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Crítica de Samurái de ojos azules temporada 1 (Netflix)

El estreno en Netflix de la serie de animación para adultos Samurái de ojos azules ha supuesto un sorpresón y un disfrute absoluto. ¡Dame más series así, Netflix!!!

PUNTUACIÓN: 8/10

Un maestro de la espada de ascendencia mestiza vive una vida encubierta mientras busca venganza en el Japón del periodo Edo. (FILMAFFINITY)

Samurái de ojos azules es una serie de animación para adultos creada y escrita por el matrimonio formado por Michael Green y Amber Noizumi. Green es un guionista y productor que además de escribir para televisión, ha escrito o coescrito varios guiones de largometrajes, entre ellos Logan (que coescribió junto a James Mangold y Scott Frank, por lo que fueron nominados al Oscar al mejor guion adaptado), Alien: Covenant, Blade Runner 2049 y Asesinato en el Orient Express.

Samurái de ojos azules es una serie de ocho episodios que tiene a Jane Wu como directora supervisora de la serie de animación de Netflix. El primer episodio tiene una duración de 62 minutos, el más largo de la temporada, mientras que el más corto tiene una duración de 35 minutos, siendo la duración media de los episodios de unos 45 minutos. La música ha sido realizada por Amie Doherty.

En la versión original tenemos un casting de voces estupendo. Maya Erskine es Mizu, una samurai mestiza de ojos azules. Masi Oka interpreta a Ringo, un cocinero discapacitado y protegido que idolatra a Mizu. Darren Barnet es Taigen, un prometedor pero arrogante espadachín de origen humilde. Brenda Song es la princesa Akemi, la hija mimada pero de fuerte carácter de un nuevo rico. George Takei interpreta a Seki, el tutor de la princesa Akemi. Randall Park es Heiji Shindo, el carcelero y cómplice de Fowler. Cary-Hiroyuki Tagawa como Padre Espada, un herrero ciego que crió a Mizu. Kenneth Branagh interpreta a Abijah Fowler, un contrabandista e inventor irlandés que se alía con el Shogun desafiando en secreto la política de puertas cerradas de Japón. Stephanie Hsu, Ming-Na Wen y Mark Dacascos completan los nombres conocidos que han participado en esta serie.

Aunque luego comentaré algunos aspectos menos buenos de esta serie en lo referido al fondo de la historia, en general me ha gustado mucho Samurái de ojos azules. La serie de animación para adultos tiene un diseño espectacular que destaca la belleza de la iconografía japonesa en su máxima expresión. Los paisajes, los palacios, los pueblos modestos, la herrería y el arte de la espada… Todos son elementos que lucen con una belleza extrema en cada uno de sus fotogramas. La animación me ha gustado mucho, partiendo de la creación de personajes carismáticos y ofreciendo unas coreografías de acción espectaculares y super sangrientas que me han volado la cabeza en varios momentos. Por hacer una comparación, me encanta Invencible, pero ante todo me flipa la historia creada por Robert Kirkman, que está contada de forma correcta con una animación que llamaría «funcional». En Samurái de ojos azules, en realidad tenemos una historia de venganza bastante trillada a la que la animación añade el toque de personalidad y carisma para que esta serie sea un éxito. Y el éxito para mi es monumental.

El elemento distintivo de Samurái de ojos azules reside, aparte de la animación, en la novedad que la venganza la realice una mujer que además es mestiza, al ser su madre violada por unos británicos. Esto provocó una doble discriminación para Mizu, por ser extranjera y por ser mujer. De hecho, si se hubiera sabido que era una niña su madre ya confirma que hubiera sido asesinada casi en el acto. Al ocultar su condición de mujer, Mizu vivirá como un extranjero o peor, un mestizo, alguien despreciado por todos que sólo sobrevive gracias a su habilidad con la espada, mientras busca a los hombres que violaron a su madre. De hecho, conocer que Mizu es una mujer fue una sorpresa total dado que nada en las imágenes que había visto previamente lo sugerían. En ese sentido, está guay que una serie de este tipo consiga sorprenderme de inicio, y me subí inmediatamente en su equipo deseando que matara a todos los asquerosos que mataron a su madre, o se ponen en su camino, de la forma más sangrienta posible.

La serie plantea dos historias en paralelo. Por un lado el viaje de la Mizu adulta mientras busca a los británicos que quiere matar, una historia que se expandirá hasta convertirse en una conspiración de unos traidores para hacerse con el trono de Japón con la ayuda de los británicos. La segunda parte está contada a modo de flashback y conoceremos la historia secreta de Mizu y como aprendió primero el arte de la forja y luego del manejo de la espada, para pasar a convertirse en un demonio sanguinario al abandonar todo lo que la hace humana con tal de conseguir su venganza. Mizu sobrevivió de niña (de niño en realidad) gracias a Padre Espada, un herrero ciego que la acogió tras morir su madre y tras ser apaleado por chicos del pueblo. No es un dato menor saber que si Padre Espada hubiera podido ver, probablemente NO la hubiera acogido por ser mestiza y por ser mujer, dada la forma en que sigue férreamente las tradiciones en lo relativo a la forja de espadas.

En ese sentido, no es casualidad que los únicos que ayudan a Mizu sean un maestro ciego y Ringo, un chaval discapacitado sin manos que aspira a convertirse en un samurái siguiendo a Mizu, aunque ella en realidad es una ronin, y que es el único que descubre que es una mujer sin importarle, como tampoco lo hace el hecho que sea una mestiza de ojos azules. Varias prostitutas también ayudan a Mizu, pero que antes piden un precio por su ayuda. El caso de Taigen es también ilustrativo de la rigidez de las tradiciones japonesas y su sentido del honor planteado en blanco y negros sin matices. Tras ser derrotado por Mizu, la buscará para restaurar su honor matándole en un duelo, pasando a luchar a su lado para evitar que otra persona la mate primero y le robe la posibilidad de recuperar su honor.

La serie tiene varios episodios espectaculares sobre todo en la primera mitad. El primer combate en el dojo o el combate en los acantilados son geniales. Pero el mejor episodio es el quinto en el que conoceremos los motivos por los que Mizu abandonó sus intentos de tener una vida normal, renunciando al amor y a la felicidad para convertirse en un demonio imparable. Esta parte del flashback es impactante y dolorosa emocionalmente, pero su combate contra decenas de asesinos es también uno de los puntos álgidos de la serie. El sexto episodio tiene reminiscencias a Game of Death de Bruce Lee, al tener que ascender Mizu por diferentes pisos de un castillo en los que tendrá pruebas cada vez más difíciles, para poder alcanzar a Fowler, uno de los violadores de su madre.

Sin embargo, debo también señalar que los dos últimos episodios en los que la historia de venganza se toma un respiro cuando asistimos al ataque de la capital de las fuerzas de Fowler hacen que la serie pierda parte de su fuerza, siendo para mi los más flojos de la temporada. Y eso a pesar que el incendio que vemos en el climax final está inspirado en el incendio real que tuvo lugar en 1657 y que consumió Edo durante tres días. La sorpresa final que provoca el cliffhanger del final de temporada, que nos deja un final abierto de cara a una posible segunda temporada, plantea posibilidades super chulas que harán que la serie no pueda repetirse a si misma, debido al cambio de ubicación. Por todo lo anterior, a pesar de bajar un poco al final, Samurái de ojos azules me ha gustado mucho y seguro vería una segunda temporada, en caso que llegue a hacerse.

Antes de entrar en lo que no me ha gustado de la serie, un disclaimer. Me flipa todo lo que tiene que ver con la cultura japonesa. El cine y el manga de samuráis como Lobo solitario y su cachorro, el género policial y de yakuzas. Akira de Otomo, Pluto de Urasawa. Dámelo todo que me lo meto en vena. Con el paso de los años no es que mi interés haya disminuido, sino que dentro de disfrutar las historias de honor y lealtad ambientadas en Japón, también he ido reconociendo que junto a estos ideales se esconde una de las culturas más racistas y machistas que existe. Y crueles, al disponer un señor de las vidas de sus súbditos como si fueran cosas que usar y tirar. Las matanzas y crímenes de lesa humanidad de Japón en China o Corea muestran a un país que no sólo se cree superior a los demás sino que piensa que las personas de otros países son de una raza inferior, por lo que no tienen problemas en masacrarles o torturarles reiteradamente, como en los campos de violación institucionalizados por las autoridades japonesas de ocupación.

Pero no hace falta irse a la 2ª Guerra Mundial o al siglo 17, hoy en día seguimos viendo una sociedad ultranacionalista en la que el racismo institucional y social es la norma en su relación con personas venidas de otros países. Tener a una mujer ronin que tiene que ocultar su condición para vivir su vida de venganza que es además mestiza, con una cualidad muy visible que la separa del japonés medio como son los ojos azules y que provoca el rechazo casi instantáneo, parecía el vehículo perfecto para resaltar y criticar estas situaciones lamentables que aún se producen en Japón. Empezando por el machismo de la sociedad y cómo se sigue relegando a la mujer a puestos serviles. La gente que habla de «emergencia machista» en España se nota que no ha viajado mucho por el mundo.

La protagonista Mizu ha sufrido el machismo de la sociedad, al ocultar toda su vida que es una niña primero y ahora una mujer, y además el racismo sistémico de esta sociedad que en el siglo XVI-XVII decidió aislarse de otros países y que veía a los extranjeros como demonios y a sus hijos como seres impuros. El machismo lo vemos también en la princesa Akemi, una niña mimada que disfruta de una vida de lujos pero no puede vivir su vida como ella quiere, al tener que obedecer a su padre. Y sobre todo, lo vemos en el grupo de prostitutas que era el único trabajo que podían realizar las mujeres de la época para intentar conseguir cierta independencia frente a los hombres. Siempre que no acabaran siendo esclavas de un señor, claro.

Hay tantas cosas criticables de la sociedad feudal japonesa que me he quedado muerto al ver que la historia en realidad se plantea para mostrar que el villano es el hombre blanco que viene a contaminar el orden japonés. Y no es que yo tenga que defender a los imperialistas británicos, otra sociedad como la japonesa que más racista no puede ser, y que ha cometido atropellos y genocidios allá donde llegó, por ejemplo en lo que ahora son los Estados Unidos. Pero no esperaba ver otra muestra más del indigenismo anti occidental tan presente en el mainstream actual, sobre todo el anglosajón, en que lo blanco siempre es malo.

Como historia de venganza, estoy super feliz en que Mizu quiera matar a los hombres que violaron a su madre, cuatro hombres blancos de los que apenas conoce los nombres. Y estos cerdos son unos villanos sin matices que claramente merecen la muerte, cuanto más sangrienta y cruel mejor. Pero que con tantas cosas criticables de la sociedad japonesa hayan optado por la solución facilona del «enemigo exterior» que de alguna manera apoya el asilamiento que tuvo Japón durante más de un siglo, me ha volado la cabeza. En este caso obviamente para mal.

Como digo, la forma en que nos han colado esta historia «anti-hombre blanco» no me ha gustado y me parece hasta panfletario, aunque sea de forma sutil. Dicho esto, en realidad esto es un pero muy pequeño dentro de una serie que me ha gustado mucho y como comentaba antes, si llegara a realizarse una segunda temporada, la vería seguro.

Por cierto, recuerdo que no he mencionado que esta serie además de mostrar combates super sangrientos, también tiene muestra varios desnudos frontales tanto masculinos como femeninos. No soy pudoroso, así que estos desnudos y las escenas sexuales no me suponen ningún problema, y sirven para resaltar la parte de «animación para adultos» con que se vende la serie.

Confío que Samurái de ojos azules tenga mucho éxito y mucha gente la vea. En todo caso, merece la pena resaltar el gran momento que está viviendo el mundo de la animación gracias al streaming. Y sobre todo, gracias a Netflix, que ha apostado muy fuerte en la animación para ampliar su catálogo de contenidos. A veces critico a Netflix por sus contenidos montoneros, pero en este caso, no puedo más que darles las gracias, porque sin ese catálogo amplio esta serie no existiría.

Comparto el trailer de esta serie:

Samurái de ojos azules me ha gustado mucho y la recomiendo.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Invencible episodio 2×01 (Prime Video)

Tras dos años y medio de espera, por fin Prime Video ha estrenado la segunda temporada de Invencible, la serie de animación inspirada en el comic de Robert Kirkman, Cory Walker y Ryan Ottley, y las sensaciones no pueden ser mejores en el primer episodio que hoy quiero recomendar.

PUNTUACIÓN: 8/10

Tras una apocalíptica traición, Mark lucha por reconstruir su vida. Frente a amenazas a escala planetaria, descubre nuevos aliados y lucha contra su mayor temo: convertirse en su padre.

Invencible es uno de mis comics favoritos del siglo XXI. El comic de Robert Kirkman y Cory Walker planteado originalmente como una mezcla entre Superman y el Spiderman adolescente, fue publicado entre 2003 y 2018 en Image Comics, contando con 144 números, que fueron en su mayoría dibujados por Ryan Ottley, además de existir varios spin-ofs. Aparte de ser el mejor comic de superhéroes de esos años, destacar además que el final fue perfecto y maravilloso.

Para la adaptación a la pequeña pantalla, Robert Kirkman mantiene funciones de productor ejecutivo, con Simon Racioppa haciendo de showrunner de la temporada y también ejerce de productor ejecutivo junto a Kirkman, David Alpert, Catherine Winder, Evan Goldberg y Seth Rogen. Entre las productoras implicadas en la serie se encuentra Skybound, la empresa de Robert Kirkman que edita sus comics a través de Image Comics. Racioppa escribe este primer episodio de la segunda temporada, que cuenta con la dirección de Sol Choi y música de John Paesano.

El excepcional reparto de voces de la serie incluye a Steven Yeun (Mark Grayson/Invencible), J.K. Simmons (Nolan Grayson/Omni-Man), Sandra Oh (Debbie Grayson), Zazie Beetz (Amber Bennett), Gillian Jacobs (Atom Eve), Andrew Rannells (William Clockwell), Walton Goggins (Cecil Stedman), Jason Mantzoukas (Rex Splode), Mark Hamill (Art Rosenbaum), Khary Payton (Black Samson), Malese Jow (Dupli-Kate), Kevin Michael Richardson (The Mauler Twins), Seth Rogen (Allen the Alien), Mahershala Ali (Titan), Chris Diamantopoulos (Doc Seismic), Sterling K. Brown (Angstrom Levy) y el legendario Peter Cullen (Thaddeus).

La primera temporada de Invencible en Prime Video me pareció de lo mejor que se estrenó en la pequeña pantalla en 2021. Si el comic de Kirkman y Ottley me parece una pasada, la serie de televisión consiguió afinar aún más la fórmula, cambiando eventos de orden para conseguir un mayor impacto en el espectador, a la vez que abandonaba los elementos que quizá peor habían envejecido de un comic escrito por un Kirkman primerizo al que hay que reconocer que le costaba arrancar al principio. Los 8 episodios de la primera temporada fueron una maravilla totalmente reivindicable.

Es por esto que la espera de dos años y medio para poder disfrutar de estos episodios ha sido algo super exagerado, incluso entendiendo retrasos producidos por el COVID entre otros motivos. El especial con el origen de Atom Eve estrenado este verano apenas consiguió saciar mi sed de más aventuras en el mundo de Mark Grayson. De hecho, cambiando mi orden habitual en las reseñas, el único problema que le veo a este primer episodio de la segunda temporada es que Prime en una decisión inexplicable decidió dividir esta segunda temporada en dos partes, estrenando ahora 4 episodios y dejando para la primavera de 2024 (aproximadamente, no hay fecha oficial) una segunda tanda de 4 episodios. Por muchas excusas que se quieran dar, que tras dos años y medio no hayan conseguido terminar una serie de 8 episodios me parece un problema que no admite justificaciones. El anuncio que la tercera temporada no se demorará tanto porque ya están trabajando en ella, dado que Prime renovó en 2021 la serie con dos temporadas adicionales, no sirve para nada de alivio.

Dicho esto, la verdad es que este primer episodio me ha parecido soberbio. De nuevo comparando el comic con la serie, en los comics después de un suceso cataclísmico vienen unos episodios más pausados en los que los autores recolocan las piezas de cara al siguiente arco argumental. En la serie de Invencible hemos empezado a tope desde el primer segundo, al presentar a Amstrong Levy, el gran villano de esta temporada con un poder de saltar entre realidades alternativas, proveniente de una realidad alternativa en la que Mark se alió con su padre y masacró a los héroes de ese mundo y a población civil indefensa. Que Levy venga de esta realidad cruel y a pesar de todo intente realizar el bien, a pesar que sus métodos pueden estar equivocados, es un elemento interesante que ayuda a que empaticemos con él de cara a que se convierta en el gran villano que está destinado a ser. Además, que la serie empiece con Marc y Nolan masacrando a gente sin ningún contexto me descolocó un montón hasta que entendí que se trataba de una realidad alternativa, siendo un ejemplo de buena narrativa que engancha al espectador.

Marc sigue traumatizado por el destrozo que provocó descubrir que su padre era en realidad un viltrumita guerrero que buscaba esclavizar a la raza humana. Sin saber muy bien cual es su función, debe luchar por seguir siendo un héroe y demostrar a todo el mundo que no es como su padre. Antes, deberá convencerse a si mismo. El drama de Marc está muy bien construido en este episodio, y sirve para situarnos de forma modélica a Marc en el centro emocional de la serie, que es lo que tocaba hacer. Pero Invencible es también una serie coral, de forma que ver a los nuevos Guardianes del Globo es también una pasada, con un Cecil Stedman que no sabe si puede confiar en Invencible. o Debbie, la madre de Marc, también en proceso de duelo por lo que aprendió de su marido.

La animación es cumplidora como siempre, narrando bien la acción pero sin mejorar una historia ya de por si estupenda. Por suerte, el maravilloso casting de voces si añaden la emoción necesaria a la narración, consiguiendo que empaticemos con los personajes. En este inicio hemos vuelto a los momentos sangrientos, una de las señas de identidad de esta serie. Por supuesto en el prólogo en una tierra alternativa, pero también durante la pelea en la que decenas de gemelos Mauler de muchas realidades destrozan a Marc y están a punto de matarle, creando un momento super impactante y sangriento también. Y hablando de los Mauler, siempre que aparecen son protagoistas de momentos muy graciosos que consiguen aliviar el tono de la serie y que no todo sea un dramón super chungo.

Este primer episodio de la segunda temporada tiene una duración de 48 minutos, 44 sin los títulos de créditos finales. Y además de que pasan un montón de cosas impactantes, tiene la virtud dejar la serie en un momento apasionante que te hace querer saber cómo continúa la historia. Como los mejores cliffhangers comiqueros, la serie entiende que debe ofrecerte elementos que te hagan qquerer ver la serie la semana que viene, e Invencible en esto cumple también con nota en todo lo que se esperaba de ella.

Nos esperan unas semanas geniales mientras disfrutamos de Invencible. Y en este sentido, agradecer que Prime estrena la serie semanalmente, de forma que el disfrute y la conversación se alargará durante todo noviembre, en contraste con el impacto limitado que hubiera tenido si Netflix hubiera estrenado la serie de golpe como es su forma de proceder habitual.

Comparto el trailer de esta segunda temporada:

Invencible no podía empezar mejor en esta segunda temporada. Nos esperan unas semanas geniales, incluso a pesar del parón que tendremos en la serie a final de noviembre.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de El chico y la garza de Hayao Miyazaki

Con una semana de retraso se estrenó en mi ciudad la última película del Studio Ghibli de Hayao Miyazaki, El chico y la garza. Una película que no me podía perder.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

La película muestra el crecimiento psicológico de un adolescente a través de interacciones con sus amigos y su tío. Está basada en el libro de 1937 del mismo nombre escrito por Genzaburo Yoshino. (FILMAFFINITY)

Studio Ghibli es una institución para todos los amantes de la animación japonesa, responsable de obras maestras como La princesa Mononoke, Mi vecino totoro, El castillo ambulante y demasiadas más para resumirlas en estas líneas. El estudio fue co-fundado por Hayao Miyazaki, (Tokio, 1941) un animador, cineasta y dibujante de manga que ha alcanzado fama internacional como creador de películas de animación, y está considerado como uno de los cineastas más consumados de la historia de la animación.

El chico y la garza es una película de 123 minutos de duración que cuenta con guion y dirección de Miyazaki. Es la primera película desde el estreno en 2013 de El viento se levanta, película con la que se suponía que se jubilaba, aunque visto lo visto no sería descartable que si encuentra la historia adecuada, podamos disfrutar de una nueva película suya en el futuro.

Antes de ver El chico y la garza, estuve haciendo memoria intentando recordar qué película anterior del Studio Ghibli había visto en el cine. Y tengo que reconocer que creo que sólo vi El viaje de Chihiro (2001) y La princesa Mononoke (1997). Empezando porque la animación japonesa sigue siendo la gran desconocida en los canales maintream españoles fuera de Madrid, Barcelona y los festivales de turno tipo Sitges. Aunque bien mirado, lo mismo podría decirse en general de todo el cine asiático. Tener la oportunidad de ver la que se supone es la última película de Miyazaki era un lujo que no me podía perder.

El mayor interés para mi era ver la animación de Ghibli en pantalla grande, y desde ese puto de vista la película no decepciona. La animación de Ghibli es espectacular, con unos personajes que se mueven con una fluidez asombrosa, y unos fondos y paisajes de gran belleza. Al mismo tiempo, sin conocer la técnica exacta de animación, estoy bastante convencido que El chico y la garza se ha creado con animación tradicional en la mayoría de escenas, moviendo a los personajes fotograma a fotograma con dibujos hechos a mano, insertados encima de fondos pintados. Esto hace que la película tenga un regusto clásico de principio a fin, sumado a una historia ambientada en el Japón de 1943 que añade el toque atemporal al conjunto.

La película no me ha maravillado, pero me alegro de haberla visto en pantalla grande.

El caso es que la historia de El chico y la garza me daba igual, quería ver la película de una manera u otra para disfrutar de la animación de Ghibli. Y en este caso lamento decir que me he encontrado con una historia que aunque se vende como inspirada en la infancia del propio Miyazaki, al final parece un remake de El viaje de Chihiro, con un joven mudándose en este caso de Tokyo a un pueblo en el campo, que entrará en un mundo extraño habitado por seres sobrenaturales y amigos inesperados. La familiaridad en la historia en realidad no le hace ningún favor a esta película, más bien al contrario. De hecho, este viaje no deja de ser una sucesión de anécdotas contadas sin la más mínima tensión ni ritmo, mientras Mahito, el niño protagonista, viaja de un lugar a otro de este reino mágico conociendo a gente buena y seres peligroso, consiguiendo que la película se me hiciera larga en varios momentos.

Hay igual un tema cultural que creía haberme perdido mientras veía la película y que pensaba que me impidió disfrutar de la película. Pero el caso es que miré en google el significado de la garza para la cultura japonesa y es un símbolo de longevidad y una fuente de bendiciones y buena salud. Y nada de esto se refleja en la película, al ser de hecho la garza un disfraz de un ser sobrenatural que consigue convencer a Mahito a entrar en la torre que se cree que está encantada (y resulta estarlo, por lo que los mitos populares eran correctos). Igual hay otros simbolismos, pero ese en concreto no.

Por cierto, la película pasa de puntillas el hecho que el padre de Mahito está construyendo armas para abastecer al ejército japonés durante la Segunda Guerra Mundial, lo que le convierte de alguna manera en el villano a nivel general, al igual que toda la cultura racista y expansionista de Japón durante esos años. Al ser una película contada de alguna manera desde el punto de vista del niño, en realidad es un detalle que se pasa por alto, pero me pareció curioso mientras lo veía.

Fruto de crear situaciones sin fuerza que van pasando una tras otra a lo largo del metraje sin ninguna tensión, tenemos la aparición de seres sobrenaturales con sensación familiar de haber visto antes en otras películas de Ghibli, y un «porque si» que nos lleva hasta un climax al que de muevo le falta la más mínima tensión exigible a cualquier película. Hay alguna idea chula, como que los portales de la torre conectan diferentes momentos temporales, pero se quedan en pequeños destellos de una historia sin chispa que no me ha acabado de funcionar. Hablando de eso, el final en el que la familia se va y fin puede ser uno de los momentos más anticlimáticos que he visto en un cine este año.

Como decía antes, no me arrepiento de haber visto El chico y la garza en pantalla grande. Pero sí tengo que decir que en cierto sentido se me ha ido la sensación de mito y de cine imprescindible. En positivo, la película si tiene poso de narración atemporal alejada de las modas del momento, y la animación es una maravilla. Pero yendo sin ninguna expectativa la verdad es que me hubiera gustado connectar muchísimo más con esta película de lo que lo he hecho.

Comparto el trailer de la película:

El chico y la garza está bien sobre todo en lo referido a la animación, pero no es genial debido a una historia sin tensión ni personajes entrañables. No me parece mal haberla visto en pantalla grande, pero se me queda muy muy lejos de los clásicos del estudio.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

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Crítica de Pluto (Netflix)

Netflix estrenó el Anime de Pluto, la adaptación del célebre manga de Naoki Urasawa, y mi alegría ha sido total.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Serie de TV (2023). 8 episodios. Adaptación del manga homónimo de Naoki Urasawa, creado basándose en una historia del legendario mangaka Osamu Tezuka. Pluto sigue al detective de la Europol Gesicht en su intento por descubrir el misterio que se esconde tras una serie de muertes de robots y humanos. El caso se vuelve mucho más desconcertante cuando las pruebas apuntan a que los asesinatos son obra de un robot, algo que no ocurría desde hacía 8 años.

Naoki Urasawa (Fuchu, Tokio, 1959), es mi mangaka favorito. Le conocí gracias a Monster, manga multipremiado que le convirtió en una estrella internacional del comic. 20th Century Boys (con su continuación 21st Century Boys), Master Keaton (y Remastered) y Billy Bat han sido mangas que han disfrutado un montón, ofreciendo siempre una tensión y un desarrollo de personajes extraordinario. En la actualidad se encuentra realizando Asadora!, serie que sigue abierta.

Pluto es un manga de Naoki Urasawa publicado por la editorial Shōgakukan en la revista Big Comic Original entre 2003 y 2009. Takashi Nagasaki aparece como coautor de la serie, que fue supervisada por Makoto Tezuka, hijo de Osamu Tezuka. La serie está basada en la obra de Tezuka Astro Boy, específicamente en el arco argumental «El mayor robot en la Tierra», y nombrada en base al principal villano de este. Es España Planeta publicó esta serie en 8 tomos.

Pluto fue galardonada con el noveno Premio Cultural Tezuka Osamu y el Premio a la Excelencia en el séptimo Festival de Artes Audiovisuales de Japón, ambos en 2005. En 2010, la serie recibió el 41º Premio Seiun al Mejor Cómic y ganó el premio a la Mejor Serie en los Lucca Comics Awards de Italia. En Francia, el manga ganó el premio Prix Asie-ACBD 2010 en la Japan Expo y el Premio Intergeneracional 2011 en el Festival Internacional del Cómic de Angulema.

El anime de Pluto se enunció en el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy de 2017 a cargo de Studio M2. Toshio Kawaguchi es el director de la serie, con Urasawa realizando funciones de asesor creativo, Shigeru Fujita ha diseñado los personajes y es el director de animación, y Yugo Kanno compone la música. Los 8 episodios de esta serie cuentan con guion de Heisuke Yamashita y Tatsurou Inamoto.

El anime de Pluto es una traslación literal del manga de Urasawa. Resulta una pasada volver a disfrutar de esta historia que incluye temas muy maduros e interesantes. Empezando por la posibilidad que los robots / I.A.s puedan tener sentimientos y quieran formar familias, el precio de la guerra y las vidas rotas que deja, y su potente mensaje antibelicista al aprender el protagonista que no es posible crear nada si dejas que el dolor invada tu corazón. Por cierto, en esta historia nacida a partir de las repercusiones surgidas tras una guerra le encontré ciertas similitudes con el conflicto entre la Irak de Saddam Hussein y las democracias occidentales, con las mentiras alrededor de la búsqueda de las armas de destrucción masiva que no existieron en Irak.

Aunque a priori estamos ante una historia de Astro Boy, y eso puede provocar que la historia se viera como algo infantil, Urasawa hace un giro que consigue que Pluto atrape al lector / espectador, al convertir al inspector Gesicht, un robot policía que trabaja para la Interpol, en el protagonista de la historia. Gesich tiene que encargarse de la investigación de unos asesinatos de unos científicos y activistas en favor de los derechos de los robots y de la destrucción de varios super robots que hace años participaron en una guerra entre el reino de Persia y el resto del mundo. Unos crímenes que en seguida descubriremos que ha cometido la misma persona, un robot. Algo imposible a priori, teniendo en cuenta las leyes de la robótica.

El grupo de super robots a los que pertenecen Gesich y Atom (Astro Boy) está formado por Mont Blanc, North 2, Brando, Heracles y Epsilon y son personajes carismáticos e inolvidables. Y aunque la mayoría van a perecer a lo largo de la historia, Urasawa consigue contarnos sus historias de una forma que provoca más de una lágrima cuando su vida llega a su fin. El principal valor de Urasawa como creador de historias siempre nace a partir de la creación de personajes inolvidables y cómo no le importa alejarse de la historia principal con tal de presentar a unos personajes tridimensionales que te llegan al corazón. A la vez, tener en el fondo una historia procedimental en la que se está investigando unos crímenes para intentar detener al culpable permite plantear numerosos misterios y giros en la historia que consiguieron tenerme super intrigado e interesado ante lo que iba a pasar a continuación.

Uno de las cosas que hizo que Pluto sea uno de mis mangas favoritos tiene que ver que la historia se contó en apenas 8 volúmenes, una duración muy baja comparada a otros mangas. Tener una historia tan perfecta y emocionante con un final tan satisfactorio sin tener que leer miles y miles de páginas me parece una pasada, y el elemento distintivo que hace que lo recomiende a todo el mundo que quiere empezar a leer manga y no sabe por donde empezar. Dentro que obviamente hay mangas de todo tipo, género, público objetivo, claro.

Aparte de los robots, los humanos también ofrecen elementos muy interesantes y no exentos de polémica, empezando con el Doctor Tenma, el creador de Atom y que tendrá una importancia capital en la historia de origen del villano de la historia. También me gusta mucho Uran, la «hermana» de Atom que tiene una sensibilidad especial para leer las emociones a su alrededor. Sumando todos los elementos, Pluto forma un tapiz de personajes y situaciones super interesante y recomendable para todo tipo de lectores y espectadores.

Puestos a ponerle un pero, con este anime me ha pasado como con otras series similares que he visto en el pasado. Y es que al ser una traslación literal de la historia del comic se recrea un comic en imagen animada que se centra en la fidelidad pero se olvida de los valores que debe tener una obra audiovisual en lo relativo a ritmo, tensión o todo lo relativo al climax final. Si el manga de Urasawa me encanta este anime obviamente no puede ser malo, pero a la vez me sabe mal porque podía haber sido una de las grandes series de este año y en algunos momentos parecía un pase de diapositivas, con una frialdad excesiva que no resalta los numerosos momentazos.

Y es que en el comic el lector es el que marca el ritmo de lectura, y puede pararse en una imagen concreta o recrearse en una situación determinada que le ha impactado. Sin embargo, en el anime la historia está mostrada como si todo tuviera la misma importancia, una escena detrás de la otra. Y claramente no es así. De hecho, en algunos momentos hubiera agradecido que por ejemplo, en lugar de hacer 8 episodios de una hora, los productores hubieran planteado 12 episodios de 40 minutos, para que por ejemplo algunas muertes marcaran el final de un capítulo, para que al menos en los 10 segundos hasta que Netflix carga el siguiente el espectador pudiera asimilar la muerte que acabábamos de tener. Cosa que no sucede, claro.

Otro elemento es la propia animación, que encuentro funcional y cumplidora sin más. Dentro que los diseños de los personajes y de todo son clavado del manga, este tipo de animación tan habitual en Japón se limita a contar la historia de la forma más neutra posible, eliminando la posibilidad de que la animación añada elementos emocionales que enganchen aún más al espectador, como estamos viendo en obras como Arcane o Spiderman: Cruzando el multiverso. En realidad no puedo decir que la animación sea mala, pero tampoco es especialmente buena. Correcta y cumplidora sin más.

Este es un pero que he encontrado a este anime, pero no invalidad la obra en su conjunto, dado que Urasawa compone una historia universal con personajes inolvidables y unos temas complejos que me maravillan cada vez que leo el manga. Y ahora sentiré cuando veo este anime. A pesar de todo, creo que Pluto es una serie super recomendable que todo el mundo debería animarse a ver, aprovechando que está disponible en Netflix.

Comparto el trailer de esta serie:

Pluto ha sido una estupenda adaptación del manga de Urasawa, aunque igual un poco demasiado literal para conseguir la tensión que demanda el medio audiovisual. En todo caso, ha sido genial recordar el maravilloso manga del autor japonés.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de Castlevania: Nocturno temporada 1 (Netflix)

Disfruté mucho con las cuatro temporadas de Castlevania estrenadas en Netflix. Y aunque esta nueva serie Castlevania: Nocturno no está escrita por Warren Ellis sino que presenta una nueva historia creada por Clive Barley, le di una oportunidad.

PUNTUACIÓN: 7/10

Richter Belmont, un niño de 10 años que vive en Boston en 1783, es testigo de la muerte de su madre, Julia, a manos del poderoso vampiro azteca Olrox, que le perdona la vida. Huye a Francia, donde es criado por la maga altavoz Tera Renard junto a su hija María. Richter, descendiente de la familia Belmont, aparece en los emblemáticos juegos Symphony of Night y Castlevania Rondo of Blood.

Clive Barley es el creador y guionista de esta nueva serie de Castlevania que está basada en la serie de videojuegos de Konami, en concreto, los juegos Castlevania: Rondo of Blood y su secuela Symphony of the Night, que están ambientados en 1792, durante la Revolución Francesa. La serie de 8 episodios se ha estrenado en Netflix y cuenta con Sam Deats como director de todos los episodios. Deatds ya dirigió la serie anterior de Castlevania y ahora repite en la dirección junto a Adam Deats, Saren Stone y Tam Lu.

En lo referido al casting de voces, tenemos a Edward Bluemel como Richter Belmont, descendiente de Trevor y Juste Belmont y actual heredero del legendario látigo del «Asesino de Vampiros». Pixie Davies es Maria Renard, una joven aristócrata adinerada convertida en revolucionaria durante la Revolución Francesa. Thuso Mbedu interpreta a Annette, una joven hechicera que escapó de la esclavitud en el Caribe francés. Nastassja Kinski es Tera Renard, una maga oradora, madre de María. Sydney James Harcourt es Edouard, antiguo cantante de ópera y compañero de Annette en la caza de monstruos. Richard Dormer interpreta al Abad Emmanuel, un Maestro de la Forja que busca preservar el poder de la Iglesia. Aaron Neil como Mizrak, un caballero a las órdenes del Abad y amante de Olrox (Zahn McClarnon), un vampiro azteca que mató a Julia, la madre de Richter, completarían el reparto.

Castlevania: Nocturno es una historia completamente nueva ambientada siglos más tarde de la serie original en la Revolución Francesa. Sin embargo, las señas de identidad se mantienen intactas, al tener una historia de la lucha de un grupo de humanos con habilidades sobrenaturales contra el poder de los vampiros, que en este contexto son los nobles que sometían Francia, con una facción en medio con la habilidad de forjar demonios a partir de cadáveres que significan el elemento caótico e inesperado de la historia.

Clive Barley creo que realiza un buen trabajo como guionista y creador de la serie, planteando una historia que se desarrolla a un buen ritmo con buenos personajes e impactantes giros y sorpresas. Dentro que me ha gustado la serie, también diré que le falta la mala leche y los diálogos macarras que Warren Ellis incorporó a la serie cuando la escribió. Con todo, la serie tiene buenos momentos en todos los episodios, destacando por su dramatismo el prólogo donde asistiremos a la muerte de la madre de Richter cuando él era un niño. Los ocho episodios tienen una duración entre 24 y 30 minutos y en todos se incluye al menos una potente escena de acción, de forma que siempre te quedas con ganas de más.

Los nuevos personajes, héroes y villanos, tienen una buena presentación y creo que van a dar mucho juego en próximas temporadas. Me ha gustado bastante Richter, un digno sucesor de la familia Belmont que bajo la fachada de tío duro tiene el miedo y el recuerdo ante la muerte de su madre, los principales demonios que tendrá que combatir. María y su madre Tera y la caribeña Annette tienen habilidades que molan y las permiten enfrentarse a los no muertos con posibilidades de éxito.

Los monstruos y los vampiros tienen unos diseños que transmiten su peligrosidad, y como en las temporadas previas hay momentos super sangrientos que me molan y conectan con mis gustos. Las coreografía de acción con el uso de los poderes de los héroes ofrece escenas que están bastante bien, dejándome la serie bastante satisfecho.

Dicho esto, la verdad es que la animación vuelve a ser el eslabón débil del conjunto. La historia se cuenta de forma bastante funcional, pero falta el dramatismo y la emoción, al ser esta la típica animación malilla que no mejora el visionado. De hecho, las escenas de acción en general estaban bastante bien planteadas pero justo en el último episodio las peleas han sido un caos en las que no se veía nada. Casi parecía que la animación la aumentaron de velocidad para disimular que era mucho más floja que en episodios anteriores, como si se hubieran quedado sin presupuesto y hubieran terminado como buenamente pudieron.

Dentro de este elemento menos bueno, el menos me acostumbré en seguida al estilo de animación, de forma que no me molestó ni empañó el visionado, aunque si hubiera deseado que los productores y Netflix invirtieran más recursos para que la animación destacara más. En todo caso, la verdad es que Castlevania: Nocturno me dejó con ganas de más, por lo que si mantengo mi suscripción a Netflix, veré seguro la segunda temporada.

Cuando una serie de televisión además de entretener te deja con ganas de más realmente se puede considerar que ha cumplido su función. Espero que Netflix confirma la renovación de la serie, cosa que si no estoy equivocado aún no se ha confirmado. Si te gusta Castlevania en cualquier de sus representaciones, no te puedes perder esta serie.

Comparto el trailer de la serie:

Castelvania: Nocturno me ha perecido una serie super entretenida que estoy seguro gustará a los fans de la franquicia.

PUNTUACIÓN: 7/10

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