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Crítica de El Príncipe Dragón temporada 5: El misterio de Aaravos (Netflix)

La quinta temporada de El Príncipe Dragón estrenada en Netflix, la segunda con la denominación El misterio de Aaravos, ha resultado una importante decepción.

PUNTUACIÓN: 4.5/10

En esta quinta temporada, dos bandos diferentes buscan la prisión del peligroso Elfo de las Estrellas Aaravos, una búsqueda épica en sí misma. Mientras que la banda de héroes, incluidos los dos príncipes humanos protagonistas, quieren que permanezca encerrado, otros planean liberarlo.

La serie fue creada por Aaron Ehasz y Justin Richmond. Tras tres años de parón entre la tercera y cuarta temporadas, la serie ha retomado su estreno a razón de una temporada por año. Además, Netflix ha confirmado que la serie terminará en su séptima temporada en la que finalizará el actual arco de El misterio de Aaravos. En lo relativo a esta quinta temporada, tenemos 9 episodios de más o menos 25 minutos de duración, la misma duración que temporadas anteriores.

Los protagonistas de El príncipe Dragón: El misterio de Aaravos son Callum (con la voz en la V.O. de Jack DeSena), Rayla (Paula Burrows), Ezran (Sasha Rojen), Soren (Jesse Inocalla), Aaravos (Erik Dellums), Claudia (Racquel Belmonte), Terry (Benjamin Callins) y Viren (Jason Simpson), entre otros.

En lo referido a la animación, El príncipe dragón surgió con una estética muy particular nacida de la combinación de animación por ordenador 3D con técnicas de animación dibujada a mano. Hay cierta sensación de desconexión de los personajes respecto a los fondos en los que tiene lugar la acción, como si flotaran en pantalla, haciendo que la serie alterne momentos visualmente bestiales por ejemplo con los dragones con otros que parecen sacados de un cartoon de los 80. Dicho obviamente en el peor sentido posible. Pero esto es una situación que ya viene desde la primera temporada, y en mi caso entiendo que la animación es la que es y no va a cambiar ahora, así que no me supuso un problema grave mientras vi la serie porque ya sabía lo que esperar.

Lo mejor de El príncipe Dragón es la creación del mundo de Xadia, así como sus habitantes. Los príncipes Callum y Ezran, la elfa de la luna Rayla, los dragones, todo el diseño relacionado con los diferentes seres que aparecen en la serie me gusta mucho. Y en esta quinta temporada conoceremos a los Dragones del Agua, que lucen imponentes. En lo referido a la ambientación de fantasía, diría que el éxito es total.

Aparte de lo chulos que lucen los personajes, lo que nos atrapó de inicio en esta serie fueron el carisma de los personajes y la química que mostraban entre ellos, todo ello sumado a una narración que incorpora numerosos momentos de humor que encantan a los espectadores más pequeños que ayuda a la sensación de aventura ligera para todos los públicos.

El príncipe dragón también destaca al ser una historia planteada desde la diversidad. Me he quejado tanto que hagan a la Antorcha Humana afroamericano en una película o que cambien por la cara la orientación sexual de algún personaje de Marvel o DC que es genial ver una serie que plantea de inicio la existencia de relaciones sentimentales entre personas del mismo sexo, o que hagan que una persona sorda tenga un papel importante y sea mostrado desde una óptica heroica. Desde el punto de vista de la visibilización de determinados colectivos, creo que la serie lo hace todo bien.

El problema y principal decepción de esta quinta temporada viene provocado por una historia que hace aguas y no presenta prácticamente nada destacable en los 9 episodios de la temporada. Que de alguna manera me quede con la sensación que podrían haberme saltado esta temporada y no me perdería nada importante, o que el 90% de todo lo que nos contado ha sido «paja», son las dos peores ideas con las que te puede dejar una serie de entretenimiento mainstream.

Al plantearse un salto temporal de dos años entre el final de la tercera temporada y el comienzo de la cuarta y la nueva historia «El misterio de Aaravos», yo al menos di margen a la serie para que presentara el nuevo statu-quo y la amenaza a la que se tendrían que enfrentar, aceptando que estando bien a nivel general, a la temporada le había faltado un climax más potente del que nos ofrecieron. Esto ha sido mucho peor en esta quinta temporada, al eludir prestar atención y el tiempo que se merece al misterio de Aaravos, no dando respuestas a las muchas preguntas sin respuesta que dejó la cuarta temporada. Por supuesto, esto es un problema.

Al final de la cuarta temporada, la maga oscura Claudia había obtenido el plano para encontrar la prisión donde está encerrado el Elfo de las Estrellas Aaravos, el villano clave para conseguir que su padre, el resucitado Viren, no vuelva a morir esta vez ya para siempre. Parecía que se iba a plantear en esta temporada una carrera contra el reloj entre el grupo de Claudia y Viren y el de nuestros héroes Callum, Ezran, Soren y Rayla. Y nada más lejos de la realidad. El viaje por el río de Claudia parecen unas vacaciones en un crucero turístico en el que pierden episodios enteros sin contar nada de interés. Y aunque por el otro lado los chavales viajan a una biblioteca maldita buscando información y descubren la tierra de los piratas marinos, la sensación es que se está perdiendo tiempo en elementos secundarios en lugar de centrarse en lo que debería ser lo más importante, la villanía de Aaravos y como el que quede en libertad significaría el fin de Xadia, está presente en todo el visionado.

En la temporada anterior hubo una segunda trama sobre el conflicto que se vive en el asentamiento de los elfos del Sol al chocar las tradiciones de los elfos con la de los humanos con los que comparten hogar provisionalmente. Esta trama presentó elementos muy chulos referidos al respeto mutuo que deben tenerse las diferentes culturas. Sin embargo, en esta quinta temporada todo cae en la irrelevancia, girando de nuevo hacia elementos sin interés en lugar de plantear situaciones que realmente consigan enganchar. Y eso a pesar de la aparición del Elfo de Sangre que provoca una buena escena de acción. En general, da la sensación que los creadores de la serie deberían emplear el limitado tiempo del que disponen en cada temporada mejor de lo que lo hacen, centrándose en lo realmente interesante en lugar de lo que han hecho en esta temporada.

La serie siempre se ha construido a partir de los personajes, y el cariño que le tengo a todos hace que en muchos momentos me guste verles interactuar aunque sus aventuras no sean interesantes. Pero eso puede funcionar para tres o cuatro episodios, no para una temporada completa. Me da la sensación que los creadores se han equivocado en su planteamiento tras confirmarles Netflix que tenían 4 temporadas completas para contar su historia. Porque no es aceptable que hayamos llegado a la mitad tras dos temporadas completas sin momentos memorables y de alguna manera aún empeñados en el worldbuilding de cosas no demasiado interesantes sin resoluciones interesantes a las tramas presentadas en estas temporadas.

Otro problema que me he encontrado en esta quinta temporada es que hasta ahora pensaba que El príncipe dragón era una serie de animación para un público juvenil. Sin embargo, el casi nulo avance de las tramas principales y la repetición de algunas situaciones de humor muy infantil me han hecho preguntarme si no estaría yo equivocado y realmente esta serie se plantea para niños menores de 13 años. Esta temporada no me deja con buen sabor de boca, y me sabe muy mal.

Comparto el trailer de esta temporada:

El príncipe Dragón: El misterio de Aaravos se ha desinflado completamente en esta quinta temporada, con una historia alargada llena de situaciones sin interés que no me dejó con ganas de seguir viendo la siguiente temporada.

PUNTUACIÓN: 4.5/10

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Crítica de Chuck Steel: Night of the Trampires de Mike Mort (Prime Video)

Gracias a varias recomendaciones tuiteras me animé a ver Chuck Steel: Night of the Trampires, película de animación stop-motion creada, escrita y dirigida por Mike Mort. Una macarrada super divertida que da lo que se espera de ella y que está disponible en Prime Video.

PUNTUACIÓN: 7/10

Es 1986 y Chuck Steel es el mejor policía del cuerpo. Una serie de desapariciones ponen a la policía en alerta, hasta que una de las víctimas se escapa y Chuck es el encargado de interrogarla. Pero esta víctima resulta ser un viejo trastornado que le dice que la ciudad sufre el azote del Trampire, un híbrido de vampiro y vagabundo.

Mike Mort es un director, guionista y productor con más de 25 años de experiencia en la industria de la animación, que ha trabajado en numerosos anuncios publicitarios, secuencias de títulos, series de televisión y cortometrajes icónicos realizados en stop motion, con los que ha ganado varios BAFTAS y muchos otros prestigiosos premios. Con su primer largometraje, «Chuck Steel: La noche de los vampiros», Mike ha completado el proyecto de su pasión, que comenzó como una idea en su época escolar.

La película ha sido realizada a través de Animortal Studio, la compañía de animación stop-motion creada por Mort. Con un presupuesto estimado de 20 millones, se crearon 425 marionetas para representar a cientos de personajes y criaturas diferentes, y docenas de decorados gigantes a escala. El contenido en stop-motion se rodó a 24 fotogramas por segundo en lugar de los 12 habituales. Tras estrenarse en el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy (Francia) el 12 de junio de 2018, también se estrenó en el Screamfest de Los Ángele, así como en Fantasia, Montreal (Canadá) y en el London Frightfest (Reino Unido) o en el Festival de Sitges.

El título hace un juego de palabras entre Tramp (Vagabundo) y Vampires, formando un nuevo tipo de monstruo que vive de la sangre de los borrachos y alcoholizados. Además, el nombre del protagonista, Chuck Steel, y el calificativo de Night of the Trampires sugieren directamente y de forma muy poco sutil al cine de acción y terror de los años 80, siendo la película un festival de referencias, gore y humor muy burro que tira contra todo empezando por la dictadura de lo políticamente correcto.

Y la verdad es que me he divertido un montón con esta película. Chuck Steel es una amalgama de las decenas de héroes ochenteros que son lo mejor en lo que hacen aunque su vida personal sea un desastre y no lo quieran admitir. El tono de humor super exagerado me devolvió a 1986 cuando vi por primera vez Golpe en la pequeña China de John Carpenter, con un Kurt Russell interpretando al mítico Jack Burton expresando «¿Pero qué pasa?» La película por ese lado es un triunfo total, aunque en este Chuck Steel hay en realidad más referencias a Arnold Schwarzenegger o Sylvester Stallone que a otra cosa.

La película es un festival de humor grueso, empezando por la elección del villano o villana de la película, que significa toda una declaración de intenciones ante la ola de corrección política que ha invadido en cine y el entretenimiento mainstream. Los policías compañeros de Chuck en el L.A.P.D. son una muestra de super exagerada del humor contra todo de la película, al igual que la forma en que Chuck acumula compañeros muertos por culpa de sus acciones exageradas y sin miramientos hacia los que le rodean.

La animación stop-motion me ha parecido una pasada. Los personajes resaltan su naturaleza paródica y exagerada, y en los momentos más gore nos deleita con un festival de depravación y salvajismo super divertida, con el plus de lo poco habitual que es ver historia gores con esta técnica de animación. Si exceptuamos Mad God de Phil Tippett, claro. Toda la parte de recreación y/o parodia del cine de los 80 tiene en el stop-motion la herramienta perfecta que hace que todo sea super exagerado y divertido. No le puedo pedir más a una película de este tipo.

La película dura unos perfectos 89 minutos que van al grano desde el minuto uno y lo dan todo hasta el final, ofreciendo un climax super bestia que hace parodia también de los paranoicos de las teorías de la conspiración que han poblado las redes sociales en los últimos años. Si tengo que ponerle un pero, sería que esta es una película super de nicho que gustará a los fans del cine de acción y terror de los 80. En mi caso, el disfrute como decía ha sido total. Pero al mismo tiempo, entiendo por lo exagerado que es todo y por su naturaleza over-the-top de humor grueso, puede provocar que más de un espectador salga espantado. No es mi caso, pero hay que advertirlo antes que alguien no adecuado se ponga a verla.

Aunque se estrenó en 2018, hay que alegrarse de la existencia del streaming. Gracias a esto podemos disfrutar de Chuck Steel: Night of the Trampires, una película de super nicho que ahora hará las delicias de espectadores de todo el mundo amantes de la animación, del cine ochentero y del humor de trazo grueso.

Comparto el trailer de la película:

Chuck Steel: Night of the trampires es pura diversión. Si te acercas a la película con el feeling adecuado la vas a disfrutar un montón.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Crítica de Super Crooks temporada 1 (Netflix)

A falta de nuevos comics de Mark Millar que leer, me he venido arriba para ver el anime Super Crooks que adaptaba el comic de 2012 de Millar y Leinil Francis Yu, que está disponible en Netflix.

PUNTUACIÓN: 6/10

Serie de TV (2021). 13 episodios. Johnny Bolt recluta a una banda de variopintos supervillanos para dar un último golpe. Su objetivo: un despiadado jefe criminal con superpoderes… ¿Qué podría salir mal?. Adaptación del cómic de Mark Millar y Leinil Francis Yu.

Netflix compró Millarworld a Mark Millar en 2017 con el objetivo de proveer contenidos superheroicos con los que competir con Marvel / Disney y DC / Warner HBO. Las primeras series que vieron la luz fueron la fallida Jupiter´s Legacy y esta serie de animación Super Crooks en 2021. La producción de Super Crooks empezó en 2019 con la contratación del estudio de animación japonés Studio Bones, y cuenta con la dirección de Motonobu Hori y guion de Dai Satō, basados en el cómic de Mark Millar y Leinil Francis Yu.

La serie de anime tiene la particularidad que los primeros nueve episodios de la serie sirven como precuela del cómic original, con unos cuatro últimos episodios que ya si adaptan el cómic. Millar proporcionó el núcleo de la historia de origen de los personajes para que pudiera ser usada por el guionista del anime, y Leinil Yu realizó diseños de los personajes rejuvenecidos. El otro cambio importante fue ambientar este anime en el mismo universo que Jupiter’s Legacy para crear el primer universo compartido del Millarverso. Sin embargo, el fracaso de Jupiter´s truncó de cuajo este universo televisivo, cancelándose nuevos contenidos.

Los protagonistas de Super Crooks son Johnny Bolt, un delincuente de poca monta con poderes eléctricos que intenta llevar a cabo el atraco definitivo. Kasey es una telépata novia de Johnny, con el poder de implantar ilusiones en la mente de las personas. Carmine es un famoso delincuente de los años 70 que utiliza una pistola lanzallamas y ya está mayor.

Bolt consigue convencer a muchos de sus compañeros supervillanos para que se unan a su equipo para realizar el robo. El grupo está formado por Carmine, Kasey, el Fantasma (capaz de atravesar objetos), TK McCabe (con poderes telequinéticos), Roddy y Sammy Diesel (dos luchadores semi-indestructibles que luchan en combates clandestinos y que se regeneran tras sufrir heridas) y Forecast (capaz de controlar el tiempo). A ellos se les unirá el superhéroe super fuerte Gladiator, que es chantajeado por Johnny.

Super Crooks no es de mis comics favoritos de Millar. Por un lado, tenemos el dibujo de Leinil Francis Yu que nunca ha sido santo de mi devoción. Pero a esto habría que sumar que la miniserie original era un comic de apenas 4 grapas que contaba la historia demasiado abruptamente, sin posibilidad que la historia y los giros tuvieran tiempo de funcionar en la página. Estos elementos provocaron que cuando se estrenó la serie en 2021 no tuviera excesivo interés en ver este anime.

Comprobar que estamos ante una serie corta de 13 episodios de 20 minutos, excepto los últimos episodios que casi llegan a 30, me animó a verla, y dentro que me ha entretenido termino un pelín decepcionado. Un primer y grandísimo pero viene de la animación escogida para esta serie. El anime tiene una animación «cutrilla» con unos movimientos muy poco naturales, a pesar del baile sexy con que nos obsequian en los títulos de crédito, y los típicos diseños que parecen realizados a partir del mismo patrón. Es un tema super subjetivo, pero la verdad es que no he acabado de conectar con este estilo de animación

Cuando empecé a ver la serie no sabía que los primeros 9 episodios eran una precuela del comic, y la verdad es que me sorprendió al ver cosas nuevas que no conocía. Esta parte si me gustó. Sin embargo, justo cuando se ponen a adaptar el comic original optan por utilizar 4 episodios igual que tenía el comic. De esta forma, el anime tiene en su climax final la misma sensación abrupta que tuvo el comic. Podían haber planteado ampliar algún elemento para que el «golpe» tuviera más fuerza, pero ahora sí optan por una traslación bastante literal, lo cual acaba siendo un problema igual que me lo pareció en el momento de leerlo por primera vez.

Al ser animación, Super Crooks puede plantear un nivel de sangre casi gore que resultaría imposible en una serie con personajes reales. La forma en que se reconstruyen los hermanos Diesel ofrecen momentos muy punkis, al igual que algunas muertes con que se riega la narración. Sin embargo, dentro que de gore la serie va bien servida, me quedo con la sensación que no han acabado de aprovechar las posibilidades que la animación les daba para entregar una serie realmente bestia y exagerada.

Al tener más episodios, la serie puede mostrar más detalles de Johnny y Kasey. Por ejemplo, el primer episodio con la aparición de los poderes de Johnny siendo adolescente me gustó, al mostrar a alguien que en el fondo quería ser un superhéroe, y cambió de vida cuando el intento salió mal. La parte de patetismo de unos villanos de tercera y cuarta categoría que se creen ser lo más es un detalle que sí está bien conseguida. En todo caso, excepto los dos protagonistas, realmente el resto de personajes resultan super planos, unos personas egoístas y amorales que a pesar de ir de malotes al final ayudan a un amigo que necesita ayuda, indicando que cierto código moral si tienen.

La inclusión de Super Crooks en el universo de Jupiter´s Legacy ni es bueno ni malo. Los cameos de Utopian y otros personajes son curiosos, dentro que como digo se quedan en apenas cameos. Sin embargo, en lo fundamental el anime es totalmente autónomo, no sintiendo que te pierdes nada por no haber visto la decepcionante serie de imagen real.

Me está quedando una reseña bastante negativa. Y dentro que hay cosas que no me funcionan como me hubieran gustado, la verdad es que la serie es bastante entretenida sobre todo si te gustan las historias de género negro protagonizadas por personas amorales y por perdedores. Además, si no conoces el comic de Millar y Yu, hay un montón de puntazos, sorpresas y punkarradas que seguro conseguirán impactarte. Pensando en Super Crooks como un entretenimiento ligero, la verdad es que cumple de sobra con su función. Además, en estos tiempos de temporadas con finales con cliffhangers que luego te dejan colgado, resulta casi refrescante ver una serie que cuenta una historia cerrada de forma completa y satisfactoria.

Comparto el trailer de esta serie:

Super Crooks es una punkarrada razonablemente divertida que muestra las posibilidades de los mundos de Millar, aunque diría que no ha llegado a aprovechar las posibilidades del anime para crear una historia realmente over-the-top. Pero como entretenimiento, me vale.

PUNTUACIÓN: 6/10

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Crítica de Spiderman: Cruzando el multiverso de Joaquim Dos Santos, Kemp Powers y Justin K. Thompson

Venía con el hype por las nubes y Spiderman Cruzando el multiverso nos ha gustado aún más. La nueva película de Sony Animation dirigida por Joaquim Dos Santos, Kemp Powers y Justin K. Thompson se va directa a mi top de mejores películas del año.

PUNTUACIÓN: 9/10

Tras reencontrarse con Gwen Stacy, el amigable vecindario de Spider-Man de Brooklyn al completo es catapultado a través del Multiverso, donde se encuentra con un equipo de Spidermans encargados de proteger su propia existencia. Pero cuando los héroes se enfrentan sobre cómo manejar una nueva amenaza, Miles se encuentra enfrentado a las otras Arañas y debe redefinir lo que significa ser un héroe para poder salvar a la gente que más quiere. Secuela del film de 2018 «Spider-Man: Un nuevo universo».

Spiderman: Cruzando el multiverso es el nuevo éxito creativo de Sony Animation, creadores de la revolucionaria animación de Spiderman: Un nuevo universo. Curiosamente, ninguno de los directores de esa película repiten, contando esta secuela con la dirección de Joaquim Dos Santos (director de las series Avatar: The last airbender y Justice League Unlimited), Kemp Powers (Soul) y Justin K. Thompson (diseñador de producción de la anterior película).

David Callaham escribe esta secuela de la brillante película de 2018 a partir de una historia suya y de Phil Lord y Christopher Miller, productores de ambas películas y de la tercera parte que se estrenará en 2023: Spiderman: Más allá del multiverso. La película de 140 minutos de duración ha contado con un presupuesto estimado de 100 millones de dólares, que por los primeros trackings de taquilla van a quedar amortizados en una semana.

En el reparto de voces encontramos a Shameik Moore como Miles Morales / Spider-Man, Hailee Steinfeld como Gwen Stacy / Spider-Gwen, Jake Johnson como Peter B. Parker / Spider-Man, Oscar Isaac como Miguel O’Hara / Spider-Man 2099, Lauren Vélez como Rio Morales, la madre de Miles, Brian Tyree Henry como Jefferson Morales, su padre, Jason Schwartzman como Jonathan Ohnn / la Mancha, Issa Rae como Jessica Drew / Spider-Woman y Karan Soni como Pavitr Prabhakar / Spider-Man India, entre otros actores.

Spiderman: Cruzando el multiverso me ha parecido una pasada. Luego entraré a la alucinante animación, pero si la película, cualquier película en realidad, triunfa es por la construcción de los protagonistas y la forma en que consigue que nos enamoremos de Miles Morales y Gwen Stacy. Y el primer sorpresón es comprobar que Gwen roba la película en varios momentos cuando conocemos su origen y entendemos el drama que vive, un drama compartido con Miles dado que sus padres son los dos policías. Gwen fue uno de los hallazgos de la primera película y ahora se convierte por méritos propios en uno de mis personajes favoritos de la Marvel cinematográfica. Y eso es fruto de una buena escritura y de poner a los personajes por encima de la acción. Acción que por otro lado es alucinante.

Otra cosa que me ha gustado mucho es la construcción emocional de Gwen y Miles. En estos tiempos que parece que se exigen explosiones y acción a raudales, me ha flipado que la película se atreva a pararse para que conozcamos a Gwen primero y a Miles después, para que recordemos las apuestas a las que se enfrentan y sobre todo, porqué merecen ser nuestros héroes. Había leído comentar que a la película le cuesta arrancar, pero no estoy de acuerdo, ya que la construcción del mundo de Miles y su relación con sus padres me parece una pasada, es el núcleo que va a hacer que el drama posterior nos importe y nos interese.

Otro punto a favor de la película son los padres de Miles, Rio y Jeff. Si Gwen y Miles van a enamorar a los niños y mayores, los padres de Miles representan el miedo que todos los padres tenemos ante el paso del tiempo y comprobar que nuestros hijos se hacen mayores y llegará un día que no nos van a necesitar. Su amor incondicional consiguió emocionarme y hace que entiendas que Miles hará cualquier cosa por ellos. Volviendo a la parte de lo bien escrita que está la película, me encanta ver cómo la película da elementos a niños y mayores para que quedemos rendidos ante ella.

La animación de Un nuevo universo fue revolucionaria, y esta Cruzando el multiverso la puede mirar de tu a tu. Pensando en la cuenta de Twitter A perfect shot, con esta película tendría material de sobra para todo el año, porque todo es un despliegue alucinante que provoca una sobrecarga sensorial alucinante. Los balanceos de Miles y Gwen son increíbles, a lo que hay que sumar el resto de personajes arácnidos, que nos dan momentos para reír y que nos dejan con la boca abierta.

Por quitármelo de encima ya, tengo que reconocer que NO le he puesto un 10 a esta película porque en general la película se recrea demasiado con los paseos, las persecuciones y los combates. Si hubieran quitado 10 minutos sólo de estos elementos sin tocar nada de la trama, la película hubiera sido la misma y me hubiera parecido más compacta y satisfactoria. Dicho esto, es que hay que reconocer que esos planos ampliados de más son una pasada. La construcción de los diferentes mundos, ese Manhattan hindú, el mundo de Miguel O´Hara o la Tierra 42 me han volado la cabeza con cada plano, cada cambio de animación. Qué maravillosa locura.

La película vuelve a sacar todo el partido a las posibilidades expresivas de la animación, enfatizando las emociones y creando momentos super potentes. Las escenas de Gwen con su padre y cómo en función del momento y la emoción el color cambia me ha vuelto loco. Por no hablar de la humanidad de Miles y Gwen, que son unos diamantes que han explotado en esta película. La forma en que son personas reales porque olvidas que han sido creados con animación es alucinante. Gwen roba la película en varios momentos y la película lo agradece, pero el dolor de Miles cuando siente que sus amigos le han traicionado al no contarle la verdad es uno de los momentos más dolorosos de la película. Se habla de animadores, pero deberiamos decir «artistas», porque aquí tenemos una obra con vocación de trabajo artístico que además entretiene y además emociona

Aparte de por los personajes, me he quedado con unas ganas tremendas de volver a ver la película porque la sobrecarga sensorial y de información es tan grande que siento que me he perdido multitud de detalles de la película. El Spider-Punk me parece una locura, y quiero volver a verle porque diría que no me he dado cuenta toda la animación que se ha traido consigo. Y lo mismo para los momentos en que Miles es perseguido por cientos de Spidermans de diferentes dimensiones, que nos ofrece una sobrecarga de easter-eggs mientras identificamos a cada uno de los personajes. O qué decir de La Mancha, y lo que pasa cada vez que algo traspasa uno de sus portales espaciales.

Llega el momento de hablar de los villanos. La Mancha la verdad es que es más el plot-point necesario para que la historia avance que un personaje con presencia en la película. Porque creo que aparece muy pocos minutos de esta larga película. Sin embargo, tiene una cualidad interesante de opuesto de Miles que al final está buscando lo mismo que él, que le vean y que alguien se preocupe por él. Su cuerpo está cubierto por portales interdimensionales que le permiten viajar por el espacio, y cuando aprende a usarlos para viajar por el multiverso se convierte en una amenaza para todas las realidades. La forma en que ve a Miles como el responsable de su transformación y quiera hacérselo pagar quitándole lo que más ama, y su conexión con el origen de Miles y el sorprendente drama subyacente, forman una guinda perfecta que da lo que la historia necesita de él.

Luego tenemos a Miguel O´Hara, el mítico Spiderman 2099 creado por Peter David y Rick Leonardi. La película realmente no sigue los comics Marvel de la línea 2099 y nos trae a un O´Hara obsesionado por la protección del continuo espacio-temporal a partir de un drama de su pasado causado por él sin pretenderlo. El único Spiderman sin sentido del humor es una persona bastante amargada que no cree que el futuro pueda cambiarse, y en caso de hacerlo, las consecuencias serían aún peores. La película juega con el mito de Spiderman y como todos los héroes arácnidos tienen que sufrir una pérdida familiar que defina su carácter. Que Miles busque romper ese círculo vicioso y que Miguel se enfrente a él por ello ofrece un drama personal que eleva aún más apuestas, porque no hablamos del multiverso sino de la familia más cercana. Y en esto todos somos Miles.

Justo antes de ver la película me enteré (o me recordaron) que la película no terminaba, con una tercera parte ya en proceso de rodaje de cara a su estreno el año que viene. Y menos mal, porque podría entender que haya espectadores a los que el final con el monumental cliffhanger no les haya sentado bien, al pensar que estábamos ante una película con comienzo y final. Reconozco que no es mi caso, y mi hijo y mi sobrino a los que llevé al cine han salido flipados con ganas de más. De hecho, mi sobrino Alex me ha comentado que si hubiera durado una hora más para él hubiera sido mejor. Y ojo que menudo gliffhanger y menudo giro tan potente con el que nos han dejado jugando con las posibilidades de las realidades alternativas.

Por cierto, que el final de la película se cierre con la reunión del grupo de personajes de Un nuevo universo quizá no me gusta demasiado, al volver a un concepto que esta película había superado que puede restar protagonismo a Miles, Gwen y Peter B. Parker y la super genial May. Sin embargo, esto de momento no es ni mucho menos un problema, dado que ha quedado como un easter-egg más a falta de ver cómo lo desarrollan en la siguiente película.

Pensando en el enorme éxito creativo, expresivo y emocional de la película, entiendo que Miles Morales pueda ser el SPIDERMAN de toda una generación para los que no es necesario que hayan leído comics. Miles y Gwen han sido maravillosos en todos los aspectos, toda una generación de niños y niñas tienen aquí a sus héroes favoritos para mucho tiemo. A mi hijo esta película le ha volado la cabeza. Miles se ha convertido en su Spiderman favorito por encima del Peter Parker de Tom Holland. Y no me extraña, porque la animación añade un carisma, una personalidad y un flow a Miles que Peter nunca tuvo en pantalla. De hecho, en cierto sentido dándole la razón entiendo que esto es un poco injusto porque el Peter del MCU realmente aún no ha sido el Spiderman que amamos al separarse las películas de los elementos más icónicos para no parecer más de lo mismo frente a las películas anteriores. El último balanceo en No way home nos prometía que eso era precisamente lo que tendriamos en la siguiente película, pero realmente no lo hemos tenido con la escala y maravillosa locura que acabamos de disfrutar en Cruzando el multiverso.

Las únicas dudas que me quedan es cuando volveré a verla, esta vez en versión original, y cuando saldrá el Blu-Ray para comprarlo. Porque no quiero depender de si la película está en una plataforma u otra, quiero tener en casa la película, y la quiero ya.

Comparto el trailer de la película:

Spiderman: Cruzando el multiverso es una pasada. Lo que acabamos de vivir ha sido histórico. Y aún nos queda una tercera película. Es un buen momento para ser fan de Spiderman, en todas sus encarnaciones.

PUNTUACIÓN: 9/10

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Crítica de Star Wars Visions temporada 2 (Disney+)

La antología de cortometrajes Star Wars Visions es un autentico regalo que nos trae joyas de la animación, como pude comprobar tras ver la segunda temporada recién estrenada en Disney+.

PUNTUACIÓN: 8/10

«Star Wars: Visions» va más allá de cualquier forma de animación y sirve como un marco más amplio para las expresiones de celebración de la narración de Star Wars. El volumen 2 mostrará ese potencial cuando los cortometrajes emprendan una gira mundial, celebrando la increíble animación que tiene lugar en distintos países y culturas, a través del mito de Star Wars.

La serie creada por Lucasfilm ha estrenado una segunda temporada formada por 9 cortometrajes de estilos de animación y temáticas variadas. Por este motivo, como hice con la reseña de la primera temporada, haré un breve comentario de cada episodio, dentro que ya anticipo que independientemente de la calidad de cada episodio individual, y el nivel es muy alto. Lo que más me gusta de Star Wars Visions es precisamente poder ver esta gran variedad de historias ambientadas en el mundo de Star Wars.

SITH (EL GIRI)

Una exaprendiz Sith ve su pacífica vida amenazada.

El estudio español El Giri nos regala el mejor episodio de esta temporada. El cortometraje está escrito y dirigido por Rodrigo Blaas, y cuenta con las voces de Úrsula Corberó y Luis Tosar para contar la historia de una Sith que intenta encontrar el equilibrio entre la luz de la Fuerza y la oscuridad de los Sith, usando el simbolismo del lienzo en blanco y la imaginación del artista. La animación es una maravilla y entra en la categoría de OBRA DE ARTE, ofreciendo imágenes de gran belleza y con una potencia dramática y expresiva espectacular. El chulísimo mensaje del corto va unido a unas escenas de acción bestiales que hacen que el visionado sea super satisfactorio. Por cierto, en cierto sentido diría que este mensaje de unir luz y oscuridad diría que contradice el lore creado por George Lucas sobre el bien y el mal en Star Wars, pero el episodio es tan bello y la conclusión tan perfecta, que no seré yo el que lo critique.

Diría que Sith es el cortometraje que más me ha gustado, no ya de esta temporada, sino de toda la serie Visions. Sólo por él se justifica la existencia de esta antología, que sirve para reforzar la idea que no existe una única forma de contar historias con animación, elevando una historia de entretenimiento a una obra artística que me ha volado la cabeza.

LA CUEVA DE LOS CHILLIDOS (CARTOON SALOON)

Una joven sale de aventura con sus amigos y descubre la oscura llamada de una cueva legendaria.

El estudio irlandés Cartoon Saloon realiza este corto dirigido por Paul Young y con guion de Will Collins y Jason Tammemägi. El único problema de este corto es que viene justo después de Sith, que es una maravilla. Y en la comparación pierde sin duda. Sin embargo, el corto visto individualmente está super chulo. Aunque la animación puede considerarse “tradicional”, también consigue emocionar unos toques de terror en espacio cerrado y unos niños que tienen que luchar contra sus mayores miedos, con un mensaje de dejar ir el pasado para empezar una nueva fase del viaje. La historia tiene además un giro final muy interesante sobre la identidad de la voz que le hablaba a la niña, que añade el plus de originalidad a un corto que también me ha gustado mucho.

EN LAS ESTRELLAS (PUNKROBOT)

Dos hermanas, las últimas de su pueblo, intentan sobrevivir cuando el Imperio las descubre.

El estudio chileno Punkrobot realiza este corto con guion y dirección de Gabriel Osorio con una animación stop-motion maravillosa con una historia con toques de ecologismo frente a industrialización salvaje y unas jóvenes que tienen que intentan reconciliar el legado y la cultura de su planeta con la lucha en el presente contra el Imperio. Con este corto, llevamos tres éxitos monumentales, ya que la historia de estas hermanas que sobre todo la mayor tiene que aceptar su herencia y legado para poder sobrevivir me parece super emocionante. Además, la animación encaja con el tono y el mensaje creando una obra perfecta.

YO SOY TU MADRE (AARDMAN)

Anni, una joven piloto que se avergüenza de su madre, debe unirse a ella en una alocada carrera

El mítico estudio Aardman realiza este corto escrito y dirigido por Magdalena Osinska. El título alude a la mítica frase de Darth Vader a Luke, pero en realidad tenemos una historia ligera pero super divertida marca de la casa Aardman. La animación de “monigotes” funciona perfectamente en el a priori mundo serio de Star Wars, y nos ofrece una historia que me ha encantado. Porque no todo tiene que ser dramático o impactante.

VIAJE A LA CABEZA OSCURA (STUDIO MIR)

Una mecánica optimista y un jedi desilusionado se unen para intentar cambiar el curso de la guerra.

Este estudio coreano ha contado con Hyeong Geun Park como director y Cgung Se Rang como guionista de este cortometraje. Igual por tratarse de animación tradicional o por volver a repetir el tema que la luz y la oscuridad están conectadas y no puede existir una sin la otra, he conectado menos con este corto. En todo caso, la historia de estos dos héroes de mentalidades opuestas que formarán un vínculo para sobrevivir me parece que está bien ejecutado.

LA BAILARINA ESPÍA (STUDIO LA CACHETTE)

La bailarina de un cabaret frecuentado por el Imperio corre peligro cuando se descubre su identidad.

El estudio francés de animación ha realizado este corto escrito y dirigido por Julien Chheng. Este corto tiene un estilo de animación que me recuerda a las series de los años 80, con un toque retro en el diseño de personajes que casi me recuerda a un álbum infantil. Y esto es curioso, porque luego la historia es bastante dura, al tener a una madre que lucha contra el Imperio tras ver su pueblo arrasado y su hijo secuestrado. La historia tiene un giro super bueno, y la animación de ella bailando como si fuera un miembro del Cirque du Soleil ofrece momentos chulísimos, incluso cuando la animación retro igual para mi no es la mejor elección posible. En todo caso caso, una historia muy interesante que te deja con ganas de más, lo mejor que se puede decir en estos casos.

LOS BANDIDOS DE GOLAK (88 PICTURES)

Perseguidos por el Imperio, un chico y su hermana sensible a la Fuerza se refugian en un dhaba.

Ishan Shukia sirige y escribe la historia realizada por este estudio de India de dos hermanos que huyen del Imperio buscando refugio. Como positivo tenemos una historia que conecta con la cultura de India, mostrando la variedad casi infinita de planetas e historias que pueden contarse dentro del marco de Star Wars. Sin embargo, la animación me parece más floja que los cortos anteriores, con unas caras «feas» con las que no conecto, y la historia se siente un poco trillada y ya vista una vvez quitamos el envoltorio cultural.

EL HOYO (D´ART SHTAJIO & LUCASFILM JAPAN)

Un joven prisionero, obligar a buscar cristales de Kyber para el Imperio, planea la huida.

Cortometraje escrito por LeAndre Thomas y dirigido por Thomas y Justin Ridge. Este es otro corto que no me ha hecho demasiada gracia, empezando por un mensaje de que el pueblo debe unirse para vencer al Imperio que en la forma en que está ejecutado resulta ridículo. Todo en general en la historia resulta ridículo, empezando por la creación de una ciudad a partir de la creación de la mina / hoyo de donde se extrae los cristales Kyber, para luego tener un pueblo ¿Que no sabe que hay esclavos extrayéndolo? No, la verdad es que la historia no me ha gustado, y creo que este es el peor corto de esta serie antológica.

LA CANCIÓN DE AAU (TRIGGERFISH)

Una niña que desea cantar debe callarse porque su voz puede causar una gran calamidad en las minas.

El estudio sudafricano Triggerfish ha creado este cortometraje escrito y dirigido por Nadia Darries y Daniel Clarke. La idea que el Kyber puede ser corrompible no se si me parece una genialidad o una ridiculez, porque siempre he pensado que los cristales son una herramienta, no una fuente de poder de la Fuerza en si mismo, aunque se usen para construir las espadas de luz. Unido a esto, resulta curioso que dentro de todo el espectro de historias que se puedan contar, este corto repite la idea general de una sociedad que vive de extraer Kyber del corto El Hoyo, aunque luego la ejecución y las historias sean muy diferentes.

En este corto tenemos a una niña con una habilidad única que tendrá que quitarse el miedo (de su padre más que suyo, en realidad) para explotar todo su potencial para el bien. El corto en cuanto a idea me parece correcto, lo malo es que la animación stop-motion y e diseño de los personajes no ayuda a que nos creamos que este moñeco canta de la forma en que lo hace, se pierde toda la capacidad emotiva que la historia sí tenia. En todo quitando los diseños de personajes, la verdad es que los fondos y el diseño de este mundo me perecen una pasada, por ese lado la verdad es que la animación está muy muy chula.

En resumen, posiblemente los tres primeros cortos (Sith, La cueva de los chillidos y En las estrellas) han sido los que más me han gustado de largo. Y los tres últimos (Los bandidos de Golak, El hoyo y La canción de Aau) los menos buenos. Dicho esto, creo que es genial que Lucasfilm apueste por este formato de obras creadas por estudios de todo el mundo, que nos dan una mirada diferente y llena de personalidad al mundo de Star Wars. Ojalá que esta serie tenga una buena audiencia y justifique la producción de una tercera temporada.

Comparto el trailer de esta serie:

Star Wars Visions me parece una idea maravillosa. Y tener estos cortos creados por estudios de todo el mundo es una genialidad que espero tenga continuidad. Una serie de obligado visionado para todos los amantes de la animación.

PUNTUACIÓN: 8/10

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