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Crítica de Resident Evil de Zach Cregger

De forma totalmente inesperada, la nueva versión de Resident Evil de Zach Cregger (Barbarian, Weapons) se coloca como una de mis películas favoritas de 2026. Menudo disfrute viendo pasarlo mal al desdichado protagonista.

PUNTUACIÓN: 9/10

Película basada en la saga de videojuegos de Capcom del mismo nombre. En una reinvención totalmente nueva, el mensajero médico Bryan (Austin Abrams) se ve inmerso en una carrera de acción sin descanso por la supervivencia, mientras el caos se desata a su alrededor. (FILMAFFINITY)

Zachary Michael Cregger (Virginia, 1981) es un actor, comediante, escritor, director, productor y streamer de Twitch estadounidense. Saltó a la fama como uno de los tres miembros fundadores, junto con Trevor Moore y Sam Brown, de la compañía de comedia con sede en Nueva York The Whitest Kids U’ Know. Más tarde protagonizó las comedias Friends with Benefits, Guys with Kids y Wrecked. También protagonizó la película Miss March, que codirigió y coescribió con Moore. Barbarian (2022) fue su ópera prima como director, a la que siguió la exitosa Weapons (2025), que a su tremendo éxito de taquilla hay que sumar el Oscar a Mejor Actriz de Reparto para Amy Madigan.

Además de dirigir y producir, Gregger escribe junto a Shay Hatter el guion de esta película basada en el mítico videojuego de Capcom. Tras el fracaso de las últimas películas de la saga, Constantin Film buscaba cómo relanzar esta saga cinematográfica, y la solución de Cregger fue sencilla: Contar una historia ambientada en este mundo pero NO adaptando ningún videojuego concreto ni usando a los personajes míticos. Esto provocó un odio online que demuestra una vez más que las redes sociales no tienen nada que ver con el mundo real.

La película de 97 minutos de duración y un presupuesto de 75 millones de dólares ha contado con fotografía de Dariusz Wolski, montaje de Joe Murphy y música de Hays y Ryan Holladay.

En el reparto tenemos a Austin Abrams como Bryan, un mensajero médico que tiene que llevar un importante paquete al Hospital de Raccoon City. Aunque él no sabe exáctamente qué es, imagina que será un corazón o un riñón para un trasplante. Otros actores en roles menores son Zach Cherry (Severance) en el papel de Carl, un científico de Umbrella que investiga el mutágeno, Kali Reis es Maxine, una dura agente de Umbrella que protege a Paul (Paul Walter Hauser), otro científico. Emily Piggford como la Dra. Maria Stokes, que da el encargo a Bryan, y Johnno Wilson como Wilson, un sheriff del condado que se encuentra a Bryan en la carretera, completan el reparto.

Resident Evil es la mejor película de Zach Cregger con mucha diferencia respecto a Barbarian y Weapons. Desde luego es la más redonda y satisfactoria de las tres. Y lo primero que me viene a la cabeza es que los ofendidos de las redes sociales son gilipollas. Así, como regla general. Porque la caverna de gente indignada porque Cregger se atrevió a no adaptar ningún videojuego concreto deberían pedir perdón y arrastrarse por el fango. Porque Cregger hace algo mejo a adaptar un juego u otro, adapta el espíritu del videojuego y la experiencia de jugarlo.

Y hay que quitarse el sombrero ante el perfecto casting de Austin Abrams como el protagonista Bryan. Porque para esta película, es clave que el protagonista NO sea el puto amo, sino un pringado que no sabe donde se está metiendo y lo que se le viene encima. En varios momentos, la experiencia de Resident Evil me recordó la premisa de Barbarian, en la que Cregger quería explorar la tensión que se producía cuando la protagonista ignoraba todas las red-flags que se estaban levantando a su alrededor, haciendo lo contrario que el sentido común sugeriría. Al pobre Paul le pasa lo mismo, pero al menos él tiene una misión que cree importante y de la que depende una vida: llevar el paquete hasta el hospital de Raccoon City.

Me parece una pasada super inesperada lo bien equilibrada que está la película y como alterna en segundos momentos de terror y gore con un humor que funciona siempre. Esto para mi es la mayor sorpresa de la película, y el motivo del éxito monumental del visionado. Y de nuevo, para que este humor funcione, la película deja claro desde el primer fotograma que Bryan es un pringado a las que las cosas no suelen salirle bien a la primera. De alguna manera, no tomándose demasiado en serio a si misma más allá de su propósito de entretenimiento con el que triunfa absolutamente. Las bromas a costa de los cerrojos que Bryan tiene que abrir durante la película o las reacciones que tiene ante el siguiente horror son situaciones buenísimas. «No acabo de volarle la cabeza a esa persona», por ejemplo. Y me recordaron la sensación comunal de ver una película en el Festival de Sitges, cuando tras un gran susto, la multitud nos reimos a la vez por la forma en que la película nos pilló en esa escena o por lo over-the-top de la situación. Resident Evil tiene numerosos momentos de estos. Me lo pasé increíble viendo la cabeza.

Zach Cregger es un maestro planteando tensión, amplificada por el hecho que los espectadores sabemos más que los personajes. Por ejemplo, cuando Bryan atropella sin querer a una infectada y corre a ayudarla porque eso es lo que haría cualquier persona decente. Situación amplificada cuando intenta ayudar a la niña a la que se encuentra más adelante. Como pasa tantas veces, los espectadores estamos pidiendo que Bryan no se meta en la alcantarilla, pero en el fondo sabemos que es inevitable que lo haga. Y que en realidad vamos a disfrutar aún más porque lo ha hecho.

Visualmente, Resident Evil me ha parecido increíble. Me flipa el homenaje a los videojuegos que hace Cregger con los planos subjetivos en los que la cámara nos muestra lo que ve Bryan, tenéis abajo un ejemplo, unido a otros momentos en los que la cámara se sitúa arriba a la derecha de Bryan, justo como en la mayoría de los videojuegos. Los puntazos visuales son constantes, lo que unido a la tensión y el alivio cómico hace que el visionado pase en un suspiro.

Otro de los elementos que me flipan de Resident Evil es que Cregger mete a Bryan en casi todas las situaciones que suelen verse en los videojuegos. Empezando por el accidente en la carretera, el establo y casa de la granja, el túnel de acceso a la Raccoon City, la exploración de las calles principales de la ciudad y sus callejones, y el acceso al hospital. Hay situaciones muy locas como el área de maternidad, que son una locura pero al mismo tiempo no puedes evitar que tenga que entrar. Esto, unido al concepto de Final Boss que hace que cada bicho sea más peligroso y chungo que el anterior, hace que la tensión alcance su nivel de ebullición cuando llegamos al climax final. Que la duración no llegue a los 100 minutos me parece una flipada absoluta.

Me ha encantado que el presupuesto de la película se vea en pantalla. Hay algunos monstruos super chungos, como el que va cogiendo cadáveres y los fusiona en un ser con 12 piernas, 10 brazos y tres cabezas. O lo que sea. Me gusta mucho que la película vaya de menos a más, para darnos un final que es una orgía de sangre, vísceras y diversión que me ha parecido algo muy grande.

Otro de los grandes éxitos de Resident Evil es que Zach Cregger da en la diana con el final. Un final que es perfecto teniendo en cuenta el tipo de historia que hemos visto con un tono tan particular. Acertar con el final es justo lo que Cregger no consiguió en sus dos primeras películas, en las que a partir del giro en que se descubría todo ambas películas se fueron a la mier%$ y se convirtieron en un todo vale decepcionante. Como digo, eso no pasa en Resident Evil. Otro éxito monumental.

Estoy intentando hacer la reseña lo más libre de spoilers posible, pero mientras escribo estas líneas me estoy riendo yo sólo mientras recuerdo algunos de los momentos de la película. En ese sentido, si Bryan es un pringado con buenas intenciones, me ha encantado ver a Paul Walter Hauser y Zach Cherry como dos científicos de Umbrella super incompetentes, cobardes y aprovechados. Algo que conecta con el tono un poco loco que Cregger plantea para la película.

En estos tiempos de spoilers en redes sociales, es una maravilla llegar a una película como esta Resident Evil y que me sorprenda y me entretenga de la forma que lo ha hecho. No puedo recomendar más la película, y eso que nunca jugué al videojuego y probablemente no capté las referencias a los juegos que seguro Cregger ha puesto en la película. Que seguro harán disfrutar aún más a los espectadores gamers. Pero tanto si eres jugador como si no, no lo dudes y anímate a verla en pantalla grande.

Comparto el trailer de la película:

Resident Evil es un peliculón. De largo la película más satisfactoria de la carrera de Zach Cregger, al que no tengo duda que le espera un futuro alucinante. Sin duda, veré su próxima película.

PUNTUACIÓN: 9/10

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Crítica de Coyote vs Acme de Dave Green

Desde la casi destrucción de Coyote vs Acme por la actuación codiciosa y vergonzosa de Warner, tenía claro que si alguna vez se estrenaba en el cine, iría a verla. Esta semana se cumplió mi deseo y pude ver esta mezcla de animación e imagen real que ha estado dirigida por Dave Green.

PUNTUACIÓN: 8/10

Después de que todos los productos fabricados por ACME Corporation le salgan mal a Wile E. Coyote, en su persecución del Correcaminos, contrata a un abogado humano igualmente desafortunado para demandar a la empresa. Cuando el abogado de Wile E. descubre que el intimidante jefe de su antiguo bufete es el director general de ACME, se une a Wile E. para ganar el juicio contra él.

David Green (USA, 1983) es conocido por haber dirigido varios videoclips y cortometrajes, sobre todo en colaboración con Miles Fisher. Tras debutar como director con la película Earth to Echo (2014), pasó a dirigir otras películas como Las Tortugas Ninja: Fuera de las sombras (2016). Coyote vs Acme fue siguiente película.

La historia está basada en el artículo «Coyote v. Acme», publicado en 1990 en la revista The New Yorker y escrito por Ian Frazier. El guion lo escribió Samy Burch a partir de una historia suya junto a James Gunn y Jeremy Slater. La película de 103 minutos de duración cuenta con fotografía de Brandon Trost, montaje de Carsten Kurpanek y música de Steven Price.

En lo referido al reparto humano tenemos a Will Forte interpretando a Kevin Avery, un abogado en horas bajas y socio del bufete Avery, Jones & Maltese que se convierte en el abogado de Wile E. Coyote. Lana Condor interpreta a Paige Avery, sobrina de Kevin y becaria en el bufete. John Cena interpreta a Buddy Crane, el abogado de Acme Corporation que fue rival de Kevin en la Facultad de Derecho de Harvard. Otros miembros de bufete son Tone Bell como Sal Maltese, y Martha Kelly como Dottie Jones. Por último, Luis Guzmán interpreta al juez Troppogrosso, un juez estricto que preside el juicio entre el Coyote y la Corporación Acme.

Warner Bros. Discovery archivó inicialmente «Coyote vs. Acme» en noviembre de 2023 para obtener una deducción fiscal, pero más tarde dio marcha atrás en su decisión y permitió a los creadores de la película buscar otros distribuidores tras la reacción negativa del público. Tras varias negociaciones, Ketchup Entertainment adquirió los derechos por 50 millones de dólares en marzo de 2025, tras haberlo hecho anteriormente con la película de Looney Tunes de Warner Bros. Animation, The Day the Earth Blew Up (2024).

Después de la vergüenza indecente de los directivos de Warner, era una obligación moral ir al cine a ver esta película. Para demostrarle a Warner que hay público que quiere ver historias de los Looney Tunes. Y para premiar a Ketchup Entertainment por el riesgo al apostar por recuperar la película.

Tengo que reconocer que la película me ha dado todo lo que esperaba de ella. Pero no es algo malo, porque todo lo que propone es un éxito absoluto. Empezando por el elemento metatextual que invita a ver esta película como el Coyote que combate a la todopoderosa Acme (Warner). Afortunadamente, en este caso, David ha ganado a Goliath.

La película plantea una nueva lectura del clásico cartoon del Correcaminos y el Coyote. El Coyote ha sido el alivio cómico de varias temporadas de espectadores que hemos disfrutado de estos dibujos animados. Pero en esta película es víctima de una malvada Acme que le ha proporcionado artilugios defectuosos durante décadas. Que el Coyote siga intentando pillar al Correcaminos una y otra vez sin importar todas las veces que ha fracasado es resaltado como un ejemplo a seguir por todos aquellos que hemos fracasado alguna vez y no sabemos si podremos levantarnos.

Coyote vs Acme es una película super divertida que tiene todo lo que se espera de una historia de los Looney Tunes. Y tenemos explosiones, caídas de pianos y destrucción controlada. O descontrolada. Estamos en un mundo en el que los humanos y los cartoons comparten mundo, lo que nos recuerda a clásicos como ¿Quién engañó a Roger Rabbit? La parte de los dibujos es un acierto, pero es el mensaje de la trama humana es una gran parte del éxito de Coyote vs Acme.

Acme utiliza cachibaches defectuosos en los dibujos para probar tecnologías que luego utiliza para innovaciones que usa para los humanos. Sin importar el daño mental que pueda provocar a los dibus. Esto plantea una analogía directa con el mundo real, al poder decir que esto aluda a cuando se consumen los recursos naturales de países del tercer mundo para alimentar la sociedad de consumo del primer mundo. El mensaje de John Cena de qué importa si unos dibus sufren cuando gracias a ello la gente disfrutan de mejoras en su vida desde luego invita a ello. Dejando claro que eso está mal, claro.

Aparte de los interesantes mensajes de la película, me ha encantado la relación del Coyote con su abogado Kevin Avery, interpretado por Will Forte. Me parece una maravilla las emociones que transmite el Coyote. Es el protagonista de los momentos más emocionantes de la película. Por un lado, como ejemplo de resiliencia y de no perder la esperanza por muchas veces que haya fallado antes. Pero luego, cuando ve como su amigo Avery le rompe el corazón cuando le dice que jamás atrapará al Correcaminos. La capacidad emocional de estos dibujos me parece digna de mención.

Aparte de la trama de la película, la película es una maravilla para los amantes de los Looney Tunes. No están todos los personajes, pero me parece una pasada ver al pato Lucas, a Buggs Nunny, Piolín, la abuelita, el Demonio de Tasmania o Porky. Y qué decir de la aparición estelar del Correcaminos en el momento clave de la película. Esto es un Looney Tunes en su PRIME. Con diversión, mensaje y emoción. No se puede pedir más.

Y decía al principio que la película me ha dado todo lo que esperaba de ella. Pero eso no puede ser nunca algo negativo cuando todo lo que plantea la película lo hace tan bien. Coyote vs Acme es una película divertida y emocionante, me parece un éxito monumental. Me alegro que Ketchup Entertainment de atreviera a apostar por la película y la recuperara.

¡Debería daros vergüenza, Warner!!!

Comparto el trailer de la película:

Coyote vs Acme es una película con el corazón en el sitio correcto que acierta en todo lo que propone. Vergüenza tendría que darle a los directivos de Warner.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Reflexiones de Domingo 19/2026: Un verano de record para las taquillas de cine

¡Feliz Domingo! En la sección Reflexiones de Domingo de hoy quiero destacar las cifras record de las taquillas de cine de este 2026, con Spider-Man Brand New Day y La Odisea marcando unas cifras record.

En el momento en que escribo estas líneas, Spider-Man Brand New Day lleva recaudado 927 millones de dólares en USA más 1486 millones en el resto del mundo, para un total de 2413 millones de recaudación. Convirtiéndose en la tercera película más taquillera de la historia a nivel mundial tras Avatar (2923 millones) y Vengadores Endgame (2799).

Todo apunta a que este fin de semana Spider-Man superará los 936 millones de dólares de Star Wars Episodio VII El despertar de la fuerza, convirtiéndose en la película más taquillera de la historia en USA. Y si no lo hace este fin de semana, será uno o dos días después. La película dirigida por Destin Daniel Cretton con la cuarta aparición de Tom Holland como Peter Parker se ha convertido en un fenómeno social este 2026.

Por cierto, aclarar que aunque Spidey BND se convierta en la película más taquillera en USA, no significa que sea la película que más entradas de cina ha vendido, dado que la inflación y el aumento de precios de las entradas premium han hinchado esta cifra de forma considerable. Pero recaudar más de 900 millones en USA es una barbaridad.

Menos mal que el agotamiento del cine de superhéroes era una evidencia, según todos los medios americanos deseosos de ver caer a Marvel Studios. Eso no va a pasar este 2026. Incluso si contamos con que Spidey BND económicamente es una producción de Sony, aunque con dirección creativa de Marvel Studios, estas navidades llega Vengadores Doomsday. Y tambión lo va a petar de forma absoluta. Como lo atestiguan las informaciones que 3 meses antes de su estreno la película de los hermanos Russo ya ha facturado más de 50 millones de dólares en USA con las preventas.

Éxito mayúsculo para La Odisea de Christopher Nolan. La película de casi tres horas de duración y calificación R para adultos lleva recaudados 593 millones en USA y 1049 millones en el resto del mundo, para un total de 1642 millones, otra barbaridad. Nolan vendió muy bien las bondades del formato IMAX, y le ha funcionado extraordinariamente bien.

Pero las cifras de taquilla de record de este verano no son consecuencia únicamente de estas dos películas. El éxito de Toy Story 5 provocó que coincidieran en la cartelera tres películas que han superado los 1000 millones de recaudación. Además, los éxitos sorpresa de Obsession de Curry Baker y Backrooms de Kane Parsons ha conseguido que públicos diversos de edades y gustos diferentes hayan acudido en masa a los cines de todo el mundo.

Esto ha provocado unos ingresos record en los Estados Unidos. En el periodo que los yankis consideran «verano cinematográfico», entre el 1 de mayo y el Día del Trabajo, el 7 de septiembre, los cines en USA han recaudado 4.760 millones de dólares. Los ingresos superaron el récord que se mantenía desde 2013 con 4.755 millones de dólares, impulsado por el éxito de Iron Man 3, Gru 2: Mi villano favorito y Man of Steel. (Buff, parece que fue hace una vida). Estas cifras destacan también por ser el primer verano de la historia en el que los cuatro meses han generado más de 1.000 millones de dólares: mayo 1.070 millones, Junio 1.080 millones, julio 1.180 millones y agosto se disparó hasta los 1.270 millones.

A nivel de espectadores, estamos hablando de más de 360 millones de entradas vendidas en este periodo, lo que equivale a más de 20 millones de espectadores por semana. De hecho, la recaudación semanal no ha bajado de los 160 millones de dólares, algo que refleja la variedad de oferta disponible para los espectadores a lo largo de estos cuatro meses.

En España, y según datos de Rentrak, la taquilla entre junio y agosto se salda con más de 25 millones de entradas vendidas, equivalentes a más de 180 millones de euros. A nivel de espectadores, es el mejor dato desde 2019, pero, en términos de ingresos, supera los registros de más de una década debido al auge también en España de los formatos Premium.

En lo referido al total de la taquilla global del año, estamos camino de que 2026 sea el mejor año para las salas de cine desde 2020, cuando el COVID-19 cambió los hábitos de consumo. En USA la taquilla anual asciende a 7,410 millones de dólares, mientras que en España se han recaudado 395 millones de euros. De Enero a Agosto, 57.48 millones de espectadores fueron a un cine en España. Y aunque las cifras pueden acabar siendo las mejores desde 2020, las salas advierten que el volumen total de asistencia todavía se sitúa en torno a un 20% por debajo del récord prepandemia de 2019. Con todo, hay que quedarse con las buenas noticias cuando estas suceden.

Teniendo en cuenta que en Diciembre se estrenan dos de las películas más esperadas del año, Vengadores Doomsday y Dune Parte 3, hay muchas posibilidades que las buenas cifras de taquilla se consoliden para todo 2026. Espero que sea así.

Antes, el otoño nos va a traer lo nuevo de Alejandro González Iñárritu (Digger, protagonizada por un casi irreconocible Tom Cruise), Aaron Sorkin (El precio de la red) y David Fincher (The Further Mis-Adventures of Cliff Booth, protagonizada por Brad Pitt a partir del guion que Tarantino no quiso rodar). Además de las nuevas películas de Los Juegos del Hambre y Jumanji. Y no me puedo olvidar de Godzilla Minus Zero, que es también una de las películas más esperadas por mi hijo.

Nos espera mandanga de la buena. De momento, mi afición de ver cine en pantalla grande está más que asegurada. Esperemos que los próximos años se mantenga esta tendencia positiva.

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Crítica de Mayday de John Francis Daley y Jonathan M. Goldstein (Apple TV)

Aprovechando mi suscripción a Apple TV hemos visto Mayday, la divertida comedia de acción protagonizada por Ryan Reynolds y Kenneth Branagh que han dirigido John Francis Daley y Jonathan Goldstein, directores de Dungeons & Dragons.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Cuando el impetuoso teniente de la Marina estadounidense Troy ‘el asesino’ Kelly es enviado a una misión secreta a territorio ruso en mitad de la Guerra Fría, la operación salta por los aires y lo deja atrapado tras las líneas enemigas. Nikolai Ustinov, un rudo ex agente de la KGB aficionado a la cultura de EE. UU lo encuentra, y Troy se da por muerto, pero entre ellos surge una insólita alianza que quizá permita a Troy escapar.

John Francis Daley y Jonathan Goldstein, directores de la divertidísima Dungeons & Dragons, son los directores y guionistas de esta película, calificada como comedia de acción. La película producida por Skydance y por la productora de Ryan Reynolds Maximum Effort se comenta que ha tenido un presupuesto superior a los 150 millones de dólares. Mayday cuenta con fotografía de Barry Peterson, montaje de Jamie Gross y John Lee, y música de Colin Stetson, y tiene una duración de 111 minutos.

En el reparto tenemos a Ryan Reynolds como Troy «Assassin» Kelly, piloto de la marina norteamericana derribado en territorio soviético. Kenneth Branagh es Nikolai Ustinov, un ex-agente del KGB que le encuentra y le ayuda a escapar, Marcin Dorociński interpreta a Alexander Volkov, el jefe de la KGB que persigue a Kelly, Maria Bakalova es Anna Ustinov, la hija de Nikolai que hace años que no se ven, y David Morse hace de Harold Kelly, el padre de Troy.

Lo primero que me ha llamado la atención de Mayday es que me parece increíble que NO se haya estrenado en cine. Porque si en algo destaca esta película es en su escala y sensación de super producción espectacular. Las primeras escenas con los combates aéreos remiten directamente a Top Gun, película a la que homenajean además durante la película. Y todo luce increíble. Pensar que Apple ha pagado todo esto para ampliar la biblioteca de su canal de streaming me parece loquísimo. Que no seré yo quien le diga en qué pueden gastarse su dinero. Pero no haber podido ver Mayday en pantalla grande me parece un desperdicio.

Mayday tiene una estructura de buddy-movie absoluta, haciendo que la pareja protagonista esté en pantalla el 90% del tiempo. Siendo el 10% restante el prólogo de la película donde conocemos la historia del piloto Troy Kelly (Reynolds) y cómo llegó a ser derribado en territorio soviético. Kelly quiere llegar a la embajada americana en Moscú pero no tiene ni idea de cómo conseguirlo.

Por su parte, el personaje interpretado por Branagh, Nikolai Ustinov, es un ex-KGB que se retiró cuando descubrió que su hija es lesbiana y eso provocaría su detención. Nikolai está obsesionado con la cultura americana, provocando las situaciones cómicas de la película. Pero es a la vez un letal operativo que a pesar de su edad puede matar a cualquier enemigo en segundos. El contraste de personalidades funciona a la perfección durante la película, y nos da algunas escenas super divertidas.

Por supuesto, la película juega con el contraste entre estos protagonistas con historias y formas de ser super diferentes. Y la verdad es que la química entre Reynolds y Branagh funciona. Sobre todo porque Branagh abraza la vena cómica de la historia, abrazando los aspectos más locos de su personaje, pero haciendo que Nikolai Ustinov se lo tome todo en serio.

Como toca en este tipo de historias, ambos personajes aprenderán cosas del otro. Y dentro que la Rusia comunista son los malos absolutos, también veremos que el gobierno de los Estados unidos no es tan bueno como todos pensaban. Además, Kelly aprenderá que el pueblo ruso tiene más bondad de lo que jamás tendrán los americanos, cuando unos desconocidos les ayudan siendo super pobres simplemente porque se encuentran en una situación de necesidad. «Cualquier americano haría lo mismo», le dice Ustinov a Kelly. Y Kelly responde que si, sabiendo que eso no es cierto.

Además, las coreografías de acción me parecen una locura. La primera escena de acción entre Branagh y Reynolds está muy bien, pero luego Branagh se enfrenta a tres rusos en un bar y es una escena brutal. No tengo claro si Branagh ha rodado las escenas de acción o han utilizado a un doble. Pero que no lo distinga ya indica lo bien rodado que está todo.

El inicio de la película recuerda a Top Gun por el uso de aviones de combate. Pero me ha flipado descubrir que en realidad la producción NO rodó las escenas con F18s, sino que usaron aviones de entrenamiento como los L-39, y luego los retocaron digitalmente en la postproducción para que se parecieran a los F-18. Por decirlo de alguna manera, le pusieron una skin nueva. La verdad es que dan el pego completamente. Porque son unas escenas increíbles. Por ejemplo, con el vuelo del SR71 Blackbird.

Los efectos especiales son una parte importante del éxito de Mayday. Por ejemplo, tengo claro que hay un extenso uso de fondos digitales, pero están tan bien integrados que quedan alucinantemente bien. Por ejemplo, en la escena en que los protagonistas cruzan la USSR y vamos viendo diferentes paisajes rusos. Intelectualmente sabes que deben ser fondos digitales, pero realmente la retina lo recoge como real. Como digo, la parte de los efectos me ha parecido genial.

Se me olvidaba comentar que al estar ambientada en 1987, la película usa canciones de Bruce Springsteen de un cassette que Ustinov ha conseguido en el mercado negro y que es una de sus más preciadas posesiones. Y escuchar a Bruce siempre está bien, dentro que Reynolds lo utiliza para hacer un gag bastante bueno.

La película es super divertida. Y tiene una resolución super loca que entra dentro del feeling de comedia. Aunque dicho esto, la pelea dentro del avión con el que los protagonistas escapan me parece otra flipada absoluta de la película.

Mayday es una película ligera que no busca otra cosa que entretener. Y creo que lo consigue completamente. Si le tengo que poner un pero no es a la película en si sino a la decisión de Apple de no estrenarla en los cines. Por suerte, al estar suscrito a Apple TV para ver Ted Lasso he podido verla. Y me alegro de haberla visto con mi hijo. Mayday no es una película que me vaya a cambiar la vida, ni falta que le hace. Más películas así, por favor.

Comparto el trailer de la película:

Mayday es una película super entretenida y espectacular que me parece increíble que no se haya estrenado en cines.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de La constelación del perro de Ridley Scott

Estoy un poco cansado de las moralinas que se esconden detrás de las numerosas películas ambientadas en futuros distópicos en los que la humanidad ha sido casi aniquilada como consecuencia de sus propias acciones. A pesar de ello, me fui al cine a ver la última película de Ridley Scott, La constelación del perro.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

En un mundo postapocalíptico, un virus ha aniquilado a prácticamente toda la humanidad. Los supervivientes se enfrentan a unos carroñeros errantes llamados ‘segadores’. Hig, un piloto, sobrevivió a la gripe pero perdió a su mujer. Adaptación de la aclamada novela ‘La constelación del perro’, de Peter Heller. (FILMAFFINITY)

Sir Ridley Scott (Inglaterra, 1937) va a cumplir 89 años a final de este mes de noviembre. Y ya me gustaría llegar a su edad con la vitalidad y la cabeza del director inglés, uno de los grandes directores del cine comercial de los últimos 40 años. Debutó como director de cine con Los duelistas (1977) y obtuvo un mayor reconocimiento con su siguiente película, Alien (1979). Sus películas abarcan un amplio abanico de escenarios históricos, desde la Roma del siglo II en Gladiator (2000), la Jerusalén del siglo XII en El reino de los cielos (2005), la Inglaterra medieval en Robin Hood (2010), la antigua Menfis en Éxodo: dioses y reyes (2014), la Mogadiscio contemporánea en Black Hawk derribado (2001) y los paisajes urbanos futuristas de Blade Runner (1982) y diferentes planetas en Alien, Prometheus (2012), The Martian (2015) y Alien: Covenant (2017). Varias de sus películas también son conocidas por sus fuertes personajes femeninos, como Alien, Thelma & Louise (1991) o La Teniente O´Neil (1997). Y en general ha demostrado que puede hacer lo que quiera, con películas como Black Rain (1989), Legend (1985), Hannibal (2001) o American Gangster (2007). Aunque en alguna ocasión parecía perder el rumbo como con Prometheus (2012), luego se saca de la manga peliculones como The Martian (2015) que demuestran que quien tuvo retuvo. En los últimos años y ya sobrepasando los 80 años, Scott parece que se encuentra en una madurez creativa en la que no quiere parar ni un segundo, quien sabe si por el temor de no poder rodar más adelante. El último duelo (2021), La Casa Gucci (2021), Napoleón (2023) y Gladiator 2 (2024) se han rodado una detrás de la otra sin casi un segundo de respiro.

La constelación del perro cuenta con un guion de Mark L. Smith (El renacido, Twisters) basado en el libro del mismo título de 2012 de Petter Heller. La película de 118 millones de presupuesto ha contado con un presupuesto de 70 millones de dólares, y cuenta con fotografía de Erik Messerschmidt, montaje de Sam Restivo y Claire Simpson, y música de Harry Gregson-Williams

En los papeles principales tenemos a Jacob Elordi (Saltburn, Frankenstein, Cumbres borrascosas) como Hig, un piloto civil que vive con su perro Jasper. Josh Brolin interpreta a Bangley, un exmarine armado hasta los dientes que vive con Hig en un antiguo aeródromo en Erie Colorado. Margaret Qualley interpreta a Cima, una joven médico que vive con su padre, Pops, interpretado por Guy Pearce, propietario de un rancho escondido entre las montañas. Allison Janney interpreta a Darlene, una antigua azafata que dirige un aeropuerto en Grand Junction, Colorado, y Benedict Wong, en el papel de Aaron, el líder de un grupo menonita en las montañas, completan el reparto principal.

En los últimos años, Hollywood ha manoseado de forma super exagerada los futuros distópicos en los que algo ha diezmado la población mundial y los supervivientes tienen que luchar por sobrevivir. Sin embargo, al ser Ridley Scott le di una oportunidad a La constelación del perro, su última película. Y de alguna manera entiendo que aunque el género esté manoseado, en realidad Ridley quería probar hacer su versión. Y es algo que hay que respetar.

La temática es la habitual en este tipo de historias. Una epidemia de gripe super contagiosa y letal diezmó el planeta hace pocos años. El protagonista Hig (Jacob Elordi) sigue traumatizado por la muerte de su mujer, que murió estando embarazada. Hig vive en un aeródromo con su perro Jasper y con Bentley (Josh Brolin), un ex-militar cuya filosofía es matar a cualquiera que se encuentren, antes que esas personas les maten a ellos. Hig piensa que deben poder aspirar a algo más en esta vida, y se mueve con una avioneta CESSNA buscando provisiones en Denver y otras ciudades que se encuentran abandonadas. A pesar de las reticencias de Bentley, Hig ayuda a unos vecinos, miembros de una secta menonita, que cultivan una granja y cuidan a unos niños enfermos. En sus viajes, Hig intenta evitar las tribus de saqueadores caníbales que se dice que están moviéndose por la zona arrasando por donde pasan.

En alguna ocasión durante algún vuelo Hig ha escuchado un mensaje de radio proveniente de Grand Junction, Colorado. Un viaje demasiado largo, dado que el depósito del avión no le da para llegar hasta allí y volver con seguridad. No es hasta que sufren una tragedia que Hig decide hacer una locura y abandona el aeródromo, marchando hacia Grand Junction para ver si de verdad queda una comunidad de gente viva allí. Tras tener que realizar un aterrizaje de emergencia, Hig conocerá a Cima (Margaret Qualley) y a su padre Pops (Guy Pearce), que viven en una granja escondida entre montañas aislada del mundo. Poco a poco, se hará amigo de ellos y le ayudarán a reparar la avioneta y construir una pista de despegue para poder seguir su camino.

Las principales novedades de La constelación del perro vienen del hecho que Hig se mueve con avioneta, algo poco habitual en este tipo de cine. Esto permite a Ridley Scott filmar escenas super bonitas con los viajes de Hig y su perro Jasper. En general, si algo bueno tiene esta película es que Scott la ha rodado de forma magnífica, ofreciendo momentos visuales geniales. La narrativa cinematográfica de Scott es la de un maestro. Por esto no es extraño que la película sea super entretenida y nunca aburra, a pesar de su naturaleza episódica.

Hay un montón de momentos rodados en localizaciones naturales, pero entiendo que Scott usa CGI por ejemplo cuando Hig llega a Denver a reaprovisionarse. La ciudad está desierta y la naturaleza se abre camino, y entiendo que todos los fondos de la ciudad están hechos con CGI. También durante la embestida de los búfalos, que se han reproducido libremente al no tener a los humanos cazándoles. Como digo, Scott ha usado bastante CGI, pero lo mejor es que está super bien integrado, de forma que en realidad no notas en efecto, te lo crees cuando lo estás viendo.

La música, el montaje y el diseño de producción de esta película me parece que están super bien, ayudando a que la experiencia cinematográfica esté muy bien.

El otro punto fuerte de La constelación del perro es su reparto. Jacob Elordi transmite que Hig es una buena persona que no se resigna a una vida en soledad y quiere ayudar a los que pueda. El papel de «pibón» triste por la muerte de su mujer le va como anillo al dedo a sus puntos fuertes actorales. Creo que Elordi lo hace muy bien y aguanta una película en la que la cámara en realidad le está siguiendo los pasos el 85% del tiempo. Dicho esto, tengo que decir que Elordi NO va a ser una estrella. Lo hace bien, pero su figura no resulta magnética en pantalla como con los Pitt, Clooney o Cruise. Que sí son estrellas que hacen que su mera presencia haga que quieras gastarte tu dinero en la entrada. En todo caso, no es una crítica a Elordi, que lo hace bien en la medida de sus posibilidades.

También me gusta la interpretación de Margaret Qualley como Cima. En este sentido, aunque su papel es menor al de Elordi, Qualley tiene un rango interpretativo mucho mayor, añadiendo pequeños matices a su personaje que me han gustado bastante. Cima también perdió a su marido por la pandemia y le señala a Hig que no tiene el monopolio del duelo, dado que ella también lo sufre y no se resigna a estar sola, abriéndose a la posibilidad de volver a encontrar el amor.

La mera presencia de Josh Brolin y Guy Pearce aumenta la calidad de la película, dentro que hacen papeles muy parecidos. Al ser dos veteranos duros que no permitirán que nadie les arrebate lo que es suyo. Con el añadido de Pops de querer cuidar a su hija, sobre todo de desconocidos buenorros que llegan a la puerta de su casa.

La constelación del perro es una película entretenida muy bien filmada y mejor interpretada. Pero tiene un problema nuclear insalvable. Y es que todo suena a ya visto innumerables veces. Provocando que no haya ni una sola sorpresa en toda la película, moviéndose todo el rato por situaciones esperables. Incluso en la naturaleza circular del viaje de Hig. Ver una historia tan telegrafiada ha sido bastante decepcionante. Por ejemplo, que haya una crítica hacia «los ricos», mostrándoles como unos parásitos que se aprovechan de la buena voluntad de las personas inocentes. Hasta eso se ve venir.

Estoy manteniendo la reseña lo más libre de spoilers posible, pero también hay que destacar que la película se mueve por un tono super realista para este drama post-apocalíptico. Sin embargo, este tono salta por los aires con los momentos más peliculeros que Scott añade a la película, que no están en la novela. Como el asalto de ¿50? saqueadores al aeródromo defendido por Bentley (Brolin). Un ataque con momentos visuales guapísimos, como el ataque de Bentley usando gafas de visión nocturna. Pero que se va de madre completamente. La llegada a Grand Junction se va de madre también. Algo que no digo con connotación positiva.

Este tipo de películas no hay que sobre analizarlas. Pero reconozco que tengo un problema fundamental con el género. Y es que en realidad no me creo que una gripe pueda llevar a la destrucción de la humanidad hasta el punto que todas las estructuras sociales se desmoronen. Incluso aceptando que pueda morir el 95% de la humanidad.

Digo esto porque la presencia de estos «saqueadores» no tiene sentido. Por supuesto, su existencia parte de que se espera que existan en una historia de estas características. Pero pensando que la pandemia fue hace ¿8-9? años, no me creo que hayan tribus de ese tamaño que hayan involucionado de esa manera en tan poco periodo de tiempo. Porque no hablamos de 50 años y generaciones de gente que han nacido en el apocalipsis, son gente que conoce la agricultura y la pesca y las comodidades que tenían en la sociedad anterior. Aparte, no tiene sentido que sean saqueadores que maten a todo el que se encuentran cuando hemos visto que la vida natural ha aumentado y hay numerosos animales que pueden cazar para alimentarse. Entendiendo su función en la historia, no me lo creo. Y eso afecta al disfrute de la película.

Luego hay otro aspecto que podría ser menor pero en realidad no lo es. Hace unas semanas (¿meses?) leí que un ejecutivo importante de Hollywood decía que las nuevas generaciones rechazan las escenas de sexo en las películas, lo que explica por qué cada vez vemos menos en el mainstream americano. Entiendo que el avance de algunas religiones puritanas y grupos conservadores los que hacen que se extienda esta opinión. Ante eso tengo que decir que no estoy para nada de acuerdo. Si acaso, los jóvenes pueden tener aprensión a ver escenas de sexo CON SUS PADRES, pero cuando un grupo de chicos y chicas van al cine, claro que les gusta una escena si está rodada con criterio.

A esto se une otra de las lacras del mainstream actual, y es que debido a la influencia del feminismo radical que exige mujeres fuertes e independientes, las películas mainstream han renunciado al romance en sus películas. Al romance heterosexual, claro. Si es un romance LGTBI+, entonces van directos a las ceremonias de premios. Robando a los espectadores de uno de los factores claves en el cine, la posibilidad que al final no sólo el protagonista realice su misión, sino que además «el chico consiga a la chica». Y la chica consiga al chico. Muchos «profesionales» e influencers sectarios han vendido esta mercancía averiada que los estudios se han tragado sin cuestionar. Y es algo evidente en el cine comercial de los últimos 10 años o así. Un error garrafal, claro. Que películas como Spider-Man Brand New Day se encarga de desmentir, viendo como una de las partes que más gusta de la película es la relación entre Peter y MJ.

Comento estas dos situaciones porque está telegrafiado que Cima y Hig tienen que terminar juntos. De hecho, diría que (perdón por la expresión), tras 9 años sola con su padre, Cima está entendiblemente cachonda ante la aparición de un hombretón de 2 metros de altura que además resulta ser una buena persona. Y aunque es spoiler, resulta super imposible que no tengan un revolcón. No sólo imposible, si no hasta tonto que nos muestren que no sucede. Porque en la novela Cima y Hig SI se lían cuando están en la granja. En la película, hasta el final final de la película no vemos que los protagonistas se den un par de besos castos de buenos cristianos. ¿A qué viene este cambio? Pues a lo que comentaba.

Otro aspecto que me resulta llamativo de mi valoración es que esta película me ha decepcionado, aunque no diré que es mala película. Y lo ha hecho por su nula sorpresa y por telegrafiar todo lo que vemos. Sin embargo, vi con dos días de diferencia El motín de Jason Statham. Y el argumento está tan telegrafiado como el de esta película, y sin embargo no me dejó mal sabor de boca. Con el género de acción de alguna manera no me supone un problema ver una película en la que sabes lo que hay, pero que lo haga Ridley Scott si lo es.

Creo que puede ser debido a a una película de Ridley Scott le supongo una mayor calidad que al último vehículo para el lucimiento de Statham. Pero al final todo son historias planteadas para entretener a la audiencia. Supongo que no me importa comerme una «hamburguesa con queso» cuando planeamos ir al McDonald´s, pero si puede ser un problema si esperaba cenar un solomillo en el restaurante y me sirven una hamburguesa en su lugar.

Comparto el trailer de la película:

A pesar del virtuosismo de Ridley Scott, La constelación del perro es una película en lo que todo suena a ya visto.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

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