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Crítica de Get Fury 1-6 de Garth Ennis y Jacen Burrows (Marvel Comics)

Hoy quiero recomendar Get Fury, la miniserie de Garth Ennis dentro del sello Max para adultos de Marvel Comics dibujada por Jacen Burrows, entintado de Guillermo Ortego y color de Nolan Woodard. Una miniserie que reúne al Nick Fury en su versión Max con Frank Castle.

PUNTUACIÓN: 8/10

GARTH ENNIS VUELVE A MARVEL – ¡CON NICK FURY Y FRANK CASTLE COMO NUNCA LOS HAS VISTO!

Es 1971, hay una guerra en Vietnam y Nick Fury ha sido capturado por el Viet Cong. En ese momento, no acaban de comprender que tienen en su poder a un hombre que conoce suficientes secretos como para dañar a los Estados Unidos más allá de lo comprensible. La C.I.A., sin embargo, SÍ se da cuenta de ello y no pueden arriesgarse a que su enemigo consiga esos secretos, así que envían al hombre más letal del ejército de los Estados Unidos: el Capitán FRANK CASTLE.

Garth Ennis es único en su género y en sus últimos años en Marvel parece centrado en ofrecer una visión nada favorecedora de la política exterior de los Estados Unidos. Lo vimos en la serie Fury Max publicada hace unos años, de la que esta miniserie es continuación directa.

Garth Ennis (Irlanda del Norte, 1970) comenzó su carrera en la industria británica, trabajando en Crisis, 2000AD y Judge Dredd Megazine, para la que escribió Judge Dredd, Strontium Dogs, y True Faith entre otros.

En 1991, Ennis se hizo cargo de la serie de terror Hellblazer, del sello Vertigo de DC Comics, junto a Steve Dillon. Escribieron la serie hasta 1994, cuando la abandonaron para crear Predicador, que duró de 1995 a 2000 y es considerada la obra cumbre de Ennis junto a su Punisher Max. De 1993 a 1995, Ennis trabajó con el dibujante John McCrea en otro título de DC, The Demon, durante el cual el dúo introdujo al asesino a sueldo superpoderoso Tommy Monaghan, un personaje que Ennis y McCrea utilizarían en el propio título del personaje, Hitman. Hitman contó con 60 números, publicados entre 1996 y 2001. Otros proyectos de DC Comics escritos por Ennis incluyen Bloody Mary para el sello Helix con Carlos Ezquerra; un arco en The Authority y Midnighter para el sello Wildstorm; Unknown Soldier, con la que este Furia Max comparte numerosos elementos, Goddess y Pride & Joy se publicaron todas en el sello Vertigo.

El primer trabajo de Ennis para Marvel fue Punisher Kills the Marvel Universe, en 1995. Tras el final de Hitman, Ennis recibió una nueva oferta para escribir Punisher en Marvel, comic en el que volvió a colaborar con Stev Dillon. Ennis relanzó The Punisher bajo el sello MAX de Marvel, lo que permitió historias más oscuras y violentas. Su serie de 60 números a la que hay que añadir varias miniseries y especiales se considera la obra cumbre del personaje.

Dentro de los comics de creación propia es conocido sobre todo por The Boys junto a Darrick Robertson, además de por sus numerosos cómics bélicos, como War Stories, Battlefields, Out Of The Blue, The Stringbags y Sara.

Jacen Burrows (San Diego, 1972) es un historietista estadounidense conocido por ilustrar varios cómics para Avatar Press y Marvel Comics. En 2000 comenzó a colaborar con el afamado escritor de cómics Warren Ellis en varios títulos de Avatar Pres como From the Desk of Warren Ellis, Dark Blue, Scars, Bad World y Bad Signal. Asimismo, también ha ilustrado para Avatar Press varias adaptaciones en prosa del autor Alan Moore, así como varios cómics homenajeando la figura del escritor de horror cósmico, H. P. Lovecraft como Neonomicon o Providence. Ha colaborado también con el escritor Garth Ennis ilustrando el cómic bélico 303 y el cómic de culto Crossed. En 2017 entró a formar parte de los autores regulares de Marvel Comics, ilustrando las nuevas historias del Caballero Luna y nuevas historias de Punisher, de nuevo con Garth Ennis.

Esta miniserie Get Fury de seis números vuelve a reunir a Garth Ennis con el dibujante Jacen Burrows, con entintado de Guillermo Ortego y color de Nolan Woodard, además de contar con unas excelentes portadas de Dave Johnson, que acompañan esta entrada.

Para alguien que lea este comic sin saber nada de los comics previos de Garth Ennis en el sello Max para adultos de Marvel Comics (algo que en realidad es poco probable), lo más llamativo seguro es la representación que hace Ennis de este Nick Fury y de Frank Castle. Frente a la versión heroica de Furia en los comics para todos los públicos de Marvel, nacido como soldado que luchó en la Segunda Guerra Mundial liderando los Comandos Aulladores, para luego convertirse en el director de S.H.I.E.L.D. en los años 60, esta versión adulta en el sello MAX nos presenta a un yonki de la guerra que es el único sitio donde está a gusto y que hará lo que sea para ser destinado a otro conflicto armado, sea el que sea. Y por supuesto sin importarle si los motivos por los que Estados Unidos realizan esa misión son honorables o sólo buscan explotar económicamente a un país más débil que ellos.

Por su parte, Castle es una versión acorde a la de la etapa de Ennis en su Punisher Max, y en miniseries posteriores como Punisher: Soviet. Una miniserie que ya estuvo dibujada por Jacen Burrows. Durante sus 3 tours en Vietnam Castle buscaba sobrevivir y que sus hombres también lo haga. Pero en realidad sólo se siente satisfecho cuando está en combate, por lo que tampoco es que tenga un interés especial en que la guerra de Vietnam termine y sea enviado de vuelta a su aburrida vida. Más que «yonki de adrenalina», el concepto que mejor les representa a ambos sería «yonkis de la guerra».

Aunque el comic se titula Get Fury, en realidad estamos ante una historia protagonizada en un 80% por Frank Castle. Hace unos meses publiqué un artículo sobre la vergüenza que me producía ver que Marvel boicoteaba este comic robando el título Punisher de la portada, un título «Punisher: Get Fury» que creo que hubiera sido más representativo y correcto con el interior del comic, y que seguro hubiera ayudado a que se vendiera más.

La historia de Punisher: Get Fury tiene dos derivadas. Fury es hecho prisionero por el Vietcong tras ser derribado su helicóptero en un misión encubierta, y trasladado a Hanoi para su interrogatorio. Debido al amplio conocimiento de todas las misiones ilegales que los Estados Unidos ha realizado durante la guerra en Vietnam y en países cercanos como Laos, el superior de Fury y sobre todo los jefes de la CIA en la zona deciden que Fury debe ser asesinado antes que cuente lo que sabe. Para ese trabajo que implica infiltrarse en territorio enemigo, los militares tienen claro que solo el Capitán Frank Castle puede llevarlo a cabo.

El comic alterna dos líneas argumentales. Una es evidente, la misión de Castle. A pesar de sus órdenes, Castle intenta rescatar a Fury con vida, al que ya conocía del comic Fury Max , y encontrará en Hanoi una ayuda inesperada que aumenta sus posibilidades de éxito. Esta ayuda resalta el trozo de mierda que es este Fury Max y como muchísimas mujeres fueron utilizadas y abandonadas a su suerte por los soldados americanos que fueron a Vietnam. O a cualquier otra guerra del siglo XX. El final del comic resulta desolador por muchos motivos, pero sin una uno de los principales es ver cómo los civiles son los que pagan el precio de la guerra y acaban siendo olvidados como si no fueran nada.

La parte inesperada del como los agentes de la CIA empiezan a especular sobre si Fury y Castle no estarían trabajando junto para tirar de la manta de sus operaciones. Más que especular, en realidad se les va la pinza con todo tipo de posibilidades a cual más loca. Lo fundamental es que harán lo que sea necesario, sin importar cuantas muertes provoquen o que vayan a sacrificar a dos de sus mejores activos para la guerra, con tal de conseguir no verse comprometidos. Esta parte es quizá la más cínica y desoladora del comic, porque vemos como inicialmente creen que Castle y Fury son los héroes de los comics Marvel, para ir bajando sus expectativas a medida que se dan cuenta que ambos se han movido siempre por alargar la guerra, nunca por que acabe cuanto antes. La inmoralidad de estos agentes de la CIA representa a la perfección media siglo de operaciones especiales por todo el mundo. Y cómo en las guerras los héroes no existen cuando es mejor buscar tu propio interés.

En el apartado gráfico, Jacen Burrows dibuja este comic con entintado de Guillermo Ortego y color de Nolan Woodard. Burrows tiene un estilo realista en el que destaca su perfecta representación histórica, clavando la ropa, las armas o la vida en el Vietnam de 1971. Además, acierta con los momentos gores del comic, que son pocos pero impactantes, lo que de alguna manera me recuerda la experiencia que Burrows tuvo durante años con comics de la editorial Avatar con Crossed, que eran realmente salvajes y over-the-top.

Además, hay que quitarse el sombrero ante las espectaculares portadas de Dave Johnson, que ya es un clásico en los comics de Punisher y dan el toque de personalidad que necesita este comic. Aparte de una buena historia de Ennis, este Get Fury disfruta de un dibujo extraordinario de Burrows que transmite perfectamente la acción, pero también el tono cínico y desolador que necesita este comic.

La portada del último número que tenéis arriba resalta el elemento cínico que Ennis plantea para esta historia. Porque sugiere que estamos ante un «Butch Cassidy and Sundance Kid», un climax impactante y super comiquero. Cuando en realidad la situación anticlimática que se plantea representa mucho mejor el elemento desolador de la historia de Ennis, en el que no siempre las buenas personas sobreviven y los malos pagan por sus pecados.

Garth Ennis es famoso por su amor por las historias bélicas, pero en este Punisher: Get Fury, al igual que en la primera miniserie de Fury Max, está planteando una comic con lo peor de la historia de los Estados Unidos en la segunda mitad del siglo XX, en la que los que deberían ser los héroes son seres despreciables que merecerían morir. Sin duda el mundo estaría mucho mejor sin ellos, lo cual es una de las cosas más interesantes y distintivas de este comic. Y en general, de la obra reciente de Ennis. Y que convierten la obra del escritor irlandés en una rara avis dentro del mainstream americano. Lo que es otro motivo más para que la compra sea obligada y el disfrute máximo.

A pesar de la nula promoción de Marvel, me gustaría pensar que este Get Fury se va a vender lo suficientemente bien como para que Marvel se anime a contratar de nuevo a Ennis para nuevas historias, ya sea de Punisher o de este nihilista Nick Fury.

Comparto las primeras páginas del comic:

Get Fury es un comic estupendo con un final desolador que nos muestra la peor cara del militarismo salvaje de los Estados Unidos en la segunda mitad del siglo XX. Ojalá Marvel se atreva a dejar que Garth Ennis siga haciendo todas las series que quiera con estos personajes.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Nightwing 114-118 de Tom Taylor y Bruno Redondo (DC Comics)

Termina la histórica etapa de Tom Taylor y Bruno Redondo en Nightwing con el arco Fallen Grayson que se ha publicado en los números 114 a 118 de su serie regular. Ahora que por fin me llegó el último número analizo este último arco, y en general toda la etapa que ahora termina.

PUNTUACIÓN: 7/10

¡ÚLTIMO ARCO DE LA PREMIADA SERIE DE TOM TAYLOR Y BRUNO REDONDO!

Embárcate en un emocionante viaje por las calles de Blüdhaven y despídete del dúo dinámico formado por Tom Taylor y Bruno Redondo en la épica conclusión de su galardonada serie. Una vez superado el miedo de Nightwing a las alturas, regresa a Blüdhaven para enfrentarse por última vez a Heartless y Tony Zucco. Es la batalla que todos estabais esperando. Y si algo hemos aprendido de Nightwing estos dos últimos años, es que nunca tiene que hacerlo solo. Una cosa es segura, Blüdhaven nunca será lo mismo después de esto.

A partir de ahora, cuando hablemos de Nightwing uno de los nombres que asociaremos automáticamente al personaje va a ser el de Bruno Redondo. El artista español se une al panteón de artistas ilustres de Nightwing junto a George Pérez o Scott McDaniel, entre otros, con un estilo que combina la personalidad, la humanidad y la fluidez en la página. Dick Grayson nunca ha lucido más espectacular como lo ha hecho Redondo, y Redondo ha conseguido además que volviera a enamorarme de Barbara Gordon. Hablaba de la humanidad que transmiten los personajes de Redondo, y para mi esta es su principal virtud, porque cuando lees sus comics sientes que Dick y Barbara (o los demás) son personas reales que te podrías cruzar por la calle. Hay por supuesto una parte de aventura superheroica, pero la parte en que más han acertado con Nightwing es la caracterización de los protagonista.

El trazo claro de Redondo siempre ha ayudado a contar la historia de la forma más clara y dinámica posible, hasta el punto que en muchas ocasiones los textos de Taylor no eran necesarios para entender y disfrutar la historia. Y sobre todo, Redondo se ha convertido en una super estrella del mainstream gracias a su espectacular estructura de la página y sus atractivas composiciones, que resaltaban el aspecto atlético y gimnástico de Nightwing.

Y no me quiero olvidar del color de Adriano Lucas, que con su paleta de color luminosa ha transmitido de forma increíble el feel-good que el comic necesitaba para ayudar a que conectáramos con Dick y los demás. Además, cuando la cosa se ponía chunga Lucas también ayudaba a generar la tensión que la acción necesitaba.

El dibujo de Nightwing cuando lo ha dibujado Bruno Redondo es de 10. De 11 incluso.

Que lo mejor de Nightwing ha sido el dibujo de Bruno Rendondo es una obviedad. Y esto es lo mejor de la colección, pero también resalta el problema que en realidad ha tenido el comic. Porque cuando Redondo la dibujaba, el comic es un espectáculo, pero los numerosos artistas fill-ineros de la colección convirtieron a Nightwing en un comic montonero. Artistas como Travis Moore o Steven Byrne no pudieron estar a la altura y convirtieron un comic con una narrativa brillante en algo aburrido y sin interés.

Esto es sin duda es un problema, pensando que Redondo dibujó el maravilloso número 105 dibujado desde el punto de vista de Nightwing, y no volvió hasta el 114 que inicia este último arco Fallen Grayson. Lo que significa que en esta última etapa Nightwing estuvo 8 meses sin disfrutar del arte de Redondo. Pero es más, de los últimos 18 números de la colección Redondo sólo dibujó 5, lo que hace complicado que podamos calificar la colección de Nightwing como de Taylor y Redondo en este último año y medio.

Entrando en las historias de Tom Taylor, empezando por las cosas positivas, me gusta la falta de ego de un escritor cuando comprende que lo excepcional de un comic es el dibujo de Redondo y sabe quitarse de en medio y plantear argumentos que ayuden al lucimiento de su colaborador. En este mundo de personalismos, me gusta mucho la capacidad de saber jugar en equipo de Taylor.

Aparte de plantear escenas de acción en las que Redondo se luce, Taylor ha planteado su etapa para resaltar la humanidad de Dick Grayson y como probablemente sea el mejor héroe de DC por encima incluso de la Trinidad de Batman, Superman y Wonder Woman. Pero en muchos momentos nos hemos encontrado con un Dick Grayson super bueno y super empático rodeado de gente que nos cuentan a los lectores reiteradamente que Nightwing es el mejor héroe de todos. Pero cuyas acciones no confirman esa afirmación. Por ejemplo cuando todo hijo de vecino descubre su identidad secreta. O cuando todo el mundo le derrota, sobre todo si son mujeres. Pensando en el arco de Melinda Zucco (que luego cambiaría su apellido por Grayson), o la antigua novia de Dick Bea Bennett, convertida en reina pirata de Bludhaven.

La vida privada de Dick ha cobrado un mayor protagonismo en la etapa de Tom Taylor. El grupo de secundarios de Nightwing se ha incrementado con el descubrimiento de que Dick tiene una hermana secreta (Melinda) y a devolverle el protagonismo a Bea Bennett, la pareja de Dick en su etapa en la colección de Grayson. Y por supuesto, con la recuperación de Barbara Gordon, confirmada como el alma gemela de Dick y el amor de su vida. La parte de la historia de amor de Dick y Barbara es de largo lo que más me ha gustado de esta etapa de Tom Taylor.

Sin embargo, es precisamente la parte superheróica la que más ha flaqueado, más allá de las acrobacias espectaculares dibujadas por Redondo. Aparte de recuperar a Blockbuster, el villano de la etapa de Chuck Dixon y Scott McDaniel, y Tony Zucco, el asesino de los padres de Dick, el principal villano de la etapa de Taylor ha sido Heartless, el villano de este último arco de Nightwing Fallen Grayson. Un villano que no va a pasar a la historia de la colección y que de alguna manera representa el evidente aspecto woke de la colección. Porque hablamos de un rico hombre blanco hijo de papá que literalmente arranca los corazones de hombres de clase trabajadora para sobrevivir, siendo la personalización de la metáfora del parásito rico de raza blanca cuya riqueza y bienestar proviene de la explotación de la gente normal. Tom Taylor creó a Heartless, y Tom Taylor ha acabado con él, de forma que va a quedar para siempre como un villano asociado a él. Pero que no era demasiado interesante para empezar, por lo que me extrañaría que nadie quisiera utilizarle de nuevo en el futuro.

El otro aspecto más polémico de la colección desde un punto de vista woke es que Taylor responde a la polémica artificial que se planteó hace años en las redes sociales por gente que no lee comics que afirmaban que los comics mainstream de superhéroes eran ridículos y estaban alejados de la realidad porque mientras el héroe pelea contra el colorido villano de turno, en realidad evitan solucionar los problemas de la gente corriente que sufre por culpa de la pobreza. El argumento no puede ser más maniqueo y falso, porque aunque no se vea en cada comic que se publica de Batman, Bruce Wayne da millones a causas benéficas. Pero claro, el hombre blanco rico se ha convertido en el enemigo público número 1 para algunas personas y organizaciones de izquierdas, independientemente de lo que hagan en realidad. Y aparte de lo ridículo que es exigir «realismo» a un comic de superhéroes que en un porcentaje muy grande se trata de un entretenimiento escapista. Precisamente si algo no quiero al leer comics de superhéroes es encontrarme las mismas mie%$· que tengo en mi día a día. Pero algunas personas si se creen con derecho a decirle a los creadores y a las editoriales qué deben incluir sus historias

Taylor debió de pensar que algo de razón tendrían estas críticas sobre la falta de contenido «social», dado que ha hecho que una parte muy importante de su etapa gire con la forma en que Dick usa el dinero que ha heredado de Alfred Pennyworth para ayudar a los pobres de Blüdhaven, en especial a sus niños huérfanos. Comentaba en positivo el interés de Taylor de mostrar a Dick Grayson, no a Nightwing, como el mejor héroe del universo DC, y es precisamente con esto como Taylor nos muestra la faceta más altruista y comprometida de Dick para ayudar a sus vecinos. Este foco que es positivo se convierte, viendo el vaso medio vacío, en lo que provocó que leyendo muchas aventuras sintiera que las cosas que le vemos hacer a Nightwing no fueran demasiado interesantes. Porque no lo eran, en cierto sentido, Nightwing se convirtió en secundario de su propio comic.

He hablado mucho de la etapa en su conjunto, y muy poco de este arco Fallen Grayson. Y en positivo, todo comic dibujado por Bruno Redondo es una pasada y una gozada de leer. Lo digo muchas veces, pero el comic es ante todo un medio visual, y la diferencia entre el éxito o fracaso de un comic pasa por tener un artista TOP como Redondo o cualquiera del artistas mediocres que le sustituyeron en el último año. Cada grapa de Fallen Grayson tiene varios momentazos visuales y su lectura es un placer. El detalle de ver a Bruce Wayne acudir a Blüdhaven a ayudar a Dick ofrece un momentazo muy muy chulo, sin ir más lejos.

Fallen Grayson nos muestra el plan de Heartless para destruir todo lo que Dick Grayson ha construido para ayudar a la gente de Bludhaven. La historia tiene un montón de convencionalismos para hacer avanzar este plan que en realidad no molesta porque sin eso no hay historia. Lo que nos lleva al clásico «fall-from-grace» que nos lleva a que Dick se levante de cara al contraataque que tendremos en el climax final del último número. Un tema importante del último año y pico de historias de Taylor es que Dick sufre unos ataques de pánico (o de vértigo) cada vez que se subía a un lugar elevado, lo que obviamente le impedía realizar muchas de su labores de superhéroe. La explicación del motivo de este vértigo y su conexión con el pasado de Dick y la muerte de sus padres acaba siendo una pequeña gran chorrada que resume en parte los problemas de las historias de Nightwing de Tom Taylor una vez perdían el salvavidas del dibujo de Redondo.

Y es que en su conjunto, las historias de Tom Taylor como mucho creo que están «correctas». Muy bien en la parte emocional de Dick Grayson como persona de carne y hueso, pero bastante mediocre cuando pensamos en la parte superheroica. Con lo chula que empezó esta etapa con el lejano Nightwing 78 publicado a primeros de 2021, el final me ha parecido que ha quedado bastante descafeinado. De nuevo, pensando en la historia de Taylor, porque el dibujo de Redondo es TOP. Lo que si tengo que agradecer a Taylor y Redondo es que fruto de su buen trabajo me hicieron comprar un comic de DC en continuidad, algo que hacía años que no hacía. Y que creo que fue el germen de todos los comics que poco a poco he vuelto a comprar de la editorial de Batman y Superman.

Quiero terminar esta entrada con la última página de esta etapa, que Redondo dibuja y colorea. Una pagina maravillosa que homenajea el cuadro Noche estrellada de Van Gogh y que me parece una maravilla que transmite perfectamente la emoción que nos ha dado este comic. A pesar de las cosas con las que no he conectado, quiero dar las gracias a Taylor, Redondo y todo el equipo de DC por esta etapa de Nightwing. Conseguisteis entrar en mi corazón y es algo que recordaré toda la vida.

Comparto las primeras páginas del número 114 que dan comienzo a este último arco de Taylor y Redondo:

Termina Nightwing de Taylor y Redondo. Y lo hace con una sensación agridulce, porque una etapa que pintaba a histórica se fue diluyendo con el paso de los meses. Y sobre todo, por la ausencia de Redondo durante muchos meses.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Crítica de Conan The Barbarian 13-16 de Jim Zub y Doug Braithwaite (Titan Comics)

El cuarto arco de Conan The Barbarian de Jim Zub y Doug Braithwaite es un homenaje y una actualización de La hija del gigante helado, el clásico relato de Robert E. Howard.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

Tras abandonar Cimmeria lleno de ansias de viajar, un joven Conan se dirige al norte en busca de gloria.

Lo que encuentra en ese frío clima cambiará su perspectiva para siempre, poniéndolo en el camino que lo convertirá en una leyenda.

¡La triunfante nueva era de Conan continúa en esta historia de brutal aventura heroica de los aclamados creadores Jim Zub (Vengadores, Dragones y Mazmorras) y Doug Braithwaite (Punisher, Justicia)!

Frozen faith es el título de este cuarto arco de Conan The Barbarian, que se ha publicado en los números 13 a 15 de la actual etapa del cimmerio en Titan Comics.

Por entrar directamente con lo que a priori es lo menos bueno del comic, una de las cosas que más me han gustado de la actual etapa de Conan The Barbarian en Titan Comics es que Jim Zub estaba contando nuevas historias en lugar de pretender recontar historias de Howard que ya he leído en múltiples ocasiones. Descubrir que Zub planteaba realizar una nueva versión de La hija del gigante helado podía ser un paso en la dirección incorrecta. Pensando sobre todo que en muy pocos meses había releído la versión de Marvel Comics de Roy Thomas y Barry Windsord-Smith, la de Dark Horse de Kurt Busiek y Cary Nord, y la versión europea de Glenat a cargo de Robin Recht.

Sin embargo, Jim Zub plantea este arco desde dos puntos de vista originales que consiguen que que este arco sea una historia importante para la mitología de Conan. Aparte de contar el encuentro de Conan con Atali, la hija del Dios Ymir, lo que es la historia básica de Robert E. Howard, Zub añade dos puntos de vista originales a la historia. En primer lugar, haciendo que veamos la historia desde el punto de vista de Atali, un ser frío que ve a los hombres como juguetes salvajes que sólo nacen para morir y para proporcionarla una diversión efímera que la salve del aburrimiento. Las reflexiones de Atali sobre los violentos hombres del norte son un reflejo de los pensamientos de Howard y de la dureza de este mundo basado en el matar o morir.

Por otro lado, Zub reflexiona sobre el propio Conan y como ya desde niño era diferente al resto de niños de su tribu. No sólo por sus ansias de aventura, sino por dudar de la existencia de Crom y de cualquier cosa que no puede sentir con sus sentidos. Eso ya le supuso una regañina de su padre (aunque con sorpresa final), y cuando empezó sus aventuras esperaba una revelación que cambiara su visión del mundo. Esta historia de La hija del gigante helado claramente cambia la percepción de Conan de su mundo. Porque ahora Conan ya tiene la confirmación de que los dioses SI existen. Y si existe Ymir, por supuesto Crom será también real. Sin embargo, ese conocimiento no cambiará la vida de Conan, que a estas alturas ya ha descubierto que para sobrevivir debe querer vivir más que sus enemigos. Y por tanto, deberá aprovechar cada momento como si fuera el último, porque de hecho sabe que es este mundo inhóspito, es posible que lo sea.

Para ser un nueva versión de una historia contada en múltiples ocasiones, me alegro que Zub haya acertado en la forma que ha planteado su historia. Aunque no estaba muy a favor a priori de esta historia, reconozco que el buen trabajo de Zub me ha ganado completamente.

En la parte del dibujo tenemos a Doug Braithwaite con color de Diego Rodríguez. Reconozco que a nivel general me gusta mucho más Rob de la Torre, el artista con el que Braithwaite se ha ido intercambiando en los diferentes arcos de la colección. Pero a verdad es que Braithwaite ha resultado el dibujante perfecto para este arco. Empezando porque Jim Zub comenta que este arco surgió de conversaciones entre ambos en las que el dibujante le expresó su interés en esta historia clásica de Howard, que Zub consiguió darle el toque de novedad para que funcionara.

Frozen Faith tiene paisajes desolados que resaltan el poder de la Naturaleza, ante la cual los hombres no son más que hormigas. La muerte es una constante en medio del invierno del norte, y Braithwaite lo refleja perfectamente en la página, al igual que el salvajismo que se vive en el campo de batalla, con momentos bestiales que son puro Conan. Y que por momentos incluso parece que van un paso más allá de lo que estamos acostumbrados ver en un comic de Conan El Bárbaro.

Pero también me ha gustado mucho su dibujo en la parte en la que vemos al joven Conan cuestionar las creencias de su padre y su pueblo sobre la existencia de Crom y cualquier ser sobrenatural que no pueda ver con sus ojos o sentir con sus sentidos. Al mismo tiempo, la fría belleza de Atali, la hija de Ymir, es sensual y dura al mismo tiempo, dejando claro que es una cazadora acechando a su presa.

Frozen faith tiene un dibujo excelente que sabe sacar todo el partido a la historia de Jim Zub, siendo para mi lo mejor que le he visto a Doug Braithwaite hasta la fecha.

El nivel que está disfrutando la colección de Conan The Babarian me parece alucinante. Estoy encantado de que Titan Comics esté cuidando de esta manera a la creación de Robert E. Howard. Mientras Zub mantenga esta consistencia y Titan siga invirtiendo en dibujantes de primer nivel como hasta ahora, me veo comprando este comic durante mucho tiempo.

Comparto las primeras páginas del número 13 USA:

Conan The Barbarian sigue disfrutando de una edad de oro gracias a su nueva etapa en Titan Comics. Y este arco Frozen Faith me ha dado una profundidad que no esperaba en una historia que ha sido contada en multitud de ocasiones.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

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Crítica de G.I. Joe 1 de Joshua Williamson y Tom Reilly (Image Comics)

Tras 4 miniseries de personajes individuales, por fin pude leer el primer número de la nueva serie de G.I. JOE del Universo Energon del sello Skybound de Image Comics, a cargo de Joshua Williamson, Tom Reilly y Jordie Bellaire. Y el comienzo no puede ser mejor.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

ESTRENO DE LA SERIE

¡EL MAYOR LANZAMIENTO DE CÓMICS DE LA DÉCADA!

Conrad Hauser, nombre en clave DUKE, ha reunido una fuerza especial conocida como G.I. Joe para luchar contra el creciente poder de la misteriosa COBRA tras la llegada de los Autobots y los Decepticons a la Tierra. Pero el enigmático Comandante Cobra ha desatado el poder del Energón como nunca antes.

Con muchas caras conocidas y la primera aparición de un personaje totalmente nuevo, éste es el cómic que cambiará todo lo que crees saber sobre G.I. Joe… ¡y eso es sólo la mitad de las sorpresas que te depara el equipo de ensueño del Universo Energon de JOSHUA WILLIAMSON y TOM REILLY!

«Nuestra nueva y épica serie mensual de G.I. JOE es la culminación de mucho trabajo duro por parte de mucha gente apasionada y con talento», señaló el editor de la serie Ben Abernathy. «Si te encantó Duke, que sepas que fue un calentamiento para las increíbles ideas y efectos visuales que Joshua, Tom y Jordie están aportando a esta serie».

Joshua Williamson me sorprendió muy positivamente en la miniserie de Duke. Y cuando por fin he podido leer esta nueva etapa de G.I. Joe, me doy cuenta que la colección está en las manos perfectas para elevarla al nivel que Larry Hama estableció en su mítica colección de los 80. Williamson escribe unas palabras de presentación en la sección de correo en las que dice una cosa muy interesante, y es cómo teniendo a todos los juguetes a su disposición, ha tenido que aprender a tener PACIENCIA para poder plantear la mejor historia posible con los personajes que acaba de presenta. Porque la forma de que todos destaquen es permitir que tengan su momento y los lectores veteranos y noveles puedan conectar con ellos. Y creo que tiene toda la razón con este razonamiento.

Las 30 páginas de esta grapa se leen en un suspiro, con la perfecta combinación de acción y caracterización de los personajes. Porque ante todo este es un comic de G.I. Joe, y los personaje tienen que hablar con sus acciones, que son los que mejor les definen. Eso se cumple, pero me gustan también varios diálogos, por ejemplo al conversación entre Duke y su superior, el coronel Hawk. En la que Hawk le hace entender que su equipo no necesita a soldados iguales a Duke, sino que Duke debe sacar lo mejor de sus hombres, aquello que les hace especiales que provocó que fueran reclutados en primer lugar. La guinda de la alineación de Joes la proporciona una Baronesa que creo que es una wild card que nos va a dar mucho juego.

Por la parte de los villanos, las miniseries de presentación han funcionado de forma estupenda para presentar a los principales personajes del Universo Energon. Y me gusta que Destro y el Comandante Cobra ya interactúen desde el comienzo en este número, dejando claro que los Joes están en clara inferioridad frente a una Cobra armada con el poder del Energon. Además de unos Joes carismáticos, era fundamental que Cobra tuviera una potencia de fuego muy superior, de forma que la sensación de peligro estuviera clara desde el primer segundo.

Y si a unos Joes carismáticos y a una Cobra super poderosa le unimos un cliffhanger de los que quitan el hipo, el resultado es un primer número modélico que me ha dejado con muchas ganas de más y la certeza que G.I. Joe no va a dejar de ir a más.

En la parte del dibujo, Tom Reilly fue uno de los descubrimientos del año gracias a su dibujo en Duke. Y este arranque de G.I. Joe me confirma que podemos estar ante uno de los futuros super estrellas del mundo mainstream, con un lápiz centrado en plantear una narrativa perfecta en la que la historia pueda seguirse sin leer ni un sólo bocadillo. Los personajes son reconocibles desde la primera imagen y la acción se muestra en su imagen más potente. En muchos aspectos, Reilly me parece el alumno super aventajado de Chris Samnee, porque todo lo que plantea lo hace bien.

El color de Jordie Bellaire me ha llamado la atención, porque me parece que busca recrear un color plano como si estuviéramos ante un comic de los años 70 y 80, con los puntos de color que definían la poligromía de las páginas de los comis clásicos. Por ejemplo, en las viñetas en las que vemos una escena planteada como un flashback o un momento del pasado. Y aunque reconozco que al principio me dio una sensación extraña, visto en su conjunto creo que el color funciona.

En resumen, cuando un comic tiene un dibujo TOP y unos personajes que generan empatía instantánea, el éxito está asegurado. Y viendo la forma en que no han perdido ni un segundo en empezar con una acción vertiginosa, creo que tenemos G.I. Joe para muchos meses y años. Lo mismo que estoy disfrutando con el comic de Transformers de Daniel Warren Johnson y Jorge Corona o Void Rivals de Robert Kirkman y Lorenzo De Felici. Qué buen momento para ser fan de los comics del sello Skybound de Robert Kirkman.

Comparto las primeras páginas del comic:

G.I. Joe ha empezado de la mejor forma posible con un primer número modélico que nos deja con la miel en los labios y la promesa de que lo mejor está por venir. Me declaro muy muy fan.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

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Crítica de La Venganza de Caballero Luna 1 de Jed MacKay y Alessandro Cappuccio (Marvel Comics – Panini)

La colección de Caballero Luna ha sido reiniciada por Marvel tras la muerte de su protagonista en el final del volumen anterior, con una nueva cabecera La venganza del Caballero Luna que en sus 4 primeros números ha contado con Jed MacKay, Alessandro Cappuccio y color de Rachelle Rosenberg.

PUNTUACIÓN: 8/10

Tras la muerte de Marc Spector, ¿quién queda para mantener viva la fe? La Misión Medianoche permanece, alterada por el golpe que ha recibido. Mientras sus integrantes tratan de recoger los pedazos y continuar con su misión, golpea un misterioso enemigo con vestimentas misteriosamente familiares.

Esta grapa de Panini incluye Vengeance of the Moon Knight 1-4 USA.

El Caballero Luna de Jed MacKay me gusta mucho. Jed MacKay es un escritor que tiene las ideas muy claras. Y me parece una idea fantástica hacer que cada numero de este volumen esté contada por uno de los protagonistas, como forma de mostrar cómo viven el duelo por la muerte de Marc Spector. Reese, Tigra, Soldado y Luna de Cazador eran secundarios de la colección y el protagonismo que tienen estos comics les sienta de maravilla. En especial me he gustado mucho la parte de Tigra, al hacer un repaso a varios elementos que son historia de Marvel. Otra buena idea de esta arco es tener a un impostor decidiendo convertirse en el nuevo Caballero Luna, lo que mancha la memoria del fallecido y provocará la reacción violenta de los protagonistas. Narrativamente hablando, creo que MacKay acierta todo lo que plantea en estos 4 números de la nueva colección.

En el apartado gráfico tenemos a Alessandro Cappuccio y Rachelle Rosenberg, un equipo artístico habitual en la serie anterior. Y me gusta que lo que no está roto no se arregle, porque me encanta la personalidad que Cappuccio incorpora a la página, y la química que comparte con Rosenberg. Igual alguna figura no funciona demasiado bien, mirad si no a ese Ben Grimm, que es horrible. Pero hecho este comentario, la verdad es que los protagonistas tienen una personalidad tremenda y cuando empieza la acción, la sensación onírica es estupenda. Hay tantos dibujantes flojetes en Marvel ahora mismo que parecen clones malos de otros artistas, que me gusta que Cappuccio tenga una personalidad tan fuerte y que se transmita en la página.

Los comics Marvel siempre fueron la combinación perfecta de acción increíble, grandes ideas (a veces un poco locas) y personajes con los que conectas y puedes empatizar con el o ella. Todo eso puede verse extraordinariamente bien este comic. Y ojalá Marvel le permitiera a MacKay mantenerse en este título (sea con el título que sea), tanto tiempo como él crea que tiene historias que contar con estos personajes. Porque todo lo hace bien.

Este primer volumen de La Venganza del Caballero Luna me ha gustado mucho. Y es por esto que el problema de este comic no es tanto del comic en si, sino de la edición de Panini. Y digo esto porque la semana pasada Panini ha publicado Caza Sangrienta 5, el evento de Marvel en el que los héroes escritos por MacKay se enfrentaban a Vampiros. Y en ese número hemos asistido a la resurrección de Marc Spector. Que Panini publique este volumen y NO incluya el cruce con el evento que tienen lugar en los números 5 a 7 es un error garrafal. Porque lo malo que ha supuesto leer el duelo de los protagonistas por la muerte de Marc Spector cuando su retorno ya se había producido sin duda le ha robado parte de la fuerza que tenían estos comics. Y al no publicar los tie-ins, cuando los publiquen dentro de ¿3 meses?, el evento ya será agua pasada, con lo que, de nuevo, el comic de Caballero Luna llegará tarde. Y entiendo que entre no publicar el comic y que Panini publique el comic mediante tomos, prefiero esta segunda opción. Pero viendo como parece que este volumen en USA ha terminado en su número 9, deberían haber planteado un volumen con todas estas grapas, en lugar de dos como han decidido. Una pena.

Comparto las primeras páginas del comic:

Buen arranque de La venganza del Caballero Luna, un comic que siempre me gusta con ganas de más.

PUNTUACIÓN: 8/10

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