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Crítica de Alien: Planeta Tierra 1×01-02 (Disney+)

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Tenía muchas ganas de ver Alien: Planeta Tierra, la serie de Noah Hawley (Fargo, Legión) en la que trae a los míticos xenomorfos a nuestro planeta. Comparto mi opinión de los primeros 2 episodios estrenados en Disney+.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Cuando una misteriosa nave se estrella contra la Tierra, una joven y un variopinto grupo de soldados tácticos hacen un fatídico hallazgo que los pone cara a cara con la mayor amenaza del planeta. El equipo de rescate busca supervivientes entre los restos de la colisión y se topa con una forma de vida depredadora que levanta más misterios y miedos de los que cabría imaginarse. Debido a esta nueva amenaza, el equipo deberá luchar por sobrevivir. Lo que decidan hacer con este descubrimiento podría cambiar el planeta Tierra tal y como lo conocen.

Noah Hawley (Nueva York, 1967) es un escritor, productor y guionista americano. Es conocido principalmente por crear y escribir las series Fargo (2014-2024) y Legion (2017-2019). Antes trabajó en las series Bones (2005-2008), The Unusuals (2009) y My Generation (2010), escribió el guion de la película The Alibi (2006) y escribió y dirigió la película Lucy in the Sky (2019). También ha escrito seis novelas.

Hawley es el creador de Alien: Earth, un proyecto televisivo que llevaba años dando vueltas en las oficinas de Fox y luego de Disney, a través de FX. Hawley escribe los dos episodios estrenados, que tienen una duración de 65 y 57 minutos respectivamente. Hawley dirige también el primer episodio, pero deja a Dana Gonzales, director de fotografía habitual en Fargo, que dirija el segundo. Esta serie va a contar con 8 episodios, y de momento no se si la cosa va a tener continuidad en una segunda temporada o si Hawley plantea una historia cerrada. Destacar también que Jeff Russo, otro colaborador habitual de Hawley, se encarga de la música de la serie.

En el reparto encontramos a Sydney Chandler como Wendy, la primera híbrida (una persona cuya conciencia humana ha sido transferida a un cuerpo sintético). Florence Bensberg interpreta a Marcy, una niña de 11 años con una enfermedad terminal que es la forma humana original de Wendy. Alex Lawther es Joe Hermit, médico de la Fuerza de Seguridad de Prodigy Corporation y hermano de Wendy. Essie Davis hace de Dame Sylvia, empleada de Prodigy Corporation, Samuel Blenkin es Boy Kavalier, director ejecutivo de Prodigy Corporation y el billonario más joven del mundo, Babou Ceesay interpreta a Morrow, el oficial de seguridad cyborg (humano con algunas partes sintéticas) del USCSS Maginot, y Timothy Olyphant es Kirsh, el científico jefe sintético de Prodigy Corporation, que ejerce de mentor y entrenador de Wendy.

Alien: Planeta Tierra está situada cronológicamente unos años antes de la primera película de Ridley Scott. Y lo primero a destacar es la idea que varias corporaciones se disputan el dominio de la Tierra, momento en que una de ellas, Prodigy, hace un descubrimiento que puede cambiar el equilibrio de poder: Los híbridos, unos cuerpos sintéticos a los que insertan la consciencia y la mente de una persona. Estos híbridos abren las puertas a la inmortalidad y plantean la pregunta de si realmente son humanos o son otra cosa. Inicialmente, los híbridos sólo pueden conseguirse con mentes de niños, dado que al estar en un periodo de cambio y crecimiento, sus mentes pueden soportar la transición, cosa que de momento Prodigy no ha conseguido con mentes adultas. Wendy es la primera híbrida, nacida a partir de Marcy, una niña de 11 años enferma terminal. Wendy, fantásticamente interpretada por Sydney Chandler, es un ser super poderoso cuya mente en realidad no conoce nada de la vida en el mundo real. La sensación de juego y descubrimiento de Wendy y de los otros híbridos que descubriremos en la serie me parece un elemento muy chulo de la serie. Porque en realidad tenemos a niños que no saben nada en el cuerpo de adultos.

En este mundo futuro encontramos además de a los híbridos a los sintéticos, los robots que han poblado todas las películas de la serie Alien. Hay otra novedad con la existencia de cyborgs, humanos con algún órgano sustituido por elementos mecánicos sintéticos que le proporcionan mayor fuerza y potencia de fuego. Y, por supuesto, nuestros amigos los xenomorfos. En este comienzo de la serie Noah Hawley toda algunas decisiones narrativas muy llamativas. La primera es iniciar la historia a bordo de la nave USCSS Maginot, una nave científica de la corporación Weylan-Yutani que ha viajado por la galaxia recogiendo especímenes alienígenas para su estudio. Uno de esos especímenes es por supuesto un xenomorfo, y su fuga provoca que la nave acabe estrellándose en la Tierra.

En este arranque llama la atención la forma en que Hawley parece copiar la película de Ridley Scott al presentar una tripulación de la USCSS Maginot casi idéntica al de la Nostromo, con un diseño de producción alucinante que nos devuelve a 1978. La novedad es que lo que Scott lo cuenta a lo largo de una película, Hawley lo reduce a fotogramas insertados en la narración para que los espectadores imaginemos que en realidad sucede lo mismo que en la película original. Aún estoy pensando si me ha gustado, pero me ha parecido super llamativo. Y en realidad, entiendo que lo importante no es el destino de esta tripulación, marcado de antemano, sino lo que pasa en la Tierra cuando su nave se estrella.

La USCSS Maginot se estrella en territorio de la Prodigy Corporation, y su dueño Boy Kavalier, un niñato ostiable que es el trillonario más joven de la historia, decide enviar a sus híbridos al lugar del aterrizaje para que aseguren los secretos científicos que la Maginot pueda poseer. Esto en realidad es la tontería de la serie, porque incluso pensando que los híbridos son super rápidos y poderosos, nadie en su sano juicio llevaría a unos seres extremadamente caros a una situación compleja que sus mentes infantiles no sabrán manejar. Incluso reconociendo que obviamente Kavalier no sabe de la existencia de los xenomorfos, ver a unos niños en cuerpos superpoderosos por la Maginot con las manos en los bolsillos es LA CHORRADA de la serie.

La conexión emocional se genera porque Wendy ha estado siguiendo online a su hermano Joe, que no sabe que su hermana sigue viva y que es un médico de la Fuerza de Seguridad de Prodigy Corporation. El pelotón de Joe entra en la Maginot para ayudar a la evacuación de los civiles atrapados por el accidente de la nave, que se ha estrellado en los cimientos de un enorme rascacielos. Es la idea de Wendy de proteger a Joe lo que hace que Kavalier acepte desplegar a los híbridos bajo el mando de Kirsh, el sintético que hace de profesor y tutor de los niños híbridos, poniendo en marcha la acción.

El elemento de incertidumbre gira alrededor de Morrow, el oficial de seguridad cyborg del USCSS Maginot que sobrevivió al accidente sacrificando a su tripulación y que tiene la tarea de asegurar los tesoros de la Maginot e impedir que Prodigy le quite a Weilan-Yutani sus descubrimientos. Todo ello mientras los xonomosfos corren libres junto al resto de especímenes alienígenas, que añaden un extra de terror e incertidumbre a todo lo que sucede.

Me ha gustado el arranque de Alien: Planeta Tierra, pero reconozco que no me ha flipado. A la chorrada de ver a los híbridos por la Maginot con las manos en los bolsillos se une el hecho que de momento NO hemos visto a los xenomorfos en acción, actuando siempre en segundo plano y provocando escenas realmente frustrantes. Puedo imaginas que Hawley se esté guardando algún momentazo para más adelante, pero entre los fotogramas del arranque que sugieren sin mostrar y el no ver ningún ataque en condiciones en casi dos horas de series hacen que estos episodios hayan sido un pelín decepcionantes.

En positivo, la existencia de los otros aliens y ver que también son peligrosos me ha gustado mucho. Y aunque antes criticaba la presencia de los híbridos, los actores lo hacen genial y realmente se sienten como unos niños, con unas caras de asco geniales y una actitud juguetona que está muy bien. Lamentablemente, no vas a una expedición por el amazonas desarmado, porque por muy científico que seas una piraña o una serpiente acabarán comiéndote igual. Cosa que es lo que imagino que acabará pasando en los próximos episodios.

Otro de los elementos destacados de Alien: Planeta Tierra es su sobresaliente diseño de producción, que puede mirar de tu a tu a cualquiera de las películas. Está genial. El diseño de los nuevos aliens me parece brillante, resaltando la idea de asco y de ser diferente a todo lo visto en el planeta Tierra. Eso y la calidad de Noah Hawley, que todavía no ha escrito una serie mala, es lo que me hace mantener la ilusión con esta serie, llegando a creerme que estemos apenas en la introducción y lo mejor esté aún por llegar.

De momento no hemos visto nada de guerra corporativa, y creo que va a ser importante en el futuro. Además, pensando que en ninguna de las películas previas habiamos oído nada de la corporación Prodigy ni de los híbridos me hace imaginar que estamos ante un posible baño de sangre, lo que conectaría con mi esperanza que lo mejor esté aún por llegar. Aunque quede mucho, quiero pensar que aunque todos los híbridos sean destruidos, Wendy sobrevivirá y de alguna manera empezará a vivir una vida tranquila off-the-radar. Que lo haga con o sin su hermano ya no estoy seguro. Veremos si acierto.

Con sus cosas buenas y no tan buenas, por ejemplo la masacre en la casa de los ricos asquerosos vestidos como de la corte de Luis XIV de Francia resulta otro elemento ridículo, lo mejor que puedo decir es que Alien: Planeta Tierra me tiene entretenido y con ganas de más. Esperemos que los próximos episodios mejoren las cosas con las que menos he conectado, y se centren en todo lo bueno que tiene la serie.

A ver la semana que viene qué tal.

Comparto mi trailer de la serie:

Buen arranque de Alien: Planeta Tierra, aunque no diría que es sobresaliente. A ver si los próximos episodios se centran en los aspectos positivos y disimulan las tonterías que hemos visto hasta ahora.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de Sandman presenta Muerte: el alto coste de la vida

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Termina la adaptación televisiva de The Sandman, el mítico comic creado por Neil Gaiman, con la emisión de un último episodio especial centrado en Muerte: el alto coste de la vida, la miniserie de Gaiman, Chris Bachalo y Mark Buckingham.

PUNTUACIÓN: 8/10

En este episodio especial, la Muerte se cruza durante su día libre en el camino de un periodista abrumado por la desesperación y le cambia la vida en tan sólo 24 horas.

Dentro del comic de Sandman, la miniserie Death: The high cost of living de Neil Gaiman, Chris Bachalo y Mark Buckingham fue una de sus historias más celebradas. Tiene por tanto todo el sentido que a la hora de realizar la adaptación televisiva no se olvidaran de adaptarla. Jamie Childs, el director de toda la segunda temporada de The Sandman, ha dirigido este episodio especial de 58 minutos con el que termina la serie. Neil Gaiman, creador del comic original, y Allan Heinberg, showrunner de esta segunda temporada, escriben el guion de este episodio.

En el reparto encontramos a Kirby Howell-Baptiste como Muerte, Colin Morgan como Sexton Furnival, un periodista a punto de suicidarse hasta que conoce la forma mortal de la Muerte. Clare Higgins como Mad Hettie, una vagabunda de 280 años y Jonno Davies como Theo, un conocido de Sexton que quiere los poderes de la Muerte, completarían el reparto en sus papeles principales.

Cada 100 años, al miembro sensato y empático de la familia de los Eternos se le permite vivir un día como un humano. De forma que cada siglo recuerda el regalo de la vida para que cuando reciba a los recién fallecidos, lo haga de la mejor manera posible. En este día de vacaciones Muerte conocerá a Sexton, un periodista millenial con una crisis existencial tras terminar una relación sentimental que está planteándose el suicidio. El amor por la vida y el positivismo de Muerte acaba siendo contagioso gracias al trabajo de Kirby Howell-Baptiste como Muerte. Tengo que reconocer que en las reseñas de los episodios anteriores dije que la actriz me parecía un error de casting, pero en este especial creo que lo hace muy bien y aporta el toque justo que necesitaba el personaje para hacer justicia al comic de Gaiman, Bachallo y Buckingham.

Aparte de disfrutar del día, la pareja tiene una labor adicional, al pedirle a Muerte Hettie la Loca que la ayude a encontrar su alma. Hettie es una mujer que hace 250 se negó a morir y lleva viviendo desde entonces, escondiendo su alma para que Muerte no pudiera encontrarla. Lo malo es que pasado todo este tiempo, no recuerda donde la puso, en una de las situaciones atípicas tan habituales en el comic de Gaiman.

El mensaje del episodio es que no importa cuan larga vaya a ser tu vida, tienes que aprovecharla, disfrutando de los grandes y los pequeños momentos como si fueran hitos únicos. Porque en realidad no sabes cuando va a terminar tu vida. El mensaje optimista me ha gustado mucho, y de alguna manera es lo que ha conseguido que me haya gustado tanto el episodio.

Igual que comento que me ha gustado el trabajo de Kirby Howell-Baptiste como Muerte, creo que Colin Morgan interpretando a Sexton Furnival parece un palo estirado. Entiendo que su personaje es un pringado un poco repelente, y en esa parte acierta completamente. Pero también hay una parte en que Sexton tiene que darnos un poco de pena y en realidad el actor es flojete y no trasmite nada, ni bien ni mal.

Al ser el episodio más terrenal de toda la serie de The Sandman, al no haber seres sobrenaturales y estar ambienta en Londres, el trabajo gris del director Jamie Childs no queda tan deslucido como en los episodios anteriores con numerosos elementos sobrenaturales. El elemento humano y la empatía son los protagonistas de este capítulo, así como la emoción por estar vivo. El episodio me ha parecido estupendo y consiguió dejarme con la mejor de las sensaciones.

Me hubiera gustado que la adaptación televisiva de The Sandman hubiera compartido la personalidad y la emoción de los comics, quedando como una traslación correcta de la historia en la que todo luce demasiado gris. Pero al menos este especial de Muerte si ha hecho que conectara emocionalmente.

Sandman presenta Muerte: El alto coste de la vida me ha gustado mucho y me ha dejado con el mejor sabor de boca posible.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de The Sandman temporada 2 parte 1 (Netflix)

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Netflix ha estrenado sin llamar demasiado la atención la primera parte de la segunda temporada de Sandman, la adaptación del maravilloso comic de Neil Gaiman y varios artistas.

PUNTUACIÓN: 6.5/10


Una reunión de los Eternos lleva a Morfeo por un camino lleno de peligros en el que una decisión crucial hace que se convierta en el blanco de una implacable venganza.

Sandman es la obra magna de Neil Gaiman, publicada por DC Comics a lo largo de 75 números entre 1989 y 1996. Junto a Gaiman, los artistas Sam Kieth y Mike Dringenberg aparecen acreditados como creadores, aunque por sus páginas pasaron artistas de la talla de Jill Thompson, Coreen Dollan, Kelley Jones, Charles Vess, Michael Zulli, Marc Hemper y muchos más. Aparte de narrar la historia de Morfeo, el Señor del Sueño, y como el cambio es inevitable lo quiera él o no, el comic sirvió para que Gaiman explorar sus inquietudes como contador de historias, planteando numerosas historias fuera de la trama principal con personajes como William Shakespeare, analizando la propia naturaleza de las historias. Tras cerrar la historia, Gaiman ha vuelto cada pocos años para contar nuevas historias en el mundo de Sandman, por ejemplo Obertura junto al increíble J.H. Williams III.

Sandman es uno de los mejores comics de la historia. Un comic que mostró a los que no leen comics las posibilidades del medio para contar todo tipo de historias, con el que Neil Gaiman consiguió todo tipo de premios del mundo del comic y del mundo literario. Aunque el comic parecía imposible de adaptar a otros medios, en 2022 se estrenó la primera temporada de una serie  desarrollada por el propio Gaiman, junto a David S. Goyer (Trilogía de Batman de Nolan, Blade) y Allan Heinberg (Guionista de la película Wonder Woman y en comics, creador de Young Avengers). Un Heinberg que actúa como showrunner de esta segunda y última temporada. La primera temporada no acabó de convencerme a pesar de trasladar de forma muy fiel varias de los arcos del comic, al perder toda la magia y el terror que el comic si transmitía al lector.

Esta segunda temporada de The Sandman NO ha estrenado todos los capítulos a la vez. Los seis episodios disponibles esta semana han sido dirigidos por Jamie Childs, contando con guiones de Heinberg, Ameni Rozsa, Alexander Wise, Austin Guzman, Shadi Petosky y Jim Campolongo. Los primeros 3 episodios adaptan el arco Season of Mist (números 21-28 USA), más el multipremiado episodio A Midsummer Night’s Dream (número 19). Los episodios 4-6 adaptan el arco Brief Lives (números 41-49), más el número 59 Thermidor y The Sandman Special #1 («The Song of Orpheus»).

La segunda parte de la temporada se estrenará el 24 de Julio y constará de 5 episodios, que entiendo adaptarán The kindly ones (Las benévolas) y The Wake (El velatorio), el arco con el que terminó el comic. A modo de bonus-track, el 31 de julio se estrenará un último episodio adaptando la multipremiada miniserie Death: The high cost of living de Gaiman, Chris Bachalo y Mark Buckingham.

En el casting tenemos a Tom Sturridge como Sueño, Esmé Creed-Miles como Delirio, la miembro más joven de los Eternos, Kirby como Muerte, Mason Alexander Park como Deseo, Donna Preston como Desesperación, Adrian Lester como Destino. Fuera de los Eternos tenemos a Gwendoline Christie como Lucifer, Señor del Infierno, Patton Oswalt como Matthew el Cuervo, Vivienne Acheampong como Lucienne, la bibliotecaria jefe y guardiana del reino del Sueño, Jenna Coleman como Johanna Constantine, una dura nigromante y exitosa aventurera ocultista a sueldo, Asim Chaudhry como Abel y Sanjeev Bhaskar como Caín.

En la temporada 2 tenemos a Ruairi O’Connor como Orfeo, poeta, músico, oráculo e hijo único de Sueño y la musa Calliope, Barry Sloane como Destrucción, el Perdido Sin Fin, Freddie Fox es Loki, el dios del caos, Clive Russell interpreta a Odín, Laurence O’Fuarain a Thor. Ann Skelly es Nuala, y Douglas Booth es Cluracan, emisarios reales de la corte de Faerie. Jack Gleeson interpreta a Puck, un malévolo hobgoblin que sirve de bufón real al rey Auberon de Faerie. Por último, Indya Moore interpreta a Wanda.

Siendo una adaptación fiel a los hechos contados en el comic, me llevé un chasco importante con la primera temporada de The Sandman estrenada en Netflix en 2022. Aunque el guion era básicamente el mismo del comic, la puesta en escena era (exageradamente hablando) como si estuviera viendo una obra de teatro local adaptando El Señor de los Anillos de J.R.R. Tolkien (y la película de Peter Jackson). La historia puede ser fiel, pero faltaba toda la magia, el terror y el sentido de la maravilla. Aparte de la cancelación de Neil Gaiman, que ha provocado que Netflix no haya publicitado apenas el estreno de esta temporada, el no conectar con la primera temporada me hizo dudar durante algunos días si ver una serie que había muchas posibilidades que no me gustara. Finalmente me animé a ver estos 6 episodios, y tengo que decir que me alegro de haberlo hecho, a pesar de todos sus elementos menos buenos.

En The Sandman, Neil Gaiman experimentó diferentes tipos de historia que tenían que ver o no con el protagonista Sueño. Y aunque la historia de Sueño y como acabó asumiendo que el cambio es inevitable (lo quiera él o no) es el nudo conductor del comic, la sensación de 1001 noches en la que cada nueva historia podía ser muy diferente a la anterior estaba siempre presente. Gaiman como contador de historias consiguió una fama más que merecida gracias a estas historias «laterales». De hecho, las historias favoritas de mucha gente son precisamente estas, y no tanto las de Sueño. Un protagonista que en realidad cae bastante antipático, por lo general.

En televisión no se lleva el tomar carreteras secundarias que alejen al espectador de la trama principal del protagonista. Y es por esto que de forma entendible, ante la decisión de Netflix de que The Sandman termine en su segunda temporada, el showrunner Allan Heinberg ha decidido centrarse en la historia principal de Sueño y sus hermanos Eternos. Y con algún reparo, en realidad los mismos que tuve con la primera temporada, me ha gustado ver la adaptación de Season of Mist y Brief Lives.

Cuando has leído bastante a Gaiman, te das cuenta que como todo el mundo, tiene unos tics que aplica en gran parte de su obra. Por un lado tenemos a personajes que no son buenos ni malos, sino que actúan según su naturaleza. Sueño desde luego entra en esa categoría, pero también El Corintio o Loki. Eso no significa que lo que hagan sea correcto, pero de alguna manera busca alejarse del arquetipo de buenos y malos que abunda en el entretenimiento mainstream. Otro elemento muy característico de Gaiman es su gusto por romper las expectativas que él mismo crea con historias que se salen de la tangente y resultan de alguna manera anticlimáticas. Algo que conecta con la idea que los actos de estos seres sobrenaturales están más allá del entendimiento de los meros mortales.

Eso es justo lo que tenemos en Season of mist. Tras una reunión de hermanos Eternos, Sueño acepta que cometió un error (una maldad) hacia su amada Nada, a la que condenó a 10.000 años en el infierno al negarse a ser su Reina. En realidad, fue un cerdo asqueroso intentando ocultar un acto realizado por despecho como un decisión de Nada sobre la que él no tuvo nada que ver. Una vez aceptada la injusticia, lo siguiente es lógico. Volver al Infierno para liberar a Nada. A pesar que Lucifer se la tiene jurada por lo sucedido la primera temporada. Lo que pasa a continuación es todo lo contrario a lo esperable, ya que no hay combate por el alma de Nada ni nada que se le parezca.

En Brief Lives, Morfeo acompañará a su hermana Delirio en su búsqueda de su hermano perdido, Destrucción. Un viaje que tendrá varios sobresaltos y que servirá para que conozcamos otro de los grandes errores de Morfeo, al conocer la historia de su hijo Orfeo. La búsqueda de Destrucción provoca un final anticlimático marca de la casa Gaiman, y sus repercusiones pondrán el marcha el final de Sueño tal y como conocemos, algo que leimos en el arco Las benévolas (The kindly ones). En lo fundamental, la historia del comic está planteada razonablemente bien. Los que leímos el comic no vemos grandes problemas a estos episodios, y entiendo que los que no lo han leído se verán sorprendidos por las diferentes sorpresas.

En positivo, quiero destacar el trabajo de Esmé Creed-Miles como Delirio, que creo que es lo mejor de la serie. Tom Sturridge como Sueño hace un correcto trabajo dentro que su obligación es estar plantado tieso como un palo intentando no mostrar ninguna emoción. Visualmente Sturridge era un casting perfecto, pero en realidad sufre el mismo problema que el casting en general. Y es que todos son muy flojos y carentes del más mínimo carisma.

Tenemos a actores televisivos que son incapaces de transmitir nada y que convierten lo que es uno de los mejores comics de la historia en algo plano sin carisma, personalidad o química. Especialmente sangrante es el caso de la actriz que interpreta a Muerte, que es un error de casting tremendo que no tiene ni un ápice de la empatía y cariño que el personaje transmitía en los comics. Los actores que interpretan a Orfeo o Destrucción son muy flojos también, teniendo todo el conjunto actoral una sensación «televisiva» dicho con la peor de las connotaciones posibles.

La serie sufre el mismo problema de falta de capacidad de transmitir nada que tuvo la primera temporada. En este sentido, como al menos ya sabía lo que había, la falta de emoción, de empatía o terror que sí tenía el comic no me supuso un problema excesivo mientras veía estos episodios. Buscando algo positivo, Season of Mist tenía una cualidad teatral en el comic, con Sueño entrevistándose con numerosos seres sobrenaturales, que hace que funcione mejor en el cartón piedra televisivo que ha planteado la serie. De hecho, en este arco se incluye el celebrado episodio A Midsummer Night’s Dream que narra la representación de la obra de Shakespeare a un público poco habitual. Así que en la parte de mostrar esta obra de teatro, la serie encuentra el tipo de historia que le permite minimizar sus defectos en lo referido al diseño de producción, la dirección o el montaje. Algo es algo.

Ahora bien, ya sea por unas interpretaciones carentes de carisma o calidad, por un ritmo plano que no plantea hitos narrativos interesantes, o en general por una dirección sin chispa, el resultado es una serie en que todo está correcto, pero nada enamora. Y eso es un problema, incluso sabiendo lo que había antes de empezar el visionado. Se que hay varias generaciones de espectadores británicos que han disfrutado del entretenimiento de cartón piedra de Doctor Who. Entiendo que para todas esas personas las carencias de The Sandman no serán un problema. Pero para mi lo son.

Incluso reconociendo lo mucho que me ha gustado ver en imagen real Season of Mist y Brief Lives, en realidad me doy cuenta que lo me gusta era el comic de Gaiman y sus artistas, y esta adaptación es una pálida traslación que no iguala lo que es el comic y lo que debería hacer sido esta serie, si la hubiera realizado gente más capaz.

Fruto de esta sensación plana y la necesidad de contar lo principal de la trama del comic, se pierden muchas cosas en el camino. En Brief Lives uno de los personajes más celebrados fue el personaje de Wanda, una persona trans en un momento de los años 90 en que su visibilidad era nula. Mirando el vaso medio lleno, al menos Wanda aparece en la serie y tiene dos buenas escenas. Mirando el vaso medio vacío, Wanda no tiene arco más allá de aparecer, y se pierde toda la emoción que el personaje y su entorno tenía en el comic. De nuevo, no se puede decir que esté mal, pero su papel está tan reducido que sabe a poco. La tristeza profunda con que te dejaba el comic se pierde, como también la alegría por el acto de rebeldía final con que se cerraba esa historia.

Esto me hace pensar en la idea de comic imposible de trasladar a otros medios que tenía Sandman. De adaptar bien, se entiende, logrando imitar las cotas de excelencia que tenía el comic. Un primer aspecto de esto lo proporcional los diferentes dibujantes que trabajaron en el comic. Artistas con estilos diferentes que aportaban sensibilidades diferentes a cada historia que ayudaban a transmitir la idea de mutabilidad que tiene el Sueño. Además del terror, la imaginación y el sentido de la maravilla, Algo que jamás sentimos debido a la dirección plana y mundana que tenemos en esta serie.

Comentaba que me parece lógico que los creadores se centren en la historia de Morfeo. Pero otro elemento destacable que tenían las historias laterales que creaba Gaiman, aparte de ayudarle a exprimir sus músculos creativos y convertir al comic en un contenedor de historias, era transmitir la idea de paso del tiempo y de la existencia de numerosas elipsis que hacían que hubiera pasado mucho tiempo entre una historia y otra. La serie de televisión se plantea de una manera que toda la temporada parece una semana en la vida de Sandman, lo cual no es un problema grave, pero tampoco ayuda a que el conjunto tenga el feeling que debería.

En realidad me alegro de haber podido ver estos episodios, pero no dejo de pensar que estamos ante una oportunidad perdida que nos está privando de disfrutar The Sandman con la calidad que el comic de Gaiman merece. Y es una pena, sobre todo pensando que tras la cancelación de Gaiman por sus supuestos abusos cometidos contra varias mujeres, no vamos a tener una segunda oportunidad de que se haga algo mejor.

Como digo, más que esta serie, lo que me gusta es el comic. Y aunque en la disyuntiva de elegir que no haya serie o que se estrene prefiero la segunda opción, The Sandman merecía más.

Comparto el trailer de esta segunda temporada:

The Sandman es una correcta adaptación que debería haber sido notable o sobresaliente. Me alegro de poder verla pero debería haber sido mucho mejor.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

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Crítica de The Bear temporada 4 (Disney+)

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¡Qué maravilla de serie es The Bear!! Tras una tercera temporada decepcionante porque no se sintió como una historia completa, esta cuarta temporada emitida en Disney+ nos ha devuelto a unos personajes rotos maravillosos y un montón de emociones a flor de piel en esta historia situada en el mundo de la restauración.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

En la cuarta temporada, Carmen «Carmy» Berzatto (Jeremy Allen White), Sydney Adamu (Ayo Edebiri) y Richard «Richie» Jerimovich (Ebon Moss-Bachrach) siguen adelante, decididos no sólo a sobrevivir, sino también a llevar al restaurante The Bear al siguiente nivel. Con nuevos retos a la vuelta de cada esquina, el equipo debe adaptarse, ajustarse y superar los problemas si quieren que el resturante sobreviva.

The Bear ha sido creada por Christopher Storer, un productor, director y guionista de cine estadounidense conocido antes de The Bear por Ramy, Eighth Grade y el especial de Netflix ganador del premio Peabody Hasan Minhaj: Homecoming King. Storer y Joanna Calo vuelven como showrunners de una temporada de 10 episodios, de los cuales Storer dirige 9, el segundo junto a Duccio Fabbri, siendo Janicza Bravo la única directora aparte del Showrunner. Storer y Calo escriben 6 de los 10 episodios, siendo el resto de guionistas la actriz Ayo Edebiri (Sydney), Catherine Schetina, Rene Gube, Lyonel Boyce, Karen Joseph Adcock

Jeremy Allen White interpreta a Carmen «Carmy» Berzatto, un galardonado chef de cocina de Nueva York que regresa a Chicago, su ciudad natal, para dirigir el restaurante de su difunto hermano Michael, The Beef. Ebon Moss-Bachrach como Richard «Richie» Jerimovich, el mejor amigo de Michael y gerente de facto del restaurante. Ayo Edebiri como Sydney Adamu, un joven y talentosa chef que se une a The Beef como nuevo segundo de cocina a las órdenes de Carmy. Lionel Boyce como Marcus Brooks, el panadero de The Beef convertido en chef pastelero, estimulado por la tutoría de Carmy. Liza Colón-Zayas como Tina Marrero, una cocinera veterana, mordaz y testaruda que aprovecha la oportunidad de formarse profesionalmente. Abby Elliott como Natalie «Sugar» Berzatto, hermana de Carmy y Michael, copropietaria a regañadientes de The Beef, y Matty Matheson como Neil Fak, amigo de la infancia de los Berzatto y a veces manitas del restaurante, son los protagonistas principales.

En esta cuarta temporada también tenemos a Jon Bernthal como Michael «Mikey» Berzatto, el hermano fallecido de Carmy, Jamie Lee Curtis como Donna Berzatto, la madre de los hermanos Berzatto, Oliver Platt como Jimmy «Cicero» Kalinowski, el mejor amigo del padre de los hermanos Berzatto, al que todos se refieren cariñosamente como «Tío», e inversor clave del restaurante. Molly Gordon como Claire Dunlap, una amiga de la infancia de los Berzatto, de la que Carmy está perdidamente enamorado, aunque no deje de dejarla de lado. Tras el cierra del restaurante Ever al final de la temporada anterior, Richie contrata a Jessica (Sarah Ramos), Garrett (Andrew López) y René (René Gube). Por último, Josh Hartnett y Will Poulter repiten sus papeles de Frank y Luca. Además, en varios cameos tenemos a David Zayas como David, el marido de Tina, Bob Odenkirk como el «Tío» Lee Lane, Sarah Paulson como Michelle Berzatto, John Mulaney como Steven and Brie Larson como Francie Fak y Rob Reiner como Albert Schnur.

Me he obligado a NO ver The Bear de un tirón cuando se estrenó el pasado jueves. Que era lo que me pedía el cuerpo. Al final, he dividido su visionado durante 4 días y ha sido una montaña rusa de emociones. La temporada anterior estuvo muy chula pero su final resultó super decepcionante porque no dio sensación de historia completa. A pesar de que esta temporada también deja un final abierto, la sensación ha sido muchísimo mejor.

Esta cuarta temporada tiene dos focos principales. En primer lugar, el tío Cicero plantea un ultimátum a Carmy. Tienen dos meses para conseguir que The Bear sea rentable, o se verán abocados al cierre, dado que Cicero también pasa por un mal momento económico y no puede poner ni un céntimo más en el negocio. Aparte que Carmy tendría que devolver el dinero que le han prestado, cosa que obviamente no puede. La sensación de cuenta atrás está presente en todos los episodios, y nos aboca a un posible final dramático. Aprovecho para recordar que el negocio está dividido en dos. Por un lado el restaurante de lujo liderado por Carmy y luego el puesto de bocadillos que lleva Ebraheim. Unos bocadillos que están resultando super rentables al sólo abrir para los almuerzos y tener un personal mínimo. De hecho, la posibilidad de expandir el negocio es una clave de Ebra a lo largo de la temporada.

La segunda clave de la temporada es que los personajes están intentando cambiar y ser mejores personas. Por supuesto Carmy es el que más cambia desde su versión obsesiva gilipollas de temporadas anteriores, Intentando dar más cancha a Sidney en el restaurante. Y sobre todo, pensando en su vida fuera de él, al intentar reconstruir su relación con Claire. El episodio 3 Scallop en el que Carmy va a ver a Claire en su casa para pedirla perdón e intentar arreglar al menos su amistad es uno de los muchos momentos emocionantes que tenemos en esta temporada. La idea que a medida que Carmy intenta tener una vida se da cuenta que ha dejado de amar la cocina es algo que se ve muy claramente a lo largo de la serie y con algunas conversaciones clave de Carmy por ejemplo con su hermana.

Dentro de la cualidad coral de The Bear, Ayo Edebiri como Sydney Adamu, la talentosa chef a las órdenes de Carmy, es una de las principales beneficiadas dramática y emocionalmente. Por un lado, el chef Shapiro la ofreció un trabajo en el restaurante en el que está trabajando, una propuesta económicamente mucho mejor que la de Carmy, a lo que hay que sumar la tensión que le suponen los cambios de humor y de criterio de Carmy. Que Carmy acceda a hacer un menú cerrado en lugar de cambiar de menú cada día, reconociendo que era una decisión egoísta que perjudicaba al restaurante, es una decisión acertada por parte de Carmy que hace aún más difícil la decisión.

Sydney es la protagonista emocional principal de dos episodios, el cuarto Gusanos, en el que pasa la tarde con la hija de su prima la peluquera, en la que tiene que aclarar sus ideas sobre quedarse o irse de The Bear. También en el sexto, Sophie, en el que sale corriendo al hospital debido a que su padre ha sufrido un infarto. El episodio tiene a Claire de invitada especial al acompañar a Syd en esos momentos de incertidumbre.

Dentro de los momentos actorales, otro de los puntos álgidos de la temporada lo encontramos en el noveno episodio Tonnato, en el Carmy va a ver a su madre Donna a su casa, en la que no había vuelto a entrar desde hace muchos años, para acercarla unas fotos antiguas. Esto provoca otro de los mejores momentos de toda la serie, demostrando lo grandísima actriz que es Jamie Lee Curtis, cuando Donna pide perdón por todo el daño que causó a Carmy y al resto de sus hijos. Tras años de problemas mentales o psicológicos y abuso del alcohol, Donna está en terapia y por fin es capaz de entender el daño que causó y se ha propuesto mitigar este dolor en la medida de sus posibilidades. Que Carmy termine cocinando para ella es uno de los momentos más bonitos que veremos este año en la televisión, marcando el comienzo de la sanación para ambos.

Los showrunners Christopher Storer y Joanna Calo son dos de los creadores que mejor han entendido la potencia del medio televisivo para contar historias. Los episodios tienen una duración aproximada entre 33 y 40 minutos, excepto en séptimo episodio Osos con la boda de Tiff, la ex-mujer de Ritchie, y Frank. Este episodio tiene una duración de 70 minutos en los que vemos prácticamente a todos los principales personajes en la serie. Adaptar la duración a lo que nos quieren contar es una de las grandes ventajas del streaming. Por cierto, justo debido a la duración de los episodios de +/- 35 minutos, tengo que decir que estamos en uno de los casos en que el estreno simultáneo de todos los episodios de la temporada mejora la experiencia, al permitir que cada espectador vea la serie a su ritmo.

The Bear es una serie dramática. Pero también es una serie visualmente bella, sobre todo en los momentos en que vemos los platos y postres (muy importantes esta temporada) que se preparan en el restaurante. A lo que hay que sumar las imágenes de Chicago y sus habitantes, que se han convertido en un alucinante reclamo turístico de la ciudad. A esto hay que sumar la magnífica selección de canciones que son otro elemento que siempre suma y ayuda a crear el tono emocional que necesita la serie en cada momento.

La elección narrativa de contar la historia siempre en primerísimos primeros planos es también muy llamativa, porque es otro de los elementos que hacen que la serie se salga de lo normal. Tener la cámara (figuradamente) delante de la cara de los personajes hace que sintamos estar en su cabeza y sintamos los pequeños tics emocionales o de duda, todo el espectro emocional que viven a lo largo de su jornada laboral y fuera de ella.

Dentro de lo acertado que es todo, los momentos con los Faks ofrecen el perfecto alivio cómico que la serie también necesita, algo que resalta además el elemento freak que existe alrededor de la familia Berzatto propietaria de The Bear. Aunque no he tenido tiempo de comentar todas las claves de todos los personajes, me gusta mucho el personaje de Marcual, el repostero, y la química que tiene con Luca. Y no he hablado nada de Richie, pero sigue su camino de mejora personal y profesional, ofreciendo un personaje increíble con el que Ebon Moss-Bachrach ha creado una interpretación mágica. En realidad, todo el casting es maravilloso.

Storer y Calo plantean un climax final que ocupa todo el último episodio. Uno de los mejores episodios de toda la serie en el que tan sólo tenemos a los 3 protagonistas principales, Jeremy Allen White (Carmy), Ebon Moss-Bachrach (Richie) y Ayo Edebiri (Sydney), en el callejón trasero de The Bear. Un episodio en el que las emociones están a flor de piel y en la que todos los rencores acumulados desde hace años saldrán por fin a la luz. Deberían crear un premio a casting coral, porque cómo premiar a un y no darle un premio al otro. Imposible. La sorprendente decisión de Carmy y la forma en que los otros dos se lo toman va a marcar un antes y un después para la serie, ofreciendo otro de los grandes momentos televisivos del años. Si es que hay serie, porque el reloj con la cuenta atrás llega a cero en los últimos fotogramas del episodio que cierra esta brillante tercera temporada.

Dejar The Bear con un cliffhanger tan bestia me ha dejado patidifuso, sobre todo porque de momento FX no ha confirmado que haya dado luz verde a la quinta temporada que debería terminar la historia. De momento, The Bear se ha estrenado a razón de una temporada al año. Pero el éxito de la serie ha convertido en estrellas a sus protagonistas, que están encadenando proyecto tras proyecto. No me puedo ni imaginar que The Bear no vaya a continuar, pero parece evidente que aparte de otras consideraciones, cuadrar las agendas de todo el reparto va a ser cada vez más difícil. En todo caso, espero que la serie vuelva a ser un éxito de crítica y de público. A mi me ha gustado muchísimo, pero si la audiencia no es buena, podría darse el caso que el estudio no quisiera continuar la serie.

Espero que eso no pase y podamos disfrutar de una quinta y última temporada en la que Carmy pueda llegar a ser feliz preferiblemente con Claire a su lado. encontrando la forma de volver a tener la pasión por la cocina que ha perdido a lo largo de los últimos episodios. Y lo mismo para todos, Ritchie y Syney también merecen ser felices y sentir que tienen una vida plena, como el resto de trabajadores del restaurantes. Nos deben ese final, no pueden dejar las cosas como están.

¡Qué seriaza es The bear! ¡Cómo me gusta!!!

Comparto el trailer de esta cuarta temporada de The Bear:

The Bear me encanta. Sin duda una de las mejores series de la televisión actual. Ya pueden dar luz verde a la quinta temporada o me voy a enfadar.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

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Reflexiones de Domingo 14/2025: Leyendo Micronautas y últimos podcasts en lo que he participado

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¡Feliz Domingo! El verano ya está en su apogeo, y a no ser que tengas la playa, la piscina o el aire acondicionado a mano, la cosa puede ponerse dura. Hoy quiero recomendarte que escuches los últimos podcasts en los que he participado, y además compartiré mis sensaciones, buenas y malas, mientras leía el Omnibús de Micronautas: La etapa original Marvel de Bill Mantlo, Michael Golden, Pat Broderick y otros artistas.

MICRONAUTAS: LA ETAPA MARVEL ORIGINAL VOL. 1

Con The Micronauts 1-29 y Annual 1 y 2 y material de The Micronauts Special Edition 1-5, comics publicados entre 1979 y 1981.

Desde el Microverso, llega el Omnibus que nunca creíste que llegara a existir. En 1979, Bill Mantlo y Michael Golden lanzaron una serie diferente a todas las demás, integrada en el Universo Marvel al tiempo que tenía lugar en un mundo lejano habitado por los más increíbles héroes y los más oscuros villanos: el Microverso. Los Micronautas recorren su hogar mientras luchan por liberarlo del tiránico Barón Karza. Sus hazañas también los conducirán a la Tierra, donde se encontrarán en el camino de Los 4 Fantásticos, SHIELD, el Capitán Universo y el Hombre-Cosa. ¡Esta edición ofrece una impresionante restauración, con las páginas de correo de lectores, publicidades de la época, arte original y mucho más! Por Bill Mantlo, Michael Golden, Howard Chaykin, Pat Broderick y Steve Ditko.

El Extra de Superhéroes de Patrulla-X y Micronautas es uno de los comics que más veces he leído en toda mi vida, hasta el punto de tener el comic hecho polvo, con páginas desmontándose y las portadas desgatadas por el manoseo constante. La miniserie de Chris Claremont y Bill Mantlo de 1984 presentó a unos personajes llenos de carisma que me eran desconocidos y cuyo mundo parecía apasionante. Sin embargo, Forum no llegó nunca a publicar los comics de estos personajes, imagino que por algún problema de derechos o algo similar.

Bill Mantlo es uno de los guionistas clásicos de Marvel con una larga hoja de servicios. Para mi es sinónimo de Hulk, al que le guionizó varios años antes de la llegada de Peter David. También le recuerdo por ser el creador de Capa y Puñal, unos personajes míticos de los años 80 y primeros 90 gracias también a un Rick Leonardi en estado de gracia. Tenía a Mantlo como uno de esos guionistas cumplidores que siempre hacían un buen trabajo pero que nunca le tuve como uno de mis favoritos.

A pesar de su poco trabajo publicado, Michael Golden es un dibujante de gran importancia e influencia dentro del mundo de los comics en los años 80. Su Annual 10 de Los Vengadores con Carol Danvers, Pícara e Inmortus es un comic mítico de Marvel, además de dibujar unos comics clasiquísimos de Doctor Extraño. Aparte de los Micronautas (cuyo trabajo no he leído hasta ahora), Golden brilló de forma increíble en la serie The ‘Nam de 1986 junto al escritor y veterano de guerra Doug Murray. El realismo de este comic, con armas, vehículos exactos a la realidad, el dinamismo de su narrativa y la expresividad de sus personajes se me quedaron clavados. Debido a su lentitud, Golden se centró en dibujar portadas, como por ejemplo en otro comic creado bajo licencia, G.I. Joe. Su trabajo fue super influyente en los años 80 para muchos artistas, empezando por el genial Arthur Adams, que es otro de mis dibujantes favoritos de siempre. Por todo esto, tengo que reconocer que disfrutar del trabajo de Golden en esta serie, donde dibujó los 12 primeros números, fue clave en que me animara a comprar este tomaco.

Desde el punto de vista de disfrutar del trabajo de Golden, la verdad es que el comic es super decepcionante. Sabía que Micronautas era uno de los primeros trabajos de Golden, pero me he llevado un chasco grande con unos primeros números repletas de figuras dibujadas como siluetas y con unas páginas a años luz de su trabajo posterior en el Annual 10 de Vengadores o en The ´Nam. Realmente parecen artistas distintos, aún sabiendo que este Golden es un artista novato. A Michel Golden le acompaña Josef Rubinstein en el entintado de los 7 primeros números. Tengo que decir que la mejora de Golden es tremendo mes a mes, llegando al número 5-6 ofreciendo un dibujo mucho mejor del inicial. Lo malo es que tras un número 8 entintado por Bob McLeod, otro clásico de Marvel, los 4 números restantes de Golden en la colección están entintados por Al Milgrom, que resulta totalmente inadecuado, tapando y emborronando en muchos momentos los lápices de Golden. Como digo, mi sensación sobre el dibujo tras leer estos 12 números es super decepcionante. Golden se mantuvo como portadista entre los números 13 a 24, y en algunas de esas SI vimos la potencia visual y la frescura que convirtió a Golden en un favorito para los fans, pero me sabe mal no haber sentido lo mismo en sus páginas interiores, ya sea por su bisoñez o por el entintado inadecuado de Milgrom.

Sin embargo, la gran sorpresa positiva de este comic es el guion de Bill Mantlo, un escritor con oficio que para mi era uno más del gran equipo el Bullpen marvelita. Desde luego, no el mejor. Ni alguien que me haya flipado nunca. Y sin embargo, sus guiones de Micronautas me han gustado mucho. Pero mucho, mucho. En la intrucción Mantlo comenta como la inspiración para este comic le vino a partir de recibir su hijo de regalo los juguetes que inspiran este comic. Tras ver los juguetes en acción, Mantlo creó una extensa historia que llevó a Jim Shooter en un momento en el que los comics de Star Wars habían salvado a Marvel de la quiebra. A Shooter le gustó la idea y vio un filón en el concepto, conocedor como es del éxito que otros conceptos franquiciados como Conan El Bárbaro estaba teniendo entre el público. Shooter es historia viva de Marvel y algo que no se puede negar de él es que tenía un olfato comercial insuperable.

Mantlo nos presenta al Comandante Arcturus Rann, un viajero estelar que lleva 1000 años viajando por el microcosmo en animación suspendida junto a su robot Biotrón. Cuando vuelve a su hogar, descubre que sus padres los reyes Dallan y Sepsis Rann murieron a manos de su antiguo maestro, el malvado Barón Karza, que ha tomado el control. Los juguetes tenían la cualidad de poder intercambiar partes de los muñecos. Mantlo incorpora esta cualidad con un argumento muy macabro pensando que estamos ante un comic para un público infantil. Karza tomó el control prometiendo al pueblo la vida eterna, algo que al final sólo podían permitirse las clases altas del reino. Los pobres y los rebeldes son encarcelados y sus cuerpos son aprovechados para asegurar la inmortalidad de los ricos y poderosos, además de darle material al Barón Karza para sus experimentos genéticos.

Los Micronautas están formados por Arcturus Rann, Biotrón, La princesa Mari (Marioneta), una princesa que huye de Karza tras ser hecho prisionero su hermano, el príncipe Argon. El robot Micotrón, el príncipe guerrero Acroyear, heredero al trono de Spartak y Bicho completarán el grupo, al que más adelante se unirán Cilicia, la amada de Acroyear, y Jasmine, la novia de Bicho a la que encuentra al volver a su planeta Kaliklak. Junto al Barón Karza y sus Soldados Perro combatirá a los Micronautas el príncipe Shaitan de Spartak, que robó a su hermano Acroyear su trono.

Supongo que debido a que Marvel no las tenía todas consigo (Micronautas hubiera podido no venderse bien, a lo que sumar que no estaba claro que la casa juguetera renovara la licencia pasado un año), Bill Mantlo escribió una historia cerrada con principio y final para los 12 primeros números. Sin embargo, el éxito de ventas fue arrollador. De hecho, los juguetes dejaron de venderse años después y Marvel aún publicaba esta colección.

Aunque las partes más interesantes del comic sucedían en el universo en miniatura de los Micronautas, el comic pasó la mayor parte del tiempo en la Tierra 616 del Universo Marvel tradicional. Los micronautas vivían aventuras como seres diminutos en un mundo gigante en el que todo era una amenaza. De esta parte, en los 29 números y dos anuales contenidos en este volumen veremos aparecer al Hombre Cosa, el Capitán Universo, los 4 Fantásticos, Psico-Man, el Hombre Hormiga, el Hombre Molécula, Mentallo, el Arreglador, Nick Furia y SHIELD, Hydra, Doc Sampson y Pesadilla. Un auténtico Quién-es-quien marvelita.

En el segundo año de la colección, tras unos números en los que Mantlo busca encontrar la historia adecuada, mientras los Micronautas están varados en la Tierra con su nave el HMS Endeavor dañada, Mantlo plantea algo super interesante. A partir del número 21 empieza una historia de complemento titulada Tales of the Microverse donde conoceremos la resurrección de Shaitan y Karza, que iniciarán unos nuevos planes de dominación de la Tierra y del Microverso. Estas historias cortas nos llevarán al climax de este segundo arco, que culminará en el número 29 USA. Mantlo plantea estos comics con una narrativa clásica de Marvel, planteando pequeñas historias de uno o dos números que van construyendo la tensión que culminará con la invasión de Karza a la Tierra. Este tipo de narrativa está bastante en desuso en la actualidad, y da gusto leer estas páginas.

Tras dejar Golden el dibujo de la serie, entre los números 13 a 19 tuvimos a Howard Chaykin dibujando con Al Milgrom en el entintado, en el que Milgrom volvía a tapar los lápices del dibujante. Dado que Milgrom no es un dibujante que me guste, reconociéndole que era un narrador estupendo, no será una sorpresa si digo que son unos comics «sin más». En los dos annuales incluidos en este volumen tenemos dibujos de Steve Ditko y Rick Buckler. Leer un comic de Ditko me da siempre una sensación anacrónica, dado que el feeling de Dirko parece anclado en la Silver Age mientras que la industria de 1979 había evolucionado hacia el realismo de Neal Adams o la espectacularidad de George Pérez y John Byrne. Con todo, estos comics de Ditko me gustaron y les he encontrado cierto encanto.

La segunda gran sorpresa positiva de estos Micronautas viene con el dibujo de Pat Broderick, que dibuja del número 19 al 29. Broderick es otro de los artistas con oficio de los años ochenta cuyo estilo de dibujo nunca me dijo nada. Empezando en su comic de Capitán Atom para DC de 1988 en el que tras las Crisis en Tierras Infinitas, DC incorporaba al clásico personaje de la Charlton a su universo Superheroico. Había algo en el estilo de Broderick con lo que nunca conecté. Ni en Captain Atom, ni es Swamp Thing ni es su corta etapa en Green Lantern. En Marvel dibujó Alpha Flight y Doom 2099, y mi opinión sobre él no mejoró sustancialmente. Sin embargo, no se si es por el bajón de os comics de Al Milgrom, pero tengo que decir que los comics debujados por Broderick me han gustado mucho. Me ha gustado su narrativa, la expresividad de los personaje, su diseño de página… Todo en realidad. Me parece curiosísimo comprar este comic por el dibujo de un artista y que sea justo el siguiente el que consiga engancharme. Y dejarme con sensación satisfactoria de un dinero bien invertido.

Dentro de unos comics muy chulos, igual el mayor problema que le veo es que Mantlo mantuvo a los Micronautas demasiado tiempo, prácticamente todo el tiempo en realidad, en la Tierra 616, cuando lo más interesante del comic sin duda estaba en el Microverso. Entiendo la necesidad de anclar a los Micronautas en el universo Marvel como forma para enganchar a nuevos lectores, pero con todo el potencial de ciencia ficción y fantasía que tenía la colección, en estos dos años las historias no siendo malas parece que están limitando la creatividad y las posibilidades que ofrecía el Microverso.

Dado el alto precio de estos omnibuses, me queda la duda sobre si comprar el segundo volumen, dado que Broderick abandona la serie en el número 34, tras lo que siguió una serie de artistas menos interesantes hasta que la serie cerró en su número 59. Sin embargo, me quedo muy satisfecho de esta compra.

NUEVOS PODCASTS MAYO-JUNIO

Desde mi último recuento de Mayo he participado en varios podcasts de comics y televisión. Gracias a participar en estos podcast tengo la excusa perfecta para (re)leer comics que de otra manera no hubiera leído en ese momento, abducido como estoy siempre por las novedades. Así que sólo por eso me encanta la posibilidad de colaborar en estos programas con amigos que nos une el amor por los comics.

LA TIERRA SALVAJE

La Tierra Salvaje es un podcast centrado en el mundo del comic, y es un placer poder analizar comics con gente tan guay como Eladio, Matías, Lázaro y el resto de amigos.

En Mayo-Junio, participé en los siguientes programas:

6×05 ANÁLISIS DE THUNDERBOLTS, EL MÍTICO COMIC DE BUSIEK, NICIEZA Y BAGLEY, Y SUS CONTINUACIONES

6X06 PUNISHER DE GARTH ENNIS

Agradezco muchísimo a Eladio que cuente conmigo para su programa, que me está dando un disfrute tras otro. En el primer programa he releído los comics de Thunderbolts que fácil hacía más de 10/15 años que no leía, y que sobre todo los primeros 50 números son historia viva de Marvel Comics.

El podcast centrado en Punisher de Garth Ennis es un sueño hecho realidad. Frank Castle es uno de mis personajes favoritos del mundo del comic, y la etapa Max del personaje de Garth Ennis es sin duda mis comics favoritos de Frank Castle. El comic Max es el que más veces he releído en este siglo XXI. Y además, la relectura de la etapa de Punisher en Marvel Knights junto a Steve Dillon me ha reconciliado con estos comics, que globalmente me han parecido mucho mejores de lo que los recordaba.

TOMANDO UN CHIRIFLÚS

El amigo Marcos habla de cualquier cosa que se le pase por la cabeza, lo que hace que sus podcasts resultan siempre inesperados y sorprendentes. Charlar de comics con Marcos, Oscar y tantos otros amigos es otro placer nada culpable que disfruto un montón.

8X15 SHADE EL HOMBRE CAMBIANTE

Gracias a Marcos leí por primera vez los míticos comics de Shade de Steve Ditko de 1977-78, por lo que no puedo estarle más agradecido. A continuación, fue una locura (nunca mejor dicho) leerme de un tirón los 70 números de la colección de Peter Milligan en la que Chris Bachalo creció como artista hasta convertiste en un dibujante super estrella. Una etapa brillante en sus 50 primeros números. Si no conoces al personaje, te explicamos por qué deberías leer este comic.

EL COLMO

Con mis amigos de El Colmo hablamos de cualquier cosa que nos apetezca, (incluso los libros de Brandon Sanderson), pero en los últimos tiempos nos hemos centrado en cine y series de televisión.

6X07 THE LAST OF US TEMPORADA 2

Un análisis muy interesante de la serie de HBO, marcado por el hecho de ser el único de los contertulios que NO había jugado al videojuego y, por tanto, al único al que todas las sorpresas de esta temporada me volaron la cabeza.

En función de tu ámbito de interés te interesarán unos temas más que otros. Pero te recomiendo que los escuches todos, creo que se transmite lo mucho que todos los participantes disfrutamos grabando estos podcasts. Espero te gusten.

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