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Crítica de Send help (Enviad ayuda) de Sam Raimi

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Sam Raimi es un director cuyas películas entran en la lista de visionado obligado. Send Help, protagonizada por Rachel McAdams y Dylan O´Brien, es un éxito absoluto que posiblemente sea la película más divertida, asquerosa y disfrutona que veré en este 2026.

PUNTUACIÓN: 9/10

Después de que un accidente de avión deje varados en una isla remota a una competente empleada y a su insoportable jefe, ella deberá utilizar sus habilidades de supervivencia para mantenerlos a ambos con vida, a pesar de su difícil relación.

Sam Raimi (Michigan, 1959) es un director de cine y productor. Es mundialmente conocido por ser el director de la trilogía de original de Spider-Man (2002-2007), pero es además uno de los grandes nombres del terror de los años 80 gracias a su serie de Evil Dead. Antes de Spiderman dirigió la estupenda película de superhéroes Darkman (1990) antes que existiera siquiera el género y el thriller policíaco neo-noir Un plan sencillo (1998). Tras romper con Sony (o más concretamente, Sony rompió con él) dirigió la muy destacable película de terror Drag Me to Hell (2009) y la no tan acertada Oz the Great and Powerful (2013) para Disney. Raimi estuvo varios años sin dirigir una película hasta que volvió por la puerta grande dirigiendo Doctor Strange en el multiverso de la locura. En este periodo, se mantuvo como productor de numerosas películas o series, por ejemplo tenemos ese milagro hecho serie que fue Ash vs. Evil Dead, o la brillante Posesión infernal: El despertar.

Send help cuenta con un guion de Damian Shannon y Mark Swift. La película de 115 minutos de duración cuenta con música del mítico Danny Elfman, con fotografía de Bill Pope y montaje de Bob Murawski. Con un presupuesto de 40 millones de dólares, se ha rodado en localizaciones en Sidney, Tailandia y Los Ángeles.

En el reparto encontramos a Rachel McAdams como la gran protagonista: Linda Liddle, una trabajadora del Departamento de Planificación y Estrategia de una empresa de gestión financiera y entusiasta de la supervivencia. Dylan O’Brien es Bradley Preston, el recién nombrado director ejecutivo de la empresa de gestión financiera donde trabaja Linda. Edyll Ismail como Zuri, la prometida de Bradley, Xavier Samuel como Donovan, un compañero de trabajo de Linda al que Bradley asciende en lugar de a ella, y Chris Pang como Chase, uno de los miembros del círculo íntimo de Bradley, completan el reparto en sus papeles principales.

Sam Raimi es un maestro en lo suyo. Send help (Enviad ayuda) es un despliegue narrativo que me conquista desde el primer fotograma. La película se plantea como una historia de supervivencia al caer en un isla desierta dos personas que no pueden ser más diferentes entre si. Rachel McAdams es Linda Liddle, una increíble trabajadora pero sin don de gentes y un poco desastrada, que ha sufrido el golpe de ver cómo el ascenso que le prometió el anterior gerente le es robado por el nuevo jefe, el hijo del anterior CEO fallecido, Bradley Presto (Dylan O´Brien).

La narrativa de Raimi es el principal éxito de la película, y lo que consigue que la película se salga de lo común. El director de Posesión infernal nos regala algunos de los momentos más sangrientos y asquerosos que creo que veré este año en una sala de cine. Unos momentazos que provocaron una risa salvaje entre los espectadores que estábamos en el cine. Sólo por esta mezcla de asco y diversión merece la pena ver la película.

Pero no es sólo el exceso de sangre y otros fluidos, la narrativa de Raimi es sobresaliente. Sus planos son increíbles y aparte de sacar todo el partido a las localizaciones naturales, consiguen amplificar la sensación de paranoia y de no saber qué va a pasar a continuación. Además, tenemos un Raimi juguetón que juega todo el rato con el tono de la película, alternando el survival con el humor negro con un thriller conspiranoico en el que no sabes quien es el bueno y quien el malo. O si ese concepto es siquiera aplicable.

Para esta estudiada ambigüedad, Rachel McAdams y Dylan O´Brian están perfectos. En especial McAdams es una protagonista espectacular. Linda Liddle es una mujer por la que sientes pena inicialmente, pero que cuando llegan a la isla sufre un cambio brutal, siendo a partir de ese momento la que dominará todas las situaciones y que sacará a relucir una vena casi psicótica cuando querrá pagarse algunas cuentas pendientes.

Por su parte, Bradley Preston pasa de ser un jefe un poco despótico movido sólo por lo superficial que se convertirá en víctima tras sobrevivir al accidente de avión pero estar herido en un primer momento. Sin embargo, que seas una víctima no te convierte en el «bueno», como también descubriremos durante la película.

Como buen thriller, Send Help tiene un montón de sorpresas a lo largo de su metraje. Algunas son muy locas, pero en realidad con el tono de humor que Sam Raimi imprime aceptas sin problemas algunas de las locuras que iremos descubriendo. Por cierto, hablando del tono, la música de mítico Danny Elfman es perfecta, transmitiendo lo que Raimi necesita en cada momentos.

Normalmente busco siempre cosas positivas y negativas de cada obra que analizo. Y en realidad Send help me ha parecido una película perfecta. La diversión que me ha dado me ha recordado el disfrute de  Ash vs. Evil Dead, o Posesión infernal: El despertar. Aunque sobre todo esta segunda era más terror puro y en Send Help la comedia negra está presente la mayoría del tiempo. Pero pensando en ello, es cierto que Sam Raimi es un director muy particular, o que podría provocar que más de un espectador no conecte con su propuesta. No es mi caso, ojo, pero puedo imaginar que podría suceder.

Da gusto ver una película de un maestro contador de historia como es Sam Raimi. Nadie tiene la sensibilidad de Raimi, ver Send Help ha sido un éxito alucinante que me ha hecho pasar uno de los mejores ratos en una sala de cine en muchos años.

Comparto el trailer de la película:

Send help (Enviad ayuda) es un éxito absoluto. ¡Qué bueno es Sam Raimi!

PUNTUACIÓN: 9/10

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Reflexiones de Domingo 03/2025: Podcasts y lectura de comics Marvel clásicos

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¡Feliz domingo! Hoy quiero comentar sobre mi lectura de comics clásicos de Marvel Comics que completan mi biblioteca, y de los podcasts en los que he participado este pasado mes de enero.

La Tierra Salvaje 7X01. ROM

Fue un placer unirme a Eladio, Matías, Lázaro para analizar en La Tierra Salvaje los dos tomos que Panini ha publicado hasta la fecha de ROM, el Caballero del Espacio de Galador. Sus aventuras cazando a los espectros espaciales son puro Marvel de los años 80, y Bill Mantlo y Sal Buscema son el ejemplo perfecto de los estupendos creadores que trabajaron en Marvel Comics en esos años. Unos autores que no llegan a la categoría mítica de los John Byrne, Chris Claremont, Frank Miller, John Buscema, Jim Shooter o Walter Simonson, pero sin los que Marvel no hubiera podido crear los comics maravillosos de esos años. Disfruté mucho de estos comics, y tengo que darle las gracias a Eladio por plantearme este tema y animarle a leerlos.

El Colmo 7×04 Avatar y Stranger Things

Los amigos de El Colmo nos juntamos para hablar de los 2 grandes éxitos del mainstream comercial de estas navidades. Avatar: Fuego y Ceniza de James Cameron, y la quinta temporada de Stranger Things estrenada en Netflix con la que los hermanos Duffer terminaron la historia. En ambos casos, hablamos de una película y una serie de televisión que han hecho historia y han marcado a una generación de espectadores.

BUSCO EN LOS COMICS CLÁSICOS EL ENTRETENIMIENTO QUE NO ENCUENTRO EN LOS MODERNOS

Mis colaboraciones en podcasts como La Tierra Salvaje o Tomando un chirifús me han hecho leer comics que compré hace un montón de años, como estas navidades Rom, y antes Aquaman y X-Factor de Peter David, Shade The Changing Man de Peter Milligan, la saga de Onslaught y el Heroes Reborn de Marvel Comics, Batman y los Outsiders o los comics clásicos de What if?, entre otros. Una lectura que he agradecido muchísimo, porque en muchos casos igual hacía 20 años o más desde la última vez que los había leído.

Junto a esto, el nacimiento de la nueva Biblioteca Marvel de Panini está permitiendo que pueda comprar los orígenes del universo Marvel en un formato de comics perfecto para ser leído, que parece hecho para mi. Estas aventuras en algunos casos ya las había leído, porque unos primos de Madrid tenían los comics de Vértice y cuando les visitaba en navidades los devoraba. Y porque en su momento compré los Clasicos Marvel de Forum en la que publicaban momentos claves de Marvel. Pero en muchos otros casos, estoy leyendo por primera vez algunos comics de Los 4 Fantásticos, Los Vengadores La Patrulla-X o Nick Furia, Agente de SHIELD que son historia pura de Marvel. En la compra de la Biblioteca Marvel domina mi faceta coleccionista, porque quiero poseer unos comics que son historia de Marvel y que no compré en su momento porque la primera Biblioteca Marvel de Forum no me gustaba al ser en blanco y negro, y más adelante porque los tochazos de los Omnibus, Marvel Gold, o como se llamen, no me gustan como formato para leer.

Pero junto a esto, me encuentro en los últimos meses mirando los listados de Panini no tanto para ver las grapas actuales, sino los listados de tomos clásicos para ver si algo se puede ajustar a mi presupuesto y me permite rellenar huecos en mi Biblioteca. Fruto de esto, en un viaje reciente a Madrid, compré el Marvel Limited Edition TPB Puño de Hierro 1, cuya imagen de portada puedes ver arriba, con las primeras aventuras de Danny Rand publicadas en 1974 y 1975, que precedieron la llegada de los míticos Chris Claremont y Johnn Byrne a la colección, en la que fue su primera colaboración. Y ahora estoy deseando comprar el segundo volumen que ya el todo Claremont y Byrne.

Por un lado veo que estoy en un momento de mi vida en que me apetece rellenar estos huecos de mi biblioteca, entendiendo que muchos de estos comics igual no han envejecido demasiado bien. Por ejemplo, la Biblioteca Marvel La Patrulla-X de Roy Thomas, Don Heck y Werner Roth es una lectura atroz que explica por qué el comic se canceló. Pero al mismo tiempo, me doy cuenta que esta búsqueda de clásicos coincide con el peor momento creativo de Marvel Comics de toda su historia. Un momento en el que sus grapas actuales son ilegibles en su gran mayoría. Y me doy cuenta que si los comics actuales estuvieran decentes y siguiera comprando 12-15 colecciones como hace unos años, no tendría la necesidad de comprar – leer comics clásicos buscando buenas lecturas.

Yo nunca fui un lector de nostalgia, siempre prefería lo moderno. Cuando empecé a comprar comics de Forum en los 80, veía los comics clásicos y me parecían viejunos. Prefería los 4F de John Byrne a los de Lee y Kirby, o Los Vengadores de Shooter y Pérez a los clásicos. Y desde luego, prefería La Patrulla-X de Claremont y Byrne a cualquier otra cosa. Por eso nunca tuve necesidad ni ganas de buscar clásicos. Desde luego, no para leerlos, pero tampoco para coleccionarlos. Tener el presupuesto limitado también fue un factor, por supuesto. Pero estamos en un momento en que esos comics son muchísimo mejores que los comics actuales. Y no lo digo en plan nostálgico porque me hacen recordar mi infancia y juventud y la primera vez que los leí. No, es que OBJETIVAMENTE son comics mejores, mejor dibujados y con unas historias que no buscaban ser «importantes» como ahora, pero que crearon a unos personajes que ahora son míticos. Puño de Hierro es un ejemplo perfecto de esto, en un momento en el que la idiotez de lo políticamente correcto «obliga» a Marvel a sustituir a Danny Rand o a Norrin Radd.

2026 va a ser el primer año de mi vida en que voy a dejar de comprar grapas Marvel en continuidad. Lo peor para Marvel es que nos les echo de menos, porque DC, Image y otras editoriales independientes tienen cubierto mi entretenimiento. En realidad, algo sí me apena, pero se lo han ganado a pulso. Mientras pasan estos años chungos, al menos tengo los clásicos para mantener mi afición a los comics Marvel.

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Películas

Crítica de 28 años después: El templo de los huesos, de Nia DaCosta

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Tras la enorme decepción de 28 años después de Danny Boyle, nos llega la continuación, 28 años después: El templo de los huesos, para la que Boyle ha dejado los mandos a Nia DaCosta (The Marvels).

PUNTUACIÓN: 4/10

El Dr. Kelson (Ralph Fiennes) se ve envuelto en una nueva y sorprendente relación, cuyas consecuencias podrían cambiar el mundo tal y como se conoce,. Por otra parte, el encuentro de Spike (Alfie Williams) con Jimmy Crystal (Jack O’Connell) se convierte en una pesadilla de la que el chico no puede escapar. En este mundo, los infectados ya no son la mayor amenaza para la supervivencia, ya que la inhumanidad de los supervivientes puede ser aún más extraña y aterradora. (FILMAFFINITY)

Nia DaCosta (Nueva York, 1989) es una cineasta estadounidense. Saltó a la fama cuando debutó como guionista y directora con el thriller policíaco Little Woods (2018), que ganó el Premio Nora Ephron a la mejor directora en el Festival de Cine de Tribeca. DaCosta se convirtió en la primera directora negra en debutar en el número 1 de la taquilla estadounidense durante el fin de semana de estreno de la película de terror Candyman (2021). Posteriormente, se convirtió en la primera mujer negra en dirigir una película de Marvel Comics con The Marvels (2023).

Tras dirigir 28 años después, Danny Boyle comentó que tenía pensadas 2 películas más ambientadas en este mundo que sucederían justo a continuación de esa película. Para la segunda película, El templo de los huesos, Boyle dejó que la dirigiera DaCosta, manteniéndose como productor ejecutivo. El guion corre a cuenta de Alex Garland, como las anteriores. Esta película de 109 minutos de duración tiene un presupuesto de 65 millones y ha contado con fotografía de Sean Bobbitt, montaje de Jake Roberts y música de Hildur Guðnadóttir.

En el reparto tenemos el retorno de caras conocidas, como Ralph Fiennes como el Dr. Ian Kelson, un antiguo médico de cabecera dedicado a conmemorar a las víctimas de la epidemia, y Alfie Williams como Spike, un adolescente que se encuentra en una búsqueda personal en el continente. Los nuevos personajes son Jack O’Connell como Sir Lord Jimmy Crystal, un líder de banda psicópata que se inspira en Jimmy Savile. Erin Kellyman como Jimmy Ink / Kelli, uno de los Fingers, que se hace amigo de Spike. Chi Lewis-Parry como «Samson», un líder alfa de los infectados con una imponente presencia física.

Durante la promoción de 28 años después Danny Boyle comentó que a Alex Garland se le ocurrió una idea demasiado buena como para dejarla correr, por lo que decidieron rodar El templo de los huesos inmediatamente, para evitar que Alfie Williams, el chaval que interpreta a Spike, pegara el estirón entre películas. Una vez vista esta película, lo que saco en claro es que lo importante no era tanto el joven actor, sino aprovechar el acojonante set que es el Templo de los Huesos creado por el personaje interpretado por Ralph Fiennes. Y en parte les entiendo, porque realmente es un espacio impresionante. En realidad, si hay algo salvable de esta película sería precisamente este monumento de huesos, y la interpretación de un Ralph Fiennes que siempre está bien.

Pero eso es todo. 28 años después. El templo de los huesos es un fracaso bastante importante a todos los niveles. Empezando por la dirección de una Nia DaCosta que demuestra de forma dolorosa que no tiene el poderío visual de Danny Boyle. Y no es que plantee una película plana visualmente que no tiene nada interesante que mostrar, es que estamos ante una película super aburrida con un ritmo terrible y un anticlimax super decepcionante. El bajón que he tenido viendo una película de zombies, perdón infectados, y que sea un peñazo ha sido tremendo.

Por supuesto, no todo es un problema de DaCosta, porque el guion de Alex Garland es de juzgado de guardia. En la película anterior, con el mismo socio y similares problemas argumentales, al menos Boyle inventó momentos super guapos. Pero en esta película queda completamente en evidencia que el Emperador está desnudo.

28 años después rompió los esquemas al no contar una historia sino que planteó dos episodios bastante independientes con las dos salidas de Spike al mundo salvaje dominado por los infectados. Con un ridículo final que dejaba todo abierto y no ofreció una conclusión a la película. En esta continuación, Boyle plantea dos historias en paralelo. Por un lado, el doctor Ian Kelson (Fiennes), creador del Templo de los Huesos continua su extraña relación con Samson, el infectado Alfa de la zona, descubriendo que los chutes de morfina que le da para evitar sus ataques están calmando a un ser que hasta ahora siempre era salvaje y violento. Esta parte es posiblemente lo más interesante y en lo que más altera el canon de esta franquicia. Aunque en realidad, si lo piensas un poco es una idea realmente ridícula.

Por otro lado, Spike ha sido hecho prisionero por Sir Lord Jimmy Crystal (Jack O´Connell), un psicópata que conocimos de niño cuando surgió el estallido de infectados, y que vio morir a toda su familia. Ya adulto, es un loco que se cree el hijo de Satanás y que ha creado un escuadrón de la muerte con niños huérfanos a los que moldeado a su imagen, con el único propósito de matar a toda persona con los que se encuentren. Spike tiene que luchar a muerte contra uno de los «Dedos» de Jimmy, y milagrosamente consigue salir con vida. Una escena rodada de la forma más mediocre y menos interesante imaginable. Esta segunda trama seguirá los pasos de este grupo mientras crea el caos, masacrando a un grupo que vive en una granja, hasta que llegan por casualidad hasta el Templo de los Huesos.

El problema es que todo es ridículo y está rodado de forma super aburrida. Porque el guion no hay por donde cogerlo. En el mundo 28 años después del apocalipsis, un grupo de personas de la granja que han sobrevivid a todo están por el bosque y no saben enfrentarse a un infectado. En una granja que bordea un bosque repleto de infectados, se les cuelan el grupo de Jimmy apenas armados con apenas cuchillos y flechas y estos no saben defenderse. Esque todo es así, una ridiculez tras otra, que encima está rodado de forma terrible.

El encuentro de Jimmy y el doctor Kelson es interesante. Más por los actores implicados y por lo inusual de la escena dentro de lo que habiamos visto hasta ese momento. Y la relación de Kelson y Samson es lo mejor de la película. Pero es demasiado poco dentro de un conjunto demasiado aburrido. Ni siquiera la canción Number of the Beast de Iron Maiden en el climax final, puede salvar la película. Escena que acaba convirtiéndose en un anticlimax. El mundo al revés.

El no-final de 28 años después me enfadó muchísimo y me pareció una tomadura de pelo. No contentos con esto, El templo de los huesos comete el mismo pecado y vuelve a terminar una película con una situación abierta sin final. Si el verano pasado me pareció fatal, ahora ya creo que se están riendo de mi como cliente, renunciando a su obligación de contar una historia con un principio y un final. Ni siquiera la esperada identidad del cameo que aparece en esa escena compensa el desastre aburrido que he sufrido con esta película.

Danny Boyle afirmó que en función de la rentabilidad de esta película volvería para dirigir la quinta película de la franquicia. Sin embargo, El templo de los huesos ha fracasado en taquilla. En el momento de escribir esas líneas ha recaudado apenas 46 millones en todo el mundo a partir de un presupuesto de 65 millones. Eso supone un tercio de la recaudación de 28 años después, lo que diría que demuestra que el público no quedó contento de la anterior película. Con la diferencia que yo si me animé a ver esta continuación, mientras que el resto de la gente se quedó en casa. Ellos acertaron, yo no. Con estas cifras, es casi imposible que se vaya a producir la siguiente película. Película que en todo caso yo no vería en el cine.

A pesar de todo, tenía curiosidad y ganas que me gustara esta película, pero el chasco ha sido importante.

Comparto el trailer de la película:

28 años después: El templo de los huesos ha sido un chasco importante.

PUNTUACIÓN: 4/10

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Películas

Crítica de Hamnet de Chloé Zhao

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Inauguro las películas de los Oscars 2026 con Hamnet, la nueva película de Chloé Zhao (Nomadland, Eternals) y protagonizada por Jessie Buckley y Paul Mescal.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

La historia de Agnes, la esposa de William Shakespeare, en su lucha por superar la tragedia familiar que irrumpe en su vida. Una historia con el telón de fondo de la creación de una de las más conocidas e importantes obras de Shakespeare, ‘Hamlet’. (FILMAFFINITY)

Chloé Zhao (Pekín, 31 de marzo de 1982) es una directora de cine china-estadounidense. Nació en Pekín pero pasó su adolescencia en Brighton, Reino Unido. Estudió ciencias políticas en Mount Holyoke College, después de lo cual se apuntó a un programa de dirección de cine de la Universidad de Nueva York. Hizo su película debut con Songs My Brothers Taught Me, que se estrenó en el Festival de Cine de Sundance de 2015. En 2017, fue premiada en el Festival Internacional de Cine de Cannes por su película The Rider, pero la aclamación popular llegó este 2021 al ganar Nomadland tres Oscars entre ellos Mejor Película, Mejor Directora y Mejor Actriz Francis McDormand. Tras ella estrenó Eternals para Marvel Studios, una película que generó una encendida polémica entre los fans.

Hamnet está basada en el libro de Maggie O´Farrell. Ambas, O´Farrell y Zhao, escribieron el guion de la película. Zhao además de producirla, monta la película junto a Affonso Gonçalves. La película de 126 minutos cuenta con fotografía de Łukasz Żal y música es de Max Richter.

Hamnet ha sido aclamada por la crítica. La película ganó los premios a Mejor Película Dramática y Mejor Actriz en una Película Dramática (para Buckley) en la 83.ª edición de los Globos de Oro, y Buckley ganó además el premio Critics’ Choice a la Mejor Actriz. La película recibió ocho nominaciones en la 98.ª edición de los Premios Óscar, incluyendo Mejor Película, Mejor Director para Zhao y Mejor Actriz para Buckley.

Jessie Buckley y Paul Mescal son los grandes protagonistas, interpretando a Agnes y William Shakespeare. Emily Watson es Mary Shakespeare, madre de William, Joe Alwyn hace de Bartholomew Hathaway, hermano de Agnes. Jacobi Jupe interpreta a Hamnet Shakespeare, el hijo de William y Agnes y gemelo de Judith (Olivia Lynes), cuyo fallecimiento provocará todo el drama de la historia. Por último, Bodhi Rae Breathnach hace de Susanna, la hija mayor de la pareja.

Chloé Zhao se hizo conocida en sus primeras películas entre otras cosas por un estilo de cámara en mano casi documental que resultaba muy llamativo, colocando al espectador siempre al lado del protagonista. Tras ver Hamnet queda claro que Zhao ha refinado su estilo, porque la película está rodada de forma super elegante, con unos encuadres bellísimos y una fotografía casi poética, olvidándose de la cámara en mano excepto en unos pocos momentos. El trabajo de Zhao en todas sus facetas me parece fantástico.

Hamnet es una película de estados de ánimo. Incluso en los momentos en que William y Agnes Shakespeare son felices hay una sensación de desastre inminente. Y cuando Hamnet fallece, el drama y el duelo se apoderan de la película. Por comentarios y sensaciones, creía que la película iba a provocar una llorera absoluta y diría que no es tanto, aunque hay momentos super dolorosos y dramáticos. Unos momentos resueltos de forma maravillosa por la pareja protagonista. (Inciso, hablando con una compañera de trabajo, resulta que ella si se pasó llorando casi todo el último tercio de la película, y me comentaba que sólo de volver a pensar en ella le entraba emoción).

Hamnet disfruta de unos actores increíbles. Jessie Buckley lleva la voz cantante porque la película se plantea la mayor parte del tiempo siguiendo su punto de vista. Agnes es una persona con una fuerte conexión al mundo natural que tiene el presagio de que algo puede sucederle a sus hijos. A pesar de hacer todo lo que estuvo en su mano, su hijo Hamnet muere y eso provoca un agujero en su corazón, aumentado porque su marido no está con ella, al irse a Londres a triunfar en el teatro. Reconozco que no tenía ubicada a Buckey, y su trabajo es estelar. Aparte del drama y del dolor puro por la muerte de un hijo, Buckey transmite un montón con unos matices alucinantes, pasando del llanto a la alegría y de nuevo al dolor de forma magistral. Dicho esto, y reconociendo lo mucho que me gusta la película en general y el trabajo de Buckey en particular, creo que hay una parte importante de la película que se construye a partir de pornografía emocional, alargando planos para recrearse en el dolor de esta madre. Que Buckey resuelve de forma super emocionante, pero que no dejan de ser lo que son.

Por su parte, Paul Mescal se ha convertido en la «próxima estrella» de Hollywood, al participar en varias películas «importantes» recientes y ser promocionado por todos lados. De alguna manera, lo mismo que hicieron con Austn Butler hace un par de años. Mescal está genial poniendo cara a William Shakespeare. Un hombre bueno que tiene mundos en su cabeza que no sabe expresar con palabras, pero que aprenderá a plasmarlos en el papel. Mescal transmite todo el dolor y el sufrimiento de un padre en su situación. Un padre que tiene que irse de su casa para poder canalizar sus sentimientos y su imaginación en el papel. Aunque reconozco que creo que Mescal tiene una cara un poco rara que hace que no consiga conectar con él, creo que es un gran actor.

En realidad, el casting me parece que es fantástico. Emily Watson como la madre de William tiene un papel pequeño pero super potente. Y las dos niñas actrices que interpretan a las hermanas de Hamnet están también increíbles. Se nota que Zhao es una buena directora de actores y ha conseguido que todos estén maravillosos dentro de los dramáticos papeles que tienen que interpretar. En general, el tratamiento del duelo de los protagonistas y del resto de su familia me parece que está super bien.

En relación a la historia, me ha resultado super llamativo que en estos momentos de «resignificación» de contenidos clásicos en el entretenimiento mainstream, la mayoría de las veces para denigrar a esos personajes o hechos históricos al pasarlos por el prisma de lo políticamente correcto de 2020, Hamnet es una celebración del más grande escritor de las letras británicas, y de su obra más celebrada. Porque podría argumentarse que Shakespeare fue mezquino al abandonar a su mujer y sus hijas tras fallecer su hijo para irse trabajar a Londres. Sin embargo, la película hace un triple tirabuzón argumental y dramático al afirmar que Shakespeare no sólo escribió una de las grandes obras en lengua inglesa, sino que usó la obra de teatro para ayudar a que su esposa Agnes pudiera decir adiós a su hijo fallecido, además de ser la forma en que exorcizó sus propios demonios internos. La obra de teatro convierte a su hijo en un ser inmortal conocido por (casi) toda la humanidad, y consigue que Agnes le perdone por no haber estado con ella y por tener su cabeza siempre en las nubes pensando en sus historias. Unas historias que a estas alturas son ya patrimonio cultural de la humanidad. De alguna forma, esta obra de teatro es la forma de pedir perdón y de recibir la absolución por parte de Agnes, cosa que consigue. Lo que sirve para dar el final perfecto a la historia. Un final incluso positivo tras la epifanía de la madre que consigue dejar ir a su hijo.

La representación de Hamlet tiene momentos super emocionantes, con unos momentos de Buckey y Mescal antológicos, sobre todo de ella. Es muy interesante la forma en que Zhao hace un corta-pega con los diálogos de la obra de teatro, cogiendo sólo lo que necesita dramáticamente, olvidando por ejemplo que el padre de Hamlet, el Rey asesinado, pide a su hijo que le vengue y mate a su asesino. El climax emocional es perfecto y consigue que la película termine en el momento justo, no sobrándole ni una coma. Ni tampoco necesita nada más. Porque si nos guiamos de los hechos históricos conocidos, igual Shakespeare no volvió con su esposa y se quedó en Londres hasta su muerte. No se si esto fue así pero diría que es lo más probable. Así que está bien que la película termine donde lo hizo.

Para ayudar a la belleza y dramatismo de los momentos clave, la película se apoya en una buenísima banda sonora Max Richter, que amplifica el drama y la epifanía emocional que vivirán los protagonistas durante esa obra de teatro. La música es perfecta para la intención de Zhao, como también lo es la fotografía, el montaje, el vestuario y todo lo relativo al diseño de producción.

Hamnet me ha gustado mucho, la verdad. Creo que es una película en la que todo es de notable para arriba, y que consiguió dejarme con la mejor sensación posible, dentro del drama tremendo que acababa de ver.

Sin embargo, puesto a decir algo menos bueno, dentro de lo mucho que me gusta, hay que reconocer que Zhao plantea un ejercicio evidente de pornografía emocional a partir del drama de Agnes, que Jessie Buckey recrea de forma magistral. Algo planteado para hacer una película «premiable» que fuera aclamada en la temporada de premios, apoyado en las interpretaciones pero también en la resignificación de hechos históricos clave para la cultura anglosajona. Que están buscando premios diría que es algo que se nota casi desde el primer fotograma en el que vemos un bosque británico. En todo caso, aunque la pornografía emocional es evidente, al menos está realizada con estilo y personalidad, por lo que no es algo que me moleste o que me baje su nota.

Lo que si diré, de nuevo recalcando que es una película que me ha gustado mucho, es que para mi no es la mejor película del año 2025 ni muchísimo menos. Pero me alegro de haberla visto en pantalla grande.

Comparto el trailer de la película:

Hamnet es una película super recomendable, me ha gustado mucho. Pero no diría que es la mejor película del año.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

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Crítica de El botín de Joe Carnahan (Netflix)

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Netflix ha estrenado la última película de Matt Damon y Ben Affleck, El botín, dirigida por el siempre eficaz Joe Carnahan. Comparto mis impresiones.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

La confianza de un grupo de policías de Miami comienza a resquebrajarse después de descubrir millones de dólares en efectivo en un escondite abandonado. A medida que fuerzas externas se enteran del tamaño de la incautación, todo se pone en duda, incluso en quién pueden confiar.

Joseph Aaron Carnahan (1969) es un director de cine, guionista, productor y actor estadounidense especializado en cine de acción. Es conocido por películas como Narc, Smokin’ Aces, The A-Team, The Grey, Boss Level y Juego de asesinos. También escribió y dirigió varios episodios de la serie de televisión de la NBC The Blacklist. Carnahan además de dirigir esta película ha escrito el guion a partir de una historia de Michael McGrale.

La película ha sido producida por la productora de Damon y Affleck Artists Equity y ha contado con un presupuesto de 100 millones de dólares, que han sido abonados por Netflix tras firmar el contrato de distribución en exclusiva. La película tiene una duración de 113 minutos, y ha contado con la fotografía de Catalina Sandino Moreno como la detective Lolo Salazar, el montaje de Kevin Hale y la música de Clinton Shorter.

En el reparto tenemos a Matt Damon y Ben Affleck como los protagonistas, el teniente Dane Dumar y el sargento detective JD Byrne. Ambos investigarán la muere de su anterior Capitana, Jackie Velez (interpretada por Lino Escobar), pareja de Byrne, que estaba investigando la ubicación de un importante botín del cartel.

Los otros miembros del equipo son Steven Yeun como el detective Mike Ro, Teyana Taylor como la detective Numa Baptiste y Catalina Sandino Moreno como la detective Lolo Salazar. Sasha Calle es Desiree «Desi» Molina, la dueña de la casa donde encontrarán el botín. Scott Adkins como el agente del FBI Del Byrne, Kyle Chandler como el agente de la DEA Mateo «Matty» Nix y Néstor Carbonell como el comandante Thom Vallejo, completan el reparto.

El botín es una de esas películas en las que la potencia y el carisma de todo el reparto hace que sea casi obligada su visionado. Otra cosa que para mí es muy importante es que Matt Damon y Ben Affleck son dos profesionales muy inteligentes que saben involucrarse en películas que aseguran un entretenimiento que no toma por tontos al espectador. A eso se suma el deseo que la productora de ambos, Artistas Equity, sea exitosa. Porque hablamos de una productora que plantea un mayor reparto de beneficios entre todos los profesionales que trabajan en la producción.

Todas esas cosas son los elementos que hicieron que quisiera ver la película, pero ¿Y la película qué? ¿Merece la pena? Y lo principal es que SI.

El botín es un thriller que plantea una situación límite a partir de qué un equipo de la policía de Miami encuentra 20 millones de dólares de la droga tras recibir un misterioso soplo. La tensión se construye a partir de varias claves. La primera es la duda de qué van a hacer los policías, si entregarlo o quedarse una parte. Porque parece que no todos están limpios. Pero hay una segunda cuestión casi más importante. Y es que justo antes de recibir este soplo, la capitana de este equipo fue asesinada mientras trabajaba en esta operación, lo que hace creer a los policías que puede que tengan un todo dentro del grupo que podría tradicionales en cualquier momento.

Joe Carnahan plantea un estupendo ejercicio de tensión en el que no queda claro quien está limpio y quien va a traicionar al grupo. En este sentido, el carisma de Matt Damon y Ben Affleck ayudan a que la ambigüedad sea absoluta. Pero no son ellos, tener a Steven Yeun o Kyle Chandler en el reparto es un lujo que hace que la paranoia sea absoluta.

El botín sabe qué tipo de entretenimiento quiere ofrecer. Y lo hace sin trampas groseras de guión ni deus-ex-machinas facilones. Cuando todo se aclara, el plan resulta lógico, aunque es cierto que todo resulta demasiado conveniente. Pero todo dentro de lo razonable en una historia que tiene que ir al grano. Estoy buscando algo menos bueno que decir de la película, pero que algo sea conveniente NO es un problema.

Además del estupendo ejercicio de tensión, El botín tiene un ritmo perfecto que mantiene el interés de principio a fin. Hablaba al principio de Carnahan como un profesional «eficaz», pero es un calificativo que sería extensiva a toda la producción de Artistas Equity.

Por cierto, lo que si me parece curioso es que se comente que el presupuesto es de 100 millones, porque no es algo que se vea en pantalla, al tener una película rodada casi en una única localización. Lo cual significaría que todos han cobrado muy bien. Además, si consiguen venderla a Netflix y ellos pagan, pues los espectadores encantados. Ole por ellos.

Llevaba unas semanas un poco tontas en las que no me apetecía ver nada. Ni series ni películas. Pero la verdad es que El botín es una película que parece hecha para mi, con todos los elementos que busco empezando por un reparto carismático. Dadme muchas películas de estas, que las veo todas.

Comparto el trailer de la película:

El botín me parece una película super entretenida que sabe jugar con el suspense y el carisma de un reparto increíble.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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