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Crítica de Capitán América 9-13 de J. Michael Straczynski y Jesús Saiz (Marvel Comics – Panini)

No se qué ha pasado con la etapa de J. Michael Straczynski en Capitán América, pero me apena la sensación que me han dejado los números 9 al 13 de la edición de Panini, dibujados por Jesús Saiz y Carlos Magno. Que es que los editores han cortado en seco esta etapa, obligando al escritor a cerrar en falso su historia.

PUNTUACIÓN: 5.5/10

¡Firme ante la muerte! El Capitán América tiene una nueva misión: reunir a seis nuevos agentes de cambio bajo la protección del misterioso Cabaret Entrada Principal antes de que los encuentren aquellos que los quieren erradicar. ¡Pero su primer recluta ya está en peligro!

¡El precio de la libertad! El Capitán América ha conseguido encontrar a uno de los agentes de cambio que figuran en su lista. Ahora parece sencillo ofrecerle toda la protección del Cabaret Entrada Principal. Pero ¿cómo se puede proteger a alguien que no quiere tu ayuda?

El Centinela de la Libertad ha encontrado al último Agente del Cambio. Se trata de alguien que puede modificar el rumbo del planeta para siempre… una vez que muera. Mientras Steve valora los condicionantes morales de su misión, alguien de su círculo interno le traicionará…

La Muerte ha venido a la Tierra y trata de barrer a la humanidad del tablero de juego. El Capitán América ha reunido a los Agentes del Cambio, aquellos que pueden salvar a todo el mundo. Pero quizás sea demasiado tarde. ¿Lo es?

Mientras la Muerte hace todo lo posible por destruirlo, el Capitán América debe tomar una decisión: proteger a los Agentes del Cambio o proteger su propio futuro. Pero uno de los mutantes rescatados tiene sus propias ideas y la intención de que nadie decida por él. 

El primer arco de Capitán América de J. Michael Straczynski se desarrolló en los números 1-6 de la colección que fue relanzada por Marvel para destacar la importancia del retorno a Marvel del autor de etapas muy celebradas en Spiderman y Thor. Después tuvimos un interludio (Intermezzo) de dos números en los que Steve Rogers conocía que el demonio Asmodeo era el menor de sus problemas, ya que Lyra, la personalización de la VIDA se está enfrentando a su hermano MUERTE.

En este segundo arco tenemos el desarrollo de lo que se nos había sugerido en los números previos. Para conseguir la supervivencia del Cabaret Entrada Principal de Lyra, Steve Rogers tiene que viajar por todo el mundo para encontrar a 4 personas superdotadas cuyas habilidades son claves en todo lo que está por venir. Así tenemos viajes a Chile, Londres y Chicago antes del combate final en Nueva York. Y lo que es una historia interesante con unos nuevos personajes que se intuía que podrían dar mucho juego en el futuro de la colección ha quedado cortado de raiz de forma para mi incomprensible.

Straczynski es un escritor super veterano, y me resisto a pensar que la historia publicada por Marvel fuera la que él pensó inicialmente. Porque lo que empieza como la presentación de una nueva faceta del universo Marvel con personajes ambiguos e interesantes ha quedado en nada con dos últimos números imposibles de calificar que terminan con la desaparición del Cabaret y todos sus ocupantes, de facto todo lo novedoso que el guionista presentó en su etapa. El papel de la traidora, la ambigüedad de Piélez o incluso la posibilidad que los planes de Lyra pudieran provocar situaciones que fueran incómodas para Steve se fueron al traste. Un arco que hubiera podido llegar hasta el número 20 USA ha terminado de mala manera en su número 13. Y no lo entiendo.

En la parte positiva, si algo ha quedado claro es que Straczynski conoce a la perfección a Steve Rogers / Capitán América, y sabe presentar dilemas morales interesantes para Steve que resolverá siempre de la manera correcta. El combate final de Steve contra MUERTE en el que renuncia a un final feliz alejado de la guerra para ponerse delante de un enemigo invencible, con el único plan de dar tiempo a sus protegidos para que puedan ponerse a salvo, me parece un momento muy puro que deja clara la naturaleza heroica de Capitán América y cómo pone siempre su vida al servicio de los demás.

Estoy pensando todo el rato que ha sido Marvel la que ha recortado la etapa de Straczynski en esta colección. La idea de un Cabaret de artistas y seres extraordinarios en un plano adyacente de la realidad y tener a la VIDA y la MUERTE peleando por el destino del mundo ha podido ser una temática que no le ha funcionado a Marvel. Quien sabe si esta opinión se vio confirmada por una caída de ventas abrupta que puso en pánico a los editores.

En ese sentido, tras el coutus-interruptus del final de este arco, aún quedan tres números guionizados por Straczynski, en los que reunirá a Steve con sus dos personajes fetiches de Marvel: Spiderman y Thor. Un team-up que claramente es más del agrado de Marvel respecto a lo que estaba haciendo con el Cabaret. Y que seguro provocan el aumento puntual de las ventas.

Pero también es posible que sea Straczynski el que no haya estado a gusto en Marvel, igual su trato con su editor provocó algún desencuentro, y haya decidido acortar su trabajo en esta colección. Es posible que sea el caso, no lo se. Pero en realidad eso chocaría con que aún se quede tres números más para el team-up. Si estás desagusto, abandonas el comic inmediatamente, no lo haces en diferido dentro de unos meses. Por eso no me cuadra.

En cualquier caso, ya sea por un motivo u otro, el resultado es que un comic que empecé a comprar con muchas ganas se ha ido al traste de una forma lamentable en dos meses. Igual en menos tiempo.

Otra muestra de la pérdida de interés de Marvel en esta colección viene del hecho que Marvel separó a Jesús Saiz, el artista oficial de Capitán América, de esta colección quedando apenas un número para terminar este arco. Esto en todo caso me parece una enorme falta de respeto por parte de Marvel hacia sus clientes, los lectores compradores. Y también hacia la propia colección y su guionista. Saiz, con el color de Matt Hollingsworth, es un artista que siempre me ha gustado. El diseño de los nuevos personajes me parece que está muy guay, y su narrativa siempre muestra la acción de la forma más clara posible, lo que hace que sus comics sean un placer de leer. Con Saiz dibujando un comic, es difícil que le pueda poner un pero al apartado artístico.

El sustituto de Saiz para el último número es Carlos Magno, con color de Espen Grundetjern. Magno dibujó los números 7 y 8 de esta colección y me parece un buen dibujante con un estilo adecuado para un comic del Capitán América. En esa parte no tengo queja. El problema es la falta de respeto de Marvel al quitar al artista oficial de una colección a falta de una grapa para terminar el arco en curso. La primera señal de que una colección está en peligro viene cuando Marvel quita a los dibujantes «buenos» para no quemarlos en comics que no lee nadie o que están a punto de ser cancelados. Y este cambio de Saiz realmente me ha molestado desde todos los punto de vista posibles.

Otro problema que le veo a estos comics viene de las portadas de Taurin Clarke para los números 10 a 13. Cuando veo la portada del número 9 de Jesús Saiz, veo una pose icónica del Capitán América que me resulta super potente. Incluso cuando le vemos de espalda. Sin embargo, veo las otras cuatro portadas y no qué nos quiere contar, ni desde luego por qué este comic es especial y debería pagar por leerlo. Las librerías están tan abarrotadas que a menudo las editoriales buscan ilustradores que llamen la atención con imágenes poco convencionales. Pero en el caso de Clarke, veo un artista que no tiene clara la primera convención del género, y es que la portada debe provocar que el lector quiera comprar este ejemplar. Ver al Capitán América leyendo unos expedientes es lo contrario a esto. Aunque las cuatro portadas me parecen flojas, quizá la mejor sea la del número 11 con Steve dirigiéndose hacia ese ser de luz. Pero las portadas del número 12 y 13 me parecen especialmente malas. ¿Quién es ese ser en segundo plano del número 12? Da igual. ¿Qué sensación de peligro da? Ninguna. Y lo mismo para la flojísima portada del número 13 en la que ni siquiera es capaz de mostrar a estos personajes en una pose dinámica. Aparte, de nuevo, con la incorporación de personas en segundo plano que no se sabe quien son y no aportan nada. Si acaso, añadiendo una sensación estática a una imagen realmente floja. Acepto que el gusto es particular de cada uno, pero no entiendo que un editor de Marvel vea estas portadas y crea que son adecuadas para un comic Marvel. Me resulta incomprensible.

Me he llevado un buen chasco con el final abrupto de la etapa de J. Michael Straczynski. Este no-final ha sido tan decepcionante que me sabe mal haber comprado este comic. Y vais a pensar que estoy un poco tonto, pero a pesar de todo quiero comprar los 3 últimos números para ver qué plantea el guionista para el Capi, Thor y Spiderman, y tener completa esta corta etapa de Capitán América. Espero que al menos estos tres últimos números consigan dejarme con buen sabor de boca. Porque este número 16 desde luego no lo ha conseguido.

Comparto las primeras páginas del número 9 de la edición de Panini:

Me sabe muy mal la forma en que Marvel ha cortado este arco de J. Michael Straczynski y nos han dejado compuestos y sin historia.

PUNTUACIÓN: 5.5/10

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Crítica de La Guerra de Veneno 1 de Al Ewing e Iban Coello (Marvel Comics – Panini)

La actual etapa de Veneno de Al Ewing parece que llega a su punto culminante con La Guerra de Veneno, la miniserie-evento de Ewing, el español Iban Coello y Frank D´Armata en el color que parece que va a enfrentar a Eddie Brocl contra su hijo Dylan por el control del simbionte Veneno.

PUNTUACIÓN: 6/10

El simbionte de Veneno se ha ligado a Eddie Brock y a su hijo Dylan en diferentes momentos. Ahora, ambos Brock entran en colisión por el nombre de Veneno. El choque de padre contra hijo amenaza con romper su mundo en pedazos. Al Ewing e Iban Coello narran la batalla de simbiontes que no esperabas.

Este primer número de la edición de Panini incluye FCBD 2024 Spider-Man/Ultimate Universe y Venom War 1 USA.

Empecé con muchas ganas con la actual etapa de Veneno de Al Ewing, en la que planteaba dos narrativas diferentes con dos protagonistas, Eddie Brock y su hijo Dylan. Pero tengo que reconocer que el paso de los meses y del alargamiento de estas tramas paralelas me han dejado bastante desencantado con este comic. Llega ahora este evento La Guerra de Veneno que se supone que va a cerrar estos casi tres años de historias.

Y empezando por los elementos positivos de este primer número de la miniserie, dentro que tenemos un enoooooorme número expositivo, Al Ewing se las apaña para contar los aspectos principales de su arco actual y la historia del simbionte Veneno, para que posibles lectores que no hayan comprado su comic puedan ponerse al día y no sentirse perdidos a la hora de leer esta miniserie. El comic está dibujado por el estupendo Iban Coello con color del veterano Frank D´Armata. Y por la parte del dibujo el comic luce estupendo, a pesar de toda la plancha expositiva que tenemos a lo largo del comic.

Esta miniserie La Guerra de Veneno van a ser 5 números publicados por Panini con ritmo mensual entre enero y mayo. Y aparte de la miniserie, Marvel ha planteado esta guerra de simbiontes como un evento de la franquicia arácnida de Marvel, con múltiples especiales y miniseries adicionales. Leyendo en el Spot-On, Julián Clemente comenta que Al Ewing ha planteado su historia de forma que pueda ser entendida perfectamente únicamente leyendo esta miniserie. El resto de comics pueden ampliar la escala del evento, pero no son imprescindibles. Y esto creo que es un acierto total, porque viendo que los tie-ins del evento de la colección de Veneno van a estar escritos por Torunn Grønbekk, creo que es mejor si me los puedo ahorrar.

En la parte negativa, dentro de pensar que estamos ante un buen comic de inicio de evento, la verdad es que no he conectado con varias partes de la historia de Ewing, empezando en situar la acción en medio de un combate de WWE, con personajes de cuarta categoría desconocidos que no suponen ni media amenaza para Eddie Block. La forma en Eddie que tortura y destroza a varios de esos villanos le pone casi en el lado de los villanos. Los verdaderos villanos de Roxxon tienen planes que seguro que van a arruinar los intentos de acercamiento entre el bando de Eddie y el de Dylan, con Peter Parker situado en medio intentando mediar para que haya paz. Estando como estamos en un comic Marvel, ya sabemos que Peter no va a tener éxito y al menos en el próximo número tendremos enfrentamiento entre simbiontes antes que tengan que unirse contra el enemigo común.

La lucha libre parece que está de moda en el mundo del comic desde que Daniel Warren Johnson nos volara la cabeza a los lectores con esa maravilla que es Do a powerbomb. Pero que Ewing sitúe la acción en un ring es un elemento un poco ridículo que no ayuda a que entre en lo que nos quiere contar. Aparte, este evento pone de manifiesto un problema recurrente de muchos comics Marvel. En el momento en el que Marvel hace que hayan muchos personajes con las mismas habilidades, le están quitando a los protagonistas aquello que les hace grandes en primer lugar. Si es problemático ver a Eddie con las diferentes versiones de si mismo de la corriente temporal, ver a los simbiontes amigos de Dylan refuerza la idea de personajes redundantes y repetitivos.

Voy a comprar esta miniserie de La Guerra de Veneno, pero en realidad es mi plataforma de salida de la colección de Veneno. Al Ewing tiene una forma de escribir que me parece lo contrario a entretenida, y ha quemado todo el interés que hubiera podido tener por el personaje. Por cualquiera de los dos protagonistas de la familia Brock. Me sabe mal porque son ya varios años comprando ininterrumpidamente Veneno, pero Ewing no es un escritor que tenga nada que me interese leer. Espero que al menos este evento esté entretenido, dentro que sólo voy a comprar esta miniserie, y consiga darnos un buen final.

Comparto las primeras páginas del comic:

La Guerra de Veneno arranca de forma correcta explicando las apuestas del juego para cada bando, pero mostrando el agotamiento que sufre la actual historia de Ewing.

PUNTUACIÓN: 6/10

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Crítica de Star Wars Tripulación perdida episodio 7 (Disney+)

El séptimo episodio de Star Wars Tripulación perdida emitido en Disney+ vuelve a ofrecernos un entretenimiento de primer nivel mientras lo deja todo listo para el climax final de la semana que viene.

PUNTUACIÓN: 8/10

Episodio 7. Vamos a estar en un buen lío

Nuestros héroes nunca se han sentido tan lejos de casa.

Lee Isaac Chung, director de Minari y Twisters, es el director de este séptimo episodio de Tripulación perdida. El episodio de 37 minutos cuenta con guion de los showrunners Christopher Ford y Jon Watts. La serie terminará la próxima semana con su octavo episodio.

En el reparto tenemos como siempre a Jude Law como Jod Na Nawood, el antiguo líder de los piratas que persiguen a los chavales desde el primer episodio. Ravi Cabot-Conyers es Wim, un joven humano que tiene sueños de aventura lejos de su perfecto y aburrido planeta At Attin. El resto de jóvenes perdidos son Ryan Kiera Armstrong como Fern, una joven demasiado lista para su propio bien, Kyriana Kratter como KB, amiga de Fern que lleva un visor cibernético conectado a un implante conectado a su cabeza y Robert Timothy Smith como la voz de Neel, un joven alienígena no identificado con aspecto de elefante y amigo de Wim. Además, Nick Frost hace la voz de SM-33, el decrépito droide primer oficial de la Onyx Cinder, la nave perteneció al famoso pirata Tak Rennod. 

Me gusta mucho todo lo que nos ha contado hasta el momento Star Wars Tripulación perdida. Los showrunners Christopher Ford y Jon Watts han planteado una historia increíble que está acertando con todo, empezando con la premisa de recuperar el espíritu de la Amblin de los años 80, actualizando la idea de los Goonies en el espacio viviendo una aventura pirata. Y los piratas espaciales es un concepto que conecta perfectamente con los mitos de Star Wars, aprovechando a un Jude Law pletórico con un personaje ambiguo que le va como anillo al dedo.

El ritmo que está teniendo la serie me parece modélico. Cada episodio se ha sentido como un capítulo satisfactorio de una historia que claramente nos llevaba al momento en que nos encontramos en este momento, con todos los jugadores ya en At Attin. Y me ha gustado la forma en que hemos conocido la forma en que este planeta del tesoro ha estado oculto de la galaxia durante todo estos años, siendo la forma de llegar al planeta la clave del episodio. Dentro de lo espectacular que ha sido todo, sigo pensando que aún nos queda al menos una gran sorpresa por conocer, que será la identidad del Supervisor de At Attin, que me gustaría que tuviera relación con el pirata Tak Rennod cuya nave Onyx Cinder ha causado todo este embrollo cuando los chavales la activaron.

Star Wars Tripulación perdida es ante todo una historia de chavales. Y me encanta el tono para todos los públicos, planteado como una historia que apela y está gustando a espectadores de todas las edades. Me gusta la relación que establecen los chicos con el droide SM-33, que se ha convertido en su protector contra los piratas. Esto no quita que en varios momentos sufran ante la confirmación que unos niños como ellos están indefensos cuando los adultos de empeñan en hacer el mal.

Y junto a ellos, Jude Law se quita la careta y acaba como el villano principal de lo que queda de serie. Un Jod Na Nawood que se muestra como un pirata sin escrúpulos que hará lo que sea para llegar al tesoro que se oculta en At Attin. No sólo por el tesoro en sí, sino por la capacidad de acuñar las monedas de oro de la Antigua República. E incluso tras lo visto en este episodio, aún me queda la ilusión que Jod al final tendrá ciertos escrúpulos hacia los niños, similares a lo que Long John Silver sintió en La isla del tesoro de Robert L. Stevenson.

El séptimo episodio de Tripulación perdida ha sido pura diversión, y nos ha dejado en el momento justo para el climax que viviremos la semana que viene.

Comparto el trailer de esta serie:

El episodio de esta semana de Star Wars Tripulación perdida lo ha dejado todo listo para el climax final. Y mi disfrute es absoluto.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Conan El Cimmerio 6: Sombras de hierro a la luz de la luna de Virginie Augustin (Planeta Comic)

Sexto volumen de la edición de Planeta Cómic de las aventuras de Conan El Cimmerio publicadas por Glénat. Sombras de hierro a la luz de la luna de Virginie Augustin me parece un comic que resume muy bien los temas y el impacto que convirtieron al personaje creado por Robert E. Howard en un icono.

PUNTUACIÓN: 8/10

Sombras de hierro a la luz de la luna es la historia de una doble huida: la de Conan y Olivia escapando del continente (es decir, de la civilización, oriental en este caso) para terminar en una isla que, de hecho, es una enorme trampa en la que se enfrentarán a tres amenazas habituales en las regiones salvajes de la Era Hiboria: lo sobrenatural (las estatuas), los humanos semibárbaros que se ganan la vida con la espada (los piraras) y lo animal (el simio).

Robert E. Howard (Texas, 1906-1936) escribió decenas de relatos que vieron la luz en la revista Weird Tales, donde publicaban H. P. Lovecraft o Clark Ashton Smith. Su héroe más popular, Conan, generó una larga colección de cómics y adaptaciones cinematográficas. Además de fantasía, redactó historias de boxeo, al que era muy aficionado, aventuras orientales y del Oeste.

Virginie Augustin (Chatou, 1973) es una veterana que acumula ya dos décadas de carrera en la BD y varios años previos de experiencia en animación. En España, hemos podido ver su trabajo en Alim el curtidor, con Wilfrid Lupano; Whaligoë, con Yann Le Pennetier; Las 40 elefantas, con Kid Toussaint, o Allí donde nacen las historias, la aventura de Valerian que realizó junto a Pierre Christin.

Sombras de hierro a la luz de la luna me parece un relato modélico que explica muchas de las claves de la obra de Robert E. Howard. Empezando por un Conan que está escapando tras haber sido masacrado el ejército donde él prestaba sus servicios, encontrándose en un pantano. Su rescate de la joven Olivia resalta el contraste entre un mundo «civilizado» en el que los padres venden como esclavas a sus hijas, frente a un salvaje como Conan que jamás haría algo así. Luego, la aventura que vivirán ambos les llevará a una isla con una triple amenaza, que también resume los diferentes tipos de enemigos a los que se ha enfrentado Conan. Una amenaza mágica, de un animal salvaje gigante, y por supuesto la de unos piratas. Por cierto, que Olivia tome un papel proactivo para ayudar a Conan convierte al personaje en mucho más que la clásica damisela en apuros que era tan habitual en las obras de esos años, siendo por tanto un elemento en el que Howard se adelantó a su tiempo. El final en positivo de esta historia resalta la naturaleza indómita de Conan y cómo al final, su fuerza y astucia consiguen su supervivencia. En este caso con un premio añadido, al decidir Olivia compartir aventuras con él.

Este comic es la primera obra que compro / leo de Virginie Augustin y la verdad es que me ha gustado mucho su estilo de dibujo y su narrativa. Augustin dibuja a un Conan muy clásico, muy Buscema, un salvaje en plenitud física que es una fuerza de la naturaleza. Su Olivia es una joven bella y voluptuosa que es normal que centre la atención de Conan. Y su naturaleza está llena de peligros, transmitiendo el feeling correcto que se le supone a una historia de Conan. Los momentos de acción están muy bien resueltos, consiguiendo que la lectura de este comic fuera un placer y un suspiro. En lo relativo a este comic, creo que Virginie Augustin lo hace todo bien.

Otra cosa que me gusta mucho de la edición de Planeta de este Conan El Cimmerio son los textos que incluye el comic. Unos textos que dan contexto a la creación original de Howard y que me parecen siempre super interesantes. Estos álbumes de Planeta me parece que son una pasada imprescindibles para todos los amantes de Conan y de la obra de Howard. Y tras este volumen, siento que debo comprar lo antes posible el siguiente, que nos trae la adaptación del clásico relato «Clavos Rojos». Sin duda, estamos en un buen momento para ser fan de Conan.

Comparto las primeras páginas del comic:

Sombras de hierro a la luz de la luna me ha parecido un maravilloso relato de Conan, realizado por una autora que me ha gustado mucho.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Parthenope de Paolo Sorrentino

La segunda película que vi en el cine en 2025 ha sido Parthenope del director italiano Paolo Sorrentino, un creador que ama la belleza en todas sus formas, como bien puede apreciarse en esta película.

PUNTUACIÓN: 8/10

El largo viaje de la vida de Parthenope, desde su nacimiento en 1950 hasta hoy. Una epopeya femenina desprovista de heroísmo pero rebosante de una pasión inexorable por la libertad, Nápoles y los rostros del amor, todos esos amores verdaderos, inútiles e indecibles. El perfecto verano de Capri, el desenfado de la juventud, que acaba en emboscada. Y luego todos los demás: los napolitanos, hombres y mujeres, observados y amados, desilusionados y vitales, sus olas de melancolía, sus ironías trágicas y sus miradas abatidas. La vida, ordinaria o memorable, sabe ser muy larga. El paso del tiempo ofrece un vasto repertorio de emociones. Y ahí al fondo, tan cerca y tan lejos, está Nápoles, esa ciudad inefable que hechiza, encanta, grita, ríe y siempre sabe cómo hacerte daño. (FILMAFFINITY)

Paolo Sorrentino (Nápoles, 1970) es un director de cine, guionista y escritor italiano. Está considerado uno de los cineastas más destacados del cine italiano actual. Es conocido por sus dramas visualmente impactantes y complejos, y ha recibido numerosos galardones, entre ellos un Óscar, un BAFTA, dos premios del Festival de Cannes, cuatro del Festival de Venecia y cuatro Premios del Cine Europeo. En Italia recibió ocho David di Donatello y seis Nastro d’Argento.

Sorrentino debutó como director con la comedia italiana One Man Up (2001). Las consecuencias del amor (2004), El amigo de la familia (2006), Este debe ser el lugar (2011). El drama biográfico Il Divo (2009) recibió el Premio del Jurado del Festival de Cannes. Fue aclamado por la crítica con el drama artístico La gran belleza (2013), que ganó el Oscar, el Globo de Oro y el BAFTA a la mejor película de habla no inglesa. Le siguieron Youth (2015), Loro (2018) y The Hand of God (2021), esta última nominada al Oscar a la mejor película internacional. También es conocido por su trabajo en televisión creando y dirigiendo las estupendas series de HBO The Young Pope (2016), y The New Pope (2019).

Sorrentino escribe, produce y dirige Parthenope. La película de 136 minutos de duración cuenta con fotografía de Daria D´Antonio, montaje de Cristiano Travaglioli y música de Lele Marchitelli. Ha sido rodada en Nápoles, hogar del director, y en la isla de Capri.

Excepto por Gary Oldman, el casting está formado todo por actores y actrices italianos, entre los que destacan Celeste Dalla Porta como Parthenope, Stefania Sandrelli como Parthenope mayor, Silvio Orlando como Devoto Marotta, Luisa Ranieri como Greta Cool, Peppe Lanzetta como Bishop, Isabella Ferrari como Flora Malva, Lorenzo Gleijeses y Daniele Rienzo.

Cuando salimos del cine de ver Parthenope, comentamos entre risas que daba igual de qué iba la película cuando las imágenes que Paolo Sorrentino había creado eran tan bellas. Porque lo primero que hay que celebrar es que existan directores como Sorrentino, que aman el cine y plantean una experiencia sensorial para el espectador al mismo nivel que la narrativa. Y digo esto porque una tendencia actual es tener a directores funcionales que se limitan a mostrar la acción de la forma más neutra y clara posible, pero olvidando la emoción y la poesía que las imágenes también pueden transmitir al espectador. Sorrentino plantea una película hermosa de ver que sirve de celebración de la vida, la belleza de la mujer y la ciudad de Nápoles.

En este momento hay que celebrar a la protagonista, la actriz Celeste Dalla Porta. Sorrentino la muestra siempre bellísima, con una belleza que consigue hipnotizar al espectador. Parthenope personaliza el ideal de belleza femenina, y es una belleza que aturde en cada plano y que te tiene maravillado toda la película. Pero es una belleza pura, sin el menor atisbo de sexualización, aunque el sexo esté bastante presente a lo largo de la historia. La elegancia de Sorrentino a la hora de mostrar la belleza de esta joven mujer me ha dado una película que es una obra de arte en cada plano y que te atrapa con esta belleza inalcanzable.

Celeste Dalla Porta es una mujer bellísima y una estupenda actriz, pero además es un increíble acierto de casting porque su mirada transmite un toque de tristeza, lo que provoca que en realidad nunca sepas lo que Parthenope está buscando o en qué piensa. Esto es algo que se verbaliza en la película, y de hecho sería uno de los temas filosóficos que Sorrentino plantea, como forma de celebrar los otros ejes de la película aparte de la belleza femenina, que es la vida misma y la ciudad de Nápoles, con todos sus contrastes y claroscuros.

Se nota que Sorrentino es nacido y criado en Nápoles, porque la ciudad es casi tan protagonista como Parthenope. De hecho, el nombre de la joven es la denominación en Griego del primer asentamiento que creció hasta convertirse en lo que ahora es Nápoles. El simbolismo entre la vida de la joven y su búsqueda del sentido de la vida, con sus alegrías y desengaños, puede interpretarse como una metáfora de la historia y la evolución de la ciudad.

Y en cierta manera esta película es el mejor anuncio publicitario que jamás he visto de la ciudad de Nápoles. Sorrentino celebra el sol y el mar, al ser una ciudad centrada en el Mediterráneo. También celebra a sus gentes con todos sus contrastes, mostrando también los puntos oscuros de la ciudad, con la pobreza y la camorra. Y los ritos católicos como el Milagro de San Genaro que también forman parte del ADN de la ciudad. Y por supuesto, el equipo de futbol del Nápoles. Digo esto porque me flipa que en esta historia a lo largo de más de 60 años de vida de la protagonista, Sorrentino tenga tiempo de mostrarnos imágenes de la celebración por la victoria en el Scudetto de 2023. Napolitano 100%.

Y aunque comentaba que Parthenope es una película hermosa de ver, me han parecido muy interesantes las reflexiones de Sorrentino sobre el estudio del sentido de la vida, que en la película se muestra con la vocación de la joven por estudiar antropología, aunque no sepa muy bien lo que es. La explicación de que sólo alguien que ya es anciano y lo ha perdido todo puede VER al ser humano, el objeto último de la antropología, me parece muy interesante. Como lo es que en cierto sentido, Sorrentino se califica a sí mismo de antropólogo, al poner a Willy Wilder, otro cineasta, como ejemplo de persona que muestra y estudia al ser humano.

De alguna manera, que nunca sepamos en qué está pensando Parthenope y la forma en que la joven busca conocer lo más destacado de la vida napolitana pero su belleza la haga casi inalcanzable, como una estatua de mármol, puede servir de metáfora de la ciudad que se busca a si misma para que la vida de sus habitantes sea plena, sin importar su condición económica. Una ciudad con muchos matices, como la protagonista.

Pero aparte de la metáfora de la ciudad, Parthenope es una joven que busca su lugar en el mundo y pasa por varias etapas mientras prueba cosas diferentes. Empezando por una fase edonista y sin preocupaciones mientras se va de fiesta con su hermano. Luego como musa de un escritor de éxito atormentado por su condición homosexual. También es curioso que aunque acaba inmersa en el mundo académico, antes Parthenope prueba a conocer el mundo del cine. Un mundo que es mostrado de forma muy poco agraciada por parte de Sorrentino, con dos famosas divas italianas mostradas como mujeres con graves problemas estéticos derivados de la tensión y exigencia de esta industria. Normal que Parthenope decida NO entrar en ese mundo, aunque su belleza perfecta la haría a priori una candidata perfecta para ser la siguiente Sofía Loren.

Por cierto, que Sorrentino tampoco pretenda dar respuestas me parece otro de los puntos fuertes de la película que hacen que sea una historia muy interesante que me ha parecido super redonda.

Viva la vida. Vida Paolo Sorrentino. Viva Parthenope.

Comparto el trailer de la película:

Parthenope es una celebración de la vida, la mujer y Nápoles por parte de un director con una sensibilidad única. Peliculón.

PUNTUACIÓN: 8/10

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