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Crítica de The Mandalorian and Grogu IMAX de Jon Favreau

The Mandalorian es lo mejor que le ha pasado a la franquicia de Star Wars desde que Disney compró Lucasfilm. Ante un momento de dudas e incertidumbre, Lucasfilm ha ido a lo seguro con The Mandalorian and Grogu, la primera película de la franquicia galáctica en siete años, que esté dirigida por el creador de Mandalorian, Jon Favreau,

PUNTUACIÓN: 8/10

Continuación de la serie The Mandalorian en forma de película. El Imperio ha caído y los señores de la guerra imperiales siguen dispersos por toda la galaxia. Mientras la incipiente Nueva República trabaja para proteger todo por lo que luchó la Rebelión, ha reclutado la ayuda del legendario cazarrecompensas mandaloriano Din Djarin y su joven aprendiz Grogu.

Jonathan Kolia Favreau (Nueva York, 1966) es un actor y director norteamericano. Como actor, Favreau ha aparecido en numerosas películas, como Rudy (1993), PCU (1994), Swingers (1996), Very Bad Things (1998), Deep Impact (1998), The Replacements (2000), Daredevil (2003), The Break-Up (2006), Four Christmases (2008), Couples Retreat (2009), I Love You, Man (2009), People Like Us (2012), The Wolf of Wall Street (2013) y Chef (2014).

Como cineasta, Favreau ha tenido una participación significativa en el Universo Cinematográfico de Marvel. Dirigió, produjo y apareció como Happy Hogan en las películas Iron Man (2008) e Iron Man 2 (2010). También ejerció de productor ejecutivo o interpretó al personaje en las películas Los Vengadores (2012), Iron Man 3 (2013), Los Vengadores: La era de Ultrón (2015), Spider-Man: Homecoming (2017), Los Vengadores: Infinity War (2018), Los Vengadores: Endgame (2019), Spider-Man: Lejos de casa (2019), Spider-Man: No Way Home (2021) y Deadpool & Wolverine (2024).

También ha dirigido las películas Elf (2003), Zathura: Una aventura espacial (2005), Cowboys & Aliens (2011), Chef (2014), El libro de la selva (2016), El rey león (2019) y, ahora The Mandalorian y Grogu (2026).

Favreau creó dentro del universo de Star Wars The Mandalorian. Sin lugar a dudas, lo mejor que se ha hecho en el mundo de Star Wars desde que Disney compró Lucasfilm. Junto a Dave Filoni ha ejercido de productor ejecutivo en todas las series derivadas de la esta parte de la franquicia, incluidas The Book of Boba Fett, Ahsoka y Skeleton Crew.

En un momento de crisis creativa dentro de Star Wars provocado por el desastre de la tercera trilogía de películas y de algunas series lamentables estrenadas en Disney+, Lucasfilm ha estado 7 años sin estrenar en cine una nueva película de Star Wars. Entiendo que primero de todo, porque no saben qué hacer con la franquicia. Pero también ante el convencimiento que la idea de estrenar una película al año de Star Wars robó a la franquicia la sensación de EVENTO cinematográfico. Es significativo que en medio de este desierto y de las dudas por el futuro de la franquicia, haya sido The Mandalorian and Grogu la primera película estrenada tras todos estos años. Por cierto, es llamativo que Starfighter, la siguiente película de Star Wars protagonizada por Ryan Gosling que se estrenará en 2027, comparta con esta película su naturaleza de película autónoma que no plantea el inicio de nuevas trilogías ni nada que se le parezca.

Para The Mandalorian and Grugu, Favreau colabora con el actual hombre fuerte de Star Wars en Lucasfilm, Dave Filloni. Ambos escriben el guion de la película, junto a Noah Kloor, y producen esta película de 132 minutos de duración y un presupuesto estimado de 165 millones de dólares. La película cuenta con fotografía de David Klein, montaje de Rachel Goodlett Katz y Dylan Firshein, y música del virtuoso Ludwig Göransson.

En el reparto tenemos a Pedro Pascal en el papel de Din Djarin / The Mandalorian, con Brendan Wayne y Lateef Crowder como sus dobles; Grogu, el pupilo del Mandaloriano, un bebé de la misma especie que Yoda; Jeremy Allen White como Rotta el Hutt, hijo del difunto señor del crimen Jabba el Hutt; y Sigourney Weaver como Ward, coronel y líder de los Adelphi Rangers de la Nueva República. A modo de curiosidad, Martin Scorsese pone la voz a Hugo, un Ardennian dueño de una tienda en Shakari.

Quiero empezar mi reseña de The Mandalorian and Grogu (a partir de ahora, TM&G) de una forma poco habitual para mi. Porque estoy harto de ver que el mundo del entretenimiento mainstream se ve influido por gente, opinadores más o menos profesiones y/o influencers, que critican una película no por lo que la película es u ofrece, sino por lo que a ellos le gustaría que hubiera sido. El review-bombing que sufrió Michael por parte de los medios americanos progresistas woke fue un ejemplo perfecto de esto. Y está volviendo a suceder con TM&G.

«Después de 7 años sin películas de Star Wars, TM&G debería ser un evento enorme.»

«La película no plantea un worldbuilding con el que se iniciará una nueva serie de películas«.

«Me hubiera gustado algún cameo para que la película fuera mejor«.

Estos son ejemplos extraídos de las redes sociales estos días, que al final se reducen a lo que comentaba, la gente se queja porque no han incluido en la película lo que estas personas querían. Y ya está bien.

Ya está bien porque los fans de la serie de televisión de The Mandalorian ya sabemos el tipo de historia podemos esperar. Y dentro de ese grupo, creo imposible que nadie vaya a ver esta película y no le guste. Pero dentro de los no fans del personaje o en general de Star Wars, ver un 60% en Rotten Tomatoes, que significa que el 40% de los «críticos» cuyas valoraciones cuentan para este agregador, han suspendido la película, si puede condicionar que alguien vaya a verla o no.

Y me parece lamentable.

Ya entrando en mi valoración, The Mandalorian and Grogu me ha parecido una maravillosa película de aventuras que recupera el espíritu de clásicos como Indiana Jones o Willow. Películas en las que lo importante era la aventura y el entretenimiento del espectador, sin pretender ser otra cosa que eso.

«Después de 7 años sin películas de Star Wars, TM&G debería ser un evento enorme». ¿PERO TU HAS VISTO LA SERIE DE THE MANDALORIAN? Este comentario que he leído numerosas veces expresado por cotorras sin pensamiento propio, demuestra lo más pernicioso de un factor del público que supuestamente se declaran fans, pero no son más que niños pequeños que lloran si no obtienen la satisfacción inmediata que demandan. Como si su opinión tuviera que tener la más mínima importancia para creadores como Jon Favreau que claramente ama a SUS personajes y quieren lo mejor para ellos. Y precisamente por eso, lo más correcto para Mando y Grogu es una película que sin más ambición que la de ofrecer una aventura maravillosa. Cosa que consiguen de principio a fin.

La película empieza con una primera misión de Mando que recuerda las películas de James Bond. En el arranque hemos aprendido que tras la caída del Emperador en El retorno del Jedi, la Nueva República está intentando controlar toda la galaxia, aunque siguen encontrándose con sectores controlados por los restos del Imperio. Sobre todo en los Bordes Estelares. Aprendemos que el cazarrecompensas Din Djarin, también conocido como el Mandaloriano, y su hijo adoptivo Grogu, trabajan para la Nueva República para dar caza a los señores de la guerra imperiales. En esta primera aventura veremos eso precisamente, al infiltrarse Mando en una base imperial en la que chantajean a los habitantes de los pueblos cercanos, para seguir con una vertiginosa persecución a unos AT-ATs por unas montañas heladas. Esta primera misión me parece una maravilla, con montones de momentazos visuales que me encantaron.

Uno de los grandes aciertos de The Mandalorian and Grogu es que es una película perfecta para enganchar a nuevos espectadores. La película te ofrece la información suficiente para entender y disfrutar de la película sin necesidad de tener que ver nada previamente. En este mundo de franquicias cinematográficas y televisivas, y Star Wars no es precisamente sencilla en este aspecto, TM&G es un oasis en un mundo del entretenimiento que exige una adhesión cada vez más compleja. Y tras el enorme fracaso de SW Los últimos Jedi y SW El ascenso de Skywalker, me parece perfecto que Lucasfilm esté planteando un reinicio soft de Star Wars que se centre en la cronología de la serie de televisión, obviando los años posteriores que vimos en los lamentables episodios VII, VIII y IX.

En esta primera misión que sirve de prólogo de la película se presenta a Zeb Orelios, el alien del planeta Lasan que fue uno de los protagonistas de la serie de animación Star Wars Rebels, y al que vimos en el último episodio de la tercera temporada de The Mandalorian. Zeb trabaja con la República y es uno de los pilotos en la base de los Adelphi Rangers. Una base liderada por la coronel Ward, interpretada por Sigourney Weaver.

La comandante Ward pide a Mando que localice al misterioso señor de la guerra imperial Coin, del que no ha podido encontrarse ni siquiera una fotografía con su aspecto. La Nueva República ha recibido información sobre su paradero de manos de los gemelos Hutt, hermanos y sucesores del difunto señor del crimen Jabba. Pero los hutts solo facilitarán esta información a cambio de que Mando rescate y lleve a su presencia a Rotta, hijo y heredero de Jabba, que se encuentra prisionero de una organización criminal en el planeta Shakari, dirigida por el señor Janu. Por supuesto, conociendo a los hutts, sus intenciones no son todo lo fiables que a Mando le gustaría, y Mando y Grogu se verán abocados a un montón de problemas, traiciones y situaciones inesperadas.

Aunque la película es cierto que tiene una cierta cualidad episódica, y estoy seguro que en su origen el esqueleto de esta historia hubiera podido ser la trama de toda una temporada de The Mandalorian, en realidad TM&G nos cuenta una historia concreta con un final satisfactorio y cerrado: El enfrentamiento de Mando contra los Hutts de Nal Hutta. Puede que esta historia no sea lo que mucha gente esperaba, pero Jon Favreau realiza un trabajo sobresaliente.

Una de las principales sorpresas de The Mandalorian and Grogu es la presentación en imagen real de Rotta el Hutt, hijo de Jabba, que en la versión original cuenta con la voz de Jeremy Allen White (The Bear, Springsteen: Deliver me from nowhere). Rotta quiere labrarse su propio futuro alejado de la sombra criminal de su padre, y es un gladiador en un coliseo de peleas en Shakari. Star Wars consiguió una parte fundamental de su popularidad por la gran cantidad de aliens que poblaban sus aventuras, y tener a un hutt bueno es una novedad estupenda. Además, comparte una química brutal con Grogu, lo cual es siempre un acierto.

Por supuesto, Mando es la estrella de gran parte de la película. Y aquí hay que destacar el increíble acierto que Favreau tuvo en la creación de Mando y como es capaz que los espectadores conectemos con un protagonista al que nunca vemos la cara. Sus escenas de acción son sobresalientes, con un montón de momentazos visuales a lo largo de la película. Desde el prólogo, tenemos la pelea en el bar, la pelea en el circo de gladiadores, o el momentazo contra un Dragonsnake bajo el palacio de los hutts. Visualmente la película luce increíble. Pero ese no es su único punto fuerte.

Porque la película se titula The Mandalorian and Grogu. Y Grogu no es un florero que luce super cuqui mientras Mando hace todo el trabajo. Otra de las partes más satisfactorias es el protagonismo que cobra Grogu cuando Mando es herido, teniendo que hacer todo lo que está en su mano para curarle. Desde el comienzo de The Mandalorian, Grogu ha pasado de ser un bebé a un compañero capaz de Mando que puede ayudarle en momentos clave. Que la película nos muestre esto me encanta. Y conecta con algo que comentaba antes. Se nota que Favreau ama a los personajes y quiere lo mejor para ellos. Eso es algo que se transmite y que yo como espectador tengo claro tras ver la película.

No se qué deparará el futuro de Mando y a Grogu. Si tendremos nuevas películas o volverán a la pequeña pantalla. Pero mientras Jon Favreau esté a los mandos, yo estoy tranquilo y seguiré pagando por verlo.

The Mandalorian and Grogu destaca mucho por la presencia de muchísimos aliens que sirven para ampliar la escala de la galaxia. El momento Dragonsnake es uno de los mejores de la película. Pero hay un montón de nuevos aliens que me han gustado mucho y han dado una sensación de amenaza tremenda.

Una de las mayores sorpresas positivas de la película viene con la presentación en imagen real de Embo, el cazarrecompensas que captura a Mando. El personaje apareció por primera vez en la serie animada The Clone Wars, en la que ya se mostraba su relación con los Hutts. Como comentaba antes, este es un detalle para los muy cafeteros, pero en realidad su presencia en la película se explica por si sola y representa un enemigo feroz para Mando. Que Embo escape me parece un acierto absoluto, porque puede ser un villano que de mucho juego en el futuro.

Junto a alienígenas digitales, hay también muchos efectos prácticos, algo que hace que la película tenga el ADN Star Wars. Eso unido a los variados mundos que visitan Mando y Grogu ayuda a que la película tenga el espíritu correcto dentro de una aventura notable.

Hay que destacar una vez más a Grogu y la capacidad que tiene un muppet de robarnos el corazón. Es un pequeño milagro. Grogu roba la película cuando tiene que hacerlo, y me gusta mucho el humor que encontramos cuando Grogu tiene que compartir aventuras con los diminutos Anzellans a los que conocimos en The Mandalorian. Si a mi este humor me funciona, imagino que va a hacer las delicias a los más pequeños.

The Mandalorian and Grogu es una película notable de aventuras. El único pero que le puedo poner es que sobre todo el climax está muy bien, pero no es sobresaliente. Me dejó con buen sabor de boca pero no hay nada que me volara la cabeza. Lo cual no es por supuesto algo negativo. Pero que es algo que tengo que decirlo también.

En estos momentos de franquicias y worldbuildings, Jon Favreau nada contracorriente ofreciendo una película que «sólo» es una aventura sin más ambición que el entretenimiento. Una historia contenida en si misma que no busca ser el inicio de nada, más bien la celebración de unos protagonistas amados por millones de espectadores de su serie de Disney+. Es cierto que el mundo del cine se mueve por las promesa de EVENTOS IMPORTANTES, que son los que consiguen llevar a los espectadores a los cines. Pero la valoración de TM&G por lo que es y no por lo que otros querrían no puede ser más que positiva. Porque no creo que nadie al que le guste la serie de The Mandalorian pueda salir del cine diciendo que la película no le ha gustado.

De hecho, el ADN de aventura pura que plantea Jon Favreau conecta directamente con el espíritu con el que George Lucas creó las primeras películas de Star Wars. De hecho, la serie The Mandalorian y ahora la película The Mandalorian and Grogu es lo más Star Wars que se ha hecho nunca. No puedo estar más con ello. En contraste, imagino que una gran parte de los críticos profesionales que afirmaron que Andor es lo mejor que se ha hecho en Star Wars son a los que NO ha gustado la película. Críticos que obviamente alabaron Andor porque en realidad no les gusta Star Wars.

Volviendo a una de las críticas que leí en redes sociales, «La película no plantea un worldbuilding con el que se iniciará una nueva serie de películas«, esto es un problema de Lucasfilm, no de Jon Favreau. En un momento en que Star Wars está perdida y sin rumbo, resulta refrescante haber visto una película autoconclusiva y auto contenida en si misma que resulta tan entretenida, carismática y con el corazón en el sitio correcto.

Resulta lamentable que el daño que ha provocado el erróneo liderazgo de Kathleen Kennedy en Lucasfilm ha provocado que la marca Star Wars esté dañada y sea muy difícil de reparar. Películas como El ascenso de Skywalker y series como The Acolyte han dañado gravemente a Star Wars. Pero arreglar ese problema no es responsabilidad de esta película, aunque algunos lo sugieran.

Aunque pensando en ello, plantear las películas de Star Wars primero de todo como entretenimiento para todos los públicos en el sentido más amplio del término si es un camino en la buena dirección para «arreglar» la marca Star Wars. Poner a los personajes y la historia primero, y no una agenda identitaria, es el camino a seguir. En eso, Favreau está haciendo lo correcto. Veremos si el nuevo liderazago de Dave Filloni entiende esto mismo.

En los últimos tiempos he sufrido más de un par de malas experiencias en los cines de Castellón donde vivo, al proyectar las películas en malas condiciones, demasiado oscuras y sis definición ni contraste en la imagen, lo que impide que se vea bien lo que está pasando. Es por esto que no nos quisimos arriesgar y para The Mandalorian and Grogu nos fuimos a Kinépolis para ver la película en su formato IMAX. Y tengo que decir que aunque la pantalla es bastante más alta que una pantalla normal, en realidad esperaba que fuera mucho mayor, sobre todo en el ancho, que se parece demasiado a una pantalla normal.

En lo que el visionado en IMAX fue excelente es con la forma en que proyectaron la película, viéndose perfectamente incluso en escenas oscuras los detalles de la armadura de Mando o las caras de los personajes. La calidad de imagen y de sonido me ha parecido sobresaliente. Obviamente no puedo ir a Valencia para cada estreno, pero volveré más veces a Kinépolis.

The Mandalorian and Grougu me ha parecido pura diversión. Os invito a todos a verla en la mejor pantalla posible, con las mejores condiciones de imagen y sonido. La magia del cine también es cuando una historia consigue enamorar a los padres y a sus hijos, y en eso, creo que tenemos un éxito absoluto independientemente de lo que muestra la recaudación de la película.

Comparto el trailer de The Mandalorian and Grogu:

The Mandalorian and Grogu es una estupenda película de aventuras que recupera el espíritu sin pretensiones del género. Hará las delicias de todos los fans de los personajes. Eso es todo lo que hay que saber.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de G.I. Joe 21 de Joshua Williamson y Tom Reilly (Image Comics)

Joshua Williamson y Tom Reilly, con Lee Loughridge en el color, inauguran en el Universo Energon la tradición de los números silenciosos en G.I. Joe 21. Un comic increíble que me ha volado la cabeza.

PUNTUACIÓN: 9/10

¡VUELVEN STORM SHADOW Y SCARLETT!

Los Arashikage y Cobra ya se han enfrentado una vez… ¡prepárate para la SEGUNDA RONDA!

¿Se verá obligado G.I. Joe a ponerle fin?

El número 21 de la colección original de G.I. Joe de 1984 es un comic mítico porque nos trajo el primer número silencioso de la colección, protagonizado por Snake Eyes. Joshua Williamson ha decidido recrearlo en el Universo Energon en este número, aunque con alguna diferencia. Porque el comic no es del todo silencioso, hay unos pequeños textos al principio del comic para dar el contexto necesario para que los lectores sepamos lo que va a pasar. Sin embargo, a partir que Jinx hace el signo de «Silencio», como puedes ver en las páginas de preview, empieza el silencio absoluto.

Que no haya bocadillos de texto no significa que no haya historia. Empezando por tener la primer aparición de Scarlett y Storm Shadow en la colección de G.I. Joe tras verles en la miniserie de Scarlett, una ver las primeras del Universo Energon. El enfrentamiento entre el Clan Arashikage y Cobra que vimos en esa miniserie se convierte en una guerra abierta en este número. Y las consecuencias de este número van a ser muy importantes en el futuro de los Joes y del Universo Energon en su conjunto.

Aunque la historia de Williamson cumple, el verdadero MVP es Tom Reilly, que nos da una master-class de narrativa comiquera. Ver este comic ha sido una locura maravillosa. Y no es sólo que Reilly narre la acción como nadie, es que nos regala con recursos narrativos alucinantes, como una serie de viñetas desde el punto de vista de Storm Shadow. Además de Reilly, el color de Lee Loughridge me parece bestial también. Por ejemplo, hay una imagen con Scarlet, Storm Shadow y Jinx en medio de la nevada en el patio rodeados de enemigos muertos con la nieve manchada de rojo que me parece espectacular. Con unas reminiscencias tremendas al primer volumen de Kill Bill.

Otro elemento que me gusta muchísimo es la emoción que Reilly transmite a los protagonistas sin necesidad de bocadillos de textos. El final del comic es magistral. Si algo queda claro, ni Scarlett ni Storm Shadow va a dejar que las cosas queden de esta manera.

G.I. Joe es uno de los comics más disfrutables que estoy leyendo ahora mismo. Y este número silencioso me ha volado la cabeza.

Comparto las primeras páginas del comic:

En número silencioso de G.I. Joe me ha parecido una maravilla. Así da gusto.

PUNTUACIÓN: 9/10

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Crítica de Laberinto en llamas de Paul Greengrass (Apple TV)

Gracias a mi suscripción a Apple TV pude ver Laberinto en llamas, la estupenda película de Paul Greengrass inspirada en hechos reales protagonizada por Matthew McConaughey.

PUNTUACIÓN: 8/10

En uno de los incendios forestales más devastadores de la historia de Estados Unidos, en los alrededores de la localidad de Paradise, Kevin McKay, un conductor de autobús escolar, y Mary Ludwig, una maestra de Infantil, luchan para salvar a 22 niños del aterrador infierno.

Paul Greengrass (Surrey, Inglaterra, 1955) es un director de cine, productor, guionista y antiguo periodista inglés. Una de sus primeras películas, Bloody Sunday (2002), ganó el Oso de Oro en el 52.º Festival Internacional de Cine de Berlín. Entre otras películas dirigidas por Greengrass se incluyen tres entregas de la saga de thrillers de acción Bourne: El mito de Bourne (2004), El ultimátum de Bourne (2007) y Jason Bourne (2016). También dirigió United 93 (2006), por la que Greengrass ganó el premio BAFTA al mejor director y recibió una nominación al Óscar al mejor director; así como Green Zone (2010) y Captain Phillips (2013). En 2004, coescribió y produjo la película Omagh, que ganó el premio al mejor drama en los British Academy Television Awards.

Paul Greengrass ha coescrito el guion junto a Brad Ingelsby, basado en el libro Paradise, de Lizzie Johnson, publicado en 2021. La película de 130 minutos de duración tiene fotografía de Pål Ulvik Rokseth; montaje de William Goldenberg, Paul Rubell y Peter M. Dudgeon; y música de James Newton Howard.

En el reparto encontramos a Matthew McConaughey como Kevin McKay, el conductor del autobús; America Ferrera interpreta a Mary Ludwig, la profesora que acompaña a Kevin; Yul Vázquez es Ray Martínez, jefe de división de CAL FIRE; Ashlie Atkinson hace de Ruby Bishop, directora de transporte; Levi McConaughey es Shaun McKay, el hijo de Kevin; Kay McCabe McConaughey es Sherry McKay, la madre discapacitada de Kevin; y Kate Wharton es Jen Kissoon, jefa de batallón de CAL FIRE.

Paul Greengrass tiene la capacidad de plantear sus historias desde el punto de vista de personas corrientes que tienen que enfrentarse a situaciones extraordinarias. Este es el punto de partida de Laberinto en llamas, al situar a dos personas con sus problemas cotidianos en medio del mayor incendio que ha sufrido el estado de California. Un incendio en el que las altas temperaturas, el fuerte viento y un nulo mantenimiento de los montes provocó que unas chispas de una estación eléctrica se convirtieran en una catástrofe.

La línea narrativa principal es la protagonizada por Matthew McConaughey, que interpreta a Kevin McKay, el conductor del autobús. Kevin tiene problemas familiares en casa y sólo está deseando terminar su jornada laboral para ir a casa donde están su madre y su hijo enfermo. Lamentablemente, no va a poder llegar a tiempo, porque surge un encargo que sólo él puede cubrir, recoger a unos niños de un colegio cuyos padres trabajan fuera de la localidad y no van a llegar a tiempo para recogerles tras activarse la alarma de incendios. Me entero escribiendo esta reseña que la madre y el hijo de Kavin en la película son en realidad los de Matthew, lo cual es una curiosidad más que otra otra.

McConaughey hace un trabajo intenso y creíble en medio de una situación imposible. Gracias a él y a America Ferrera, que interpreta a Mary Ludwig, la profesora de los niños que acompaña a Kevin, la película triunfa y nos engancha emocionalmente. Si hay un corazón emocional, sin duda son ellos dos.

Luego la segunda trama de la película se centra en los intentos de las autoridades por extinguir el incendio que acabarán transformarse en los intentos en salvar gente ante la imposibilidad de hacerlo. En ese lado tenemos a Yul Vázquez interpretando a Ray Martínez, jefe de división de CAL FIRE que se vió sobrepasado y sin los recursos necesarios para luchar contra el fuego.

Laberinto en llamas es una película que te tiene en tensión casi de principio a fin. Ver la extensión de incendio, la imposibilidad de los bomberos para hacer nada por evitar que llegue a pueblos habitados, y la gente atrapada en atascos de tráfico mientras el incendio se acerca eran situaciones que me tenían de los nervios mientras veía la película. Saber que aparte de algunas exageraciones de la película, en lo fundamental lo que vemos pasó en la realidad, con varios pueblos arrasados y miles de familias perdiéndolo todo, es una situación terrible.

Para conseguir esta tensión, la dirección de Greengrass de cámara al hombros consigue meter al espectador siempre en medio de la acción. Además, aunque no estoy seguro, diría que la película alterna metraje rodado con clips reales de bomberos y gente luchando contra incendios, no se si este u otro, lo que consigue que las imágenes tengan aún mayor potencia dramática. Dentro de la dimensión humana de la catástrofe, me gusta cómo Greengrass plantea una crítica a los políticos que ven como cada año hay más incendios y de mayor virulencia, pero no ponen los medios para prevenirlos ni combatirlos. No es la parte principal de la historia, que es el drama del autobús por sobrevivir, pero me gusta que se añada a la historia.

Visualmente la película es super potente también. Tengo claro que han debido plantear montones de planos con efectos digitales añadiendo el fuego, a más o menos distancia de la gente. Pero lo mejor que se puede decir de ellos es que no parecen efectos y si planos reales sacados de un incendio. Si a eso le añadimos un montaje espectacular que amplifica el drama y la tensión, tenemos una combinación ganadora.

Laberinto en llamas me ha parecido un peliculón. Me asombra la capacidad que tiene de mantenerme en tensión cuando se trata de una película de más de dos horas. Estoy pensando en algo menos bueno que comentar de ella y en realidad no lo encuentro, todo cumple su función de forma espectacular.

Comparto el trailer de la película:

Laberinto en llamas es una película estupenda que te tiene durante todo el visionado con una tensión bestial. Merece la pena.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Michael de Antoine Fuqua

El biopic de la vida de Michael Jackson dirigido por Antoine Fuqua apunta que puede convertirse en una de las películas más taquilleras de 2026. Hoy comparto mis impresiones.

PUNTUACIÓN: 8/10

El viaje de Michael Jackson más allá de la música, desde el descubrimiento de su extraordinario talento como líder de los Jackson Five hasta convertirse en una visionaria estrella cuya ambición creativa despertó un incansable afán por consagrarse como el mayor icono de la industria del entretenimiento. (FILMAFFINITY)

Antoine Fuqua es un veterano director especializado en el cine de acción que ha trabajado en multitud de ocasiones con Denzel Washington, empezando con Training day, el peliculón de 2001 con el que Washington ganó el Oscar. Fuqua ha dirigido Rey Arturo, La lágrimas del sol, Shooter, Objetivo: La Casa Blanca, el remake de Los siete magníficos (también con Denzel), además de la tres películas de The Equalizer.

Michael cuenta con un guion de John Logan, veterano guionista de Hollywood de películas como Gladiator (2000), The Last Samurai (2003), Sweeney Todd (2007), The Aviator (2004), Hugo (2011), y las películas de James Bond Skyfall (2012) and Spectre (2015). La película de 127 minutos de duración ha contado con un presupuesto cercano a los 200 millones de dólares. Michael tiene fotografía de Dion Beebe; montaje de John Ottman, Harry Yoon, Conrad Buff IV y Tom Cross; y música de Lior Rosner.

En el reparto tenemos la presentación de Jaafar Jackson, sobrino de Michael, como su tío Michael Jackson. Juliano Krue Valdi interpreta a Michael de niño. Colman Domingo y Nia Long interpretan a los padres de Michael, Joseph y Katherine. Miles Teller da vida a John Branca, el abogado de Michael; KeiLyn Durrel Jones interpreta a Bill Bray, el guardaespaldas de Michael; y Laura Harrier da vida a Suzanne de Passe, asistente creativa de Berry Gordy en Motown.

Jessica Sula en el papel de La Toya Jackson, la hermana mayor de Michael; Jamal R. Henderson en el papel de Jermaine Jackson, el hermano mayor de Michael; Jayden Harville en el papel del joven Jermaine, Tre Horton como Marlon Jackson, el hermano mayor de Michael; Jaylen Lyndon Hunter como el joven Marlon; Rhyan Hill como Tito Jackson, el hermano mayor de Michael; Judah Edwards como el joven Tito; Joseph David-Jones como Jackie Jackson, el hermano mayor de Michael; Nathaniel Logan McIntyre como el joven Jackie, y Mike Myers como Walter Yetnikoff, presidente de CBS Records

Michael NO es un biopic que cubra toda la vida de Michael, sino que se centra en el periodo de 20 años comprendido entre 1968 y 1988. En el principio, el despótico padre de los Jackson Joseph, entrenaba a sus 5 hijos para que formaran un grupo musical que les sacara de la pobreza. De los 5 hermanos Jackson, es el pequeño Michael es que muestra un talento descomunal, que irá puliendo a lo largo de los años hasta convertirse en el artista de más éxito de la historia del pop.

Y tengo que empezar con el elefante en la cacharrería. Michael ha sufrido un review-bombing lamentable por parte del stablishment del mainstream americano al no contar los aspectos más oscuros de la vida de Michael Jackson que ellos exigían que aparecieran. Jackson fue acusado de abuso infantil, pero nunca fue condenado de nada (que yo sepa). Si Michael hizo lo que se le acusa, sería un malnacido, pero lo que pasó entre él y los niños a los que invitaba a su casa a pasar tiempo con él no lo sabremos nunca. Y aunque hay declaraciones de las supuestas víctimas que son dolorosas de leer, también han habido casos de denuncias que parecen un intento de chantaje contra la familia Jackson para sacarles dinero. Sin ir más menos, el estreno de la película ha provocado una nueva demanda, esta vez contra la familia y los abogados que llevan sus negocios.

Pensar que una película en la que la familia Jackson ha tenido mano en la producción iba a dejar alguna sombra hacia Michael era ridículo. Pero más si pensamos que el marco temporal de la película sólo llega hasta 1988, mucho antes que los sucesos oscuros denunciados tuvieran lugar. El odio hacia la película ha sido palpable por parte del mainstream, y ya os digo que las quejas de muchas críticas hacia la película es que no reflejaban cosas que ellos querían. Por suerte, la opinión de estas personas y empresas no han tenido ninguna influencia en el público. Un público que ha demostrado que tenía muchas ganas de ver esta película.

Otro de las cosas que había leído antes de ver la película era que esta película era poco más que un videoclip ampliado con muy poca historia. Una parte conecta con la parte de «no cuentan lo que yo quiero que cuenten», pero le negaba que la película hubiera planteado una historia que interese más allá de las canciones. Y creo que estos comentarios están tremendamente equivocados. Más bien al contrario.

No soy un superfan de Michael Jackson, aunque en casa de mis padres si compramos los discos de Thriller y Bad y me gustan las canciones de Jackson sobre todo de su primera parte en solitario. Pero incluso sin ser fan si conocía a nivel general la historia del padre despótico de los Jackson. Pero no tenía ni idea que Joseph pegaba a sus hijos. Porque aunque la película se centre en Michael, tengo pocas dudas que pegaría a todos.

Al contrario de lo que dicen estas personas, Michael muestra dos dramas tremendos. El primero el de un padre violento que pegó y que castigó a sus hijos con una vida controlada en la que nada sucedía sin que él lo supiera. Y sin que él diera el visto bueno. El nivel de acoso psicológico (y físico) que Joseph impuso a sus hijos me parece tremendo. Y por eso cuando Michael decide romper con él y tomar las riendas de su vida es un gran triunfo para el cantante. Dentro de lo extraño que es que Michael le despidiera como representante pero siguiera viviendo en la misma casa que sus padres y hermanos.

El segundo drama que sufrió Michael es que sus padres le negaron la posibilidad de tener una infancia normal, creciendo en una burbuja con el único contacto de sus padres y hermanos. La película indica que todos sabían desde que nació que Michael era especial, Pero eso no justifica que le convirtieran en una persona sin habilidades sociales que nunca tuvo amigos de su edad. Todos los problemas mentales y de vivir fuera de la realidad que Michael pudiera sufrir durante su vida fueron claramente provocados por los actos de sus padres. Y es cierto que de haber tenido una vida normal, Michael no sería el icono de la música que es, pero yo sentí mucho la situación en la que creció.

Si a esto le sumamos los problemas de piel que sufrió Michael y el accidente que sufrió rodando un videoclip, se entiende que Michael fuera una persona con una mentalidad infantil que sabía que tenía un don para la música pero para todo lo demás se comportaba como un niño pequeño. Y que tenía que aguantar a un padre que le intentaba mangonear en todo momento. A todo esto, el momento del accidente en el que Michael se quemó y su estancia en el hospital es otra situación super dramática que funciona en la película.

Jaafar Jackson hace un papel alucinante interpretando a su tío Michael Jackson. Juliano Krue Valdi como el Michael niño también lo hace genial. Me ha encantado la forma en que Jaafar se mimetiza con su tío en pantalla, consiguiendo mimetizarse en algunos momentos. Colman Domingo como el patriarca de la familia Joseph Jackson está perfecto en el papel del villano de la película. Joseph es manipulador y violento, practicando un acoso constante a toda su familia. El resto del reparto entiendo que cumplen con su cometido y lucen como los hermanos, dentro que no estoy al tanto de los entresijos la familia Jackson.

Y por supuesto, tenemos la música. Volviendo al comentario de que la película es un videoclip ampliado, dentro que hay muchas canciones, en realidad se han quedado en el tintero muchas canciones míticas de Michael. Me parece normal que al contar la historia de los Jackson 5, muchas de las canciones de la primera mitad de la película fueran del grupo, dejando para más adelante las canciones que Michael creó cuando decidió crearse una carrera en solitario. En la película tenemos Beat it y Thriller, viendo además la creación de sus icónicos videoclips. También Billy Jean y Bad. Como podéis imaginar, hay un montón de canciones míticas de Jackson que no han llegado al corte final.

De hecho, más allá de mostrar a Michael como un ser puro que amaba a los niños y quería ayudar a quien tenía un problema, si algo me ha faltado de la película es conocer el proceso creativo de Michael con el productor Quincy Jones. Porque en realidad lo que vemos es a Michael cantarla cuando ya estaba escrita. Para mi ese es un pequeño gran pero de la película en la que la historia se queda apenas en la superficie. Pero todo lo demás me ha gustado bastante.

Y por supuesto, tenemos los números musicales. Son fantásticos. La forma en que Jaafar Jackson se mimetiza a Michael me perece una maravilla, moviéndose como si estuviéramos viendo al mismísimo Michael. El moonwalk, la coreografía de Beat it o el rodaje del video de Thriller son momentazos increíbles a poco que seas fan de la música de Michael. Dentro que eché de menos algunas canciones, las que están me gustan mucho.

Siguiendo la estructura de Bohemian Rhapsody, el final de la película es un concierto casi ininterrumpido con tres números musicales. El climax transmite la fuerza que tenían los conciertos de Michael de esa época, dejando a los espectadores en lo más alto.

Michael no es una película especialmente profunda, pero creo que plantea un buen drama familiar y sirve para reivindicar la obra del aún considerado Rey del Pop. Sin duda, los fans del cantante van a disfrutar de esta película. Fans que son legión, pensando que en apenas una semana Michael ya superado los 284 millones de recaudación. Incluso pensando el enorme presupuesto de 200 millones de la película, la película tiene asegurada no sólo su rentabilidad, sino que se va a convertir en una de las películas más taquilleras de 2026.

Si te gusta la música de Michael Jackson, vas a disfrutar mucho de esta película. Te la recomiendo.

Comparto el trailer de la película:

Michael es una estupenda película con un drama bastante mayor del esperado y la mítica música de Michael. Todo bien.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de La momia de Lee Cronin

Tras ver Posesión Infernal: El despertar, tenía curiosidad de ver la siguiente película de Lee Cronin, una nueva versión de La momia que no tiene nada que ver con la franquicia de aventuras protagonizada por Brendan Fraser.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Nueva versión del clásico ‘La momia’. La joven hija de un periodista desaparece en el desierto sin dejar rastro. Ocho años más tarde, la familia rota se conmociona cuando ella es devuelta a ellos, y lo que debiera haber sido una reunión jubilosa se convierte en una auténtica pesadilla.

Lee Cronin es un guionista y director de cine irlandés. Es conocido sobre todo como guionista y director del cortometraje ganador del premio Méliès d’Argent en 2014, Ghost Train, y de la bien valorada película de terror de 2019 The Hole in the Ground. En 2023 dirigió la divertidísima Posesión infernal: El despertar.

La momia es una película producida por James Wan a través de su productora Atomic Monster, y por Blumhouse. Cuenta con u presupuesto de 22 millones de dólares. No tiene nada que ver con la franquicia de aventuras protagonizada por Brendan Fraser. Lee Cronin escribe el guion además de dirigir la película, que tiene una duración de 134 minutos, mucho más de lo esperado en una película de terror. La fotografía corre a cargo de Dave Garbett, el montaje de Bryan Shaw y la música de Stephen McKeon.

Jack Reynor y Laia Costa interpretan a Charlie y Larissa Cannon, los padres traumatizados por la desaparición de su hija Katie en Egipto, donde se encuentra la familia debido al trabajo como periodista de Charlie. May Calamawy da vida a la detective Dalia Zaki, encargada de investigar la reaparición de Katie; Natalie Grace interpreta a Katie Cannon, con Emily Mitchell dando vida a la joven Katie. Shylo Molina interpreta a Sebastián Cannon, el hijo mediano, con Dean Allen Williams interpreta al joven Sebastián; Billie Roy interpreta a Maud Cannon, la hija menor, Verónica Falcón interpreta a Carmen Santiago, la madre de Larissa; y Hayat Kamille interpreta a la Maga.

A la hora de decidir si ver esta nueva versión de La momia, ver que estaba producida por James Wan fue clave. Luego recordé quién era Lee Cronin y que su nueva versión de Posesión Infernal me gustó mucho, lo que decantó la balanza e hizo que me organizara para verla. Pero sin saber prácticamente nada de la película ni haber visto el trailer. Y me alegro de haberlo hecho.

La momia es un triunfo gracias al espectacular trabajo de Lee Cronin, por supuesto como narrador y visualmente, creando imágenes super impactantes. Pero también como escritor de una buena historia que consiguió engancharme de principio a fin.

Por empezar por lo menos bueno, tengo que decir que hay una serie de clichés para hacer que avance la historia. Dentro del subgénero del terror en el que la acción que tiene lugar en una casa desolada alejada de todo, en la que no hay ayuda posible, tenemos acciones ruidosas sucediendo en una habitación que nadie de la familia detecta. Además, con niños sufriendo claramente problemas mentales, la familia se obceca en seguir en la casa cuando tendrían que ir a un hospital. Dentro de todo, estas situaciones entran dentro de lo esperable, porque si se hiciera lo lógico entonces no habría película.

Tengo que quitarme el sombrero con el trabajo de la española Laia Costa. Costa tiene una estupenda carrera profesional fuera de España, y en La momia está maravillosa. Jack Reynor como su marido Charlie lo hace muy bien también, dentro de tener una interpretación mucho más estoica. Costa es el corazón dramático de la película, que además tienen a unos niños muy acertados aportando lo que la película necesita en cada momento. Porque el terror basado en cosas que le pasan a niños siempre tiene un plus de dramatismo. El reparto, como todo en la película, está super bien.

Lee Cronin plantea momentos super perturbadores a partir que la familia Cannon recupera a Katie tras haber estado secuestrada durante 8 años. Katie estuvo sepultada en una tumba durante todo este tiempo, convirtiéndose en una momia en vida. Katie tiene una cara y un cuerpo demacrado con una mente aparentemente destruida. Su mera presencia ya es capaz de alterar a la familia y a los espectadores. Y cuando empiecen a suceden situaciones malignas, el malrollismo adquiere un nivel superior. Aparte de una tensión absoluta, hay unas situaciones de body terror brillantes que casi provocaron que apartara la mirada.

Para ser una película larga de más de dos horas, me resulta maravilloso lo bien construidas que están todas las situaciones para que la película nunca se haga larga y haya un in-crescendo dramático. El montaje tiene una importancia absoluta, pero también la maestría visual de Lee Cronin. Hay un montón de planos con dos situaciones o personajes en dos planos diferentes que son una maravilla. Y por si fiera poco, Cronin plantea un final perfecto a la historia. Tras ver Posesión infernal y ahora La momia, Lee Cronin se ha convertido en un director de los que merece estar atento a lo siguiente que haga.

Ver una película no sabiendo qué esperar y que me sorprenda e impacte es algo que no tiene precio. Qué disfrute más grande me ha dado La momia.

Comparto el trailer de la película:

La momia es una estupenda película de terror que me ha gustado mucho.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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