Transformers de Daniel Warren Johnson y Jorge Corona, con color de Mike Spicer, no da un segundo de respiro y nos ofrece otro comicazo de acción y emoción en su novena entrega.
PUNTUACIÓN: 8.5/10
Las guerras en Cybertron y la Tierra convergen de una forma que los Autobots y los Decepticons nunca esperaron…
Cuando empezó este segundo arco de Transformers pensé que de alguna manera podía ser una historia de transición hacia lo que nos fueran a ofrecer a continuación, porque el subidón de los primeros números era algo muy difícil de igualar. Pero estoy leyendo estas grapas y Daniel Warren Johnson ha vuelto a volarme la cabeza con su habilidad de elevar aún más las apuestas del juego al introducir Cybertron. Algo que son muy malas noticias para los Autobots.
La acción es increíble, pero son los momentos de emoción los que me han dejado sin aliento. El momento de Ratchet saliendo en defensa de Cliffjumper es bestial, y el final del combate con cliffjumper acabando prisionero de los Decepticons me puso los pelos de punta pensando en cual será su destino y el de Jazz. Junto al combate de los robots, DWJ da también la ocasión de ver qué están haciendo Carly con Arcee y sobre todo Spike, al que los decepticons quieren hacer pagar su ayuda a los autobots. Destacar también que desde el comienzo de este segundo arco junto a la historia en la Tierra teniamos una segunda trama en Cybertron protagonizada por una autobot llamada Elita, que intenta salvar a sus compañeros de la destrucción por parte de los decepticons. De alguna manera pensaba que esto era un flashback del pasado de Arcee, que pudo tomar su nombre actual tras los dramáticos sucesos que nos estaban cotando, pero el comic tiene una forma muy chula de conectar ambas tramas, confirmando que estaba en un error y que estamos ante dos robots femeninos diferentes. Teniendo en cuenta las pérdidas catastróficas que están sufriendo los autobots, sin duda la van a necesitar.
Otra cosa que me gusta mucho es la dupla de los villanos. Soundwave y Shockwave son bestiales, y el momento de Shockwave convirtiéndose en la pistola me parece uno de los más grandes en mucho tiempo, pensando que yo tuve a ese decepticon de niño y le transformé miles de veces de robot a pistola. Aparte de lo terrible que es el momento por lo que supone para los autobots, el comic está flipándome de todas las formas posibles, siempre para bien. Puede que haya una parte nostalgia, seguro que si, pero la historia de DWJ es mucho más que eso.
Parece mentira la cantidad de cosas que pasan en las apenas 20 páginas que tiene el comic. Y esto es otro elemento que resalta la habilidad de DWJ como narrador excepcional, pero también el extraordinario trabajo que está realizando Jorge Corona en el dibujo de este comic, acompañado por Mike Spicer. En tan sólo tres números ha hecho suya la colección y casi puede mirar de tu a tu a Daniel Warren Johnson en lo que se refiere a la fuerza de sus imágenes y la narrativa general del comic. Resulta extraño leer un comic mainstream USA con varias páginas con 8 y 9 viñetas, algo imprescindible para poder contar todo lo que sucede en el comic. Frente a tantos comics actuales que se mueven en las 4-5 viñetas por página esta distribución me gusta mucho, porque la sensación que pasan muchas cosas en las grapas de Transformers en realidad no es una sensación, es la realidad de lo que nos ofrecen cada mes. Y yo estoy encantado.
Corona dibuja de forma increíble a todos los robots, flipándome la emoción que sabe añadir a muchos momentos gracias a unas expresiones faciales super dramáticas. Igual si está un poco por debajo de DWJ en lo que se refiere a espectacularidad de las imágenes, pero me parece el gran sorpresón de los últimos meses y nos está dando un nivel de espectáculo que hace que Transformers sea mi comic favorito de la actualidad.
Hay tantas tramas abiertas y todas están en un momento tan apasionante que no veo el momento de poder leer el décimo número. Porque si algo han dejado claro DWJ y Corona es que si lo leído hasta ahora ha sido bestial, todo apunta a que el próximo número va a ser aún mejor.
Comparto las primeras páginas del comic:
Transformers es de largo el mejor comic que estoy leyendo en la actualidad. Imprescindible.
PUNTUACIÓN: 8.5/10
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La franquicia de Un lugar tranquilo crece con Un lugar tranquilo: Dia 1, película dirigida por Michael Sarnoski (Pig) que nos cuenta el primer día de la llegada de esta especie alienígena a Nueva York.
PUNTUACIÓN: 7.5/10
Una mujer llamada Sam trata de sobrevivir a una invasión en la ciudad de Nueva York por criaturas alienígenas sedientas de sangre con oídos ultrasónicos.
Esta película es una continuación de la franquicia de Un lugar Tranquilo planteada a modo de precuela, teniendo lugar antes de los sucesos que vimos en Un lugar tranquilo (2018) y Un lugar tranquilo 2 (2021), ambas dirigidas por John Krasinski.
Michael Sarnoski es un cineasta estadounidense conocido sobre todo por escribir y dirigir la película Pig (2021) protagonizada por Nicholas Cage. A partir de una idea suya y de John Krasinski, Sarnoski escribe el guion además de dirigir esta película de 99 minutos de duración y 67 millones de presupuesto. En el apartado técnico tenemos a Pat Scola como director de fotografía, Gregory Plotkin y Andrew Mondshein en el montaje y Alexis Grapsas en la música.
La película está protagonizada por Lupita Nyong’o en el papel de Sam, una mujer con una enfermedad terminal durante las primeras fases de una invasión de la ciudad de Nueva York por criaturas extraterrestres con un agudo sentido del oído. El reparto incluye a Joseph Quinn como Eric, un superviviente del primer ataque que se encuentra por casualidad con Sam, Alex Wolff como Reuben, un enfermero que cuida de Sam en el hospicio donde vive, y a Djimon Hounsou retomando su papel de la segunda película.
Me ha gustado ver con mi hijo Un lugar tranquilo: Día uno. La película juega muy bien con las reglas marcadas en las dos películas previas en lo relativo a las habilidades de los alienígenas, sus fortalezas y debilidades. Y el cambio de una ambientación de campo a la gran ciudad funciona super bien a la hora de transmitir la idea de amenaza continua y que en cualquier momento los personajes pueden morir.
Escribiendo estas líneas he descubierto que la película se rodó en Londres aunque está ambientada en Nueva York. Y tengo que decir que no se nota en absoluto. De hecho, viendo las imágenes estaba convencido que algunas partes de habrían rodado en la Gran Manzana. Por cierto, pensando en el presupuesto de la película, la verdad es que los apenas 70 millones invertidos lucen de maravilla en pantalla. No cabe duda que un factor clave de los últimos avances tecnológicos ha debido ser el abaratamiento del coste de muchos elementos, empezando por el diseño de los aliens. En una película de este tipo los aliens casi siempre están en segundo plano y no acaba de vérseles bien, pero hay varios planos que si se les ve bien y lucen peligrosos y aterradores, lo que deben ser. Creo que el director Michael Sarnoski hace un trabajo estupendo a la hora de plantear una tensión siempre presente que marca a los protagonistas y a los espectadores.
Lupita Nyong’o hace un trabajo más que correcto al convertirse en nuestros ojos y oídos cuando llega el ataque. Otro éxito de Sarnoski es situar la historia a nivel de la gente normal, un poco como lo que hizo Steven Spielberg en La guerra de los mundos, una película que ha marcado muchísimo a directores de género posteriores. Un lugar tranquilo Día uno no es un blockbuster de héroes luchando contra los aliens, sino de gente corriente intentando sobrevivir a duras penas frente a un enemigo superior contra el que no tienen la menor oportunidad. Nyong’o está bien, dentro que en muchos momentos la vemos de espaldas mientras camina por la ciudad o rodeada de una nube de polvo en la potentísima escena inicial con la llegada de centenares de aliens a la ciudad de Nueva York. Sin embargo, en los momentos emotivos, Nyong´o demuestra lo buena actriz que es. Joseph Quinn, Alex Wolff o Djimon Hounsou están también muy bien dentro de los papeles que tienen en la película, sabiendo transmitir su humanidad en los minutos que están en pantalla.
Se que no es correcto intentar sobreanalizar Un lugar tranquilo: Día uno, porque la película es lo que es. Sin embargo, no dejaba de pensar en el gran pecado de base de esta franquicia que es la trampa relativa a las habilidades de los aliens sin la cual no hay historia. Y es que tenemos a unos aliens ciegos que todo lo hacen con el oído, que les sirve para localizar a sus presas. Pero no hablamos de una habilidad tipo «radar» de Daredevil que le muestra el mundo a su alrededor, porque entonces verían a los humanos y les atacaría aunque no hicieran ruido. Estos aliens atacan como toros a cualquier cosa que haga ruido, de forma que por ejemplo cuando llegan a Nueva York la sobrecarga sensorial debería haberles dejado funcionalmente «ciegos», al tener demasiados ruidos a su alrededor que les impedirían poder atacar a nadie.
Se que siendo estricto con esto no habría película, pero no dejaba de pensar que entre esto y su imposibilidad de nadar, vemos como un alien muere ahogado, en realidad estos aliens no deberían haberse podido hacer con el control del planeta como vimos en la primera película. La posibilidad de crear trampas de sonido a los que unieran explosivos plantea una forma más que sencilla en la que los aliens podrían ser derrotados. Pero claro, entonces no habría película. Dicho esto, en realidad este detalle no me impidió disfrutar de la película, cosa que hice gracias a los grandes momentos que tiene y a cómo no deja un segundo de respiro. Pero a la vez, consigue crear a unos protagonistas que me importan y me preocupo por ellos.
Y dentro que es una película que por su propia premisa no puede tener un final feliz en el que la gente vence a los aliens, dado que sabemos que meses más tarde cuando empieza la primera película controlan grandes porciones del planeta, me gusta la forma en que plantean una línea de esperanza para los personajes que sobreviven. Como digo, creo que Michael Sarnoski hace un trabajo estupendo y acierta en casi todo lo que plantea, entregando una película super entretenida que me ha dejado con ganas de más.
Por cierto, dado su presupuesto ajustado y a que recaudó casi 100 millones en su fin de semana de estreno, parece claro que Un lugar tranquilo: Día 1 apunta a que puede ser otro éxito de taquilla para la franquicia, lo que abriría la puerta a que puedan hacerse más películas cuando encuentren la historia adecuada. Cosa que no dudo que vaya a pasar.
Comparto el trailer de la película:
Un lugar tranquilo: Día 1 es una película estupenda que sabe en qué liga juega y nos ofrece un entretenimiento de primer nivel.
PUNTUACIÓN: 7.5/10
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Gracias a mi amigo Félix me metí en una máquina del tiempo hacia los años 90, al dejarme el primer volumen de la edición que Planeta Comics ha publicado de Savage Dragon, el mítico comic de Erik Larsen publicado en Image Comics que sigue publicándose en USA.
PUNTUACIÓN: 7.5/10
Un cómic histórico.
Chicago. Un genio criminal llamado OverLord controlaba la ciudad con aterrador puño de hierro. El tradicional cuerpo de policía estaba perdiendo la batalla contra OverLord y sus superengendros. Entonces ocurrió un milagro. Cuando lo encontraron, no tenía recuerdo alguno sobre su pasado. El teniente Frank Darling le ayudó a encontrar una identidad y una vida. Ahora tienen la oportunidad de luchar. Ahora tienen a… Dragon.
Este primer volumen de Planeta en tapa dura de 440 páginas recopila los números 1 a 5 de la miniserie original, THE DRAGON, y los números 1 a 8 de la serie regular, SAVAGE DRAGON. Además, el volumen viene con una enorme sección de extras, desde bocetos, portadas y diseños de Erik Larsen, además de una introducción de Robert Kirkman y unas reflexiones finales del propio Larsen.
Erik J. Larsen (Minnessota, 1962) es un dibujante, guionista y editor de cómics estadounidense. En la actualidad es el director financiero de Image Comics. A principios de la década de 1990 llamó la atención con su arte en la serie Spider-Man para Marvel Comics. En 1992 fue uno de los varios artistas que dejaron de trabajar para Marvel para fundar Image Comics, donde lanzó su serie de superhéroes Savage Dragon -una de las series de superhéroes propiedad de creadores más longevas- y fue editor de la empresa durante varios años.
Lo reconozco. Yo estaba allí cuando en 1991 la creación de Image Comics revolucionó la industria del comic mainstream americana. Mi yo lector de 17 años flipó con Youngblood, el primer comic de Image creado por Rob Liefeld que en esos momentos primigenios fue publicado en Malibú. Tras Youngblood llegaron Spawn, Wild C.A.T.s, CyberForce y, por supuesto, este Savage Dragon que empezó a publicarse en 1992. Y yo los compré todos. De hechos, las grapas USA de Savage Dragon siguen estando en casa de mis padres (no se si a estas alturas tendrán algún valor). Puede que hagan ¿20 años? desde la última vez que leí los comics que compré en su momento, porque creo que no seguí comprando más allá de la primera miniserie. De forma que este omnibus publicado por Planeta es a la vez un chute de nostalgia por la parte que ya había leído, y de descubrimiento por los comics que estoy leyendo, creo, por primera vez.
Y la verdad es que este Savage Dragon es un comic muy peculiar por muchos motivos. Empezando porque Erik Larsen es un dibujante increíble con un estilo super dinámico y espectacular. Larsen crea unos personajes con unos diseños super llamativos, tanto los héroes como los villanos. Además, sus mujeres son siempre voluptuosas y en algunos momentos tienen unas poses que se acercan peligrosamente a los comics eróticos. Si algo bueno tiene Larsen como creador es que sus comics son una gozada para el ojo y sus aventuras tienen siempre momentos super locos y espectaculares.
Sin embargo, dentro de las decisiones cuestionables que tomó Larsen, la primera y más «grave» fue la de hacer que en el mundo de Dragón pasara un mes entre comic y comic, como si fuera a la misma velocidad del mundo real. Esto es cuestionable porque provoca que en realidad la historia sea mínima y pasen muchas cosas fuera de la página. Por ejemplo, Dragón se convierte en policía en el primer número y casi a continuación en el segundo y tercero ya es un policía veterano y duro acostumbrado a la gresca. O qué decir cuando Dragon empieza a salir con su vecina y en el número siguiente es asesinada.
Dentro de la idea de historia mínima tenemos que en cada número Dragón se enfrenta a alguien, pero no hay presentación ni conclusión, la historia empieza en plena pelea y no hay caracterización ninguna, más allá de la locura que plantea para los diseños de los villanos. La amenaza en la sombra de Overlord nunca impacta como debería, porque este planteamiento de Larsen impide que haya una progresión dramática como en otros comics de la época. Anteriores o actuales.
Sin embargo, dentro de que la historia la encuentro flojilla, tengo reconocer que Savage Dragon es un comic super entretenido, y me lo he pasado genial con este chute de noventerismo en vena. Además, el ánsia de Larsen de crear un universo superheroico le provocó un impulso creativo al nivel (salvando las distancias) de los Stan Lee y Jack Kirby de la primera Marvel, al presentar casi en cada grapa uno o varios villanos y algunos héroes que acabarán formando su propio grupo, los Freak Force. Si el objetivo de cualquier comic de superhéroes es entretener al lector, este Savage Dragon transmite que Larsen también se lo pasó increíble creándolo. Y este entusiasmo también se contagia con la lectura de este primer volumen.
Comparto algunas páginas del comic:
Savage Dragon es un comic histórico que me ha devuelto a lo mejor de los años 90 cuando era un lector emocionado por la creación de Image Comics. Que un comic me devuelva esta sensación no puede ser malo.
PUNTUACIÓN: 7.5/10
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9 años después llega Del revés 2, continuación de la historia de la adolescente Riley y las emociones que viven en su cabeza. Unas emociones que se multiplican…
PUNTUACIÓN: 8/10
Secuela de ‘Inside Out’. Riley entra en la adolescencia y el Cuartel General sufre una repentina reforma para hacerle hueco a algo totalmente inesperado: ¡Nuevas emociones! Alegría, Tristeza, Ira, Miedo y Asco, con años de impecable gestión a sus espaldas (según ellos…), no saben muy bien qué sentir cuando aparece Ansiedad. Y parece que no viene sola. (FILMAFFINITY)
Inside-Out (Del revés) de Peter Docter fue una de las películas más originales de Pixar, que ayudó a cimentar cuando se estrenó en 2015 el standard de calidad y entretenimiento para todos los públicos del estudio. Han pasado 9 años para el estreno de esta continuación, que ha sigo dirigida por Kelsey Mann, un hombre de la casa que ha trabajado en storyboards y animación de numerosas películas del estudio, que debuta con esta película como director de largometrajes, con un guion escrito por Meg LeFauve y Dave Holstein a partir de una historia original de los dos.
La película de apenas 96 minutos de duración, una refrescante sorpresa, ha contado con un presupuesto de 200 millones, pero en dos semanas ha superado los 850 millones de recaudación, lo que significa el primer gran éxito de taquilla de una película de animación de Disney / Pixar desde el fin de la pandemia. Del revés 2 tiene fotografía de Adam Habib y Jonathan Pytko, montaje de Maurissa Horwitz y música de Andrea Datzman, que usa la melodía original de Michael Giacchino.
En las voces originales encontramos a Amy Poehler como Alegría, una emoción de color amarillo, Maya Hawke como Ansiedad, una nueva emoción de color naranja, Kensington Tallman como Riley Andersen, una niña de 13 años en cuya mente viven las emociones. Liza Lapira es Asco, la emoción verde, Tony Hale es Miedo, una emoción púrpura, Lewis Black es Ira, una emoción roja, Phyllis Smith como Tristeza, una emoción azul, Ayo Edebiri es Envidia, una nueva emoción cian, Lilimar como Valentina «Val» Ortiz, una popular jugadora de hockey del instituto de Riley, Grace Lu como Grace, la amiga de Riley, Sumayyah Nuriddin-Green como Bree, la amiga de Riley, Adèle Exarchopoulos es Ennui (aburrimiento), una nueva emoción índigo, Diane Lane como Mrs. Andersen, la madre de Riley, Kyle MacLachlan como Mr. Andersen, el padre de Riley, Paul Walter Hauser como Vergüenza, una nueva emoción rosa, y por último Yvette Nicole Brown como Coach Roberts, una entrenadora de hockey y directora del campamento de hockey de verano.
Del revés 2 me ha encantado. Reconozco que dentro que creo que es un peliculón, sólo he visto la primera parte un par de veces, por supuesto en el cine cuando se estrenó y otra vez cuando me suscribí a Disney+. Sin embargo, eso no es un problema, porque esta continuación te cuenta de forma impecable la situación dentro de la cabeza de Riley en los primeros minutos de película, permitiendo el disfrute a los adultos y a los niños y adolescentes que quizá estén entrando en este mundo por primera vez.
Por quitármelo de la cabeza de inicio, si tengo que ponerle un pero a Del revés 2 es que la historia es la misma que la de la primera película, al aparecer nuevas emociones con la adolescencia de Riley y la moraleja es que todas forman parte de nuestro ser y conforman nuestra personalidad y recuerdos. No se puede vivir siempre feliz, pero eso no es malo una vez entiendes que la vida es la suma de nuestros momentos buenos y malos. Lo cual es exactamente igual en ambas historias. Dicho esto, hay tanta emoción y todo está tan bien contado que la película me parece una delicia.
El cambio viene de la historia de Riley, que va a un campus de hockey e intenta ser aceptada por las mayores tras sufrir el shock de descubrir que sus amigas del colegio no irán al mismo instituto que ella. Y en paralelo, las nuevas emociones Ansiedad, Envidia, Vergüenza y Ennui alteran completamente el equilibrio interior de Riley. Pero la clave no es volver a la situación anterior, cosa que es imposible, sino en reconciliar todas estas emociones para que el yo interior de Riley sea feliz.
La animación de Del Revés 2 es lo que se espera de una película de Pixar: UNA MARAVILLA. El diseño de las nuevas emociones me flipa, por supuesto el de Ansiedad, pero también Vergüenza. Además, la mente de Riley con su banco de recuerdos, el basurero de recuerdos perdidos o la tienda de la Imaginación es chulísimo. Además, la forma en que representan cómo se forma la personalidad de Riley es otro hallazgo narrativo y visual alucinante. En este sentido, me gusta que la película muestre, como en la primera película, que Alegría está equivocada cuando descarta los recuerdos malos o que no son felices, al formarse nuestro YO con la suma de todas nuestras experiencias, buenas y malas.
Otro de las cosas que me han encantado es que la película cuenta una historia maravillosa en menos de 100 minutos, lo que hace que sea perfecta y no le sobre nada. Pensando que la industria del cine plantea muchísimas películas con una duración superior a los 150 minutos, es una novedad refrescante que te puedan entretener de esta manera con esta duración super ajustada.
Dentro que la película me ha gustado mucho, estoy seguro que con próximos visionados caeré en detalles que igual ahora no le di mucha importancia. La escena en la que aparecen las emociones de los padres de Riley, de nuevo un momento idéntico al de la primera película, me parece super divertido. Como lo es también las nuevas ideas, como el del Recuerdo Perdido. Todo el conjunto me parece maravilloso, y si no le pongo sobresaliente es porque como decía la historia básica es la misma que la de la primera película. Pero he salido maravillado de la película.
Del revés 2 significa el retorno de Pixar a la senda que enamoró a varias generaciones de espectadores, al plantear una película que genera una reflexión en los padres que sin embargo va a encantar a los más pequeños. Ojalá las próximas películas de Disney y Pixar no olviden esto y se centren en películas que sean ante todo ENTRETENIDAS. Y si además hay un mensaje positivo, mejor. Pero el mensaje no puede ir por delante del entretenimiento.
Comparto el trailer de la película:
Del revés 2 es una película maravillosa que merece verse en pantalla grande. De momento ya es LA PELÍCULA de este verano, y hay muchas posibilidades que sea la película de 2024.
PUNTUACIÓN: 8/10
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El visionado semanal de la cuarta temporada de The Boys en Prime Video me está dando un disfrute total. Hoy quiero comentar los episodios 4 y 5, emitido esta semana, y ya dejaré para una última reseña mis impresiones generales de esta temporada.
PUNTUACIÓN: 7.5/10
Episodio 4. La sabiduría de los siglos.
¡La VNN se complace en anunciar su nueva serie #BombaDeLaVerdad !¡Uníos a Firecracker, la presentadora, y a sus invitados famosos en el estreno de las 6 horas en directo en el que se revelará la verdad sobre Starlight y sus fiestas con Adenocromo!
Episodio 5. Cuidado con el Galimatazo, hijo mío.
¡Atención #superfans ! ¡Esta año en #V52 , no os perdáis a A-Train en vivo y en directo presentando un avance exclusivo de su impactante biografía: Entrenando a A-Train! V52: ¡Con la fuerza de los fans, para los fans!
Eric Kripke se mantiene como showrunner de esta cuarta temporada de The Boys, que va a tener una extensión de 8 episodios. Antes del estreno Prime Video confirmó que había dado luz verde a una quinta temporada, que empezarán a rodar en cuanto sea posible. Estos dos episodios han sido dirigidos por Phil Sgriccia y Shana Stein, y cuentan con guiones de Geoff Aull y Judalina Neira.
En el reparto tenemos como siempre a Karl Urban como William «Billy» Butcher y Antony Starr como Homelander. Junto a ellos están Jack Quaid como Hugh «Hughie» Campbell Jr, Erin Moriarty como Annie January / Starlight, Jessie T. Usher como Reggie Franklin / A-Train, Laz Alonso como Marvin T. «Mother’s» Milk, Chace Crawford como Kevin Moskowitz / The Deep, Tomer Capone como Serge / Frenchie, Karen Fukuhara como Kimiko Miyashiro, Nathan Mitchell como Black Noir II, Colby Minifie como Ashley Barrett, Claudia Doumit como Victoria «Vic the Veep» Neuman y Cameron Crovetti como Ryan, el hijo de Homelander.
Los nuevos personajes para esta temporada son Susan Heyward como Jessica Bradley / Sister Sage, una supes super inteligente que será reclutada por Homelander. Valorie Curry como Firecracker, una difusora de bulos de ultraderecha en internet que entrará a formar parte de The Seven, y Jeffrey Dean Morgan como Joe Kessler, un antiguo compañero de Butcher, completan el reparto en sus papeles principales. Y en el quinto episodio tuvimos la sorpresa de la aparición de Giancarlo Esposito como Stan Edgar, el antiguo CEO de Vought ahora en prisión.
The Boys está manteniendo un nivel brutal esta cuarta temporada. Un primer detalle que me gusta es que sus creativos plantean el episodio como unidad de medida narrativa, ofreciendo puntazos espectaculares en todos los episodios para varios de los protagonistas. En episodio 4 sobre todo destaca por la masacre que Homelander realiza en el laboratorio donde se crió. Y me gusta mucho que aunque claramente Homelander es un psicópata asocial muy peligroso, todo es consecuencia del maltrato que sufrió de niño mientras los investigadores realizaban todo tipo de tests dolorosos e intentaban condicionarle mentalmente. Homelander es una víctima, pero también es un potencial asesino de masas, y Antony Starr se sale como siempre en este episodio.
Los creativos no ocultan que The Boys es también una crítica hacia los republicanos y los americanos de creencias aún más a la derecha que éstos, como los evangelistas y demás sectas ultra religiosas. El programa de Firecracker contra Starlight es una burla hacia los programas religiosos que tiene bastante gracia. Y la cerdada de Firecracker de publicar el informe medico de la heroína contando al mundo que tuvo un aborto, calificándola como una asesina de niños, es un momento tremendo que sirve para visibilizar el drama que deben estar viviendo muchas mujeres en Estados Unidos que intentan abortar en estados que cada vez se lo ponen más difícil.
Hay mucho gore y mucho elemento exagerado en The Boys, es algo que está en su ADN, como vemos en este episodio con el estallido del poder de Butcher. Pero las críticas bestiales a la sociedad americana están claramente a la vista para todo el que lo quiera ver. Y además, los escritores emplean mucho tiempo en plantear tramas interesantes para los protagonistas. Tramas como la de Frenchie que hacen la pregunta de si una mala persona que ha asesinado a mucha gente puede lavar sus pecados o si merece el castigo eterno me parece muy interesante. Frenchie desde luego no cree que eso sea posible.
Starlight es la que peor lo pasa este episodio, al destapar Firecracker el momento más doloroso de su pasado, y aunque sabes que no debería, que le parta la cara a ostias es super satisfactorio. Aunque a la larga sea una mala idea que hace más mal que bien a su causa contra Homelander, que es precisamente lo que buscaba Sage cuando le dio el dossier a Firecracker.
Y luego está Hughie y su dolor ante la muerte inminente de su padre. Esta trama estaba siendo dolorosa para él pero quizá era la mas floja hasta el momento. Pero la cosa va a cambiar cuando A-Train le entrega un vial de compuesto V para que Hughie intente curar a su padre. Esto nos da un cliffhanger estupendo que nos puso los dientes largos de cara al quinto episodio.
Y es que en el episodio 5 todo lo relativo al padre de Hughie (interpretado como siempre por Simon Pegg), es tremendo. La alegría inicial al despertarse y mostrarse sereno y tranquilo en seguida cambia para convertirse en una pesadilla cuando el compuesto V provoca que se vuelva loco y empiece a matar gente en el hospital. Al final, Hughie ayuda a su padre a morir, y queda claro que el compuesto V es algo terrible, en ningún caso algo que pueda ayudar a la sociedad. Los Super en The Boys son peligrosos, y esto nos lo recuerda de forma salvaje.
El momento ligero y divertido viene de la búsqueda del virus que puede matar super (que fue presentado en Gen V) por parte del grupo de Butcher y MM, a los que se les une Victoria Neumann y la sorpresa del episodio del retorno de Giancarlo Esposito como Stan Edgar. Esposito siempre está bien, y la reunión con su hija nos da varios momentos muy chulos. Además, la lucha contra animales super poderosos de la granja que se han vuelto locos por el compuesto V ofrece escenas super gores y super divertidas que me tuvieron con la sonrisa en la cara todo el rato.
The Boys sirvió para que Garth Ennis y Darick Robert mostraran su odio contra los comics de superhéroes. Así que ver como la serie otra vez ridiculiza a Marvel Studios y a sus fans con la burla que hacen de las presentaciones que hacen en la SDCC de sus siguientes películas y series me lo tomo como una forma de ser coherentes con el comic original. Reconozco que algunas bromas me hicieron gracia, como cuando Ted Knight dice que habiendo pasado un año de su última película ya va siendo hora de hacer un reboot. Esto en realidad no lo ha hecho Marvel Studios sino más bien Warner, pero como digo las criticas a la industria me hacen gracia. Me hacen gracia dentro de ver el elemento tramposo de base, al tener un producto de una competidora (Prime Video) atacando a la competencia mientras hace lo mismo, crear spin-ofs para intentar ordeñar la vaca y alargar una serie que igual podría pensarse que debería haberse cerrado esta temporada en lugar de estar pensando en como alargar las tramas. No se me escapa que a pesar de todo lo macarras y punkis que se muestras, los productores y el creador son igual de corporativos que lo que dicen criticar.
Y luego tenemos lo que son las tramas principales de la temporada. Por un lado Butcher y Kessler no han conseguido el virus mata super pero si han secuestrado al científico que puede recrearlo, haciendo que Victoria Neumann piense que ha muerto, lo que sugiere que esta trama del virus va a ser importante no tanto en esta cuarta temporada sino en la quinta.
Y por otro lado tenemos a Homelander. Por un lado quiere convertirse en el Dios del planeta que gobernará a las pulgas humanas a sangre y fuego. Y parece que todos los miembros de The Seven, más la sorpresa de la aparición de los personajes de Gen V Sam y Emma, están con él. Sin descartar que Sage tenga sus propios planes al respecto. Por otro lado, aunque su hijo Ryan en el fondo es un buen chico que quiere ayudar a la gente, Homelander está pervirtiendo estás creencias haciendo que sus actos empiecen a ser amorales situándole por encima de la moralidad humana. Aunque podría decirse que esta trama avanza lentamente, en realidad yo no lo creo, porque estos 5 episodios me han gustado mucho y me hacen pasar siempre un rato estupendo.
Por todo ello, la verdad es que estoy disfrutando del visionado semanal de The Boys. Me entretiene, siempre tiene momentos gores y los protagonistas me importan y me fastidia que sufran como lo están haciendo. No le puedo pedir más a una serie de este tipo, y si te gusta las historias con gore y momentos over the top, creo que tú también lo pasarás bien.
Comparto el trailer de esta temporada:
No se si esto es más de lo mismo, pero The Boys sigue dando lo que mejor sabe, mucha macarrada, sátira y violencia extrema. He disfrutado mucho estos dos episodios, tengo que reconocerlo.
PUNTUACIÓN: 7.5/10
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¡Saludos a todos!
Repaso a mi Sci-fi favorito: comics, películas, TV y libros
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