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Crítica de Elvis de Baz Luhrmann

Baz Luhrmann aplica su particular punto de vista a la figura de El Rey Elvis Presley, en una película planteada a destacar la figura mítica de Elvis alejándolo de todo elemento polémico para su persona.

PUNTUACIÓN: 8/10

La película explora la vida y la música de Elvis Presley (Austin Butler) a través del prisma de su relación con el coronel Tom Parker (Tom Hanks), su enigmático manager. La historia profundiza en la compleja dinámica que existía entre Presley y Parker que abarca más de 20 años, desde el ascenso de Presley a la fama hasta su estrellato sin precedentes, en el contexto de la revolución cultural y la pérdida de la inocencia en Estados Unidos. Y en el centro de ese periplo está Priscilla Presley (Olivia DeJonge), una de las personas más importantes e influyentes en la vida de Elvis. (FILMAFFINITY)

Mark Anthony «Baz» Luhrmann (nacido el 17 de septiembre de 1962) es un director de cine, guionista y productor australiano con proyectos que abarcan el cine, la televisión, la ópera, el teatro, la música y la industria discográfica. Es el director australiano de mayor éxito comercial, con cuatro de sus películas entre las diez más taquilleras de todos los tiempos. Y esto a pesar que Elvis es su sexta película como director, habiendo dirigido previamente Strictly Ballroom (1992), Romeo + Julieta (1996), Moulin Rouge! (2001), Australia (2008) y El Gran Gatsby (2013).

Lurhmann escribe el guion junto a Jeremy Doner, Sam Bromell y Craig Pearce. Mandy Walker se encarga de la fotografía, con montaje de Matt Villa y Jonathan Redmond y música de Elliott Wheeler. Elvis es una película excesiva en todo, empezando por su duración de 160 minutos, que sin embargo en ningún momento se hacen largos. La película, rodada en Australia, cuenta con un presupuesto de 85 millones de dólares.

El gran descubrimiento de la película es descubrir al actor Austin Butler como Elvis Presley. Butler (1991) es un actor estadounidense que comenzó su carrera en la televisión con papeles secundarios en Hannah Montana en 2006 y 2007 y Switched at Birth (2011-2012). En The Carrie Diaries (2013-2014) y The Shannara Chronicles (2016-2017) ya le tuvimos en papeles protagonistas, y en el cine, Butler interpretó a Tex Watson en Once Upon a Time in Hollywood (2019), de Quentin Tarantino.

Tom Hanks interpreta al Coronel Tom Parker, el representante de Elvis y el gran villano de la función, con Olivia DeJonge en el papel de Priscilla Presley, la esposa de Elvis, Helen Thomson como Gladys Presley, la madre de Elvis, Richard Roxburgh como Vernon Presley, el padre de Elvis y Chaydon Jay como Elvis niño.

Si te gusta la música de El Rey, ver Elvis es una obligación. Lurhmann aplica su estilo excesivo para contar la historia de Elvis desde un punto de vista casi operístico que en lo relativo a la historia tiene muchas conexiones con Bohemian Rhapsody, alejando a Elvis de cualquier elemento polémico que pudiera tener su biografía y destacando su figura mítica para el mundo del rock&roll. La película tiene como es lógico una selección de canciones alucinante, y en general el montaje de sonido creo que es de los que se merecen el Oscar. El amor de Elvis por la música negra y la forma en que le marcó en sus gustos y forjó su estilo musical está perfectamente contado. Algo casi prohibido en un momento en los años 50 en los que aún había leyes de segregación racial en varios estados de Estados Unidos y que es otro elemento más que resalta lo rompedor e influyente que ha sido (y sigue siendo) Elvis para la industria musical.

Austin Butler es el gran descubrimiento de la película. Su parecido con Elvis es asombroso, ayudado por una perfecta caracterización de maquillaje y peluquería. Butler además transmite toda la fuerza de El Rey cuando se subía al escenario, permitiendo a Lurhmann crear un montón de momentos super poderosos visualmente que hacen que la película merezca verse en pantalla grande. Este Elvis es un ser de luz cuya única preocupación era cuidar de su familia e intentar hacer la música que a él le gustaba, algo que no siempre consiguió durante su vida debido a la presión de su manager. La interpretación de Butler es de las que ganan premios y forjan carreras de éxito, espero que tenga suerte con su próxima película.

La película hace una interesante elección narrativa al convertir al malvado Coronel Tom Parker en el narrador de la historia. Este oscuro personaje que ni era coronel, ni se llamaba Parker ni realmente era americano explotó de forma terrible a Elvis ahogando su creatividad y obligándole a hacer los trabajos más lamentables con tal de ganar él un dólar. Que Parker se llevara el 50% de todos los ingresos de Elvis es una locura sumada al hecho que llevó la carrera de Elvis no donde le hubiera interesado a él musicalmente, sino donde él pudiera ganar más dinero a su costa. La interpretación de Tom Hanks como Parker es como siempre perfecta.

De esta forma, la narración de la película es la de un aprovechado sin moral ninguna que usó a su antojo a Elvis, de forma que no es necesario que Lurhmann nos diga que lo que hace es tremendo, porque es algo que se sobreentiende. De hecho, que la muerte de Elvis fue culpa suya podría ser una conclusión lógica viendo la película y como actuaron la gente alrededor de Elvis. Porque ese es otro tema clave de la película, ya que todos alrededor de Elvis se convirtieron en unos chupópteros aprovechados, empezando por su padre y su tropa de amigos y músicos que formaron un séquito a su alrededor que se dedicó a vivir la vida loca a su costa. La amoralidad de Parker queda clara a lo largo de la película, y que él lo viera como lo más normal del mundo añade una dosis de dramatismo a toda la historia de Elvis, un chaval inculto de pueblo del que todos se aprovecharon. En este sentido, queda claro viendo la película que Elvis nunca actuó fuera de Estados Unidos al no querer salir Parker del país, quien sabe si por miedo a no poder entrar, y que si actuó durante años en Las Vegas fue para pagar las deudas de Parker con el juego. Y que la carrera como actor de Elvis fue destruida al obligarle a trabajar en películas cada vez peores y más baratas que le permitiera a Parker conseguir mayor beneficio. La forma en que drogaban a Elvis para que pudiera actuar fuera como fuese, o las giras con fechas imposibles son mostradas con claridad meridiana para mostrar a Elvis como una víctima de su entorno.

Dentro que este biopic musical me ha gustado mucho, hay que reconocer que incluso sin saber en detalle la historia de Elvis, se nota el intento evidente de blanquear la figura de El Rey, de forma que siempre todo lo que le pasa es por culpa de alguien. Por ejemplo, si tomaba pastillas y alcohol no fue por iniciativa propia sino a iniciativa de alguien de su entorno. Me parece normalísimo que su viuda Priscila Presley haya apoyado la película porque ella y su marido salen super bien parados, no como el resto de parásitos que se aprovecharon de Elvis empezando por su padre. Aunque muestra una infidelidad, la película evita mostrar las famosas juergas de alcohol y drogas de Elvis en Las Vegas y en general cualquier elemento controvertido de su biografía, limitando por ejemplo su dependencia a los medicamentos a los que su médico le daba para subirse al escenario.

Lurhmann no busca en este sentido ser «realista», sino ampliar la categoría de mito que Elvis adquirió a partir de su muerte en 1977 a la edad de 42 años. Y lo cierto es que su apuesta le sale bien, porque Elvis siempre ocupará un lugar en los corazones de los amantes de la música rock y esta película no hace sino destacar todo lo bueno hasta niveles beatíficadores. Para todos los fans de las película musicales, ELVIS nos da 160 minutos de pura historia de la música que me ha dado un entretenimiento espectacular.

Comparto el trailer de la película:

Para todos los amantes de la música, ver el biopic musical de Elvis se convierte en una obligación, a ser posible en la sala con mejor equipo de sonido posible.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Noticias del gran mundo, de Paul Greengrass (Netflix)

Siete años después de la estupenda Capitán Phillips, Tom Hanks vuelve a reunirse con el director Paul Greengrass en Noticias del gran mundo (News of the world), película que tras las restricciones del covid que impidieron su estreno en mi localidad el pasado mes de enero nos llega esta semana en Netflix.

PUNTUACIÓN: 8/10

Cinco años después del fin de la Guerra Civil estadounidense, el capitán Jefferson Kyle Kidd (Tom Hanks), veterano de tres guerras, viaja de ciudad en ciudad narrando noticias, hablando de presidentes y reinas, de luchas gloriosas, devastadoras catástrofes y apasionantes aventuras que tienen lugar en cualquier rincón del mundo. Un día, en las llanuras de Texas, el capitán conoce a Johanna, una niña de diez años secuestrada seis años atrás por la tribu Kiowa, y que durante ese tiempo fue educada como uno de ellos. Johanna, en contra de su voluntad, debe irse a vivir a casa de sus tíos, un lugar hostil y desconocido para ella. El capitán Kidd acepta entregar a la niña a sus tutores legales. En el viaje, ambos recorrerán cientos de kilómetros a través de una inhóspita naturaleza, y deberán enfrentarse a enormes dificultades, humanas y naturales, en búsqueda de un lugar al que puedan llamar “hogar”.

Paul Greengrass se reunió con el escritor Luke Davies para adaptar la novela de Paulette Jiles a la gran pantalla. News of the world nos devuelve a western clásico y a las grandes historias de los pioneros americanos. La música de James Newton Howard sin duda fue la elección perfecta para transmitir el tono de western clásico atemporal que una película de estas características requería.

La película cuenta con montaje de William Goldenberg y fotografía del veterano Dariusz Wolski, que ha trabajado en películas tan icónicas como Dark City de Alex Proyas, Piratas del Caribe con Gore Verbinski Sicario: Día del Soldado de Stefano Sollima y con una larga asociación con Ridlet Scott (Prometheus, The Martian, Todo el dinero del mundo entre otras muchas).

Tom Hanks es el gran protagonista indiscutible de la película interpretando al veterano capitán Jefferson Kyle Kidd. News of the world sirve además como lanzamiento en Estados Unidos de la joven actriz alemana de 12 años Helena Zengel, interpretando a la niña Johanna Leonberger que acompañará a Hanks en su viaje.

La película tuvo un estreno limitado en Estados Unidos el 25 de diciembre, mientras que en España se estrenó en cine el 29 de Enero (no en Castellón, donde los cines están cerrados por culpa de la tercera ola). Como es ya habitual en Netflix, dos semanas de su estreno en salas nos llega ahora a través del canal de streaming, y dada la falta de estrenos de calidad, he recibido la película como agua de mayo.

Y es que entrando ya en materia, película me ha gustado mucho. Greengrass compone una obra con vocación de clásico construida a partir de lo más pequeño, la relación de un hombre acosado por su pasado que tendrá que aprender a mirar hacia delante al tener que cuidar de una niña que a nadie más le importa. No es noticia que Tom Hanks realiza una interpretación maravillosa desde el minimalismo, consiguiendo que me emocionara en numerosos momentos, y demostrando que sigue siendo uno de los grandes actores americanos.

Y si Hanks está bien, la joven actriz Helena Zengel consigue estar a su altura, con el añadido que su personaje no habla inglés, apenas tiene líneas de diálogo y cuando los tiene es en idioma nativo-americano. Pero su personaje habla con sus ojos y transmiten perfectamente los dramas que vivió la niña cuando perdió a dos familia, primero la suya original de origen alemán y luego la familia india con la que creció. Viendo su enorme interpretación, la auguro un interesante futuro profesional.

News of the world es una película emocionante que evita ser sensiblera y que plantea sin tapujos la crudeza del far-west en el que la vida no valía nada y podías morir en cualquier momento ya fuera de hambre, por enfermedad o porque te cruzaras con la persona equivocada, haciendo que la vida o la muerte no fueran justas o injustas, sino algo presente en todo momento.

Aunque la película es sobre el drama de los protagonistas, la aventura que viven es puro western de pioneros y sirve para realizar una buenísima crítica realizada de forma sutil pero evidente hacia el genocidio que sufrieron los nativos americanos, el racismo hacia afroamericanos o mexicanos, y en general hacia la codicia del ser humano que llevó a la casi extinción de especies como los búfalos americanos. En este sentido, me gusta que Greengrass confíe en la inteligencia del espectador que no necesita(mos) que nos digan que algo está mal cuando lo estamos viendo en imágenes.

Hay tantos panfletos infumables convertidos supuestamente en cine «importante» por el tema que tocan o lo que critican, que ver la elegancia como Greengrass pone en imágenes estas ideas me devuelve la fe en el cine inteligente, que no obliga al espectador elegir entre entretenimiento y narrativa en un lado y el mensaje de denuncia por otro. Si se hace bien, se pueden conseguir ambos, no son conceptos excluyentes.

Sumado a todo lo anterior, la película cuenta con unos estupendos paisajes que entiendo que porque se rodó en localizaciones naturales ¿de Texas?, una fotografía, una música, montaje y hasta una duración que me parecen perfectas y que ayudarán a hacer de News of the world un clásico del western al que volveremos cada pocos años porque merecerá la pena revisionar.

Comparto el trailer de la película:

Noticias del gran mundo es una gran película que nos devuelve el feeling de los mejores clásicos del western. Super recomendable.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Hermanos de Sangre (HBO)

Hermanos de Sangre, serie de la HBO producida por Steven Spielberg, es una extraordinaria historia bélica inspirada en hechos que es de visionado obligado por todos los fans de la Segunda Guerra Mundial.

PUNTUACIÓN: 9/10

Miniserie de TV. 10 episodios. Basada en el bestseller «Band Of Brothers», de Stephen E. Ambrose. Narra la historia de la Easy Company, un batallón estadounidense del regimiento 506 de paracaidistas, que luchó en Europa durante la II Guerra Mundial (1939-1945). Incluye entrevistas a los supervivientes, recuerdos de los periodistas y cartas de los soldados. (FILMAFFINITY)
Tras Salvar al soldado Ryan (1998), Steven Spielberg y Tom Hanks quisieron seguir profundizando en la Segunda Guerra Mundial, honrando a los soldados que lucharon y murieron para darnos la libertad. Para ello se asociaron con la HBO, que inmediatamente dio luz verde a la producción, basada en el bestseller «Band Of Brothers», de Stephen E. Ambrose que a partir de entrevistas con veteranos de la Compañía Easy y una intensa investigación para ser lo más fiel posible a los hechos reales.
La miniserie de 10 episodios de estrenó con gran éxito de audiencia en 2001, ganando además 6 Premios Emmys y varios Globos de Oro, además de numerosos galardones más, lo que abrió la puerta a una continueción “The pacific”, centrada en este caso en la guerra del Pacífico.
Junto a Spielberg y Hanks, Preston Smith, Erik Jendresen y Stephen Ambrose realizan funciones de productores. Tom Hanks escribió y dirigió un episodio, y se unió a los directores Phil Alden Robinson, Richard Loncraine, Mikael Salomon y David Nutter,
Tom Hanks, David Leland, David Frankel, Tony To y Mark Cowen dirigieron todos los episodios, que fueron escritos por Erik Jendresen, John Orloff, E. Max Frye, Bruce C. McKenna, Graham Yost, Erik Bork y William Richter.
Remi Adefarasin realiza las funciones de director de fotografía de esta serie que tiene una calidad cinematográfica muy superior a muchas películas recientes, mientras que Michael Kamen realiza la música que transmite todos los valores de heroismo y hermanamiento que se espera de una serie de esta naturaleza.

Aunque estamos ante una serie coral, diría que el principal protagonista serían el teniente Richard Winters (Damian Lewis), aunque todos los personajes que aparecen en la miniserie están basados en personajes reales de dicha compañía y algunos de ellos aparecen en entrevistas pregrabadas como prólogo a cada episodio. Los integrantes de la Compañía Easy del 506º Regimiento de Infantería Paracaidista, de la 101.ª División Aerotransportada son la personificación del “All-American Hero”, el chaval normal que sin importarle su propia seguridad personal se alistó porque era lo correcto.

Hermanos de Sangre es la heredera directa de Salvar al soldado Ryan no solo temáticamente, sino en lo referido al estilo y el tono de la narración. Y reconociendo que no hay nadie que narre mejor que Spielberg y Salvar al soldado Ryan contiene algunas de las mejores y más impactantes imágenes bélicas jamás rodadas, Hermanos de Sangre tiene a su favor la ventaja de la narración serializada, que nos da una mayor profundidad a todas las vivencias de este grupo humano, mostrando en sus 10 episodios desde su entrenamiento previo a su viaje a Reino Unido y luego a su entrada en combate en Francia, viajando por media Europa hasta terminar su servicio al final de la guerra en Alemania y Austria.

A pesar de ser una serie de televisión, Hermanos de Sangre luce mejor que el 90% de estrenos cinematográficos, con una calidad asombrosa. Independientemente de su presupuesto, la producción deja claro desde el primer fotograma que han invertido todo lo necesario para que las imágenes siempre lucieran ideales.

Aparte de unas increíbles y super realistas escenas de combate, los personajes, basados todos en personas reales, nos muestran como personas reales interiorizaron el horror de los combates y las muertes a su alrededor, haciendo que incluso los más duros tuvieran problemas psicológicos. El combate es espectacular, pero sin duda lo es porque los personajes nos importan, lo que para mí es ejemplo de gran escritura.

Al contar la historia de la compañía Easy en Europa, los 10 episodios cuentan un montón de situaciones diferentes, lo que además hace que nunca parezca que la historia se repite o está siendo monótona. Todo lo contrario. Además, hay pequeñas historias en cada episodio que aportan un toque humano aún más profundo, consiguiendo emocionarme en varios momentos durante el visionado.

Visionado que ya empezaba en todo lo alto al mostrar comentarios de los veteranos supervivientes de la compañía Easy, que aún hacían que todo adquiriera un realismo aún mayor.

Normalmente en todas mis reseñas comento todo lo que me gusta de una obra, pero también lo que me gustó menos o directamente no me gustó. En este caso no tengo nada que decir, creo que Hermanos de Sangre es un triunfo de principio a fin que acierta en todo lo que propone. De hecho, después de esta serie, ver The Pacific se ha convertido en una prioridad.

Comparto el trailer de esta serie:

Hermanos de Sangre es una de las grandes series de HBO que explica el más que merecido sello de calidad de la cadena. Una emocionante crónica de algunos de los momentos más impactantes del teatro de operaciones europeas de la 2ª Guerra Mundial que es de obligado visionado, seas o no seas fan de las “hazañas bélicas”.

PUNTUACIÓN: 9/10

 

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Crítica de Camino a la perdición, de Sam Mendes

Camino a la perdición (2002) es un PELICULÓN con todas las letras. Una maravilla que mezcla el género de gangsters con un drama familiar rodada elegantemente y con unos actores en estado de gracia. No se puede pedir más.

PUNTUACIÓN: 9/10

En los oscuros años de la Gran Depresión, Michael Sullivan (Tom Hanks) es un asesino a sueldo que profesa una lealtad inquebrantable a su jefe, el señor Rooney (Paul Newman), pero es también un buen padre de familia. Son tiempos duros en Rock Island, donde domina la mafia irlandesa, la Ley Seca sigue vigente y los gángsteres, especialmente Al Capone en Chicago, están en la cima del poder. Un día, inesperadamente, el hijo de Sullivan, Michael Jr. (Tyler Hoechlin), decide seguir a su padre para saber en qué consiste exactamente su trabajo. (FILMAFFINITY).

Camino a la perdición parte de un guión de David Self que adaptó a la gran pantalla la novela gráfica de Max Allan Collins y Richard Piers Rayner. Merece la pena destacar que a su vez, Collins nunca ocultó que esta historia está fuertemente influenciada por la obra maestra del manga Lone Wolf & Cub escrita por Kazuo Koike e ilustrada por Goseki Kojima. Camino a la Perdición es uno de los pocos casos en que la adaptación cinematográfica supera a la obra original, aunque reconozco que en parte esta sensación pueda estar producida al no leer esta novela gráfica hasta años más tarde de ver la película, lo que hizo que me pareciera un buen comic aunque alejado de la maestría de la película de Mendes.

Otro de los elementos más destacados de la película es su maravillosa recreación del Chicago de 1931, realizado gracias al trabajo en equipo de Dennis Gassner (diseño de producción), Richard L- Johnson (dirección artística) y Albert Wolsky (vestuario) entre otros. Conrad L. Hall consiguió el Oscar a Mejor Fotografía a título póstulo, al fallecer tras finalizar el rodaje. Hall, junto al montaje de Jill Bilcock y la maravillosa banda sonora de Thomas Newman consiguieron dotar a la película de una personalidad propia que se alejaba de otras películas del género de gangsters.

La película además cuenta con un reparto excepcional. Como cinéfilo me resulta un autentico lujo poder ver a dos leyendas del cine como Paul Newman y Tom Hanks compartir la película, que consiguieron que se me pusiera la piel de gallina. Hanks interpreta a Michael Sullivan, un asesino a sueldo que trabaja para John Rooney (Newman). Sus interpretaciones son super contenidas y casi minimalistas, siendo ambos hombres de pocas palabras que sin embargo transmite un montón simplemente con su mirada y su mera presencia.

La envidia que Connor Rooney (Daniel Craig) siente contra Sullivan al sentir que su padre le quiere y respeta más que a él es el fuego que desencadena todo el drama de la película. Sullivan tiene que escapar con su hijo Michael Sullivan Jr. (Tyler Hoechlin), el único superviviente de la familia. Otros actores destacados de la película son Jude Law como el asesino a sueldo Harlen Maguire, Stanley Tucci como el mafioso de Chicago Frank Nitti o Jennifer Jason Leigh en un pequeño papel como Annie Sullivan, la esposa de Michael. Aunque eclipsados por el carisma de Hanks y Newman, creo que todos realizan un trabajo excelente.

El director británico Sam Mendes lo había ganado todo con American beauty (1999), película que ganó 5 Oscars, entre ellos Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor Kevin Spacey, Mejor Guión Original y Mejor Fotografía. Esto suponía una gran oportunidad, ya que tendría vía libre para rodar lo que quisiera, pero a la vez era un gran riesgo, ya que las comparaciones iban a ser inevitables. Leyendo sobre la película, resulta maravilloso que su elección fuera buscar una historia de época que evitara caer en los clichés y que pudiera transmitir muchas emociones con el mínimo diálogo posible.

Lo más maravilloso de la película y lo que la convierte en algo único es lo bien que funciona a muchos niveles. Primero de todo, esta historia de venganza está contada desde el punto de vista del niño, que ve primero como se le cae el mito de su padre y aprende a volver a quererle a pesar de lo horrible de su profesión. Esto hace que toda la historia se aleje de las típicas historias de gangsters o de venganza que han inundado las carteleras durante años.

Además, la historia es un buen retrato de la violencia y sus consecuencias. En uno de los mejores momentos de la película, John Rooney (Newman) le dice a Sullivan (Hanks) que ambos saben que no son buenas personas y que arderán en el infierno por los pecados que han cometido en vida. En este sentido el título de Camino a la Perdición tiene un doble significado, ya que por un lado es el pueblo al que los Sullivan se dirigen para estar a salvo y por otro el personaje de Hanks sabe que su final solo tiene un destino, el infierno. En palabras del propio Mendes: “Sullivan está en una batalla por el alma de su hijo. ¿Puede un hombre que ha llevado una mala vida alcanzar la redención a través de su hijo?»

Sam Mendes recrea los Estados Unidos de 1931 de forma maravillosa, empleando una paleta de colores apagados que transmiten la desesperanza que se vivía en esa época. Además, opta por un ritmo pausado que es perfecto para contar la historia, que tiene un marcado tono intimista al centrarse en la relación de los Sullivan. La música de Thomas Newman crea momentos muy especiales durante toda la película y también ayuda a trasladarnos a una época pasada. Además, muchas imágenes, como su perfecto final, transmiten una belleza y una poesía únicas, con planos para el recuerdo.

Además de todo lo anterior, algunas escenas como el mítico tiroteo bajo la lluvia que tienen una fuerza increíble, mientras Mendes se centra en las figuras de Hanks y Newman y no en las muertes que tienen lugar a su alrededor, de forma que vemos cómo les afecta la violencia. Todas las decisiones narrativas que toma Mendes en la película se salen de lo habitual y sin embargo, significan un éxito mayúsculo.

Comparto el trailer de la película:

18 años después de su estreno, Camino a la perdición conserva toda su fuerza y belleza como el primer día. La película de Sam Mendes es imprescindible y ha sido genial verla con mi hijo y poder compartir con el algunas obras maestras del género.

PUNTUACIÓN: 9/10

 

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Crítica de Toy Story 4, de Josh Cooley (Disney-Pixar)

Toy Story 4, la nueva película de Disney-Pixar dirigida por Josh Cooley, es un peliculón para todos los públicos en el sentido más literal del término, en especial para los adultos. Mostrando este nivel, no me importaría que siguieran haciendo una nueva Toy Story cada 8/10 años.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

Woody siempre ha tenido claro cuál es su labor en el mundo y su prioridad: cuidar a su dueño, ya sea Andy o Bonnie. Pero cuando Bonnie añade a Forky, un nuevo juguete de fabricación propia, a su habitación, arranca una nueva aventura que servirá para que los viejos y nuevos amigos le enseñen a Woody lo grande que puede ser el mundo para un juguete.

Josh Cooley, un hombre de Pixar que había trabajado como animador en varias películas de la casa y fue guionista de Inside-Out, se estrena en la dirección en esta cuarta película de los juguetes animados, que cuenta con un guión de Andrew Stanton (Wall-E, Buscando a Nemo) y Stephany Folsom, que se estrena con esta historia en Pixar, a partir de una historia de John Lasseter, Andrew Stanton, Josh Cooley, Valerie LaPointe, Rashida Jones, Will McCormack, Martin Hynes y Stephany Folsom.

El primer pensamiento que supongo que tuvimos todos ante el anuncio de esta Toy Story 4 fue ¿Por qué hacen otra si la tercera fue perfecta? Y aunque hay que reconocer que esta Toy Story 4 es un pelín inferior, como no serlo si Toy Story 3 (2010) tiene uno de los finales más satisfactorios y su climax en el vertedero fue una barbaridad que aún me pone la piel de gallina. Dado que hablamos de entretenimiento mainstream, realmente no hay nada «imprescindible», y no debería haber ningún problema en que Pixar haga más películas mientras mantenga este nivel.

Una vez superado este paso previo, reconocer que se puede disfrutar de una película aunque no alcance las cotas de perfección de la anterior, me ha flipado ver cómo nos cuentan una historia adulta sobre el deber, la lealtad, la amistad, el compromiso, la búsqueda de hacer feliz a los niños y al mismo tiempo dejar ir lo que amas. Pixar triunfa una vez más colocando en una película «para niños» temas que ellos no van a entender.

En este sentido, precisamente si tengo que decir algo menos bueno de Toy Story 4 es que aunque Pixar hace películas para todos los públicos, no hay duda que cada vez más se están centrando en los padres antes que en los hijos. Y esto lo vi en mi sala, donde hubieron muchos niños inquietos en sus asientos durante el visionado a mi alrededor, al no entender qué estaba pasando y viendo dramas para los que no están preparados. Dado que los padres somos los que pagamos, entiendo que es una decisión acertada que hace que repitamos una y otra vez y que ha convertido a Pixar en sinónimo de calidad y entretenimiento.

Sin embargo, el guión es super compacto y saben colocar milimétricamente momentos dramáticos combinados con bromas o escenas de acción para que los niños disfruten también, con nuevos personajes como Ducky y Bunny, con las voces de Keegan-Michael Key y Jordan Peele, y en especial Duke Caboom (Keanu Reeves), que hacen las delicias de los más pequeños.

Aunque la película empieza lenta y muestra elementos quizá demasiado familiares, es a partir de la segunda mited en que la aventura y los sentimientos se desbordan.

Como en todas las grandes películas, el sentido de la aventura es conocer cosas de nosotros mismos y provocar el cambio y la evolución en los personajes. Esto en Toy Story 4 lo vamos a encontrar a raudales, ya que hay una aventura super chula y colorida, pero también un viaje interior en nuestros protagonistas.

Desde Forky, el nuevo juguete creado a partir de elementos de la basura, que no entiende qué es la vida y por qué es importante para Bonnie, al propio Woody que ve como ha dejado de ser el juguete principal para Bonnie y tiene que analizar su propia existencia y su futuro.

Incluso la «villana» Gabby Gabby (Christina Hendricks) al final no es más que otro juguete que busca cumplir la función para la que fue construida, dar felicidad a los niños, y que no entiende por qué no la dejan hacerlo, siendo más un personaje trágico que malvado.

Y además, técnicamente Toy Story 4 está a otro nivel en cuanto a la perfección de la animación y las texturas de todos los juguetes. Hay que hacer una mención muy especial a Bo Peep, la vieja amiga de Woody perdida que es una figura de porcelana con unos brillos y un relieve que parece casi real. Pero con todos los personajes ves sus texturas, los diferentes tipos de telas, los plásticos de todos ellos. La perfección visual es impresionante, a lo que se une una extraordinaria iluminación de cada una de las escenas, consiguiendo incluso introducirnos en una película de terror en varios momentos.

Otro elemento que quiero destacar que es 100% cine y que no es propiamente animación es el excelente montaje que dota a la película de un ritmo endiablado pero siempre controlando los momentos más dramáticos con los aventureros. Esto es otro elemento más que me confirma que estamos ante un gran ejemplo de CINE con mayúsculas.

También reconozco que ha sido una pena no poder ver Toy Story 4 en versión original para escuchar las voces de Tom Hanks (Woody) y Tim Allen (Buzz Lightyear), así como los nuevos personajes Bo Peep (Annie Potts) y Forky (Tony Hale), aunque las voces en español son también super iconicas y las he disfrutado también. Y como no, la música de Randy Newman y su icónico «Hay un amigo en mi», ¡qué recuerdos me trajo volver a escucharlo! Toy Story lleva con nosotros desde 1995 y espero que siga con nosotros otros 25 años más.

Mientras escribo estas líneas Toy Story 4 ha recaudado ya más de 500 millones en todo el mundo, lo que significa un nuevo éxito para Disney-Pixar. Esto significa que aunque la película ofrece un gran final para Woody y el resto de juguetes, no me extrañaría que Pixar se decida a hacer una nueva Toy Story en el futuro, cuando encuentre una buena historia que contar. Yo la veré encantado.

Comparto el trailer de esta maravillosa cuarta parte de Toy Story:

Toy Story 4 me ha parecido una maravilla. Un gran final, por ahora, para Woody y el resto de juguetes, que ofrece un gran entretenimiento con temas que hacen pensar a los mayores. Pixar ha vuelto a crear una de las películas del año.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

 

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