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Crítica de Una batalla tras otra de Paul Thomas Anderson

Paul Thomas Anderson es un director único, y su colaboración con Leonardo DiCaprio era de obligado visionado en el cine. Hoy comento mis impresiones de Una batalla tras otra.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Cuando su malvado enemigo resurge después de 16 años, una banda de exrevolucionarios se reúne para rescatar a la hija de uno de los suyos, encarnado por Leonardo DiCaprio. Adaptación de la novela ‘Vineland’, de Thomas Pynchon, escrita en 1990, sobre los movimientos radicales de los años sesenta.

Paul Thomas Anderson (Los Ángeles, 1970) es un cineasta estadounidense considerado como uno de los guionistas y directores más destacados de su generación. Entre sus galardones se incluyen un premio BAFTA y nominaciones a once premios Óscar, tres Globos de Oro y un Grammy. También es la única persona que ha ganado el premio al mejor director en el Festival de Cine de Cannes, el León de Plata en el Festival de Cine de Venecia y el Oso de Plata y el Oso de Oro en el Festival de Cine de Berlín.

Tras su debut como director con Hard Eight (1996), Anderson obtuvo un gran éxito comercial y de crítica con Boogie Nights (1997), y recibió nuevos elogios con Magnolia (1999) y Punch-Drunk Love (2002). There Will Be Blood (2007), su quinta película, es considerada por muchos como una de las mejores películas del siglo XXI. Le siguieron The Master (2012), Inherent Vice (2014), una adaptación de la novela homónima de Thomas Pynchon. Phantom Thread (2017) y Licorice Pizza (2021) son sus últimas películas entes de esta nueva película.

Anderson produce, dirige y escribe esta película ligéramente inspirada en la novela Vineland, de Thomas Pynchon, publicada en 1990. La película de 162 minutos de duración cuenta con fotografía de Michael Bauman, montaje de Andy Jurgensen y música de Jonny Greenwood. Por cierto, me he quedamos muy loco pensando que esta película tiene una presupuesto de 150 millones de dólares, una cantidad imposible de recuperar, a pesar que esta película se plantee como «de prestigio» de cara a la temporada de premios.

En el reparto sobresale Leonardo DiCaprio como Bob Ferguson, un exrevolucionario que lleva 16 años viviendo oculto junto a su hija Willa (Chase Infiniti). Teyana Taylor como Perfidia Beverly Hills, la madre de Willa y pareja de Bob, Sean Penn como el coronel Steven J. Lockjaw, el villano de la película; Benicio del Toro como Sergio St. Carlos, Regina Hall como Deandra, Alana Haim como Mae West, Wood Harris como Laredo y Tony Goldwyn como Virgil Throckmorton, completan el reparto.

Empezando por los elementos positivos, Paul Thomas Anderson es un director y guionista que tiene clara la historia que quiere contar y lo hace de forma notable. El control visual y narrativo de Anderson consigue que a pesar de la casi nula acción que tiene la película (luego comento esto), las más de dos y media de película casi nunca se hagan largas. Más que acción, Anderson plantea una tensión estupenda alternada con momentos realmente graciosos a costa del personaje de Bob interpretado por Leonardo DiCaprio. Visualmente y como narrador, Paul Thomas Anderson me parece de 10.

Tras un largo prólogo en el que conocemos el pasado revolucionario violento de Bob y su pareja Perfidia Beverly Hills, y su relación con el policía racista Steven J. Lockjaw, brillantemente interpretado también por Sean Penn, la película da un salto de 16 años y se romperá en dos líneas argumentales. Tras la redada de Lockjaw en el pueblo donde vive Bob y su hija Willa, padre e hija se separan. Por un lado veremos los intentos de Bob de llegar al santuario donde está su hija, para luego intentar liberarla cuando sea detenida por la policía. Mientras, veremos lo que les sucede a Willa por un lado y Lockjaw por el otro.

Leonardo DiCaprio está increíble en esta película. Estamos ante un actor que borda cada uno de los personajes que interpresa. Y me hace cierta gracia pensar que este millonario considerado uno de los actores más guapos de su generación tiene tantos complejos por su situación «privilegiada» (según los estándares progresistas actuales) que en sus última películas está eligiendo conscientemente ser un white-trash patético. Porque Bob lo es, es un adulto borracho y drogata que va durante el 75% del metraje de la película vestido con una bata de andar por casa para parecer aún más lamentable. Y que está desastrado y no recuerda elementos básicos para su supervivencia al ser una persona buscada por el FBI, debido al consumo de alcohol y drogas.

Otro actorazo es Sean Penn. Su construcción del villano de la película, el policía racista aspirante a ingresar en el KKK Steven J. Lockjaw me parece super interesante. Escuchar a Penn en la versión original me ha resultado una pasada, y plantea a una persona que está tiesa en todo momento y se mueve con una mezcla de Terminator y un retrasado mental. Hay una parte importante de la película que es parodia, y es algo de lo que me di cuenta a mitad de película. Pero en este sentido, siempre me ha llamado la atención como el intento de muchas películas de retratar a los racistas como personas ridículas casi retrasados mentales también deja en mal lugar a los que supuestamente se les oponen y pierden. En todo caso, las interpretaciones de DiCaprio y Penn son de las que merece la pena pagar sólo por verlas.

Una batalla tras otra me ha gustado, pero no me ha flipado. Y en eso reconozco que las expectativas creadas por la propia película han jugado en mi contra. Porque tenemos una película llamada Una batalla tras otra que muestra en su poster y las fotos promocionales a Leonardo DiCaprio empuñando un rifle, que anticipa una película de acción que la película en realidad no es. Y cuando digo acción por supuesto tengo claro que esta es una película de Paul Thomas Anderson y no de Michael Bay. Pero estaba esperando un climax que nunca llegó. Y tengo claro que en la parte de expectativas hay una parte que es mía, pero también que la promoción de la película vende una película que no es. No se si voy a ser el único, pero creo que no seré el único que salga decepcionado con la película en ese aspecto.

En positivo, al principio de la película tras un robo hay unas escenas en la que los revolucionarios huyen en coches y acaban provocando varios accidentes de tráfico que son momentos excelente. Y durante el final hay una persecución en unas carreteras que suben y bajan colinas que plantean una tensión genial. Esto me sugiere que no es que Anderson no sepa rodar acción, simplemente no le interesaba hacerlo.

También en positivo, como DiCaprio es un actorazo, me hace muchísima gracia y son momentos geniales cuando a Bob le piden una contraseña que él no recuerda porque se ha pasado 15 años bebiendo y fumando maría. La película es super entretenida cuando sumas el elemento de patetismo de DiCaprio con un Benicio del Toro en modo zen, y me hizo pasar un rato excelente. De hecho, hizo que casi se me olvidara el hecho de estar viendo a personas afroamericanas e hispanas super capaces y resolutivas mientras que los blancos son todos patéticos y lamentables. En las personas de Bob (DiCaprio), Lockjaw (Penn) y los miembros del KKK que aparecen con otro nombre. Y, en serio que me agota este maniqueismo.

Dicho esto, tengo que reconocer que Paul Thomas Anderson no plantea sólo una crítica hacia los blancos americanos de ultraderecha, dado que también muestra a los revolucionarios de izquierdas de formas nada favorecedoras. Algo que se aprecia claramente en Perfidia Beverly Hills, la madre de Willa, cuya acciones muestran que no es una revolucionaria por sus valores, sino que es una loca egoísta adicta a la adrenalina y la violencia, y que si no hubiera sido esta causa hubiera acabando ejerciendo violencia por otro motivo. Su relación con Lockjaw y lo que hace a Bob y Willa hacen de ella una persona despreciable.

Además de Perfidia hay varias personas del grupo revolucionario que no dudarán en vender a sus camaradas en cuanto son detenidas, con tal de librarse ellas. Comentaba que hay aspectos que no me gustaron, pero al mismo tiempo agradezco una película que no es maniquea y no plantea todo en términos de blanco y negro, si sabes buscar esos elementos.

Por cierto, se me olvidó comentarlo antes, pero una cosa que NO me ha gustado nada es la música de la película. Se que es una elección creativa de Anderson, pero no me gusta nada la música asonante y repetitiva que no pega con lo que estamos viendo en imágenes. Intento pensar en el motivo de este elección, pero si es crear tensión, a mi no me ha funcionado.

Comentaba que la película no se me hizo larga, pero un poco si en la última persecución. También diré que hay alguna conveniencia en la historia, o directamente trampa de guion, pero como el conjunto es tan entretenido, fueron momentos que en realidad no me molestaron durante el visionado. Algo que achaco también al buen hacer de Anderson como guionista y director.

Sumando todos estos elementos, Me base mal no haber disfrutado más una película que claramente es notable. Tengo claro que veré seguro la próxima película de Anderson, y espero que no tarde 3 años en hacerla. Dicho esto, Me quedo muy loco pensando que hay mucha gente en redes sociales afirmando que Una batalla tras otra es la mejor película del año. Y está claro que no han habido demasiadas películas notables este año, lo que ayuda a esta apreciación. Pero me parece significativo del nivel que hay en Film-twitter en la actualidad.

Por último, me ha volado la cabeza que Warner haya pagado los 150 millones que ha costado la película. Anderson es un director de película de 30-50 millones que pocas veces ha conseguido que las taquillas las paguen. Y por mucho que ya haya críticos afirmando que una película «de prestigio» no debe verse en términos económicos, debido a los posibles premios que va a ganar y porque a la larga va a tener múltiples ingresos durante años debido a su emisión en televisión y en streaming, eso es algo que puedes decir de una película de 30 millones. Pero hablamos del presupuesto de un blockbuster, 150 millones son una barbaridad. Y por muchos premios que ganen, si es un fracaso en taquilla se tendrá que decir.

Apple hace películas sin importarle la taquilla de cine. Por ejemplo Los asesinos de la luna, Napoleón o incluso F1 The Movie, llegando a vender los derechos de distribución de esta última porque no le interesaban. Y me parece genial que lo hagan. Pero intentar vender una película con presupuesto de blockbuster como si fuera casi de arte y ensayo no me parece correcto. Dicho esto, me alegro que Warner haya invertido esta barbaridad, porque así yo pude verla.

Comparto el trailer de la película:

Una batalla tras otra es una buena película excelentemente realizada, con la que sin embargo no he acabado de conectar como me hubiera gustado.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de Batman 1 de Matt Fraction y Jorge Jiménez (DC Comics)

DC Comics ha relanzado Batman con un nuevo número 1 que ha vendido más de 500.000 ejemplares. El comic de Matt Fraction y Jorge Jiménez, con color de Tomeu Morey da a los lectores una estupenda aventura que te deja con ganas de más.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

¡AQUÍ COMIENZA UNA NUEVA Y AUDAZ ERA DE BATMAN!

¡Comienza una nueva era para el Caballero Oscuro cuando el escritor ganador del premio Eisner Matt Fraction (Hawkeye, Superman’s Pal Jimmy Olsen) une fuerzas con el superestrella artista Jorge Jiménez (Batman, Summer of Superman Special) para crear una nueva e inolvidable era de Batman! ¡El mejor superhéroe de los cómics estrena un nuevo número uno para dar inicio a esta nueva era que pondrá a prueba a Batman y Bruce Wayne como nunca antes!

Matt Fraction es un guionista que asegura una calidad media más que interesante. En mi caso reconozco que con Fraction me pasa que hace comics que no puedo decir que estén mal, pero si que toca temas y cuenta las cosas de una forma que no conecta con mis intereses. Hawkeye, Invincible Iron Man o Sex Criminals sin ir más lejos son ejemplos perfectos de esto. Esto hizo que inicialmente no pidiera en el previews este comic, sumado al hecho que hace muchos años que no compro a Batman en continuidad y me entraba pereza pensar que es inevitable que tarde o temprano sea el protagonista de un mega crossover.

Sin embargo, al final el hype pudo más que otras consideraciones y me animé a comprar este primer número de la nueva etapa. Y tengo que decir que me ha gustado mucho. Comentaba los años que no compraba una grapa de Batman en continuidad, y lo primero que me ha llamado la atención son los cambios, empezando con un Vandal Savage convertido en jefe de policía mientras que Gordon es un policía de calle. No si es un nuevo personaje, pero en esta grapa he conocido a la doctora Zeller, la nueva responsable de Arkham Towers que intenta ayudar a los pacientes desde una mentalidad compasiva. Por ejemplo, con Waylon Jones (Killer Croc) el villano de esta primera grapa. Tras lo visto en este número, creo que Zeller es un personaje que va a dar mucho juego.

Fraction no inventa ninguna rueda y se «conforma» con darnos una historia sólida que tiene el feeling perfecto que se pide a un comic de Batman . Que no es poco. Creo que esta falta de ambición y no buscar ser revolucionario es justo lo que necesita el comic. Además, otro elemento clave de la etapa que ahora comienza es que Fraction afirma que plantea al menos durante el arranque historias autoconclusivas para cada grapa. Habrá una trama de fondo, entiendo que alrededor de Vandal Savage, pero cada grapa contará una historia con principio y final. Y esto me parece un acierto absoluto. Tras 20 años de narrativa descomprimida y de escribir para los tomos, creo que hay una tendencia clara para intentar que la lectura de la grapa, que es lo que sostiene a la industria, resulte satisfactoria al lector. Y esto me parece una idea super acertada y necesaria. Porque si una grapa no me cuenta casi nada, no compraré la siguiente.

El dibujo de Jorge Jiménez con color de Tomeu Morey es perfecto para Batman. PERFECTO. Jiménez lleva varios años dibujando al Hombre Murciélago, y para este reinicio DC le ha permitido rediseñar el uniforme de Batman, y creo que le ha quedado un back-to-basics super chulo. El toque de ir a una gama cromática de azules y grises me gusta mucho, y con Fraction ha preparado un aumento significativo en la potencia de fuego de los gadgets que lleva.

Aparte del dibujo espectacular de Jímenez, perfectamente acompañado por el color de Tomeu Morei, si algo destaca del dibujo es su narrativa. Este Batman me ha parecido un comics que se leer fácil y que cumple con todos los hitos visuales y emocionales que debe transmitir un comic del Caballero Oscuro.

La presentación de Fraction está bien, pero es Jiménez el que provoca el salto de calidad de este comic. De hecho, estamos ante un ejemplo perfecto de comic que sólo por el dibujo ya merece la compra. Si a esto le sumamos la premisa de grapas con aventuras más o menos autoconclusivas, tenemos una combinación ganadora.

Comparto las primeras páginas del comic:

El relanzamiento de Batman funciona completamente. Fraction y Jiménez nos dan un comic perfecto que transmite que entienden el feeling que debe tener una aventura de Batman, y nos la dan de forma notable. Ganas de leer el siguiente.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

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Crítica de Absolute Flash 1 de Jeff Lemire, Nick Robles y Giuseppe Camuncoli (DC Comics – Panini)

Buen arranque para la nueva colección Absolute Flash de Jeff Lemire y Nick Robles, con color de Adriano Lucas. Un comic que te deja con ganas de más y que hace una modélica presentación de su protagonista, el adolescente Wally West.

PUNTUACIÓN: 8/10

Jeff Lemire y Nick Robles arrollan a su llegada al Universo Absolute, con la reinvención de uno de los grandes iconos de DC Comics: Sin su mentor, sin la familia, sin la Fuerza de la Velocidad… ¡lo que queda es Absolute Flash!

Este comic de Panini incluye Absolute Flash 1 y Free Comic-Book Day: Dc All In Special Edition 1 USA.

Con Jeff Lemire tengo una relación de amor odio. Tiene comics que me gustan mucho, sobre todo en su lado más indy, pero en el mundo mainstream superheroico ha creado mucha morralla. Hay autores que compro todo lo que publican. Lemire NO es uno de esos autores, teniendo que analizar muy mucho qué comics suyo comprar. Por ejemplo, su universo de terror creado junto a Andrea Sorrentino.

El concepto básico del universo Absolute es crear nuevas versiones de los héroes clásicos de DC a los que se les quitaban todas las cosas buenas que tenían en su vida. Por ejemplo, Bruce Wayne no es rico y Superman no fue criado por los Kent. En el caso de Flash, me gusta mucho que Lemire acierte en quitarle una de las cosas más básicas cuando pensamos en Flash. La idea de legado y de familia de corredores.

Wally West es un adolescente sin amigos porque su padre militar es trasladado muy a menudo de base, lo que provoca la sensación en Wally de no pertenecer a ningún sitio. Para hacer las cosas peores, su madre falleció, lo que acrecienta la sensación de soledad extrema que siente. Wally conoce al doctor Barry Allen, que trabaja con el padre de Wally en un proyecto científico que acabará en tragedia.

La narrativa de Lemire con múltiples saltos temporales y una narrativa fragmentada creo que funciona de maravilla en este comic, conectando con una idea muy asociada a Flash, que es su capacidad de saltar en el tiempo. Cosa que diría que no es lo que está pasando en el comic. Además, dentro que casi no hemos visto nada y queda muchísimo por conocer, en este primer número hemos conocido una estupenda actualización de algunos de los villanos clásicos de Flash para este universo Absolute. Y hemos conocido el gran giro que separa para siempre a esta versión de Flash de la tradicional de DC. Por la parte de la historia, muy bien todo.

La otra sorpresa positiva de Absolute Flash es el dibujo de Nick Robles con color de Adriano Lucas. No conocía a Robles antes de este comic, pero su estilo me gusta mucho, empezando por el diseño del personaje de Wally. Robles consigue que Wally parezca un adolescente no sólo por su caracterización sino con la forma en que se mueve y se expresa en la página. El drama de un adolescente que se siente solo y cree que no le importa a nadie creo que está muy bien transmitido en las imágenes de Robles. Junto a él, el color de Adriano Lucas creo que ofrece el complemento perfecto, ofreciendo unos estallidos de color super espectaculares cuando Wally experimenta unos poderes que ahora mismo no sabe controlar. Si el comic es una combinación de historia en imágenes, creo que el trabajo de todo el equipo creativo está super bien.

Panini incluye en esta grapa el Free Comic-Book Day: Dc All In Special Edition 1 USA, un comic gratuito especial realizado por Lemire, Giuseppe Camuncoli en los bocetos, Stefano Nesi en los acabados y Romulo Fajardo Jr. En este comic asistimos a una historia del Mirror Master de este universo Absolute, un personaje que también aparecía de forma sorpresiva en el primer número de la serie. Este especial es un teaser en el que se anticipa algunas cuestiones que están por venir, y nos deja con una sorpresa monumental que anticipa la posibilidad que el universo Absolute y el tradicional se encuentren más pronto de lo que me imaginaba.

En resumen, el arranque de este nuevo Absolute Flash me parece un comic super potente que lo hace todo bien y que me ha dejado con ganas de más. Seguiré leyendo este comic.

Comparto las primeras páginas del comic:

Me ha gustado el arranque de esta nueva colección Absolute Flash. Me interesa y lo seguiré comprando. Qué guay.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Absolute Martian Manhunter 1 de Deniz Camp y Javier Rodríguez (DC Comics – Panini)

Panini ha publicado el primer número de la nueva colección Absolute Martian Manhunter. El comic creado por Deniz Camp y Javier Rodríguez me ha volado la cabeza.

PUNTUACIÓN: 9/10

Llega la nueva serie que reinventa a uno de los iconos clásicos de DC. Deniz Camp y Javier Rodríguez te arrastran a una locura como nunca has visto en el Universo Absolute… o en cualquier otro: Más allá de Marte, más allá de la forma física, más allá de la comprensión humana… todo lo que queda es el alien definitivo, ¡Absolute Martian Manhunter!

El presupuesto que mi hermano Fernando y yo tenemos para comprar comics es limitado. NO podemos comprarlo todo, ni siquiera todo lo que nos apetece. Es por esto que no compré en grapa USA este comic de Absolute Martian Manhunter. Sin embargo, tras las críticas super elogiosas de TODO el mundo y mi propia curiosidad, asentada en que tengo claro que Javier Rodríguez es un artista sobresaliente, no pude evitar comprarlo cuando Panini lo ha publicado en España. Y me alegra haberlo hecho, porque este me ha volado la cabeza. Me gustó tanto que ya comenté lo mucho que lo había disfrutado en mi artículo de celebración por los 2000 días publicando artículos sin interrupción. Pero creo que este comic se merece una entrada propia.

Deniz Camp plantea una historia que no difiere demasiado del origen clásico del personaje en el universo DC tradicional. El detective del FBI John Jones es herido en una explosión y está a punto de morir, pero una presencia que Jones no acaba de entender le salvó la vida y ahora comparte con él su cuerpo, abriéndole a una nueva forma de ver la realidad. La primera duda que se plantea es si Jones realmente está vivo o si murió en la explosión. En el universo DC tradicional Jones muere y J’onn J’onzz asume su identidad. En el universo Absolute parece que está vivo, siendo el ser marciano en realidad es una entidad telepática, no física.

La historia de Camp creo que está bien, pero sobre todo tiene la virtud de saber echarse al lado para que Javier Rodríguez se luzca con una narrativa antológica que está llamada a marcar un antes y un después en DC Comics. La forma en que Rodríguez plantea la telepatía en imágenes como colores que saturan la mente de John Johns, me parece una barbaridad. En el comic se incluye una entrevista de Lidia Castillo a Javier Rodríguez que me ha parecido una maravilla, al explicar la forma en que planteó la serie y la narrativa de la serie. Y que confirma lo difícil que es dibujar de la forma teóricamente minimalista como lo hace Rodríguez, al dibujar sólo lo esencial para contar la historia de la mejor manera posible transmitiendo los sentimientos y sensaciones justos al lector para que podamos interpretar la escena de la forma correcta.

Otra de las cosas que más me han gustado de este comic es la forma en que Rodríguez plantea su narrativa. Absolute Martian Manhunter ofrece al lector una historia que sólo puede ser contada en los comics. En esto, Rodríguez es un maestro. Ya sea con el uso de los colores primarios cuando la mente marciana está despierta en la mente de John Jones. O las dos páginas finales que ofrecen un efecto antológico que me ha volado la cabeza. Y que, de nuevo, sólo se puede disfrutar en los comics.

Estoy cansado de ver a gente minusvalorar los comics, cuando es un medio narrativo, expresivo y artístico diferente a la literatura o el cine / series TV. Leo a veces comics que parecen planteados para vender el concepto a Hollywood, como un medio para conseguir otra cosa que interesa más al editor o a los creadores. También me pasa, en Marvel y en otras editoriales, que leo un comic y lo veo mediocre y sin personalidad. De hecho, parece que los editores son los primeros que demandan esa uniformidad, perdiendo en el camino la capacidad de sorpresa y maravilla que los comics siempre deberían tener. Absolute Martian Manhunter es todo lo contrario. Y por eso es un triunfo absoluto. 

El trabajo de Rodríguez es una maravilla. Hay tantos detalles sobresalientes que no me caben en este articulo. Como el uso de una gama cromática de grises en el mundo «normal» que contrasta con la explosión de color del mundo telepático. También la distribución de viñetas, provocando que en casi todas las páginas descubra en una segunda o una tercera lectura una solución narrativa sorprendente, sencilla y compleja a la vez, que no había visto aplicado en un comic mainstream de esta manera ¿nunca?

Otra de las cosas que me han flipado de la entrevista de Rodríguez es que trabaja a mano de memoria, sin usar referencias visuales ni desde luego, programas de dibujo con biblioteca de imágenes pregrabadas. Programas que permiten dibujar vehículos o personas anatómicamente perfectos, pero sin el plus de la personalidad. Algo que es una de las grandes lacras de la industria mainstream americana actual. Este Absolute Martian Manhunter se siente fresco, moderno y atemporal al mismo tiempo.

No puedo más que recomendar a todo el mundo que compre este comic en físico. En digital no es lo mismo. Hacerme caso con esto. Tras un primer número antológico, nos esperan unas grapas alucinantes, esto es mandanga de la buena.

Comparto las primeras páginas del comic:

El arranque de Absolute Martian Manhunter me ha parecido fantástico. Ojalá todos los comics fueran así.

PUNTUACIÓN: 9/10

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Crítica de Alien: Planeta Tierra 1×08 (Disney+)

Termina la primea temporada de Alien: Planeta Tierra en Disney+ con un no-final que me ha arruinado el visionado. No esperaba que una serie creada por Noah Hawley me decepcionara tanto.

PUNTUACIÓN: 4/10

Episodio 8. Los verdaderos monstruos

Surge una nueva dinámica de poder.

Dana Gonzales dirige el último episodio de esta primera temporada de Alien: Planeta Tierra. El showrunner Noah Hawley (Fargo, Legion) escribe junto a Migizi Pensoneau el guion de este episodio de 49 minutos de duración que cierra esta temporada. Aunque Hawley ha afirmado que tiene ideas para múltiples temporadas, incluso un total de cinco.

En el reparto tenemos a Sydney Chandler como Wendy, la primera híbrida (una persona cuya conciencia humana ha sido transferida a un cuerpo sintético). Alex Lawther es Joe Hermit, médico de la Fuerza de Seguridad de Prodigy Corporation y hermano de Wendy. Essie Davis hace de Dame Sylvia, empleada de Prodigy Corporation, David Rysdahl como Arthur Sylvia, científico y esposo de Dame Sylvia, Samuel Blenkin es Boy Kavalier, director ejecutivo de Prodigy Corporation y el billonario más joven del mundo, Babou Ceesay interpreta a Morrow, el oficial de seguridad cyborg (humano con algunas partes sintéticas) del USCSS Maginot, y Timothy Olyphant es Kirsh, el científico jefe sintético de Prodigy Corporation, que ejerce de mentor y entrenador de Wendy. Además, el grupo de 5 híbridos creados a continuación de Wendy son Adarsh Gourav como Slightly, Erana James como Curly, Lily Newmark como Nibs y Jonathan Ajayi como Smee y Kit Young como Tootles.

Lo más positivo que se me ocurre de este último episodio de Alien: Planeta Tierra es que al menos no nos ha dado momentos de comedia involuntaria como el de la semana pasada. Algo es algo. Me he llevado un chasco muy importante con esta serie creada por Noah Hawley. En realidad, el chasco es con la historia de Hawley, porque si algo bueno ha tenido son los valores de producción, que en muchos casos casi alcanzan calidad cinematográfica.

Empezando con el elefante en la cacharrería, convertir al xenomorfo en una mascota amaestrada por la todopoderosa Wendy me parece que va a entrar en el TOP-3 de peores ideas en la historia de la ciencia ficción. De hecho, no hay que pensar mucho para darse cuenta que una gran parte de la saga, no solo en películas sino también en comics, etc…, se ha construido bajo la idea que las empresas malas buscan controlar al xenomorfo para sus planes, siendo el xenomorfo un ser «neutral» que actúa según su naturaleza como el depredador que es. En el momento en que el xenomorfo SI puede ser controlado como acaba de hacer Wendy, da sentido a todo lo que hasta ahora todos los espectadores y lectores teniamos claro que es una mala idea realizada por los «malos» de la historia. No se cómo alguien como Hawley o alguien de su equipo no se ha dado cuenta que es una idea malísima.

Algo que si me ha gustado de Alien: Planeta Tierra ha sido la presentación de las diferentes razas alienígenas apresadas en el espacio por la USSC Maginot de la Weyland-Yutani. Estos seres han planteado un elemento de incertidumbre, dentro que al final todos tienen el mismo propósito: alimentarse, sobrevivir y procrear. En este sentido, el alien pulpo multi-ojos es para mi lo mejor de la serie. En negativo, me vuela la cabeza lo mal utilizados que han estados estos seres, apareciendo primero la lombriz come-sangre para desaparecer completamente, incluso tras haberse reproducido y posiblemente alguno de ellos escapara a la cuarentena de la Maginot. Además del xenomorfo, el pulpo multi-ojos, la lombriz come-sangre, en el sexto episodio conocimos a la mosca come-metal, y en este episodio vimos por fin en acción a la planta carnívora. ¿Queda algún alien por conocer? Al final he perdido el hilo de los aliens porque la serie los ha utilizado tremendamente mal, haciéndoles aparecer y desaparecer a conveniencia. Y eso es también demérito de la historia de Hawley.

Los personajes se han caracterizado en todo momento por el tropo de «gente tonta haciendo tonterías». Incluso los que supuestamente son genios, como Boy Kavalier o Dame Sylvia. En este último tercio de la serie no han dejado de tomar las peores elecciones posibles en todo momento, lo que hace que la serie sea lamentable de ver. La idea que Dame Sylvia se vaya sola a poner flores en una tumba cuando SABE que ha habido una fuga de los aliens del laboratorio y hay al menos un xenoformo libre sin control es lamentable. O que los soldados amigos de Joe se pongan a abrir celdas de contención del laboratorio buscando al xenomorfo. Y hay varias como esa en este capítulo. De igual forma, el papel lamentable que el guion ha dejado para Boy Kavalier en los dos últimos episodios me parece un horror. Sobre todo tras conocer su lado maquiávelico y malvado al ser el causante que la Maginot se estrellara. Que ahora le conviertan en un patán me parece un cambio de rumbo lamentable que desmerece a un villano que apuntaba maneras.

La otra gran decepción de la serie han sido los híbridos con Wendy a la cabeza. En el papel resulta interesante que al ser niños cuya consciencia era insertada en cuerpos artificiales, se generara un gran problema existencial al tener que enfrentarse a problemas y situaciones sin tener la experiencia, los conocimientos o incluso los valores morales adecuados. Si no tienes valores morales básicos y no sabes lo que está bien y lo que está mal más allá de conceptos básicos como familia o amigos, al final lo que queda son niños egoístas y caprichosos que cogen algo porque les apetece, sin importarle quien está delante o los problemas que va a provocar. Y que se enfadan si las cosas no son como ellos querrían. Resulta lamentable que Wendy eche en cara a su hermano Joe que disparara a Nibs, deteniéndola, no matándola, cuando ella asesinó a un soldado desarmado que no suponía una amenaza para los super poderosos híbridos. Ese es el nivel.

Cuando en el episodio anterior Wendy abrió la jaula del xenomorfo provocando una masacre simplemente para crear una diversión que la permitiera escapar demostró que en realidad ella es un ser malvado igual que Kavalier. En este episodio hemos visto confirmada esa apreciación al ver que con sus poderes sobre la tecnología podría haber desconectado las comunicaciones de la base para conseguir la misma diversión que la permitiera escapar sin matar a nadie. Pero prefirió la masacre. Wendy es una psicópata absoluta sin ningún respeto por la vida humana.

La idea de que Wendy no quiere ser humana, y desde luego no se considera humana, porque ha conocido la maldad de Boy Kavalier o la crueldad científica de Dame Sylvia, hubiera resultado interesante si la serie hubiera llevado al personaje al camino moral de intentar SER MEJOR QUE LOS HUMANOS. Abrir la jaula del xenomorfo o permitir los asesinatos por diversión de Nibs muestra que en realidad es un ser igual de egoísta y poco empática con personas inocentes que los adultos que desprecia. Posiblemente peor.

Aparte de estas consideraciones está el problema añadido de haber hecho a una protagonista malvada (o al menos igual de malvada y egoísta que todos los demás) increíblemente poderosa hasta tener casi los niveles de un DIOS. Este es el mismo problema que sufro por ejemplo en los comics de superhéroes cuando leo un comic de Fénix, que es tan poderosa que en realidad nada supone una amenaza real contra ella. Wendy es super fuerte con su cuerpo artificial, controla la tecnología de Kavalier y manda a los xenomorfos. Esto último es otra ridiculez, porque que puedas comunicarte con un xenomorfo no significa que puedas mandarle hasta el punto de hacer que actúe contra su instinto natural.

Dentro de estos problemas centrales de la serie, otras situaciones «menores» igual han pasado más desapercibidas. Como que la temporada termine sin saber los motivos que provocaron que Kirsh, el científico jefe sintético de Prodigy Corporation, actuara de forma extraña casi contrario de lo que su jefe/dueño Kavalier le pedía. Por ejemplo, consintiendo que Slightly convierta a Arthur en una víctima de un facehugger, ayudando luego a que escapen. El papel de Morrow también ha quedado casi en nada en el final de temporada, algo que me parece una pena. Dicho esto, la pelea de Morrow contra Kirsh es junto al alien pulpo cabeza-ojos, lo mejor del episodio. Una pelea que ha quedado inconclusa, quedando pendiente de un segundo asalto.

Y hablando de Morrow, ¿Qué pasó con los dos soldados que estaban con él cuando fueron hechos prisioneros por las fuerzas de Prodigy? Ya se que son carne de cañón, pero ¿Cómo puede la serie olvidarse de ellos sin hacer ninguna mención? Durante el episodio se comenta que todo el personal no esencial ha abandonado la isla, pero ¿eso incluye soldados enemigos cuando su jefe si está detenido? No tiene sentido. Como tampoco lo tiene, hablando de gente tonta haciendo tonterías, es que Wendy desactive la puerta y el guardia no vea que está en rojo, permitiendo que Morrow escape.

Como digo, hay tantas chorradas, conveniencias y, por qué no decirlo, tonterías en este final de Alien: Planeta Tierra, que me han arruinado completamente el visionado.

El otro aspecto horroroso de Alien: Planeta Tierra es la decisión de Hawley de hacer una temporada que dejara colgados todos las tramas. Había leído que Hawley tenía ideas para múltiples temporadas, pero no pensaba que eso significaba estrenar una serie abierta sin final. Me parece penoso. Recordando Westworld, la segunda temporada terminó con los robots escapando del parque, lo que abría la posibilidad de todo tipo de nuevas historias. Si esto mismo hubiera pasado con los híbridos, al menos la serie hubiera dejado la sensación de cerrar un capítulo, aunque otros seguían abiertos. No es el caso en absoluto de esta serie.

La creación y la explotación salvaje de las propiedades intelectuales (las ahora tan conocidas IPs) está provocando una situación lamentable para el espectador en el entretenimiento mainstream, al crearse películas y series sin final que dejan una historia a mitad. Para qué intentar ganar dinero con una película si puedo ganar el doble o el triple si eso lo convierto en una serie de películas. Fast X o 28 años después son ejemplos de estas malas prácticas en el cine. Y cada vez veo esto en series, por ejemplo la segunda temporada de The last of us también nos dejó totalmente colgados. Y en los comics voy a leer la solución del cliffhanger el mes que viene. Pero en series de esta envergadura hablamos de tener que esperar dos o tres AÑOS, y eso en caso que se hagan. Porque de momento no hay confirmación oficial que FX / Disney haya aprobado una segunda temporada.

Más allá de no conectar con la mayoría de cosas que he visto en el final de Alien: Planeta Tierra, lo que realmente me ha molestado es el final abierto dejando todo, TODO, colgado. Me parece lamentable. Aparte que ya veremos si se produce la segunda temporada, lo que me pide el cuerpo aparte de NO verla es verla cuando la temporada estuviera completa y se sepa si hay un final cerrado a la historia. Porque para ver estas chorradas y que encima lo dejen inconcluso, mejor no empezarla.

Por cierto, me encanta Pearl Jam, por lo que la serie terminara con su Animal de parece una pasada. Dentro de eso, una vez terminó el episodio no dejaba de darle vueltas al final, y la frase de Wendy «Now, we rule» con el que se cierra la temporada.

Y vaya por delante que esto es de las cosas menos importantes de entre todos los problemas que tiene la serie. Pero cuando estaba reposando lo que acababa de ver empecé a darme cuenta que este final y en general las decisiones que toma Wendy conectan con todas las doctrinas woke que han inundado el entretenimiento mainstream americano. Unas doctrinas que por ejemplo quieren convencernos que como la humanidad es mala y contaminamos mucho, en realidad merecemos desaparecer. La idea de una protagonista que no quiere ser humana ni pertenecer a la sociedad occidental capitalista me recuerda a muchos radicales universitarios americanos que afirman ser no-binarios o cualquiera de las chorradas identitarias que ignoran la realidad física de las cosas. Unos alucinados que sin embargo se han convertido en mainstream en los últimos años.

Este final en el que unos niños (en cuerpos super poderosos) que no conocen nada del complejo mundo «civilizado» y carecen de valores morales y la noción del bien y el mal van a crear una sociedad mejor que la actual me parece una metáfora bastante divertida sobre todo lo woke que invade sobre todo el mundo cultural americano. Unas ideologías que sólo desean ver arder el mundo de los adultos, pero que en el momento que tienen que construir algo se derrumban como un castillo de naipes. Me acuerdo de zonas de San Francisco que llevaron a cabo el «Defund the police» durante el BLM, que en menos de quince días se horrorizaran porque los crímenes habían aumentado exponencialmente porque no había nadie que controlara la turba. O que sufrían desabastecimiento de alimentos porque habían prohibido la entrada a las grandes cadenas de alimentación. Y como eso, todo.

Este «Now we rule» me genera cierta curiosidad pensando en el golpe de realidad que se va a pegar Wendy cuando el ejército de Wayland-Yutani entre al laboratorio y les haga a todos prisioneros. Aunque también entraría dentro de lo posible que Wendy les derrotara a todos, dado que desde un punto de vista woke, Wendy es la heroína de la historia y no una peligrosa psicópata con cero empatía hacia los humanos.

Si esto llegara a pasar, cosa que en realidad no descarto, resultaría muy ridículo. Sobre todo si pensamos que Alien: Planeta Tierra tiene lugar en el año 2120 y la primera película de Alien estaba situada en 2122 sin que hubiera ninguna mención a la existencia de xenomorfos o híbridos. Y ojo que la continuidad es también el menor de los problemas de esta serie, pero no quería terminar este artículo sin mencionar estos elementos que para mi también resultan problemáticos.

Comparto el trailer de esta serie:

Alien: Planeta Tierra ha sido una decepción total. Para esto que no me busquen en la segunda temporada.

PUNTUACIÓN: 4/10

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