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Crítica de Haunt vol. 2 de Robert Kirkman, Todd McFarlane y Greg Capullo (Image Comics – Planeta)

Tras el super entretenido volumen inicial de Haunt, el comic creado por Robert Kirkman y Todd McFarlane, continúo con la lectura del segundo volumen que cuenta con dibujo del siempre estupendo Greg Capullo.

PUNTUACIÓN: 7/10

Daniel Kilgore es arrastrado a la vida secreta de asesinato y espionaje de su hermano Kurt, del que estaba separado, por su fantasma. Sin entrenamiento alguno, guiado por el espíritu de su hermano agente secreto, Daniel ahora debe resolver el asesinato de su hermano y salvar al mundo, ¡o morir en el intento!

Este segundo volumen recopila los números 6 a 12 de la edición original de Image Comics, y fue publicado en febrero de 2011 en USA, siendo Planeta Comic quien se encargó de la edición española. El volumen presenta a GREG CAPULLO como dibujante completo, tras realizar sólo los bocetos del primer volumen.

Todd McFarlane sólo realiza las portadas de los números 6 y 7, además de la tinta de ambos números, dejando las tintas principales del resto de números a Jonathan Glapion, todo ello coloreado por Fco Plascencia. Capullo a su vez se encargó de las portadas de los números 8 a 12. La presencia de McFarlane en esos números quedó reducida a un testimonial “tintas adicionales en los números 8-12” y por supuesto a aparecer como creador del comic junto a Kirkman. Y sinceramente, creo que los lectores salimos ganando con el cambio, ya que siempre me ha parecido que Capullo es mejor artista y narrador que McFarlane. Ryan Ottley, que hizo el lápiz del primer volumen a partir de los bocetos de Capullo, desaparece completamente del comic, considerando el experimento del primer volumen finalizado.

El volumen comienza con un número autoconclusivo, el nº6, en el que vemos los sucesos principales del primer volumen contados desde el punto de vista de Mirage, el ambiguo personaje que apareció al final del arco. Y es super interesante que la primera página es un calco exacto de la primera página del número 1, pero cambiando los personajes, lo que indica la inteligencia de Kirkman a la hora de plantear sus historias y como los personajes comparten más cosas de las que se hubiera podido pensar inicialmente.

Los números 7 a 12 ya forman un segundo arco en el que Daniel Kilgore empieza a controlar sus habilidades y se encuentra a gusto con su nueva vida como agente secreto. Aunque obviamente quedan temas abiertos, el arco de Kirkman plantea un final satisfactorio al primer año de historias de Haunt, de forma que realmente con estos 12 números tienes una historia bastante cerrada.

Kirkman plantea Haunt como una historia de aventuras con altas dosis de ultraviolencia y gore, con cabezas cortadas casi en cada número, en la que vemos a Daniel explotar al máximo los poderes de Haunt mientras empieza a realizar misiones para la agencia. Haunt es un comic para adultos en el sentido que no es para niños debido al gore y la violencia explícita y a las altas dosis de sexualización de las mujeres que aparecen el comic. De alguna manera me viene a la cabeza la película de Deadpool para explicar el tipo de comic que plantean Kirkman, McFarlane y Capullo. NO hay temas complejos ni maduros, pero si mucha acción y mujeres ligeras de ropa en poses cuestionables desde una sensibilidad de 2021. Como cambian las cosas en tan sólo 10 años.

Pero que esto que os acabo de decir no os engañe. Porque si entras en la propuesta de Kirkman y Capullo, realmente estamos ante un comic super entretenido en el que pasan un montón de cosas, hay sorpresas todos los números y Daniel crece muchísimo como protagonista. Haunt es el ejemplo perfecto de comic que tiene claro qué tipo de historia es y a qué público se dirige, ofreciendo una diversión sin complejos que me resulta estupenda.

Y si encima está dibujado por Capullo, con tintas de Jonathan Glapion y color de Fco Plascencia, el comic ya justifica la compra sólo por disfrutar del arte que nos ofrecen. Me gusta el estilo de Ryan Ottley, la verdad, pero mucho más el de Capullo, y en este volumen nos ofrece un dinamismo en las escenas de acción increíble. Además, su caracterización de Daniel ya empieza a crear a un protagonista tridimensional por el que merece la pena preocuparse, de forma que el comic es un éxito total.

Como no puede ser de otra forma, Kirkman nos deja con un estupendo cliffhanger en el que se intuye que en el tercer volumen, el último de Kirkman y Capullo en la serie, conoceremos los detalles del origen de los poderes sobrenaturales que unen a los hermanos Kilgore. Haunt no es un comic que vaya a cambiarle la vida a nadie, pero si ofrece un super buen entretenimiento que podría tener su equivalencia en un blockbuster palomitero de acción veraniego.

Y sinceramente, me quedé con ganas de saber cómo sigue la historia en el próximo volumen. La semana que viene os comentaré mis impresiones, ya que mi hermano Fernando ya se hizo con él.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Crítica de Isola vol. 1 de Brenden Fletcher y Karl Kerschl (Image Comics – Planeta)

Gracias a mi hermano Fernando puedo leer el primer volumen de Isola, comic de fantasía escrito por Brenden Fletcher y dibujado por Karl Kerschl, con colores de MSassyK, editado por Planeta comic, que me ha parecido fantástico.

PUNTUACIÓN: 8/10

¿HASTA DÓNDE VIAJARÍAS PARA SALVAR A TU REINA Y EL DESTINO DE TU REINO?

Un malvado hechizo ha caído sobre la reina de Maar, y la capitana de su Guardia Real hará todo lo posible para revertirlo. Su única esperanza está en una isla en los confines del mundo: un lugar que en las leyendas recibe el nombre de ISOLA, la tierra de los muertos.

Una maravillosa serie de fantasía, obra de los aclamados creadores BRENDEN FLETCHER (autor superventas de Batgirl) y KARL KERSCHL (dibujante de Academia Gotham y ganador de un premio Eisner por The Abominable Charles Christopher). Recopila Isola #1-5 e Isola Preview Prologue.

Serie Image nominada a los Premios Eisner 2019 en tres categorías (portadista, serie nueva, dibujante). Fantasía épica con un toque colorido, imaginativa y fresca. Un cómic espectacular visualmente, comparado con el arte del Studio Gibli (Totoro, El Castillo Ambulante).

Este primer volumen fue publicado por Planeta comic en septiembre de 2020, y recopila los cinco primeros números de la serie regular editada por Image Comics, más el prólogo que apareció en las páginas de Motor Crush, comic creado por ambos autores editado también por Image. Planeta ha editado este pasado mes de julio de 2021 el segundo volumen también con 5 números USA, que de momento es todo lo que se ha editado hasta la fecha.

Brenden Fletcher es guionista de dibujos animados y comics, muchos de los cuales ha tenido la suerte de crear junto a su amigo de la infancia Kark Kerschl. Es conocido por su trabajo en títulos de DC Comics como Batgirl, Black Canary y Gotham Academy (con Kark y la colorista MSassyk), su aclamada serie Motor Crush en Image y unas cuantas cosas más por aquí y por allá para libros y televisión. Vive en Brooklyn (N.Y.) con su mujer y dos gatos.

Karl Kerschl lleva dibujando de forma profesional desde los dieciocho años. Ha trabajado en numerosos títulos para Marvel y DC, incluidos Superman, Flash, Deadpool, Spiderman, Jóvenes Titanes y Wonder Woman, además de ser el cocreador de la serie juvenil Gotham academy. Su webcomic en curso The Abominable Charles Chrisptpher ganó el Premio Eisner al mejor webcomic de 2011. Viven en Montreal con su familia, pero está orgullosos de haberse criado en Welland (Ontario).

El primer volumen de Isola me ha parecido fantástico. Para qué ocultarlo. Gracias sobre todo al dibujo de Karl Kerschl, que colabora con Brenden Fletcher en el guión siendo ambos co-creadores, y el color de MSassyk, Isola puede ser uno de los comics más bellamente dibujados que he leído en este 2021. En un mundo fantástico medieval donde la magia y los seres sobrenaturales existen, que tiene múltiples conexiones con la mitología japonesa y con el Studio Ghibli, una guerrera que falló en proteger a la Reina de Maar emprende una misión para intentar curarla de su maldición. El viaje que emprenden ambas mostrará un mundo distinto a todo lo que se puede encontrar en el mundo del comic. Un reino al borde de la guerra total debido a la desaparición de su reina en el que seres mágicos usan formas humanas para pasar desapercibidos y los humanos se convierten en animales por culpa de maldiciones.

Como comentaba, el dibujo de Kerschl me parece sencillamente espectacular. Un diseño de personajes chulísimo, una narrativa estupenda que acierta en las escenas de acción pero sobre todo en transmitir el dolor y el amor que sienten los personajes, y unas imágenes que parecen sacadas de un anime con unos fondos espectaculares que hacen que siempre veas donde está teniendo lugar la acción y donde se sitúan los personajes en cada momento dentro de ese espacio. La calidad del dibujo de Kerschl me ha volado la cabeza.

El color de MSassyK se convierte en parte fundamental del éxito del comic, aplicando una paleta que ayuda a resalta los estados anímicos de los personajes y ayudan a resaltar la personalidad de la historia sin molestar ni impedir que la lectura sea fluida.

Si tengo que ponerle un pero, diría que la historia empieza quizá demasiado lenta y sin dar la suficiente información, pero a medida que avanza este primer arco los lectores encontraremos todos los detalles relevantes que permiten que el comic sea super disfrutable. Entiendo que antes de empezar la publicación de Isola, Fletcher y Kerschl realizaron un importante trabajo de worldbuilding para crear este mundo complejo. Que la opción empleada para enseñárnoslo sea a partir de una historia “pequeña” con el viaje de las dos protagonistas, me parece un acierto que pone el foco y la empatía en ellos y consiguen que nos preocupemos por su destino.

En el lado positivo, haber tardado en leer este primer volumen, que se publicó en España el año pasado, hará que pueda leer casi todo lo publicado de un tirón, ya que el segundo volumen lleva varios meses disponible en las librerías. Sin embargo, saber que el segundo volumen se publicó en Estados Unidos a primeros de 2020 y en todo este tiempo no ha salido ningún numero nuevo hace que tema por la finalización de la historia. Espero que el segundo volumen sea al menos un buen cierre, aunque sea temporal, a la historia.

Comparto las primeras páginas de este comic:

Y como bonus-track, el trailer promocional que Planeta creó para la promoción de este comic el año pasado:

Tras leer este primer volumen de Isola, tengo unas ganas tremendas de leer el segundo, que Planeta editó en España este verano. Un comic que hará las delicias de todos los fans de las historias de fantasía.

PUNTUACIÓN: 8/10

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¡Saludos a todos!

Crítica de Haunt vol. 1 de Robert Kirkman, Todd McFarlane, Greg Capullo y Ryan Ottley (Image Comics – Planeta)

Saber que Robert Kirkman, Todd McFarlane, Greg Capullo y Ryan Ottley publicaron juntos un comic ya debería ser motivo suficiente para comprarlo y leerlo. El resultado, Haunt, comic publicado en Image Comics en 2009 y 2010 cuyo primer volumen quiero comentar hoy.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

¡Robert Kirkman y Todd McFarlane presentan Haunt! Dos hermanos, uno un sacerdote menos que perfecto, el otro un agente del gobierno, que luchan por llevarse bien pero rara vez se ponen de acuerdo en algo. Un accidente inesperado los obliga a trabajar juntos de formas que nunca creyeron posibles. Luchando con sus propios demonios personales, el sacerdote trabaja a regañadientes junto al espíritu de su hermano recientemente fallecido, que lo posee. Juntos, los hermanos forman un nuevo superhéroe, Haunt. Con el equipo artístico de Ryan Ottley, Greg Capullo y Todd McFarlane, con historia de Robert Kirkman.

Este primer volumen recopila Haunt # 1-5 USA, publicado originalmente en 2010 en Estados Unidos.

Haunt podría traducirse como “aparición”, pero también como “encantado / hechizado”, recordando su uso como adjetivo en expresiones como “haunted house” y similares del género de terror.

El nacimiento de este comic realmente es muy curioso, ya que Kirkman conoció a McFarlane en la San Diego ComiCon de 2006. En ese momento, Kirkman ya era conocido en el mundillo gracias a The Walking Dead e Invencible, que empezaron a publicarse en 2003, y por ser guionista de Marvel en comics como Marvel Zombies y Ant-Man, pero estaba lejos de ser el best-seller del comic mainstream de la última década a partir del estreno de la serie de televisión en 2010.

En una conferencia de McFarlane, Kirkman se metió en el público y le preguntó porqué no volvía al mundo del comic, ya que llevaba años centrado en el ámbito empresarial con su McFarlane Toys y el resto de sus negocios. McFarlane, que no reconoció a Kirkman, respondió que “Siempre he pensado que si has podido crear tu Mickey Mouse, ya está bastante bien. No tienes que crear también al Pato Donald a Goofy y a Minnie Mouse. Podría decirse que yo lo he hecho con Spawn. Tengo algunas ideas, pero no doy más de mi.” Tras la conferencia, el escritor de Image Brian Haberlin les presentó y encajaron lo sufiente como para quedar en intercambiar ideas a ver si podían trabajar junto.

En 2007, Robert Kirkman y Todd McFarlane anunciaron que estaban trabajando juntos en una nueva serie titulada Haunt que iba a ser lanzada a comienzos de 2008. Ese año, Kirkman explicó que la trama inicial de Haunt trata sobre Kurt intentando resolver su propio asesinato, pero retrasos en el dibujo provocaron el retraso de la salida del comic hasta 2009. En la convención de cómics de Nueva York de febrero de ese año, Kirkman ya pudo compartir una sinopsis, con una base de la historia centrada en “dos hermanos que se han odiado durante un largo tiempo y ahora tienen que interactuar porque uno de ellos ha muerto y su fantasma acecha al otro. Es un gran espectáculo de acción de ahí en adelante.”

Sin embargo, los meses pasaban y el comic de Haunt no acababa de salir, debido a interminables retrasos en el apartado artístico. No fue hasta octubre de ese año cuando salió el primer número de la serie, que con más de 50,000 ejemplares vendidos fue todo un éxito para Image Comics. Finalmente McFarlane sólo dibujó las portadas, limitándose a entintar los lápices de Ryan Ottley, que a su vez dibujó el comic a partir de bocetos de Greg Capullo. Todo ello con el color de Fco Plasencia. Este complicado elemento artístico indica el trabajo de los “estudios”, con Kirkman trayéndose a su colega Ottley de Invencible, mientras que McFarlane utilizaba a Capullo, colaborador habitual suyo que dibujó un porrón de comics de Spawn antes de su fichaje estrella por parte de DC para dibujar el Batman de Scott Snyder. Aunque el comic empezó muy fuerte comercialmente, el interés empezó a decaer una vez se comprobó que McFarlane realmente no dibujaba el comic sino que entintaba el trabajo de otro. La colaboración de Kirkman y McFarlane terminó tras 18 números, que han sido recopilados en tres volúmenes.

Entrando a valorar el primer arco de Haunt, estamos ante un comic de acción super punki que mezcla los superhéroes con el género de espías y el black-ops con altas dosis de ultraviolencia que es increíblemente entretenido.

Lo primero que me vino a la cabeza tras leer por primera vez en 2021 este comic de 2009-2010, es que ha sido un ejercicio de anacronismo alucinante. El único pero de Haunt es que realiza una sexualización brutal de la mujer, con unos planos de tetas y culos en primer plano, algo que podía ser normal hace 12 años pero que resultarían impensables de ver en un comic mainstream actual. No soy pudoroso y me encanta disfrutar de un buen dibujo o imagen de una mujer bella, pero hay viñetas de este comic que me dieron bastante vergüenza ajena mientras lo leía, con mujeres dibujadas en posturas casi porno. Este el es principal pero de este comic, la verdad. Si entras en el juego que plantean Kirkman y McFarlane, realmente es Haunt ofrece un entretenimiento super honesto y over-the-top que tiene claro qué tipo de comic e historia es y a qué público se dirige. Si hay algo que NO hace Haunt, es engañar al lector o no darle lo que vendía el concepto.

Sobre el propio concepto de HAUNT, no hay duda que bebe de fuentes claramente definidas. En este caso McFarlane y Kirkman copian descaradamente a Venom, añadiendo el detalle sacado de Spawn (que a su vez se apropiaba de muchos elementos de Batman) de hacer que el protagonista tenga un nivel limitado de poderes a partir de los cuales Daniel queda agotado e indefenso. En lugar del simbionte alienígena, la voz que oye el protagonista es la del espíritu de su hermano fallecido, que le protegerá y le ayudará a investigar su propia muerte dándole de alguna manera habilidades extraordinarias. Esto es a su vez una variación de la típica buddy-movie con personajes opuestos que se ven obligados a trabajar juntos, aplicado el filtro del cine de espías con organizaciones secretas tipo MI-5 o SHIELD.

Los protagonistas son el padre Daniel Kilgore, un sacerdote católico traumatizado tras una decepción amorosa que ahoga su vida miserable con el alcohol y el sexo con prostitutas. Un cura, si. La sutileza brilla por su ausencia, dejando claro desde la primera página que Haunt se plantea como una historia punki con temas que no serían admisibles en el típico comic de Marvel o DC, algo para lo que no hay duda que hay público que demanda este tipo de contenido. Su hermano es Kurt, un super agente secreto mezcla de Dutch de Predator con Ethan Hunt que corta cabezas con la misma facilidad que yo abriría una lata de coca-cola, y su muerte tras una misión exitosa dará paso a una cascada muerte y destrucción que pondrá de rodillas a la principal organización secreta del país. Los hermanos Daniel y Kurt no se soportan y hace años que no tienen relación, pero la muerte de Kurt hará que estrechen sus lazos de una forma que nadie podría haber previsto. El contraste entre los hermanos ofrece buenos momentos pero su comportamiento amoral en muchos momentos también impide que llegue a empatizar con ellos, y mucho menos con el resto del reparto.

Siendo como es un comic escrito por Kirkman, lo cierto es que Haunt plantea una historia super entretenida en la que están pasando un montón de cosas todo el rato y plantea giros, traiciones y la sensación que los hermanos no tienen en quien confiar y tienen las horas contadas. Todo ello planteado desde la acción y repleto de momentos super over-the-top que en ese momento sólo podían leerse en este comic. Como decía, no es una lectura sesuda ni lo pretende para empezar, y la sensación final con la que me dejó fue super satisfactoria, porque ha sido una montaña rusa de principio a fin. De hecho, parece mentira los giros que ha sufrido la historia en tan sólo cinco números, que nos dejó con un cliffhanger interesantísimo al final del volumen.

Una vez superado lo raro que es ver un comic con bocetos de Greg Capullo, lápices de Ryan Ottley y tintas de Todd McFarlane, dado que son tres fuera de serie que cualquiera de ellos por separado ya justifican la compra del comic en que trabajen, la verdad es que el comic visualmente luce increíble. De hecho, de los tres Todd es para mi el más flojo o con el que menos conecto, reconociendo por supuesto su importancia histórica dentro del comic mainstream USA. Las páginas tienen el punto de vista visual de Capullo para los puntos de cámara y en las caras se nota el lápiz de Ottley a pesar de la tinta posterior de McFarlane.

Dado el nombre y origen sobrenatural del personaje, McFarlane plantea un diseño de Haunt que parece salido de un slasher de Halloween. Y en mi opinión no acaba de acertarlo, la máscara que deja abierta la boca queda rara, la elección cromática no hace que el personaje tenga nada icónico que recordar y el ectoplasma parece demasiado el fluido de las telarañas de Spiderman sin serlo, dejando demasiado claras las referencias. Todo ello hace que el conjunto cojee un poco y no luzca todo lo chulo que me hubiera gustado.

Desde la sexualización (sin enseñar nada explícito) a la ultraviolencia y los villanos super desfasados, se nota que el planteamiento era publicar un comic que llegara más lejos que la competencia, algo en lo que Kirkman repitió años más tarde en Die! Die! Die! junto a Chris Burnham. Y la verdad es que este comic de Haunt me ha resultado super entretenido, aunque los detalles antes comentados impiden que me volara la cabeza. Pero sin duda lo suficiente como para querer saber cómo termina la historia.

Comparto las primeras páginas del comic:

El primer volumen de Haunt de Kirkman, Capullo, Ottley, McFarlane y Plascencia ha resultado un experimento curioso y muy entretenido. Sabiendo lo que vas a ver, el objetivo de entretenimiento está más que conseguido.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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¡Saludos a todos!

Crítíca de Marvel vs DC, 50 años de guerra editorial de Reed Tucker (Planeta Comics)

Dentro de mi afición a los comics de superhéroes, sobre todo de Marvel y DC, el salseo siempre ha sido una fuente de diversión complementaria. Leer Marvel vs DC, 50 años de guerra editorial de Reed Tucker, editado por Planeta, ha sido una espectacular fuente de información sobre las relaciones de ambas editoriales a lo largo de casi medio siglo, escrito con un toque de humor irónico con el que conecté del principio a fin que hizo que prácticamente me leyera este libro en una sentada.

PUNTUACIÓN: 8,5/10



SON LOS DOS TITANES DE LA INDUSTRIA DEL COMIC, la Coca Cola y la Pepsi de los superhéroes, y durante más de 50 años Marvel y DC han estado enzarzadas en una épica batalla por la supremacía en el negocio del spandex. Lo que está en juego no son solo las ventas, sino la relevancia cultural y los corazones de millones de aficionados.
Para muchos devotos, Marvel está ahora en la cima. Pero durante gran parte de principios del siglo XX, DC fue la líder indiscutible tras el lanzamiento del género del superhéroe americano con la publicación en 1938 de la serie de Superman de Joe Shuster y Jerry Siegel. Los títulos de DC vendían millones de ejemplares cada año, y casi todos los norteamericanos estaban familiarizados con sus icónicos personajes. Superman, Batman, Wonder Woman… DC los tenía todos. Y entonces, en 1961, una advenediza editorial apareció de la nada para sacudirle un bofetón en los morros a la poderosa DC. Con la publicación de Fantastic Four n.º 1, Marvel cambió la forma de hacer superhéroes. El guionista y editor Stan Lee, el artista Jack Kirby y los talentosos miembros del Bullpen de Marvel desplegaron una serie de deslumbrantes nuevas creaciones, entre las que se incluyen Avengers, Hulk, Spider-Man, X-Men e Iron Man. El auge de Marvel dividió para siempre a los aficionados en dos tribus enfrentadas. De repente, la pregunta más reveladora que podías plantear a un amante de los superhéroes pasó a ser, “¿Marvel o DC?”.

MARVEL VS DC, el primer libro que relata la historia de este épico enfrentamiento en una única y detallada narración, es la historia de la mayor rivalidad corporativa jamás contada. Con entrevistas a los nombres más destacados de la industria, MARVEL VS DC revela el arsenal de argucias que las editoriales han utilizado en su empeño por aventajar a la competencia, ya sea robar ideas, birlar empleados, colocar espías, plagiar personajes o decretar guerras de precios. La contienda jamás ha llegado a desaparecer por completo, y hierve a fuego lento hasta el día de hoy. En todo caso, con los personajes de DC y de Marvel convirtiéndose en iconos globales valorados en millones de dólares, nunca ha habido tanto en juego.

Reed Tucker es periodista free-lance y autor que escribe principalmente sobre cultura popular y entretenimiento. Su trabajo ha aparecido en New York Post, Esquire, Fortune y USA Today, entre muchos otros. Se graduóo en la Universidad de Nort Carolina en Chapel Hill. Vive en Brooklyn, N.Y.

La disputa de los Marvel Zombies y los DC Maniacos solía estar dominada por el típico “¿Quién es más fuerte, Superman o Hulk?” Sin embargo, más allá de las disputas que tuviéramos de críos, descubrir en este libro el origen de los históricos desencuentros entre ambas editoriales en los que millones de dólares y el ser la editorial más importante de comics en Estados Unidos me ha parecido una pasada.

Reed Tucker plantea una profunda investigación sobre esta cuestión y para ello ha hablado con numerosos profesionales de ambas editoriales que vivieron esta rivalidad en primera persona, además de estudiar numerosísimas fuentes bibliográficas. Comprobar el final del libro las más de 20 páginas de notas en las que indica las fuentes de las que ha sacado numerosas frases literales me ha volado la cabeza. Además, esta opción de hacer que la historia la cuenten los actores vivos que estuvieron allí hace que la lectura sea más amena y la dota de mayor relevancia académica.

Lo mejor de este ensayo es que además de ser super interesante por la información que da, es super fácil de leer y Tucker lo cuenta todo con mucha gracia y una fina ironía con la que he conectado desde la primera página. Leerle en la introducción su opinión sobre la horrenda Batman v Superman de Zack Snyder ya me indicó que era una persona cabal e inteligente con la que iba a conectar. Cosa que por supuesto acabó sucediendo. Aparte de la broma, lo cierto es que este libro no reparte carnets de buenos y malos, y Tucker no se posiciona (como no podía ser de otra forma) sobre qué editorial es mejor o quien tenía razón. Porque sería absurdo y aparte, porque ambas han hecho a lo largo de los años muchas cosas bien y otras que no lo eran tanto. El relato cronológico permite conocer las interioridades de ambas editoriales y la forma en que ambas desarrollaban su actividad, y el inevitable rumbo de colisión en el que se enzarzaron cuando una joven Marvel controlada por Stan Lee empezó a ganarle terreno a la hasta ese momento poderosa DC. Las 340 páginas de historia están llenas de anécdotas y situaciones buenísimas que valen su precio en oro.

Decir que Stan Lee, Jack Kirby, Steve Ditko y el resto del Marvel Bullpen produjeron comics que conectaron con el público de los años 60 mejor que DC no es ponerse del lado de Marvel, sino indicar una realidad histórica. Como lo es que sin la DC de los 80 no se hubiera producido el salto de calidad del medio hacia contenidos más adultos e interesantes que permite ahora en 2021 disfrutar de una edad de oro en lo referido a variedad y calidad de la oferta disponible a nuestra disposición. Eso si, leer el libro me permitió recordar lo gilipollas que era Bill Jemas y lo chunga que fue la campaña de insultos que organizó contra DC como forma de realizar una campaña publicitaria que hiciera que los fans volvieran a acordarse de Marvel.

La vertiente personal y el business son dos caras de la misma moneda, y es refrescante ver la forma en que analiza cómo los cambios en una faceta provocaban también desencuentros en la otra. Recordar como los cambios en la propiedad de Marvel Comics provocó una espiral de búsqueda de benefició a toda costa que acabó provocando el crack en los años 90 me ha gustado mucho. Y no es que DC estuviera libre de pecado, claro. Como también que se recuerde que ahora mismo los comics de Marvel y DC son una pequeña parte del pastel del sector del entretenimiento, sin duda de las menos rentables.

Otro elemento muy chulo, además de poder leer todas las anécdotas que aquí se resumen, es poder tenerlo todo en un único volumen, ya que conocía algunas de las situaciones que aquí se cuentan, y muchas de hecho las viví en directo cuando era un lector habitual de web como CBR, Newsarama o Bleeding Cool. Poder tener toda esta información y estas anécdotas en un único libro en mi librería para poder revisar siempre que lo necesite es sin duda otro gran plus de la compra de este libro.

El único pero de este estupendo libro ha sido descubrir que el libro fue editado originalmente en 2017 en Estados Unidos. Que haya tardado cuatro años en ser editado en España provoca que me haya quedado con la miel en los labios ante los choques y desencuentros que se han producido en los últimos años que lógicamente no pueden estar incluidos en el libro. Por no hablar de las locuras producidas a partir del Snyder-Cut de Justice League. En todo caso, tener estos más de 50 años de historia resumidos aquí es una pasada.

Entenderéis que si este es el único pero del libro, la cosa pinta muy bien, y lo cierto es que este Marvel vs DC me ha encantado. Una lectura obligada para todos los fans de los comics de superhéroes a los que les guste la intra-historia de la industria.

PUNTUACIÓN: 8,5/10

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Crítica de Groo vs Conan de Sergio Aragonés (Planeta)

Volver a leer un nuevo comic de Groo de Sergio Aragonés es garantía de disfrutar de una lectura divertidísima. Y si en este caso tenemos el crossover con Conan, el resultado es una pasada super recomendable.

PUNTUACIÓN: 8/10

Robert W. Howard (Conan) y Sergio Aragonés (Groo) unidos en este cómic de culto.

Dos hombres… tres espadas… ¡un solo cerebro! Vale, puede que cerebro y medio, pero siendo generosos. Conan es el guerrero intrépido que todos admiran. Groo es el guerrero inútil que nadie admira.

Solo en el extraño cerebro de Sergio Aragonés podría cruzarse el camino de estos dos guerreros tan dispares ¡su camino y sus espadas! Thomas Yeates presta su gran talento ilustrativo y Mark Evanier hace lo que sea que se dedique a hacer para contar historias ¡en estas páginas en las que la farsa irresistible se ha topado con el inmóvil objeto de adoración!

Tomo recopilatorio en tapa dura de 112 páginas que recoge Groo vs Conan # 1-4 USA, publicado por Dark Horse.

Sergio Aragonés Domenech (San Mateo, Castellón, 1937) es un dibujante de cómics nacido en España, con nacionalidad mexicana. Dibujante de la revista MAD, es también es autor de su propia historieta, Groo, sobre un guerrero no muy inteligente. Groo fue el primer comic book publicado en Estados Unidos por una editorial mainstream en el que el autor conservó la propiedad legal sobre el personaje. Actualmente reside en California.

Aragonés creó el personaje de Groo a finales de los setenta. Sin embargo, en ese momento ninguna editorial permitiría a los creadores conservar los derechos de sus personajes, y Aragonés no quiso ceder esos derechos. La primera aparición del personaje fue en 1981, en el especial Destroyer Duck 1 de Eclipse Comics, editado para recaudar dinero para ayudar a un creador en un problema legal. Tras aparecer como complemento en Starslayer #4, Pacific comics publicó en 1982 la que fue primera serie del personaje, que duró tan sólo 8 números por los problemas financieros de la editorial.

Tras varios vaivenes, Sergio Aragonés recaló en el sello Epic de Marvel Comics, que publicó 120 números de Groo en las décadas de los 80 y 90. Tras los problemas de la Marvel de los 90, Aragonés movió su creación primero a Image, y posteriormente a Dark Horse, que es quien publicó este especial en 2014.

Recuerdo comprar los comics de Groo publicados en España inicialmente por Forum. Su estilo humorístico era diametralmente diferente a todo lo que leía en ese momento, con unas páginas muy de tira cómica en la que siempre hay dos gags en cada escena (o más), por un lado el dialogado, con un humor buenísimo a costa de las pocas luces de Groo, y luego el gag visual, con un montón de situación sucediendo en segundo plano detrás de Groo además de la propio tontuna del protagonista.

Una vez Groo cerró su publicación en España entiendo que debido a las bajas ventas, fui comprando los comics en inglés de Sergio Aragónes que fui encontrando, teniendo un recuerdo buenísimo de las miniseries “Sergio Aragonés Masacra Marvel” y “Sergio Aragonés destruye DC”. Sin embargo, el salto a Dark Horse y que dejara de salir más o menos regularmente pasando al formato de miniserie hizo que le perdiera la pista al personaje. Y la experiencia lectora ha sido como volver a encontrarte a un viejo amigo, con el que conectas incluso antes de empezar a hablar.

Aragonés es un historietista consumado conocido por su rapidez para dibujar. Debido a su ascendencia española / mexicana y a sus problemas con el inglés, Aragonés empezó a colaborar con Mark Evanier muy pronto en su carrera, de forma que él dibujaba la historia y Evanier escribe luego los diálogos. Si las páginas de Aragonés son ya una pasada por si mismas, Evanier añade un fino humor irónico para todos los públicos que hacen que la lectura te tenga con la sonrisa en el rostro de principio a fin.

En este Groo vs Conan tenemos además la interesante novedad de tener a Aragonés dibujando la parte de la historia de Groo, y al veterano artista Thomas Yeates (dibujante clásico de Conan, Príncipe Valiente o Tarzán) dibujando a Conan y las partes ambientadas en su mundo, teniendo numerosas viñetas en la que ambos interactúan con resultados buenísimos, mucho mejor de lo que pensaba a priori.

Además de mezclar los mundos de Conan y Groo, Aragonés y Evanier plantean una historia ambientada en el presente que comparte temática. En ambos casos, un poderoso quiere destruir un pequeño negocio local y Groo y Conan por un lado, y Aragonés y Evanier por otro, intentarán impedirlo. Las similitudes en ambas historias y las divertidísimas situaciones que plantean convierten la lectura en un éxito total. Yo mismo reconozco que a veces minusvaloro la valía de comics (u otras obras) de humor, pero tengo que reconocer que este comic me ha llegado en un momento personal en el que realmente he agradecido este humor blanco y el buen rato que me ha hecho pasar.

Otro motivo del éxito del comic es la forma en que nos cuenta las diferencias entre ambos bárbaros y cómo Conan descubre que es imposible derrotar a un idiota que no realiza sus acción con lógica ni intención. Además, como buen humorista, me gusta que a la típica pregunta de ¿quién ganaría…? no da una única respuesta sino varias, a gusto de todos los lectores. Esto genera también nuevos gags que consiguen que la lectura no resulte redundante o repetitiva.

Me ha gustado mucho este Groo vs Conan, no me importaría para nada que Planeta siga publicando las historias que sigan inéditas en España. Por cierto, seguro que de hecho ya habrán publicado comics de Groo que se escaparon a mi radar, creo que voy a tener que buscarlos.

Groo vs Conan me ha parecido un comic chulísimo que me ha puesto de nuevo en contacto con la obra de Sergio Aragonés. Ya adelanto que seguro que no será la última compra que haga.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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