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Crítica de Gen V temporada 2 (Prime Video)

Prime Video acaba de emitir la segunda temporada de Gen V, el spin-of de The Boys centrado en una universidad para jóvenes supers. Comparto mis impresiones.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

EE. UU. se adapta al reinado de Homelander y, en Godolkin, el nuevo decano imparte clases para hacer más poderosos que nunca a los estudiantes. Cate y Sam son héroes, y Marie, Jordan y Emma regresan a clase tras meses de trauma. Se avecina una guerra entre humanos y superhéroes, y el equipo descubre un programa secreto de los 60 que puede ser vital hoy. De algún modo, Marie forma parte del mismo.

Tras la exitosa primera temporada de Gen V, spin-of de The Boys, Prime Video dió luz verde a una segunda temporada de 8 episodios, que han tenido a Michele Fazekas como showrunner. Los directores de los episodios han sido Steve Boyum (2 episodios), Karen Gaviola (2 episodios), Alrick Riley, Catriona McKenzie y Thomas Schnauz. Mientras que los guionistas son Ellie Monahan, Jessica Chou, Cameron Squires, Brant Englestein y Chris Dingess, Lauren Greer, Chelsea Grate, Thomas Schnauz, Justine Ferrara y Michele Fazekas

En el reparto encontramos a Jaz Sinclair como Marie Moreau: una ambiciosa superheroína de 18 años con el poder de manipular y convertir la sangre en un arma. Lizze Broadway como Emma Meyer / Little Cricket, debido a su poder de cambiar de tamaño «purgándose» o comiendo. Maddie Phillips como Cate Dunlap, que posee la capacidad de controlar a los demás a través del contacto físico con habilidades telepáticas. London Thor y Derek Luh interpretan ambos a Jordan Li, dotado/a del poder de alternar entre dos formas distintas (cambio de género). Asa Germann es Samuel «Sam» Riordan, un joven con fuerza y resistencia sobrehumanas que también sufre poderes mentales. Sean Patrick Thomas como Polarity, un famoso superhéroe con poderes magnéticos y miembro del consejo de administración de la Universidad Godolkin, cuyo hijo Andre murió entre temporadas. Hamish Linklater como el decano Cipher, el nuevo decano de la Universidad Godolkin, que cree en la superioridad de los superhéroes sobre los humanos y es mentor de Marie, completan el reparto.

Como en la primera temporada, varios personajes de The Boys aparecerán por aquí, entre otros Erin Moriarty como Annie January / Starlight , Valorie Curry como Firecracker, Susan Heyward como Sister Sage, Nathan Mitchell como Black Noir II , Jessie T. Usher como A-Train y Giancarlo Esposito como Stan Edgar.

La primera temporada de Gen V terminó con los «buenos» siendo encarcelados quedando los alumnos «malos» como los héroes tras la masacre en la Godolkin University. Esta serie empieza unos meses más tarde, teniendo que enfrentarse a un problema sobrevenido.  Chance Perdomo, el actor que interpretó a Andre Anderson, falleció tras la emisión de la primera temporada. Pudiendo hacer un recast, la productora decidió matar al personaje entre temporadas, de forma que su muerte es una parte importante del drama que vivirán los supervivientes.

Otra de las situaciones cuestionables de esta segunda temporada es la decisión de Vought de hacer que las detenidas Jordan (la super que cambia de género) y Emma (que puede cambiar su tamaño) vuelvan a la universidad con sus delitos perdonados si hacen lo que Vought las ordena. Por su parte, Marie escapó de la prisión pero acabará de vuelta en la universidad por otra de esas situaciones inevitables, dado que si no vuelve a la uni no hay serie.

Marie Moreau fue nuestros ojos en la primera temporada, al ser la novata que llegaba a Godolkin y descubría como era la vida en una universidad de supers. En esta segunda temporada será también el hilo conductor de casi todo, al aceptar volver a Goldolkin tras ser encontrada por Starligh y conocer que hay algo llamado «Proyecto Odessa» desarrollado por el fallecido fundador de la Universidad Thomas Godolkin, que sigue activo en la universidad de la mano de su nuevo decano Cypher. El misterio de lo que es Odessa y su relación con Marie, así como la identidad, poderes y planes de Cypher van a ser las claves de la temporada. Aunque la serie intenta ser coral buscando que todos los chavales tengan protagonismo, la importancia de Marie en realidad opaca todo lo demás, para bien y para mal.

Como en la primera temporada, la duración de 8 episodios me parece perfecta, consiguiendo que siempre estén pasando cosas interesantes, ya sea narrativamente o en su faceta macarra over-the-top. Teniendo un reparto coral se consigue que simplemente siguiendo un poco los pasos de cada uno tengamos casi el episodio solucionado, sobre todo teniendo en cuenta el conflicto de los encarcelados Marie, Jordan y Emma hacia la telépata Cate y el super poderoso Sam, que ayudaron a encerrarles en prisión, al unirse al bando de Vought.

La ambigüedad de Cypher me parece lo mejor de la temporada. Cypher ha sido un villano estupendo, al plantear de alguna manera una versión oscura del Profesor Charles Xavier que busca que los alumnos desarrollen la versión más poderosa de sus poderes. Lo malo es que para ello planteará todo tipo de situaciones violentas y traumáticas, en la creencia acertada que son las situaciones de gran stress las que permiten el acceso a habilidades y a niveles de poder impensables.

Fruto de este interés último de hacer que Marie aumente sus poderes del modo que sea se puede justificar una de las trampas de guion de la serie. Al plantear que los chavales siguen intentando revelarse contra Godolkin University y Vought, y Cypher sabiéndolo no sólo no lo impide sino que casi lo promueve. La clave de la motivación de Cypher, y las numerosas sorpresas que traen consigo, no se desvelan hasta el séptimo episodio de la serie. Y dentro que me parece que es un buen giro que está bien planeado, la verdad es que me anticipé completamente a lo que iba a pasar. Llevar leyendo tebeos de superhéroes desde hace 40 años, y en concreto de La Patrulla-X, provocó que en cuanto la serie nos mostró cual era el poder de Cypher, todo quedara bastante claro. Y no me equivoqué.

Gen V me ha resultado super entretenida. Vi los episodios a razón de uno al día, y cada capítulo incluía una sorpresa, varios usos de poderes interesantes o macarras y la sensación que la trama avanzaba de forma correcta. La evolución en las relaciones de los chavales me parece que está guay, destacando que es posible perdonar a quien veías como un enemigo. Y como nadie es bueno puro ni malo puro, tendiendo todos pecados de los que avergonzarse y querer pasar página.

Sin embargo, en la parte menos buena tengo que decir que algunas macarradas derivadas del uso de poderes «chorras» quedaban super gratuitas, perdiendo la cierta gracia que tenían en la primera temporada. Incluso pensando que los guionistas consigan que algunos poderes ridículos, como que un tío puede llevar a gente dentro de su cuerpo entrando por su culo, tenga un papel en la trama, la sensación es de falta de imaginación. O igual más que falta de imaginación, falta de interés y de gracia.

En la parte de los efectos especiales, en los primeros episodios tuvimos varias peleas super chulas que implicaban grandes estallidos de poder. Continuando lo visto en la primera temporada, Gen V combinaba efectos digitales y prácticos, como los sets en los que vemos a la diminuta Emma o los litros de sangre y gore. Hablando de sangre, lo que más canta es la sangre digital que controla Marie con sus poderes. Y en parte entiendo que al ser algo imposible en el mundo físico real, sin querer el ojo ya descuenta que estamos viendo algo irreal. Pero siendo igual de cantoso que en la primera temporada, no me supuso un problema porque ya sabía que el nivel de CGI era ese.

Creo que la protagonista Jaz Sinclair que interpreta a la protagonista Marie Moreau es una buena actriz. Sin embargo, el papel que los guionistas plantean para ella acaba siendo un pelín repetitivo y cargante, al plantearse que sea una «elegida» (no se sabe para qué) e intente alejarse de sus amigos y novia para que no sufran por su culpa. Todo es razonable, pero lo dicho, se me hizo un poco reiterativo y un poco tonto.

Dentro de las cosas menos buenas de esta temporada hay que comentar que el climax del final de temporada NO ha sido igual de potente que el de la primera temporada. La lucha de los jóvenes contra Cypher ha resultado bastante decepcionante. Al haber anticipado EL GIRO (en realidad era bastante evidente), no tenía el factor sorpresa para que jugara a favor de la serie. Y este final queda un poco chof. En realidad todo el episodio tiene elementos cuestionables, como que descubran una kriptonita contra el villano y decidan alejarla de Godolkin de forma incomprensible.

En positivo, me gusta la conexión con The Boys y los numerosos cameos, algunos de los cuales no son cameos en absoluto. Me gusta que me recuerden de la mejor manera posible que en realidad todo está conectado, empezando por la creación de la misma universidad Godolkin. El final de esta temporada enlaza perfectamente con el final de la cuarta temporada de The Boys y lo deja todo listo para el final de la historia que tendremos en la quinta temporada, que se estrenará en 2026.

Por todo lo anterior, Gen V me ha entretenido dentro de no ser una serie que te cambie la vida. En realidad, ninguna lo es. Y entender esto es un punto de partido obligatorio para ver la serie con el estado mental adecuado para disfrutarla. Y ahora, a esperar que en 2026 estrenen el final de The Boys que se supone terminará la historia.

Comparto el trailer de esta segunda temporada de Gen V:

Me ha gustado Gen V, aunque hay que lamentar que el final estando bien igual no ha estado a la altura de la serie en su conjunto.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de Justice League Unlimited 10 y 11 de Mark Waid, Dan Mora y Carmine Di Giandomenico (DC Comics)

Tras los cataclísmicos sucesos de We Are Yesterday, la Justice League Unlimited tiene que enfrentarse en los números 10 y 11 a la destrucción del continuo temporal que amenaza a toda la realidad. Unos comics que sirven además de preludio del evento DC KO y que han sido realizado por Mark Waid, Dan Mora, Carmine Di Giandomenico, con colores de Tamra Bonvillain.

PUNTUACIÓN: 8/10

El Quantum Quorum de viajeros temporales ha lanzado su advertencia a la Liga de la Justicia: Apokolips se acerca. Pero, al igual que los gritos de Jor-El cayeron en oídos sordos en Krypton, ¿estará la gente de la Tierra preparada para tomar medidas drásticas para salvar su mundo? Todo llega a un punto crítico mientras el caos continúa, ¡y uno de los miembros de la Liga se enfrenta a la prueba definitiva!

Justice League Unlimited 9 fue el epílogo del crossover We are yesterday, en el que los héroes descubrieron que el continuo espacio tiempo está roto y ello amenaza la supervivencia de toda la realidad. Para enfrentarse a ello surgió The Quantum Quorum, un grupo de viajeros temporales entre los que se encuentra Time Trapper (una versión futura de Doomsday) y World Forger, a los que unieron el cautivo Gorilla Grodd.

Una de las cosas que más me gustan de la continuidad actual de DC es la forma en que se están coordinando Mark Waid en esta colección y Joshua Williamson en la de Superman, que son los comics centrales de la narrativa salida del especial DC All In. Esto es algo que se hace especialmente palpable con Time Trapper, que ha ido saltando de una colección a la otra en los últimos meses. Tras verle en JLU 9, se fue a rescatar a Superman de la Legión de Superhéroes malvada de Darkseid en el número 28 de su colección, saltando al JLU 10 donde sufre una emboscada de estos villanos que le deja al borde de la muerte. Me gusta mucho la forma en que Waid y Williamson cuentan sus historias para hacerlas entendibles, pero a la vez que ayuden a construir y agrandar la narrativa general del universo DC.

A pesar del problema que luego comentaré sobre estos comics, que tiene que ver con el dibujo, otra idea que me queda clara leyendo estos comics es que Mark Waid se lo está pasando cañón en JLU, usando a su antojo cualquier personaje del Universo DC que necesite. Ver en estos números a Geo-Force (el miembro de Batman y los Outsiders) en Markovia, o al doctor Niles Caulder de la Doom Patrol para intentar salvar la vida de Time Trapper me parece una pasada. Me gusta también el protagonismo que está teniendo Metamorpho en estos comics, al igual que ver a Mr. Terrific sudar la camiseta para idear un plan para derrotar a sus enemigos.

Otra cosa que me gusta mucho de esta etapa es que Waid vuelve a plantear varias situaciones simultáneas que cada una de ella puede provocar la destrucción del mundo. Por un lado, en Markovia Power Girl, Geo-Force, Capitán Atom y Cajedo se enfrentan a unas erupciones volcánicas que indican que hay algo bajo el manto de la Tierra. Mientras, en el satélite WatchTower de la JLU, los miembros del grupo tienen que hacer una operación a corazón abierto a Time Trapper para mantenerle con vida, de lo contrario el continuo temporal puede colapsar. Y a la vez, Mr. Terrific tienen que enfrentarse en solitario a una infestación de parademonios evolucionados que puede destruir al satélite y a todos los que se encuentren dentro. Waid es un maestro planteando estas situaciones y creando una tensión creciente a lo largo del comic, ofreciendo un climax final estupendo.

Dan Mora sólo dibuja el número 10, algo lógico cuando pensamos la sobrecarga de encargos que ha dibujado en los últimos meses, y los que le espera dibujar para el evento DC KO. Y tengo que reconocer que esta grapa puede ser la peor dibujada por él desde que le llevo leyendo. Y lo cierto es que las primeras páginas con Time Trapper, que puedes ver abajo, están muy bien. Como también lo están las páginas siguientes con la discursión entre Superman, Batman y Wonder Woman. Pero cuando empieza la acción en Markovia o durante la huida de los vástagos de Apokolips de su celda, las imágenes se ven demasiado abocetadas. En positivo, Mora se las apaña para plantear imágenes resultonas y espectaculares, pero se notan mucho más apresuradas de lo que hubiera sido deseable.

El número 11 está dibujado por Carmine Di Giandomenico, un dibujante de DC de gran experiencia que si bien no es tan bueno como Mora, asegura siempre un comic bien dibujado con un peculiar estilo super dinámico. A Di Giandomenico le pasa un poco como a Mora, hay tantas cosas pasando al mismo tiempo con tantos personajes implicados, que a veces la narración parece un poco confusa. Dicho esto, sus páginas transmiten muy bien la idea de cuenta atrás con todo lo que ellos conlleva para nuestros héroes.

El comic termina con la misma imagen del Superman 30, lo que de nuevo resalta la importancia e interconectividad de ambas colecciones. Un final que nos lanza directamente al comienzo del evento DC KO de Scott Snyder y Alejandro Sánchez. Y que hace que la compra sea obligada. Tras años sin comprar comics de DC, tengo que reconocer que estoy disfrutando un montón de estos comics y de todo lo que nos ha planteado Maid y Williamson en Superman. Espero que Snyder acierte en el evento, porque a veces se le va la pinza dicho no de forma positiva.

No quiero terminar de comentar un problema que estoy viendo en estos últimos meses. Y es que junto a los comics de las series regulares, DC está publicando una serie de especiales que amplían algunas de las tramas planteadas. Tras el JLU 9 había que leer Justice League Dark Tomorrow Special de Marg Guggenheim, Mark Waid, Cian Torney y Romulo Fajardo Jr. Un especial en el que un equipo formado por héroes actuales y viajeros temporales como Air Wave, Amazing Man, Jonah Hex, The Huntress, Gold Beetle, Marilyn Moonlight, Plastic Man y el Batman del futuro (de la serie de TV) investigan el asesinato de viajeros temporales como Waverider, Extant y Epoch, lo que sugiere una amenaza temporal que estaba pasando inadvertida por la JLU. La de la Legion de Superhéroes malvados de Darkseid.

Tras este JLU 11 y antes de DC KO, la editorial nos indica que hay que leer el Justice League The Omega Act Special de Joshua Williamson, Yasmine Putri y Cian Tormey para saber lo que va a hacer Booster Gold tras ser rescatado por Superman, que dará la clave de los sucesos que se pondrán en marcha en DC KO. Y empieza a no molar esta necesidad / obligación de comprar más comics de los que ya estaba comprando para disfrutar de la narrativo. De momento dos comics no es un problema, pero me fastidia la idea de que la editorial me está «forzando» a comprar comics que no tenía pensado comprar en un principio. Con todo, reconozco que la lectura general del Universo DC me está gustando, así que de momento no me plantea un problema grave. Aparte que habrá comcis que compraré y otros que no y listo.

El Universo DC nos ha llevado a su primer evento tras Absolute Power, DC KO. Esperemos que esté a la altura del disfrute de comics como este Justice League Unlimited.

Comparto las primeras páginas del número 10, dibujado por Dan Mora:

Justice League Unlimited sigue siendo un comic estupendo, pero la sensación de melé empieza a estar demasiado presente, así como la obligación de comprar comics especiales además de esta colección.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Conan The Barbarian 21-24 de Jim Zub y Fernando Dagnino (Titan Comics)

A nest of serpents es el último arco de Conan The Barbarian de Jim Zub. Cuatro números maravillosamente dibujado por Fernando Dagnino con color de Diego Rodríguez.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

¡AQUÍ COMIENZA UN NUEVO HITO! ¡GANADOR DEL PREMIO «MEJOR NUEVA SERIE DE CÓMICS» DE LOS PREMIOS TRIPWIRE 2024!

La influencia de la Gran Serpiente da giros y vueltas, arrastrando a Conan a sus mortíferas espirales mientras el cimmerio y sus aliados son atraídos a Stygia… ¡Lo que encuentran en este viaje les helará la sangre y preparará el escenario para un conflicto más allá de su imaginación más salvaje!

En paralelo a este último arco de Conan The Barbarian, Titan Comics va a publicar la miniserie evento Conan: Scourge of the serpent, en el que varios personajes creados por Robert E. Howard se van a enfrentar en diferentes momentos históricos al Dios Serpiente Set. O a resultados de su magia, no lo se seguro. Y en paralelo Jim Zun ha planteado un arco en el que Conan es convertido en esclavo y obligado a luchar en un circo en la ciudad de Kheshatta, en Estigia. En medio de una ciudad dominada por la magia negra de Set, Conan se verá a cara a cara con Thot-Amon, uno de los magos más poderosos de esta era.

El gran descubrimiento de este arco es Athyr-Bast, la hechicera que mantiene a Conan como esclavo y quiere crearse una reputación en la sociedad estigia a través del éxito de Conan en la arena. Si, es un argumento fusilado de Gladiator (cualquiera de las dos). Pero funciona de maravilla para Conan. Los fans de Conan queremos combates y desafíos físicos, pero tener mujeres voluptuosas ligeras de ropa es también parte de la gracia de la espada y brujería, no me importa reconocerlo. El hecho que Athyr-Bast sobreviva a esta historia y le tenga preparada una sangrienta sorpresa final a Conan, convierten a esta hechicera en una posible enemiga recurrente para Conan. Desde luego, me parecería genial volver a verla en el futuro, y Conan claramente tiene una cuenta pendiente con ella.

Otro elemento muy chulo de esta historia es tener una nueva aparición de Zula, el guerrero multiforme que ha dedicado su vida a luchar contra el poder de Set. Zub presentó a Zula en la continuidad de Titan Comics en el arco anterior, y Conan tenía una deuda con él. Su aparición en medio de Kheshatta es la pequeña gran conveniencia del guion de Zub para este arco, apareciendo en el sitio justo en el momento preciso. Pero reconociendo este hecho en realidad no fue un problema mientras leía este comic. En realidad, el tebeo me ha encantado.

La historia de Jim Zub está super bien, pero el otro gran éxito de este comic es el espectacular dibujo de Fernando Dagnino, con el color de Diego Rodríguez. Dagnino dibuja a un Conan super canónico, todo fuerza física y potencia. Y sus mujeres son ciertamente bellas y ligeras de ropa, lo cual es una alegría para la vista y ayuda al éxito visual del comic. Todo eso está guay, pero cuando a eso le sumamos la narrativa y una expresividad de 10, tenemos una combinación ganadora. El dibujo de Dagnino lo veo al mismo nivel del de Roberto de la Torre, que hasta ahora era el M.V.P. de esta colección.

Dagnino dibuja de forma increíble las coreografías de acción y también los despliegues mágicos. En especial hay unas páginas en el número 23 con Thot-Amon que son alucinantes. Pero además, su expresividad es una pasada. Por ejemplo, hay un momento en que Conan tiene que enfrentarse en la arena a unos compañeros. Por supuesto los derrota y los mata. La forma que Dagnino dibuja el drama que sufre Conan tras matar a sus amigos es doloroso. Cuando lees un comic tan bien narrado y con tanta personalidad te das cuenta del problema de muchos comics actuales sobre todo de Marvel, que son todo lo contrario.

Cuando a una buena historia le acompaña un dibujo de 10, el resultado final sólo puede ser un éxito total.

Quizá el único pero que le puedo poner a la actual etapa de Conan The Barbarian es la decisión de Titan Comics de plantear arcos de 4 números, que es una duración un pelín justa sobre todo comparando con la narrativa del resto de editoriales con arcos de 5 y 6 números. En realidad esto es un comentario teórico, porque lo cierto es que por ejemplo este arco me ha parecido una pasada que es 100% Conan. Así que ni tan mal.

Hablando de esta etapa en su conjunto, dentro que las historias que está escribiendo Jim Zub me gustan mucho, empieza a verse una dinámica que se repite, y es que Conan en realidad no vence a sus enemigos. Se conforma con sobrevivir, lo que no es poco pensando en el poder de estos magos de Estigia. Pero recordando los comics de Conan con los que me crié, normalmente el cimmerio se enfrentaba a un mago y le derrotaba, siguiendo entonces con su camino. En varios arcos de la colección Conan se ha convertido en un peón casi indefenso ante los manejos de magos, y es una situación extraña cuando piensas en la etapa en su conjunto. Cada arco en si mismo está guay y me gusta, marcando el nivel dibujo el nivel de éxito de cada aventura. Pero verle aspirar únicamente a huir y no a matar a sus enemigos es una situación extraña a la que no estoy acostumbrado. E igual que digo esto creo que el hecho de verle enfrentarse a enemigos tan poderosos contra los que ningún guerrero humano tendría ninguna posibilidad añade un nivel de amenaza que resulta novedoso e interesante.

Por todo lo anterior. Si, estoy disfrutando mucho los comics de Conan The Barbarian de Jim Zub en Titan Comics. Y si te gusta Conan, tú los vas a disfrutar igual.

Comparto las primeras páginas del número 21 USA:

Tras dos años comprando la actual etapa de de Conan The Barbarian de Jim Zub, me alegra que el entretenimiento siga igual de alto como al principio. Me veo comprando encantado a Conan durante mucho tiempo.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

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Crítica de La vida de Chuck de Mike Flanagan

Tenía ganas de ver La vida de Chuck, la película de Mike Flanagan adaptando un relato de Stephen King que está protagonizada entre otros por Tom Hiddleston.

PUNTUACIÓN: 8/10

Basado en el relato de Stephen King, cuenta tres historias relacionadas con el personaje Charles Krantz, en orden inverso: desde su muerte por un tumor cerebral a los 39 años hasta su infancia en una casa supuestamente encantada.

Mike Flanagan es uno de los grandes nombres del terror en televisión y un especialista en la obra de Stephen King, al que ha adaptado en numerosas ocasiones. Para televisión creó, escribió, produjo y fue showrunner de las series de terror de Netflix La maldición de Hill House (2018), La maldición de Bly Manor (2020), Misa de medianoche (2021), El club de medianoche (2022) y La caída de la casa Usher (2023). Para el cine hizo lo propio con Absentia (2011), Oculus (2013), Hush, Before I Wake, Ouija: Origin of Evil (todas de 2016), Gerald’s Game (2017) y Doctor Sleep (2019).

Flanagan adapta la novela del mismo nombre de Stephen King. Como en otras ocasiones, Flanagan produce y ha realizado el montaje de esta película de 111 minutos de duración, que cuenta además con fotografía de Eben Bolter y música de The Newton Brothers.

Como su nombre indica, en esta película conoceremos la vida de Chuck, que está interpretado por Tom Hiddleston en su edad adulta. Jacob Tremblay, Benjamin Pajak y Cody Flanagan también interpretan a Chuck en diferentes etapas de su vida.

Chiwetel Ejiofor como Marty Anderson, un profesor de instituto y exmarido de Felicia (Karen Gillan), una enfermera que se enfrenta al fin del mundo; Mark Hamill como Albie Krantz, abuelo de Chuck que también es contable; Mia Sara como Sarah Krantz, la abuela de Chuck que inspira el amor de Chuck por la danza, Nick Offerman como el narrador, Carl Lumbly como Sam Yarborough, un anciano dueño de una funeralia, Annalise Basso como Janice Halliday, una joven que se recupera de una ruptura sentimental y que se convierte brevemente en la pareja de baile de Chuck y Taylor Gordon como Taylor Franck, una percusionista callejera y artista callejera, completarían el reparto en sus papeles principales.

Flanagan guarda pequeños papeles para Kate Siegel, Samantha Sloyan, Rahul Kohli y Carla Gugino, habituales de su filmografía. La actriz mito del cine de terror Heather Langenkamp (Pesadilla en Elm Street), David Dastmalchian , Harvey Guillén y Matthew Lillard completan el reparto.

Más que una historia convencional, lo primero a destacar es que La vida de Chuck es un cuento. Tener a un narrador con la voz de Nick Offerman como voz neutra que nos acompaña a lo largo de todo el relato es una primera clave que hace que no haya demasiadas dudas al respecto. También me ha parecido muy curioso encontrarme una película de estructura poco habitual. Digo esto porque hace nada vi Weapons de Craig Zeggler, una buena película que se apoya en una narración fragmentada divida en varios capítulos cada uno de los cuales está dedicada a ver el punto de vista de uno de los personajes. En el caso de La vida de Chuck tenemos una historia en 3 partes contada en orden cronológico inverso. La primera parte presenta de forma brillante un argumento de terror existencial que plantea un misterio que tendrá que ser aclarado a lo largo de los otros dos capítulos. Unos capítulos ahora sí protagonizados por Chuck Krantz.

Mike Flanagan es un director brillante y un estupendo guionista. Cuando terminé de ver la película y pude pensar en ella en su totalidad, me encantó lo claro que tenía el mensaje humanista que pretendía transmitir, consiguiendo que la película me dejara con buen sabor de boca. Dentro que no me flipó, cosa que luego comentaré. Técnicamente, la película es también de 10, con un montaje, una música y una producción perfectas que transmiten de forma modélica lo que Flanagan quería mostrar al público.

En lo referido a la dirección de actores, lo primero a destacar es que el reparto me parece que está increíble. Chiwetel Ejiofo, Karen Gillan, Mark Hamill y Mia Sara están increíbles dentro de lo pequeños que son sus papeles, demostrando lo buenísimos actores que son y lo bien que están en facetas dramáticas. Dentro del trabajo de actores de Flanagan, me encanta que todos los secundarios tengan una escena para lucirse actoralmente. Desde sus amigos con los que trabaja en todas sus series a los más inesperados como Matthew Lillard o la actriz Heather Langenkamp. En la parte actoral, están todos de 10. Y lo mismo los jóvenes actores que interpretan a Chuck de niño y adolescente.

Con Tom Hiddleston me pasa algo curioso. Creo que lo hace muy bien, pero su participación destaca sobre todo por un baile increíble de un montón de minutos junto a Annalise Basso, que me gustó mucho. Aunque el baile también se me hizo un pelín largo, las cosas como son. Sin embargo, y reconociendo lo difícil que es que unos actores bailen tanto rato y tan bien, por la parte actoral la participación de Hiddleston se me hizo muy corta. Pensando que él es el gran reclamo en el poster de la película, que aparezca apenas un tercio del metraje me supo a muy poco.

La historia busca plantear una historia humanista que destaque la importancia de intentar vivir la vida de la mejor forma posible ahora, sin dejarnos nada para el futuro porque no sabes si te vas a morir mañana. Sin embargo, en muchos momentos hay un sentimiento melancólico, al ver la infancia y adolescencia de un niño al que en su edad adulta hemos visto morir previamente. Una muerte extraña al estar conectada con el misterio del primer acto, que en ese momento no sabes qué es pero opaca este drama.

Comentaba que los tres actos de la película están contados en orden inverso cronológicamente. «Gracias, Chuck», es el tercer acto pero es el primero que vemos. «Músicos callejeros para siempre», con el baile de Tom Hiddleston, es el segundo. Y «Yo contengo multitudes», una referencia a una frase del poema «Song of myself» de Walt Whitman que es la clave de la película, es el primer acto, pero lo vemos el último. Un primer acto en el que veremos la infancia de Chuck en la que aprenderá las claves de la vida.

Cuando el Chuck niño descubre lo que significa de esta frase «Yo contengo multitudes» y de alguna manera se descubre el pastel que aclara el enigmático primer arco, la película de alguna manera se me desinfló. Y es que todo el primer arco fue un gran truco un poco tramposo para llamar nuestra atención de algo que no era de lo que iba la película en realidad. Tras esta respuesta aún queda otro misterio que el joven Chuck tiene que descubrir y que no hará hasta justo el final de la película: Lo que hay en el ático de casa de sus abuelos que aterrorizó a su abuelo cuando lo vio hace un montón de años. Esto es un elemento que conecta con el elemento fantástico que tan bien ha utilizado Stephen King en sus historias.

Mi problema principal con La vida de Chuck es que el tono de cuento y la figura del narrador en off hizo que toda la película me resultara demasiado plana. Aunque hay buenos momentos actorales, al final son una parte del engranaje planteado por Stephen King en su novela. Y no llegó a emocionarme en ningún momento. Y es curioso que intelectualmente entienda que todo en la película funciona de maravilla, hasta el punto que no le pueda poner ni un pero. Pero al mismo tiempo la frialdad del conjunto impidió que existiera esta conexión emocional.

Por otro lado, dentro de ser una historia «bonita», cuando pienso en la vida que llevó Chuck después de descubrir lo que descubre de joven con 17 años, de alguna manera pienso que no ha cumplido el propósito que vivir una vida plena, pensando lo aburrida que es su vida en el segundo acto antes del baile. Igual sobreanalizo las cosas y le doy vueltas a algo que no toca, pero me supo mal no haber salido del cine flipado con la película de Mike Flanagan.

En todo caso, creo que es una buena película que en realidad si consigue dejarte con un buen sabor de boca, así que ni tan mal.

Comparto el trailer de la película:

Me ha gustado La vida de Chuck, pero aún sabiendo que es una película estupenda bajo todo punto de vista, no me ha llegado.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de Transformers 20-24 de Daniel Warren Johnson y Jorge Corona (Image Comics)

Tras dos años gloriosos, termina la etapa de Daniel Warren Johnson en Transformers con un fantástico cuarto volumen dibujado por Jorge Corona con color de Mike Spicer, que nos trae el enfrentamiento que todos hemos demandado: Optimus Prime vs Megatron.

PUNTUACIÓN: 9.5/10

UNO SE ALZARÁ, OTRO CAERÁ.

Megatron ha regresado para liderar a los Decepticons, y solo Optimus Prime podrá detenerlo. La guerra entre los Autobots y los Decepticons ha conducido a un impaCtante desenlace que NADIE podrá prever.

El aclamado equipo formado por Daniel Warren Johnson (Do A Powerbomb) y Jorge Corona (Middlewest) rompe todas las reglas en este nuevo volumen de la serie ganadora del premio Eisner.

¡Qué pasada!!! Los 2 años de Daniel Warren Johnson como guionista de Transformers ha culminado con un final antológico en el que hemos visto mucho más que el enfrentamiento entre Megatron y Optimus Prime.

He comentado en alguna ocasión que DWJ me atrapó con su dibujo, pero en realidad lo que más triunfa de su trabajo es la forma en que consigue la conexión emocional entre los lectores y los protagonistas, incluso en las historias más locas y over-the-top. Eso es lo mejor y lo más difícil de conseguir como escritor, y es algo en lo que Daniel triunfa en todos y cada uno de sus trabajos.

Este cuarto y último arco de Transformers sirve de culminación a muchas de las tramas abiertas desde el principio de la serie. La sensación de culminación de la historia, construyendo además un climax de tensión brutal a medida que avanza el arco y nos acercamos al combate final, me parece acojonante.

La historia de DWJ es una pasada, pero ahora toca quitarse el sombrero y levantarme a aplaudir a Jorge Corona y a Mike Spicer en el color. Corona tenía unas expectativas altísimas tras sustituir a DWJ en el dibujo, pero ha colmado las expectativas y ha hecho suyo este comic. El sufrimiento de Optimus o el dolor de Sam y Carly era palpable en las páginas del comic y conseguía que yo como lector lo sintiera. Y cuando tocaba acción, las coreografías de lucha libre y las splash-pages que nos ha regalado en este comic me parecen antológicas.

Jorge Corona se ha convertido en un artista al que merece la pena seguir. De hecho, el anuncio en la NYCC de que Corona y Skottie Young eran el equipo creativo de la nueva colección de LOBO que se publicará en 2026 hizo que se convirtiera en una de las series más inesperadas que tengo ganas de leer el año que viene.

Aparte de la construcción de la tensión y la monumental pelea final, me flipa como DWJ guarda momentazos para casi todo el mundo. Me encanta que Cliffjumper, Shredhead, Ultra Magnus o Beachcomber tengan el protagonismo que tienen en el lado de los autobots. Y la llegada de los Aerialbots me dejó con la sonrisa en la cara, sobre todo cuando se transforman en Superion. La forma en que se resuelve la corrupción que estaba sufriendo Optimus debido a estar usando el brazo y el arma de Megatron me parece un elemento muy chulo de la serie. Como chulísima es también la solución con un Sam Witwicky arriesgándolo todo para salvarle al entrar en la Matriz de Liderazgo. En una escena bestial con reminiscencias al climax de la segunda película de Transformers de Michael Bay.

Otro elemento que me gusta mucho, mucho es el uso que DWJ hace de los humanos, de forma que siempre tengamos claro que la apuesta del juego pasa por la supervivencia de la raza humana frente a los decepticons. Aparte de Sam y Carly, me han parecido super emocionantes los momentos en que la gente da las gracias a un Optimus caído por haberles salvado. Y los momentos en que los soldados americanos son masacrados por los decepticons son escenas aterradoras. Y hablando de soldados, el papel casi malvado del General Flagg de los G.I. Joe en esta colección me parece que es algo que va a dar mucho juego en el futuro.

Y hablando del brazo, la villanía de Megatrón me parece acojonante en este arco. Me flipa la forma en que el lider de los decepticons repara a Starscream sólo para poder pegarle él una paliza que casi le mata. Una muerte que sí llega a Astrotrain tras enfrentarse a él. Para que un comic de este tipo triunfe, el villano tiene que estar a la altura, y Megatrón se sale en este arco. Por cierto, aunque resulta super inesperado, resulta super chulo el giro que DWJ tiene reservado a Starscream tras uno de los momentazos del número 24 USA. Uno de muchos, obviamente.

Cuando leí el número 24 con que termina esta etapa, el comic me parecido una flipada que me voló la cabeza en varias ocasiones. Dentro que la historia debe continuar, DWJ nos ha regalado un broche de oro que es ya historia de los Transformers. Los momentazos son la bomba. Y luego además consigue terminar de forma pequeña, pero con una imagen y una metáfora super potente. Qué gran tebeo.

Y justo cuando iba a decir que parece imposible pensar en un equipo creativo no ya mejor, igual que DWJ y Jorge Corona, va Skybound y anunció a Robert Kirkman y Dan Mora. Tengo claro que el disfrute se va a alargar durante mucho tiempo. En 2022 resultaba imposible imaginar que pudiera volver a engancharme a la lectura de un comic de Transformers. Tras dos años enganchado a DWJ y Jorge Corona, Transformers se ha convertido en méritos propios en uno de los mejores comics del panorama comiquero mainstream americano. Con este nivel, reconozco que estoy encantado ante la posibilidad de seguir comprando esta colección durante meses y años.

Comparto las primeras páginas del número 20 USA:

La etapa de Daniel Warren Johnson en Transformers ha sido fantástica. A lo que hay que sumar el maravilloso descubrimiento de Jorge Corona, que ha triunfado también de manera absoluta. Ojalá todos los comics mainstream americanos fueran así.

PUNTUACIÓN: 9.5/10

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