horatio Fisk, compañero de Lee, y Kiernan Shipka como Carrie Anne Camera, la única superviviente conocida de Longlegs, con Maila Hosie como la joven Carrie Anne Camera.

No sabía nada de Longlegs más allá de leer comentarios sueltos alabando la aterradora interpretación de Nicolas Cage en una película que cogía elementos de El silencio de los corderos al plantear una investigación del FBO que se convertirá en una historia de terror. Y en lo referido a esos elementos, la película efectivamente ofrece justo esto, con una historia ambientada en los años 90 que parece que quiere buscar reforzar la idea de gusto por el terror clásico.

Lo mejor de Longlegs es la ambientación y el tono perturbador que la película transmite desde el primer fotograma. Una puesta en escena sobria y gris es atacada en momentos puntuales por explosiones de ruidos desasosegantes planteados junto al montaje para alterar al espectador. Es el tono lo que transmite la atmósfera de terror, porque las imágenes sangrientas pueden contarse con los dedos de la mano.

La protagonista Maika Monroe me parece que está bastante bien y ofrece lo que seguro el director demandaba de ella. Sin embargo, dentro que me ha gustado y veo mucha emoción contenida en su interpretación, en realidad creo que es demasiado monotemática, porque su personaje sólo toca esta nota a lo largo de toda la película. Estando bien, al final resulta un tanto monótona. Y lo mismo podría decirse de Nicolas Cage, cuyo personaje Longlegs destaca primero que todo por un tremendo trabajo de maquillaje, peluquería y uso de prótesis que hace que Cage sea casi irreconocible. Longlegs es un asesino en serie que en realidad casi no aparece más que unos pocos momentos, jugando la cámara a amplificar la sensación perturbadora al no dejar que le veamos bien la mayor parte del tiempo, sacando del plano parte de su cara en varias ocasiones.

Sin embargo, debo decir que el crossover de géneros no acaba de funcionar del todo. Empezando porque desde la primera escena queda clara la conexión de Lee Harker con el asesino Longlegs, aunque los detalles exactos no se revelan hasta el final de la película. En la parte de la investigación policial la película no funciona y a pesar de estos momentos puntuales perturbadores, me costó mantener los ojos abiertos en varios momentos. Y es que parece mentira que una película de estas características se me hiciera aburrida en la parte central. Volviendo a la parte procedimental, cuando por fin se descubre todo, no acaba de quedar claro qué pretendía conseguir Longlegs aparte de las propias muertas. Es una pregunta sin respuesta que no creo que Perkins pretendiera responder en ningún caso.

Y hablaba de crossover de dos géneros, pero en realidad Longlegs parece una enciclopedia del terror, al conectar esta historia a priori procedimental con un misterio familiar oculto, la manipulación mental, la adoración satánica, las muñecas terroríficas, un acuerdo que nos recuerda a Fausto y una monja infernal. Perkins parece fiarlo todo al horror psicológico y a toques sobrenaturales, y el tono es perfecto para este propósito, pero el resultado final es una película con la que no he acabado de conectar.

Cage está bien sin ser memorable, aparte su casi nula aparición en la película. Y Maika Monroe también me ha gustado aunque con los matices que comentaba antes. Blair Underwood como el jefe de Lee y Alicia Witt como su madre creo que también cumplen con lo que la película necesita y aportan su buen nivel interpretativo. Pero el final abierto no me deja sensación satisfactoria, aunque intelectualmente si le encuentro elementos positivos a la película.

Longlegs es una de esas película que siento que me debería haber gustado más de lo que lo ha hecho.

Comparto el trailer de la película:

Longlegs me ha dejado frío. A pesar de los golpes de montaje y sonido y una buena ambientación, me ha parecido aburrida en muchos pasajes, suponiendo una pequeña decepción.

PUNTUACIÓN: 6/10

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Películas

Crítica de Dream scenario de Kristoffer Borgli

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El reclamo de Nicolas Cage fue suficiente para animarme a ver Dream scenario, el drama dirigido por Kristoffer Borgli con una premisa muy loca que no acaba de ser llevada a lugares interesantes.

PUNTUACIÓN: 4.5/10

Paul Matthews, un desventurado padre de familia, ve cómo su vida da un vuelco cuando millones de extraños empiezan a verle en sueños. Pero cuando sus apariciones nocturnas toman un giro de pesadilla, Paul se ve obligado a navegar por su nuevo estrellato. (FILMAFFINITY)

Kristoffer Borgli (Oslo, Noruega, 1985) es un director de cine y guionista noruego. El primer largometraje de Borgli fue DRIB, de 2017, «un documental real basado en una falsa bebida energética». Su segundo largometraje es Sick of Myself, de 2022, una historia sobre una relación, el arte contemporáneo y la creación de una identidad/personalidad alternativa. Dream scenario es su tercera película como director y guionista.

La película de 102 minutos de duración es una producción de A24 y está producida por Ari Aster, y cuenta con fotografía de Benjamin Loeb, montaje de Kristoffer Borgli y música de Owen Pallett.

En el reparto encontramos a un omnipresente Nicolas Cage como Paul Matthews, un gris profesor universitario y hombre patético metido en un proceso kafkiano. Por este papel Cage fue nominado a Mejor Actor en los Globos de Oro en la categoría de comedia o musical (sin palabras). Julianne Nicholson interpreta a Janet Matthews, la mujer de Paul, mientras que Lily Bird y Jessica Clement son las hijas de Paul, Sophie y Hannah Matthews. Michael Cera es Trent, el jefe de una empresa de marketing viral, Kate Berlant hace de Mary, la socia de Trent y Dylan Gelula interpreta a Molly, la ayudante de Trent. Tim Meadows como Brett, el decano de la universidad de Paul, Dylan Baker como Richard, un colega de Paul, David Klein como Andy, el estudiante de Paul y Cara Volchoff como Candice, una terapeuta completan el reparto.

Leyendo comentarios sobre la película leí que se califica Dream scenario como una comedia negra con toques surrealistas. Buscando cosas positivas o interesantes sobre la película, la idea de mostrar cómo la fama en las redes sociales afecta a una persona normal que no hizo nada para merecerlo hasta acabar devorándole resulta interesante a priori, aunque en realidad se queda a medio camino sin desarrollar correctamente. Como todo en general en la película.

Dream scenario es la típica película de premisa potente ideal para agradar al público cultureta de festivales. Un hombre gris empieza a salir en los sueños de la gente sin que él sepa por qué o haga nada conscientemente para provocarlo. Aunque al principio es una anécdota simpática, al aparecer Paul pero sin interaccionar con los durmientes, a medida que la fama de Paul crece la situación tomará un giro a peor, hasta acabar destruido social y laboralmente. Quizá el problema sea ese, que plantea un premisa super friki y llamativa pero sin pretender nunca ofrecer ninguna respuesta, dejando la mayoría de elementos a la interpretación del espectador. En ese sentido, me parece un guion super tramposo que se desinfla completamente.

Nicolas Cage interpreta a Paul Matthews, una persona penosa en todos los sentidos. Mi principal objeción con la película es que no deja de serlo ni puede decirse que aprenda o mejore como persona tras los sucesos de esta película. Dice que va a escribir un libro que ni siquiera empezó, se enfada con una antigua colega porque sí ha hecho una investigación que él no llevó a cabo, es pusilánime, cobarde y no muestra ninguna empatía cuando gente a su alrededor se muestran afectadas por las pesadillas. Puestos a ponerle con las máximas connotaciones negativas y ninguna positiva, se humilla a si mismo cuando una joven quiere recrear una fantasía sexual que tuvo en un sueño en el que él participaba. Por un lado pienso que Cage es un actorazo que se arriesga en papeles muy poco agradecidos interpretando a una persona gris y lamentable. Pero al final esto me ha parecido una muestra de pornografía emocional de la peor calaña.

En cierto sentido, Dream scenario comparte elementos de El proceso de Kafka. Porque Paul adquiere una fama mediática que no merecía por algo que a priori no ha hecho. Esto se lleva al terreno de las redes sociales actuales, y cómo estas mareas primero te encumbran y luego te derriban de la peor manera posible. La película juega siempre a la ambigüedad y quiere dejar en la duda si realmente Paul provoca estos sucesos o realmente es un fenómeno aleatorio en el que él no participa y se ve introducido por casualidad, siendo amplificado por las redes sociales, a las que Paul alimenta al principio al sentirse alagado por la notoriedad que consigue.

Pero en realidad esto no es tanto así, porque el paso de sueños normales a pesadillas viene precedido por dos sucesos penosos para Paul, un intento de encuentro sexual que acaba con la mayor humillación imaginable para un hombre, y luego ver cómo la colega de Paul publica su investigación sin mencionarle, algo lógico al no haber hecho nada en un montón de años. Estos dos sucesos provocan una ola de odio y sentimientos negativos de Paul hacia él en primer lugar, pero también hacia el mundo, lo que da una explicación del cambio de los sueños. Paul parece ser el causante, aunque lo haga de forma inconsciente.

El director Kristoffer Borgli me ha parecido tramposo a más no poder. Me llama la atención aparte que aparte de las no-respuestas, Borgli se muestra alineado con ideas muy cuestionables. Como es que Paul es destruido social y laboralmente por algo que no hay ninguna prueba que sea culpa suya. Pierde el trabajo, sus alumnos le insultan y dañan su coche, es agredido en un bar donde no le quieren dejar comer e incluso no le dejan ver la función escolar de su hija. Todo ello por unos sueños convertidos en pesadilla que él no controla ni hay ninguna prueba de que los cause él (aunque la película deja entrever que si lo hace). De hecho, su mujer acaba divorciándose y liándose con su compañero de trabajo, lo que significa una nueva humillación para él. Sin embargo, ante una situación que es claramente injusta según la lógica que el director establece para su película, la única opción que le da a Paul es que hable con gente que para Borgli son radicales y ultraderecha, como Jordan Peterson y Joe Rogan. Gente cuyo único pecado es cuestionar las doctrinas dominantes que los poderosos intentan imponer a la gente normal.

La película en su parte final no deja de humillar a Paul en todas las situaciones que puede. La creación de una empresa que busca insertar spams publicitarios en los sueños de la gente podría ser una crítica a que nuestra sociedad acaba mercantilizando y sacando provecho de todo saltándose a los autores originales. Pero es tan ambigua e interpretable que es tan correcto pensar esto como casi lo contrario.

Que Paul intente conectar con su esposa con esta tecnología es la humillación definitiva para Paul. No sólo porque le hacen vestirse de forma ridícula, recordando el sueño que la mujer de Paul le dijo que le gustaría tener, sino porque en realidad Paul no llega a conectar con su esposa, pensando que él sale volando igual que su hija lo hizo al principio de la película en un sueño en el que Paul no intervino. Por la misma regla de tres, la mujer de Paul nunca estuvo en ese sueño y todo se queda en su subconsciente. Como digo, Paul es la víctima y el humillado definitivo de una película que me parece tramposa y bastante aburrida, desinflando la potente premisa a medida que avanza una trama que no puede resultar más decepcionante.

Comparto el trailer de la película:

Dream scenario me ha decepcionado bastante.

PUNTUACIÓN: 4.5/10

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Películas

Crítica de Renfield de Chris McKay

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Con algo de retraso he visto Renfield, la película de Chris McKay con Nicholas Hoult y Nicolas Cage con una versión divertidísima y over-the-top de la relación entre Drácula y su sirviente.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Renfield es el torturado asistente del vampiro más narcisista de la historia: Drácula. Renfield se ve obligado a procurarle víctimas a su amo y hacer todo aquello que este le ordene, por inmoral que sea. Pero ahora, tras siglos de servidumbre, Renfield está listo para descubrir si hay vida lejos de la alargada sombra del Príncipe de las Tinieblas. ¿El problema? Que no sabe cómo romper esa relación de dependencia.

Christopher McKay (1973), es un cineasta y animador estadounidense conocido por dirigir y editar tres temporadas de Robot Chicken y dos temporadas de Moral Orel. Debutó como director de largometrajes con The Lego Batman Movie (2017), y ya en imagen real ha dirigido The Tomorrow War (2021). Renfield es su tercera película como director.

Renfield nace como un argumento de Robert Kirkman, el brillante guionista de comics como The Walking Dead e Invincible, que es además productor de la película. El guion definitivo fue escrito por Ryan Ridley. La película de 93 minutos de duración cuenta con fotografía de Mitchell Amundsen, montaje de Ryan Folsey, Giancarlo Ganziano y Zene Baker y música de Marco Beltrami. Lamentablemente, la película ha sido un fracaso de taquilla, al recaudar apenas 25 millones para un presupuesto de 65 millones.

En el reparto tenemos a Nicholas Hoult como Renfield, el sufrido sirviente de Drácula, interpretado por un loquísimo y perfecto Nicolas Cage. Awkwafina es Rebecca, una agresiva policía de tráfico que trabaja para el Departamento de Policía de Nueva Orleans y vive traumatizada por el asesinato de su padre por la familia criminal Lobo que domina la ciudad. Ben Schwartz es Tedward Lobo, el hijo de Bellafrancesca (Shohreh Aghdashloo) la matriarca de la familia Lobo.

Me ha pasado algo curioso con Renfield, por llamarlo de alguna manera. Hace meses me enteré que Kirkman era el creador de la historia y productor de la película, lo que animó a verla. Sin embargo, cuando finalmente se estrenó no recordaba la relación de Kirkman con la película, y la verdad es que la patochada que se intuía en las imágenes promocionales teniendo a Nicholas Cage de protagonista no me hizo que quisiera verla. O por decirlo bien, otras películas estrenadas en las mismas fechas como Posesión Infernal: El despertar me apetecieron más a la hora de entrar en el cine. Esta semana volví a leer el dato de Kirkman preparando una reseña del blog, lo que me hizo ver el trailer que a su vez provocó que tuviera que ver la película. Y la verdad es que Renfield me ha encantado.

La película tiene el centro en el conflicto de un joven (congelado en el tiempo) Renfield para escapar de años de abusos que sufre a manos de Drácula. Como concepto es una idea que conecta completamente con la comedia Lo que hacemos en las sombras, aunque luego ambas historias sean totalmente diferentes. Esta similitud tampoco jugó a favor de la película, la verdad. El depresivo Renfield asiste a reuniones de terapia de grupo y recibe el empujón necesario para abandonar a Drácula cuando ve cómo la policía Rebecca no se arruga ante un mafioso de la familia Lobo cuando la encañona en un ataque a un restaurante.

Hoult, Cage y Awkwafina me parece que están super bien en la película. El elemento histriónico y exagerado de Cage funciona perfectamente con el tono de comedia over-the-top, y escucharle en la V.O. es una delicia de principio a fin. Y esto lo digo cuando no suelo conectar con el Cage más desatado de las películas de serie Z que protagoniza en los últimos años. Hoult borda el papel de freak fuera de su zona de confort que se sabe víctima de abusos pero no sabe cómo salir de la rutina en la que está inmerso. Por su parte, Awkwafina no tendría que funcionar como una dura policía, pero en este contexto humorístico lo hace, añadiendo una ligera capa de persona marcada por la muerte de su padre. La química de Hoult con sus compañeros me parece que funciona de forma estupenda.

La película va al grano desde el primer minuto resaltando el tono de comedia. Empezar la película recreando la película de Drácula de Bela Lugosi pero sustituyendo a los actores clásicos por Cage y Hoult me ha parecido una genialidad. Aparte de varios gags visuales buenísimos hay un montón de situaciones super divertidas gracias a unos diálogos con chispa, por ejemplo en las sesiones de terapia de grupo de Renfield. Además, la duración de 93 minutos me parece perfecta, porque también hay que reconocer que la historia no da más de si, al repetirse en algunos momentos la misma situación de abuso de Drácula a Renfield.

Pero lo mejor de Renfield es cuando la película se transforma de una teórica historia de terror con toques de humor a una película de superhéroes con seres con super poderes que cortan cabezas y arrancan brazos que usan para golpear a otros oponentes hasta su muerte. La hiper-violencia tiene un tono cómico que me parece una genialidad, y sólo por estos momentos de gores merece la pena ver la película. En estos momentos fue cuando vi el toque de Hickman y su conexión a Invencible, y me ha flipado.

Buscando algún elemento menos bueno a una película que me ha gustado, hay que reconocer que en el fondo esta película es una historia de un único chiste que no da más de si cuando giramos varias veces sobre lo mismo. Pero la duración super ajustada y la violencia over-the-top me han ganado completamente. Creo que todos los fans de la serie Ash vs Evil Dead y por supuesto el comic de Invencible de Kirkman, por poner dos ejemplos, van a disfrutar un montón esta película,

Da la sensación que los productores dejan la película con un elemento lo suficientemente abierto para que pudiera haber una continuación en caso que la película hubiera tenido éxito en taquilla. No ha sido así. yo soy la prueba de espectador público objetivo que me costó verla porque no sabía si la mezcla de tantos elementos contrapuestos funcionaría todo lo bien que lo hace. Y es una pena que una película que innova presentando una historia que no sea terror trillado o comedia al uso no consiga llamar la atención del gran público precisamente por esta originalidad y esta cualidad de crossover de géneros.

En todo caso, decir también que el problema de este fracaso viene a partir de la fecha de estreno, al tener un montón de películas similares que no cabe duda han llamado mejor la atención de los espectadores. A la antes mencionada Posesión Infernal habría que sumarle Oso visioso, El exorcista del Papa o la última película de Scream.

Comparto el trailer de la película:

Renfield es una comedia super sangrienta y divertida que me ha gustado mucho más de lo que esperaba gracias a su tono irreverente y over-the-top. Una película super recomendable cuya apreciación creo que aumentará cuando se estrene en plataformas y pueda verla el gran público que se abstuvo de verla en los cines.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Películas

Crítica de Colour Out of Space de Richard Stanley (Prime Video)

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He disfrutado mucho con Colour out of space de Richard Stanley, la adaptación de la historia corta de H.P. Lovecraft que cuenta con un Nicolas Cage desatado y que puede verse en Prime Video.

PUNTUACIÓN: 8/10

Un meteorito se estrella cerca de la granja de los Gardner, liberando un organismo extraterrestre que convierte la tranquila vida rural de la familia en una pesadilla colorista y alucinógena. Uno de los relatos más emblemáticos de Lovecraft llega al cine de la mano de Nicolas Cage y Richard Stanley. (FILMAFFINITY)

Richard Stanley (1966) es un cineasta sudafricano, conocido por su trabajo en el género de terror. Comenzó su carrera realizando cortometrajes y vídeos musicales, y posteriormente dirigió los largometrajes Hardware (1990) y Dust Devil (1992), ambos considerados clásicos de culto. Fue el director original de La isla del Dr. Moreau (1996), pero fue despedido al principio de la fotografía principal debido a diferencias creativas, un episodio relatado en el documental de 2014 Lost Soul: The Doomed Journey of Richard Stanley’s Island of Dr. Moreau. En 2019, regresó a los largometrajes después de más de 20 años, dirigiendo la adaptación de H. P. Lovecraft Color Out of Space.

Stanley con la guionista Scarlett Amaris realizan la adaptación cinematográfica de la historia corta de H.P, Lovecraft “The colour out of space”, publicado en 1927. La película de 111 minutos cuenta con fotografía de Steve Annis, montaje de Brett W. Bachman y música de Colin Stetson. A modo de curiosidad, aunque la historia está ambientada en una granja en Arkham, Massachusetts, la película se rodó en Portugal en 2019, contando con un presupuesto de entre 6 y 10 millones de dólares. La película consiguió premios en varios festivales de 2019 como el Toronto Film Festival (Nicolas Cage), en el Fantastic Fest de Austin Texas como mejor film de terror, y en el H.P. Lovecraft Film Festival , los premios a mejor película y el premio del público.

Nicolas Cage es Nathan Gardner, granjero, padre de la familia Gardner. Joely Richardson es su mujer Theresa Gardner, empresaria y madre de Lavinia (Madeleine Arthur) Benny (Brendan Meyer) y Jack (Julian Hilliard). Elliot Knight interpreta a Ward Phillips, un hidrólogo y topógrafo de una empresa de desarrollo de presas que visitará la granja de los Gardner. Tommy Chong es Ezra, un hippie «okupa» que vive en las tierras de los Gardner, mientras que Josh C. Waller y Q’orianka Kilcher interpretan al sheriff Pierce, jefe de policía de Arkham y a la alcaldesa Tooma, respectivamente.

Tenía muchas ganas de ver en su día Colour Out of Sky, pero para sorpresa de nadie la película no llegó a estrenarse en mi localidad. Verla dentro del catálogo de Prime Video ha sido toda una sorpresa total, entre otros motivos porque la política de comunicación de Prime para sus estrenos de series o películas que no son novedad es nefasta. Y una vez vista tengo que decir que me ha encantado y me ha parecido una de mas mejores representaciones del Horror Cósmico de Lovecraft en imagen real. Un tipo de historias en los que los seres humanos son apenas motas de polvo al lado de unos seres (a menudo alienígenas pero no solo) con poderes más allá de nuestro entendimiento.

Una de las cosas que más me han gustado de esta película es que el descenso a los infiernos de esta familia se plantea desde los elementos más mundanos, evitando hasta el climax final los sustos y golpes de efecto típicos del género de terror. La película es un ejemplo perfecto del Horror Cósmico en el que personas normales empiezan a sufrir cambios sutiles (en ellos y en el terreno circundante) sin llegar a ser conscientes de ello ni poder hacer nada para oponerse en caso de darse cuenta (que no lo hacen). En este sentido, frente al terror típico de monstruos o slashers, Colour out of space no muestra a un antogonista que haga las veces de villano, ya que es el propio mundo el que acaba poniéndose contra la familia. Tampoco hay una moraleja o lección moralizante que sacar de la película, más allá que cuando los grandes poderes quieran ir a por nosotros, no habrá nada que podamos hacer para evitarlo.

Nicolas Cage se encuentra como pez en el agua en este personaje que va cayendo poco a poco en la locura, y me parece que está genial. Junto a él, toda su familia añade un elemento super perturbador a todo lo que les va pasando, consiguiendo que la sensación mallrollista acompañe todo el visionado. Y precisamente porque no hay apenas sustos o gore durante la película (bueno, alguno si hay en el climax final), Colour out of space me ha gustado mucho, al ser una rara-avis dentro del género de terror. Porque si que es extraño ver una película de terror sin sustos, las cosas como son. A pesar de todo lo anterior, la verdad es que el visionado de la película jamás se me hizo pesado y lo he disfrutado mucho.

La mutación de la naturaleza está super bien mostrada en la película a pesar de ser una película de bajo presupuesto. Visualmente, los colores a los que alude el título están perfectamente incorporados y ayudan a conseguir la atmósfera alienígena que necesitaba la historia. Es cierto que algunos efectos de maquillaje no quedan del todo bien en la fase final de la película, pero es un aspecto menor dentro de un conjunto que me ha gustado mucho.

Comparto el trailer de la película.

Colour out of space no es una película para todo el mundo, pero para los amantes de los mitos de Lovecraft supone un regalo maravilloso.

PUNTUACIÓN: 8/10

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